Súčasní francúzski umelci a ich obrazy. Školská encyklopédia
Francúzski umelci sú najväčšie mená svetovej kultúry. Navyše to boli francúzski majstri, ktorí prekonali všetky rekordy v cenách za umelecké diela najlepšie aukcie. Je len škoda, že ich autori sa dočkali až posmrtnej slávy, ale také sú peripetie osudu mnohých tvorcov krásy.
Umelci Francúzska: fenomén francúzskeho impresionizmu
Takže najdrahšie predávané, a teda najznámejšie a najuznávanejšie na svete, boli francúzskych umelcov 20. storočia. Ich mená poznajú aj ľudia úplne neskúsení vo výtvarnom umení. V prvom rade ide o impresionistických umelcov. Francúzsko sa k nim počas života správalo neprívetivo, no po smrti sa stali skutočnou národnou hrdosťou.
Najväčší umelci Francúzska, ktorí získali celosvetové uznanie, slávu a slávu v široké kruhy, - Toto Pierre Renoir, Edouard Manet, Edgar Degas, Paul Cezanne, Claude Monet A Paul Gauguin. Všetci sú predstaviteľmi najznámejšieho a najpredávanejšieho smeru v maliarstve dvadsiateho storočia – impresionizmu. Netreba dodávať, že toto hnutie vzniklo vo Francúzsku a najplnšie odhaľuje svoje miesto a význam v dejinách svetového umenia. Úžasná kombinácia originálna technológia a veľká emocionálna expresivita fascinovala a stále fascinuje znalcov krásy po celom svete v impresionizme.
Umelci Francúzska: formovanie francúzskej maľby
Francúzski umelci však nie sú len o impresionizme. Ako inde v Európe, aj tu prekvitalo maliarstvo v období renesancie. Francúzsko sa, samozrejme, nemôže pochváliť gigantmi ako Leonardo da Vinci alebo Raphael, no aj tak prispelo k spoločnej veci. Ale talianske vplyvy boli príliš silné na to, aby sa vytvorila pôvodná národná škola.
Prvým veľkým francúzskym umelcom, ktorý sa úplne oslobodil od vonkajších vplyvov, bol Jacques Louis David, ktorý je právom považovaný za zakladateľa národnej obrazovej tradície. Najslávnejším obrazom umelca bol slávny jazdecký portrét cisára Napoleona s názvom „Napoleon na priesmyku svätého Bernarda“ (1801).
Umelci Francúzska 19. storočia pôsobiaci v realistický smer, samozrejme, sú menej slávni ako impresionisti, no napriek tomu hmatateľne prispeli k rozvoju svetovej maľby. Ale 20. storočie bolo triumfom francúzske umenie, a Paríž sa zmenil na centrum múz. Slávna štvrť francúzskeho hlavného mesta Montmartre, ktorá poskytla prístrešie desiatkam chudobných umelcov, ktorí sa neskôr stali súčasťou zlatého fondu dedičstva ľudstva, vrátane mien Renoir, Van Gogh, Toulouse-Lautrec, a tiež Picasso A Modigliani, sa stal centrom výtvarného umenia a stále láka davy turistov. Slávni umelci Na Montmartri tradične žijú aj moderní Francúzi.
Začiatkom 18. stor. sa objavil vo Francúzsku nový štýl– rokoko.
V preklade z francúzštiny rokoko (rokaille) znamená „škrupina“. Názov tohto umelecký štýl prezrádza svoju charakteristickú črtu – lásku k komplexné formy, efektné línie pripomínajúce pôvabnú siluetu mušle.
Rokokový štýl nemal dlhé trvanie (asi do 40. rokov), ale jeho vplyv na európskej kultúry sa ukázalo byť veľmi silné.
V druhej polovici 18. stor. nový nárast záujmu staroveká kultúra. Čiastočne za to mohli vykopávky Pompejí, ktoré objavili jedinečné umelecké pamiatky. Na druhej strane tento záujem podporovali myšlienky francúzskeho osvietenstva: ideál umenia a verejný život videli v histórii a kultúre Staroveké Grécko A Staroveký Rím. Tak vznikol nový štýl – neoklasicizmus. Nebolo to tak vo všetkých krajinách. Napríklad v Taliansku existoval barokový štýl súčasne s rokokovým štýlom, zatiaľ čo vo Francúzsku sa barok príliš nerozvinul. V Rusku sa rokoko a neoklasicizmus dopĺňali.
V 18. storočí zákazníci ešte nehrali vedúcu úlohu v osude umelca: verejná mienka sa stala hlavným sudcom umeleckých diel. Objavila sa umelecká kritika: Denis Diderot, Jean-Jacques Rousseau a ďalší.
Dôležitá udalosť umelecký život Francúzsko XVIII V. sa stali verejné výstavy – Salóny. Od roku 1667 ich každoročne organizuje Parížska kráľovská maliarska a sochárska akadémia s podporou kráľovského dvora. Úspech na Salóne bolo uznaním maliara alebo sochára. O účasť na Salónoch sa usilovali nielen Francúzi, a tak sa Paríž postupne zmenil na celoeurópske umelecké centrum.
Jean Antoine Watteau (1684-1721)
Rosalba Carriera. Portrét Antoina Watteaua (1721)
Antoine Watteau je francúzsky maliar prvej tretiny 18. storočia, zakladateľ rokokového štýlu.
V maľbe objavil sféru jemných emócií, ladiacich s lyrikou krajiny.
A. Watteau sa narodil v r provinčné mesto v rodine pokrývača. Už v prvé roky Prejavili sa jeho umelecké schopnosti a otec ho vyučil miestnemu maliarovi menšieho talentu. Veľmi skoro mentor prestal byť užitočný pre budúceho umelca. Antoine Watteau proti vôli svojho otca tajne opúšťa svoje rodné mesto Valenciennes a peši sa vydáva do Paríža, kde sa nechá zamestnať v maliarskej dielni na moste Notre Dame, ktorej majiteľ organizoval sériovú výrobu lacných kópií obrazov v roku “ spoločný vkus“ pre veľkoobchodných nákupcov. Watteau mechanicky kopíroval rovnaké populárne obrazy a v voľný časčerpal zo života. Bol výnimočne pracovitý.
Antoine Watteau "The Capricious" (asi 1718). Štátne múzeum Ermitáž(Petrohrad)
Čoskoro si Watteau našiel svojich prvých mecenášov – Pierra Mariette a jeho syna Jeana, rytcov a zberateľov, majiteľov veľkej firmy, ktorá predávala rytiny a obrazy. V Mariettes mal Watteau možnosť zoznámiť sa s dielami Rembrandta, Tiziana a Rubensa. Prostredníctvom Marietteových sa Watteau stáva žiakom umelca Clauda Gillota, majstra divadelná kulisa a tvorca malé maľby. „Od tohto majstra Watteau nadobudol iba záľubu v groteske a komikse, ako aj záľubu v moderných témach, ktorým sa následne venoval. A predsa musíme priznať, že s Gillotom Watteau konečne porozumel sám sebe a že odvtedy sú znaky talentu, ktorý bolo potrebné rozvíjať, jasnejšie“ (životopis umelca Edme-François Gersin).
Antoine Watteau „Herci francúzskej komédie“ (asi 1712). Štátne múzeum Ermitáž (Petrohrad)
Vo veku 33 rokov sa Watteau stal najobľúbenejším maliarom v Paríži, čo prispelo k jeho európskej sláve.
Antoine Watteau "Gilles" (1718-1719). Louvre (Paríž)
Takto o tomto obraze hovorí M.Yu. Herman, moderátor výskumný pracovník Ruské múzeum: „V dejinách umenia nemá Gilles prakticky žiadne analógie. Vôbec málo ľudí písalo hercov. Navyše, nikto sa neodvážil ukázať herca v úplnej nečinnosti. Pre samotného Watteaua to bol odvážny krok: namaľovať postavu v úplnom strede plátna, väčšinu z neho vyplniť širokým rúchom, ktorý úplne zakrýva telo komika, a v hĺbke vykresliť tváre ostatných hercov s zábava a animácia ostro kontrastujúca s takmer nehybnou tvárou hrdinu... Bez gest a mimiky, symetricky a plošne vpísaný do plátna, pokojne existuje v čase, akoby sa pre neho navždy zastavil. Všetko, čo je pominuteľné a pominuteľné, je mu cudzie. Ruch za ním je v pohyboch hercov. Pred ním je smiech a radosť publika. A vždy zostáva nehybný, s vtipnou a dojemnou výčitkou v jeho okrúhlych, láskavých a inteligentných očiach."
Watteau, ktorý bol už dosť chorý, vzal nápis na obchod so starožitnosťami. Veľký panovník„Na moste Notre Dame. Tento obchod patril jeho priateľovi Gersenovi.
Antoine Watteau. Nápis Gersenovho obchodu (1720-1721). Palác Charlottenburg (Berlín)
Watteau namaľoval znakový obraz na dve samostatné plátna, ktoré boli potom vložené do jedného rámu. Dej obrazu sa prenáša z krajiny do interiéru. Plátno zobrazuje priestranný obchod, ktorý sa podľa umelcovho plánu otvára priamo na parížsku dlažbu.
V popredí vľavo sluhovia uložia do krabice portrét nedávno zosnulého. Ľudovít XIV. V hornom rohu visí podobizeň jeho svokra, španielskeho kráľa Filipa IV., znalci si dôkladne preštudujú obraz v oválnom ráme; krajiny a zátišia tu koexistujú s mytologickými scénami.
Hlavnou črtou tejto práce je jej programový charakter. Podľa Louisa Aragona Watteau pod rúškom znamenia predstavil históriu maľby tak, ako ju poznal. Tento obraz sa stal akoby umeleckým testamentom autora. Antoine Watteau zomrel vo veku 36 rokov na tuberkulózu.
Pamätník Antoina Watteaua v jeho rodné mesto Valenciennes (1884)
Tvorba Francoisa Bouchera je spojená aj s rozvojom rokokového štýlu.
Francois Boucher (1703-1770)
F. Boucher - francúzsky maliar, rytec, dekoratér. Jeho diela sa vyznačujú znamenitými formami, lyricky nežnou farebnosťou, gracióznosťou, koketnosťou, niekedy až afektovanosťou.
Gustaf Lundberg. Portrét Francoisa Bouchera
Boucher bol majstrom rytia, ilustroval knihy od Ovidia, Boccaccia a Moliera. Vytváral kulisy pre opery a predstavenia, obrazy pre kráľovské tapisérie; vykonávali ornamentálne maľby porcelánu Sevres, maľovali vejáre, vyrábali miniatúry atď.
V maliarstve sa obracal k alegorickým a mytologickým námetom, maľoval žánrové výjavy, pastorále (poetizácia pokojného a prostého vidieckeho života), krajinky, portréty.
F. Boucher. Portrét Madame de Pompadour
Boucher získal titul dvorného umelca. Vyzdobil rezidencie kráľa a madame de Pompadour, súkromné sídla v Paríži. V posledných rokoch bol riaditeľom Kráľovskej akadémie maliarstva a sochárstva a „prvým kráľovským maliarom“.
F. Boucher. Portrét Marie Buzo, umelcovej manželky (1733)
Ďalší obraz od F. Bouchera ilustruje epizódu La Fontainovej poviedky „Pustovník“. Mladý muž, ktorý sa chystá zviesť krásnu, no bojazlivú dedinčanku, sa pod rúškom pustovníka usadí neďaleko. Podarí sa mu presvedčiť matku dievčaťa o svojej svätosti a ona sama vezme svoju dcéru k nemu, aby si vypočula jeho dobré učenie. Boucher ukazuje originálnu interpretáciu La Fontainovho diela, no hlavné miesto v jeho kompozícii zaujíma krajina.
F. Boucher „Krajina s pustovníkom. Brat Luce“ (1742). múzeum výtvarného umenia ich. A. S. Pushkina (Moskva)
Demokratické názory na francúzske umenie
Boli stelesnené v diele „malára tretieho stavu“ Jeana Baptista Simeona Chardina a v portrétoch Maurice Quentina de Latour.
Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779)
Chardin. Autoportrét
Chardin sa zámerne vyhýbal témam typickým pre umenie svojej doby. Maľoval najmä zátišia a každodenné výjavy, no vyjadroval v nich vlastné postrehy. Zaujímal sa o život ľudí „tretieho stavu“ (všetky skupiny obyvateľstva s výnimkou privilegovaných: duchovenstvo a šľachta).
Činnosť umelca Chardin pokračovala v tradíciách holandského a Flámski majstri a predstavoval rozkvet realizmu v 18. storočí. Aj jeho zátišie malo aspekt pre zobrazenie reality. Najbežnejšie predmety sa pre neho stali zdrojom kompozície na zobrazenie harmonickej existencie: džbány, staré hrnce, zelenina atď.
Chardin "Scat" (1728). Louvre (Paríž)
Umelec vedel dokonale sprostredkovať farebnú rozmanitosť a cítil vnútorné prepojenie predmetov. Odtiene farieb prenášal malými ťahmi a mal schopnosť zahrnúť do obrazu vplyv slnečného svetla.
Obraciam sa na žánrová maľba, k bežným domácim scénam, Chardin znovu vytvoril na plátne pokojný, odmeraný spôsob života každodenný život, blízky každému človeku. Práve takéto obrazy mu zabezpečili jedno z významných miest v histórii. francúzska maľba. V roku 1728 sa stal členom Parížskej akadémie umení av roku 1743 jej poradcom; neskôr sa stal členom Rouenskej akadémie vied, literatúry a výtvarných umení.
Zduchovnil tie najobyčajnejšie predmety a činnosti: „Práčovňa“ (1737), „Pohár olív“ (1760), „Atribúty umenia“ (1766).
Chardin „Zátišie s umeleckými atribútmi“ (1766, Štátne múzeum Ermitáž (Petrohrad). Obraz objednala Katarína II. pre budovu Akadémie umení vo výstavbe v Petrohrade
D. Diderot prirovnal svoju zručnosť k čarodejníctvu: „Ó, Chardin, toto nie sú biele, červené a čierne farby, ktorými si natieraš paletu, ale samotná podstata predmetov; naberiete vzduch a svetlo na špičku štetca a nanesiete ho na plátno!“
Chardin" Mydlové bubliny"(1733-1734). Národná galéria umenie, Washington (USA)
Zvláštne spojenie „galantnej“ maľby a každodenný žáner odlišuje dielo Jean Honore Fragonarda.
Jean Honoré Fragonard (1732-1806)
Francúzsky maliar a rytec. Pracoval v rokokovom štýle. Autor viac ako 550 obrazov (nepočítajúc kresby a rytiny).
J.O. Fragonard. Autoportrét (asi 1760-1770)
Bol žiakom F. Bouchera a J.B.S. Chardin. Spočiatku záujem o historickej maľby, a potom začal písať v duchu Watteaua a Bouchera. Často máva scény intímny život, erotický obsah, ozdobné panely, portréty, miniatúry, akvarely, pastely. Zaoberal sa aj leptaním, rytím.
Ale v ére klasicizmu stratil popularitu.
J.O. Fragonard "Latch" (1777). Louvre (Paríž)
Obraz zobrazuje milostnú scénu: pán, bez toho, aby spustil oči z dámy, pravá ruka načiahne sa k dverám, kde zatvorí hornú závoru. Ľavá ruka Zdá sa, že dámy tento pohyb opakujú. Na stole je jablko biblický symbol pokušenie a pád.
IN historické maľby Fragonard nie je veľmi originálny. Jeho krajinky sú dosť zdobené. Ale žánrové maľby Umelec sa vyznačuje zručným zložením, eleganciou dizajnu, jemným sfarbením a jemnou chuťou: „Hudobná lekcia“, „Pastorálna“, „Bathers“, „Spiaca nymfa“, „Amor vyzliekajúci krásku“, „Mladý Gitarista“, „Ukradnutý bozk“ .
J.O. Fragonard "Ukradnutý bozk" Ermitáž (Petrohrad)
IN polovice 18. storočia V. Francúzske osvietenstvo predložilo klasické ideály ako prostriedok vzdelávania. V maľbe sa objavil sentimentálny a moralizujúci smer, v ktorom vynikal umelec Jean-Baptiste Greuze.
Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)
J.-B. Sny. Autoportrét
Grez uspel najmä v žánri rodinný život so svojimi problémami a drámami – tu má vo francúzskom maliarstve málo súperov.
J.-B. Sny "Otcova kliatba" (1777). Louvre (Paríž)
Obraz zobrazuje scénu rodinná dráma keď syn oznámi otcovi, že odchádza do armády, a otec mu nadáva.
Aj ako portrétista bol na tom najlepšie, pretože... pochopil portrétna maľba inak ako jeho súčasníci, ktorí zobrazovali mužov ako Apolla a ženy ako Flóru a Venuše. Jeho portréty sú plné vonkajšia podobnosť, naplnený životom a pocitmi.
J.-B. Sny "Portrét dievčaťa". Národné múzeum umenie Azerbajdžanu
Petrohradská Ermitáž obsahuje 11 diel Greuzea.
Vo Francúzsku v 18. storočí. Vzrástol záujem o prírodu a krajinomaľbu. Typ krajiny („architektonická fantázia“) charakteristický pre neoklasicizmus vytvoril Hubert Robert.
Hubert Robert (1733-1808)
Vigée-Lebrun, Marie Elisabeth Louise. Portrét Huberta Roberta (1788) Louvre (Paríž)
francúzsky krajinár; získal európsku slávu pre svoje veľké plátna s romantizovanými obrazmi antických ruín obklopených idealizovanou prírodou. Jeho prezývka bola „Robert z Ruín“.
Hubert Robert "Staroveké ruiny" (1754-1765). Budapešť
Jacques-Louis David (1748-1825)
J.-L. David. Autoportrét (1794)
Francúzsky maliar a pedagóg, významný predstaviteľ francúzskeho neoklasicizmu v maliarstve. Citlivý kronikár svojich pohnutých čias.
Narodil sa v rodine veľkoobchodníka so železom. Bol vychovaný prevažne v rodine príbuzných. Keď sa zistila schopnosť dieťaťa kresliť, predpokladalo sa, že sa stane architektom, ako obaja jeho strýkovia.
David absolvoval hodiny kreslenia na Akadémii sv. Luke. V roku 1764 ho jeho príbuzní predstavili Françoisovi Boucherovi, no pre chorobu nemohol s mladíkom spolupracovať. V roku 1766 vstúpil David na Kráľovskú akadémiu maľby a sochárstva a začal študovať vo Vienneovej dielni. V rokoch 1775-1780 David študoval na Francúzska akadémia v Ríme, študoval starožitné umenie a dielo renesančných majstrov.
V roku 1783 bol zvolený za člena maliarskej akadémie.
Aktívne sa zúčastnil revolučné hnutie, bol zvolený za poslanca Národného konventu, pripojil sa k Montagnardom vedeným Maratom a Robespierrom, hlasoval za smrť kráľa Ľudovít XVI. Namaľoval množstvo obrazov venovaných revolucionárom: „Prísaha v tanečnej sále“ (1791, nedokončená), „Smrť Marata“ (1793). Aj v tomto čase organizoval omše ľudové slávnosti a vytvoril Národné múzeum v Louvri.
J.-L. David "Smrť Marata" (1793). Kráľovské múzeá Výtvarné umenie (Brusel)
Toto plátno je jedným z najviac slávne obrazy venovaný Veľkej francúzskej revolúcii.
Jean Paul Marat je novinár pre radikálne noviny „Priateľ ľudu“, vodca jakobínov. Marat, ktorý ochorel na kožnú chorobu, nevyšiel z domu a na zmiernenie utrpenia sa okúpal. 13. júla 1793 ho vo svojom byte dobodala na smrť šľachtičná Charlotte Cordayová.
Nápis na drevenom stojane je venovaním autora: "MARATO, David." V Maratovej ruke drží kúsok papiera s textom: „13. júla 1793, Marie Anne Charlotte Corday občanovi Maratovi. Som nešťastný, a preto mám právo na vašu ochranu.“ V skutočnosti Marat nestihol dostať túto poznámku, pretože... Corday ho zabil ako prvý.
V roku 1794 bol za svoje revolučné názory uväznený.
V roku 1797 bol svedkom slávnostného vstupu Napoleona Bonaparta do Paríža a odvtedy sa stal jeho horlivým podporovateľom a po nástupe k moci dvorným „prvým umelcom“. David vytvára maľby venované Napoleonovmu prechodu cez Alpy, jeho korunovácii, ako aj množstvo kompozícií a portrétov ľudí blízkych Napoleonovi. Po Napoleonovej porážke v bitke pri Waterloo v roku 1815 utiekol do Švajčiarska, potom sa presťahoval do Bruselu, kde žil až do konca svojho života.
J.-L. David "Bonaparte v priesmyku svätého Bernarda" (1801)
Tento Dávidov obraz otvára éru romantizmu Európske maliarstvo. Ide o vysoko romantizovaný jazdecký portrét generála Napoleona Bonaparta, ktorý v máji 1800 viedol taliansku armádu cez priesmyk Svätého Bernarda vysoko v Alpách.
Prírodné pozadie tiež dáva obrázku romantický význam: strmé horské útesy, sneh, silný vietor a zlé počasie. Nižšie, ak sa pozriete pozorne, môžete vidieť vytesané mená troch veľkých veliteľov, ktorí prešli touto cestou: Hannibal, Charlemagne a Bonaparte.
J.-L. David "Korunovácia Napoleona" (1805-1808)
Plátno vzniklo pod dojmom Rubensovho obrazu „Korunovácia Marie de‘ Medici“.
Pochovaný Jacques-Louis David v Bruseli a jeho srdce bolo prevezené do Paríža a pochované na cintoríne Père Lachaise.
V 18. storočí Vo Francúzsku pôsobili historickí maliari Jean Jouvenet, Nicolas Colombel, Pierre Subleira, portrétisti Claude Lefebvre, Nicolas Largilliere a Hyacinthe Rigaud.
V polovici 18. stor. Slávna bola rodina Vanlo, najmä bratia Jean-Baptiste a Charles a ďalší umelci.
Francúzska umelecká škola na prelome 17. a 18. storočia sa dá nazvať poprednou európskou školou, vo Francúzsku v tom čase vznikli také umelecké štýly ako rokoko, romantizmus, klasicizmus, realizmus, impresionizmus a postimpresionizmus.
rokoko (francúzske rokoko, z rokajlu - ozdobný motív v tvare mušle) - štýl v európskom umení 1. polovice 18. storočia. Rokoko sa vyznačuje hedonizmom, únikom do sveta idylky divadelná hra, záľuba v pastoračných a zmyslovo-erotických predmetoch. Charakter rokokového dekoru nadobudol dôrazne elegantné, sofistikované formy.François Boucher, Antoine Watteau a Jean Honoré Fragonard pracovali v rokokovom štýle.
klasicizmus - štýl v európskom umení 17. - začiatku 19. storočia, ktorého charakteristickým znakom bolo apelovanie na formy antického umenia ako ideálny estetický a etický štandard.Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres a Jacques-Louis David pracovali v štýle klasicizmu.
Romantizmus - štýl európske umenie v 18-19 storočí, charakteristické znaky ktorý bol potvrdením vnútornej hodnoty duchovného a tvorivého života jednotlivca, zobrazením silných a často rebelujúcich vášní a charakterov.Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault a William Blake pracovali v štýle romantizmu.
|
Edouard Manet. Raňajky v dielni. 1868 |
Zrod realizmu v maľbe sa najčastejšie spája s tvorbou francúzskeho umelca Gustava Courbeta, ktorý si v roku 1855 otvoril v Paríži vlastný podnik. osobná výstava„Pavilón realizmu“, hoci ešte pred ním realisticky pracovali umelci barbizonskej školy Theodore Rousseau, Jean-François Millet a Jules Breton. V 70. rokoch 19. storočia. realizmus sa rozdelil na dva hlavné smery – naturalizmus a impresionizmus.
Realistická maľba sa rozšírila po celom svete. Putovníci pracovali v štýle realizmu so silnou sociálnou orientáciou v Rusku v 19. storočí.
impresionizmus (z francúzskeho impresia - impresia) - štýl v umení poslednej tretiny 19. - začiatku 20. storočia, ktorého charakteristickým znakom bola túžba zachytiť čo najprirodzenejšie skutočný svet vo svojej mobilite a variabilite, aby sprostredkovala vaše prchavé dojmy. Impresionizmus nenastolil filozofické otázky, ale sústredil sa na plynulosť okamihu, náladu a osvetlenie. Námetom impresionistov sa stáva život sám, ako séria malých prázdnin, večierkov, príjemných piknikov v prírode v priateľskom prostredí. Impresionisti boli medzi prvými, ktorí maľovali en plein air, bez toho, aby dokončili svoju prácu v ateliéri.V štýle impresionizmu pracovali Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley a ďalší.
Postimpresionizmus je umelecký štýl, ktorý vznikol koncom 19. storočia. Postimpresionisti sa snažili slobodne a všeobecne sprostredkovať materiálnosť sveta, pričom sa uchýlili k dekoratívnej štylizácii.Z postimpresionizmu vznikli také umelecké hnutia ako expresionizmus, symbolizmus a modernizmus.
Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne a Toulouse-Lautrec pracovali v postimpresionistickom štýle.
Pozrime sa bližšie na impresionizmus a postimpresionizmus na príklade tvorby jednotlivých majstrov Francúzska v 19. storočí.
|
Edgar Degas. Autoportrét. 1854-1855 |
Počnúc historickými maľbami a portrétmi s prísnou kompozíciou sa v 70. rokoch 19. storočia Degas zblížil s predstaviteľmi impresionizmu a obrátil sa k zobrazovaniu moderného mestského života - ulíc, kaviarní, divadelných predstavení.
V Degasových obrazoch je dynamická, často asymetrická kompozícia, precízna flexibilná kresba, neočakávané uhly, aktivita interakcie medzi figúrou a priestorom je dôkladne premyslená a overená.
|
E. Degas. Kúpeľňa. 1885 |
Obľúbená pastelová technika umožnila Edgarovi Degasovi naplno preukázať svoj talent kresliča. Sýte tóny a „trblietavé“ ťahy pastelu pomohli umelcovi vytvoriť špeciálnu farebnú atmosféru, tú dúhovú vzdušnosť, ktorá tak odlišuje všetky jeho diela.
V zrelom veku sa Degas často obracal k téme baletu. Krehké a beztiažové postavy baletiek sa pred divákom objavujú buď v šere tanečných kurzov, alebo vo svetle reflektorov na javisku, či v krátkych minútach oddychu. Zdanlivá náhodnosť kompozície a nestranný postoj autora vytvárajú dojem špehovania života niekoho iného, umelec nám ukazuje svet milosti a krásy bez upadnutia do prílišnej sentimentality.Edgara Degasa možno nazvať jemným koloristom, jeho pastely sú prekvapivo harmonické, miestami jemné a ľahké, niekedy postavené na ostrosti farebné kontrasty. Degasov štýl bol pozoruhodný svojou úžasnou voľnosťou, použil pastely s výraznými, prerušovanými ťahmi, niekedy nechal tón papiera presvitajúci cez pastel alebo pridal ťahy olejom alebo akvarelom. Farba v Degasových obrazoch vzniká z dúhového vyžarovania, z tečúceho prúdu dúhových línií, ktoré rodia formu.
Degasove neskoré diela sa vyznačujú intenzitou a sýtosťou farieb, ktoré dopĺňajú efekty umelého osvetlenia, zväčšené, takmer ploché formy a stiesnený priestor, čo im dodáva intenzívne dramatický charakter. Toto
obdobie Degas napísal jeden zo svojich najlepšie diela- "Modré tanečnice." Umelec tu pracuje s veľkými farebnými škvrnami, pričom prvoradý význam dáva dekoratívnej organizácii povrchu maľby. Z hľadiska krásy farebnej harmónie a kompozičného dizajnu možno považovať obraz „Blue Dancers“ najlepšia inkarnácia námety baletu od Degasa, ktorý v tomto obraze dosiahol maximálnu bohatosť textúry a farebné kombinácie.|
P. O. Renoir. Autoportrét. 1875 |
|
P.O. |
|
P. O. Renoir. Portrét herečky Zhanny Samari. 1877 |
Treba poznamenať, že použitie zelených, žltých, okrových, ružových a červených tónov na zobrazenie pokožky šokovalo vtedajšiu verejnosť, nepripravenú vnímať skutočnosť, že tiene by mali byť farebné, naplnené svetlom.
V 80. rokoch 19. storočia sa v Renoirovom diele začalo takzvané „obdobie Ingres“. Väčšina slávne dielo tohto obdobia – „Veľkí kúpeľníci“. Na zostavenie kompozície začal Renoir prvýkrát používať náčrty a náčrty, línie kresby sa stali jasnými a definovanými, farby stratili svoju bývalú jasnosť a sýtosť, obraz ako celok začal pôsobiť zdržanlivejšie a chladnejšie.
Začiatkom 90. rokov 19. storočia nastali v Renoirovom umení nové zmeny. Maliarsky sa objavuje dúhová farebnosť, preto sa toto obdobie niekedy nazýva „perla“, potom toto obdobie ustupuje „červenej“, tak pomenovanej kvôli preferencii odtieňov červenkastých a ružových farieb.
Eugen Henri Paul Gauguin (život 1848-1903) - francúzsky maliar, sochár a grafik. Spolu s Cezannom a Van Goghom bol najväčším predstaviteľom postimpresionizmu. Začal maľovať v dospelosti, jeho rané obdobie tvorivosti je spojené s impresionizmom. Gauguinove najlepšie diela boli napísané na ostrovoch Tahiti a Hiva Oa v Oceánii, kde Gauguin opustil „zhubnú civilizáciu“. K charakteristickým znakom Gauguinovho štýlu patrí tvorba na veľkých plochých plátnach statických a kontrastných farebných kompozícií, hlboko emotívnych a zároveň dekoratívnych.Na obraze „Žltý Kristus“ Gauguin zobrazil ukrižovanie na pozadí typickej francúzskej vidieckej krajiny, trpiaceho Ježiša obklopujú tri bretónske roľníčky. Pokoj vo vzduchu, pokojné submisívne pózy žien, nasýtené slnečným žiarením žltá Krajina so stromami v červenom jesennom lístí, roľník v diaľke zaneprázdnený svojimi záležitosťami sa nemôže ubrániť konfliktu s tým, čo sa deje na kríži. Prostredie je v ostrom kontraste s Ježišom, na ktorého tvári sa prejavuje to štádium utrpenia, ktoré hraničí s apatiou, ľahostajnosťou k všetkému okolo neho. Rozpor medzi bezhraničnými mukami prijatými Kristom a „nepovšimnutím“ tejto obete ľuďmi - to je hlavná téma toto dielo od Gauguina.
|
P. Gauguin. Oh, žiarliš? 1892 |
na brehu dve sestry - práve plávali a teraz sú ich telá natiahnuté na piesku v ležérnych zmyselných pózach - keď hovoríme o láske, jedna spomienka spôsobuje rozpor: „Ako? Si žiarlivý!
V maľbe bujnej plnokrvnej krásy tropickej prírody, prírodných ľudí neskazených civilizáciou, Gauguin zobrazil utopický sen o pozemskom raji, o živote človeka v súlade s prírodou. Gauguinove polynézske maľby pripomínajú panely svojou dekoratívnou farebnosťou, plochosťou a monumentálnosťou kompozície a všeobecnosťou štylizovaného dizajnu.
P. Gauguin. Odkiaľ sme prišli? kto sme? kam ideme? 1897-1898
Obraz „Odkiaľ sme prišli? kto sme? kam ideme? Gauguin to považoval za vznešené vyvrcholenie svojich úvah. Podľa plánu umelca by sa mal obraz čítať sprava doľava: tri hlavné skupiny postáv ilustrujú otázky položené v názve. Skupina žien s dieťaťom na pravej strane obrázku predstavuje začiatok života; stredná skupina symbolizuje každodennú existenciu zrelosti; v extrémne ľavicovej skupine Gauguin zobrazoval ľudskú starobu, blížiacu sa k smrti; modrý idol v pozadí symbolizuje druhý svet. Tento obraz je vrcholom Gauguinovho inovatívneho postimpresionistického štýlu; jeho štýl spájal jasné použitie farieb, dekoratívnu farbu a kompozíciu, plochosť a monumentálnosť obrazu s emocionálnou expresivitou.
Gauguinova tvorba predvídala mnohé črty secesného štýlu, ktorý sa v tomto období objavoval a ovplyvnil vývoj majstrov skupiny „Nabi“ a iných maliarov začiatku 20. storočia.
|
V. Van Gogh. Autoportrét. 1889 |
V roku 1888 sa Van Gogh presťahoval do Arles, kde bola konečne určená jeho originalita. kreatívnym spôsobom. Ohnivý umelecký temperament, bolestivý impulz k harmónii, kráse a šťastiu a zároveň strach zo síl nepriateľských voči človeku, sú stelesnené buď v krajinách žiariacich slnečnými farbami juhu („Žltý dom“, „Úroda“. Údolie La Croe”), alebo v zlovestnej podobe, obrazy pripomínajúce nočnú moru (“Cafe Terrace at Night”); dynamika farieb a ťahu štetca
|
V. Van Gogh. Terasa nočnej kaviarne. 1888 |
Van Goghovu intenzívnu prácu v posledných rokoch sprevádzali záchvaty duševnej choroby, ktoré ho priviedli do psychiatrickej liečebne v Arles, potom do Saint-Rémy (1889 – 1890) a do Auvers-sur-Oise (1890), kde spáchal samovraždu. . Kreativita dvoch posledné roky Umelcov život je poznamenaný extatickou posadnutosťou, extrémne vystupňovaným výrazom farebných kombinácií, náhlymi zmenami nálad – od šialeného zúfalstva a pochmúrneho vizionárstva („Cesta s cyprusmi a hviezdami“) až po chvejúci sa pocit osvietenia a pokoja („Krajina v Auvers po dážď“).
|
V. Van Gogh. Irises. 1889 |
V. Van Gogh. Pšeničné pole s vranami. 1890
„Pšeničné pole s vranami“ je obraz od Van Gogha, ktorý umelec namaľoval v júli 1890 a je jedným z jeho najznámejších diel. Obraz bol údajne dokončený 10. júla 1890, 19 dní pred jeho smrťou v Auvers-sur-Oise. Existuje verzia, že Van Gogh spáchal samovraždu v procese maľovania tohto obrazu (vyšiel von s materiálmi na maľovanie, zastrelil sa do oblasti srdca pištoľou, ktorú si kúpil na odplašenie kŕdľov vtákov, potom sa nezávisle dostal na nemocnice, kde zomrel na stratu krvi).
Francúzsky umelec Laurent Botella sa narodil v Nantes v roku 1974. Štúdium maľby začalo v roku 1989 v dielni Maithe Rovino v meste Osson, po ktorom nasledoval jeden rok v umeleckej školy Beaux Arts v Toulouse. Tréning bol zameraný na olejomaľba a pastely. Maľby uhľom a ceruzou však boli vždy základom jeho tvorby pred štúdiom a po ňom.
Krajinky. Alain Lutz
Alain Lutz je súčasný francúzsky krajinár, narodený v máji 1953 v Mulhouse vo Francúzsku. Rodičia, ktorí si všimli jeho nepochybný umelecký talent, mu v trinástich rokoch dali prvý olejové farby. Chvíľu študoval na dizajnérskej škole Boulle v Paríži, ale nakoniec sa stal priemyselným dizajnérom a po ukončení štúdia si našiel prácu ako starší technik.
Autoportrét. Laurent Dauptain
Laurent Dauptain, talentovaný francúzsky umelec, študoval na umeleckej škole v Paríži, promoval v roku 1981, potom pokračoval v štúdiu na Škole dekoratívnych umení v Paríži, v roku 1983 ukončil bakalársky titul a v roku 1984 získal magisterský titul v odbore maľba. . Po niekoľkých rokoch práce s autoportrétmi som sa rozhodol vyskúšať aj iné žánre, no aj tak som sa občas vrátil k portrétom.
Naivný štýl. Michel Delacroix
Michel Delacroix sa narodil v roku 1933 na ľavom brehu Seiny, v 14. parížskom obvode. Začal kresliť ranom veku Pokiaľ si pamätá, nemal ešte sedem rokov, jeho láska ku kresleniu sa začala počas nemeckej okupácie Paríža. Paríž zostal Parížom aj počas okupácie a na Delacroixových obrazoch sa objavuje dodnes. Takmer na všetkých jeho obrazoch sú chodci, vzácne autá a pouličné osvetlenie, mesto na nich, ako v tých časoch, pôsobí ticho a pokojne, akoby izolované od ruchu a hluku.
Spôsob, ako nájsť sám seba. Pascale Taurua
Pascale Taurua sa narodil v roku 1960 v Noumea v Novej Kaledónii. Absolvoval umeleckej akadémie v Papeete na Tahiti. Svoj prvý obraz namaľovala v roku 1996 a odvtedy začala maľovať na plný úväzok a predvádzala svoj vlastný figuratívny štýl. Svoje diela predvádzala takmer vo všetkých krajinách tichomorského regiónu, kde sú jej obrazy mimoriadne žiadané a nachádzajú sa v mnohých súkromných umeleckých zbierkach.
Monštrá ministri. Anthony Squizzato
Súčasný francúzsky umelec a ilustrátor Anthony Squizzato nás pozýva oddýchnuť si a vydať sa na cestu na oficiálne stretnutie s postavami sveta, ktoré vytvoril, kde sa divák bude môcť osobne stretnúť s hrdinami jeho diel – farebnými postavami jedného z najväčší (čo do veľkosti a počtu účastníkov) ) v histórii kabinetu ministrov.
Bola to skutočná revolúcia. Namiesto starostlivo napísaného mytologické príbehy a ľahostajne krásne portréty na umeleckých výstavách sa objavil skutočný život - viacfarebný, neprikrášlený, produkujúci silný dojem. Pôvodom nového štýlu boli francúzski umelci, ktorých mená sú dodnes uctievané po celom svete.
Zakladatelia impresionizmu
Názov nového hnutia, ktorý sa začal používať nielen v maliarstve, ale aj v poézii a hudbe, mal spočiatku hanlivý význam. Vytvoril ho kritik Louis Leroy, ktorý použil názov jeho obrazu „Impression. Východ slnka“ (1872) (francúzsky: Impression, soleil levan). Títo francúzski umelci, ktorých diela neboli prijaté akad výstava umenia v Paríži, vystavovali svoje diela v Salóne utečencov.
Prvá výstava sa konala v ateliéri fotografa Nadara na Boulevard des Capucines v apríli až máji 1874. Zúčastnili sa na ňom okrem iných francúzski umelci, ktorých diela sú považované za prvé príklady skutočne novej, progresívnej maľby. Okrem Moneta sú to Edgar Degas (1934-1917), Camille Pissarro (1830-1903), Pierre Auguste Renoir (1841-1919), Alfred Sisley (1839-1899), Berthe Morisot (1841-1895), Frédéric Bazille (1841-1870). Zvláštny štýl je uznávaný pre Edouarda Maneta (1832-1883), ktorý nikdy nevystavoval s impresionistami, ale bol s nimi v úzkej interakcii a vzájomnom ovplyvňovaní. Paul Cezanne (1839-1906), ktorý sa zúčastňuje výstav, zdieľal mnohé názory svojich priateľov, ale potom začal hľadať a našiel svoju vlastnú cestu, kde realizmus hral oveľa menšiu úlohu. Stal sa priamym predchodcom formálnych rešerší prvých avantgardných umelcov 20. storočia.
Teoretické základy
Výstava v Salóne utečencov nie je začiatkom odpočítavania v dejinách impresionizmu, ale obdobím konečného formovania tohto hnutia. Francúzski impresionisti - umelci, ktorí nesúhlasili s akademickými názormi - vyjadrili svoje názory na zobrazovanie prírody v prospech na dlhú dobu pred tým. Krajiny Monet, Sisley, Pissarro, Cezanne obsahovali pokus zastaviť sa na chvíľu, sprostredkovať letmý pocit obdivu k svetu plnému farieb a svetla. Z tohto dôvodu sa ich práca zdala nedokončená, nedbalá a príliš odlišná od bežných klasických príkladov.
Medzitým je zrejmý vplyv diela takých majstrov minulosti ako Rubens, Velazquez, Goya, Delacroix na popredných majstrov impresionizmu. Okrem precíznosti v kresbe, bohatých vzťahov medzi svetlom a tieňom a prepracovanosti farieb sa francúzski umelci naučili pozorne sledovať prírodu a slobodu pri výbere tém. Obdobie štúdia, kedy budúci majster chodí do Talianska, študuje múzejné zbierky Benátok a Florencie, kopíruje renesančné majstrovské diela, som v životopise každého významného impresionistu.
Uplynulo veľa času, kým bolo každému jasné, že obrazy francúzskych impresionistických umelcov majú povahu skutočne realistickej maľby, že obvinenia z lajdáctva a nepresnosti, nerešpektovania perspektívy a použitia neprirodzenej farebnej palety sú v podstate nesprávne. . Ich plátna obsahujú výzvu, aby sa pozornejšie pozerali na svoje okolie, rozlišovali bohatosť línií a odtieňov.
Claude Monet
Nie nadarmo to bol obraz Clauda Moneta, ktorý dal meno celému štýlu. Tento umelec ako jeden z prvých ocenil hodnotu práce en plein air, s použitím farieb v tubách, ktoré umožnili zachytiť krajinu v prirodzenom svetle, bez úprav v ateliéri. „Boulevard des Capucines“ (1873), „Gare Saint-Lazare“ (1877), „Rouenská katedrála na slnku“ (1894), „Vodné ľalie“ (1915) sú príkladmi slobody videnia a inovatívnej maliarskej techniky. na tú dobu prekvapujúce.
Edgar Degas
Prácu v ateliéri miloval a neakceptoval túžbu impresionistov pracovať len pod holým nebom. Svoje obľúbené modely nachádzal v zákulisí divadiel, v kaviarňach, v dielňach a práčovniach... Medzi jeho záujmy patril pastel, grafika, sochárstvo. Degas nikdy neprikladal dôležitosť príslušnosti k určitému hnutiu, no vždy bol zaradený medzi francúzskych impresionistov. Umelci tohto štýlu mali k Degasovi blízko vo výbere námetov, sviežosti a bohatosti palety a slávni „Tanečníci“ navždy zostanú jedným z najväčšie majstrovské diela impresionizmus.
Štýl, ktorý sa objavil v koniec XIX storočia vo Francúzsku je úžasný fenomén. Po prvé, mená francúzskych umelcov, ktorí našli nová cesta v umení boli ocenení posmešnými prívlastkami, ktoré ich definovali ako neschopných amatérov, chuligánov vo vznešenom svete umenia. Ale ukázalo sa, že vyhýbanie sa ich vplyvu kreatívna metóda Všetky nasledujúce generácie umelcov zlyhali. Najvýznamnejšie zbierky obrazov, múzejné aj osobné, sa nezaobídu bez prítomnosti francúzskych impresionistov a akékoľvek ich vydraženie je celosvetovou udalosťou.
