Come si abituano gli attori al ruolo?

"Faina Ranevskaya mi ha portato a casa di Akhmatova e ha cominciato a spingermi: "Leggi qualcosa, sei un'attrice, probabilmente per disperazione ed eccitazione eccessiva, all'improvviso ho sbottato: "Sei ancora viva, mia vecchia signora.. .” ricorda Olga Aroseva

Un'enorme fotografia di Olga Aroseva con le parole "Grazie per le tue congratulazioni!" è apparso sulla facciata del Teatro della Satira un mese fa. Nemmeno un accenno, ma un avvertimento: da non perdere, il 21 dicembre l’Artista popolare russo compie 80 anni. In questa occasione si svolgerà una serata di anniversario, dopo di che Olga Alexandrovna tornerà alle sue attività precedenti: continuerà a recitare nella commedia "Come cucire una vecchia signora" e proverà il suo ruolo nella nuova commedia "Non una centesimo in meno!!”

- E come puoi, Olga Alexandrovna, cucire la vecchia signora? Condividi il segreto come una sua buona amica.

Un compito difficile! Sono dieci anni che non riescono più a trattare con la nonna. Tutto entra in scena ed esce...

- Sei stato catturato vivo?

L'argomento è dolorosamente attuale. Raccontare la trama di una commedia è un compito ingrato, noterò solo: la mia eroina sconfigge i giovani che intendono uccidere non con astuzia, ma con gentilezza. Ora c'è così tanta rabbia e intolleranza in giro, ma si scopre che i normali sentimenti umani non sono morti. Erano temporaneamente oscurati da un rivolo di terra che zampillava da tutte le fessure.

-Sei simile a Pamela Cronkey?

Vorrei essere come lei, ma perché dovrei farmi i complimenti? Lasciamo che siano gli altri a giudicare. Almeno non ti lascerò ricucire, questo è certo.

- Ci sono stati dei tentativi?

È solo con me? La vita si sforza di pizzicare tutti, di strizzarli in un luogo stretto e di strofinarli di lato. Devi essere in grado di difenderti.

- Te l'hanno insegnato?

In qualche modo ha vissuto fino a ottant'anni! Allo stesso tempo, tutto ciò che di brutto e ingiusto è accaduto al Paese mi ha toccato personalmente. Anche se all'inizio la mia vita somigliava a una fiaba. Ha trascorso i primi nove anni all'estero, dove papà ha lavorato come diplomatico. Tornammo a Mosca da Praga nel 1935, ci sistemammo nella famosa Casa sull'argine, Nemirovich-Danchenko, Tairov, Livanov e altre celebrità - attori, registi, scrittori - visitarono il nostro appartamento. E Romain Rolland per me non è il nome sul dorso del libro, ma un vecchio curvo dai capelli grigi con meravigliosi occhi chiari che è rimasto con noi. Ho studiato in una scuola tedesca a Kropotkinskaya, tra i suoi studenti c'era, ad esempio, Markus Wolf, il futuro capo della Stasi, l'intelligence della Germania dell'Est. Lo abbiamo chiamato Misha. E poi mio padre è stato arrestato. Più precisamente, lui stesso si recò dal commissario del popolo Yezhov, che conosceva fin dalla giovinezza a Kazan. Mio padre non è mai tornato a casa dalla Lubjanka... Venivo da un campo di pionieri, ma non mi hanno lasciato entrare nell'appartamento. Poi finalmente chiese una bicicletta; era ferma nell'atrio vicino all'ascensore. Il guardiano che aprì la porta quasi impazzì dalla paura, tremò e sussurrò: "Prendilo e vattene presto, vattene..."

-Non sei mai più stato nel tuo appartamento?

Archil Gomiashvili ha vissuto lì negli ultimi anni, non volevo andare da lui. Per qualche motivo sembrava offensivo che una persona del genere vivesse nelle nostre stanze. Come una svalutazione, si è verificata una sostituzione. Avrebbe reagito con più calma a un altro inquilino, ma non a questo Ostap Bender. Tuttavia, non è più vivo, non c'è bisogno di disturbare l'anima del defunto.

- Menzionerò ancora una persona deceduta: Joseph Stalin. L'ironia del destino: nascere lo stesso giorno della persona che ha stravolto la vita della tua famiglia...

Sai, non ho scelto la data. Anche se potrebbe, visto che è nata a mezzanotte, allo scoccare dell'orologio. Mio padre prima mi ha chiamato Varvara e mi ha registrato il 22 dicembre, poi mia madre è uscita dall'ospedale di maternità e ha chiesto che la metrica fosse riscritta. Così sono diventata Olga, nata il giorno prima. Quando in seguito i miei genitori divorziarono, questo mi diede ulteriori vantaggi. Prima ho festeggiato con mia madre e poi sono andato da mio padre. E il piacere è doppio, e ci sono più doni.

Ho visto Stalin nel giugno del 1935 a un festival dell'aviazione a Tushino, dove mio padre portò me e mia sorella. Il leader ci ha notato tra la folla e ci ha invitato in prima fila per assistere insieme alla sfilata. Ha scherzato molto e mi ha regalato un mazzo di fiori. A quanto pare, era dell'umore giusto, ha chiamato me, una bambina di nove anni, "tu" e poi, avendo saputo la data della mia nascita, si è offerto di festeggiare insieme questo giorno. È divertente, ma per sei mesi ho ricordato l'invito; il 21 dicembre, senza dirlo a mio padre, ho comprato un bellissimo fiore in un vaso, l'ho impacchettato e sono andato al Cremlino. Al cancello sono stato fermato dalla sicurezza, terribilmente spaventato dalle mie spiegazioni. La gente si è precipitata a chiamare da qualche parte per chiarire qualcosa. Poi hanno detto con un sorriso: il compagno Stalin è molto occupato, non potrà incontrarci, ma mi ringrazia per il regalo.

- Era un bravo zio.

Apparentemente sì... Non lo ha perdonato per la morte di suo padre. Sono la figlia di papà. Ha persino ereditato il suo carattere: fermo, se non testardo. Dopo due ragazze, mio ​​​​padre sognava un figlio, ma sono nato io. Quindi mi ha cresciuto con uno spirito maschile.

- Sembra che abbia funzionato. Non tutti all'età di 14 anni decideranno di rifiutare un'offerta per unirsi al Komsomol.

Il prezzo della tessera è la rinuncia al papa. Non potevo tradirlo. Proprio come non si è arreso nemmeno Nikolai Akimov, che mi ha portato al Teatro della Commedia di Leningrado. Nikolai Pavlovich fu accusato di cosmopolitismo, la troupe rimase obbedientemente silenziosa, solo io e Boris Smirnov osammo non essere d'accordo. Ho deciso di non restare a San Pietroburgo e sono tornato a Mosca. Da allora in "Satira". Più di mezzo secolo. Nella sua vecchiaia, ha persino ricevuto un diploma di istruzione superiore. Dopotutto, non ho completato i miei studi alla scuola di teatro e dopo tre corsi sono andato a recitare per Akimov. E l'altro giorno ci è stato assegnato un diploma di laurea per corrispondenza presso la Scuola Vakhtangov. Come regalo di anniversario.

- Rosso?

Blu. A quanto pare, nessuna differenza. E grazie per questo! Fino a poco tempo fa l’unico documento che confermava che avevo frequentato almeno un corso fino alla fine era la patente di guida del filobus. Ryazanov lo ha costretto ad andare a scuola al deposito dei filobus, altrimenti non gli avrebbe permesso di girare l'episodio finale del film "Attenti all'auto". Ricordare? Sto guidando e Smoktunovsky è attaccato al vetro...

Non ho mai lottato per titoli e ordini. Per molto tempo non è diventata un'artista onorata, anche se il Comedy Theatre ha messo in scena uno spettacolo corrispondente nel 1947. Ogni volta che c'erano ragioni, nessuno diceva ad alta voce che era il padre represso. Il titolo venne assegnato solo nel 1975. Non ricordo adesso quando ho ricevuto quello nazionale. Sembra anche per qualche anniversario. O mio, o del teatro. Vedi, ho valori diversi nella vita. Amava i ruoli interessanti, il bel tempo, il cibo delizioso, apprezzava il successo con il pubblico, apprezzava i compagni leali e la compagnia come preferenza. Non ho mai ostentato premi davanti al pubblico. Anche se una volta era di moda. Non dimenticherò Alla Tarasova in una lussuosa volpe argentata e con l'Ordine di Lenin...

- Probabilmente questa non è l'unica cosa che ricordi?

Indubbiamente! Vivo nel ventunesimo secolo, ma posso raccontarvi di incontri con persone del diciannovesimo. Sì, sono entrata in contatto con quella cultura, e Anna Akhmatova per me non è tanto un classico delle belle lettere quanto una persona viva e reale. La vedo parlare a bassa voce, pesante, camminare pesantemente con gli stivali da uomo numero quarantacinque...

- Hai letto anche poesie ad Anna Andreevna?

Non quelli che si aspettava... Faina Ranevskaya mi ha portato da Akhmatova e ha cominciato a spingermi: "Leggi questo, sei un'attrice". Per la disperazione e l’eccessiva eccitazione, all’improvviso ho detto: “Sei ancora viva, vecchia mia…”

- Ed ecco la vecchia signora!

Ebbene sì... Dopo le prime righe ho capito cosa stavo dicendo e mi sono fermato a metà frase. I volti dei riuniti si allungavano. Nel silenzio che seguì Faina Georgievna disse impotente: "Ma sua madre è così meravigliosa, parla francese..." Ranevskaya conosceva bene sua madre, che lavorava come assistente segretaria per Polina Zhemchuzhina, la moglie di Vyacheslav Molotov. In generale, non avevo altra scelta che cercare di fare ammenda. Borbottò qualcosa e cominciò a leggere le poesie di Akhmatova sul tulipano rosso all'occhiello. Anna Andreevna ha persino iniziato a spiegare in risposta quale significato ha messo in questa poesia.

-Non vi siete più visti?

Una volta ci siamo incontrati su Liteiny. C'era ghiaccio selvaggio e ho deciso di raggiungere Akhmatova per aiutarla ad attraversare la strada. Le prese il braccio e volle tagliare l'angolo. Anna Andreevna ha detto: “No, Olenka, non ci vado mai. Vedi i giornali sugli spalti? In loro ho letto della morte di Blok, della decisione del Comitato Centrale in mio onore... Ho saputo tutto le peggiori notizie su quell'angolo. Gli abbiamo girato intorno e ci siamo salutati. Questo è stato il nostro ultimo incontro. Ma i ricordi restano. Vedi, davanti a te c'è un frammento, un testimone di un'epoca passata. Ho avuto la fortuna di vedere quella ex Pietroburgo, scintillante dell'età dell'argento. L'attore di Alexandrinka Alexander Mgebrov ha mostrato un tovagliolo con le battute di Blok: "Ti ho mandato una rosa nera in un bicchiere dorato come il cielo, ai..." Questo verso è stato dedicato alla moglie di Alexander Avelyevich. Ho visto una corona d'alloro d'oro puro, donata da Nikolai Romanov, l'imperatore russo, al tragico Yuri Yuryev.

E prendi gli attori con cui ho recitato nei film: Leonov, Smoktunovsky, Papanov, Evstigneev, Nikulin... Quale delle cosiddette star di oggi metteresti accanto a loro? Non c'è eguale nella scala della personalità o nel potere del talento! Forse non so qualcosa e mi sbaglio, ma è improbabile.

- Quando è stata l'ultima volta che sei andato al cinema?

Per molto tempo. Non sono troppo interessato alle cose nuove. Basta con il vecchio, con esperienza.

- Mantenevi rapporti umani con i tuoi partner fuori dal set?

Smoktunovsky era un bravo ragazzo, anche se strano. O forse fingeva di esserlo. Dicono che non sono di questo mondo. "Non ti farà male, Olenka, se mi siedo accanto a te?" Lei rispose: "Vaffanculo, Kesha! Lasciami in pace!" Alzò semplicemente gli occhi al cielo: "Oh, grazie mille!" Un uomo giocava e gli piaceva... Ci siamo chiamati fino agli ultimi giorni.

Nikulin in qualche modo mi ha aiutato a sbarazzarmi della radicolite. Yurochka si ammalò gravemente, all'inizio raccontava barzellette tutti i giorni al telefono, sperando di farlo alzare dal letto con una risata, poi si rese conto che non aveva senso e si raccomandò un amico cinese. L'ha curato con gli aghi.

Leonov è un amico meraviglioso, caloroso e accogliente. E Papanov era un estremista, poteva impazzire al punto da spegnere le luci... Tolya aveva un'ancora tatuata sulla mano destra, sulla quale dipingeva con cura prima delle esibizioni. E un giorno me ne sono dimenticato. E poi suonano “The Cherry Orchard”. Papanov come Gaev, Mironov come Lopakhin. Andryusha notò il tatuaggio e disse piano: "Sei uno dei ladri?" Il pubblico non ha sentito nulla, ma quelli in piedi sul palco si sono sdraiati dalle risate. Sì, i tempi erano tali che solo le risate salvavano...

Non c'è dubbio che sia piacevole ricordare il passato, anche se, d'altra parte, è spaventoso dover parlare di tutti i nostri compagni al passato. Non molto tempo fa è nata l'idea di far rivivere “Zucchini “13 Chairs”. E con chi, chiedi? La maggior parte degli attori coinvolti in quel progetto sono andati in posti da cui non sono mai tornati di “Zucchini” sono stati pubblicati in DVD La gente è disposta a comprare, ma nessuno ha pensato di pagare neanche un centesimo a noi sopravvissuti. Qui la pirateria è nella sua forma più pura!

- Avresti mai immaginato che “Chairs” sarebbe durata quindici anni?

No, il disco si è rivelato inaspettatamente di lunga durata. All'inizio le miniature sono state scritte da Ardov, Lench e gli altri nostri autori, poi Sasha Belyavsky ha tradotto un paio di testi polacchi - e il gioco è fatto. All'interno di "Zucchini" hanno cominciato a formarsi coppie di attori e i personaggi hanno acquisito biografie.

- Hai mai invitato Mironov e Papanov a unirsi alla tua compagnia?

Andryusha ha ospitato un paio di episodi e Tolya era considerata noiosa, non elegante e, come si direbbe ora, non si adattava al formato.

-Hai mai desiderato saltare giù da questo ago?

Per quello? In primo luogo, mi sono abituato, mi sono lasciato coinvolgere e, in secondo luogo, la popolarità è pazzesca, anche se alcune persone hanno sibilato alle spalle: "Fama a buon mercato!" In terzo luogo, il denaro non è stato pagato per ultimo. Centodiciotto rubli per trasferimento. Una cifra decente per i tempi sovietici!

- La signora Monika era basata su qualcuno che conoscevi?

Non ci crederai, da parte di mia madre!

- Da un discendente di nobili polacchi?

Sì, si è diplomata all'Institute of Noble Maidens, parlava francese, adorava i romanzi, cantava romanzi e allo stesso tempo era terribilmente curiosa, cercava di farsi coinvolgere in tutto senza capirne nulla. Ma ragionava magnificamente. Una volta, ricordo, disse: "Sai, Olya, Gilles Mok andrà a Mosca!" E non avevo idea di chi fosse. Risultò essere un sindacalista francese. Ebbene, che tipo di gioia porta questo Gilles a mamma? No, aveva bisogno di tutto! Non sapeva cucinare, ma dava categoricamente un consiglio: "Non dimenticare di aggiungere lo zabaione e la salsa buldenezh!" Quando le è stato chiesto di spiegare di cosa si trattava, ha risposto: "Non ricordo, ma è molto gustoso!"

La mamma non vedeva Zucchini, ma veniva regolarmente qui a teatro, anche se le avevo chiesto di venire meno spesso. Durante lo spettacolo, mia madre ha iniziato a infastidire i vicini: "Guarda Aroseva, e ora guarda il mio profilo, una figlia!". Il pubblico si è stancato di ascoltarlo, ha chiesto di calmare la signora. Ho pregato mia madre di stare più zitta, ma la volta successiva che la storia si è ripetuta...

In questa lezione parleremo di queste tecnologie di recitazione, cercheremo di mostrarle nel modo più semplice e chiaro possibile a tutti gli interessati e daremo anche consigli ed esercizi per sviluppare la propria arte dell'esperienza e della presentazione.

L'arte dell'esperienza e l'arte della presentazione come modalità di agire della creatività

La performance di un attore può essere realizzata attraverso 3 tecnologie: l'artigianato, l'arte della presentazione e l'arte dell'esperienza.

Mestiere- questa è una manifestazione esterna di sentimenti interni; un timbro già pronto sulla base del quale ogni spettatore può capire quale emozione l'attore vuole rappresentare. Ad esempio, è assolutamente chiaro che il camminare da un angolo all'altro, la pignoleria, l'aumento della gesticolazione e i frequenti cambiamenti di postura indicano eccitazione, impazienza e nervosismo in una persona, a seconda del contesto.

L'arte della performance- riproduzione di sentimenti già pronti, modello, disegno esterno del ruolo. L'essenza della tecnica è che nel processo di lavoro su se stesso, studi indipendenti e prove, l'attore sperimenta emozioni vere, le ricorda e, sulla base di ciò, crea una forma della loro manifestazione. Durante la performance utilizza questa forma già pronta.

L'arte dell'esperienza- una tecnica in cui un attore prova ogni volta sentimenti reali, trova motivazione interna e spiegazione per le azioni del suo personaggio e le "vive" "qui e ora".

In effetti, l'arte della rappresentazione e l'arte dell'esperienza, in quanto due movimenti principali, sono metodi opposti. K. S. Stanislavskij fu il primo a separarli e analizzarli chiaramente, il che ebbe una grande influenza sullo sviluppo della recitazione in futuro. Sono le basi della progettazione del suo sistema, che significava la riforma del teatro. I ricercatori sottolineano che all'epoca in cui fu formulata la teoria (all'inizio del XX secolo), il teatro era in declino e il pubblico perse gradualmente interesse per esso. I registi e gli attori si sono trovati di fronte ad un dilemma nato da un conflitto di approcci. Il fatto è che negli ambienti teatrali si è svolto un dibattito sull'essenza dell'opera dell'artista e su quale dovrebbe essere la sua natura: razionale o emotivamente ispirata. Il merito di Stanislavskij nel risolvere questa contraddizione sta nel fatto che ha sviluppato un approccio integrato che includeva entrambi i punti di vista. Criticava la performance per il suo approccio artigianale, ma, nonostante l'esaltazione dell'esperienza come indicatore dell'arte della recitazione, era fiducioso nel loro rapporto.

Diamo uno sguardo più da vicino alle differenze tra le due scuole. Il compito principale dell'arte dell'esperienza non è realizzare il lato esterno della vita dell'eroe, ma trasmettere allo spettatore il suo mondo interiore, che ha lo scopo di rendere più viva la produzione stessa. Per fare questo, l'attore deve essere in grado di trasferire e adattare il proprio alle esigenze del personaggio. Ciò si ottiene padroneggiando le circostanze proposte del ruolo, degli eventi e la necessità di cercare una risposta emotiva durante ogni produzione. Questo è ciò che cattura lo spettatore.

Nell'arte della rappresentazione, l'autenticità dell'esperienza di un'immagine è importante solo una o poche volte, al fine di sviluppare una forma meccanica per la loro ripetizione. Ovviamente, in questo caso, il gioco è privo di spontaneità e improvvisazione, il che mantiene lo spettatore meno teso e lo colpisce meno dell'esperienza, ma allo stesso tempo è più espressivo ed efficace. La scelta tra le due tendenze è dettata dalla natura dello spettacolo, dai singoli componenti della produzione e, inoltre, dallo stile e dalle preferenze dell'attore.

Pertanto, è possibile solo tracciare una linea inequivocabile nella divisione dell'arte teatrale in tipologie, ma quando si recita sul palco, un buon attore deve essere in grado di alternare elementi dell'esperienza con elementi della performance. In questa occasione, K. S. Stanislavsky scrisse: “Tutte e tre le direzioni indicate della nostra arte (esperienza, rappresentazione e mestiere) esistono nella loro forma pura solo in teoria. La realtà non tiene conto di alcuna classificazione e mescola le convenzioni della recitazione con sentimenti genuini e vivi, la verità con la menzogna, l'arte con l'artigianato...”

L'arte di sperimentare o come entrare nel personaggio

L'arte dell'esperienza- la capacità di abituarsi al ruolo, comprendere il carattere, i pensieri, le emozioni del proprio eroe e ricreare la loro vera essenza sul palco. "Lo scopo dell'arte dell'esperienza è quello di creare sulla scena la vita vivente dello spirito umano e di riflettere questa vita in forma artistica." L'esperienza è uno degli attributi principali del gioco veritiero. Se un attore padroneggia quest'arte, significa che sa provare sentimenti genuini mentre recita sul palco e il pubblico lo ama. Ciò non può essere raggiunto solo attraverso la maestria e le prove, anche se hanno lo scopo di aiutare ad abituarsi al ruolo.

Sviluppare la capacità di sperimentare è un percorso complesso che passa attraverso l’affinamento dell’abilità delle tecniche esterne ed interne di un attore. È pienamente e, allo stesso tempo, sottilmente legato al suo. Per creare una vera esperienza, ha bisogno della massima concentrazione, creatività e tendenza a comprendere non solo il potere artistico del personaggio, ma anche la sua natura umana. Questi sono quelli di cui non puoi fare a meno.

Nell’arte dell’esperienza, il principio fondamentale e il requisito per un attore è la necessità di realizzare il ruolo attraverso il “risveglio dello spirito”. Deve mostrare la vita del suo personaggio attraverso le proprie sensazioni ed emozioni, che nascono nel ruolo e sono basate e comprese dall'attore “immagini visive, sonore e di altro tipo, emozioni vissute, gioie, dolori, tutti i tipi di stati mentali , idee, conoscenze, fatti ed eventi.”

Per raggiungere questo obiettivo, l'attore deve attraversare diverse fasi creative nel suo lavoro sul ruolo. Già durante la prima lettura dell'opera e la conoscenza dell'immagine, deve cercare di ricreare le circostanze del ruolo proposto dall'autore (regista), comprenderle e crederci. Questa è una condizione necessaria per l’ulteriore nascita della verità delle proprie esperienze dell’artista.

Le circostanze proposte vengono studiate attraverso un'analisi dettagliata delle condizioni di vita interne ed esterne del ruolo, determinando l'atteggiamento dell'artista stesso nei confronti degli eventi dell'opera, attraverso la sua capacità di far rivivere l'eroe con i propri. Per comprendere meglio tutto, è necessario trasportarsi mentalmente nel vivo degli eventi e cercare di immaginarli il più reali possibile. Descritto a parole, può sembrare un compito semplice, ma in realtà risolverlo richiede un lungo allenamento di tecniche fisiche e mentali. Ma questo non può essere evitato, perché l'attore deve conoscere (e se non sono precisate in dettaglio, inventare) tutte le circostanze in cui si trova il suo personaggio. A loro insaputa, le emozioni sembreranno finte e incompiute.

Per comodità di determinazione e successivo lavoro con le circostanze proposte, si propone la seguente classificazione:

Tipo di circostanza proposta: luogo dell'azione, tempo dell'azione, modalità dell'azione.

• La scena è l'organizzazione fisica dello spazio in cui si svolgono gli eventi.
• Tempo dell'azione: il tempo (da un'epoca a una parte della giornata) in cui si svolgono le azioni dell'opera.
• Modalità d'azione: il comportamento di un personaggio in un caso specifico.

“Cerchio” delle circostanze proposte: piccolo, medio, grande.

• Piccolo “cerchio”: le azioni dell’eroe in questo momento (è tornato a casa dal lavoro, si è tolto il cappotto, ha acceso il bollitore, ha iniziato a guardare la posta).
• “Cerchio” centrale: la situazione generale della vita dell'eroe (da quale lavoro proviene, qual è il suo status sociale, posizione nella società, età, cerchia sociale).
• Grande “cerchio”: situazione globale (epoca, eventi mondiali - ad esempio, l'azione si svolge alla vigilia della prima guerra mondiale).

• Ricordi come durante l'infanzia, dopo aver visto un cartone animato o un film, giocavamo, immaginandoci come i suoi eroi? Questa è una tecnica di recitazione utile. Quando ti prepari per un ruolo, fai una selezione di libri e film in cui i personaggi principali hanno qualcosa in comune con la tua immagine. Quando li leggi o li guardi, cerca non solo di valutare professionalmente il gioco, ma anche di preoccuparti internamente dell'eroe, di metterti al suo posto.
• Molti scrittori, come altri artisti, spesso guardano alla realtà per trarne ispirazione. Charles Dickens ha incantato i lettori inglesi con il suo stile: immagini veritiere copiate dalla vita. È semplicemente uscito per le strade di Londra e ha osservato tutto: il rimprovero dei tassisti, il comportamento dei visitatori delle panetterie e delle farmacie, i normali passanti, e lo ha trasferito su carta. Un attore dovrebbe fare lo stesso. Solo comunicando con persone reali in situazioni di vita reale si può comprendere la vita reale e crearla sul palco.
• Parlando di un bravo attore, abbiamo sottolineato che deve essere ambizioso. Senza uno sforzo, un desiderio sincero di interpretare perfettamente il ruolo e senza “fare la parte”, sarà difficile evocare anche solo una parvenza di emozioni realistiche. Ne ho bisogno per davvero
• Non aver paura delle critiche. Chiedi ai tuoi amici di valutare la tua prestazione, registrarla sulla videocamera e guardarla dopo un po' di tempo, determinando se stai andando bene o male. Sulla base di questo, capirai a cosa dovresti prestare maggiore attenzione.
• Spesso l'ansia provoca stupore e impedisce l'espressione delle emozioni o, al contrario, ne esagera l'espressione. Imparare
• Esperienza e rappresentazione sono interdipendenti. sosteneva che la biomeccanica è più importante delle esperienze interne. Pertanto, prova a imitare i movimenti, il modo di parlare, la vita quotidiana e lo stile di abbigliamento del tuo personaggio. Ne parliamo più dettagliatamente di seguito.

Esercizi

1. Per comprendere meglio come funziona nella pratica tutto quanto sopra, puoi dedicarti a un esercizio abbastanza semplice sulle circostanze proposte praticate da tutti gli studi teatrali. Il punto è “mettersi” in una situazione fittizia ed elaborarla nel dettaglio. Di solito le condizioni sono stabilite dal partner, ma non è vietato farlo da soli. Immagina, ad esempio, quanto segue: hai scoperto che domani sarai chiamato al fronte. C'è una sera per prepararti, completare tutto il tuo lavoro e andare a salutare la tua amata ragazza. Pensa alla logica delle tue azioni, al loro contenuto pratico e ai sentimenti. Quindi analizza le tue azioni e sentimenti.

2. Un eccellente esercizio per sviluppare l'immaginazione e comprendere il carattere e le motivazioni delle azioni del tuo eroe. Quando cammini per strada o ti trovi in ​​un luogo pubblico, puoi guardare le altre persone e pensare se sarebbero adatte al ruolo dell'ambiente in cui si trova il tuo personaggio (amici, conoscenti, dipendenti) oppure no. È importante cercare alcune caratteristiche nei gesti, nella postura, nelle espressioni facciali e nel modo di parlare, e spiegare logicamente le connessioni di queste persone casuali con l'immagine.

3. D. Hoffman ha ottenuto il suo ruolo nel film cult Midnight Cowboy in un modo interessante. Si travestì da mendicante, aspettò che il regista J. Schlesinger tornasse a casa dal lavoro e lo seguì, chiedendo un paio di centesimi per una pagnotta. Il regista, noto per la sua insensibilità, ha ceduto e quando l'attore si è aperto, lo ha portato nel ruolo principale. Per un altro film, Hoffman ha vissuto come un senzatetto per un paio di giorni e ha dormito in un parco. Questo esempio conferma che per comprendere meglio la natura di un personaggio, non bisogna solo cercare di pensare e agire come lui, ma anche collocarsi in un ambiente vicino all'eroe.

L'arte della performance

Lo scopo della performance art è " creando la vita dello spirito umano e riflettendo questa vita in forma artistica e scenica" Proprio come nel caso dell'arte dell'esperienza, il compito è creare un sentimento affidabile e veritiero, ma lo si ottiene in modo diverso. Esperienza significa sentimento Qui e ora", sia durante il lavoro indipendente che durante le prove, e durante la performance, e la performance è un'abilità affinata, un sentimento sperimentato in precedenza e perfezionato alla perfezione, una sorta di forma memorizzata. L'attore lo riproduce sulla scena.

Pertanto, i principi fondamentali e le differenze dell'arte della performance sono i seguenti:

• L'attore vive la scena con sentimenti ripetuti, realizzandoli attraverso tecniche e mezzi espressivi;
• L'esperienza è un mezzo artistico non sufficientemente forte, che peraltro è difficile da comprendere per lo spettatore;
• Ricreare sentimenti genuini sul palco è naturalismo, non arte.

Qui, in nessun caso, si dovrebbe avere l'impressione che i seguaci della scuola di performance difendano l'artificiosità, che gli artisti di questa direzione non si preoccupino e non si sforzino di ricreare la naturalezza dell'esistenza. Questo non è vero. Così Stanislavskij ha descritto la situazione: “Il ruolo viene vissuto dall'artista una o più volte per notare la forma esterna, corporea, dell'incarnazione naturale del sentimento. Grazie all'acutezza della memoria motoria (muscolare), caratteristica delle persone della nostra professione, l'artista ricorda non il sentimento in sé, ma i suoi risultati esterni visibili; non il sentimento in sé, ma la forma da esso creata; non lo stato mentale più intimo, ma la sensazione motoria corporea che lo accompagna; non l’esperienza più spirituale, ma la sua incarnazione fisica”. In altre parole, gli artisti di questa direzione si sforzano anche di sperimentare e comprendere un sentimento genuino, ma non ogni volta che interpretano un ruolo, ma solo durante le prove e in quantità sufficiente a creare una forma stabile di rappresentazione dell'espressione esterna del sentimento. . Parlando più tardi allo spettatore, non si rivolgono più al sentimento in sé, ma alla meccanica della sua manifestazione.

Ciò avviene perché i praticanti della scuola della rappresentazione hanno fiducia nella natura intima del sentimento umano, che non si manifesta pubblicamente nella sua forma originaria, e quindi non può essere vero. La vera esperienza è possibile solo da soli con se stessi, durante una prova solitaria. La creatività pubblica non contribuisce alla veridicità delle emozioni a causa dell’imperfezione “dell’architettura, dell’acustica del teatro, delle condizioni eccitanti e dissipative della creatività pubblica e di altri ostacoli che uccidono il sentimento vivo sul palco”.

Inoltre, questa fiducia nasce dalla riluttanza a copiare la realtà in teatro, per la quale il naturalismo è estraneo, poiché non ha nulla a che fare con la sublimità dell'arte. Il compito del regista e degli attori non è fotografare la vita di tutti i giorni e trasmetterne le sfumature sul palco. “L'arte, secondo il secondo movimento, dovrebbe essere migliore, più bella della natura più modesta, dovrebbe correggere, nobilitare la realtà. Ciò che serve nel teatro non è la vita più autentica con la sua vera verità, ma una bella convenzione scenica che idealizzi questa vita”.

Da convinzioni simili nacquero il "teatro convenzionale" e la biomeccanica di V. E. Meyerhold. Era sicuro che la trasformazione interna dipenda interamente da quella esterna, che il sentimento sia secondario, poiché solo la capacità di trovare e creare correttamente una posa, un gesto e un'intonazione nei minimi dettagli determina la percezione dell'immagine da parte dello spettatore e il successo finale della prestazione.

In sintesi, ecco le parole con cui si concludeva il libro di K. S. Stanislavskij “”: “ Conoscere semplicemente il sistema non è sufficiente. Devi essere capace e capace. Ciò richiede formazione ed esercitazione quotidiana e costante durante tutta la carriera artistica. I cantanti hanno bisogno di vocalizzazioni, i ballerini di esercizi e gli artisti di scena hanno bisogno di formazione ed esercizi secondo le istruzioni del “sistema”. Se lo vuoi fortemente, fai questo tipo di lavoro nella vita, conosci la tua natura, disciplinala e, se hai talento, diventerai un grande artista».

In effetti, nella vita, a differenza che in teatro, non possiamo esercitarci e provare costantemente. Pertanto, per migliorare la propria arte di sperimentare e presentare, è necessario non solo seguire i consigli raccolti ed eseguire esercizi individuali, ma anche guardare il mondo come attore, osservare costantemente, espandere i propri orizzonti emotivi e i propri sentimenti.

Prova la tua conoscenza

Se vuoi mettere alla prova le tue conoscenze sull'argomento di questa lezione, puoi sostenere un breve test composto da diverse domande. Per ogni domanda, solo 1 opzione può essere corretta. Dopo aver selezionato una delle opzioni, il sistema passa automaticamente alla domanda successiva. I punti che ricevi dipendono dalla correttezza delle tue risposte e dal tempo impiegato per completarle. Tieni presente che le domande sono ogni volta diverse e le opzioni sono miste.

Gli attori sono rappresentanti di una professione straordinaria. Sanno come raccontare in modo plausibile dal palco il destino del loro eroe, far credere allo spettatore ogni parola e gesto, piangere e sorridere, rallegrarsi, entrare in empatia e ridere di cuore.

Recitazione credibile

La professionalità della recitazione dipende non solo dalla quantità di conoscenze che una persona ha ricevuto all'università o in corsi speciali studiando questo tipo di abilità, ma anche dalla presenza di talento, qualità personali: determinazione e perseveranza. "Non ci credo!" - questa affermazione è stata ripetuta spesso Stanislavskij per coloro che non sono riusciti a trasformarsi nel proprio personaggio. Creare un'immagine convincente non è un compito facile. Per essere veramente credibile nella recitazione, una persona ha bisogno di abilità ed esperienza. Un buon attore deve avere la capacità di pensare in modo fantasioso ed essere in grado di trasformarsi rapidamente per interpretare personaggi diversi. Per abituarsi al ruolo, l'attore deve spesso superare un lungo viaggio e ottenere prestazioni impeccabili attraverso un lavoro massacrante. Le abilità innate aiutano l'attore a liberarsi del problema di come abituarsi al ruolo Stanislavskij . Tuttavia, tale talento è caratteristico solo di pochi eletti. Come assicurarsi che l'attore venga creduto e che nessuno tra il pubblico possa dubitare della veridicità di ciò che sta accadendo sul palco?

Tecniche per aiutarti ad abituarti a un nuovo ruolo

Le seguenti tecniche aiutano sia gli attori esperti che i principianti ad abituarsi al ruolo del personaggio:

• studiare il prototipo del ruolo. Dopo aver letto la sceneggiatura, l'attore dovrebbe trovare un argomento adatto per studiare il carattere del suo personaggio. Comportamento, movimenti caratteristici e proprietà del temperamento, i più piccoli dettagli sotto forma di timbro e tono della voce, sguardo, espressioni facciali e gesti: cosa aiuterà, come ha detto Stanislavskij , “entrare nell’anima”. Contagiato dall'immagine di un nuovo eroe, l'attore mette in secondo piano la propria personalità. Gli esperti consigliano di evitare la completa identificazione con l'eroe per evitare conseguenze spiacevoli. Se sorgono difficoltà nell'"entrare" nel ruolo, l'attore può rivolgersi a uno psicologo che lo aiuterà ad analizzare la personalità del personaggio e ad analizzare le sue emozioni in varie circostanze;
• organizzazione della vita quotidiana quanto più simile possibile alla vita del personaggio interpretato. Creando le giuste condizioni prima dell'inizio delle riprese, l'attore può farsi un'idea del suo personaggio in pochi giorni.
• creando un aspetto convincente. Questo punto prevede il lavoro sull'immagine scenica, sul costume e sugli accessori. Un attore dovrebbe guardare se stesso attraverso gli occhi di qualcun altro e cercare di incanalare le sue emozioni in parole e azioni;
• acquisire le competenze e le abilità necessarie per il nuovo ruolo. Considerando il fatto che questa professione richiede che una persona impari rapidamente e padroneggi bene l'essenza dell'argomento, a volte l'attore ha bisogno di abituarsi al ruolo di due o più personaggi. Lavorare su ogni immagine richiede una certa conoscenza, esperienza e filosofia di vita. A volte, per suonare con successo, è necessario padroneggiare uno strumento musicale, un nuovo stile di danza o le abilità di un artista;
• trasmettendo il background emotivo caratteristico dell'eroe. Per rendere la tua performance più convincente, vale la pena creare esperienze autentiche. I ricordi tristi e dolorosi ti aiuteranno ad affrontare un ruolo malinconico. Le emozioni sono forti, luminose e carismatico la personalità può essere trasmessa ricordando la sensazione di fiducia ed energia derivante da un compito completato con successo;
• fede sincera e vivere la propria immaginazione. Non è necessario preparare un discorso in anticipo per questo. Per avere successo, è importante che un attore si senta una persona veramente diversa, che ha pensieri, sentimenti, sogni ed esperienze diversi. L'improvvisazione sarà di grande aiuto in questa materia. Per una performance brillante, è importante che l'attore si concentri sul suo alter ego e ricordi che senza fiducia in se stesso non sarà in grado di catturare l'attenzione dello spettatore.

Come migliorare la tua capacità di abituarti ad un ruolo

Una persona che deve abituarsi al ruolo deve prepararsi per il futuro gioco di un certo personaggio, non solo a livello informativo e fisico, ma anche morale. Questa procedura è familiare a ogni attore professionista. Ad esempio, se una persona si abitua al ruolo di un personaggio storico, vale la pena chiedere informazioni sulla sua intera biografia, ricordi, esperienze, fotografie e discorsi dell'eroe. Rileggere la sceneggiatura ogni giorno, memorizzare le battute tue e di altre persone ti aiuterà a comprendere appieno l'idea dello spettacolo e a sentirne l'atmosfera. L'attore che prepara il ruolo deve anche agire come un analista rigoroso che comprenderà l'essenza del ruolo e il suo scopo principale nella performance.

Quando si partecipa alle prove, è importante dare il massimo, dimostrando tutte le emozioni del personaggio nel modo più autentico e profondo possibile. La fede sincera in te stesso, affinare ogni gesto e parola, intonazione e movimento ti aiuterà a raggiungere un'incredibile credibilità. Sviluppare la capacità di percepire i sentimenti e gli stati d'animo degli altri sarà un'abilità utile per chi non sa abituarsi al ruolo di attore. Alto livello empatia in combinazione con l'auto-miglioramento spirituale ed etico può influenzare il successo di una carriera di attore.

Nella zona di lingua russa di Toronto, dove una volta vivevo, proprio al centro c'era un famoso centro di distribuzione cinematografica russa. All'inizio era addirittura l'unico, quindi era molto popolare. C'erano sempre molte persone, nonostante lo spazio ridotto. Il proprietario della società di distribuzione cinematografica somigliava in qualche modo al russo Bill Gates, solo con i capelli arruffati, come quelli di Einstein, e gli occhi leggermente sporgenti. In generale, non so molto di lui.

Il destino ha voluto che ebbi la possibilità di lavorare in un altro nuovo cinema russo e si sparse la voce che quel famoso cinema era stato venduto a un altro proprietario. Ma nonostante il cambio di gestione, il nostro Bill Gates continuava a venire ogni giorno al “suo” cinema e a girarci intorno come un’ombra. La gente diceva che era "fuori di testa". Era così abituato al suo ruolo e al suo lavoro che semplicemente non riusciva a uscirne. La gente era dispiaciuta per lui.

Ciò accade molto spesso quando le persone si attaccano troppo al proprio ruolo nella vita. I soldati che tornano dal servizio a volte non possono uscire da un certo stato; quando i dirigenti tornano a casa continuano a dare comandi e a mettere tutti in fila; I genitori continuano a crescere figli che sono maturati da tempo.

Parlando di genitori, per molti questo è uno dei ruoli importanti e a lungo termine che le persone devono svolgere nella vita, e le persone tendono anche ad “abituarsi” al ruolo di genitore e continuano a interpretarlo anche quando non lo è. del tutto appropriato. Le madri continuano a “pulire il naso” ai figli maturi, per i quali questo potrebbe non essere affatto utile, ma è utile accumulare altre qualità: responsabilità, coraggio, perseveranza e così via. Alcuni padri esigono che i loro figli costruiscano il loro destino come vogliono e non come i figli stessi sono destinati a fare. Questo tipo di “entrare nel personaggio” porta spesso molta sofferenza, sia agli stessi “attori” che ai loro “partner” che sono involontariamente costretti a condividere la scena.

Secondo la saggezza dei tibetani, all'età di 14 anni, un bambino raggiunge un'età in cui un genitore può trattarlo solo come un amico e non come un re, come dovrebbero essere trattati i bambini, uno schiavo - come, secondo i tibetani, dovrebbe essere curato durante l'infanzia. Ma alcuni genitori continuano a indicare, comandare, pretendere e ad arrabbiarsi quando i loro figli non soddisfano le loro richieste senza fare domande. Questo è molto triste.

Proprio come un attore prova un senso di confusione per non essere richiesto, così una persona comune che si è abituata a un ruolo sente il vuoto quando il destino gli toglie questo ruolo. In realtà, questo accade perché una persona che non ha realizzato la sua vera natura divina cerca le fonti del piacere e della felicità all'esterno. La vera felicità e grazia si trovano all'interno di una persona, e qualsiasi ricerca all'esterno porterà inevitabilmente alla sofferenza, causando ogni sorta di dipendenza: vanità, orgoglio, invidia, avidità, gelosia, paura, lussuria e persino amore.

Qualcuno potrebbe obiettare che il pazzo ex proprietario di un negozio di noleggio video ha semplicemente messo troppa anima nel suo lavoro, in modo da non poterlo lasciare, cioè l'energia che ha investito o lasciato lo ha attratto. Qui vale la pena spiegare due cose, la prima è che se l'energia investita ha un inizio creativo, costruttivo e morale, allora sarà sempre reintegrata e una persona non si sentirà mai vuota. Se l'energia viene sprecata nelle dipendenze, cioè nel soddisfare sentimenti e passioni, come: rabbia, curiosità, vanità, ricerca del profitto, voluttà, e così via, allora lasciare l'ambiente che alimenta queste passioni sarà doloroso e la persona sentirai il vuoto interiore. Quando guardiamo un film di talento e morale (perché un film di talento deve essere morale), ci sentiamo realizzati, felici, anche per molto tempo dopo averlo visto. Se guardiamo una specie di film dell'orrore, o un film vuoto, proveremo una sensazione corrispondente.

Come canta il celebre cantante: “Siamo solo ospiti in questa vita, resteremo un po’ e poi partiremo, chi prima, chi dopo”. Il saggio re Salomone diceva che tutto è vanità delle vanità, capiva che tutto è transitorio e tutto passa. Non dovresti attaccarti a nulla. Mentre interpreta un ruolo, una persona deve rimanere sempre un po' distaccata, un osservatore, uno spettatore dello spettacolo, allora non vivrà così dolorosamente lo stato di non essere richiesto e scoprirà un cielo ancora più ampio e profondo. e spazio dentro di sé.

Le persone non si sforzano affatto di violare se stesse nel desiderio di "fare il buffone", purché sia ​​completamente chiaro a tutti che stanno semplicemente svolgendo un ruolo accessibile al pubblico. I partecipanti attivi a questo "evento" provano persino una sorta di orgoglio di potersi permettere di interrompere la commedia e di esporsi come veri e propri sciocchi. Al giorno d'oggi, tale comportamento sta diventando sempre più un indicatore della misura del successo raggiunto nella vita o nelle capacità di recitazione. Il ruolo è stato definito, io ne sono l'esecutore e il regista principale di questa azione; Per favore, non lesinare sugli applausi!

Uno dei problemi considerati dal Buddismo Zen è, in particolare, che quanto più persistentemente la coscienza interiore di un credente si sforza di rompere ogni connessione con la realtà circostante, tanto maggiore è lo sforzo richiesto da lui.

È lo stesso nella vita di attore: molto spesso l'artista è tenuto a lasciare il suo “io” dietro il palco e ad abituarsi al ruolo del suo personaggio. Un attore che incarna un'immagine specifica sul palco cerca di trasformarsi il più possibile nell'aspetto del suo eroe e, idealmente, cerca anche di pensare nelle categorie a lui inerenti - cerca di provare il suo cappello, se parliamo in il linguaggio figurato che accettiamo. E mentre lavora in questo modo, mentre convive con i problemi della sua immagine scenica, il suo “io” riposa dietro il palco - “in vacanza”.

Interpretare "qualcuno" consente anche al nostro "io" di andare oltre gli orizzonti della coscienza ordinaria - oltre la struttura in cui risiede, come una cartolina fotografica sul nostro tavolo.

Spesso nella vita di tutti i giorni gli attori sono molto timidi; in questo caso, il ruolo dà loro l'opportunità di realizzare il proprio potenziale - dà loro il "mantello magico" della trasformazione. Nella stessa vita quotidiana, non siamo affatto tentati dalla prospettiva di essere etichettati come un pazzo senza speranza, un buffone o un clown... Ma agire sotto la maschera di un giullare, quando è chiaramente visibile a tutti, e il proprio ruolo è chiaro e inizialmente concede "perdono" a ciascuno dei tuoi scherzi "recitativi", possiamo permetterci di svolgere tale ruolo disinteressatamente, godendo delle nostre capacità di recitazione e senza causare danni alla nostra posizione sociale. Sì, non può soffrire: essere conosciuto come un attore di talento è prestigioso.

Lo spettatore, di regola, è completamente indifferente a come è un attore nella vita reale - se è un pensatore per natura o al contrario; allo spettatore interessa solo una cosa: quanto talento ha l'attore nel ruolo che ha interpretato, quanto è riuscito ad "abituarsi" all'immagine del suo personaggio di scena, quanto strettamente la maschera del personaggio di scena si è fusa con il suo stesso volto . E con tale percezione, non è l'attore che “vive” sulla scena davanti allo “sguardo critico” dello spettatore, ma il personaggio scenico da lui “riportato in vita”. È lui, il personaggio, che fa quello che fa davanti ai nostri occhi, e la responsabilità di tutti i trucchi spetta solo a lui, e non all'attore. La maschera si assume in anticipo tutta la “colpa di quanto fatto” da parte di chi la indossa.

Ma senza maschera, il nostro “io” rischia di provocare tutta la raffica di dispiacere degli altri solo su noi stessi. Ecco perché molti di coloro che sono riusciti, anche se a livello subconscio, a trovare la corretta valutazione della nostra capacità di trasformazione, con inesauribile tenacia si rivolgono alla magia delle maschere - a un insieme di cappelli digestivi mentali, come abbiamo concordato di fare. chiamiamo questa parte della nostra “toilette”.

Ad esempio, le persone che sono sfrenate nelle loro parole, sfrenate, assurde, quando sentono il bisogno di "sfogarsi", cercano invariabilmente di "procurarsi" il ruolo di un polemista incallito o di un combattente intransigente per difendere qualcosa che è calpestato o oppresso da qualcuno. Ciò si spiega con il fatto che, sebbene nella vita quotidiana la manifestazione di aperta ostilità sia fortemente condannata, ci sono situazioni in cui l'espressione della critica diventa necessaria, e quindi il ruolo dell'argomentatore, o più precisamente, del "custode altruista per conto di tutti gli altri”, diventa non solo appropriato, ma anche del tutto degno della nostra approvazione. Una persona irascibile ha l'opportunità di mostrare le sue "sciocchezze" nella posa di un nobile difensore, combattente, instancabile difensore degli interessi pubblici e - chi altro abbiamo dimenticato?

Questo ruolo tradizionale del dibattitore incallito corrisponde al cappello pensante nero, il cui "principio di influenza" sarà descritto di seguito. In totale, nel "repertorio" di una persona comune, ci sono sei ruoli simili, facilmente distinguibili, e per comodità di eseguirli, ognuno di essi ha il proprio cappello di pensiero.

Abbiamo già parlato di quanto sia importante per ognuno di noi imparare a pensare. Il primo passo verso la padronanza di quest'arte è padroneggiare il ruolo di una persona pensante. Questo ruolo è globale, onnicomprensivo e accompagna ogni nostro passo nel cammino della vita. Senza padroneggiarlo, senza una percezione significativa di tutto ciò che facciamo, non otterremo nulla.

Ma possiamo semplificare notevolmente il processo di padronanza di una serie di queste abilità vitali dividendo il difficile ruolo di una persona pensante in diverse componenti. Lascia che questi componenti diventino nella nostra comprensione una serie di ruoli episodici, che ricordano quelle immagini caratteristiche facilmente distinguibili che identifichiamo inequivocabilmente in una pantomima ben messa in scena, in una serie televisiva o in un western tradizionale. Con la massima chiarezza, per così dire, “nella sua forma pura”, questi personaggi caratteristici sono presenti nel teatro kabuki giapponese, dove la stilizzazione di ogni ruolo raggiunge la sua espressione estrema.

Tutti possono riconoscere l'immagine di una strega in una simile pantomima. Costruisce tutti i tipi di intrighi, provoca il verificarsi di tutti i tipi di disastri, disgrazie - cioè, nel modo più coscienzioso, "fa il male", poiché gli spiriti maligni dovrebbero comportarsi secondo la sceneggiatura. E il pubblico – secondo lo stesso “scenario” programmato per esso – reagisce di conseguenza alle macchinazioni del “mascalzone”.

Quindi appare sul palco un nobile principe, che personifica le forze del Bene. L’immagine della “signora anziana” in una tale produzione di solito simboleggia la misericordia e la filantropia. Tutti i "personaggi" sono facilmente riconoscibili e le azioni di ciascun personaggio nella planimetria sono assolutamente giustificate. Ma allo stesso tempo - cosa caratteristica e di per sé molto simbolica - il ruolo del principe è interpretato da una ragazza e il ruolo di donna da un uomo. Ciò ha un significato profondo, poiché alla fine l'intera produzione soddisfa un compito rigorosamente definito: ogni immagine scenica deve dimostrare la massima separazione possibile dalla realtà e simboleggiare un'idea specifica nella sua forma pura.

Gli atteggiamenti di ruolo insiti in ognuno di noi nella vita di tutti i giorni - il ruolo di genitore, coniuge, studente o lavoratore - parlano da soli. Nell'azione scenica considerata, i ruoli degli artisti sono progettati per riflettere l'interazione di determinate forze, alle quali, per motivi di chiarezza e percezione semplificata da parte dello spettatore, viene dato un aspetto umano.

Pertanto, quanto più un ruolo è isolato dalle realtà del mondo circostante, tanto più forte si manifesta l'aspetto giocoso e il simbolismo del contenuto, tanto più facile è essere riconosciuto sul palco e in televisione. Questo è il segreto della popolarità della maggior parte delle serie televisive americane, ed è per questo che le immagini di molti eroi portate sullo schermo evocano in noi tanta simpatia.

Ma questo è se parliamo delle caratteristiche delle arti dello spettacolo; e nel nostro mondo di pensieri reali e di vere reincarnazioni, il ruolo di una persona pensante richiede il suo adempimento durante tutta la nostra vita, sebbene possa scomporsi in sei ruoli episodici separati, ciascuno dei quali deve essere interpretato con una maschera-cappello del colore appropriato, “alla musica” il modo di pensare evocato – solo da lei.

Ma qui tutto è già semplice. Scegli tu quale dei sei cappelli indossare in questo momento. Lo indossi e interpreti il ​​ruolo "appropriato del cappello". Devi cercare di interpretare al meglio il tuo ruolo: ricordati che non sei giudicato per quello che interpreti, ma per come svolgi il tuo ruolo. Cerca di non essere considerato un attore senza valore e indossare un cappello-maschera proteggerà completamente il tuo "io" dal cadere agli occhi degli altri. Non pensarci; goditi il ​​gioco.

Quando cambi il tuo modo di pensare, percepirai inevitabilmente un nuovo copione di comportamento, “scritto” esclusivamente per questa immagine che hai percepito. Ogni ruolo deve essere riconosciuto dal pubblico senza alcun errore. I ruoli stessi dovrebbero differire l'uno dall'altro in modo tanto evidente quanto l'immagine della strega e del principe nell'azione scenica del teatro Kabuki. Ovviamente devi lavorare molto più di qualsiasi artista: dopo tutto, devi sostituire un'intera troupe di attori, esibendosi prima come uno di loro, poi come un altro. Ma cambiando alternativamente i tuoi cappelli pensanti, riceverai un fragoroso applauso destinato all'intero cast. E allo stesso tempo, cambia il tuo carattere, impara a pensare, controllando attivamente il flusso dei tuoi pensieri e ad agire nel pieno rispetto dei requisiti della situazione.

Questa capacità di controllare il flusso dei propri pensieri è la base cartografico tipo di pensiero.

Ricorda, abbiamo considerato i principi generali della stesura mappe del tuo atteggiamento nei confronti della situazione? Ricordare? Questo è buono. Ma qui vorrei focalizzare la vostra attenzione sul processo di stampa a colori stesso, quando ogni singolo colore, sovrapposto a una base specifica, alla fine dà un'immagine solida.

Quindi ciascuno dei nostri cappelli pensanti ha il proprio colore, che può essere utilizzato per creare una mappa il più vicino possibile nella sua combinazione di colori alle condizioni della vita reale.

Di seguito viene fornita una descrizione delle caratteristiche di ciascuno dei sei cappelli pensanti. Questi cappelli e i ruoli in essi interpretati dovrebbero essere il più diversi possibile l'uno dall'altro. E questo è comprensibile: un cappello rosso, ad esempio, è fondamentalmente diverso da uno bianco; Qualunque sia l'abito che indossi con un cappello bianco, in combinazione con un cappello rosso sembrerai... In generale, non si abbinano tra loro. Come, diciamo, un cappello giallo e uno nero. Non vanno bene, tutto qui! Allo stesso modo, un ruolo scritto per essere interpretato con un cappello blu è fondamentalmente diverso da un ruolo che dovrebbe essere interpretato con un cappello verde erba.

Recitare una commedia è una cosa, ma una tragedia è un'altra. Quando ti travesti da giullare, stai interpretando un giullare; il saggio con il berretto con campanelli sembra offeso dal destino. Se scegli un costume da cattivo, non c'è bisogno di fare strenui tentativi di fare del bene con esso: sembrerà, almeno, sospetto. Pertanto, non è necessario mescolare tutti i ruoli insieme, come se non avessimo abbastanza oggetti di scena. Godetevi lo spettacolo diverso ruoli.

Pensa solo a metterti nel giusto stato d'animo e ad entrare nel personaggio. Una volta che avrai successo, il tuo modo di pensare non sarà più guidato dalla tua coscienza, ma dalla logica del ruolo che ricopri. È così che nasce un'immagine, determinata dal cappello pensante. È così che il libro che hai compilato trova la sua incarnazione nella vita reale. carta geografica il tuo atteggiamento nei confronti delle condizioni della situazione.

Alla fine dell'azione e dopo aver ottenuto i risultati attesi, la tua coscienza avrà nuovamente l'opportunità di scegliere da sola la visione delle cose più accettabile.