Ritratto di donna secoli XVIII-XIX. Ritratto di donna alla fine del XIX secolo in Russia

Vladimir Ivanovich Gau è nato il 4 febbraio 1816 a Revel. L'artista dell'acquerello Vladimir Gau ci ha lasciato una meravigliosa galleria di ritratti della sua epoca. Le sue opere sono presenti in numerosi musei e sono motivo di orgoglio per i collezionisti. Artista del genere dei ritratti, Gau dipinse molti ritratti della famiglia reale: l'imperatore Nicola I, il granduca Mikhail Pavlovich e centinaia di ritratti della nobiltà russa.

Vladimir Ivanovich Gau è nato nella famiglia di un artista. Johann Gau non ricevette un'educazione artistica; divenne un artista autodidatta e divenne famoso ai suoi tempi come paesaggista e decoratore. Lo insegnò anche ai suoi figli.

Il fratello maggiore di Vladimir, Eduard Gau, è conosciuto come artista prospettico. I suoi dipinti sono numerose immagini dei palazzi di San Pietroburgo e dei suoi sobborghi, del Gran Palazzo del Cremlino e delle sue sale. Nel 1854, Eduard Gau divenne accademico “per l’arte e la conoscenza dell’arte dell’acquerello in prospettiva pittorica”.

E anche il piccolo Voldemar ha disegnato fin dall'infanzia. Ma a differenza di suo padre e suo fratello, era attratto dall’immagine del volto di una persona. Il padre non fu subito d'accordo con questa inclinazione del futuro pittore di corte. Dopotutto, essere un ritrattista significava ascoltare i commenti degli altri, trovare la forza di dipingere come richiede un cliente capriccioso, e anche poterlo adulare.

Pertanto, prima il padre manda suo figlio a studiare con l'accademico Karl von Kügelchen. Il vecchio artista viveva non lontano da Revel, nella tenuta di Fridheim. Il giovane artista portò avanti il ​​suo lavoro con pazienza e zelo, e Kügelchen vide e apprezzò in lui il dono del ritrattista, e riuscì quindi a convincere Johann a non resistere ai desideri del figlio.

Ben presto, con l'aiuto di Kügelchen, Waldemar Gau, già alla fine degli anni venti dell'Ottocento, iniziò a ricevere ordini di ritratti, che risultarono così tanti che il giovane artista ebbe appena il tempo di completarli.

Essere un ritrattista non è facile, ma è molto onorevole. Infatti, in quei tempi lontani, molte persone volevano preservare la propria immagine in gioventù o in età adulta, per se stessi o come ricordo per i propri cari. Pertanto, tutti avevano un grande rispetto per gli artisti che sapevano dipingere ritratti.

Allora, e anche adesso, si dice dei grandi artisti che dipinge un ritratto, che dipinge e non disegna. Da qui la parola – pittore. Questo è il tipo di pittore in grado di trasmettere l'immagine e l'anima della persona che Woldemar Gau voleva diventare.

Nel 1832, la famiglia reale arrivò a Revel per fare il bagno in mare. A questo punto, molte persone qui conoscevano già il giovane artista. Pertanto, non sorprende che le voci su di lui siano arrivate alla famiglia imperiale. La stessa imperatrice Alexandra Feodorovna voleva che l'artista dipingesse i ritratti dei suoi figli. Quando i ritratti furono pronti, l'imperatrice si rese subito conto che si trattava di un vero artista.

Alexandra Feodorovna lo prese sotto la sua protezione e nel 1832 Gau fu iscritto come studente libero all'Accademia Imperiale delle Arti e "a spese dell'alta protettrice". Nel 1835, V. Gau fu invitato a Tsarskoe Selo, dove dipinse i ritratti dei granduchi Alessandro, Konstantin, Nikolai, Mikhail e delle granduchesse Maria, Olga e Alexandra.

Nel 1836, Gau dipinse un ritratto di Alexandra Feodorovna, che divenne uno dei ritratti famosi e migliori dell'imperatrice. Alexandra Feodorovna è raffigurata nel soggiorno del “Cottage” ad Alessandria. Il viso calmo e leggermente stanco dell'imperatrice: sembrava persa nei suoi pensieri, guardando avanti. Fiero, postura diritta, aspetto nobile...

Nel 1836, Vladimir Gau si laureò all'Accademia delle Arti con una grande medaglia d'argento. Ben presto andò all'estero per migliorare ulteriormente le sue capacità. A quel tempo in Russia c'erano già artisti famosi che la nobiltà russa ammirava, ma c'era molto da imparare in Europa.

Gau ha visitato l'Italia e la Germania. Qui conobbe le opere di pittori italiani e tedeschi. Il genere del ritratto ad acquerello in Europa era più diffuso, e di piccole dimensioni. Questi erano i bisogni della società. Gli artisti dell'acquerello lavoravano in ogni corte europea. I ritratti dipinti venivano spesso replicati litograficamente.

Ritornato in Russia, Vladimir Gau divenne pittore di corte. Nel 1849 gli fu conferito il titolo onorifico di Accademico di Pittura ad Acquarello. Molte bellezze sociali sognavano di ricevere un ritratto di Vladimir Gau. Tra i suoi modelli c'erano quasi tutti i membri della Casa Imperiale.

Dipinse ritratti della famiglia reale e della nobiltà russa, eseguiti all'interno o nel paesaggio, ritratti di attrici del Teatro Imperiale: “la cantante e la vera bellezza” A.M. Stepanova, attrice drammatica V.N. Asenkova, ballerina V.P. Volkova, attrice M.I. Shiryaeva. Purtroppo non tutti i ritratti sono oggi visibili; alcuni possono essere compresi solo dalle litografie sopravvissute.

La maggior parte dei ritratti di V. Gau appartengono all'aristocrazia russa del XIX secolo, e quindi in ciascuno di quelli raffigurati sono presenti elementi dell'aristocrazia nella sua manifestazione esterna. Questo viso chiaro e calmo, la postura diritta, il giro della testa, i vestiti: tutto questo passa da un ritratto all'altro.

I ritratti delle donne sono particolarmente belli, poetici, sentiti ed espressivi. In essi si percepisce una padronanza virtuosa della tecnica e la capacità di cogliere i tratti caratteristici di un modello. I ritratti delle bellezze di San Pietroburgo assicurarono il successo dell'artista nella società.

Guarda qualsiasi ritratto di V. Gau: i volti gentili e graziosi delle donne, circondati dal magico splendore degli acquerelli, nobiltà e dignità, uno sguardo pensieroso o sognante, un'espressione languida...

Immagini della contessa Emilia Musina-Pushkina, principessa A.A. Golitsyna, N.N. Pushkina, M.V. Stolypina, una delle “donne alla moda degli anni Quaranta”, ritratto di O.N. Skobeleva, madre dell'eccezionale leader militare russo, il generale M.D. Skobelev, ritratto di Anna Alekseevna Olenina, a cui A.S. Pushkin ha dedicato le sue poesie-spiegazioni d'amore. “Ti amavo...” oppure

«Ma ammettilo tu stesso, è l'una o l'altra cosa
I miei occhi da cervo!
Che genio premuroso sono,
E quanta semplicità infantile
E quante espressioni languide
E quanta felicità e sogni!..."

Nel 1842 Gau sposò Louise-Matilda-Theodora Zanftleben, la figlia di un sarto di San Pietroburgo. La famiglia dell'artista aveva tre figli e sei figlie. Nella collezione del Museo Russo, piccoli schizzi a matita e acquerelli donati dal nipote Magnus Viktorovich Ginze ci raccontano gli eventi della sua vita familiare.

Alcuni ritratti della famiglia Gau sono in Russia, altri all'estero. La collezione del Museo d'arte Yaroslavl contiene i ritratti del figlio maggiore Harald da bambino e delle tre figlie: Maria, Olga ed Eugenia.

Vladimir Gau è un artista dal 1840 al 1860. I suoi ritratti riflettono l'atmosfera di quegli anni. Da decenni il pennello dell'artista Vladimir Gau ci racconta le storie di vita di persone vissute molti anni fa e grazie a lui possiamo entrare in contatto non solo con il passato di personaggi famosi, ma anche con la storia del paese . Un esempio lampante possono essere i ritratti della granduchessa Elena Pavlovna.

Elena Pavlovna, dotata di un sottile gusto artistico, ha posato lei stessa per l'artista e ha apprezzato il suo talento. Elena Pavlovna, nota per il suo lavoro attivo a beneficio della Russia, ha stupito tutti con la sua intelligenza e il suo carattere forte.

Il poeta VF Odoevskij scrisse di lei: “Tutto la interessava, conosceva tutti, capiva tutto, simpatizzava con tutto. Imparava sempre qualcosa." Elena Pavlovna, essendo sposata con il granduca Mikhail Pavlovich, sapeva come essere utile allo stesso imperatore negli affari di stato.

Alla morte dell'imperatrice vedova Maria Feodorovna, secondo il suo testamento, la direzione degli istituti Mariinsky e di ostetricia passò a Elena Pavlovna. Maria Fedorovna sapeva che li stava consegnando a mani sicure. E infatti, da quel momento in poi, tutti i problemi della medicina furono sempre nel campo visivo di Elena Pavlovna.

Questa donna sembrava avere tutto ciò di cui aveva bisogno per essere felice. Ma solo così sembrava. Il granduca Mikhail Pavlovich era una persona completamente diversa e la bellezza e la grazia di sua moglie, ammirata dai poeti, non lo infastidivano. Seppellì le sue figlie, alcune durante l'infanzia, e le altre due, Maria ed Elisabetta, morirono in giovane età.

Successivamente, Elena Pavlovna si dedicò completamente alle attività sociali e di beneficenza. Fu lei a creare la prima comunità militare di Suore della Misericordia in Russia durante la guerra di Crimea. Per le sue attività e servizi alla liberazione dei contadini dalla servitù, la granduchessa fu chiamata nella società "Princesse la Liberte - Principessa della libertà" e l'imperatore Alessandro II assegnò a Elena Pavlovna la medaglia d'oro "Operaia riformista".

Tra le centinaia di ritratti dipinti da V. Gau, come ogni artista, ci sono opere eccellenti, e ce ne sono anche di meno riuscite. Molti dei suoi ritratti non hanno quel calore, cordialità e fiducia che molto spesso si avverte tra l'artista e la sua modella.

Nei suoi ritratti si avverte una certa moderazione e talvolta freddezza, ma questo è comprensibile. La cerchia dei suoi modelli, o meglio di quelli ritratti, è la famiglia imperiale, la nobiltà russa.

Potrebbe davvero sentire con tutti quello stato d'animo creativo, comunicazione silenziosa e comprensione che può esistere tra un artista e un modello, così necessario per adempiere al difficile compito della creatività? Inoltre, l'artista di corte deve essere pronto a soddisfare incondizionatamente qualsiasi desiderio del cliente, come ha avvertito suo padre.

Nei ritratti raffiguranti persone vicine all'artista, l'interesse per una persona, per il suo mondo interiore, è completamente diverso. Nel periodo 1860-1890 le opere di V.I. Gau divennero rare. In questo momento, il ritratto ad acquerello veniva sostituito dallo sviluppo della fotografia.

Vladimir Gau, artista di corte della casa imperiale, morì l'11 marzo 1895 e fu sepolto nel cimitero luterano di Smolensk a San Pietroburgo. Qui riposa anche sua moglie Louise Gau.

Il ritratto è un genere eccezionale dell'arte russa. E, naturalmente, i ritratti femminili occupavano un posto molto significativo in questo genere di belle arti. I ritratti di donne di artisti russi dei secoli XVIII-XIX sono un vero inno alla bellezza, alla grazia e alla moralità del custode del focolare. L'intero aspetto di una donna parla della sua raffinatezza, sublimità; una donna è l'incarnazione stessa dell'amore e dell'armonia. Pertanto, una mostra di ritratti femminili, anche in riproduzioni, ci consente di giudicare molti aspetti della vita dei nostri grandi antenati: moda, criteri di bellezza, aspetto e umore, riflettendo i cambiamenti nelle relazioni sociali e il ruolo delle donne nella società.

D'altra parte, il periodo di tempo designato è un'intera epoca della pittura russa, un fenomeno che occupa un posto importante nella storia dell'arte. Molti ritrattisti russi, a partire dal primo terzo del XVIII secolo, realizzarono ritratti di donne considerati capolavori della pittura russa. Questi includono, prima di tutto, ritrattisti di fama mondiale come Ivan Nikitich Nikitin (1680-dopo il 1742), Andrei Matveevich Matveev (tra il 1701 e il 1739), Ivan Yakovlevich Vishnyakov (1699-1761), Alexey Petrovich Antropov (1716 -1795 ), Ivan Petrovich Argunov (1729-inizio 1802), Fyodor Stepanovich Rokotov (1735-1808), Dmitry Grigorievich Levitsky (1735-1822), Vladimir Lukich Borovikovsky (1757-1825), Vasily Andreevich Tropinin (1776-1857), Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836), Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887), Konstantin Egorovich Makovsky (1839-1915), Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911).

Le opere di questi artisti, le cui riproduzioni compongono questa mostra, si trovano nelle collezioni della Galleria Statale Tretyakov, del Museo Statale Russo, dell'Ermitage Statale e di altri famosi musei. Sono stati riprodotti in numerosi libri d'arte pubblicati negli ultimi anni. Tuttavia, qui vengono presentate anche opere di artisti poco conosciuti, che hanno anche capolavori: ritratti di donne.

La storia del ritratto russo ha origine da fenomeni dell'arte figurativa come l'icona e la parsuna, i diretti predecessori della ritrattistica russa. Ai tempi di Pietro apparvero nuovi ritratti. Pietro I ha invitato maestri stranieri e ha contribuito alla formazione di quelli domestici. Una scuola di pittura domestica inizia a prendere forma (Ivan Nikitin, Andrey Matveev, Ivan Vishnyakov, Alexey Antropov, Ivan Argunov). Le loro opere si distinguono per abilità e accuratezza nel trasmettere aspetto e “somiglianza” al modello, sebbene non abbiano ancora raggiunto la completa perfezione. Nei primi ritratti rimane una certa rigidità di posa, e i colori degli oggetti sono talvolta così saturi che si possono definire simbolici, tipico dell'arte arcaica del Medioevo. Sete, velluti, pizzi sembrano creare una preziosa cornice per i volti. Le caratteristiche dei ritratti dell'epoca elisabettiana sono un senso di festa, il trionfo della natura. Questo ideale appare nella corpulenza rotonda dei volti pesantemente imbellettati.

Nel 1750, l'intimità nell'interpretazione dell'immagine nei ritratti russi aumentò notevolmente. Nei ritratti la decoratività si riduce, aumenta il ruolo del gesto ed emerge una trama.

Entro la fine del XVIII secolo, il ritratto russo era pari, nel suo alto livello di qualità, agli esempi del mondo contemporaneo. I suoi rappresentanti sono Fyodor Rokotov, Dmitry Levitsky, Vladimir Borovikovsky,

Levitsky e Rokotov si fanno strada dai ritratti cerimoniali e semi-cerimoniali a quelli da camera. Entro la fine del secolo, la scuola di ritrattistica russa era caratterizzata da delicatezza, accentuata premurosità, attenzione sobria, una certa integrità e buone maniere senza perdita di eleganza.

L'inizio del XIX secolo fu segnato dall'avvento dell'era del romanticismo, che penetrò anche nella ritrattistica russa. Il ritratto romantico russo ha ricevuto un'espressione vivida e completa nell'opera del miglior ritrattista del primo quarto del XIX secolo, Orest Kiprensky. Altri famosi maestri di questo periodo sono Tropinin, K. Bryullov, Alexander Varnek.

Esempi del genere del ritratto in linea con il realismo furono creati dagli artisti itineranti della seconda metà del XIX secolo: Vasily Perov e Ivan Kramskoy, Nikolai Ge, Nikolai Yaroshenko e soprattutto Ilya Repin. Uno dei migliori ritrattisti della fine del XIX secolo fu Valentin Serov, tra i cui clienti c'erano sia rappresentanti degli strati avanzati che aristocratici. Ma questa è già una nuova era dell'arte russa.

La mostra dimostra molto chiaramente lo sviluppo della ritrattistica dai primi passi in questo genere fino alle vette dell'arte realistica russa. Insieme alla crescita delle capacità pittoriche, gli artisti padroneggiano sempre più le tecniche del realismo e iniziano gradualmente a risolvere problemi artistici più profondi e complessi. Diventano più complessi i tipi di composizione, formato, ecc .. Nel tentativo di creare un ritratto completo, gli artisti vanno gradualmente oltre alla ricerca di mezzi per trasmetterne il contenuto psicologico interno. Il ritratto ufficiale cerimoniale è sostituito da immagini femminili più rilassate e vivaci. La galleria di immagini femminili è così ampia che speriamo che tutti vi trovino lavori che attirino la loro attenzione.

Dillo agli amici:

Fyodor Stepanovich Rokotov, dotato di un talento raro, è uno dei ritrattisti del XVIII secolo. Il suo senso unico del colore e l'uso magistrale del pennello per trasmettere “l'anima dei segni mutevoli” furono apprezzati dai suoi contemporanei e continuano a deliziare e affascinare gli spettatori che oggi frequentano le sale del museo.

Fyodor Stepanovich nacque intorno al 1735-1736, discendente dai servi del principe P.I. Repnina. Rokotov trascorse la sua infanzia nella tenuta del principe, nel villaggio di Vorontsovo. I ricercatori della vita di Rokotov, di cui si sa molto poco, hanno scoperto che in tenera età Rokotov fu liberato dalla servitù della gleba, occupò una posizione speciale nella casa del principe e ricevette un'istruzione molto dignitosa per quel tempo.

Forse era un figlio illegittimo della famiglia Repnin?? Molto probabilmente è così, motivo per cui fin dalla tenera età ha avuto mecenati nella cerchia di corte. Grazie al Conte I.I. Shuvalov, Rokotov fu iscritto all'Accademia delle arti, dove era già un maestro di pittura qualificato.

Il rapido successo di Rokotov è ulteriormente spiegato dalla sua partecipazione alle celebrazioni dell'incoronazione in occasione dell'ascensione di Caterina II al trono imperiale. La composizione dei suoi ritratti cerimoniali di nobili, tra cui la zarina Caterina II, è completamente diversa dalle precedenti immagini reali.

Nel ritratto di Rokotov, Caterina II siede liberamente, girandosi leggermente sulla sedia, come se stesse conversando amichevole con qualcuno. In questo ritratto, Caterina II fu percepita dal pubblico dell'epoca come la speranza di persone illuminate, l'ideale di giustizia. In effetti, all'inizio del suo regno, Caterina stessa sostenne le idee di illuminazione e amore per la libertà. Questo ritratto ha portato fama all'artista.

I ritratti di Rokotov raffigurano molte persone illuminate del suo tempo. Conosceva M.V. Lomonosov, l'architetto V.I. Baženov, A.P. Sumarokov, V.I. Maykov. Molti nobili dell'epoca cercarono di commissionare le loro immagini al talentuoso artista.

Rokotov stabilì forti legami amichevoli con le famiglie degli Obreskov, Vorontsov e Struisky; era protetto dai Repnin, Golitsyn e Yusupov.

Aveva sempre molti ordini. Ha creato letteralmente gallerie di ritratti di rappresentanti della stessa famiglia, tra le quali c'erano personaggi di generazioni diverse. dipinse quasi tutta la nobile Mosca.

L'immagine sopra e l'immagine sotto: il ritratto di una donna sconosciuta
L'artista Fëdor Stepanovich Rokotov

Sotto molti ritratti di Rokotov ci sono iscrizioni "sconosciuto" o "sconosciuto", ma tutti attraggono con il loro fascino, mondo interiore, mistero, in cui si avvertono sentimenti ed esperienze nascoste. Apparentemente, queste persone erano vicine nello spirito a Rokotov.

Uno dei ritratti più interessanti può essere definito un ritratto accoppiato degli Struisky. Nikolai Eremeevich Struisky trattava Rokotov con grande rispetto. Nel ritratto vediamo un uomo un po' teso, con uno sguardo febbrile e ardente e un sorriso sghembo. Univa nobiltà, crudeltà e passione per la poesia fino al fanatismo.

Nel 1771 si ritirò e si stabilì nella sua tenuta di Ruzaevka, dove si dedicò completamente alla scrittura di poesie. Scrisse “giorno e notte” e fondò persino la sua tipografia in cui pubblicò le sue poesie. Ma nella stessa sala d'arte dove ammirava la letteratura e la poesia, a volte si svolgevano i suoi crudeli processi contro i suoi servi, a volte con l'uso della tortura.

Struisky ammirava il talento di Rokotov. Nel 1772 ordinò due ritratti: il suo e quello della sua amata moglie Alexandra. Sasha a quel tempo aveva 18 anni.

Il ritratto di A. Struyskaya delizia con la sua bellezza, moderazione e armonia. Attraverso la foschia del pennello di Rokotov, una visione magica si apre davanti a noi con uno sguardo tenero, un mezzo sorriso e tristezza.

Alexandra Petrovna Struyskaya ha ispirato versi poetici non solo da suo marito, ma grazie alle abilità pittoriche di Rokotov e di altri poeti del suo tempo. Divenne l'incarnazione del fascino femminile, ammirato sia dai contemporanei dell'artista che dai suoi discendenti. E quasi due secoli dopo la sua morte, Nikolai Zabolotsky scrisse:

Questa donna ha affascinato i poeti con la sua bellezza e il suo mistero. Era felice? Ti poni involontariamente questa domanda quando guardi il ritratto di Struyskaya. Alcuni contemporanei affermavano che il loro matrimonio era felice, altri lo negavano. Tra i suoi amici e conoscenti, Struisky era conosciuto non solo come un eccentrico e originale, ma anche come un tiranno.

La sua prima moglie non visse a lungo e morì di parto, e dopo qualche tempo perse due figlie gemelle nate in questo matrimonio. Struisky era inconsolabile nel suo dolore e partì per la sua tenuta di Ruzaevka, dove incontrò la giovane Alexandra.

Sasenka non aveva ancora avuto il tempo di uscire per il mondo quando un ricco vicino venne nella tenuta di suo padre, il proprietario terriero del distretto Nizhnelomovsky della provincia di Penza Ozerov. Vedendo Sasenka, Struisky dimenticò il suo dolore e la corteggiò immediatamente. Il proprietario terriero Ozerov non osava nemmeno sognare uno sposo così ricco, quindi non esitò ad accettare il matrimonio.

Ritratto di A.P. Struyskoy

Si sposarono nel 1772. Nello stesso anno, N. E. Struisky ordinò i ritratti di se stesso e della sua amata moglie. Rokotov, raffigurando i suoi modelli, non ha cercato di abbellire né le loro qualità spirituali né il loro aspetto. Ed è per questo che notiamo quanto siano diversi: Struisky e Alexandra Petrovna. In contrasto con il nevrastenico e febbrile Struisky, il ritratto di sua moglie colpisce per la sua sobrietà e armonia.

Indubbiamente, Rokotov è stata influenzata dalla bellezza e dal fascino della sua personalità. Occhi premurosi, espressivi e tristi, il suo sguardo è diretto da qualche parte in lontananza, come se stesse scrutando il suo futuro. È il mezzo sorriso" e il "mezzo pianto" che ci fanno pensare: era felicità?

I contemporanei affermavano che vivesse nella contemplazione della bellezza che Struisky creava intorno a lei. Per lei costruì nella tenuta un palazzo, simile a un portagioielli, e le dedicò le sue odi poetiche. Nelle sue poesie, dove veniva chiamata Saffira, esprimeva il suo amore e la sua adorazione. Dal loro matrimonio nacquero diciotto figli e figlie, dieci dei quali morirono in tenera età.

La bellezza e il mistero del ritratto ci affascinano ancora oggi. Forse perché l'artista si innamorò della sua modella. O forse Rokotov ha interpretato Alexandra Struyskaya, dotandola delle qualità spirituali del suo ideale?

Il ritratto, dipinto dal grande pittore, ha conservato per noi la sua bellezza ed è uno dei migliori ritratti femminili del XVIII secolo.

L'artista ha vissuto la sua vita in completa solitudine, senza provare bisogno o mancanza di nulla. Fëdor Stepanovich aiutò i suoi nipoti, liberandoli dalla servitù della gleba e, lasciando la sua vita terrena, lasciò loro un'eredità. L'artista morì il 12 dicembre 1808 e fu sepolto nel monastero Novospassky, ma il tempo non ha preservato la sua tomba. Tuttavia, sono sopravvissuti i suoi ritratti, davanti ai quali restiamo pensierosi, scrutando i volti di coloro che se ne sono andati da tempo e rimangono conosciuti o sconosciuti.

La tenuta di Ruzaevka non è sopravvissuta fino ad oggi ed è scomparsa, come molte centinaia di altri nidi nobili tra le fiamme della rivoluzione. Ma il suo ricordo è rimasto grazie al fatto che una delle donne più belle del XVIII secolo, Alexandra Struyskaya, viveva a Ruzaevka. Il suo ritratto di Rokotov attira ancora i visitatori della Galleria Tretyakov.

Tra i tanti artisti russi e stranieri che lavorarono in Russia, si possono tranquillamente chiamare gli eccezionali maestri della ritrattistica del XVIII secolo

AP Antropova, I.P. Argunova, F.S. Rokotova, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky.

Sulle sue tele A.P. Antropov e I.P. Argunov ha cercato di ritrarre un nuovo ideale di persona: aperto ed energico. L'allegria e la festa erano enfatizzate da colori vivaci. La dignità delle persone raffigurate, la loro corpulenza è stata trasmessa con l'aiuto di bellissimi abiti e solenni pose statiche.

A.P. Antropov e i suoi dipinti

Autoritratto di A.P. Antropov

Nelle opere di A.P. Antropov ha ancora un legame notevole con la pittura di icone. Il maestro dipinge il viso con tratti continui, e i vestiti, gli accessori, lo sfondo – liberamente e in modo ampio. L'artista non “adulare” i nobili eroi dei suoi dipinti. Li dipinge così come sono realmente, indipendentemente dalle caratteristiche, positive o negative, che hanno (ritratti di M.A. Rumyantseva, A.K. Vorontsova, Pietro III).

Tra le opere più famose del pittore Antropov ci sono i ritratti:

• Izmailova;
• A.I. e P.A. Quantitativo;
• Elisabetta Petrovna;
• Pietro I;
• Caterina II di profilo;
• Ataman F. Krasnoshchekov;
• ritratto del principe Trubetskoy

I.P. Argunov - ritrattista del XVIII secolo

IP Argunov “Autoritratto”

Sviluppando il concetto di ritratto nazionale, I.P. Argunov padroneggiò rapidamente e facilmente il linguaggio della pittura europea e abbandonò le antiche tradizioni russe. Ciò che risalta nella sua eredità sono i ritratti retrospettivi cerimoniali che ha dipinto a partire dalle immagini della vita degli antenati di P.B. Sheremetev. Il suo lavoro preannunciò anche la pittura del secolo successivo. Diventa il creatore di un ritratto da camera, in cui viene prestata grande attenzione all'alta spiritualità dell'immagine. Questo era un ritratto intimo, che divenne più comune nel XIX secolo.

I.P. Argunov “Ritratto di una donna sconosciuta in costume da contadina”

Le immagini più significative del suo lavoro furono:

• Ekaterina Alekseevna;
• P.B. Sheremetev durante l'infanzia;
• la coppia Sheremetev;
• Caterina II;
• Ekaterina Alexandrovna Lobanova-Rostovskaya;
• donna sconosciuta in costume da contadina.

F.S. Rokotov - artista e dipinti

Una nuova fase nello sviluppo di quest'arte è associata al nome del ritrattista russo F.S. Rokotova. Trasmette il gioco dei sentimenti e la variabilità del carattere umano nelle sue immagini dinamiche. Il mondo sembrava spirituale al pittore, così come lo sono i suoi personaggi: poliedrici, pieni di lirismo e umanità.

F. Rokotov “Ritratto di un uomo sconosciuto con un cappello a tre punte”

F.S. Rokotov ha lavorato nel genere del ritratto semi-cerimoniale, quando una persona veniva raffigurata dalla vita in su sullo sfondo di edifici architettonici o di un paesaggio. Tra le sue prime opere ci sono i ritratti di Pietro III e Grigory Orlov, del principe Pavel Petrovich di sette anni e della principessa E.B. Yusupova. Sono eleganti, decorativi, colorati. Le immagini sono dipinte in stile rococò con la sua sensualità ed emotività. Grazie alle opere di Rokotov puoi conoscere la storia del suo tempo. L'intera élite nobile avanzata cercava di essere catturata sulle tele del grande pittore.

I ritratti da camera di Rokotov sono caratterizzati da: un'immagine a busto, un giro di ¾ verso lo spettatore, la creazione di volume mediante una complessa modellazione ritagliata e un'armoniosa combinazione di toni. Utilizzando questi mezzi espressivi, l'artista crea un certo tipo di tela, che raffigura l'onore, la dignità e la grazia spirituale di una persona (ritratto dell '"Uomo sconosciuto con il cappello a tricorno").

F.S. Rokotov “Ritratto di A.P. Struyskaya”

Le immagini giovanili e femminili dell’artista erano particolarmente notevoli, e sviluppò persino un certo tipo di donna Rokotov (ritratti di A.P. Struyskaya, E.N. Zinovieva e molti altri).

Oltre a quelli già menzionati, le seguenti opere hanno reso famosa F.S. Rokotov:

• IN E. Maykova;
• Sconosciuto in rosa;
• V.E. Novosiltseva;
• P.N. Lanskoy;
• Surovtseva;
• A.I. e I.I. Voroncov;
• Caterina II.

D.G.Levitsky

Autoritratto di D. G. Levitsky

Dissero che i ritratti di D. G. Levitsky riflettevano l'intero secolo di Caterina. Non importa chi abbia interpretato Levitsky, ha agito come un sottile psicologo e sicuramente ha trasmesso sincerità, apertura, tristezza, nonché le caratteristiche nazionali delle persone.

Le sue opere più importanti: ritratto di A.F. Kokorinov, una serie di ritratti “Smolyanka”, ritratti di Dyakova e Markerovsky, un ritratto di Agasha. Molte delle opere di Levitsky sono considerate intermedie tra i ritratti cerimoniali e quelli da camera.

DG Levitsky “Ritratto di A.F. Kokorinov”

Levitsky combinò nel suo lavoro l'accuratezza e la veridicità delle immagini di Antropov e dei testi di Rokotov, a seguito dei quali divenne uno dei maestri più eccezionali del XVIII secolo . Le sue opere più famose sono:

• E. I. Nelidova
• M. A. Lvovoy
• N. I. Novikova
• A. V. Khrapovitsky
• i Mitrofanov
• Bakunina

VL Borovikovsky - maestro del ritratto sentimentale

Ritratto di V.L. Borovikovsky, artista. Bugaevskij-Blagodatny

La personalità del maestro domestico di questo genere V.B. Borovikovsky è associato alla creazione ritratto sentimentale. Le sue miniature e ritratti ad olio raffiguravano persone con le loro esperienze, emozioni e trasmettevano l'unicità del loro mondo interiore (ritratto di M.I. Lopukhina). Le immagini femminili avevano una certa composizione: la donna era raffigurata su uno sfondo naturale, fino alla vita, appoggiata a qualcosa, con in mano fiori o frutti.

V.L. Borovikovsky “Ritratto di Paolo I in costume dell’Ordine di Malta”

Nel tempo, le immagini dell’artista diventano tipiche dell’intera epoca (ritratto del generale F.A. Borovsky), e quindi l’artista è anche chiamato lo storiografo del suo tempo. I ritratti dell'artista provengono dal Perù:

• V.A. Zhukovsky;
• "Lisanka e Dashenka";
• GR. Derzavina;
• Paolo I;
• A.B. Kurakina;
• "Imberbe con figlie."

Per lo sviluppo della pittura russa, il XVIII secolo divenne un punto di svolta. Il ritratto diventa il genere principale . Gli artisti adottano tecniche pittoriche e tecniche di base dai loro colleghi europei. Ma l'attenzione è rivolta a una persona con le proprie esperienze e sentimenti.

I ritrattisti russi hanno cercato non solo di trasmettere somiglianze, ma anche di riflettere sulle loro tele l'anima e il mondo interiore dei loro modelli. Se Antropov e Argunov cercavano di superare le convenzioni e ritrarre sinceramente una persona, allora Rokotov, Levitsky e Borovikovsky andarono oltre. Dalle loro tele si affacciano personalità ispirate, il cui stato d'animo è stato catturato e trasmesso dagli artisti. Tutti lottavano per l'ideale e cantavano la bellezza nelle loro opere, ma la bellezza fisica era solo un riflesso dell'umanità e della spiritualità inerenti al popolo russo.

...Respirando profumi e nebbie, si siede accanto alla finestra...

Alexander Blok “Lo straniero” (1906)

Makarov Ivan Kuzmich, Ritratto di una donna sconosciuta, 1885.

La storia della ritrattistica russa è un fenomeno unico nella storia della cultura mondiale nel suo insieme, perché le sue radici affondano nell'iconografia ortodossa e si nutrono del terreno fertile di una spiritualità profondamente religiosa. Se nell'Europa occidentale l'arte della ritrattistica risale agli antichi modelli greco-romani, cioè in epoca precristiana, allora in Russia i principi della pittura di icone inizialmente servivano da modelli per la creazione di ritratti.Qui, ovviamente, si potrebbe discutere: dopotutto, i ritrattisti russi conoscevano bene la cultura antica, copiavano numerosi "oggetti d'antiquariato" - studiavano disegno, raffigurando ritratti scultorei e statue di antiche divinità greche e romane. Ma, affinando la loro padronanza delle tecniche tecniche della pittura secondo il modello occidentale, nel loro contenuto interno gli artisti sono rimasti collegati con la spiritualità ortodossa in tutti i fili e la fisicità delle immagini, così caratteristica dei capolavori della pittura europea, è passata in secondo piano. . I primi ritratti nella storia della pittura russa sono apparsi relativamente (da una prospettiva storica) di recente - nel XVII secolo. Hanno ricevuto il nome “parsuna” (vedi post successivo). Uno dei primi “parsuns” è il “Ritratto dello zar Fyodor Ioannovich” dell’inizio del XVII secolo, dalla collezione del Museo storico statale di Mosca. Come puoi immaginare, il nome “parsuna” deriva dalla parola “persona”. Quindi fu un'innovazione senza precedenti: furono raffigurate persone reali e non immagini e scene bibliche iconografiche.

V. L. Borovikovsky. Ritratto di E. V. Rodzianko. 1821

In passato, ritrarre i contemporanei era considerato un egoismo inaccettabile. Tuttavia, non è un caso che tra gli artisti ci sia l'opinione secondo cui ogni dipinto è un autoritratto. Non importa quanto l'artista voglia essere obiettivo, rinunciare al suo “ego” in nome della purezza delle immagini, tuttavia, in ogni opera si esprime, spiritualizza tutto con la propria energia spirituale. Nell'arte della ritrattistica russa, il principio dell'autore si intreccia con la penetrazione dell'artista nelle profondità del mondo interiore e con il desiderio di esprimere quella scintilla di Dio che è originariamente insita in ogni persona. Ciò è già evidente in quelle “parsuns” molto simili alle icone tradizionali, i cui nomi degli autori, purtroppo, sono caduti nell'oblio. E nei secoli successivi, quando i principi accademici dell'Europa occidentale iniziarono a prevalere nell'arte russa, e poi le tendenze del romanticismo e del realismo, la ritrattistica russa non perse la sua base ortodossa nella profondità del contenuto interno delle immagini. Ciò si è manifestato soprattutto nel desiderio di vedere la “luce di Dio” nell'oscurità dell'anima umana, in cui le cose terrene, corporali e mondane sono certamente illuminate dalla spiritualità viva. Le idee della ricerca della “scintilla di Dio” nel mondo terreno sono sempre state vicine alla cultura ortodossa, ma raggiunsero il loro culmine nella seconda metà del XIX secolo, quando divennero un aspetto chiave nella ricerca dell’intellighenzia creativa. - ricordiamo le eccezionali opere di F.M. Dostoevskij e L.N. Tolstoj.

Vivide, originali, a volte sorprendenti con la loro forza interiore, a volte toccanti con la loro vulnerabilità, a volte sorprendenti con la stravaganza, appaiono davanti a noi immagini di donne create da artisti della fine del XIX secolo. Forse, con tutta la diversità di personaggi, temperamenti, qualità esterne delle donne raffigurate nei ritratti, la proprietà principale che li unisce può essere chiamata la parola "Mariness", cioè in ogni donna l'artista (consapevolmente o meno) esprime qualcosa che la rende simile alla biblica Maria... Solo con quale: la Vergine Maria o Maria Maddalena, il lettore attento si chiederà e avrà assolutamente ragione. Ma non esiste una risposta definitiva a questa domanda: nella natura femminile, le essenze di entrambi sono intrecciate. Sì, e poiché l'arte della fine del XIX secolo gravita verso il realismo, la proprietà di "Maria" è un riflesso di entrambi i principi, la misteriosa purezza, l'innocenza e la peccaminosità, la debolezza mondana, che viene riscattata dal potere del perdono e della misericordia divina . Il dilemma tra le immagini della Vergine Maria e Maria Maddalena è presente in modo latente anche nelle immagini femminili create da maestri delle parole, ad esempio il libro di testo Sonechka Marmeladova. Ricorda quanta sporcizia di peccato terreno c'è nella sua vita e quanta forza di sacrificio! O Nastasya Filippovna - a volte una donna demoniaca, a volte l'incarnazione della compassione, della misericordia e della sensibilità. Nella ritrattistica, soprattutto nelle immagini femminili create alla fine del XIX secolo, i principi realistici non si riducono alla copia della natura e alla visualizzazione di qualità psicologiche; sono strettamente legati all'intera complessità delle ricerche filosofiche, religiose e intellettuali che allora regnavano tra le culture intellighenzia creativa.

L'immagine del misterioso straniero, cantata da Alexander Blok nel 1906, sembrava anticipare nella sua pittura IN. Kramskoj nel suo dipinto del 1883. Non è forse lei: "lentamente, camminando tra gli ubriachi, sempre senza compagni, sola, respirando profumi e nebbie, si siede vicino alla finestra". Come se un deja vu, ricordo i versi della poesia di A. Blok guardando il famoso dipinto di I.N. Kramskoj.La donna nel ritratto guarda lo spettatore con un po' di arroganza dall'alto della sua carrozza. Chi è lei e dove sta andando? Possiamo solo indovinare, costruire le nostre conclusioni e ipotesi. Forse è una dama del demimonde, che corre al ballo, forse è una sposa o la moglie di qualche funzionario o commerciante. In un modo o nell'altro, la sua posizione sociale non dovrebbe, secondo l'artista, interessare lo spettatore. Se nel XVIII secolo il riflesso dello status sociale in ogni ritratto era considerato assolutamente necessario, alla fine del XIX secolo la personalità era in primo piano, con tutta la complessità della sua vita spirituale interiore e l'unicità dell'aspetto individuale. E lo stesso I.N All'inizio della sua carriera creativa, Kramskoy ha cercato di trasmettere lo status sociale, ma tuttavia, nei suoi primi ritratti femminili, prevaleva la riflessione ispirata sull'individualità e l'unicità della bellezza femminile.Ogni volta, il modello sembrava dettare un nuovo approccio all'artista, e il maestro doveva cercare un linguaggio artistico adatto per l'incarnazione veritiera dell'immagine del ritratto e per raggiungere una profondità di penetrazione nel mondo spirituale del modello.

Quindi, nel ritratto di E.A. Vasilchikova (1867), l'artista trasmette il fascino della femminilità, la purezza della giovinezza, l'energia ispiratrice della bellezza e l'armonia spirituale interiore.

IN. Kramskoj. Ritratto di E.A. Vasilchikova. 1867.

I toni tenui di uno sfondo bordeaux e brunastro evocano il lavoro di antichi maestri, ma la spontaneità e la naturalezza della sua figura, la graziosa disattenzione del suo gesto, l'intuizione espressiva del suo sguardo: tutto questo parla di tendenze realistiche nell'arte che erano nuove per quel tempo.Nel ritratto di “Lo Straniero”, i principi realistici sono in qualche modo dissolti e ispirati da echi di tendenze neoromantiche e mistero poetico. Impegno verso l'I.N. La tendenza realistica nella pittura di Kramskoy (ed era un rappresentante di spicco della famosa Associazione delle mostre d'arte itineranti) si manifesta qui nell'assoluta precisione della composizione, in cui tutto è subordinato alla creazione di un'immagine sublimemente chiusa. La linea morbida della sagoma della sconosciuta e l’ovale regolare del suo viso concentrano l’attenzione dello spettatore, e lo spazio chiaramente definito racchiuso dalla parte posteriore della carrozza è inseparabile dalla modellazione plastico-volumetrica.

Konstantin Makovsky Ritratto di donna. 1890- e

Anche se abbiamo davanti a noi un'immagine generalizzata di uno "straniero", quanto sono sorprendentemente individuali i lineamenti del suo viso. Nel suo sguardo c'è disprezzo, o compassione, o tristezza, o freddezza: un mistero. La colorazione dell'immagine è risolta magistralmente, aiutandoci - no, non a risolvere questo enigma, ma ad ammirare all'infinito l'impossibilità di risolverlo. Il velluto blu scuro e la seta dei suoi vestiti - come accenno alla giustapposizione nella sua immagine della tenerezza del velluto e della freddezza della seta - sottolineano il nobile pallore della pelle e la naturale bellezza del rossore. Il retro dorato della carrozza aperta aggiunge calore al colore dell'immagine, ma bagliori e riflessi sembrano attutire le tonalità calde, enfatizzando sia la freddezza del tempo che la strana freddezza interiore del modello, causata dalle influenze superficiali di secolare moda o alcune esperienze profondamente personali. La figura della donna si staglia nettamente sullo sfondo della città innevata, e solo le piume bianche del suo cappello la collegano visivamente con lo spazio circostante. Nella sua immagine si vede la malinconia della solitudine, è un ideale al quale il mondo mortale è estraneo e, allo stesso tempo, è solo uno scorcio della contemporaneità dell’artista. In quest'opera, I. N. Kramskoy ci trasmette la sua tristezza, l'eterno desiderio dell'artista per l'ideale e la perfezione - come se fosse ispirazione, perfezione per il sottile, fugace. Ancora un momento, e il cocchiere invisibile guiderà i cavalli, e la carrozza, portando lo straniero verso l'ignoto, si scioglierà e scomparirà in un sudario nevoso... Sì, la bellezza scomparirà, ma il sogno rimarrà, catturato per secoli dal pennello sensibile del maestro.

Tuttavia, non si deve pensare che nella seconda metà dell'Ottocento gli artisti si ispirassero solo all'immagine degli estranei, al mistero dell'anima femminile, al mistero interiore. In questo periodo si manifestò molto attivamente anche la tendenza opposta: la rappresentazione delle donne come socialmente attive, attive, forti, persino coraggiose e un po' scortesi. Dopo l'abolizione della servitù della gleba e una serie di riforme, il ruolo delle donne nella vita pubblica iniziò ad aumentare rapidamente. E gli artisti di questo periodo ci trasmettono magistralmente immagini di donne, piene di senso di autostima, significato, orgoglio, forza e indipendenza.

Quindi, nel dipinto di K.E. Makovsky del 1879 vediamo il proprietario dell'antica tenuta di Kachanivka, situata al confine tra le province di Poltava e Chernigov. Sofya Vasilyevna Tarnovskaya è la moglie di un influente filantropo e collezionista ucraino Vasily Tarnovsky, un appassionato amante dell'arte, appassionato di musica (possedeva persino la sua orchestra e teatro) e di letteratura e, ovviamente, di pittura. Invitò l'artista a soggiornare nella sua tenuta e allo stesso tempo a dipingere per lui una serie di dipinti, tra cui un ritratto della sua amata moglie, che sosteneva attivamente le attività del marito e condivideva i suoi interessi. L'artista rivela al pubblico i tratti caratteriali nascosti della modella.

K.E. Makovsky. Ritratto di S.V. Tarnovskaja. 1879 G.

Il ritratto mostra una donna maestosa, non più giovane, ma volitiva. Nel suo sguardo, una certa arroganza si unisce alla morbidezza spirituale, caratteristica delle donne di provincia, non indurite dall'evirato trambusto sociale delle capitali. Il tessuto bordeaux scuro che fa da sfondo ricorda scene teatrali - molto probabilmente S.V. Tarnovskaya ha posato per l'artista nel teatro della tenuta. E l'artista, a sua volta, ricorda al pubblico quanto la nostra vita quotidiana sia simile a uno spettacolo teatrale. In alcuni punti l'artista porta il colore verde scuro del tessuto dell'abbigliamento a un colore nero profondo, enfatizzando così la nitidezza dell'ombra cadente e ravvivando la modellazione complessiva di luci e ombre delle soluzioni volumetrico-spaziali. In questo approccio si può sentire l’ispirazione del maestro dai capolavori di Rembrandt. E secondo il suo sensibile psicologismo K.E. Makovsky è vicino al famoso pittore olandese. Nella calma dei gesti e nella postura maestosa si sente la fiducia interiore e una speciale nobiltà d'animo naturale, e non finta. Un naso leggermente all'insù indica una manifestazione di capricciosità, ma nella morbidezza generale dei lineamenti del viso si leggono semplicità e tranquillità.

Ilya Repin. Al pianoforte. Ritratto di S.V. Tarnovskaya. 1880.

Un esempio lampante di ritratto femminile realistico del periodo in esame è il “Ritratto di Olga Sergeevna Alexandrova-Gaines”, creato da I.E. Repin nel 1890. L'artista è chiaramente interessato all'immagine di questa donna, come se incarnasse le nuove realtà sociali di quel tempo: davanti a noi c'è una donna attiva, volitiva, forte, anche in una certa misura severa, consapevole della sua importanza e senza dubbio fiero di esso. CIOÈ. Repin, un rappresentante della progressiva Associazione delle mostre d'arte itineranti, gravitava verso il genere nelle sue opere. Nei ritratti da lui realizzati non c'è praticamente nessuno sfondo neutro: raffigura la modella nel suo ambiente tipico per rivelare più profondamente il suo mondo interiore, per mostrare allo spettatore l'atmosfera, l'ambiente con cui la modella è indissolubilmente legata. Qui lo sfondo è disegnato da I.E. Repin non potrebbe essere più dettagliato.

E .E. Repin. Ritratto di O.S. Alexandrova-Gaines. 1890 G.

La cornice dorata del quadro, tovaglie e tappeti ricamati con filo d'oro, rilegature di libri dorate sul tavolo: tutto ciò crea un'atmosfera di lusso, chic orientale, così vicina al gusto della figlia del mercante di Kazan S.E. Alexandrova. La bellezza della vita prospera del mercante è mostrata con grande attenzione dall'artista. Il suo sguardo curioso non perde di vista le cose portate da paesi lontani. La nostra attenzione è attirata, ad esempio, da una gigantesca conchiglia decorativa in madreperla appesa al muro, probabilmente proveniente dal sud-est asiatico, o da un bellissimo tappeto iraniano, che ricorda la squisita colorazione delle miniature persiane. Essendo sposato con un ingegnere militare, il governatore generale di Kazan A.K. Gaines, Olga Sergeevna è stata attivamente coinvolta in opere di beneficenza e nel collezionare dipinti e incisioni di artisti russi e stranieri. Opere di I.E. Repin si distingue, come si può facilmente vedere nell'esempio qui considerato, per la capacità di vedere una persona in tutta la complessità del suo mondo interiore e l'originalità del suo aspetto esteriore.

Nella combinazione di colori di questo ritratto, siamo particolarmente colpiti dall'abbondanza di diverse tonalità dorate, a volte “urlanti”, come se lampeggiassero nella luce, a volte tremolanti con calma, a volte attenuate e appena distinguibili, trasformandosi dolcemente in altri toni. Il velluto nero dell’abito non solo nasconde abilmente la pienezza della figura della donna, ma rende anche la sua silhouette chiaramente leggibile nel contesto dello spazio artistico complessamente costruito dello sfondo. La dinamica della grafia pittorica appare chiaramente nella resa degli ornamenti - I.E. Repin non li trasmette in modo accurato, non assomiglia agli autori delle antiche miniature persiane, ma delinea le curve delle linee ornamentali con grandi tratti, trasmettendo allo spettatore non la natura grafica della loro immagine, ma speciale mobilità ed espressività, musicalità e poesia, che è simile al ritmo squisito della poesia orientale.Le linee elaborate di ornamenti sulla tovaglia, sul tappeto, sulle rilegature dei libri creano un ritmo commovente e misurato, e la linea della silhouette sembra soggiogare questo ritmo, concentrando l'attenzione dello spettatore. Il costume dell'eroina sembra inopportunamente rigoroso su uno sfondo così luminoso e accuratamente progettato, affascinando il nostro sguardo con una varietà di motivi e un lusso spettacolare. Tuttavia, la complessità dei motivi traforati del colletto e delle maniche sembra riecheggiare le linee degli ornamenti così ricchi sullo sfondo. Vale la pena prestare attenzione al posizionamento della figura. La posa esprime forza interiore di carattere, fiducia in se stessi, calma e compiacenza. Davanti a noi c'è una natura volitiva, indipendente, un po 'scortese, ma creativa. Sembra che fosse mancina: dopotutto tiene il ventaglio nella mano sinistra. E questo è anche segno di originalità, indipendenza e creatività. Con la mano destra Olga Sergeevna sostiene la testa, come se fosse appesantita da tanti pensieri, e la mano sinistra, la mano di una persona abituata a dare istruzioni, tiene abbassato un ventaglio piegato. Olga Sergeevna sembrò pensare per qualche minuto, si sedette per riposare, ma un altro momento - e agitava il ventaglio, ma non con un gesto civettuolo per muoversi intorno al suo viso con i modi di una signorina da salotto, ma per dare ordini nei suoi possedimenti, usandolo come indicatore e sottolineando l'importanza e l'espressività emotiva delle tue parole.

I tratti del viso possono sembrare ruvidi a prima vista. Tuttavia, dopo un attento esame noteremo non solo un forte intelletto, una prudenza mercantile, una forza di volontà, ma anche una leggera tristezza e stanchezza nello sguardo. Orgoglio, arroganza e una certa freddezza non oscurano la femminilità naturale, ma le conferiscono un gusto speciale. Questa femminilità è nella pulizia dei capelli, nello scintillio degli occhi, nelle arcate sopracciliari leggermente rialzate, nel gonfiore delle labbra e nel sottile rossore delle guance. Dietro la padrona di casa fredda e calcolatrice I.E. Repin ha saputo esaminare un'anima femminile sensibile, fondamentalmente, ovviamente, morbida e vulnerabile, ma abilmente mascherata da severità, inflessibilità ed efficienza deliberata. Il ritratto di Olga Sergeevna, creato da un eccezionale pittore russo, si distingue per la sua umanità, profondità espressiva poetica e allo stesso tempo realistica, abilità insuperabile e straordinaria forza di talento.

Il mondo lirico e misterioso dei sentimenti e delle esperienze di una donna si riflette nel suo lavoro di V.A. Serov, che aprì coraggiosamente nuove possibilità per l'espressività pittorica dei colori, combinando in molte delle sue opere la freschezza impressionistica e la facilità dei tratti rapidi con un alto grado di generalizzazione realistica e chiarezza nel trasmettere la natura, con la persuasività veritiera e realistica dei immagini create. L'ambiente luce-aria nei suoi ritratti crea uno spazio emotivamente ricco che è in armonia con il mondo interiore del modello. Nei ritratti qui considerati possiamo facilmente notare la luce penetrante, chiara e argentata, che addolcisce la forma plastica e arricchisce la tavolozza con una varietà di sfumature. Come gli impressionisti francesi, V.A. Serov infonde ad ogni tratto del suo pennello un potere luminoso. Nel ritratto di Z.V. Moritz, scritto nel 1892, V.A. Serov sembra “riscaldare” con la luce la colorazione generalmente fredda. Il colore viola nella gamma è considerato il più freddo, al contrario del rosso, il colore "più caldo", persino "caldo". Ma il freddo sfondo viola è saturo di numerosi riflessi, i cosiddetti “riflessi”, che portano note maggiori al minore malinconico complessivo, intriso di sottile tristezza lirica, il suono del colore. I colori sono visti dall'artista nella loro variabilità, illusorietà impressionistica. La sensazione di mobilità ansiosa è esaltata dalle piume dello scialle scritte impetuosamente, come se svolazzassero nel vento freddo.

IN .UN. Serov. Ritratto di Z.V. Moritz. 1892.

Emotività nell'immagine di Z.V. Moritz dà sia una soluzione di luci e ombre, sia una posa speciale della figura, una leggera rotazione della testa, un mento leggermente rialzato. Appoggiandosi allo schienale della sedia, affronta lo spettatore. Questo momento di comunicazione con lo spettatore è generalmente una caratteristica di molti ritratti di V.A. Serova. Il ritratto stupisce per l’accuratezza dell’immagine, l’acutezza dell’occhio dell’artista e la facilità improvvisativa che si combina con successo con l’alta professionalità e la magistrale attenzione alle soluzioni coloristiche e compositive. Il gioco di luci sulla collana mette leggermente in risalto l'aristocratico candore della pelle. I tratti del viso semplici e tipici vengono trasformati dall'artista: li spiritualizza con concentrazione interiore, poesia, in armonia con l'umore generale che regna nell'immagine.

V.A. Serov in ciascuna delle sue opere utilizza i principi della pittura plein air, sottolineando così la naturalezza e la speciale leggerezza aggraziata delle immagini, nonché la stretta connessione del modello con lo spazio che lo circonda. Con il suo lavoro afferma la propria comprensione dell'immagine di una donna e dei mezzi della sua incarnazione pittorica. La ragazza, spontanea e respirando la bellezza della giovinezza, appare nel dipinto “Ragazza illuminata dal sole”.

V.A. Serov. Ragazza illuminata dal sole. 1888 G.

La modella non sembra essere in posa, ma come se vivesse in questo spazio pittoresco. La colorazione dell'immagine si basa su un confronto armonioso di toni verde-oro, brunastri nella natura estiva, toni rosati sul viso e giallastri pallidi, nonché toni blu nei vestiti. Il colore bianco della camicetta della ragazza viene trasformato dal gioco di riflessi di luce; tutte le sfumature del bagliore del sole che irrompe attraverso il fogliame del possente albero sembrano diffondersi in esso come un arcobaleno. Il ritratto è espressivo anche nella sua silhouette. Il viso è delineato da una linea morbida plasticamente espressiva, fluida, che si trasforma nella linea generale della silhouette della figura. Qui troviamo il temperamento della scrittura, la sonorità della gamma colorata e la sensualità poetica.

Il ritratto è stato dipinto dal maestro come in una volta sola, anche se l'artista ci ha lavorato tutta l'estate, costringendo il paziente cugino a posare quasi ogni giorno. La leggerezza e naturalezza artistica visibile sono state raggiunte dall'artista con sensibilità e abilità, osservazione e capacità di vedere, sentire e incarnare sorprendentemente sottilmente sia le impressioni visive del mondo circostante che il mondo spirituale interiore del modello raffigurato.

Uno studio attento e una riflessione attenta nelle opere di molti artisti e scrittori dell'epoca sulla vita delle persone, sullo stile di vita e sulla morale portarono il genere sociale in uno dei primi posti nell'ambiente artistico di quel tempo. Una tendenza evidente nella pittura di ritratti femminili del periodo in studio era l’interesse degli artisti per le immagini di donne della gente comune, e non solo per le “mondane”, i clienti ricchi o le belle sconosciute. In realtà, queste immagini possono anche essere definite una sorta di "estranei": gli artisti non hanno lasciato i loro nomi nella storia, hanno cercato di creare un'immagine generalizzata dei loro contemporanei, rappresentanti di vari strati sociali. Tali “ritratti” non sono solo “ritratti” nel senso classico. Si tratta di "ritratti - dipinti", vicini al genere quotidiano, che a quel tempo avevano raggiunto l'apice della sua popolarità. Creando tali opere, gli artisti sembrano essere in equilibrio su una linea sottile tra generi diversi: ritrattistica e vita quotidiana.

L'immagine della venditrice di fiori, catturata dal pennello di N.K., è permeata di accentuata spontaneità e di grande energia vitale. Pimonenko.

N .A. Pimonenko. Venditore di fiori. Fine del XIX secolo.

La combinazione di un tono blu brillante di vestiti con il verde smeraldo delle foglie di giglio e dei fiori bianchi come la neve, l'effetto anche della luce solare sono mezzi che aiutano a rivelare l'immagine umana. Lo sfondo qui è il trambusto della strada, inondata dalla luce del sole, lo spazio artistico si sviluppa diagonalmente in profondità, enfatizzato dalla linea del marciapiede e da una serie di case in fila, esaltando la sensazione di movimento delle figure che si affrettano sul loro cammino. affari o passanti che passeggiano pigramente. Il viso rubicondo e segnato dalle intemperie della giovane attira lo sguardo dello spettatore con la sua apertura e semplicità, il suo sorriso scintillante e naturale e l'espressività del suo sguardo. Vende vivacemente gigli bianchi, come a simboleggiare in questo contesto la fioritura e la purezza della giovinezza. L'impressione di freschezza, la spontaneità della nascita dell'immagine incanta il nostro sguardo e rimane per sempre nella nostra memoria visiva e mentale.

Tali opere rivelano ideali umanistici e il vivo interesse dell'intellighenzia creativa per i destini delle persone del loro paese natale. Vicino alla pittura di icone e allo stesso tempo profondamente realistica e moderna, l'immagine femminile è incarnata da N.A. Yaroshenko nel ritratto di una sorella di misericordia. Una figura rigorosamente delineata su uno sfondo scuro, i tratti ascetici del volto della ragazza, una certa piattezza e isolamento interno dell'immagine: tutto ciò evoca immagini di icone ortodosse. I colori sono uniti in un'armonia calma e armoniosa. Con una combinazione di colori squisita, una gamma quasi monocromatica di toni grigio-brunastri e dorati pallidi, l’artista sottolinea la “qualità iconica” dell’immagine creata.

SUL. Yaroshenko. Sorella della Misericordia. 1886

L'aspetto di una sorella della misericordia porta i tratti di un'immagine collettiva e tipica. Lo spazio oscuro è illuminato come da un'improvvisa esplosione di luce. Qui la luce funge da metafora espressiva e facilmente leggibile: come la luce del sole, le azioni di questa ragazza giovane e fragile illuminano la vita di molte persone che aiuta. La tavolozza squisitamente sbiadita del ritratto giustappone attentamente i toni tenui del marrone e del grigio degli abiti, la croce rossa brillante e i riflessi giallastri. Le mani dell'artista sono meravigliosamente dipinte - sovraccariche di lavoro e fragili, sono l'incarnazione della femminilità, del calore, della cura, della tenerezza... È come una santa su un'icona miracolosa - dopo tutto, un miracolo non è solo qualcosa di mistico, può essere compiuto da qualsiasi persona dotata di gentilezza d'animo e di desiderio di fare il bene. Ogni giorno della sua vita compie un miracolo: riscalda il mondo con il suo aiuto, la gentilezza della sua anima e il valore del suo lavoro.

Alla fine del XIX secolo, alla svolta allarmante di secoli turbolenti e drammatici per la storia nazionale, nel 1900, nel ritratto femminile, le tendenze al simbolismo divennero sempre più forti e il realismo passò in secondo piano, l'era cambiò , e nella pittura sono apparse nuove priorità, il desiderio di rivelare altre possibilità del linguaggio artistico. Questo è naturale: dopo tutto, il percorso della ricerca creativa è inesauribile, mobile e infinito. Il desiderio di espressività decorativa e simbolica del colore, di abilità artistica, di giocare con l’immaginazione dello spettatore si sta sempre più intensificando. L'espressività figurativa non è finalizzata a trasmettere sensazioni e osservazioni viventi, ma si concentra sul raggiungimento di un sottile piacere emotivo e intellettuale, poesia e allegoria, alcune convenzioni e ritmo poetico, che rendono la pittura simile alla musica e alle parole.

L'immagine sofisticata e misteriosa di una bella signora, romanticizzata e piena di armonia poetica, è stata creata da K.A. Somov nella sua famosa opera “La signora in vestito blu”. Questo non è più lo stesso straniero di Kramskoy che ci è sembrato così naturale e vivo, come se fosse apparso davanti a noi per alcuni istanti dall'ombra dei secoli. Straniero al K.A. Somova è piuttosto il ritratto di un'attrice che interpreta un ruolo, indossa una maschera e riflette su una poesia letta di recente. In realtà, questo è un ritratto dell'artista E.M. Martynova.

A .UN. Somov. Signora in abito blu. 1897-1900

Il miglior gioco di mezzitoni crea un'atmosfera lirica. La sottigliezza del gusto coloristico si manifesta nella trama pittoresca: un colore opaco sbiadito, una pennellata fluida che riecheggia la linea di contorno liscia. La precisione del disegno e la flessibilità del tratto conferiscono una certa secchezza e decoratività, sottolineando il talento artistico della dama raffigurata. Come sfondo, viene abilmente riprodotto un paesaggio stilizzato convenzionale, che evoca ancora una volta un'associazione non tanto con un paesaggio reale, ma con scene teatrali. Questo tipo di desiderio di ricreare un mondo immaginario - un allontanamento da una realtà spiritualmente impoverita e una completa immersione nel mondo della creatività - corrisponde pienamente alle nuove esigenze estetiche dell'epoca. Questo paradigma si manifesta in molte opere dei maestri dell'associazione creativa “World of Art”, a cui apparteneva K.A. Somov.

Forse il più incline alla teatralizzazione delle immagini, alla fantasmagoria e al misticismo fu M.A. Vrubel - la sua pittura sembra essere una misteriosa rivelazione esoterica nei colori. Ha cercato di incarnare la bellezza e di vederne il segreto interiore, di sollevare il velo del mistero dell'essenza stessa della bellezza. L'idea di tale ricerca è vicina alle nuove tendenze dell'epoca e riecheggia chiaramente ciò che possiamo osservare nella poesia di quel tempo, nella musica e nel teatro. Basti ricordare le righe di Ivan Bunin, scritte nel 1901:

Cerco combinazioni in questo mondo,

Bello e segreto, come un sogno...

MA Vrubel sceglie uno stile di scrittura molto originale e unico. Non dipinge con forme, non con volumi, ma con piccoli piani schiaccianti, come un mosaico tremolante nell'oscurità...

Creava spesso ritratti di sua moglie N.I. Zabela-Vrubel, che recita in produzioni teatrali, nelle immagini di vari personaggi - o appare nell'immagine di Gretel, o nell'immagine della Principessa del cigno dell'opera di N.A. Rimsky-Korsakov basato sulla storia dello zar Saltan.

Il dipinto-ritratto della Principessa del Cigno è stato realizzato proprio all'inizio del secolo, in quei tempi difficili che prefiguravano una serie di cambiamenti drammatici.

M .UN. Vrubel. Principessa del cigno. 1900 gr.

La sensazione di movimento tremulo è perfettamente espressa dalla combinazione di colori. I riflessi lilla e freddi del blu scuro sembrano entrare in un drammatico confronto con importanti lampi rosati e giallastri di riflessi di luce, esaltando la profondità della dissonanza sonora, raccontando a colori la contraddizione tra sogno e realtà, celeste e terreno, spirituale e mondano, sublime e banale. La figura, emozionante con il suo mistero, è raffigurata in un movimento violento, come se sbattesse con tutte le sue forze le sue ali bianche come la neve, cercando con tutte le sue forze di decollare proprio davanti agli spettatori sorpresi. Negli enormi occhi spalancati, grandi gocce di lacrime sembravano congelarsi, brillando all'unisono con il bagliore delle fiamme del tramonto, unendo i colori dell'immagine in un'unità coloristica così complessa. Cos'è questo: un simbolo irrisolto o un ruolo interpretato magistralmente, o forse un riflesso dei movimenti sottili interiori dell'anima dell'artista pieni di esaltata poesia? Forse ogni spettatore dovrebbe trovare da solo la risposta, o meglio ancora, semplicemente non pensarci, ma godersi la scintillante bellezza che tocca le corde nascoste dell'animo umano, risvegliando una fiaba nel profondo del cuore.

Gli artisti di tutti i tempi si sono ispirati alle immagini delle donne: forti e volitive o fragili e vulnerabili, semplici e modeste o stravaganti e coraggiose, mature e piene di preoccupazioni quotidiane o giovani e ingenue, naturali e terrene o raffinate e educate. In una serie di ritratti femminili creati dai più talentuosi maestri domestici alla fine del XIX secolo, si rifletteva una nuova comprensione delle donne per quei tempi, più liberata, libera da pregiudizi secolari e, sembrerebbe, a volte sfidando le tradizioni , ma, allo stesso tempo, strettamente connesso con la spiritualità ortodossa e le ricerche intellettuali filosofiche dell'intellighenzia creativa di quel tempo. Dopo aver esaminato solo alcuni esempi in questo articolo, abbiamo potuto vedere quanto gli artisti del pennello siano attenti alle caratteristiche individuali dei modelli, quanto comprendano sensibilmente la natura dell'anima femminile e quanto sinceramente ammirano la bellezza femminile!

L'arte ci aiuta sempre a comprendere noi stessi più profondamente, a dare uno sguardo nuovo alla nostra vita e al mondo che ci circonda. E forse, guardando le bellissime creazioni degli artisti, le donne moderne, immerse in una serie di frenesia quotidiana, ricorderanno che anche dentro di loro vive uno sconosciuto bello e misterioso...

Lukashevskaya Yana Naumovna, storica dell'arte, critica d'arte indipendente, curatrice di mostre, 2011, wm-painting.ru.