Jean Baptiste Symeon. Jean-Baptiste Simeon Chardin: Przytulne sceny z życia codziennego

Czytelnik pamięta, że ​​Luter i wielu innych reformatorów wielokrotnie wzywało do zwołania soboru ekumenicznego. Jednak na wczesnym etapie reformacji papieże stawiali temu opór na wszelkie możliwe sposoby, obawiając się odrodzenia ruchu soborowego, którego przedstawiciele domagali się uznania wyższości władzy soborów nad papieskim. Dlatego dopiero za Pawła III, gdy spory między protestantami i katolikami stały się nieodwracalne, Rzym poważnie potraktował możliwość zwołania soboru powszechnego. Po długich i trudnych negocjacjach zdecydowano, że katedra rozpocznie pracę w Trydencie (łac. Tridentum – Trident) w grudniu 1545 roku. Karol V nalegał, aby sobór odbył się na jego terytorium i dlatego wybór padł na Trydent, cesarskie miasto w północnych Włoszech. Wciąż jednak w pracach soboru brało udział niewielu prałatów – na pierwszej sesji było to 31 osób, a na ostatniej 213.

Wcześniej sobory zajmowały się zazwyczaj niewielką liczbą kontrowersyjnych kwestii lub konkretną doktryną uważaną za heretycką. Tym razem jednak tematy podnoszone przez protestantów były tak ważne, a Kościół tak potrzebował reformy, że sobór nie ograniczył się do prostego potępienia protestantyzmu i uznał za swój obowiązek nie tylko omówienie wszystkich punktów systemu teologicznego, który reformacja protestancka podała w wątpliwość, ale także do przyjęcia szeregu uchwał mających na celu zreformowanie Kościoła. Ponadto, aby osiągnąć ortodoksyjną jednolitość doktryny, sobór przyjął środki regulujące życie i posługę Kościoła.

Sobór Trydencki, uważany przez Kościół katolicki za dziewiętnasty sobór ekumeniczny, ma złożoną historię. Karol V nalegał, aby utrzymać go na swoim terytorium. Kiedy później stosunki między papieżem Pawłem III a cesarzem stały się napięte, papież przeniósł sobór do państw papieskich. Cesarz nakazał jednak swoim biskupom pozostać w Trydencie, w wyniku czego w 1547 roku prace katedry zostały zawieszone. Zebrało się ponownie w 1551 r., lecz w roku następnym znów nastąpiła przerwa. W 1555 roku Paweł IV został papieżem. Starał się kontynuować rozpoczęte przez katedrę prace reformatorskie, jednak w obawie przed nadmiernym wpływem Hiszpanów nie otworzył jej ponownie. Wreszcie w roku 1562, za pontyfikatu kolejnego papieża Piusa IV, sobór zwołano po raz ostatni i zakończył swoje prace w roku 1563. Tym samym, choć sobór teoretycznie trwał od 1545 do 1563 roku, przez większą część tego czasu był nieaktywny.

Sobór Trydencki przyjął zbyt wiele dekretów, aby je tutaj wymienić. Jeśli chodzi o działania reformatorskie, nakazał biskupom pozostanie w swoich diecezjach, potępił pluralizm (zajmowanie kilku stanowisk kościelnych jednocześnie), zdefiniował i sformułował obowiązki duchowieństwa, uregulował kwestie korzystania z relikwii i odpustów oraz nakazał utworzenie seminariów w celu przygotowania do posługi (wcześniej. W tym czasie nie było ogólnie przyjętych zasad ani wymagań dotyczących święceń). Polecał także studiowanie dzieł Tomasza z Akwinu, czyniąc je podstawą systemu teologicznego Kościoła katolickiego. Z drugiej strony wydał szereg dekretów skierowanych przeciwko protestantyzmowi. W związku z tym oświadczył, że w kwestiach doktrynalnych należy opierać się na Wulgacie, łacińskim tłumaczeniu Biblii, że tradycja jest równie autorytatywna jak Pismo Święte, że istnieje siedem sakramentów, że Msza św. jest prawdziwą ofiarą, którą można złożyć za zmarłych, że komunia jest pod obiema postaciami, to znaczy przy ofiarowaniu chleba i wina parafianom, nie jest konieczne, aby usprawiedliwienie opierało się na dobrych uczynkach ze względu na zjednoczenie wierzącego z łaską i tak dalej.

Pomimo swojej złożonej historii, niewielkiej liczby prałatów biorących udział w jego pracach oraz oporu wielu monarchów, którzy nie dopuścili do rozpowszechnienia się decyzji, jakie podejmował na swoich ziemiach, Sobór Trydencki położył podwaliny pod nowoczesny katolicyzm. Luter nie sprzeciwiał się już średniowiecznemu Kościołowi, gdyż nosił on piętno walki z protestantyzmem. W ciągu następnych czterech stuleci sprzeciw ten osiągnął taki stopień, że Kościół katolicki odmówił nawet uznania, że ​​wiele postanowień reformacji protestanckiej, odrzuconych przez Sobór Trydencki, ma swoje korzenie w tradycji chrześcijańskiej. Dopiero znacznie później, w XX wieku, Kościół katolicki był w stanie opracować własny program reform, który nie był zasadniczo reakcją na protestantyzm.

Jean Baptiste Simeon Chardin – wielki francuski artysta XVIII wieku. Zasłynął jako niezrównany mistrz martwej natury i malarstwa rodzajowego. Twórczość Chardina wywarła ogromny wpływ na rozwój realizmu w XVIII wieku.

Francuski malarz Jean Baptiste Simeon Chardin urodził się w 1699 r. Całe życie mieszkał w Paryżu, w dzielnicy Saint-Germain-des-Prés. Nauczycielami artysty byli Pierre Jacques Case (1676-1754) i Noël Nicolas Coypel (1690-1734). Zasłynął po „Wystawie debiutantów” w 1728 r., na której zaprezentował kilka swoich obrazów. Później został przyjęty do Akademii jako „przedstawiciel kwiatów, owoców i scen rodzajowych”. Współcześni artyście, a także koneserzy malarstwa w kolejnych latach, zawsze podziwiali Chardina za umiejętność dostrzeżenia istoty przedmiotów i oddania pełnego spektrum barw i odcieni. Ta cecha artysty pozwoliła mu stworzyć niezwykle realistyczne i głębokie płótna. Jego obrazy cechuje emocjonalna subtelność, dopracowanie detali, klarowność obrazu, harmonia i bogactwo barw. Bohaterami jego portretów są zwykli ludzie trzeciej władzy, zajęci codziennymi sprawami.

W 1728 roku Jean Baptiste Simeon Chardin został przyjęty do paryskiej Akademii Sztuk Pięknych. Od 1737 był stałym uczestnikiem Salonów Paryskich. W 1743 został doradcą Akademii Sztuk Pięknych, a w 1750 skarbnikiem Akademii. Od 1765 był członkiem Akademii Nauk, Literatury i Sztuk Pięknych w Rouen. Wielki francuski artysta zmarł 6 grudnia 1779 r. Jean Baptiste Simeon Chardin pozostawił po sobie bogatą spuściznę. Jego obrazy znajdują się w najważniejszych muzeach na całym świecie, m.in. w Petersburgu.

Interesujesz się lub zawodowo zajmujesz się florystyką? U nas znajdziesz wszystkie niezbędne akcesoria do swojej pracy. Duży i różnorodny wybór produktów wysokiej jakości.

Obrazy Jeana Baptiste Simeona Chardina z tytułami

Autoportret

Atrybuty sztuki i odpowiadające im nagrody

Bufet

Guwernantka

Dziewczyna obierająca warzywa

Dziewczyna z rakietą i lotką

Kanarek

Domek z kart II

Seks-chłopiec w piwnicy

Modlitwa przed obiadem

Bańka

Martwa natura z atrybutami sztuki

Martwa natura z winogronami i granatami

Martwa natura z dziczyzną i psem myśliwskim

Praczka

Domokrążca

Pracowita służąca

Rysownik

Srebrna waza

Srebrny puchar

Pracowita matka

Chardin Jean-Baptiste Simeon, malarz francuski (1699-1779). Słynny mistrz martwej natury i scen codziennych, jeden z twórców nowej koncepcji portretu w malarstwie europejskim epoki oświecenia. Studiował u P.Zh. Kaza, N.N. Kuapel i J.B. Vanloo, pracował w Paryżu. Wczesne prace Chardina charakteryzowały się dekoracyjną efektownością i zabawną fabułą, ale w latach trzydziestych XVIII wieku Chardin wykształcił swój własny styl, wyróżniający się szlachetną powściągliwością, przejrzystością i prostotą stylu.

Autoportret z przyłbicą,
1775, Luwr, Paryż

Dziewczyna z rakietą i lotką
1740, Galeria Uffizi, Florencja

Pani Chardin, 1775,
Luwr, Paryż

Twórczość gatunkowa artysty Chardina przepojona jest subtelnym liryzmem, dyskretną afirmacją godności ludzi „trzeciej władzy” („Domokrążca”, 1739, Luwr, Paryż, „Modlitwa przed obiadem”, 1744, Państwowe Muzeum Ermitażu , Petersburg); wizerunki dzieci („Chłopiec z bluzką”, 1738, Luwr, Paryż) i portrety dorosłych (portret żony, pastel, 1775, Luwr, Paryż) odznaczają się żywą spontanicznością i szczerością atmosfery.

Chardin, genialny mistrz martwej natury, tworzył kompozycje ze skromnym zestawem obiektów, rygorem i przemyślaną konstrukcją, materialnością i miękkością faktury obrazu, tworząc poczucie organicznego połączenia świata rzeczy i życia ludzkiego. Takie są na przykład obrazy - „Fajka i dzbanek”, ok. 1760-1763, Luwr, Paryż; „Martwa natura z atrybutami artystycznymi”, 1766, Ermitaż, Petersburg. Obrazy Chardina charakteryzują się jednością srebrnoszarych i brązowawych tonów, bogactwem refleksów i subtelnymi odcieniami, które harmonizują przejścia od światła do cienia.

Modlitwa przed obiadem
Lata czterdzieste XVIII wieku, Luwr

Młody rysownik,
1737, Luwr

Młody nauczyciel
Lata 30. XVIII w., Luwr

W sztuce francuskiej drugiej połowy XVIII wieku kierunek demokratyczny przeżył silny rozwój, a jego najważniejszym twórcą był Chardin. Wraz z tymi nowymi bohaterami sztuki w malarstwie pojawiły się wizerunki prostych rzeczy codziennego użytku otaczających człowieka: przedmioty gospodarstwa domowego - zastawa kuchenna i stołowa; artykuły spożywcze - dziczyzna, warzywa i owoce; a także przedmioty wykorzystywane przez ludzi pracy intelektualnej i artystycznej – architektów, artystów, muzyków, naukowców.

Martwa natura była ulubionym gatunkiem Chardina. Artysta swoją twórczością utrwalił ją w sztuce francuskiej jako samodzielny rodzaj malarstwa. Zazwyczaj zestaw obiektów w martwych naturach Chardina jest niewielki, jednak artysta głęboko przemyśla ich połączenie i układ, subtelnie ujawniając ich związek z osobą, która ich używa. „Martwa natura z atrybutami artystycznymi” ma charakter w pewnym stopniu „autobiograficzny”: na długim stole ustawiono przedmioty związane z twórczością artysty. Jest to gipsowy odlew głowy boga Merkurego, kilka ksiąg, zwoje arkuszy z rycinami, deska kreślarska i kątomierz. Ich układ jest swobodny i swobodny, ale panuje w nim ścisły schemat i harmonia. Zauważając talent Chardina do koloru, Diderot napisał: „Och, Chardin! Nie rozciera się na palecie farb białych, czerwonych i czarnych: bierzesz samą materię, samo powietrze i samo światło na czubek pędzla i kładziesz na płótno.” Martwa natura jest malowana w jasnych, jasnych kolorach z uderzającym wyczuciem najlepszych odcieni kolorów. Biała głowa Merkurego, wyróżniająca się na jasnym tle, wprowadza podniosłą nutę, podnosi świat przedmiotów ponad codzienność, nadając mu dumne i wysublimowane brzmienie.

Urodzony z symboliczną precyzją w ostatnim roku mijającego „wielkiego stulecia”, Chardin rozpoczął karierę jako praktykant malujący akcesoria do scen myśliwskich. Ale na długo przed śmiercią, która przyszła na niego w wieku osiemdziesięciu lat, Chardin zyskał powszechny szacunek jako artysta-filozof – nie do pomyślenia wśród malarzy XVIII wieku. Pośmiertna sława Chardina przekroczyła jego życiową sławę. W XIX wieku martwa natura, która dzięki niemu stała się gatunkiem pierwotnym, w dalszym ciągu była formą twórczości, pełną głębokich przemyśleń, wbrew swemu zwykłemu celowi – pozostać po prostu malarstwem jako takim. Martwe natury Chardina od razu przychodzą na myśl, gdy spojrzymy na duże martwe natury Cezanne’a, namalowane przez niego – znamienny zbieg okoliczności – także w ostatnim roku minionego stulecia, w 1899 roku. Te martwe natury odegrały kluczową rolę w głównym nurcie sztuki XX wieku – przezwyciężaniu iluzji, wszelkiej iluzoryczności jako takiej. Dopiero wówczas oddziaływanie potencjału zawartego w sztuce Chardina można uznać za wyczerpane.

Obraz Jean-Baptiste Simeona Chardina „Młody nauczyciel”.
Fabuła obrazu jest prosta: młoda dziewczyna uczy dziecko czytać. Namalowany bardzo wiernie, bezpośrednio i spontanicznie, obraz odda nierozerwalną więź emocjonalną, która łączy obie postacie. Tło traktowane jest ogólnie, bez specjalnych szczegółów; gęsto i równomiernie ułożone pociągnięcia tworzą wrażenie głębi i stabilności. Jest to obraz cichy, z poczuciem nieskończonego czasu, podobny do twórczości Johannesa Vermeera. Jedynie obraz klucza w jednej z szuflad biurka zakłóca magiczną atmosferę ciszy i spokoju. Chardin był czołowym mistrzem malarstwa gatunkowego i martwej natury w XVIII-wiecznej Francji. Jego proste, pozbawione sentymentu kompozycje wyróżniają się głębią uczuć, a spokojna, przemyślana kolorystyka świadczy o wnikliwej obserwacji i zrozumieniu formy. W naszym stuleciu twórczość Chardina odzyskała popularność ze względu na niemal abstrakcyjny charakter interpretacji form. Wielu uważa go za największego mistrza malarstwa gatunkowego swoich czasów. Seria obrazów gatunkowych Chardina, poświęconych tematyce ciężkiej pracy kobiet, oraz drugi, równoległy cykl, opowiadający o życiu spędzonym na rozrywce, czy to nastolatki z rodzin szlacheckich, czy ich babć, to jedna i ta sama rzeczywistość, ujawniona w Różne formy. I tak na przykład na obrazie Chardina „Domokrążca” kobieta wraca z targu, obładowana bardziej, niż powinna, i zatrzymuje się na chwilę, aby odpocząć w korytarzu między salonem a kuchnią, trochę zamyślona i smutny; razem z nią zdaje się, że zatrzymujemy się i spokojnie czekamy, a w tej minucie mamy czas na przemyślenie tego, na co przecież patrzymy. Przepełnieni sympatią do tego obrazu, podchodzimy bliżej i wpatrujemy się w obraz. Przed nami jest ziarnista warstwa farby, a ten aksamitny kolor jest zarówno prawdziwą materią życia, jak i rodzajem zapłonu światła, miękko otulającego całe ukazane otoczenie. Kolor jest uniwersalny i tyle. Za drzwiami otwiera się kolejne pomieszczenie – kuchnia, gdzie w chłodnej szarej mozaice przejść przestrzennych widzimy służącą o swoim szczególnym zachowaniu i smukłej postawie, miedzianą kadź na wodę pitną, a za nią kolejną ścianę. Mamy przed sobą zarówno samą przestrzeń, jak i pewien schemat stref przestrzennych; kolor, pełniąc rolę materialnego nośnika malarstwa, ponownie odnajduje się w roli pośrednika pomiędzy środkami sztuki a samym życiem.

W wieku siedemdziesięciu sześciu lat Chardin miał poczucie siebie i swojego rzemiosła zarówno pogodne, jak i skromne; jego umiejętności pozostały niezmienione, ale jednocześnie zdawały się chować w cieniu. Wypowiedź Cezanne’a (datowana na 27 czerwca 1904 r.) dotycząca swobody, z jaką Chardin wykorzystywał samoloty do przedstawiania nosa, może nie zostać od razu zrozumiana, ale dobrze ukazuje bliskość postaw twórczych tych dwóch mistrzów. Ktoś może zarzucić, że traktujemy Chardina jak artystę współczesnego, ale zacytujmy jego współczesnego filozofa Denisa Diderota, który tak opisał obraz „Brioche” (Deser): „To jest człowiek, który naprawdę jest malarzem; to prawdziwy kolorysta.... Ten rodzaj magii jest nie do pojęcia. Na powierzchni widoczne są liczne warstwy koloru, jedna na drugiej, a ich efekt przestrzenny bierze się z głębi…”
Tak głębokie zrozumienie procesów artystycznych, jakie wykazuje Diderot, jest samo w sobie wyjątkowe. Uchwycił moment wyczerpania stylu, kiedy ten obrał fałszywy kierunek i utracił jasność wyrazu. Diderot doskonale rozumiał także, że pozycja Chardina „między naturą a sztuką”, pomimo jego popularności w kręgach artystycznych, nie została jeszcze doceniona w całej okazałości. Diderot przewidywał, że prawdziwie filozoficzny sens dzieła Chardina wciąż czeka na odkrycie: jego najgłębsze wartości należą do przyszłości malarstwa.

2 listopada 1699 roku w paryskiej dzielnicy Saint-Germain urodził się Jean-Baptiste Chardin. Jego ojciec był snycerzem wykonującym skomplikowaną twórczość artystyczną. Już jako dziecko Jean-Baptiste zaczął wykazywać skłonność do rysowania i robił pierwsze postępy.

Edukacja

Na początku swojej kariery twórczej Jean-Baptiste Simeon Chardin pracował w warsztatach znanych paryskich artystów. Najpierw wszedł do pracowni Pierre’a Jacques’a Cazy, malarza dziś zupełnie zapomnianego. Wykonywał tam kopie obrazów, głównie o tematyce religijnej.

Następnie został uczniem Noela Coypela, mistrza gatunku historycznego w malarstwie. To właśnie tam zaczął robić pierwsze poważne postępy w przedstawianiu różnych przedmiotów gospodarstwa domowego, dodając do obrazów Coupela drobne detale i dodatki. Swoją pracę wykonał tak dokładnie i skrupulatnie, że w efekcie detale te zaczęły wyglądać znacznie lepiej niż cały obraz. Coipel zdał sobie sprawę, że z ucznia wyrósł prawdziwy mistrz.

Pierwsza wystawa

W 1728 roku na Place Dauphine w Paryżu odbyła się wystawa debiutantów, gdzie Jean-Baptiste Chardin postanowił po raz pierwszy wystawić swoje obrazy. Wśród nich znalazły się „Scat” i „Bufet”, które zostały namalowane z takim kunsztem, że z łatwością można je było utożsamić z mistrzami XVII wieku. Nic więc dziwnego, że wywołali prawdziwą sensację.

Na tej wystawie zauważył go jeden z członków Królewskiej Akademii Sztuk. W tym samym roku Chardin został przyjęty do Akademii jako artysta przedstawiający owoce i sceny codzienne. Ciekawe, że członkostwo w Akademii mogli otrzymać jedynie bardziej dojrzali i doświadczeni, uznani przez społeczeństwo mistrzowie. Ale Chardin miał wtedy zaledwie 28 lat i był praktycznie nieznany opinii publicznej.

Martwe natury

Martwa natura nie była wówczas popularna i zaliczana była do gatunku „niższego”. Dominującą pozycję zajmowały tematy historyczne i mitologiczne. Mimo to Jean-Baptiste Chardin większość swojej twórczości poświęcił martwym naturom. A robił to z taką miłością do szczegółów, że przyciągał coraz większą uwagę do tego gatunku.

Chardin, niczym najlepsi holenderscy mistrzowie, w swoich martwych naturach potrafił przekazać urok prostych przedmiotów gospodarstwa domowego, które otaczają każdą osobę. Czy to dzbany, garnki, wanny, beczki na wodę, owoce i warzywa, czasem atrybuty sztuki i nauki. Martwe natury mistrza nie wyróżniają się przepychem i obfitością rzeczy. Wszystkie elementy są skromne i nie rzucają się w oczy, ale doskonale i harmonijnie ze sobą współgrają.

Techniki malarskie i nowe tematy

Jean-Baptiste Chardin widział i postrzegał kolor w szczególny sposób. Wiele małych pociągnięć próbował przekazać wszystkie subtelne odcienie tematu. W jego obrazach dominują odcienie srebra i brązu. Obiekty na jego płótnach oświetlane są promieniami miękkiego światła.

Współczesny i rodak malarza, filozof-pedagog, uważał, że mistrz posiadał szczególny styl malarski. Jeśli spojrzysz na obrazy Chardina z bliskiej odległości, zobaczysz jedynie chaotyczną mozaikę wielobarwnych pociągnięć i pociągnięć. Pożądane odcienie osiągał nie tylko mieszając pożądane kolory na palecie. Nakładał farbę na płótno drobnymi pociągnięciami określonych kolorów, które łączyły się w jedną całość, jeśli odsunięto się od obrazu na odpowiednią odległość. W rezultacie powstał optyczny efekt mieszania kolorów i powstał pożądany przez artystę złożony odcień. W ten sposób Chardin zdawał się tkać pędzlem płótno obrazu.

Diderot podziwiał umiejętność oddania za pomocą farby materialności przedmiotów. Pisał o tym entuzjastycznie: „Och, Chardin, to nie są białe, czarne i czerwone farby, które rozcierasz na palecie, ale samą esencję przedmiotów; bierzesz z czubka pędzla powietrze i światło i nakładasz je płótno!"

W latach trzydziestych rozpoczął się nowy etap w twórczości Chardina. Podążając za holenderskimi mistrzami, zwraca się ku malarstwu rodzajowemu. Artysta zaczął przedstawiać życie codzienne francuskiej trzeciej władzy, która obejmowała wszystkie grupy ludności z wyjątkiem uprzywilejowanych. Z tego okresu pochodzą jego obrazy „Pani pieczętująca list”, „Praczka”, „Kobieta obierająca warzywa”, „Powrót z targu”, „Pracowita matka”. Sceny te uznawane są za jedne z najlepszych w malarstwie gatunkowym.

Życie osobiste

W 1731 roku malarz postanawia poślubić Margaritę Sentar, córkę kupca. Najpierw mają syna, potem córkę. Syn później także zostanie artystą, ale córkę spotyka tragiczny los. W młodym wieku umiera wraz z żoną Chardina. Dla artysty był to ciężki cios. Dziesięć lat później ponownie się żeni. Tym razem o mieszczańskiej wdowie Francoise Margaricie Pouget. Mają dziecko, które wkrótce umiera.

Równolegle z tym wszystkim Chardin kontynuuje swoją działalność twórczą. Artysta cieszy się popularnością, ma wiele zamówień, a z jego prac powstają ryciny. Od 1737 roku na paryskich salonach regularnie wystawiane są obrazy Jeana-Baptiste’a Simeona Chardina. Zostaje doradcą, a następnie zostaje mianowany jego skarbnikiem. Otrzymuje członkostwo w Akademii Nauk, Sztuk Pięknych i Literatury w Rouen.

Poeta codzienności

Jean-Baptiste Chardin zasłużenie nazywany jest poetą życia domowego, spokojnego komfortu, ciepła więzi rodzinnych i ogniska domowego. Ulubionymi modelkami artystki były troskliwe matki, pracowite gospodynie domowe i bawiące się dzieci. Na przykład na obrazie „Praczka” postać kobiety zostaje wyrwana z ogólnego ciemnego tła i dosłownie jaśnieje ciepłem. Efekt ten uzyskano dzięki grze światła i cienia.

Wszyscy bohaterowie jego obrazów są zajęci codziennymi zajęciami. Praczki robią pranie, matki uczą dzieci, pokojówki gotują, obierają warzywa, idą na zakupy spożywcze, dzieci dmuchają bańki. Na niektórych obrazach można zobaczyć koty domowe. Wszystkie szczegóły dzieł Jeana-Baptiste’a Simeona Chardina przesiąknięte są miłością do trzeciej władzy. Za jego spokojne i wyważone życie, jego zmartwienia i wartości rodzinne. Bohaterki jego obrazów, mimo prostych czynności, wyróżniają się szczególnym wdziękiem i elegancją.

Ostatnie lata

W latach siedemdziesiątych w życiu Chardina w średnim wieku miało miejsce jeszcze kilka tragicznych wydarzeń. Syn znika, jego sytuacja finansowa znacznie się pogarsza, a artysta zmuszony jest sprzedać dom. Długa choroba i starość dały o sobie znać. Chardin postanawia zrezygnować ze stanowiska skarbnika Akademii.

W ostatnich latach mistrz poświęcił szczególną uwagę dwóm portretom namalowanym w tej technice – „Autoportretowi z zielonym wizjerem” i „Portretowi żony”.

Mimo choroby i wieku artysty, na ostatnich portretach można odczuć stanowczość jego dłoni i swobodę ruchu. Dynamiczne światło i naturalne kolory dodają pracom żywiołowości.

Nieoceniony wkład

Twórczość francuskiego artysty wywarła ogromny wpływ na rozwój sztuki europejskiej. Dzięki martwym naturom Jeana-Baptiste’a Chardina sam gatunek z niepopularnego i niedocenianego stał się jednym z wiodących. Jego codzienne sceny wyróżniały się realizmem, ciepłem i wygodą. Dlatego cieszyły się tak dużą popularnością wśród zwykłych ludzi. Wśród współczesnych Chardinowi nie było kobiety, która nie rozpoznałaby siebie, swojego życia i swoich dzieci na jego płótnach. Swoisty liryzm i spontaniczność śpiewane przez Chardina znalazły oddźwięk w sercach publiczności.

Żaden malarz przed nim nie mógł pochwalić się tak umiejętną umiejętnością stosowania światłocienia. Światło na płótnach mistrza jest odczuwalne niemal fizycznie. Wydaje się, że kiedy podnosisz do nich ręce, czujesz ciepło. Denis Diderot tak opowiadał o swoich pracach: „Nie wiesz, na którym z obrazów zatrzymać wzrok, który wybrać. Wszystkie są idealne!”

Chardin był także najbardziej utalentowanym kolorystą. Potrafił zauważyć i zarejestrować wszystkie odruchy subtelne dla ludzkiego oka. Jego przyjaciele nazywali to po prostu magią.

Biografia Jean-Baptiste Chardina jest bardzo bogata i jednocześnie tragiczna. Zdobywszy za życia uznanie rodaków, na starość żył w wirtualnej biedzie. Trudno w to uwierzyć, ale artysta nigdy nie opuścił rodzinnego Paryża.

Niewielu artystów będzie pamiętało, że kochał wszystko wokół siebie tak bardzo jak Jean Baptiste Siméon Chardin. O kunszcie tego malarza mówił jego żarliwy wielbiciel, francuski filozof Denis Diderot:

„Och, Chardin, to nie białe, czerwone i czarne farby rozcierasz na palecie, ale sama esencja przedmiotów; bierzesz powietrze i światło z czubka pędzla i nakładasz je na płótno!”

Mówią, że Chardin nigdy nie opuścił Paryża. Urodził się w dzielnicy Saint-Germain-des-Prés w 1699 roku i mieszkał tu aż do śmierci.

Malarskie zdolności Chardina zaprowadziły go do warsztatu Noëla Coypela, gdzie wykonywał wszelkiego rodzaju drobne prace artystyczne: pomagał mistrzowi przedstawiać na płótnach detale, dodatki i tła. Ale to pomogło Chardinowi nauczyć się zauważać małe rzeczy i rysować różnorodne przedmioty. Nic więc dziwnego, że pociągał go gatunek martwej natury.

Chardin zaczął od obrazów warzyw, owoców, owoców i różnych artykułów gospodarstwa domowego. I robił to tak umiejętnie, że niektóre jego prace zostały nawet wzięte za obrazy wybitnych holenderskich mistrzów martwej natury. Ale to nie schlebiało młodemu artyście i nadal doskonalił swoje umiejętności.

Sława Chardin przyszła w 1728 roku po „Wystawie debiutantów”, która odbyła się w Paryżu na Place Dauphine. Zaprezentował cykl swoich obrazów, wśród których znalazła się martwa natura „Scat”. Szczegółowe zwłoki mieszkańca głębin morskich zawieszone nad stołem są tak imponujące, że można poczuć zapach wypatroszonej ryby. I to jest szczyt talentu malarza martwej natury.

Obok obrazu nie mógł przejść obojętnie członek honorowy Francuskiej Akademii Malarstwa oraz Nicolas de Largilliere. Później to na jego polecenie Chardin również został członkiem Akademii.

Artysta nie ograniczał się do martwej natury. Lubił spokojne życie i życie zwykłych ludzi, więc stopniowo doszedł do gatunku codziennego. Prace te wyróżniały się prostą i przytulną treścią, zachowały jednak apetyt na drobne detale i dodatki z martwej natury. Malując codzienne życie trzeciego stanu w delikatnych, wyrazistych kolorach i w realistyczny sposób, Chardin, nie wiedząc o tym, przyczynił się do powstania nowego nurtu w sztuce.

Aby uchwycić prawdziwy moment w życiu - Chardin próbował zrealizować to zadanie w swojej twórczości. Jeden z jego najsłynniejszych obrazów „Modlitwa przed obiadem” nie jest pełen jaskrawych kolorów, ale jednocześnie emanuje dobrocią i spokojem.

Przedstawia wspólną fabułę tamtych czasów: matka sadza przy stole swoje rozbawione córki i pilnuje, aby różowe dziewczynki czytały modlitwę. Akcja rozgrywa się w małym pomieszczeniu. Z jego dekoracji rozumiemy, że jest to rodzina o średnich dochodach. Białe kolory podkreślają duchową czystość rodziny i niewinność dziewcząt. A miękkie brązowe odcienie dodają ciepła temu małemu paryskiemu domowi.

Na obrazie „Chłopiec z bączkiem” Chardin pokazał żywotność swojej młodzieńczej postaci. Chłopiec podniósł wzrok znad swoich nudnych podręczników, żeby pobawić się bączkiem – mówią nam o tym szczegóły na obrazku. Twarz dziecka jest pełna żywego zainteresowania tym, co się dzieje, a gra światła i żywiołowa mimika nadają płótnu spontaniczności i prawdziwości.

Na późniejszym etapie swojej twórczości Chardin dał się poznać jako niesamowity portrecista. Twarze jego bohaterów prawie zawsze wyglądają dostojnie i spokojnie. Chardin wiedział, jak przekazać publiczności tę pewność i spokój. A to było bardzo cenne, bo właśnie spokoju i stabilności brakowało mieszkańcom Francji pod koniec XVIII wieku.

Sam artysta był żywym przykładem harmonijnej egzystencji z otoczeniem, co wyraźnie odzwierciedla jego autoportret. Widzimy na nim: mężczyznę w chustce, który spokojnie patrzy przez pince-nez na widza. W jego spojrzeniu kryje się mądrość nabyta przez wiele lat twórczości.