Come disegnare i cartoni animati passo dopo passo da una fotografia con una matita. Come disegnare una caricatura con una matita passo dopo passo

Una vignetta è un disegno che contiene elementi comici e grotteschi. Di solito una persona viene raffigurata utilizzando una caricatura e questo non è un ritratto accurato e corretto. Questo stile di disegno prevede la modifica delle proporzioni del corpo umano per creare un effetto comico. Poiché disegnare un cartone animato non richiede molto tempo e anche qualsiasi principiante può gestirlo, questo tipo di disegno è molto popolare.

Disegnare un cartone animato passo dopo passo

Come disegnare un cartone animato se non hai le competenze per disegnare questo genere di cose? Tutto è molto semplice. È sufficiente agire passo dopo passo:

1. Per prima cosa devi scegliere la persona di cui vuoi fare una caricatura. Quindi su un pezzo di carta dovresti disegnare un quadrato o un ovale per il viso. Dipende dalla forma che scegli, l'importante è che la testa sia più grande del corpo.
2. Successivamente, vengono disegnate delle linee sul viso, poiché elementi come occhi e orecchie devono essere simmetrici. Quindi vengono disegnati il ​​collo e il busto.
3. Per creare un effetto più comico, il collo può essere raffigurato troppo corto o, al contrario, sottile e lungo.
4. Dopo che la base è pronta, passiamo ai dettagli più piccoli. Disegniamo capelli, occhi, naso, bocca. Inoltre, non dimenticare le rughe sul viso, che conferiscono realtà al disegno.
5. Successivamente finiamo gli elementi del corpo e dei vestiti. Come puoi vedere, non c'è nulla di complicato nel disegnare i cartoni animati e anche un principiante può gestirlo. Per finalizzare il disegno potete sfumarlo con una matita o dipingerlo con gli acquerelli.

1. La cosa più importante quando si disegna un cartone animato è avere la capacità di enfatizzare alcune qualità di una persona, poiché un cartone animato è una caricatura o una presa in giro di una persona, solo nel buon senso della parola, poiché i cartoni animati sono usati per divertire una persona , e per non offenderlo.
2. Se trovi difficile scegliere la forma del viso, del corpo o di qualsiasi altro elemento, puoi utilizzare cartoni già pronti e usarli come base. Per fare ciò, puoi trovare disegni di cartoni animati su Internet e selezionare lo spazio vuoto necessario. Se non ci riesci la prima volta, non disperare e arrenderti. Più disegni, migliore sarà il risultato. Un cartone animato disegnato a mano è un ottimo regalo per amici e familiari.

Nelle località turistiche hai spesso incontrato artisti che offrono un servizio come il disegno di cartoni animati. Di solito sono molte le persone che vogliono acquistare il proprio ritratto allegro. Pertanto, se hai la capacità e il desiderio di disegnare, allora perché cercare un artista e aspettare che arrivi il tuo turno, se puoi disegnarlo da solo.

Potresti avere una domanda, come disegnare te stesso? È molto semplice, devi disegnare una caricatura da una fotografia. Dopotutto, non fa differenza se attingere a una persona viva o alla sua immagine in una fotografia. I passaggi del disegno rimangono gli stessi. La cosa principale è ricordare che il cartone animato deve avere un buon senso dell'umorismo per non offendere una persona con questo disegno.

Cartone animato di Albert Einstein (master class sulla caricatura)

Continuiamo la serie di corsi di perfezionamento di disegno. Questa volta ci occuperemo del capo di uno dei famosi scienziati: Albert Einstein. Perché lui? Sì, è un piacere disegnare gli anziani, soprattutto quelli irsuti. Ha molti tratti caratteristici. Questo è un grosso naso, una criniera di leone, occhi grandi e infantilmente ingenui, folti baffi che ricordano una salvietta. Ho trovato la foto su Internet.

Disegno come al solito. Comincio con uno schizzo. Per iniziare, determino la forma complessiva, esagerandola leggermente nella zona in cui si trovano i capelli. Quindi, a differenza della fotografia, dove il viso sembra più grande dei capelli, io rimpicciolisco il viso, al contrario, esagerando i capelli.

Disegno immediatamente il naso. Concentriamoci su questo. In generale, quando disegni gli anziani, devi sempre disegnare un grosso naso. Ciò è dovuto ai cambiamenti legati all’età nelle proporzioni del viso. È nella vecchiaia che il naso appare più massiccio rispetto ad altre parti del viso.

In effetti, quello che è successo è la base per il futuro cartone animato. Nelle belle arti, una tecnica simile si chiama " Dal generale allo specifico"Per prima cosa troviamo la forma generale del nostro futuro cartone animato, e poi iniziamo ad analizzare i dettagli.

Disegna la forma del naso. Naturalmente, non copiandolo come è nella foto, ma cercando di allungare la forma esistente verso il basso e ai lati, dal ponte del naso al mento.

In questo caso gli occhi dovrebbero spostarsi verso il ponte del naso. Tuttavia, non abbiate fretta di trarre conclusioni affrettate. Ogni regola ha le sue eccezioni. Se gli occhi sono grandi e sporgenti è meglio allargarli un po’. L'importante è non perdere l'espressione caratteristica che di solito ha lo sguardo umano.

Nella fase successiva, lavoriamo sul disegno in modo più dettagliato. Nella caricatura non è necessario seguire esattamente la natura, come fanno i ritrattisti. Cerchiamo di essere creativi con il disegno. Proviamo a creare una certa immagine, in base alla conoscenza che abbiamo su come disegnare occhi, naso, capelli.

Cercheremo di trasmettere il volume. Per fare ciò, determiniamo la fonte di luce. C'è una piccola sfumatura nell'illuminazione che molti artisti conoscono, ma che tengono profondamente segreta ai principianti. Fin dal Rinascimento, gli antichi maestri hanno scoperto che ce ne sono diversi punti vantaggiosi illuminazione del viso. Cominciarono quindi a dipingere il ritratto, illuminandolo in un certo modo, in modo che le ombre sottolineassero al meglio la forma del viso. Per conoscere meglio questi modelli ti consiglio di visitare la galleria dell’artista Shilov. Quasi tutti i ritratti che vedrai lì sono stati dipinti con questo metodo illuminazione artificiale una certa direzione.

Questi sono probabilmente i più comuni modelli per illuminare il viso quando si disegna un ritratto. Questi modelli sono serviti per centinaia di anni, servono adesso e serviranno agli artisti per molto tempo a venire. Pertanto, ti consiglio di memorizzarli e utilizzarli nella tua creatività. Ti daranno un vantaggio rispetto a coloro che non lo sanno. Che tu stia disegnando un ritratto o un cartone animato, usa l'illuminazione modellata e gli angoli della testa. Guarda allora quanto avevo ragione.

Apri un altro livello inferiore su cui coloreremo il nostro disegno.

Scegliamo un colore per il viso e dipingiamo su tutta la superficie del viso, insieme agli occhi, tutto tranne i capelli e i baffi.

Come puoi vedere, lo strato superiore è trasparente. Il colore va sotto il nostro disegno senza dipingerlo. Ciò accade perché nella tavolozza dei livelli abbiamo selezionato la casella Moltiplicare. Grazie a questo, non dobbiamo storcerci gli occhi mentre disegniamo in Photoshop. Ne abbiamo abbastanza di colorare, considerando il fatto che se non sei abituato a disegnare su un tablet, non è così facile.

Ma con la colorazione tutto è diverso. L'unica condizione che non deve essere dimenticata. Prima di iniziare a colorare qualsiasi cosa, non dimenticare di aprire un nuovo livello.

Ciò ti darà l'opportunità di utilizzare l'intero set di strumenti del programma quando desideri regolare il colore, il tono o qualche altra proprietà della superficie da verniciare. Potresti volere che la giacca sia più scura o più chiara. Quindi non dovrai evidenziarlo.

Ora mi tingo i capelli su uno strato diverso. E se succedesse qualcosa? Non si sa mai.

E la camicetta è su un altro strato. Dopotutto, aprire un nuovo livello nella tavolozza è molto più veloce che selezionare l'una o l'altra area del disegno.

Lentamente, senza fretta. Scegliendo tonalità più scure o più chiare dello stesso colore nella tavolozza, otteniamo un'immagine tridimensionale più forte.

È meglio non sperimentare con i colori. Non abbiamo bisogno dell'impressionismo in questo tipo di lavoro. Cerca di ottenere un senso di vivacità nel tuo lavoro utilizzando un set minimo di colori.

Come puoi vedere, utilizzo solo tre colori in questo cartone animato. Abbastanza. Anche gli occhi marrone scuro sono solo una tonalità di carne più scura.

Mettiamo un po' in ordine i dettagli. Qui bisogna stare molto attenti a non esagerare. A volte l'eccessiva attenzione ai dettagli porta ad una perdita di espressività dell'insieme.

Personalmente elaboro i dettagli tanto quanto sono importanti per la percezione complessiva del disegno nel suo insieme.

Non tutta l'arte è creata per essere ammirata e scritta in acqua bollente, e poi acquistata per milioni di rubli americani. Ci sono anche stili di disegno fatti per ridere, per una considerazione positiva e senza eccessiva filosofia. Uno di questi stili di disegno è la caricatura e oggi te ne mostrerò un esempio. Scopriamolo come disegnare una caricatura Villa Smith. Direttamente correlati a questo genere sono tipi di arte come la caricatura, la stampa popolare e il grottesco. La base della satira e dell'umorismo qui è creata dal metodo di aumento o diminuzione dei tratti del viso, sproporzione tra il corpo e il viso. Fondamentalmente, i ritratti delle persone vengono presi per caricature. Ricordo che in un festival mi hanno fatto una caricatura gratuita, anche se non potevo portarla a casa, queste erano le condizioni per il disegno libero. Ma ho riso di cuore. Il collo è sottile come un fiammifero, un occhio è sporgente, l'altro sembra essere premuto verso l'interno. La forma della testa ricordava una pera dei tempi di Chernobyl. Fino a poco tempo fa la caricatura non serviva solo a far ridere. Possiamo considerare che questi siano stati i primi demotivatori politici. Potresti anche conoscere il cartone animato più famoso: questo è un poster in cui un uomo ti punta oscenamente il dito contro e ti chiede: ti sei iscritto come volontario? Ma le autorità dell'URSS avevano un senso dell'umorismo molto sottile e non amavano questo tipo di buffonate. Pertanto, le caricature erano sempre basate su un funzionario o una struttura fittizia. Per così dire, le autorità non c'entravano nulla e l'autore non è stato represso.

• Nel mondo stanno accadendo cose strane. Ho già detto che a volte un'opera d'arte non vale nemmeno un rublo, ma la comprano per migliaia. Quindi la caricatura più costosa venduta è costata 2.000 dollari: era un ritratto di Michael Jackson, dipinto da una persona sconosciuta;
• La famosa azienda di strumenti da scrittura Caran d'Ache ha preso il nome in onore del fumettista Emmanuel Poiret. Lo so, non hai nemmeno letto il titolo la prima volta, quindi leggilo e nota cosa sta scrivendo Pencil lì. Emmanuel ha studiato a Mosca, e fu allora che gli venne in mente un simile pseudonimo, usando una matita normale.
• Siamo sempre circondati da caricature. Tutte le immagini, i volti e i fumetti di trolling sono caricature. Possiamo facilmente supporre che questo sia lo stile più comune sul World Wide Web.

Oggi proveremo a disegnare la nostra caricatura e come vittima ho scelto l'attore Will Smith. Sarà divertente.

Come disegnare una caricatura con una matita passo dopo passo

Primo passo. Ricorda, una caricatura non è un ritratto; se la disegni quasi esattamente, sarà solo più divertente. Innanzitutto, disegna due quadrati e collegali con una linea. Passo due. Come ogni volto, anche una caricatura dovrebbe essere simmetrica. Disegna con attenzione le orecchie grandi, enormi, direi. La testa avrà la forma di una palla da rugby pressata, il naso e le labbra avranno le stesse dimensioni delle orecchie. Passo tre. Disegniamo un occhio di dimensioni normali in modo che non sembri troppo spaventoso. Abbiamo bisogno anche di un po' di capelli, e abbiamo anche bisogno di un collo lungo e sottile, che sia attaccato ad un corpo più piccolo della testa. Questo è esattamente l'aspetto di una caricatura: completamente sproporzionato. Passo quattro. Diamo almeno una barba pretenziosa al povero Smith, altrimenti non sembra troppo serio. Applica facilmente ombre e ombreggiature nei punti giusti. Passo cinque. Esercitati e alla fine disegnerai le caricature dei tuoi amici. Credimi, ti divertirai così. E se hai spunti interessanti per scrivere nuove lezioni, scrivimi QUI, e presto vedrai sicuramente la lezione che ti interessa. Vuoi migliorare nel disegnare il volto umano o le caricature? Sarà utile.

Questa è una lezione piuttosto difficile, quindi potrebbe volerci un bel po' di impegno per ripeterla. Se non sei riuscito a disegnare un fumetto la prima volta, non disperare e riprova. Fai del tuo meglio per completare questa lezione. Se ancora non funziona, puoi provare a completare la lezione “”. Ma credo che ci riuscirai.

Di cosa avrai bisogno

Per disegnare un fumetto potremmo aver bisogno di:

• Carta. È meglio prendere carta speciale a grana media: gli artisti alle prime armi troveranno molto più piacevole disegnare su questo tipo di carta.
• Matite appuntite. Ti consiglio di prendere diversi gradi di durezza, ognuno dovrebbe essere utilizzato per scopi diversi.
• Gomma per cancellare.
• Bastoncino per sfregamento della schiusa. È possibile utilizzare carta comune arrotolata in un cono. Sarà facile per lei strofinare l'ombreggiatura, trasformandola in un colore monotono.
• Un po 'di pazienza.
• Buon umore.

Lezione passo dopo passo

Disegnare personaggi di film, cartoni animati e storie è molto più semplice che disegnare persone e animali reali. Non è necessario rispettare le regole dell'anatomia e della fisica, ma ogni personaggio è unico a modo suo. Gli autori li hanno creati utilizzando modelli speciali, che devono essere ripetuti in modo abbastanza accurato. Ma se vuoi, quando inizi a disegnare un cartone animato, puoi sempre rendere gli occhi un po' più grandi. Questo gli darà un aspetto più da cartone animato.

A proposito, oltre a questa lezione, ti consiglio di prestare attenzione alla lezione “”. Ti aiuterà a migliorare le tue abilità o semplicemente a divertirti un po'.

Tutti i disegni complessi devono essere creati utilizzando lungimiranza e visione. Il soggetto deve essere più di un semplice modulo su un foglio di carta. Devi disegnarlo tridimensionalmente, cioè creandolo da semplici corpi geometrici come se fossero uno sopra l'altro: qui c'è una palla su un cubo, e qui ci sono due palle una accanto all'altra. Tutti gli esseri viventi e non viventi sulla terra sono costituiti da queste forme primitive.

Suggerimento: crea uno schizzo con tratti quanto più sottili possibile. Più spessi sono i tratti dello schizzo, più difficile sarà cancellarli in seguito.

Il primo passo, o meglio il passo zero, è sempre quello di segnare un foglio di carta. Questo ti farà sapere dove si troverà esattamente il disegno. Se posizioni il disegno su metà del foglio, puoi utilizzare l'altra metà per un altro disegno. Ecco un esempio di come contrassegnare un foglio al centro:

Di solito i caricaturisti esperti, quando disegnano cartoni animati, raramente fanno la domanda: come lo fanno.

Se chiedi a un artista di spiegarti perché disegna in questo modo, molto probabilmente dirà che disegna in modo puramente intuitivo, basandosi sulla sua esperienza creativa. E questo, in una certa misura, può essere spiegato dal fatto che finora la teoria nel campo del disegno dei cartoni animati non è stata sufficientemente studiata e sistematizzata. Le conoscenze teoriche esistenti non vengono insegnate nelle scuole d'arte per il semplice motivo che non sono ancora di carattere applicato. Ogni artista, però, ha le sue tecniche per disegnare i cartoni animati, e voglio presentarvene alcune nelle pagine del sito.

La base della caricatura è la mobilità della forma. In un ritratto troviamo questa forma statica; l'artista disegna i tratti del viso così come esistono nella realtà. In un cartone animato le proporzioni sono distorte, esagerate, si muovono, si deformano, eppure la somiglianza con l'originale non viene persa affatto. Perché succede questo? Il disegno del fumettista obbedisce a delle misurazioni precise oppure nasce come risultato di un’inspiegabile esaltazione creativa?

Guardando il lavoro di un fumettista, lo spettatore non iniziato rimane con un sentimento di sorpresa, che ricorda leggermente la sensazione che proviamo vedendo il lavoro di un mago. Se il disegno di un ritratto si adatta bene al quadro della nostra comprensione (vediamo come l'artista copia semplicemente la natura), allora disegnare una caricatura a volte suggerisce un'abilità meravigliosa di cui il fumettista è dotato fin dall'infanzia. Un’abilità quasi impossibile da apprendere.

Proviamo ora a capire se tutto è davvero così disperato o, nonostante tutto, ci sono alcuni modi e meccanismi attraverso i quali qualsiasi persona, anche più o meno preparata, può imparare a disegnare cartoni animati.

Proporzioni del viso

I volti di tutte le persone differiscono l'uno dall'altro in piccoli dettagli: la dimensione del naso, della bocca, dell'ovale del viso, delle orecchie sono diverse per tutte le persone, ma le proporzioni - il rapporto tra le distanze tra naso, occhi e bocca - sono approssimativamente lo stesso per ogni persona. Le proporzioni classiche dividono il volto umano in tre parti uguali. Queste sono le distanze tra le sopracciglia e le radici della fronte, la distanza tra la base del naso e le sopracciglia e la distanza tra la base del mento e la base del naso.

Inoltre, la distanza tra le sopracciglia e la punta del naso è uguale alla dimensione delle orecchie, e una linea tracciata alla base del labbro inferiore divide la parte inferiore del viso in due parti simmetriche.

La figura mostra chiaramente come le linee a, b, c, d dividono il viso in parti uguali e come la dimensione dell'occhio possa adattarsi proporzionalmente al viso. Ma potrebbero obiettare a me. Cosa fare se le caratteristiche di una persona non sono proporzionali? Le leggi dei rapporti funzionano davvero in modo altrettanto impeccabile? Dopotutto, ci sono persone con il naso lungo e corto e gli occhi piccoli e distanziati. Ad esempio, puoi confrontare due volti completamente diversi. Uno con proporzioni assolutamente perfette e l'altro completamente sproporzionato.

Questo ritratto mostra come appare un viso perfettamente proporzionale. Tuttavia, se prendiamo un'altra faccia, a prima vista priva di proporzioni, e tracciamo le stesse linee, scopriremo in modo del tutto inaspettato che il rapporto dimensionale tra loro rimarrà approssimativamente lo stesso

Possiamo quindi concludere che le proporzioni sono una cosa molto conveniente per un artista. Senza conoscere le proporzioni di base, è quasi impossibile disegnare correttamente un ritratto, perché è molto difficile cogliere a occhio il rapporto tra le dimensioni delle varie parti del viso. Per lo più gli errori commessi dai ritrattisti principianti sono errori legati alla violazione delle proporzioni.

Ma torniamo alla caricatura, per la quale abbiamo effettivamente iniziato la nostra ricerca. Nella caricatura di un volto, le leggi delle proporzioni sono importanti quanto quando si disegna un ritratto. Cosa succede di solito se un artista disegna un naso lungo invece di uno corto, lasciando invariate tutte le altre proporzioni? In questo caso il ritratto dipinto ci sembra privo di somiglianza con l'originale. Non è necessario semplicemente allungare il naso; potete ridurre troppo la distanza tra gli occhi o, al contrario, aumentarla troppo. Quindi, se si confrontano le figure aeb, è chiaramente evidente che aumentando la distanza tra gli occhi nella figura b, abbiamo creato qualcosa di strano, brutto e sproporzionato. La nostra coscienza, il cui meccanismo di percezione si basa su leggi puramente geometriche di identificazione dei volti umani, segnala istantaneamente una violazione commessa dall'artista, e viene percepita da noi come un fatto negativo e spiacevole.

Qui è importante comprendere il fatto che le proporzioni sono uno dei meccanismi subconsci di percezione del volto umano. Nella nostra vita quotidiana, leggiamo costantemente, inconsciamente, informazioni dai numerosi volti che incontriamo. Anche la nostra percezione estetica si basa sulla proporzionalità. Quanto più il volto di una persona rientra nel canone classico, tanto più piacevoli sono le emozioni e il desiderio di comunicarlo, e viceversa, le persone con volti sproporzionati e asimmetrici evocano in noi, se non sentimenti di rimpianto, almeno risate. Alla fine del XIX secolo era popolare la teoria di uno psicologo italiano Lombroso Cesare, che pubblicò il libro “Criminal”, in cui sosteneva che esistono alcune caratteristiche biologiche, legate principalmente alla sproporzionalità del volto, che contribuiscono a la commissione dei reati. Quindi, secondo la sua teoria, le persone con il mento massiccio e le mascelle sviluppate sono potenziali criminali e mascalzoni.

E, stranamente, ancora oggi la sua teoria trova sostenitori proprio a causa del nostro desiderio psicologico di proporzioni ideali.

Forse è da qui che è nata la divisione in caricatura e fumetto. Molte persone non riescono a capire questa differenza tra una caricatura e un cartone animato. Secondo me, alcune distorsioni delle proporzioni facciali sono percepite da noi come comiche e provocano risate, mentre altre, al contrario, provocano una sensazione di disgusto. Di norma, proviamo emozioni positive quando vediamo uno sciocco e un sempliciotto, lo troviamo divertente; Ricorda solo le battute sovietiche sui Chukchi o Vasily Ivanovich Chapaev e Petka. Il caricaturista inglese John Law dipinge nelle sue opere un'immagine completamente diversa. La sua caricatura di Margaret Thatcher non può essere definita divertente; evoca piuttosto un sentimento di disgusto.

Quando ero ancora un fumettista alle prime armi e muovevo i primi passi in questo genere d'arte, mi allenavo nella metropolitana, guardando i volti dei passeggeri seduti di fronte a me, immaginando mentalmente come sarebbe stato un cartone animato di questa o quella persona. Questi esercizi in seguito mi hanno fornito un aiuto inestimabile. Ho imparato una qualità molto importante per un artista: vedere il proprio lavoro in forma finita ancor prima di iniziare a disegnarlo. È vero, poi mi è sembrato che i volti delle persone a 100 metri sotto terra sembrassero più caricaturali che in superficie. Forse la nostra percezione dipende dalla posizione nello spazio in cui ci troviamo in questo momento, ma questo è un argomento per un altro studio.

Cerchiamo di capire su cosa si basano le proporzioni. Indubbiamente, la loro base è la stretta interazione tra loro. È assolutamente impossibile modificare qualsiasi parte del viso senza incidere su altre parti. Dalla fisica sappiamo che ogni azione provoca una uguale reazione. Nel cartone animato, i cambiamenti in relazione al naso portano ad un certo cambiamento nella forma di base, nella posizione degli occhi e della bocca. Quindi nella figura c, un aumento della distanza tra gli occhi porta ad un accorciamento del naso e ad un'espansione dell'ovale del viso, che diventa più ampio e, a sua volta, più corto. Un ulteriore accorciamento della parte superiore della testa porta all'allungamento della sua parte inferiore: figura d.

Pertanto, la caricatura del volto si basa ancora su un cambiamento delle proporzioni, ma non arbitrariamente, quando semplicemente prendiamo e ingrandiamo il naso, o ingrandiamo le orecchie o gli occhi, ma subordinati a un certo metodo basato sui rapporti delle sue varie parti . Per chiarezza, dovremo introdurre qualche semplificazione della forma unendo il naso e gli occhi nella forma della lettera T. Cercheremo ora di considerare alcune delle variazioni che la lettera T assume su diversi tipi di volti.

Come si può vedere in figura, le lettere T assumono diverse forme, le cui varianti sono innumerevoli, ma a noi interessano solo quelle più caratteristiche, che sono rappresentate in figura. Per me la forma della lettera T è un elemento fondamentale in un cartone animato con l'aiuto del quale posso facilmente allungare ed esagerare il viso, non per un secondo senza paura di commettere errori legati all'espressività complessiva del disegno. Per cominciare, puoi prendere come base queste sei forme più caratteristiche della lettera T e provare a caricaturare i volti secondo questi schemi, la cosa più importante nel lavoro è l'osservazione iniziale della forma del viso: o è un naso dritto, lungo e sottile, oppure grosso, largo o all'insù. La forma degli occhi è correlata alla forma del naso in sequenza diretta; la cosa principale è immaginare mentalmente quale forma della lettera T avrà il viso in ogni caso specifico; Quando parlo della lettera T, mi riferisco in ogni caso alla forma geometrica creata dagli occhi e dal naso. Di norma, gli occhi e il naso lavorano sempre insieme nella loro relazione. Per visualizzarlo più chiaramente, immagina che gli occhi e il naso siano collegati da un filo, un filo che si muove attraverso ruote attaccate al centro degli occhi e alla punta del naso.

Se gli occhi di una persona sono distanziati rispetto al ponte del naso, le corde avvicinano il naso agli occhi e un naso più lungo avvicina gli occhi l'uno all'altro. La bocca, il naso e il mento hanno una relazione simile. Poiché la distanza tra loro è costante, la bocca situata vicino al naso comporta l'asportazione del mento. Pertanto, è facile concludere che la deformazione di qualsiasi parte della faccia porta immediatamente alla deformazione inversa di un'altra parte direttamente adiacente ad essa.

Pertanto, puoi vedere come una formula semplice si basa su una base abbastanza semplice, utilizzando la quale puoi facilmente imparare a caricaturare un volto. Per cominciare, ti consiglio di iniziare semplicemente disegnando il contorno della testa e una rappresentazione schematica della lettera T. Ciò è necessario per sviluppare la tua capacità di trasformare dinamicamente il viso. Almeno dieci disegni al giorno ti permetteranno di padroneggiare la tecnica in un tempo abbastanza breve.

©Boris Sharov

SCHIZZI

Prima di iniziare a disegnare, faccio una piccola ricerca sul tema che voglio trasmettere nel mio disegno. Ho iniziato a disegnare questa caricatura direttamente dallo specchio. Ho osservato diverse pose ed espressioni facciali e ho provato a utilizzare diversi stili di disegno, da quello cartoonesco a quello più realistico.

La cosa principale qui non è complicare nulla, ma concentrare tutta la tua attenzione solo sulle figure del disegno, sul suo ritmo e sulla composizione. Con questo approccio, non devi preoccuparti di perderti in troppi dettagli.

RIFERIMENTI FOTOGRAFICI

Dato che si tratta di un'autocaricatura, potrei scattare una foto di me stesso e ridisegnarla su carta, ma lo faccio raramente. Quando, ad esempio, devo disegnare un ritratto o una caricatura di un personaggio famoso, devo utilizzare fotografie prese da Internet, e ognuna di esse ha illuminazione, posa e prospettiva diversa. Per evitare questo problema, mi fotografo. E questa foto mi servirà da modello per costruire il corpo e il volto della persona che disegnerò. Nel prossimo paragrafo parlerò più approfonditamente di come creo i riferimenti fotografici.

Prima di prepararmi per un servizio fotografico, devo preparare un'illustrazione della mia idea su carta. Il disegno non deve essere elaborato, anche se è necessario annotare gli elementi importanti della composizione in modo da sapere cosa dovrà essere fotografato in seguito, ad esempio i vestiti, gli oggetti, l'illuminazione...

Quando lo schizzo è pronto, è il momento per un servizio fotografico. Prima di tutto bisogna avere una prospettiva. Ho scattato un paio di foto e le ho confrontate con il disegno per verificare l'altezza, il rapporto, l'angolo e il tipo di obiettivo.

Per questa vignetta ho posizionato la macchina fotografica a un metro di distanza da me, all'incirca all'altezza del mio naso. La testa e il corpo sono leggermente ruotati di tre quarti, quindi otteniamo una prospettiva angolare, quindi dobbiamo prestare maggiore attenzione agli angoli della bocca e alla posizione degli occhi.

Per quanto riguarda l'illuminazione ho utilizzato solo luce diffusa. La fonte di luce più brillante, a destra della testa, è relativamente vicina e ha una tinta giallastra, quasi bianca. La luce secondaria è la luce ambientale riflessa dallo sfondo giallo, dal tetto, dalle pareti e dal pavimento. Il colore di questa luce è molto più luminoso, ma anche la trasparenza è piuttosto elevata.

UTENSILI

PhotoshopCS6

Tavoletta Wacom Pen in bambù

Console Logitech G13

Nota: posiziona sulla console solo gli strumenti e i collegamenti utilizzati più di frequente, nonché i tasti delle impostazioni per risparmiare tempo ridotti a due o tre tasti, come Ctrl+Alt+Z.

SVILUPPO DEL DISEGNO

Una volta che sono soddisfatto del riferimento fotografico che ho ricevuto, creo il disegno finale che fungerà da base. Cerco di rendere la prospettiva, lo scorcio, le figure sovrapposte, l'anatomia nel modo più accurato possibile, e continuo anche a cercare la posizione più adatta sulla carta. Cerco di non dipingere al centro perché il centro della tela è una zona molto forte che tende a rendere gli oggetti posti lì molto rigidi, immobili. Preferisco spostare il soggetto principale di lato e magari un po' sopra o sotto il centro per creare una composizione più interessante.

Nota: Ruotare la tela orizzontalmente o verticalmente rinfresca molto bene l'occhio e aiuta a notare errori che in un'altra posizione non avrebbero attirato l'attenzione.

LUCE E COLORE

Prima di creare una tavolozza di colori, analizzo la relazione tra i colori chiari e quelli scuri e li divido in due gruppi: il lato chiaro e il lato scuro.

Il lato luminoso è quello che riceve la luce più brillante. C'è sia lucentezza che colori più chiari, meno saturi (ma ci sono eccezioni) e mezzitoni.

Il lato oscuro contiene tutte le ombre proiettate e modellate, i toni scuri e ricchi (di nuovo, ci sono delle eccezioni) e la luce riflessa. Definire correttamente questi due gruppi è la chiave per aggiungere volume a qualsiasi figura.

Di solito utilizzo da 3 a 6 colori per ogni elemento del disegno: capelli, pelle, occhi, bocca, maglietta, ecc. Questi colori sono divisi nei due gruppi di cui ho parlato prima. Mentre dipingo, posso aggiungere e modificare i colori per adattarli ai nuovi risultati e alle miscele che mi vengono in mente, ma cerco sempre di attenermi ai colori inizialmente selezionati.

Nota: creo la tavolozza su un livello separato e la proteggo con un lucchetto in modo da non iniziare accidentalmente a disegnarci sopra.

SOVRAPPOSIZIONE AI PRIMI FIORI

Penso che questa sia la fase più importante, perché se è fatta bene, colorare ulteriormente sarà molto più semplice. In questa fase non ingrandisco l'immagine né mi preoccupo di mantenere pulite le pennellate. La cosa principale qui è applicare il colore giusto nel posto giusto e, se necessario, regolare la tavolozza.

Creo un livello sotto lo schizzo e dipingo ogni elemento del disegno con il mezzotono appropriato. Successivamente, aggiungo gradualmente luci e ombre. È molto importante non correre da nessuna parte, perché qui puoi facilmente andare agli estremi, ad es. rendere il disegno troppo chiaro o troppo scuro.

Nota: Di tanto in tanto guardo più da vicino il disegno, strizzando gli occhi, per identificare le aree che necessitano di correzione. Strizzare gli occhi mi aiuta a vedere solo le forme grandi e a ignorare i dettagli.

TRATTAMENTO DEI BORDI

Quando sono soddisfatto dei colori primari, abbasso l'opacità del livello del contorno e creo un nuovo livello sopra di esso. Dipingo su tutte le aree in cui erano visibili le linee di contorno e oscuro le pennellate.

Nota: cerco sempre di modificare i bordi delle forme: a volte li disegno, a volte li nascondo. Questa tecnica aggiunge vita al disegno.

LAVORO ORGANIZZATO

Mentre lavoro, cerco di organizzare i miei livelli in un sistema semplice e conveniente. Ho creato quasi la metà del disegno su due o tre livelli: uno per lo sfondo, uno per il personaggio e uno temporaneo. Questo livello serve per "sicurezza": quando disegno qualcosa su di esso, non devo preoccuparmi che il livello inferiore si rovini e quando sono soddisfatto del risultato, unisco i livelli, creo un altro livello temporaneo e sposto SU.

Il numero di livelli aumenta solo verso la fine del disegno. In questa fase sto finendo di dipingere gli occhi, i denti, i capelli, le texture, gli effetti lucidi e scuri. Per ogni elemento creo un gruppo di livelli. I gruppi sono molto utili per organizzare e visualizzare ciò su cui stai lavorando.

Cerco anche di non lavorare nello stesso settore per molto tempo. Provo a muovermi attorno al disegno e a lavorare su tutta la superficie. Ciò consente di rivedere l'immagine nel suo insieme e successivamente aiuta a individuare le aree che necessitano di miglioramenti.

Nota: In Photoshop CS6, puoi aggiungere colore a livelli e gruppi direttamente dal menu dei livelli. Devi solo fare clic con il pulsante destro del mouse sul livello e selezionare il colore desiderato dall'elenco.

TOCCHI FINALI

Prima di aggiungere gli ultimi ritocchi, sposto il disegno “a schermo intero” e mi allontano di circa due metri dal monitor per vedere più da vicino dove e cosa è necessario correggere. Il punto focale è dove colloco i dettagli più importanti e il contrasto più alto tra i colori, in questo caso gli occhi.

Aggiungo più brillantezza, disegno le ciglia, i piccoli peli qua e là, evidenzio alcune aree scure delle ombre, le rughe e infine texturizzo la pelle. Per aggiungere consistenza, scatto foto della pelle ad alta risoluzione, desatura, regolo la modalità di fusione e applico questo livello dove necessario. Abbasso l'opacità, cancello gli spigoli vivi, regolo il livello utilizzando Livelli per adattare la sua luminosità al disegno stesso, in modo che la texture non sembri una maschera separata.

Infine, gioco con lo sfondo e il contrasto dell'immagine e guardo di nuovo attentamente il disegno per assicurarmi di non tralasciare nessuna area che necessiti ancora di lavoro.

Nota: Una texture ben fotografata dovrebbe avere una luminosità/leggerezza equilibrata, senza inutili lucidità o ombre profonde. Quando scatti fotografie, usa i riflettori o scatta con tempo nuvoloso.