Współcześni artyści: geniusze czy szaleńcy? Zapomnienie i triumfalny powrót.

Znani artyści naszych czasów, którym brakowało pędzli i farb, aby wyrazić swój geniusz, zachwycają i szokują nie tylko swoimi dziełami, ale także tym, jak dokładnie je stworzyli.

Farby, ołówki, pędzle i płótno – to prawdopodobnie wszystko, czego potrzebujesz, aby stworzyć zachwycające dzieło sztuki. O tak, więcej talentu! Ci artyści bez wątpienia to mają. W końcu nie potrzebowali nawet zwykłych materiałów, aby napisać wyjątkowe arcydzieła. Zobacz, co może się wydarzyć, gdy geniusz podejmie się zadania rysowania.

1. Sztuka odrzutowa autorstwa Tarinana von Anhalta

Księżniczka z Florydy Tarinan von Anhalt w swoich obrazach nie używa pędzli. Tworzone są przy użyciu… samolotu. Jak ona to robi? Tak naprawdę artysta po prostu rzuca butelkami z farbą, a ciąg silnika samolotu „tworzy” na płótnie niepowtarzalny wzór. Musiałeś o czymś takim pomyśleć? Ale sztuka odrzutowa nie jest jej pomysłem. Księżniczka „pożyczyła” technikę sztuki odrzutowej od swojego męża Jurgena von Anhalta. Tworzenie takich zdjęć nie jest takie proste, a czasem wręcz zagraża życiu: prądy powietrza osiągają ogromne prędkości i siłę, można je porównać do wiatrów huraganowych, a temperatura takiego „huraganu” może przekraczać 250 stopni Celsjusza. Ryzyko połączone z kreatywnością pozwala księżniczce otrzymać za jedno ze swoich dzieł około 50 000 dolarów.

2. Ani Kay i artystyczna męka

Indyjska artystka Ani Kay namalowała kopię obrazu „Ostatnia wieczerza” wielkiego Leonarda da Vinci w swoim własnym języku. Stosowano najczęściej stosowane farby. W wyniku wieloletniej twórczości Ani nieustannie zatruwa swoje ciało, doświadczając objawów zatrucia: bólów głowy, nudności i osłabienia. Ale uparty Hindus jest gotowy raz po raz zgodzić się na tortury w imię sztuki.

3. Krwawe obrazy Winicjusza Quesady

Vinicius Quesada to skandaliczny brazylijski artysta, którego obrazy zostały mu wręczone dosłownie własną krwią i… moczem. Trójkolorowe arcydzieła Brazylijczyka są dla niego wiele warte: co 60 dni Vinicia wydaje 450 mililitrów krwi, aby malować obrazy, które szokują i zadziwiają publiczność.

4. Dzieła sztuki menstruacyjnej Lani Beloso

I znowu - krew. Hawajska artystka również nie akceptuje kolorów. Jej obrazy powstają z własnej krwi menstruacyjnej. Choć może to zabrzmieć dziwnie, prace Lani są naprawdę kobiece, cóż mogę powiedzieć. Wszystko zaczęło się od desperacji. Pewnego dnia młoda dziewczyna cierpiąca na krwotok miesiączkowy, chcąc dowiedzieć się, ile krwi tak naprawdę traci w czasie patologicznie obfitych okresów, zaczęła rysować obraz z własnej wydzieliny. Przez cały rok podczas każdej miesiączki robiła to samo, tworząc w ten sposób cykl 13 obrazów.

5. Ben Wilson i arcydzieła do żucia

Artysta Ben Wilson z Londynu postanowił nie używać zwykłych farb ani płótna i zaczął tworzyć swoje obrazy z gumy do żucia, którą znalazł na ulicach Londynu. Urocze dzieła „mistrza gumy do żucia” zdobią szary asfalt miasta, a portfolio Bena zawiera zdjęcia jego niezwykłych obrazów.

6. Rysunki palców autorstwa Judith Brown

Ta artystka po prostu dobrze się bawi tworząc tak niezwykłe obrazy z maleńkimi cząsteczkami węgla drzewnego i swoimi palcami, że nawet nie uważa swojej pracy za sztukę. Ale palce zamiast pędzli i węgiel zamiast farby - takie niezwykłe i, widzisz, piękne. Piękna jest także nazwa serii obrazów Judith – Diamentowy Pył.

7. Artysta samouk Paolo Troilo

Mistrz monochromatyczności maluje także palcami, używając farb akrylowych. Paolo Troilo, niegdyś odnoszący sukcesy włoski biznesmen, został wybrany najlepszym kreatywnym Włochem roku 2007. Bez jednego pędzla maluje obrazy tak realistyczne, że czasem nie do odróżnienia od czarno-białych fotografii.

8. Arcydzieła motoryzacji autorstwa Iana Cooka

Nie bez powodu mówi się, że w każdym geniuszu kryje się małe dziecko. Wyraźnym potwierdzeniem tego jest młody malarz z Wielkiej Brytanii Ian Cook. Maluje obrazy, jakby bawił się sterami samochodziku. Przy użyciu farb powstało 40 kolorowych płócien przedstawiających samochody, ale zamiast pędzli w rękach artysty znajdują się zdalnie sterowane zabawki na kółkach.

9. Otomańskie dzieło Toma i pyszna sztuka

Chcesz po prostu zrobić te zdjęcia i polizać je. W końcu pisano je nie farbami, ale prawdziwymi lodami. Twórcą takiego „smacznego” obrazu jest mieszkaniec Bagdadu Othman Toma. Zainspirowany delikatnością artysta fotografuje swoje ukończone prace wraz z „farbami”: pomarańczową, jagodową czekoladą.

10. Elisabetta Rogai – wyrafinowanie dojrzałego wina

Włoska artystka Elisabetta Rogai również wykorzystuje w swoich kreacjach pyszne kolory. W swoim arsenale ma białe i czerwone wino oraz płótno. Co z tego wynika? Niesamowite obrazy, które z biegiem czasu zmieniają swoje odcienie, tak jak stare, starzejące się wino zmienia swój aromat i smak. Działa na żywo!

11. Nakrapiane obrazy Hong Yi

Co może być gorszego dla wzorowej gospodyni domowej niż ślady od filiżanek po kawie na białym obrusie? Ale najwyraźniej szanghajska artystka Hong Yi nie jest wzorową gospodynią domową. Tworząc swoje obrazy, nieustannie pozostawia na płótnie takie plamy. I nie dlatego, że lubi pić kawę podczas pracy, ale dlatego, że tak maluje, bez użycia pędzli i farb.

12. Malowanie kawą i sztuka piwa autorstwa Karen Eland

Artystka Karen Eland również próbowała malować, używając kawy zamiast farb. I zrobiła to całkiem nieźle. Reprodukcje najsłynniejszych dzieł, wykonane na płynie kawowym, wyglądają jak prawdziwe obrazy. Jedyną różnicą są brązowe odcienie i znak rozpoznawczy Karen w postaci filiżanki kawy przy każdej pracy.

Eksperymentując później z likierem, piwem i herbatą (nie, nie piła ich), Eland doszła do wniosku, że jej obrazy najlepiej wychodzą z piwa. Butelka odurzającego napoju zastępuje akwarele na jednym płótnie.

13. Pocałunki od Natalie Irish

Musisz tak kochać sztukę, że nie przestając tworzyć, od czasu do czasu całujesz swoje dzieło! Dokładnie takich uczuć doświadcza Natalie Irish. Wielka miłość – inaczej nie można opisać jej obrazów, malowanych nie pędzlami i farbami, a ustami i szminką. Kilkadziesiąt odcieni szminki, kilkaset pocałunków - i powstają takie arcydzieła.

14. Kira Ein Varzeji - piersi zamiast dłoni

Dużo miłości do sztuki włożyła także Amerykanka Kira Ein Varzeji – jej magiczne obrazy malowane są jej piersiami. Trudno sobie nawet wyobrazić, ile kolorów artystka wylała na swoją pierś. Ale nie na próżno!

15. Sztuka seksu autorstwa Tima Patcha

Bierze płótno i farby, ale nie ma pędzli. A jak myślisz, czym australijski artysta maluje swoje płótna? Tak, to samo miejsce, którego wcale się nie wstydzi. Męskość Tima jest w sam raz. Przynajmniej jego zdjęcia namalowane z penisem są cudowne. Trzeba powiedzieć, że artysta wykorzystuje nie tylko główny męski narząd płciowy, ale także „piąty punkt” jako narzędzie do rysowania. Z jej pomocą Tim projektuje tło obrazu. Sam mistrz nie traktuje swojej pracy poważnie i nawet jego pseudonim jest niepoważny – Pricasso. Naśladując oburzenie genialnego Picassa, artysta szokuje zwiedzających wystawy nie tylko swoimi obrazami, ale także przejrzystością procesu ich powstawania.

Mówiono, że odegrał rolę miejskiego szaleńca. Grałem, żeby przetrwać i nie wpaść w lodowisko represji. Przez całe życie nie sprzedawał swoich dzieł, rozdawał je dzieciom i mówił, że pisze dla przyszłego widza.

Artysta wypracował własny, oryginalny styl malarski, nazywany czasem „ekspresjonizmem fantastycznym”. Obecnie jego obrazy są cenione na poziomie ok - 15 000-26 000 dolarów.

Podobnie jak fakir, czarodziej i magik, z łatwością potrafił stworzyć prawdziwy cud ze zwykłych rzeczy. Jego dekoracje do występów w teatrze. Abai w Ałmaty zamienił zwykły lokalny występ w widowisko o niezwykłym blasku, a publiczność zawsze z niecierpliwością czekała na pojawienie się jego nowych dzieł. Całe jego życie jest teatrem, a artysta hojnie go udekorował wszelkimi dostępnymi mu środkami.

Trudno sobie wyobrazić Ałma-Atę lat 40. i 60. bez tego człowieka. Chodząc po mieście w dziwnych, absurdalnych strojach, był integralną częścią stolicy. Genialny artysta czy miejski szaleniec? Słynny mieszkaniec Ałmaty Siergiej Kałmykow był postacią niejednoznaczną i sprzeczną. Niemniej jednak to jego obrazy zdobią obecnie muzea wielu miast.

Przyzwyczaili się do Kałmykowa – do jego domowych spodni z wielobarwnymi nogawkami, do jego szkarłatnego beretu, do jego fantastycznej marynarki z przywiązanymi pustymi puszkami, które brzęczały, gdy szedł. Z biegiem czasu stał się wyjątkową częścią krajobrazu miasta Ałmaty, niczym koliber w syberyjskiej tajdze. Nazywał siebie nie bez ironii „ostatnim artystą awangardowym pierwszego powołania”… w końcu okazał się właściwie jedynym przedstawicielem genialnej kultury srebrnej epoki, który cudem przetrwał aż do odwilż Chruszczowa.

1896, rodzina. Podpisany na odwrocie: „Mój tata, mama, Lelya, Shura! Wania i ja, najmniejsza. Pamiętam, jak nas filmowali. Wania i ja mieliśmy na sobie czerwone jedwabne koszule. Shura jest uczennicą liceum!”

Siergiej Iwanowicz Kałmykow urodził się w 1891 roku w Samarkandzie. Wkrótce jego rodzina przeniosła się do Orenburga, gdzie Seryozha Kalmykov studiował w gimnazjum, a następnie w szkole malarstwa, rzeźby i architektury. W młodości był osobą powściągliwą, mało komunikatywną. W 1910 wyjechał do Petersburga i przez 4 lata uczęszczał do szkoły V.N. Zvantseva, gdzie nauczali tak znani artyści jak Dobuzhinsky, Petrov-Vodkin, Bakst.

To właśnie wtedy dwudziestoletni młodzieniec stworzył niesamowity obraz „Kąpiel czerwonych koni”. Petrov-Vodkin bardzo docenił pracę ucznia, mówiąc o nim: „jest jak młody Japończyk, który właśnie nauczył się rysować”.

Rok później sam Kuzma Petrov-Vodkin napisał swój słynny „Czerwony koń”, który stał się symbolem rosyjskiej awangardy. Przy tej okazji Kałmykow wspominał: „Żółty chłopiec, który wygląda jak Japończyk i siedzi na czerwonym koniu, to ja. Tylko moje nogi nie są takie krótkie. Petrov-Vodkin napisał to z niższej perspektywy. Moje nogi będą dłuższe.”

Wracając do Orenburga, Kałmykow dużo pracował, po rewolucji październikowej stał się jednym z najbardziej aktywnych artystów Orenburga. Brał udział w projektowaniu świąt rewolucyjnych, budynków użyteczności publicznej, prowadził wykłady. Jego malarstwo, twórczość graficzna i rzeźbiarska przyciągały uwagę publiczności. W latach dwudziestych Kałmykow brał udział w artystycznym projektowaniu przedstawień teatru i cyrku w Orenburgu, opracowując szkice kostiumów teatralnych i plakatów. W tym czasie dużo podróżował z Operą Wędrującą Środkowej Wołgi jako głównym artystą, jednocześnie Kałmykow określił się jako artysta-dekorator i postanowił połączyć swoje twórcze życie z teatrem.

trzy Łaski

W 1935 roku Kałmykow został zaproszony do Kazachstanu do pracy w nowo utworzonym teatrze muzycznym (obecnie Państwowy Teatr Teatru i Teatru Abai). Tutaj samodzielnie zaprojektował opery „Aida”, „Książę Igor”, „Faust”, „Floria Tosca” i inne.

„Kazachstanskaja Prawda” z 30 października 1935 r. tak pisała o spektaklu „Książę Igor”: „Artyści Kałmykow i Michejew pomyślnie rozwiązali projekt sceny, zasłużenie wywołując aplauz publiczności. Sceneria, utrzymana w przyjemnych barwach, z dużym wyczuciem proporcji, nie zaśmiecająca jak zwykle scen i udane kostiumy świadczą o tym, że artyści uważnie studiowali epokę i umiejętnie wykorzystali dostępny materiał.” W Ałma-Acie dużo rysuje i pisze, ale nie wystawia, nie publikuje ani nie sprzedaje swoich prac.

Centrum sztuki jest obecnie w mojej głowie– napisał artysta.

W 1936 roku Siergiej Iwanowicz został członkiem Związku Artystów Kazachstanu. Równolegle z pracą w teatrze Kałmykow zajmował się także samodzielną pracą artystyczną w zakresie rysunku, malarstwa i ryciny. Brał udział we wszystkich niemal wystawach sztuki organizowanych przez związek. W 1946 r. ze względów zdrowotnych odszedł z pracy. W 1952 powrócił do teatru i pracował jako dekorator.

autoportret

Swoje pierwsze spotkanie z artystą tak opisał pisarz Jurij Dombrowski: „...i wtedy nad sztalugami ujrzałem artystę. Słyszałem już o tym ekscentryku. Miesiąc temu złożył wyjaśnienia policji (sąsiedzi narzekali) i podpisał się następująco: „Geniusz I stopnia Ziemi i Galaktyki, dekorator, performer Teatru Opery i Baletu im. Abaj Siergiej Iwanowicz KAŁMYKOW.”<…>

Ubierał się też nie dla ludzi, ale dla Galaktyki. Na głowie miał płaski i swego rodzaju szybki beret, a na chudych ramionach wisiał niebieski płaszcz z bibelotami, a spod niego błyszczało coś niesamowicie jasnego i rozpaczliwego - czerwono-żółto-liliowy. Artysta pracował. Rzucał jedno pociągnięcie na płótno, drugie, trzecie - wszystko to od niechcenia, chodząc, bawiąc się - po czym odsunął się na bok, gwałtownie opuścił pędzel - tłum się cofnął, artysta przymierzył, przyjrzał się uważnie i nagle wyrzucił swój ręka - raz! - i na płótno spadła czarna, tłusta plama. Zatrzymało się gdzieś poniżej, ukośnie, niezgrabnie, jakby zupełnie nie na miejscu, ale potem były kolejne pociągnięcia, i jeszcze kilka pociągnięć i muśnięć pędzla – czyli plamy – żółte, zielone, niebieskie – i już na płótnie z kolorowej mgły zaczęło się coś pojawiać, gęstnieć, pojawiać się. I pojawił się kawałek rynku: kurz, upał, piasek rozgrzany do białego dźwięku i wóz wyładowany arbuzami...”

„Prawdopodobnie tak zwykli ludzie wyobrażają sobie geniusza. To są najwyższe pensje. Popularność. Rosnąca sława, pieniądze. My, pokorni profesjonalni geniusze, wiemy: geniusz to podarte spodnie. To są wąskie skarpetki. To znoszony płaszcz” – napisała artystka.

„Wszyscy uważali Kałmykowa za utalentowanego artystę” – powiedział później jeden z kolegów artysty. „Dostrzegli to bardzo kompetentni ludzie, ale wiele dziwactw w jego zachowaniu nie pozwoliło mu osiągnąć stanowiska, na które zasługiwał. Mógł więc narysować na zamówienie najwspanialszy szkic lub obraz, ale potem wszystko zakryć i napisać coś niezręcznego. Mógłby na przykład napisać Wenus z Milo, narysować jej dłonie i włożyć do nich piec primus.

Lub przedstaw na szkicu aktora w absurdalnym kostiumie, który nie odpowiada sytuacji i projektowi. W jego głowie zawsze kłębiło się mnóstwo najróżniejszych teorii: albo chciał zbudować niezwykłe rakiety, albo korytarz łączący Moskwę z Ałma-Atą. Albo pracował nad swoją rozprawą „Łączące szwy czaszki”. Już wtedy wyraźnie ujawniły się jego idee wielkości. Nazywał siebie kosmicznym geniuszem, genialnym artystą i mówił, że każdy powinien całować go po piętach...

W ostatnich latach nie przydzielano mu samodzielnej pracy, często robił rzeczy zupełnie absurdalne, psuł je. Tymczasem wiele jego prac, którymi zaśmiecone jest całe jego mieszkanie, obejrzało moskiewskich artystów i uznało go za najlepszego artystę w mieście. Zawsze był niechlujny, nie interesował się swoim wyglądem i ubraniem. Zaczął smarować włosy farbą olejną, tłumacząc, że do długowieczności potrzebuje mieć czarne włosy... Miał swój własny system żywienia: jadał tylko chleb (w młodości cały czas żuł bułki), ale w w tym samym czasie, kiedy jechał z wizytą, jadłem wszystko, co mi dawali. Jadł wtedy głównie mleko, sery i twarogi, ale bez chleba. Nie jadł mięsa i był wegetarianinem. Mówił, że gorąca herbata i jedzenie są szkodliwe dla zdrowia, światło elektryczne jest szkodliwe dla oczu, więc nie ma gazu, a wieczorem pracuje przy świecach lub siedzi w ciemności.

Codzienna bieda deptała mu po piętach; wiedział, czym jest niedożywienie i głód. Rok po roku mleko i chleb stanowiły jego dietę. „Meble” w jego hodowli zbudowane były z wiązek starych gazet przewiązanych sznurkiem.

Kiedy Związek Artystów dał mu płaszcz, rozdarł go i włożył kliny. Od tego czasu zaczął nosić śmieszne stroje, dziwaczne ubrania, które przerabiał z różnych starych śmieci. Wierzył, że tworzy rewolucję w modelowaniu świata. Uważał się za pisarza i dużo pisał pod fikcyjnymi nazwiskami. Nie znał kobiet, prowadził pamiętniki, w których opisywał swoje doświadczenia seksualne. Nikt nie wiedział, czy kiedykolwiek odwiedził łaźnię. Spałem na podłodze na gazetach. Ostatnio nikogo nie wpuszczam, nie przyjmuję pomocy od sąsiadów.”

Ważnym tematem rosyjskiego kosmizmu była architektura przestrzenna, dlatego Siergiej Kałmykow buduje swoje wznoszące się w niebo Wieże Babel i projektuje załogowy statek kosmiczny. Czasami w jego „kosmicznych pastorałach” pojawia się nagle żaba, która wkrótce musi zamienić się w piękną księżniczkę, co łatwo wytłumaczyć, ponieważ mieszkający samotnie artysta marzył oczywiście o przyjacielu, ale nie o „Wenus z Primus”, jak nazwał jeden ze swoich rysunków przedstawiający słodką i piękną Panią.

Tytuły dzieł Kałmykowa są pełne pretensjonalności: powieść „Ostatnie dni podróży legendarnego Kasfikisa, czyli apoteoza Siergieja Kałmykowa”, autoportret „Kontender o absolutną nieśmiertelność - S. Kałmykow”, „Niezwykły Akapity”, zachowały się jego rękopisy, eseje, dzieła z zakresu historii sztuki, dyskusje filozoficzne i powieści: „Księga gołębi”, „Green Book”, „Boom Factory”, „Moonlight Jazz” i inne.

Oficjalna krytyka nie doceniła twórczości Kałmykowa, wywołała „irytujące zdziwienie”.

„Świat jest chory. I nic dziwnego, że tylko artyści mogą doprowadzić świat do zbawienia”. - napisał Siergiej Kałmykow

Jednak obecnie jego dzieła wiszą w muzeach w Petersburgu, Moskwie, Astanie i Ałmaty. Obrazy znajdują się także w kolekcjach prywatnych. Niektóre obrazy Siergieja Kałmykowa są również http://bonart.kz/kalmyikov-s.html A jeden z amerykańskich kolekcjonerów założył Fundację Siergieja Kałmykowa.

W 1962 roku Siergiej Kałmykow przeszedł na emeryturę i został zwolniony z pracy w teatrze. Za aktywny udział w produkcji i pracy społecznej teatru Kałmykow był wielokrotnie nagradzany dyplomami Rady Najwyższej KazSRR (w 1940, 1945, 1959).

W marcu 1967 r. Kałmykowa w ciężkim stanie zabrano karetką do szpitala, gdzie stwierdzono: „Wyczerpany, niespójna mowa, niepewny chód. Paranoiczne złudzenie. Dystrofia”. 27 kwietnia 1967 r. zmarł Siergiej Kałmykow. Przed śmiercią w swojej szpitalnej sali zachwycał się smakiem gorącego jedzenia. Miejsce jego spoczynku nie jest znane. Można śmiało powiedzieć: planeta Ziemia.

Według najbardziej przybliżonych szacunków Kałmykow pozostawił po sobie ponad półtora tysiąca dzieł (rysunków, grafik, obrazów) i około dziesięciu tysięcy stron rękopisów. Same rękopisy stanowią swego rodzaju „samizdat”: książki zszyte, zszyte i oprawione, bogato ilustrowane. Bez wyjątku wszystkie teksty są pisane ręcznie, każda litera jest rysunkiem, każda strona zawiera kompletną kompozycję.

W materiale wykorzystano fotografie z Centralnego Archiwum Państwowego Republiki Kazachstanu.

Źródła,

Adolphe-William Bouguereau (Buguereau)(1825-1905) - jeden z najzdolniejszych artystów francuskich XIX wieku, największy przedstawiciel akademizmu salonowego, który namalował ponad 800 płócien. Tak się jednak złożyło, że jego nazwisko i błyskotliwe dziedzictwo artystyczne zostały poddane ostrej krytyce i na prawie sto lat skazane na zapomnienie.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0002.jpg" alt=" „Kobieta z Chervaru i jej dziecko.” Autor: William Bouguereau." title="„Kobieta z Czerwaru i jej dziecko”.

Talent przyszłego artysty w pełni objawił się w szkole podstawowej: wszystkie jego zeszyty były dosłownie wypełnione rysunkami i różnymi szkicami. Jednak z powodu problemów finansowych w rodzinie bardzo młody William został oddany pod opiekę 27-letniego wujka Yuzhen, który zaszczepił młodemu talentowi zainteresowanie filozofią, literaturą, mitologią i religią.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0033.jpg" alt="Młody Jan Chrzciciel. Autor: Adolphe William Bouguereau." title="Młody Jan Chrzciciel.

Wkrótce marzenie się spełniło i William Bouguereau został jednym z najlepszych uczniów tej szkoły. Chcąc jak najwięcej dowiedzieć się o swoim przyszłym zawodzie, uczestniczy w kursach z historii ubioru, studiuje archeologię i bierze udział w sekcjach anatomicznych.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0028.jpg" alt="„Włoski chłopiec z kawałkiem chleba”. Autor: William Bouguereau." title="„Włoski chłopiec z kawałkiem chleba”.

A kiedy malarz wrócił do Paryża, jego popularność nie miała granic.
Bouguereau niestrudzenie pracował nad swoimi dziełami. Do warsztatu przychodził wcześnie rano, a wychodził z domu po północy. Jak wszystkich wielkich artystów, cechowało go ciągłe niezadowolenie z siebie i nienasycone pragnienie doskonałości. Z tego powodu współcześni nadali mu przydomek „Syzyf XIX wieku”.

Utalentowanego malarza porównywano także do Rembrandta. Powiedzieli to „Rembrandt uchwycił duszę starości, podczas gdy Bouguereau uchwycił duszę młodości”. Nienaganna znajomość anatomii ludzkiego ciała, dbałość o szczegóły, doskonale dobrane kolory – to wszystko sprawiło, że płótna Williama Bouguereau stały się niezwykle realistyczne.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0003.jpg" alt=" „Dziewica Pocieszenia.” (1877). Autor: William Bouguereau." title="„Dziewica Pocieszenia” (1877).

Aby w jakiś sposób zapomnieć o żałobie, artysta całkowicie poświęcił się swojej twórczości. Malował portrety i obrazy o tematyce historycznej, mitologicznej, biblijnej i alegorycznej, gdzie dominowała nagość kobiecych ciał i bezczynność, co wywołało niezadowolenie wielu osób.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0004.jpg" alt="„Oready”.

Ale Bouguereau nadal pisał na swój sposób, a kiedy w sztuce szybko zaczęły wlewać się nowe modne trendy i tendencje, nie akceptował ich i przeciwstawiał się im całą swoją kreatywnością.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-00113.jpg" alt="Elizabeth Gardner jest drugą żoną artysty. (1879). Autor: William Bouguereau." title="Elizabeth Gardner jest drugą żoną artysty. (1879).

Śmierć syna całkowicie nadszarpnęła zdrowie mistrza. A przygnębiony nastrój, nagromadzone zmęczenie, ogromne uzależnienie od alkoholu i palenia miały szkodliwy wpływ na jego serce. W wieku 79 lat zmarł genialny malarz.

Zapomnienie i triumfalny powrót

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-00115.jpg" alt=" Dante i Wergiliusz w piekle. (1850). Autor: William Bouguereau." title="Dante i Wergiliusz w piekle. (1850).

Na niemal całe stulecie jego nazwisko i dorobek artystyczny popadły w zapomnienie i dopiero w literaturze krytycznej można znaleźć negatywną wzmiankę o Williamie Bouguereau jako malarzu gatunku aktu. Jego obrazy, przesłane do magazynów muzealnych, przez te wszystkie lata przetrzymywane były w wilgotnych piwnicach i na strychach.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0017.jpg" alt="„Cudowny ciężar”.

W 1984 roku przy wsparciu Muzeum Sztuk Pięknych w Montrealu zorganizowano w Paryżu pierwszą retrospektywną wystawę genialnego malarza.
Z wielkim trudem organizatorom udało się zebrać i upiększyć dziedzictwo Williama Bouguereau. Wiele dzieł wymagało renowacji, ponieważ minęło prawie całe stulecie, a pomieszczenia, w których były przechowywane, wcale nie odpowiadały specjalnym magazynom.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/219412167.jpg" alt=""Modlitwa".

Na pierwszej aukcji w 1977 r. koszt obrazów Williama Bouguereau nie przekroczył 10 tysięcy dolarów, ale już w 1999 r. był tylko jeden obraz"Амур и Психея" было продано на аукционе Christie’s за 1,76 миллиона долларов. Ну а к 2005 году стоимость его работ превысила отметку в 23 миллиона долларов. Это было воистину триумфальным возвращением гениального художника.!}

Artystę tego można rozpoznać po jednej cesze. Tylko na czarno
linia narysowana wzdłuż ściany w korytarzu.
K.Sapgir

Lewitan jest cudowny. Korovin, Repin, Surikov są wyjątkowi... Ale dopiero po zapoznaniu się z twórczością artysty Anatolija Zvereva, obejrzeniu filmu dokumentalnego i przeczytaniu w jego wspomnieniach, jak on pracuje, zrozumiałem, czym jest geniusz.

Anatolija Zvereva można nazwać naszym współczesnym (1931–1986). Ale ile osób niezwiązanych ze sztuką zna to imię? Ale całe jego życie jest legendą.

Światowej sławy muzyk W. Varszawski stał za Anatolijem Zverevem z tacą wódki, podczas gdy artysta warcząc i otrząsając się z diabłów, malował swoją córkę i żonę.
Profesor Pinski, który znał na pamięć Szekspira w oryginale, nieśmiało słuchał, co Zverev powie na temat dźwięczności rosyjskiego tłumaczenia.
Osobną historią jest jego miłość do Oksany (Ksenii) Aseevy (Sinyakovej), wdowy po poecie Nikołaju Asejewie, bliskiego przyjaciela Majakowskiego, Jesienina, gwiazdy Srebrnego Wieku. Kto nie znał sióstr Sinyakov!

Gdzie są Pugaczowa i Galkin? Anatolij Zverev był dwa razy młodszy od swojej ukochanej kobiety! Kiedy się poznali, on miał 37 lat, a ona 76!!! Ich miłość była nierzeczywista i legendarna – w kręgach bohemy narosły o niej mity…

A oto zaimprowizowane słowa, które do niej napisał:

Opadły liść (przez złotą pogodę);
- Jestem oburzony - i - pogrążam się w duszy; -
Co chcesz? - zapytał liść -
Dąb”, a ja odpowiedziałem: „Myślę, że...
O niej!"

Najlepsze jest: ... wiatr i - „upał”,
Co jest „ze mną”… w kolorze – „niebieskim”;…
To jesienne liście... „rywalizujące ze sobą”;...
Śpiewają piosenkę „Jesienin”…
O Aseeva - Oksana - wiosna,
Co kryje się w „wilgotnej trawie”...
I „nie trucizna” - drzewo „bestia”.

Urodzony w chłopskiej rodzinie Anatolij Timofiejewicz Zverev od dzieciństwa zadziwiał otaczających go rysunkami. Bez ukończenia pełnego kursu szkoły średniej posiadał absolutną umiejętność czytania i pisania. Żył nie dbając wcale o swoje dobro. Sprzedawał swoje prace za grosze. Niejednokrotnie był sądzony przez władze za pasożytnictwo. Pił bezwstydnie. Wędrował po moskiewskich mieszkaniach przyjaciół i znajomych, a przy ciepłej pogodzie mógł nawet osiedlić się na bulwarze. Nie miał własnego warsztatu. Gdziekolwiek malował obrazy, tam je zostawiał. Oznacza to, że nie był z tego świata. „Renegat, wyrzutek, malarz, nadający się tylko do malowania płotu” – twierdzą oficjalni artyści. Anatolij Zverev cenił wolność ponad wszystko inne i nigdy jej nie zdradził.

Stworzył dziesiątki tysięcy dzieł, które znajdują się w Galerii Trietiakowskiej, najlepszych muzeach na świecie, kolekcjach prywatnych w Paryżu, Londynie, Rzymie, Waszyngtonie itp. Kilka tysięcy jego dzieł spłonęło w pożarze na daczy G. Costakisa, przyjaciela artysty i słynnego kolekcjonera, odkrywcy i wybawiciela bogatego dziedzictwa rosyjskich artystów awangardowych, który sam jest legendą. Przed tobą portret jego córki. Jednak reprodukcja nie jest w stanie oddać całego uroku tego dzieła, którego każdy centymetr emanuje zmysłowością i pasją!

O Anatoliju Zverevie Falk powiedział: „Każde dotknięcie jego pędzla jest cenne”.
To o nim Picasso powiedział: „To najlepszy rosyjski rysownik”.
Zaledwie kilkoma pociągnięciami pędzla Siqueiros przyznał Zverevowi najwyższą nagrodę na konkursie plastycznym na Międzynarodowym Festiwalu Młodzieży w Moskwie w 1957 roku.
W 1959 roku reprodukcje obrazów Anatolija Zvereva ukazały się w najsłynniejszych amerykańskich magazynach, a Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku zakupiło trzy akwarele.
W 1965 roku zorganizowano wystawy osobiste w Paryżu i Genewie. Inni nasi artyści nie mogli wówczas nawet o tym marzyć.
Próbując wywieźć jego dzieła za granicę, urzędnicy powiedzieli: „Każdy inny autor, ale nie Zverev. Jego obrazy nie są wydawane za granicą.”
Zostały wyjęte. Kanałami dyplomatycznymi.

W półtorej godziny potrafił napisać 20-30 prac! W ciągu jednej nocy wykonano setki rysunków tuszem ilustrujących Złoty Osioł Apulejusza.
Rysowałem wszystkim, co wpadło mi w ręce: nie było farb ani ołówków – kawałkiem buraka, ziemią, pastą do zębów, niedopałkami papierosów itp. Według jego wspomnień „maluje popiołem, pomidorami, winem, rozlewając farbę na ściany i parkiety, widzów i modeli, tworząc portrety, nie mogąc wstać z podłogi”.
Obraz rozpoczęty farbami można uzupełnić proszkiem do zębów!
Albo tutaj jest inny.
„Piękna dziewczyna siedzi nieruchomo na krześle i pozuje. I na próżno próbuje się nie ruszać. Artystka ani razu na nią nie spojrzała podczas sesji. Z wykrzywioną napięciem twarzą wylewa na papier farbę ze słoiczka, gorączkowo rozmazuje ją wacikiem, a paznokciami zarysowuje linie. Portret jest gotowy.”

Alla Borisovna i Maxim żyją spokojnie w swoim brudzie, ale Anatolij Zverev i Oksana Aseeva mieli takie pasje!
Owdowiała Oksana mieszkała w domu wyłożonym tablicami pamiątkowymi. Jej nieodparty urok oparł się czasowi; rozpaliła najbardziej szaloną miłość w sercu artysty Zvereva. Cierpiał, był zazdrosny, organizował wspaniałe pogromy w elitarnym mieszkaniu towarzysza broni Majakowskiego, wyrzucając przez okno tomy wszystkich sowieckich klasyków. Zniszczył fotografie, spalając znienawidzone imię zmarłego rywala.
Oksana Michajłowna była przerażona atakami gniewu Zwieriewa aż do szoku, ale kiedy odważyła się zamknąć na klucz i nie wpuścić go do środka, wyrwał dębowe drzwi mieszkania dobrego pisarza i poleciała do samolotu schodów. Jego wyraziste bójki były publiczne i artystyczne, nie wstydził się elitarnych sąsiadów Oksany Aseevy i nie wahał się wezwać policji.
W takich sytuacjach Oksana Michajłowna była bardzo zmartwiona. Kiedy stróże prawa, dwaj „wujek Fiodor”, pakowali awanturnika do windy, wdowa po poecie odpędzała ich modlitwą i łzami w oczach, załamując ręce:
„Towarzysze policjanci, uważajcie na niego. To wspaniały rosyjski artysta, proszę, nie róbcie mu krzywdy. Proszę, zaopiekujcie się jego rękami!” Policjanci uśmiechnęli się ze współczuciem do uroczej starszej pani.
I narysował i namalował jej twarz... Ich związek trwał aż do śmierci Aseevy w 1985 roku. Bardzo za nią tęsknił i rok później sam zmarł.

Właściwie to ze względu na jego twórczość poetycką piszę ten artykuł, ponieważ... Po raz kolejny utwierdziłam się w przekonaniu, że utalentowana osoba jest utalentowana we wszystkim.
Poznaj także niektóre z nich. Autor, powtarzam, nie tylko „nie ukończył studiów”, ale także nie ukończył dziesięciu lat.

Szaro-liliowy
Ciemno i smutno
Zna Lermontowa
Słowo mówione poezji
I w krzakach bzu
Ciemne oczy wróżki
Patrzyliśmy...

Lermontow
(z autobiografii wierszem)

Bez wątpienia
- Jestem geniuszem
Jurjewicz jest potrzebny...

I tak pod - „kolacją” -
Pojawił się ze swoim
"Tuzin"
Wiersze, -
Wiersze i różne rzeczy
"Pierwiastkowy."

Wszystkie moje historie:
„Vadim” - (no cóż, poczekamy)
- Blond –
- Brunetka –
- (Czy to sonet, prawda?)
- POETA!..

"Bohater naszych czasów " -
I zaszłam w ciążę
Poezja
Od razu, -
"Twarzą w twarz"
- I od razu: -
Szybki, pełen pasji
I szczerze -
I „to prawda” -
W stopniu -
Wiara w triumf
Pan Bóg!..

Mały
zabrudzony
żałosne
słaby
i garbus
i ciemno
cały katar
brudny
i ospały
wyczerpany
głodny
chory
wyczerpany
bity
i przeklęty
zgwałcony
i głupi
jak żywy trup
że cień płotu
zabrany
wyrzucony
jest wyczerpany
wędruje
nie śpi, nie śpi
i coś jęczy
jego wargi poruszają się cicho
wygląda na dziwnie uśmiechniętego
ma na imię alkoholik
jak słaby przesuwający się cień
obok pulchnej i pełnej wdzięku
obok pustych pudełek
on przechodzi
Boże wybacz mi

Bibliografia:
książka „Anatolij Zverev we wspomnieniach współczesnych”.
Przeczytałem, resztę nakładu kupiłem w Młodej Gwardii i rozdałem znajomym.

Po pierwsze, od razu trzeba powiedzieć, że geniusz to mit, który powstał stosunkowo niedawno i z powodzeniem funkcjonuje w celu rozwiązywania konkretnych problemów, które raczej nie są związane z interesującymi nas aspektami rzeczywistości.

Jeśli zastąpimy pytanie bardziej adekwatnym: „czy Pawlenski jest utalentowanym artystą-aktywistą”, to możemy już rozumować.

Problem z aktywizmem artystycznym polega na tym, że łączy w sobie dwa działania: artystyczny i polityczny. Dyskusja o Pawleńskim jako o aktywiście jest mało etyczna, bo on naprawdę robi rzeczy odważne, głosi proste, zrozumiałe i zdroworozsądkowe idee i jest za nie odpowiedzialny. Co więcej, jego działalność jest niewątpliwie znacznie ambitniejsza niż jakiekolwiek pikiety i wieszanie transparentów, za co niewątpliwie zasługuje na szacunek.

Z drugiej strony można mówić o Pawleńskim jako o artyście. Nastawienie krytyków filozoficznych do niego jest na ogół zróżnicowane, od powściągliwie pozytywnego do (w większości przypadków, jak się uważa) entuzjastycznego; problem w tym, że większość z nich podziela jego poglądy polityczne i powstaje sytuacja, w której krytykę Pawlenskiego utożsamia się z poparciem dla reżimu i powszechnym obskurantyzmem.

Każde działanie artystyczne obejmuje dwa aspekty: estetyczny i konceptualny przemyślany efekt. Akcje Pawlenskiego są bardzo niejednorodne. Tym samym najbardziej udana praca „Tusza” (nagi artysta wspiął się na zwój drutu kolczastego, utknął w nim, została uratowana przez policję, która natychmiast go aresztowała), w której skrupulatnie inscenizował sytuację zmieniających się stanów zagrożenia -bezbronność-bezpieczeństwo-kara, nie zyskała takiego oddźwięku, jak prostsza i głupia akcja wbijania gwoździ w mosznę: jej społeczny patos został całkowicie zabity przez ekscytujący wizerunek artysty.

Akcja podpalenia drzwi jest umiarkowanie ciekawa: jej najważniejszym skutkiem (obok bardzo pięknych zdjęć) są działania funkcjonariuszy FSB, którzy zamknęli zniszczone drzwi blachą, ujawniając tym samym niesamowitą obawę przed zniszczeniem własnej integralności . Nastąpiło takie napiętnowanie niesterylności, ujawniała się chęć zatarcia śladów zewnętrznej ingerencji nawet za cenę ograniczenia własnej wolności. Można to porównać do działania osoby, która zawstydzona zadrapaniem na twarzy bandażuje całą głowę, tracąc w ten sposób zdolność widzenia.

Kontrast między intencją a rezultatem staje się dość oczywisty, jeśli spojrzysz na udziały Pussy Riot (a w każdym razie oba należą do artystów). Zrobili więc to samo kilka razy (na Łobnoje Mesto, na dachu trolejbusu, w metrze, w KhHS). Za każdym razem jest to w zasadzie to samo dzieło, jednak to „furia” akcji w Katedrze Chrystusa Zbawiciela wyniosła ich twórczość na zupełnie inny poziom.

Podsumowując, jestem przekonany, że Piotr Pawlenski jest artystą bardzo dobrym, o nieco nierównej twórczości, wśród którego znajdują się zarówno dzieła wybitne, jak i rzeczy znośne.

Przeszedł do historii, ale własnej szkoły nie stworzy.

Dlaczego w obrazach tzw Czyż sztuka współczesna nie jest tak dopracowana w szczegółach, jak malarstwo klasyczne?