Dipinti di ritratti di artisti famosi. Ritratti famosi

"Ogni ritratto dipinto con sentimento è, in sostanza, il ritratto dell'artista e non della persona che ha posato per lui." Oscar Wilde

Cosa serve per essere un artista? Una semplice imitazione di un'opera non può essere considerata arte. L'arte è qualcosa che viene da dentro. L'idea, la passione, la ricerca, i desideri e i dolori dell'autore, che sono incarnati nella tela dell'artista. Nel corso della storia dell’umanità sono stati dipinti centinaia di migliaia e forse milioni di dipinti. Alcuni di loro sono veri e propri capolavori, conosciuti in tutto il mondo, li conosce anche chi non ha nulla a che fare con l'arte. È possibile identificare i 25 più importanti tra questi dipinti? Il compito è molto difficile, ma ci abbiamo provato...

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"La persistenza della memoria", Salvador Dalì

Grazie a questo dipinto, Dalì divenne famoso in giovane età, aveva 28 anni. Il dipinto ha molti altri titoli: "Soft Hours", "Hardness of Memory". Questo capolavoro ha attirato l'attenzione di molti critici d'arte. Fondamentalmente, erano interessati all'interpretazione del dipinto. Si dice che l'idea alla base del dipinto di Dalì sia legata alla teoria della relatività di Einstein.

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"Danza", Henri Matisse

Henri Matisse non è sempre stato un artista. Ha scoperto il suo amore per la pittura dopo aver conseguito la laurea in giurisprudenza a Parigi. Ha studiato arte con così tanto zelo che è diventato uno dei più grandi artisti del mondo. Questo dipinto ha pochissime critiche negative da parte dei critici d'arte. Riflette una combinazione di rituali pagani, danza e musica. La gente balla in trance. Tre colori: verde, blu e rosso, simboleggiano la Terra, il Cielo e l'Umanità.

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"Il bacio", Gustav Klimt

Gustav Klimt fu spesso criticato per la nudità nei suoi dipinti. "Il bacio" è stato notato dalla critica poiché fondeva tutte le forme d'arte. Il dipinto potrebbe essere una rappresentazione dell'artista stesso e della sua amante Emilia. Klimt dipinse questo dipinto sotto l'influenza dei mosaici bizantini. I bizantini usavano l'oro nei loro dipinti. Allo stesso modo, Gustav Klimt mescolò l'oro nei suoi colori per creare il proprio stile pittorico.

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"Zingaro dormiente", Henri Rousseau

Nessuno, tranne lo stesso Rousseau, potrebbe descrivere meglio questo quadro. Ecco la sua descrizione: “una zingara nomade che canta le sue canzoni con l'accompagnamento di un mandolino, dorme per terra per la stanchezza, la sua brocca di acqua potabile si trova nelle vicinanze. Un leone che passava si avvicinò per annusarla, ma non la toccò. Tutto è inondato dalla luce della luna, un’atmosfera molto poetica.” È interessante notare che Henri Rousseau è autodidatta.

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"Il Giudizio Universale", Hieronymus Bosch

Senza ulteriori indugi, l'immagine è semplicemente magnifica. Questo trittico è il più grande dipinto sopravvissuto di Bosch. L'ala sinistra mostra la storia di Adamo ed Eva. La parte centrale è il "giudizio finale" da parte di Gesù: chi dovrebbe andare in paradiso e chi dovrebbe andare all'inferno. La terra che vediamo qui sta bruciando. L'ala destra raffigura un'immagine disgustosa dell'inferno.

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Tutti conoscono Narciso della mitologia greca, un uomo ossessionato dal suo aspetto. Dalì scrisse la sua interpretazione di Narciso.

La storia è così. Il bellissimo giovane Narciso spezzò facilmente il cuore di molte ragazze. Gli dei intervennero e, per punirlo, gli mostrarono il suo riflesso nell'acqua. Il narcisista si innamorò di se stesso e alla fine morì perché non riuscì mai ad abbracciarsi. Allora gli dei si pentirono di avergli fatto questo e decisero di immortalarlo sotto forma di un fiore di narciso.

Sul lato sinistro dell'immagine c'è Narciso che guarda il suo riflesso. Dopo di che si innamorò di se stesso. Il pannello di destra mostra gli eventi accaduti dopo, compreso il fiore risultante, il narciso.

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La trama del film è basata sul massacro biblico dei bambini a Betlemme. Dopo che la nascita di Cristo fu conosciuta dai Magi, il re Erode ordinò l'uccisione di tutti i bambini maschi e neonati di Betlemme. Nella foto, il massacro è al culmine, gli ultimi bambini, sottratti alle madri, attendono la loro morte spietata. Sono visibili anche i cadaveri dei bambini, per i quali tutto è già alle spalle.

Grazie all'uso di colori intensi, il dipinto di Rubens è diventato un capolavoro di fama mondiale.

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Il lavoro di Pollock è molto diverso da quello di altri artisti. Posò la sua tela a terra e si mosse attorno alla tela, facendo gocciolare la vernice dall'alto sulla tela utilizzando bastoncini, pennelli e siringhe. Grazie a questa tecnica unica, è stato soprannominato “Sprinkler Jack” negli ambienti artistici. Per qualche tempo questo dipinto ha mantenuto il titolo di dipinto più costoso del mondo.

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Conosciuto anche come "Ballando al Moulin de la Galette". Questo dipinto è considerato uno dei dipinti più gioiosi di Renoir. L'idea del film è mostrare agli spettatori il lato divertente della vita parigina. Dopo un esame più attento del dipinto, puoi vedere che Renoir ha posizionato sulla tela molti dei suoi amici. Poiché il dipinto appare leggermente sfocato, fu inizialmente criticato dai contemporanei di Renoir.

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La trama è tratta dalla Bibbia. Il dipinto “L’Ultima Cena” raffigura l’ultima cena di Cristo prima del suo arresto. Aveva appena parlato ai suoi apostoli e aveva detto loro che uno di loro lo avrebbe tradito. Tutti gli apostoli sono rattristati e gli dicono che, ovviamente, non sono loro. È stato questo momento che Da Vinci ha rappresentato magnificamente attraverso la sua vivida rappresentazione. Il grande Leonardo impiegò quattro anni per completare questo dipinto.

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Le "Ninfee" di Monet si trovano ovunque. Probabilmente li hai visti su carta da parati, poster e copertine di riviste d'arte. Il fatto è che Monet era ossessionato dai gigli. Prima di iniziare a dipingerli, coltivò innumerevoli quantità di questi fiori. Monet costruì nel suo giardino un ponte in stile giapponese sopra uno stagno di ninfee. Era così soddisfatto di ciò che aveva ottenuto che disegnò questa trama diciassette volte in un anno.

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C'è qualcosa di sinistro e misterioso in questa immagine, c'è un'aura di paura attorno ad essa. Solo un maestro come Munch è stato in grado di rappresentare la paura sulla carta. Munch realizzò quattro versioni dell'Urlo ad olio e pastello. Secondo le annotazioni del diario di Munch, è abbastanza chiaro che lui stesso credeva nella morte e negli spiriti. Nel dipinto "L'urlo" ha raffigurato se stesso nel momento in cui un giorno, mentre camminava con gli amici, ha provato paura ed eccitazione, che voleva dipingere.

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Il dipinto, che di solito viene menzionato come simbolo della maternità, non avrebbe dovuto diventarlo. Si dice che la modella di Whistler, che avrebbe dovuto posare per il dipinto, non si sia presentata e lui abbia deciso di dipingere invece sua madre. Possiamo dire che qui è raffigurata la triste vita della madre dell’artista. Questo stato d'animo è dovuto ai colori scuri utilizzati in questo dipinto.

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Picasso ha incontrato Dora Maar a Parigi. Dicono che fosse intellettualmente più vicina a Picasso di tutte le sue precedenti amanti. Usando il cubismo, Picasso è stato in grado di trasmettere movimento nel suo lavoro. Sembra che il volto di Maar si giri a destra, verso il volto di Picasso. L'artista ha reso quasi reale la presenza della donna. Forse voleva sentire che lei era lì, sempre.

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Van Gogh scrisse Notte stellata mentre era in cura, dove gli era permesso dipingere solo mentre le sue condizioni miglioravano. All'inizio dello stesso anno, si tagliò il lobo dell'orecchio sinistro. Molti consideravano l'artista pazzo. Di tutta la collezione di opere di Van Gogh, Notte stellata è la più famosa, forse per l'insolita luce sferica attorno alle stelle.

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In questo dipinto Manet ha ricreato la Venere di Urbino di Tiziano. L'artista aveva una cattiva reputazione per aver raffigurato le prostitute. Sebbene i signori a quel tempo visitassero abbastanza spesso le cortigiane, non pensavano che qualcuno si sarebbe messo in testa di dipingerle. Allora era preferibile per gli artisti dipingere quadri su temi storici, mitici o biblici. Tuttavia Manet, andando contro le critiche, ha mostrato al pubblico la sua contemporaneità.

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Questo dipinto è una tela storica che raffigura la conquista della Spagna da parte di Napoleone.

Avendo ricevuto un ordine per dipinti raffiguranti la lotta del popolo spagnolo contro Napoleone, l'artista non dipinse tele eroiche e patetiche. Ha scelto il momento in cui i ribelli spagnoli furono fucilati dai soldati francesi. Ciascuno degli spagnoli vive questo momento a modo suo, alcuni si sono già rassegnati, ma per altri la battaglia principale è appena arrivata. Guerra, sangue e morte, questo è ciò che Goya ha effettivamente rappresentato.

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Si ritiene che la ragazza raffigurata sia la figlia maggiore di Vermeer, Mary. Le sue caratteristiche sono presenti in molte delle sue opere, ma sono difficili da confrontare. Un libro con lo stesso titolo è stato scritto da Tracy Chevalier. Ma Tracy ha una versione completamente diversa di chi è raffigurato in questa foto. Afferma di aver affrontato questo argomento perché ci sono pochissime informazioni su Vermeer e sui suoi dipinti, e questo particolare dipinto emana un'atmosfera misteriosa. Successivamente è stato realizzato un film basato sul suo romanzo.

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Il titolo esatto del dipinto è "Performance of the Rifle Company del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenburg". La Rifle Society era una milizia civile chiamata a difendere la città. Oltre alla milizia, Rembrandt aggiunse alla composizione diverse persone extra. Considerando che mentre scriveva questo film ha acquistato una casa costosa, può essere vero che ha ricevuto un compenso enorme per The Night's Watch.

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Sebbene il dipinto contenga un'immagine dello stesso Velázquez, non è un autoritratto. La protagonista della tela è l'Infanta Margarita, figlia del re Filippo IV. Questo raffigura il momento in cui Velázquez, lavorando su un ritratto del re e della regina, è costretto a fermarsi e guardare l'Infanta Margarita, che è appena entrata nella stanza con il suo seguito. Il dipinto sembra quasi vivo, suscitando curiosità nel pubblico.

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Questo è l'unico dipinto di Bruegel dipinto ad olio anziché a tempera. Ci sono ancora dubbi sull'autenticità del dipinto, principalmente per due motivi. In primo luogo, non ha dipinto ad olio e, in secondo luogo, recenti ricerche hanno dimostrato che sotto lo strato di pittura c'è un disegno schematico di scarsa qualità che non appartiene a Bruegel.

Il dipinto raffigura la storia di Icaro e il momento della sua caduta. Secondo il mito, le piume di Icaro erano attaccate con la cera e poiché Icaro si alzava molto vicino al sole, la cera si sciolse e cadde in acqua. Questo paesaggio ispirò W. H. Auden a scrivere la sua poesia più famosa sullo stesso argomento.

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La Scuola di Atene è forse l'affresco più famoso dell'artista rinascimentale italiano Raffaello.

In questo affresco della Scuola di Atene, tutti i grandi matematici, filosofi e scienziati si sono riuniti sotto lo stesso tetto, condividendo le loro teorie e imparando gli uni dagli altri. Tutti gli eroi vissero in tempi diversi, ma Raffaello li collocò tutti in una stanza. Alcune delle figure sono Aristotele, Platone, Pitagora e Tolomeo. Uno sguardo più attento rivela che questo dipinto contiene anche un autoritratto dello stesso Raffaello. Ogni artista vorrebbe lasciare il segno, l'unica differenza è la forma. Anche se forse si considerava una di queste grandi figure?

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Michelangelo non si è mai considerato un artista, si è sempre considerato più uno scultore. Ma è riuscito a creare un affresco straordinario e squisito di cui il mondo intero è in soggezione. Questo capolavoro si trova sul soffitto della Cappella Sistina in Vaticano. Michelangelo fu incaricato di dipingere diverse storie bibliche, una delle quali era la creazione di Adamo. In questa immagine lo scultore di Michelangelo è chiaramente visibile. Il corpo umano di Adam è reso con incredibile precisione utilizzando colori vibranti e forme muscolari precise. Quindi possiamo essere d'accordo con l'autore, dopotutto è più uno scultore.

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"La Gioconda", Leonardo da Vinci

Nonostante sia il dipinto più studiato, la Gioconda resta comunque il più misterioso. Leonardo ha detto che non ha mai smesso di lavorarci. Solo la sua morte, come si suol dire, ha completato il lavoro sulla tela. "Mona Lisa" è il primo ritratto italiano in cui la modella è raffigurata dalla vita in su. La pelle di Monna Lisa sembra brillare grazie all'uso di diversi strati di oli trasparenti. Come scienziato, Leonardo da Vinci ha utilizzato tutte le sue conoscenze per rendere realistica l'immagine della Gioconda. Per quanto riguarda chi sia raffigurato esattamente nel dipinto, rimane ancora un mistero.

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Il dipinto mostra Venere, la dea dell'amore, che fluttua su una conchiglia nel vento, soffiata da Zefiro, il dio del vento dell'ovest. Sulla riva viene accolta da Ora, la dea delle stagioni, pronta a vestire la neonata divinità. La modella di Venere è considerata Simonetta Cattaneo de Vespucci. Simonetta Cattaneo morì a 22 anni e Botticelli volle essere sepolto accanto a lei. Un amore non corrisposto lo legava a lei. Questo dipinto è l'opera d'arte più squisita mai creata.

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Conclusione

Questo era un articolo TOP 25 dipinti più famosi al mondo. Grazie per l'attenzione!

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Innanzitutto sappiamo due cose del dipinto: il suo autore e, forse, la storia della tela. Ma sappiamo poco del destino di chi ci guarda dalle tele.

sito web Ho deciso di parlare di donne i cui volti ci sono familiari, ma le loro storie no.

Zhanna Samari
Auguste Renoir, Ritratto dell'attrice Jeanne Samary, 1877

L'attrice Jeanne Samary, sebbene non potesse diventare una star del palcoscenico (interpretava principalmente cameriere), fu fortunata in qualcos'altro: per qualche tempo visse non lontano dallo studio di Renoir, che dipinse quattro suoi ritratti nel 1877-1878, quindi rendendola famosa molto più di quanto potrebbe fare la sua carriera di attrice. Zhanna ha recitato in opere teatrali dall'età di 18 anni, a 25 anni si è sposata e ha dato alla luce tre figli, poi ha persino scritto un libro per bambini. Ma questa affascinante signora, purtroppo, non visse a lungo: all'età di 33 anni si ammalò di febbre tifoide e morì.

Cecilia Gallerani
Leonardo da Vinci, "La Dama con l'ermellino"
1489-1490

Cecilia Gallerani era una ragazza di nobile famiglia italiana, che all'età di 10 anni (!) era già fidanzata. Tuttavia, quando la ragazza compì 14 anni, il fidanzamento fu rotto per ragioni sconosciute e Cecilia fu mandata in un monastero, dove incontrò (o fu tutto sistemato) il duca di Milano, Ludovico Sforza. Iniziò una relazione, Cecilia rimase incinta e il Duca sistemò la ragazza nel suo castello, ma poi arrivò il momento di contrarre un matrimonio dinastico con un'altra donna, alla quale, ovviamente, non piaceva la presenza della sua padrona nella loro casa. Poi, dopo che Gallerani partorì, il duca prese per sé suo figlio e la sposò al conte impoverito.

In questo matrimonio, Cecilia diede alla luce quattro figli, gestì quasi il primo salone letterario in Europa, visitò il Duca e si divertì a giocare con il figlio della sua nuova amante. Dopo qualche tempo, il marito di Cecilia morì, arrivò la guerra, lei perse il suo benessere e trovò rifugio nella casa della sorella della moglie dello stesso duca - fu in rapporti così meravigliosi che riuscì a stare con le persone. Nel dopoguerra la Gallerani restituì i suoi possedimenti, dove visse fino alla morte, avvenuta all'età di 63 anni.

Zinaida Yusupova
V.A. Serov, “Ritratto della principessa Zinaida Yusupova”, 1902

La più ricca ereditiera russa, l'ultima della famiglia Yusupov, la principessa Zinaida era incredibilmente bella e, nonostante il fatto che il suo favore fosse ricercato, tra gli altri, da persone auguste, voleva sposarsi per amore. Ha realizzato il suo desiderio: il matrimonio è stato felice e ha portato due figli. Yusupova ha dedicato molto tempo e sforzi ad attività di beneficenza e, dopo la rivoluzione, ha continuato a farlo in esilio. Il suo amato figlio maggiore morì in un duello quando la principessa aveva 47 anni e lei difficilmente riuscì a sopportare questa perdita. Con lo scoppio dei disordini, gli Yusupov lasciarono San Pietroburgo e si stabilirono a Roma, e dopo la morte di suo marito, la principessa si trasferì da suo figlio a Parigi, dove trascorse il resto dei suoi giorni.

Maria Lopukhina
V.L. Borovikovsky, “Ritratto di M.I. Lopuchina", 1797

Borovikovsky dipinse molti ritratti di nobildonne russe, ma questo è il più affascinante. Maria Lopukhina, una rappresentante della famiglia dei conti Tolstoj, è qui raffigurata alla tenera età di 18 anni. Il ritratto le fu commissionato dal marito Stepan Avraamovich Lopukhin poco dopo il matrimonio. La disinvoltura e uno sguardo leggermente arrogante sembrano essere una posa comune per un simile ritratto dell'era del sentimentalismo, o segni di un'indole malinconica e poetica. Il destino di questa misteriosa ragazza si rivelò triste: appena 6 anni dopo aver dipinto, Maria morì di tisi.

Giovanina e Amacilia Pacini
Karl Bryullov, “La cavallerizza”, 1832

L’“Amazzone” di Bryullov è un brillante ritratto cerimoniale in cui tutto è lussuoso: la luminosità dei colori, lo splendore dei tendaggi e la bellezza delle modelle. Raffigura due ragazze che portavano il cognome Pacini: la maggiore Giovanina è seduta a cavallo, la minore Amatzilia la guarda dal portico. Il dipinto fu ordinato a Karl Bryullov, il suo amante di lunga data, dalla madre adottiva, la contessa Yulia Pavlovna Samoilova, una delle donne più belle della Russia ed erede di una fortuna colossale. La Contessa garantì una cospicua dote alle figlie ormai adulte. Ma si è scoperto che nella sua vecchiaia era praticamente in bancarotta, e poi le figlie adottive Giovanina e Amatsilia, attraverso il tribunale, recuperarono dalla contessa il denaro e le proprietà promesse.

Simonetta Vespucci
Sandro Botticelli, "Nascita di Venere"
1482–1486

Il celebre dipinto di Botticelli raffigura Simonetta Vespucci, la prima bellezza del Rinascimento fiorentino. Simonetta nacque in una famiglia benestante, all'età di 16 anni sposò Marco Vespucci (parente di Amerigo Vespucci, che “scoprì” l'America e diede il suo nome al continente). Dopo le nozze gli sposi si stabilirono a Firenze e furono ricevuti alla corte di Lorenzo de Medici, che in quegli anni era famosa per le sue sfarzose feste e ricevimenti.

Bella, allo stesso tempo molto modesta e amichevole, Simonetta si innamorò presto degli uomini fiorentini. Lo stesso sovrano di Firenze, Lorenzo, cercò di corteggiarla, ma suo fratello Giuliano la cercò più attivamente. La bellezza di Simonetta ispirò molti artisti dell'epoca, tra cui Sandro Botticelli. Si ritiene che dal momento del loro incontro Simonetta sia stata la modella per tutte le Madonne e Veneri dipinte da Botticelli. All'età di 23 anni Simonetta morì di tisi, nonostante gli sforzi dei migliori medici di corte. Successivamente, l'artista ha raffigurato la sua musa ispiratrice solo a memoria, e nella sua vecchiaia ha lasciato in eredità per essere sepolto accanto a lei, cosa che è stata fatta.

Vera Mamontova
V.A. Serov, “La ragazza con le pesche”, 1887

Il dipinto più famoso del maestro ritrattista Valentin Serov è stato dipinto nella tenuta del ricco industriale Savva Ivanovich Mamontov. Ogni giorno per due mesi sua figlia, Vera, 12 anni, ha posato per l'artista. La ragazza è cresciuta e si è trasformata in una ragazza affascinante, sposata per amore reciproco con Alexander Samarin, che apparteneva a una famosa famiglia nobile. Dopo un viaggio di nozze in Italia, la famiglia si stabilì nella città di Bogorodsk, dove nacquero tre figli uno dopo l'altro. Ma inaspettatamente nel dicembre 1907, appena 5 anni dopo il matrimonio, Vera Savvishna morì di polmonite. Aveva solo 32 anni e suo marito non si risposò mai.

Alexandra Petrovna Struyskaya
F.S. Rokotov, “Ritratto di Struyskaya”, 1772

Questo ritratto di Rokotov è come un arioso mezzo accenno. Alexandra Struyskaya aveva 18 anni quando sposò un vedovo molto ricco. C'è una leggenda secondo cui per il suo matrimonio suo marito le regalò niente di meno che una nuova chiesa. E per tutta la vita le ho scritto poesie. Non si sa con certezza se questo matrimonio sia stato felice, ma tutti coloro che hanno visitato la loro casa hanno prestato attenzione a quanto diversi fossero gli sposi l'uno dall'altro. In 24 anni di matrimonio, Alexandra diede al marito 18 figli, 10 dei quali morirono durante l'infanzia. Dopo la morte del marito, visse per altri 40 anni, gestì fermamente la tenuta e lasciò ai suoi figli una discreta fortuna.

Galina Vladimirovna Aderkas
B.M. Kustodiev “La moglie del mercante al tè”, 1918

"La moglie del mercante al tè" di Kustodiev è una vera illustrazione di quella Russia luminosa e ben nutrita, dove ci sono fiere, caroselli e "croccante pane francese". Il quadro è stato dipinto nell’anno della carestia post-rivoluzionaria del 1918, quando si poteva solo sognare una tale abbondanza.

Galina Vladimirovna Aderkas, una baronessa naturale proveniente da una famiglia la cui storia risale a un cavaliere livoniano del XVIII secolo, ha posato per la moglie del mercante in questo ritratto. Ad Astrakhan, Galya Aderkas era la vicina di casa dei Kustodiev, dal sesto piano; La moglie dell’artista portò la ragazza in studio dopo aver notato il modello colorato. Durante questo periodo, Aderkas era molto giovane - una studentessa di medicina del primo anno - e negli schizzi la sua figura sembra molto più magra. Dopo essersi laureata all'università e aver lavorato per qualche tempo come chirurgo, abbandonò la professione e durante gli anni sovietici cantò in un coro russo, partecipò a doppiaggi di film, si sposò e iniziò ad esibirsi nel circo.

Lisa del Giocondo
Leonardo da Vinci, "La Gioconda", 1503-1519.

Forse uno dei ritratti più famosi e misteriosi di tutti i tempi è la famosa Gioconda del grande Leonardo. Tra le tante versioni su chi possiede il leggendario sorriso, nel 2005 è stata ufficialmente confermata la seguente: la tela raffigura Lisa del Giocondo, la moglie del mercante di seta fiorentino Francesco del Giocondo. Il ritratto potrebbe essere stato commissionato all'artista per commemorare la nascita di un figlio e l'acquisto di una casa.

Insieme a suo marito, Lisa ha cresciuto cinque figli e, molto probabilmente, il suo matrimonio era basato sull'amore. Quando suo marito morì di peste e anche Lisa fu colpita da questa grave malattia, una delle figlie non ebbe paura di portare la madre a casa sua e la lasciò. Monna Lisa si riprese e visse per qualche tempo con le sue figlie, morendo all'età di 63 anni.

Ritratti famosi come "Ritratto di dama in blu" T.Gainsborough, "Giovane con cesto di frutta" Michelangelo Merisi de Caravaggio, “Autoritratto” di K. P. Bryullov, ecc. oggi sono diventati lo standard di eccellenza nelle belle arti.

Per un intenditore di bellezza, i ritratti famosi oggi non sono solo tele di cui scrivono i critici d'arte e che costano favolose somme di denaro.

Per ogni intenditore pitturaè, per così dire, l '"anima" dell'artista - un'espressione della visione del mondo, del credo estetico e del modo di eseguire il pittore. I ritratti famosi (“Ritratto di E. N. Arsenyeva” di V. L. Borovikovsky, “La Gioconda” di Leonardo da Vinci, ecc.) sono così costosi perché evocano qualcosa di speciale nell’animo degli spettatori. Questa è quella sensazione unica chiamata sensazione di bellezza.

Gioconda bello nel suo sguardo: sembrava unire una morbida femminilità e un sorriso, in qualche modo simile a quello di un uomo. Non per niente molti di coloro che hanno visto il vero dipinto di Da Vinci affermano che se guardi "La Gioconda" da lontano, sembra che davanti a te ci sia una donna mite e gentile. Ma, se ti avvicini al quadro, ti convinci che la tela raffigura un uomo con un ghigno quasi diabolico, quasi crudele. I ritratti famosi sono così famosi perché hanno una loro unicità, “gusto”.

Ritratti di artisti famosi

Notevoli anche i ritratti di artisti famosi. Dal loro dipintiè un riflesso della loro visione del mondo, quindi anche nello sguardo dei pittori si può leggere qualcosa di speciale, caratteristico di loro e dei loro dipinti. È una cosa speciale quando i ritratti di artisti famosi vengono creati da loro stessi.

I ritratti famosi a volte appaiono come raffigurazioni dell'aspetto del loro autore. In un autoritratto, l'artista può esprimere la propria visione del proprio aspetto. Per esempio “Autoritratto” – I. I. Levitan, creato nel 1890. Il dipinto raffigura Isaac Levitan in abito completo. L'artista stesso è raffigurato in una posa completamente rilassata, ma la sua figura è circondata da una foschia grigio-marrone, come se prefigurasse qualcosa di brutto, fatale. E l'altro suo autoritratto, datato 1880, appare completamente diverso. Qui viene mostrato il volto giovane e bello del pittore, che sorride maliziosamente. Qui la figura di Levitan è su uno sfondo blu, allegra e positiva. L’influenza del dipinto sullo spettatore dipende spesso dalla valutazione dell’artista del proprio aspetto. I ritratti di artisti famosi danno a una persona l'opportunità di guardare il genio che ha creato questo o quel dipinto. Chi non voleva guardare il volto di colui che ha ritratto il Demone dal lavoro di M. Yu. Oppure guarda l'uomo che ha creato Immagine sfortunata Alyonushka, che ha perso suo fratello?

Ritratti di donne famose

I ritratti di donne famose occupano un posto speciale nella galassia dei grandi dipinti. I famosi ritratti di donne raccontano molto spesso la storia della bellezza delle persone raffigurate. Ma accadeva anche che una donna fosse essa stessa pittrice, e potesse dare un'interpretazione del proprio aspetto (autoritratto) e dell'aspetto di chi la circondava.

Dipinto famoso Louise Vigée-Le Brun "Autoritratto con la figlia"mostra non solo il fascino del suo creatore, ma anche l'affetto di Louise per sua figlia: si abbracciano così teneramente. Il pennello di Louise comprende una serie di ritratti raffiguranti Maria Antonietta. Il grande ritrattista A. G. Warnek (1782–1843) creò magnifici ritratti di donne famose. Questi erano ritratti famosi come il Ritratto di E. M. Olenina a Priyutino, la padrona di casa del Solone letterario. I pennelli del maestro includono anche dipinti come “ ritratto Kolosova Evgenia Ivanovna" - una famosa ballerina, uno dei cento grandi maestri di balletto. Il dipinto raffigura una giovane e bella ragazza, con i capelli raccolti e con una faretra piena di frecce tra le mani. La donna in questi ritratti è diventata uguale all'uomo.

Ritratti di personaggi famosi

I ritratti di personaggi famosi consentono ai discendenti di vedere il vero aspetto di scrittori, musicisti, politici, ecc. Ad esempio, il ritratto del famoso scrittore sovietico A. N. Tolstoy, realizzato da P. D. Kokorin, ci fornisce non solo un'immagine del volto dello scrittore. L’immagine trasmette lo sguardo pensieroso e cupo di Tolstoj, girato di lato. Nella mano destra, la persona raffigurata tiene una pipa da fumo, ma le sue dita afferrano saldamente la superficie di legno, che indica la concentrazione di Alexei Tolstoj. I ritratti di personaggi famosi possono trasmettere l'essenza principale delle attività delle persone raffigurate.

Ecco come è stato realizzato un altro ritratto - ritratto di F. I. Chaliapin(1905. Tela, carboncino, gesso) realizzato da V. A. Serov. Qui lo sguardo triste di Fyodor Chaliapin è pienamente espresso. Chaliapin indossa un frac, ma le ali del naso si alzano eccitate, come se il famoso cantante avesse appena finito un'altra aria.
Forse solo una donna forte può essere la moglie di un artista: sopportare i suoi alti e bassi, vivere i suoi fallimenti come se fossero i suoi. I ritratti di donne di artisti famosi, dipinti dagli stessi pittori, servono come prova di amore e gratitudine. Una di queste donne forti, ma allo stesso tempo morbide era Nadezhda Ivanovna Zabala-Vrubel. Questo era il famoso cantante d'opera, di cui Mikhail Vrubel, il creatore del famoso "Demone", si innamorò a prima vista. È stata Nadezhda Zabela a fungere da prototipo per il famoso personaggio del film Vrubel "La principessa del cigno".

Era una bella donna che amava suo marito, nonostante Mikhail Alexandrovich avesse un carattere pessimo. Tra i grandi ritratti di donne di artisti famosi c'è la serie di dipinti di Gala, dipinti da Salvador Dalì. Nel 1929, Gala (Elena Dyakonova), insieme al suo primo marito Paul Eluard, visitò il giovane pittore catalano Salvador Dalì. Salvador ed Elena si innamorarono subito, nonostante Dyakonova avesse dieci anni più dell'artista e avesse una figlia dal suo primo matrimonio, Cecile. Gala (come la chiamava Dalì) divenne il primo e unico amore, musa ispiratrice e moglie del genio della pittura. Ha costruito il programma di lavoro dell'artista ed è diventata il suo "produttore".

Ritratti famosi furono dipinti da Elena Dyakonova come: "Ritratto di Gala con due costolette di agnello", "Gala nell'immagine di Leda", ecc. Salvador Dalì scrisse della sua amata in una dedica nella sua biografia "Il diario di un genio" : “Io dedico questo libro al mio genio, alla mia vittoriosa Gala Gradiva, alla mia Elena di Troia, alla mia Sant’Elena, alla mia brillante come la superficie del mare, Gala Galatea la Serenissima”.

Famosi ritratti di donne

Anche i ritratti femminili più famosi non possono essere paragonati per importanza e fama al dipinto “La Gioconda” di Leonardo da Vinci. Questo dipinto colpì molti per la sua dissomiglianza con altri ritratti famosi. Divenne così famoso anche perché si credeva che in esso si raffigurasse lo stesso Leonardo. E in effetti, come accennato in precedenza, alcuni critici d’arte ritengono che il sorriso della Gioconda sia veramente maschile. I famosi ritratti di donne sono talvolta simboli di femminilità e bellezza.

Questi sono ritratti femminili così famosi come “Ritratto di N. N. Pushkina” A. P. Bryullov(Acquerello, 1831) e un ritratto di “Nina Chavchavadze” di N. Iankoshvili. Entrambe le ragazze sono mostrate nel pieno della loro giovinezza e bellezza. Entrambi sono coniugi di grandi scrittori russi. Entrambe queste ragazze hanno qualcosa di luminoso, puro, sublime; sono raffigurate come muse di A. S. Griboedov e A. S. Pushkin. Le ragazze sono vestite con abiti di garza leggera, come se scintillassero ai raggi dell'innocente bellezza dei loro proprietari. Questi sono ritratti famosi non solo di donne, ma ispirazioni di scrittori.

I ritratti più famosi

I ritratti più famosi sono, forse, quelli che hanno maggiormente impressionato gli spettatori. Tali ritratti famosi attirano l'attenzione sia per i colori insoliti, sia per l'originalità della trama, ecc. Il ritratto di A. S. Pushkin, realizzato da Orest Kiprensky, è percepito come tale.

Lo stile dell'artista, caratterizzato dall'espressività plastica della forma e dalla veridicità, è stato in grado di trasmettere, in un modo o nell'altro, l'aspetto unico del poeta. "Ritratto di A. S. Pushkin" un tempo causò molte polemiche. Alcuni spettatori (i contemporanei di Pushkin) hanno parlato della sorprendente somiglianza, altri hanno detto che non esisteva tale somiglianza. Qui, piuttosto, tutto dipendeva da come Pushkin era conosciuto dai suoi contemporanei. I ritratti più famosi sono così belli anche perché fanno sentire allo spettatore il riflesso dell'anima della persona raffigurata. Possiamo sentire l'aura di una persona morta molti anni fa, sentire il suo sguardo su di noi. Forse anche le fotografie più belle non riusciranno mai a trasmettere l'incantevole magia dei ritratti famosi. Nei ritratti più famosi c'è sempre qualcosa del loro autore, l'artista. Due persone partecipano alla creazione di un ritratto: l'artista e il personaggio nella foto, uno dà alla tela il suo aspetto e il pittore, non importa quanto sia realistica l'immagine, porta sempre in essa un'eco della sua anima.

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Leonardo possiede numerosi disegni dedicati allo sviluppo della trama della Madonna col Bambino, in particolare il cosiddetto Mammifero, cioè allattamento al seno. Ma è assolutamente impossibile immaginarlo come un artista sentimentale, che riflette profondamente e con riverenza sull'amore materno (come spesso scrivono nelle recensioni dedicate all'Eremo “Madonna Litta”). Per favore lasciami andare! Tenerezza, sentimentalismo, ecc. mimimi- questa è una cosa che Leonardo sicuramente non ha, e non ha mai avuto.

Cenere, fumoso, languido, pastello, arioso... Viola, azzurro, delicato, trasparente... Rosa cenere. Nel follemente talentuoso romanzo bestseller di K. McCullough "The Thorn Birds", il colore dell'abito del personaggio principale, condannato alla separazione eterna dal suo amante, era chiamato "cenere di una rosa". Nel ritratto di Maria Lopukhina, morta di tisi un anno dopo il suo completamento, tutto è permeato della sottile tristezza della giovinezza, che non porta al futuro, scomparendo come fumo - tutto è permeato dalla “cenere di una rosa”.