هنرمندانی که در ژانر برهنه کار می کنند. شاهکارهای تکان دهنده نقاشی کلاسیک

اگر فکر می کنید که همه هنرمندان بزرگ در گذشته هستند، پس نمی دانید چقدر در اشتباه هستید. در این مقاله با مشهورترین و با استعدادترین هنرمندان زمان ما آشنا خواهید شد. و، باور کنید، آثار آنها کمتر از آثار استادان دوران گذشته در حافظه شما باقی خواهد ماند.

وویچ بابسکی

وویچ بابسکی هنرمند معاصر لهستانی است. او تحصیلات خود را در مؤسسه پلی تکنیک سیلزی به پایان رساند، اما با خود همراه شد. او اخیراً عمدتاً زنان را نقاشی می کند. بر بیان احساسات تمرکز می کند، تلاش می کند تا با استفاده از وسایل ساده بیشترین تأثیر ممکن را به دست آورد.

عاشق رنگ است، اما اغلب از سایه های سیاه و خاکستری برای رسیدن به بهترین تاثیر استفاده می کند. از آزمایش کردن تکنیک های جدید و متفاوت نمی ترسید. اخیراً او محبوبیت فزاینده ای در خارج از کشور به دست آورده است، عمدتاً در بریتانیا، جایی که او با موفقیت آثار خود را که در حال حاضر در بسیاری از مجموعه های خصوصی یافت می شود، به فروش می رساند. او علاوه بر هنر به کیهان شناسی و فلسفه نیز علاقه دارد. به موسیقی جاز گوش می دهد. در حال حاضر در کاتوویتس زندگی و کار می کند.

وارن چانگ

وارن چانگ هنرمند معاصر آمریکایی است. او در سال 1957 متولد شد و در مونتری، کالیفرنیا بزرگ شد و در سال 1981 از کالج طراحی مرکز هنر در پاسادنا فارغ التحصیل شد و مدرک BFA را دریافت کرد. در طول دو دهه بعد، او قبل از شروع کار به عنوان یک هنرمند حرفه ای در سال 2009، به عنوان تصویرگر برای شرکت های مختلف در کالیفرنیا و نیویورک کار کرد.

نقاشی های رئالیستی او را می توان به دو دسته اصلی تقسیم کرد: نقاشی های داخلی زندگی نامه ای و نقاشی هایی که افراد را در حال کار به تصویر می کشند. علاقه او به این سبک نقاشی به کارهای هنرمند قرن شانزدهم یوهانس ورمیر برمی گردد و به موضوعات، سلف پرتره ها، پرتره های اعضای خانواده، دوستان، دانش آموزان، فضای داخلی استودیو، کلاس های درس و خانه ها می رسد. هدف او ایجاد روحیه و احساس در نقاشی های رئالیستی خود از طریق دستکاری نور و استفاده از رنگ های خاموش است.

چانگ پس از روی آوردن به هنرهای زیبای سنتی مشهور شد. در طی 12 سال گذشته، او جوایز و افتخارات متعددی را به دست آورده است که معتبرترین آنها امضای استاد نقاشان روغن آمریکا، بزرگترین انجمن نقاشی رنگ روغن در ایالات متحده است. فقط یک نفر از 50 نفر فرصت دریافت این جایزه را دارد. وارن در حال حاضر در مونتری زندگی می کند و در استودیوی خود کار می کند و همچنین در آکادمی هنر سانفرانسیسکو تدریس می کند (که به عنوان یک معلم با استعداد شناخته می شود).

اورلیو برونی

اورلیو برونی هنرمند ایتالیایی است. متولد 15 اکتبر 1955 در بلر. او دیپلم صحنه نگاری را از موسسه هنر در اسپولتو دریافت کرد. به عنوان یک هنرمند، او خودآموخته است، زیرا او به طور مستقل "خانه ای از دانش" را بر اساس پایه گذاری شده در مدرسه بنا کرد. او نقاشی با رنگ روغن را از 19 سالگی آغاز کرد. در حال حاضر در آمبریا زندگی و کار می کند.

نقاشی های اولیه برونی ریشه در سورئالیسم دارد، اما با گذشت زمان او شروع به تمرکز بر نزدیکی رمانتیسیسم غنایی و نمادگرایی می کند و این ترکیب را با پیچیدگی و خلوص شخصیت هایش تقویت می کند. اشیاء متحرک و بی جان از حیثیت یکسانی برخوردار می شوند و تقریباً بیش از حد واقعی به نظر می رسند، اما در عین حال پشت پرده پنهان نمی شوند، بلکه به شما اجازه می دهند جوهر روح خود را ببینید. تطبیق پذیری و پیچیدگی، احساسی بودن و تنهایی، اندیشیدن و ثمربخشی روح اورلیو برونی است که از شکوه هنر و هارمونی موسیقی تغذیه می شود.

الکساندر بالوس

آلکاساندر بالوس هنرمند معاصر لهستانی متخصص در نقاشی رنگ روغن است. در سال 1970 در گلیویس، لهستان به دنیا آمد، اما از سال 1989 در ایالات متحده آمریکا، در شستا، کالیفرنیا زندگی و کار کرده است.

در کودکی زیر نظر پدرش جان، هنرمند و مجسمه ساز خودآموخته هنر آموخت، بنابراین از همان دوران کودکی، فعالیت هنری مورد حمایت همه جانبه والدین قرار گرفت. در سال 1989، در هجده سالگی، بالوس لهستان را به مقصد ایالات متحده ترک کرد، جایی که معلم مدرسه و هنرمند پاره وقت او، کیتی گاگلیاردی، آلکاساندر را تشویق کرد تا در مدرسه هنر ثبت نام کند. بالوس سپس بورسیه تحصیلی کاملی را به دانشگاه میلواکی، ویسکانسین دریافت کرد و در آنجا نزد استاد فلسفه، هری روزین، نقاشی خواند.

پس از فارغ التحصیلی در سال 1995 با مدرک لیسانس، بالوس به شیکاگو نقل مکان کرد تا در دانشکده هنرهای زیبا تحصیل کند که روش های آن بر اساس کارهای ژاک لوئیس دیوید است. رئالیسم فیگوراتیو و پرتره اکثریت آثار بالوس را در دهه 90 و اوایل دهه 2000 تشکیل دادند. امروزه بالوس بدون ارائه راه حلی از شخصیت انسان برای برجسته کردن ویژگی ها و کاستی های وجودی انسان استفاده می کند.

ترکیب های موضوعی نقاشی های او قرار است به طور مستقل توسط بیننده تفسیر شود، تنها در این صورت است که نقاشی ها معنای زمانی و ذهنی واقعی خود را به دست می آورند. در سال 2005، این هنرمند به شمال کالیفرنیا نقل مکان کرد، از آن زمان موضوع کار او به طور قابل توجهی گسترش یافته است و اکنون شامل روش های نقاشی آزادتر، از جمله انتزاع و سبک های چند رسانه ای مختلف است که به بیان ایده ها و ایده آل های هستی از طریق نقاشی کمک می کند.

آلیسا راهبان

آلیسا مونک یک هنرمند معاصر آمریکایی است. در سال 1977 در ریج وود، نیوجرسی متولد شد. از کودکی شروع به علاقه به نقاشی کردم. او در The New School در نیویورک و دانشگاه ایالتی مونتکلر تحصیل کرد و در سال 1999 از کالج بوستون با مدرک لیسانس فارغ التحصیل شد. همزمان در آکادمی لورنزو مدیچی در فلورانس نقاشی خواند.

سپس تحصیلات خود را در مقطع کارشناسی ارشد در آکادمی هنر نیویورک در بخش هنرهای تجسمی ادامه داد و در سال 2001 فارغ التحصیل شد. او در سال 2006 از کالج فولرتون فارغ التحصیل شد. او مدتی در دانشگاه‌ها و مؤسسات آموزشی سراسر کشور سخنرانی کرد و در آکادمی هنر نیویورک و همچنین دانشگاه ایالتی مونتکلر و آکادمی هنر لایم به تدریس نقاشی پرداخت.

با استفاده از فیلترهایی مانند شیشه، وینیل، آب و بخار، بدن انسان را مخدوش می کنم. این فیلترها به شما این امکان را می دهند که مناطق بزرگی از طراحی انتزاعی ایجاد کنید، با جزایری از رنگ که در قسمت هایی از بدن انسان به چشم می خورند.

نقاشی‌های من دیدگاه مدرن از ژست‌ها و ژست‌های سنتی و سنتی زنان در حال حمام را تغییر می‌دهد. آن‌ها می‌توانستند درباره‌ی چیزهای به ظاهر بدیهی مانند فواید شنا، رقص و غیره، به بیننده‌ای توجه کنند. شخصیت‌های من به شیشه‌ی دوش فشار می‌آورند و بدن خود را تحریف می‌کنند و متوجه می‌شوند که از این طریق بر نگاه بدنام مرد به یک زن برهنه تأثیر می‌گذارند. لایه های ضخیم رنگ برای تقلید از شیشه، بخار، آب و گوشت از دور مخلوط می شوند. با این حال، از نزدیک، خواص فیزیکی شگفت انگیز رنگ روغن آشکار می شود. با آزمایش لایه‌های رنگ و رنگ، به نقطه‌ای می‌رسم که قلم‌موهای انتزاعی به چیز دیگری تبدیل می‌شوند.

زمانی که برای اولین بار نقاشی بدن انسان را شروع کردم، بلافاصله مجذوب و حتی وسواس آن شدم و معتقد بودم که باید نقاشی هایم را تا حد امکان واقعی کنم. من «اظهار» رئالیسم کردم تا اینکه شروع به آشکار شدن و آشکار شدن تناقضات در خود کرد. من اکنون در حال بررسی امکانات و پتانسیل سبکی از نقاشی هستم که در آن نقاشی بازنمایی و انتزاع با هم تلاقی می‌کنند – اگر هر دو سبک بتوانند در یک لحظه در زمان همزیستی داشته باشند، این کار را انجام خواهم داد.

آنتونیو فینیلی

هنرمند ایتالیایی – “ ناظر زمان– آنتونیو فینیلی در 23 فوریه 1985 به دنیا آمد. در حال حاضر در ایتالیا بین رم و کامپوباسو زندگی و کار می کند. آثار او در چندین گالری در ایتالیا و خارج از کشور به نمایش گذاشته شده است: رم، فلورانس، نوارا، جنوا، پالرمو، استانبول، آنکارا، نیویورک، و همچنین در مجموعه های خصوصی و عمومی یافت می شود.

نقاشی با مداد ” ناظر زمان«آنتونیو فینیلی ما را به سفری ابدی در دنیای درونی زمانمندی انسان و تحلیل دقیق این جهان می برد که عنصر اصلی آن گذر زمان و ردپایی است که بر روی پوست به جا می گذارد.

فینیلی پرتره هایی از افراد در هر سن، جنسیت و ملیت می کشد که حالات چهره آنها نشان دهنده گذر زمان است و هنرمند همچنین امیدوار است که شواهدی از بی رحمی زمان بر روی بدن شخصیت های خود بیابد. آنتونیو آثار خود را با یک عنوان کلی تعریف می‌کند: «خودنگاری»، زیرا او در طراحی‌های مداد خود نه تنها یک شخص را به تصویر می‌کشد، بلکه به بیننده اجازه می‌دهد تا به نتایج واقعی گذر زمان در درون یک شخص فکر کند.

فلامینیا کارلونی

فلامینیا کارلونی هنرمند 37 ساله ایتالیایی، دختر یک دیپلمات است. او سه فرزند دارد. او دوازده سال در رم و سه سال در انگلستان و فرانسه زندگی کرد. او مدرک تاریخ هنر را از مدرسه هنر BD دریافت کرد. سپس به عنوان مرمتگر هنر دیپلم گرفت. قبل از اینکه او را بیابد و کاملاً خود را وقف نقاشی کند، به عنوان روزنامه‌نگار، رنگ‌نویس، طراح و بازیگر کار می‌کرد.

اشتیاق فلامینیا به نقاشی در دوران کودکی به وجود آمد. رسانه اصلی او روغن است، زیرا او عاشق «پاست پاته» و همچنین بازی با مواد است. او تکنیک مشابهی را در آثار هنرمند پاسکال توروآ تشخیص داد. فلامینیا از استادان بزرگ نقاشی مانند بالتوس، هاپر و فرانسوا لگراند و همچنین جنبش های هنری مختلف الهام گرفته شده است: هنر خیابانی، رئالیسم چینی، سوررئالیسم و ​​رئالیسم رنسانس. هنرمند مورد علاقه او کاراواجو است. رویای او کشف قدرت درمانی هنر است.

دنیس چرنوف

دنیس چرنوف یک هنرمند با استعداد اوکراینی است که در سال 1978 در سامبیر، منطقه لویو، اوکراین به دنیا آمد. پس از فارغ التحصیلی از مدرسه هنر خارکف در سال 1998، در خارکف ماند و در حال حاضر در آنجا زندگی و کار می کند. او همچنین در آکادمی دولتی طراحی و هنر خارکف، گروه هنرهای گرافیکی تحصیل کرد و در سال 2004 فارغ التحصیل شد.

او به طور منظم در نمایشگاه های هنری شرکت می کند تا به امروز بیش از شصت مورد از آنها در اوکراین و خارج از کشور برگزار شده است. بیشتر آثار دنیس چرنوف در مجموعه های خصوصی در اوکراین، روسیه، ایتالیا، انگلیس، اسپانیا، یونان، فرانسه، ایالات متحده آمریکا، کانادا و ژاپن نگهداری می شود. برخی از آثار در حراج کریستی فروخته شد.

دنیس در طیف گسترده ای از تکنیک های گرافیک و نقاشی کار می کند. طراحی‌های با مداد یکی از محبوب‌ترین روش‌های نقاشی او هستند.

.
این هنرمند که در سال 1994 در رشته طراحی گرافیک از مدرسه هنر Tver فارغ التحصیل شد، با سبک خارق العاده و ترکیب بندی های زیبای خود تخیل را شگفت زده می کند.

او خالق تصاویر واقعا منحصر به فرد با لمس یکپارچهسازی با سیستمعامل است. والدمار کازاک هنرمندی با شوخ طبعی است، او بینش خاصی از زندگی روزمره دارد، می داند چگونه به زندگی روزمره بخندد، اغلب معنای افسانه های کودکانه، سیاستمداران و جوانان مدرن را مسخره می کند.

یک تصویرگر مدرن در ژانر روزمره با تاکید بر کاریکاتور کار می کند. توجه نکردن و به خاطر سپردن شخصیت های آثار کازاک دشوار است. همه آنها بسیار رنگارنگ، رسا و روشن هستند.

ترکیبات نفس گیر او مملو از سبک زیبایی شناسی پس از جنگ است که در دهه 50 قرن بیستم به وجود آمد.

این چیزی است که خود والدمار کازاک در مورد سبک خود می گوید:

مانند هر شخص (یا هنرمند)، من دستخط خودم را دارم. اما من او را تربیت نمی‌کنم، زیرا می‌ترسم وارد رفتارهای اخلاقی شوم. علاوه بر این، نوشتن فردی روشن در بازار مورد تقاضا است. بله، در واقع، همه از قبل این را می دانند.

نقاشی های هنری بسیار درخشان، هیجان انگیز و چشم نواز به سبک رترو Waldemar Kazak هیچ کس را بی تفاوت نمی کند!

در هنر مضامین ابدی وجود دارد. یکی از آنها موضوع زنان است، موضوع مادری. هر دوره ایده آل خود را از یک زن دارد، کل تاریخ بشریت منعکس شده است که مردم چگونه یک زن را دیدند، چه اسطوره هایی او را احاطه کردند و به ایجاد او کمک کردند. یک چیز مسلم است - در تمام قرون و زمانها شخصیت زنانه توجه ویژه هنرمندان را به خود جلب کرده، جلب کرده و خواهد کرد.

تصاویر زنان که در هنر پرتره خلق شده اند، آرمان شاعرانه را در وحدت هماهنگ ویژگی های معنوی و ظاهر بیرونی آن حمل می کنند. از روی پرتره ها می توان قضاوت کرد که چگونه ظاهر یک زن و آرایش ذهنی او تحت تأثیر رویدادهای اجتماعی، مد، ادبیات، هنر و خود نقاشی است.

ما به شما تصاویر متنوعی از زنان در نقاشی هایی با جهات مختلف ارائه می دهیم

واقع گرایی

ماهیت جهت گیری این است که واقعیت را تا حد امکان دقیق و عینی به تصویر بکشد. تولد رئالیسم در نقاشی اغلب با کار هنرمند فرانسوی گوستاو کوربه مرتبط است که نمایشگاه شخصی خود را با عنوان "پاویون رئالیسم" در سال 1855 در پاریس افتتاح کرد. نقطه مقابل رمانتیسم و ​​آکادمیک گرایی. در دهه 1870، رئالیسم به دو جهت اصلی تقسیم شد - ناتورالیسم و ​​امپرسیونیسم. طبیعت گرایان هنرمندانی بودند که می خواستند واقعیت را تا حد امکان دقیق و با عکاسی ثبت کنند.

ایوان کرامسکوی "ناشناس"

سروف "دختری با هلو"

آکادمیزم

آکادمیک با پیروی از اشکال بیرونی هنر کلاسیک رشد کرد. آکادمیک مظهر سنت های هنر باستانی بود که در آن تصویر طبیعت ایده آل می شد. آکادمیک روسی نیمه اول قرن نوزدهم با مضامین عالی، سبک استعاری بالا، تنوع، چند چهره و شکوه مشخص می شود. صحنه های کتاب مقدس، مناظر سالن و پرتره های تشریفاتی محبوب بودند. با وجود موضوع محدود نقاشی ها، آثار دانشگاهیان با مهارت فنی بالا متمایز می شدند.

Bouguereau "Pleiades"

Bouguereau "Mood"

کابانل "تولد زهره"

امپرسیونیسم

نمایندگان این سبک به دنبال این بودند که دنیای واقعی را در تحرک و تنوع آن به طبیعی ترین و بی طرفانه ترین شکل به تصویر بکشند و برداشت های زودگذر خود را منتقل کنند. امپرسیونیسم فرانسوی مسائل فلسفی را مطرح نکرد. در عوض، امپرسیونیسم بر سطحی نگری، سیال بودن یک لحظه، حالت، نور، یا زاویه دید تمرکز می کند. نقاشی‌های آن‌ها فقط جنبه‌های مثبت زندگی را نشان می‌داد، مشکلات اجتماعی را مختل نمی‌کرد و از مشکلاتی مانند گرسنگی، بیماری و مرگ اجتناب می‌کرد. موضوعات کتاب مقدس، ادبی، اساطیری و تاریخی که در آکادمیک گرایی رسمی ذاتی بودند کنار گذاشته شدند. موضوعات معاشقه، رقص، حضور در یک کافه و تئاتر، قایق سواری، در سواحل و در باغ گرفته شد. با قضاوت بر اساس نقاشی های امپرسیونیست ها، زندگی مجموعه ای از تعطیلات کوچک، مهمانی ها، سرگرمی های دلپذیر در خارج از شهر یا در یک محیط دوستانه است.

بولدینی "مولن روژ"

رنوار "پرتره ژان سامری"

مانه "صبحانه روی چمن"

مایو "روزا براوا"

لوترک "زنی با چتر"

سمبولیسم

نمادگرایان نه تنها انواع مختلف هنر، بلکه نگرش خود را نیز به طور اساسی تغییر دادند. شخصیت تجربی، میل به نوآوری و جهان وطن گرایی آنها الگویی برای اکثر جنبش های هنری مدرن شده است. آنها از نمادها، کم بیان، کنایه، رمز و راز، معما استفاده کردند. خلق و خوی اصلی اغلب بدبینی بود که به نقطه یأس می رسید، بر خلاف دیگر جنبش های هنر، نمادگرایی به بیان ایده های «دست نیافتنی»، گاه عرفانی، تصاویر ابدیت و زیبایی معتقد است.

ردون "افلیا"

فرانتس فون استاک "سالومه"

واتس "امید"

روزتی "پرسفون"

مدرن

مدرنیسم به دنبال ترکیب کارکردهای هنری و فایده‌گرایانه آثار خلق شده بود تا همه حوزه‌های فعالیت انسانی را در حوزه زیبایی درگیر کند. در نتیجه، علاقه به هنرهای کاربردی وجود دارد: طراحی داخلی، سرامیک، گرافیک کتاب. هنرمندان هنر نو از هنر مصر باستان و تمدن های باستانی الهام گرفتند. قابل توجه ترین ویژگی Art Nouveau کنار گذاشتن زوایای راست و خطوط به نفع خطوط صاف تر و منحنی بود. هنرمندان آرت نوو اغلب زیورآلاتی را از دنیای گیاهان به عنوان پایه طراحی های خود می گرفتند.

کلیمت "پرتره آدل بلوخ-بائر اول"

کلیمت "دانائه"

کلیمت "سه عصر زن"

پرواز "میوه"

اکسپرسیونیسم

اکسپرسیونیسم یکی از تاثیرگذارترین جنبش های هنری قرن بیستم است. اکسپرسیونیسم به عنوان واکنشی به بحران حاد ربع اول قرن بیستم، جنگ جهانی اول و جنبش‌های انقلابی متعاقب آن، زشتی تمدن بورژوایی که منجر به میل به غیرعقلانی شد، پدید آمد. از انگیزه های درد و فریاد استفاده شد، اصل بیان شروع به غلبه بر تصویر کرد.

مودیلیانی. او با استفاده از بدن و چهره زنان سعی می کند در روح شخصیت هایش نفوذ کند. «من به انسان علاقه مندم. صورت بزرگترین آفریده طبیعت است. من به طور خستگی ناپذیر از آن استفاده می کنم، "او تکرار کرد.

مودیلیانی "برهنه خوابیده"

شیله "زنی جوراب سیاه پوش"

کوبیسم

کوبیسم یک جنبش مدرنیستی در هنرهای زیبا (عمدتا نقاشی) در ربع اول قرن بیستم است که وظیفه رسمی ساخت یک فرم سه بعدی در یک صفحه را برجسته کرد و کارکردهای بصری و شناختی هنر را به حداقل رساند. ظهور کوبیسم به طور سنتی به سال های 1906-1907 مربوط می شود و با کارهای پابلو پیکاسو و ژرژ براک مرتبط است. به طور کلی، کوبیسم شکستی با سنت هنر رئالیستی بود که در دوران رنسانس توسعه یافت، از جمله ایجاد یک توهم بصری از جهان در یک هواپیما. کار کوبیست ها چالشی برای زیبایی استاندارد هنر سالن، تمثیل های مبهم نمادگرایی و بی ثباتی نقاشی امپرسیونیستی بود. کوبیسم با ورود به دایره جنبش‌های شورشی، آنارشیستی، فردگرایانه در میان آنها با جذبه به زهد رنگی، به اشکال ساده، سنگین، ملموس و نقوش ابتدایی برجسته شد.

پیکاسو "زن گریان"

پیکاسو "در حال ماندولین بازی"

پیکاسو "Les Demoiselles d'Avignon"

سوررئالیسم

مفهوم اساسی سوررئالیسم، سوررئالیت- ترکیبی از رویا و واقعیت. برای دستیابی به این هدف، سوررئالیست ها ترکیبی پوچ و متناقض از تصاویر طبیعت گرایانه را از طریق کولاژ و انتقال یک شی از فضایی غیر هنری به فضایی هنری پیشنهاد کردند که به دلیل آن شی از جنبه ای غیرمنتظره آشکار می شود، ویژگی هایی که در بیرون مورد توجه قرار نمی گرفت. زمینه هنری در آن ظاهر می شود. سوررئالیست ها از ایدئولوژی چپ رادیکال الهام گرفته بودند، اما آنها پیشنهاد کردند که انقلاب را با آگاهی خود شروع کنند. آنها هنر را ابزار اصلی رهایی می دانستند. این جهت تحت تأثیر فراوان نظریه روانکاوی فروید توسعه یافت. سوررئالیسم ریشه در نمادگرایی داشت و در ابتدا تحت تأثیر هنرمندان نمادگرا مانند گوستاو مورو و اودیلون ردون قرار گرفت. بسیاری از هنرمندان محبوب سوررئالیست بودند، از جمله رنه ماگریت، ماکس ارنست، سالوادور دالی، آلبرتو جاکومتی.

ژانرهای نقاشی ظاهر شدند، محبوبیت یافتند، محو شدند، ژانرهای جدید پدید آمدند، و انواع فرعی در میان انواع موجود متمایز شدند. تا زمانی که یک فرد وجود دارد و سعی می کند دنیای اطراف خود را به تصویر بکشد، خواه طبیعت، ساختمان ها یا افراد دیگر، این روند متوقف نخواهد شد.

پیش از این (تا قرن نوزدهم)، ژانرهای نقاشی به ژانرهای به اصطلاح "بالا" (ژانر بزرگ فرانسوی) و ژانرهای "کم" (ژانر کوچک فرانسوی) تقسیم می شد. این تقسیم بندی در قرن هفدهم به وجود آمد. و بر اساس چه موضوع و طرحی به تصویر کشیده شده است. در این راستا ژانرهای عالی شامل: رزمی، تمثیلی، مذهبی و اساطیری و ژانرهای پست شامل پرتره، منظره، طبیعت بی جان، حیوان گرایی بود.

تقسیم به ژانرها کاملاً دلخواه است، زیرا عناصر دو یا چند ژانر ممکن است به طور همزمان در یک نقاشی وجود داشته باشند.

انیمالیسم یا ژانر حیوانی

انیمالیسم یا ژانر حیوانی (از لاتین حیوان - حیوان) ژانری است که در آن نقش اصلی تصویر یک حیوان است. می توان گفت که این یکی از قدیمی ترین ژانرها است، زیرا ... نقاشی ها و پیکره های پرندگان و حیوانات در زندگی انسان های بدوی وجود داشت. به عنوان مثال، در نقاشی معروف I.I. "صبح در جنگل کاج" شیشکین، طبیعت توسط خود هنرمند به تصویر کشیده شده است، و خرس ها توسط هنرمندی کاملا متفاوت، که متخصص در به تصویر کشیدن حیوانات است، به تصویر کشیده شده اند.

I.I. شیشکین "صبح در یک جنگل کاج"

چگونه می توان یک زیرگونه را تشخیص داد؟ ژانر اسب آبی(از اسب آبی یونانی - اسب) - ژانری که در آن مرکز تصویر تصویر یک اسب است.

نه. Sverchkov "اسب در اصطبل"

پرتره

پرتره (از کلمه فرانسوی پرتره) تصویری است که در آن تصویر مرکزی یک شخص یا گروهی از افراد است. یک پرتره نه تنها شباهت بیرونی را منتقل می کند، بلکه دنیای درون را نیز منعکس می کند و احساسات هنرمند را نسبت به شخصی که پرتره او نقاشی می کند، منتقل می کند.

I.E. رپین پرتره نیکلاس دوم

ژانر پرتره به دو دسته تقسیم می شود فردی(تصویر یک نفر) گروه(تصویر چند نفر)، با توجه به ماهیت تصویر - به درب ورودی، زمانی که شخصی در رشد کامل در برابر پس زمینه برجسته معماری یا منظر و اتاقک، زمانی که فردی تا عمق سینه یا کمر در پس زمینه ای خنثی به تصویر کشیده می شود. گروهی از پرتره ها که بر اساس برخی ویژگی ها متحد شده اند، یک گروه یا یک گالری پرتره را تشکیل می دهند. به عنوان مثال می توان به پرتره های اعضای خانواده سلطنتی اشاره کرد.

به طور جداگانه متمایز می شود سلف پرتره، که در آن هنرمند خود را به تصویر می کشد.

خود پرتره K. Bryullov

پرتره یکی از قدیمی ترین ژانرها است - اولین پرتره ها (مجسمه ای) قبلاً در مصر باستان وجود داشته است. چنین پرتره ای به عنوان بخشی از یک فرقه در مورد زندگی پس از مرگ عمل می کرد و "دوگانه" یک شخص بود.

منظره

منظره (از فرانسوی paysage - کشور، منطقه) ژانری است که در آن تصویر مرکزی تصویر طبیعت است - رودخانه ها، جنگل ها، مزارع، دریا، کوه ها. در یک منظره، نکته اصلی، البته، طرح است، اما انتقال حرکت و زندگی طبیعت اطراف کم اهمیت نیست. از یک طرف طبیعت زیباست و تحسین را برمی انگیزد، اما از طرف دیگر انعکاس این موضوع در یک تصویر بسیار دشوار است.

سی مونه «مزرعه خشخاش در آرژانتوی»

زیرگونه ای از منظره است منظره دریا یا مارینا(از فرانسوی دریایی، ایتالیایی مارینا، از لاتین marinus - دریا) - تصویری از یک نبرد دریایی، دریا یا رویدادهای دیگر که در دریا در حال رخ دادن است. نماینده برجسته نقاشان دریایی K.A. آیوازوفسکی. قابل ذکر است که این هنرمند بسیاری از جزئیات این تابلو را از حفظ نوشته است.

I.I. آیوازوفسکی "موج نهم"

با این حال، هنرمندان اغلب تلاش می کنند تا دریا را از زندگی نقاشی کنند، به عنوان مثال، دبلیو ترنر برای نقاشی خود "Blizzard. کشتی بخار در ورودی بندر، پس از ورود به آب کم عمق، سیگنال مضطرب می دهد.» 4 ساعت را به پل ناخدای کشتی در حال حرکت در طوفان سپری کرد.

دبلیو ترنر «بلیزارد. یک کشتی بخار در ورودی بندر، پس از ورود به آب کم عمق، سیگنال مضطرب می دهد."

عنصر آب نیز در منظره رودخانه به تصویر کشیده شده است.

به طور جداگانه اختصاص دهید منظره شهری، که در آن موضوع اصلی تصویر خیابان ها و ساختمان های شهر است. نوعی منظر شهری است ودوتا– تصویری از منظره شهری به شکل پانوراما، که در آن مقیاس و تناسب مطمئناً حفظ شده است.

A. Canaletto “Piazza San Marco”

انواع دیگری از منظره وجود دارد - روستایی، صنعتی و معماری. در نقاشی معماری، موضوع اصلی تصویر منظر معماری است، یعنی. ساختمان ها، سازه ها؛ شامل تصاویری از فضای داخلی (دکوراسیون داخلی محل). گاهی اوقات داخلی(از intérieur فرانسوی - داخلی) به عنوان یک ژانر جداگانه متمایز می شود. ژانر دیگر در نقاشی معماری متمایز است - کاپریچیو(از ایتالیایی capriccio، هوس، هوی و هوس) - منظره فانتزی معماری.

طبیعت بی جان

زندگی بی جان (از طبیعت فرانسوی morte - طبیعت مرده) ژانری است که مختص به تصویر کشیدن اجسام بی جان است که در محیطی مشترک قرار می گیرند و گروهی را تشکیل می دهند. طبیعت بی جان در قرن 15-16 ظاهر شد، اما به عنوان یک ژانر جداگانه در قرن 17 ظهور کرد.

علیرغم این واقعیت که کلمه "طبیعت بی جان" به عنوان طبیعت مرده ترجمه شده است ، در نقاشی ها دسته های گل ، میوه ، ماهی ، بازی ، ظروف وجود دارد - همه چیز "مثل زندگی" به نظر می رسد ، یعنی. مثل چیز واقعی طبیعت بی جان از لحظه پیدایش تا به امروز ژانر مهمی در نقاشی بوده است.

K. Monet "گلدان با گل"

به عنوان یک زیرگونه جداگانه می توانیم تشخیص دهیم وانیتاس(از لاتین Vanitas - غرور، غرور) ژانری از نقاشی است که در آن مکان مرکزی در تصویر توسط جمجمه انسان اشغال شده است که تصویر آن برای یادآوری بیهودگی و سستی زندگی انسان است.

نقاشی F. de Champagne سه نماد از سستی وجود را ارائه می دهد - زندگی، مرگ، زمان از طریق تصاویر یک لاله، یک جمجمه، یک ساعت شنی.

ژانر تاریخی

ژانر تاریخی ژانری است که در آن نقاشی ها وقایع مهم و پدیده های اجتماعی مهم گذشته یا حال را به تصویر می کشند. قابل توجه است که تصویر را می توان نه تنها به وقایع واقعی، بلکه به رویدادهایی از اساطیر یا، به عنوان مثال، در کتاب مقدس توصیف کرد. این ژانر برای تاریخ، هم برای تاریخ تک تک مردم و دولت ها و هم برای کل بشریت بسیار مهم است. در نقاشی، ژانر تاریخی از انواع دیگر ژانرها - پرتره، منظره، ژانر جنگی جدایی ناپذیر است.

I.E. رپین "قزاق ها نامه ای به سلطان ترکیه می نویسند" K. Bryulov "آخرین روز پمپئی"

ژانر نبرد

ژانر نبرد (از فرانسوی bataille - نبرد) ژانری است که در آن نقاشی ها اوج نبرد، عملیات نظامی، لحظه پیروزی، صحنه هایی از زندگی نظامی را به تصویر می کشند. نقاشی نبرد با به تصویر کشیدن تعداد زیادی از افراد در تصویر مشخص می شود.

A.A. Deineka "دفاع از سواستوپل"

ژانر مذهبی

ژانر مذهبی ژانری است که در آن خط داستانی اصلی در نقاشی ها کتاب مقدس است (صحنه هایی از کتاب مقدس و انجیل). موضوع مربوط به نقاشی مذهبی و شمایل است، تفاوت آنها در این است که نقاشی های با محتوای مذهبی در مراسم مذهبی شرکت نمی کنند و برای شمایل این هدف اصلی است. شمایل نگاریترجمه از یونانی به معنای "تصویر دعا" است. این ژانر با چارچوب و قوانین سخت نقاشی محدود بود، زیرا هدف آن انعکاس واقعیت نیست، بلکه انتقال ایده اصل خداست که در آن هنرمندان به دنبال ایده آل هستند. در روسیه، نقاشی شمایل در قرون 12-16 به اوج خود می رسد. معروف ترین نام های نقاشان آیکون عبارتند از: تئوفان یونانی (نقاشی های دیواری)، آندری روبلوف، دیونیسیوس.

آ. روبلف "ترینیتی"

چگونه مرحله انتقالی از نقاشی نماد به پرتره برجسته می شود پارسونا(تحریف شده از شخصیت لاتین - شخص، شخص).

پارسون ایوان مخوف. نویسنده ناشناس

ژانر روزمره

نقاشی ها صحنه هایی از زندگی روزمره را به تصویر می کشند. اغلب هنرمند در مورد لحظاتی از زندگی می نویسد که معاصر آنهاست. از ویژگی های بارز این ژانر می توان به واقع گرایی نقاشی ها و سادگی طرح اشاره کرد. تصویر می تواند آداب و رسوم، سنت ها و ساختار زندگی روزمره یک مردم خاص را منعکس کند.

نقاشی های خانگی شامل نقاشی های معروفی مانند "بارج هاولارها در ولگا" اثر I. Repin، "Troika" اثر V. Perov، "ازدواج نابرابر" اثر V. Pukirev است.

آی. رپین "بارج هاولرها در ولگا"

ژانر حماسی - اساطیری

ژانر حماسی - اسطوره ای. کلمه اسطوره از یونانی گرفته شده است. "mythos" که به معنای سنت است. این نقاشی ها وقایع افسانه ها، حماسه ها، سنت ها، اسطوره های یونان باستان، داستان های باستانی، طرح هایی از آثار فولکلور را به تصویر می کشد.

P. Veronese "Apollo and Marsyas"

ژانر تمثیلی

ژانر تمثیلی (از یونانی allegoria - تمثیل). نقاشی ها به گونه ای نقاشی می شوند که معنایی پنهان دارند. ایده ها و مفاهیم غیر ماهوی که با چشم قابل مشاهده نیستند (قدرت، خیر، شر، عشق) از طریق تصاویر حیوانات، انسان ها و سایر موجودات زنده با چنین ویژگی های ذاتی که نمادهایی از قبل در ذهن مردم تثبیت شده است، منتقل می شود و به آنها کمک می کند. معنای کلی کار را درک کنید.

L. Giordano "عشق و رذایل عدالت را خلع سلاح می کند"

پاستورال (از پاستورال فرانسوی - پاستورال، روستایی)

ژانری از نقاشی که زندگی ساده و آرام روستایی را تجلیل و شاعرانه می کند.

F. Boucher "Pastoral پاییز"

کاریکاتور (از ایتالیایی caricare - به اغراق)

ژانری که در آن هنگام خلق یک تصویر، با اغراق و تیز کردن ویژگی‌ها، رفتار، لباس و غیره از افکت کمیک عمداً استفاده می‌شود. هدف کاریکاتور توهین کردن است، در مقابل، برای مثال، کاریکاتور (از اتهام فرانسوی) ، که هدف آن صرفاً مسخره کردن است. مفاهیمی مانند چاپ رایج و گروتسک نزدیک به اصطلاح "کاریکاتور" هستند.

برهنه (از فرانسوی nu - برهنه، برهنه)

ژانری که در آن نقاشی‌ها بدن برهنه انسان را به تصویر می‌کشند اغلب زنانه است.

تیتیان وچلیو "زهره اوربینو"

فریب یا trompe l'oeil (از فرانسوی. trompe-l'œil -توهم نوری)

ژانری که ویژگی های بارز آن تکنیک های خاصی است که توهم نوری ایجاد می کند و امکان پاک کردن مرز بین واقعیت و تصویر را فراهم می کند. این تصور گمراه کننده که یک شی سه بعدی است وقتی دو بعدی است. گاهی اوقات blende به عنوان یک زیرگروه از طبیعت بی جان متمایز می شود، اما گاهی اوقات افراد نیز در این ژانر به تصویر کشیده می شوند.

پر بورل دل کاسو "فرار از انتقاد"

برای تکمیل درک طعمه ها، توصیه می شود آنها را در اصل در نظر بگیرید، زیرا بازتولید نمی تواند به طور کامل اثری را که هنرمند به تصویر کشیده است منتقل کند.

جاکوپو د باربری "کبک و دستکش آهنی"

تصویر موضوعی

ترکیبی از ژانرهای سنتی نقاشی (خانگی، تاریخی، نبرد، منظره و غیره). به عبارت دیگر، این ژانر ترکیب فیگوراتیو نامیده می شود، ویژگی های بارز آن عبارتند از: نقش اصلی توسط یک شخص، حضور کنش و یک ایده مهم اجتماعی، روابط (تضاد منافع / شخصیت ها) و لهجه های روانی لزوما نشان داده می شود. .

V. Surikov "Boyaryna Morozova"

دونگ هونگ اوای هنرمند و عکاس چینی در سال 1929 به دنیا آمد و در سال 2004 در سن 75 سالگی درگذشت. او آثار باورنکردنی را به جای گذاشت که به سبک پیکتوریالیسم خلق شده اند - عکس های شگفت انگیزی شبیه به آثار نقاشی سنتی چینی.

دونگ هونگ اوآی در سال 1929 در گوانگژو، استان گوانگدونگ، چین به دنیا آمد. او پس از مرگ غیرمنتظره پدر و مادرش در هفت سالگی کشور را ترک کرد.

دونگ به عنوان کوچکترین از 24 کودک، برای زندگی در جامعه چینی در سایگون، ویتنام رفت. او بعداً چندین بار به چین سفر کرد، اما دیگر هرگز در آن کشور زندگی نکرد.

پس از ورود به سایگون، دونگ در یک استودیوی عکاسی مهاجر چینی شاگرد شد. در آنجا اصول اولیه عکاسی را آموخت. او همچنین عاشق عکاسی از طبیعت شد که اغلب با استفاده از یکی از دوربین های استودیو این کار را انجام می داد. در سال 1950 در سن 21 سالگی وارد دانشگاه ملی هنر ویتنام شد.

در سال 1979 مرز خونینی بین جمهوری سوسیالیستی ویتنام و جمهوری خلق چین باز شد. دولت ویتنام سیاست سرکوبگرانه ای را علیه چینی های قومی ساکن در این کشور آغاز کرد. در نتیجه، دونگ به یکی از میلیون‌ها «قایق‌نشین» تبدیل شد که در اواخر دهه 70 و اوایل دهه 80 از ویتنام فرار کردند.

دونگ در سن 50 سالگی که انگلیسی صحبت نمی کرد و خانواده یا دوستانی در ایالات متحده نداشت، وارد سانفرانسیسکو شد. او حتی توانست یک اتاق کوچک برای عکاسی بخرد.

دونگ با فروش عکس‌هایش در نمایشگاه‌های خیابانی محلی، توانست به اندازه‌ای درآمد کسب کند که به طور دوره‌ای برای عکاسی به چین بازگردد.

علاوه بر این، او این فرصت را داشت که برای مدتی تحت راهنمایی لانگ چین سان در تایوان تحصیل کند.

لانگ چین سان، که در سال 1995 در سن 104 سالگی درگذشت، سبک عکاسی را بر اساس تصاویر سنتی چینی از طبیعت توسعه داد.

برای قرن ها، هنرمندان چینی با استفاده از قلم مو و جوهر ساده، مناظر تک رنگ با شکوه خلق کرده اند.

این نقاشی ها قرار نبود دقیقاً طبیعت را به تصویر بکشند، قرار بود فضای احساسی طبیعت را منتقل کنند. در سالهای آخر امپراتوری آهنگ و آغاز امپراتوری یوان، هنرمندان شروع به ترکیب سه شکل هنری مختلف روی یک بوم کردند ... شعر، خوشنویسی و نقاشی.

اعتقاد بر این بود که این ترکیب فرم ها به هنرمند اجازه می دهد تا خود را به طور کامل بیان کند.

لانگ چین سان، متولد 1891، دقیقاً این سنت کلاسیک را در نقاشی مطالعه کرد. لون در مقطعی از زندگی طولانی خود شروع به آزمایش با انتقال سبک امپرسیونیستی هنر به عکاسی کرد.

در حالی که رویکرد لایه‌ای به مقیاس داشت، روشی برای لایه‌بندی نگاتیوها ایجاد کرد که با سه سطح فاصله مطابقت داشت. ریه این روش را به دونگ آموخت.

دونگ در تلاش برای تقلید بیشتر از سبک سنتی چینی، خوشنویسی را به عکس‌ها اضافه کرد.

آثار جدید دونگ که بر اساس نقاشی های چینی باستانی ساخته شده بودند، در دهه 1990 توجه منتقدان را به خود جلب کردند.

او دیگر مجبور نبود عکس هایش را در نمایشگاه های خیابانی بفروشد. او اکنون توسط یک نماینده نمایندگی می شد و آثارش در گالری های سراسر ایالات متحده، اروپا و آسیا به فروش می رسید.

او دیگر مجبور نبود به مشتریان فردی وابسته باشد. آثار او اکنون نه تنها توسط مجموعه‌داران هنری خصوصی، بلکه توسط خریداران شرکت‌ها و موزه‌ها نیز مورد توجه قرار گرفت. او حدود 60 سال داشت که برای اولین بار در زندگی خود به موفقیت مالی دست یافت.

پیکتوریالیسم جنبشی در عکاسی است که در حدود سال 1885 پس از ارائه گسترده فرآیند عکاسی بر روی صفحات چاپ مرطوب پدیدار شد. این جنبش در همان آغاز قرن بیستم به اوج خود رسید و دوره افول در سال 1914 پس از ظهور و گسترش مدرنیسم رخ داد.

اصطلاحات "تصویرگرایی" و "تصویرگرا" پس از سال 1900 به طور گسترده مورد استفاده قرار گرفت.

پیکتوریالیسم با این ایده سروکار دارد که عکاسی هنری باید از نقاشی و حکاکی آن قرن تقلید کند.

بیشتر این عکس‌ها در رنگ‌های سیاه و سفید یا رنگ قهوه‌ای بودند. از جمله تکنیک های مورد استفاده عبارتند از: فوکوس ناپایدار، فیلترهای خاص و پوشش لنز، و همچنین فرآیندهای چاپ عجیب و غریب.

هدف چنین تکنیک هایی دستیابی به "بیان شخصی نویسنده" بود.

علی‌رغم این هدف از بیان خود، بهترین این عکس‌ها موازی با سبک امپرسیونیستی بودند و نه با نقاشی مدرن.

با نگاهی به گذشته، می توان موازی نزدیکی بین ترکیب بندی و موضوع تصویری نقاشی ها و عکس های ژانر پیکتوریالیستی مشاهده کرد.