Rozbor diela zo žánrového hľadiska. Systémová analýza umenia Analýza príkladu výtvarného diela
Tento plán bude potrebný počas celého roka, vrátane workshopov v múzeu.
1. Úvod
2. Popis a rozbor práce
V každej z podčastí je nakreslený vzťah medzi formálnou technikou a obrazom. Kedy prirovnania opis a analýza buď postupujú postupne (druhá práca sa porovnáva s prvou) alebo paralelne.
- veľkosť
- formát (vertikálne a horizontálne predĺžený, štvorcový, oválny, okrúhly, pomer obrazu a formátu)
- geometrické schémy
- hlavné kompozičné línie
- rovnováha, vzťah častí obrazu medzi sebou a s celkom,
- sled prezerania
- Perspektíva, úbežníky
- rovinnosť a hĺbka
- územné plány
- vzdialenosť medzi divákom a dielom, miesto diváka v priestore obrazu alebo mimo neho
- hľadisko a prítomnosť uhlov, horizont
- objem a rovina
- čiara, silueta
- svetelné zdroje, denná doba, svetelné efekty
- emocionálny vplyv svetla a tieňa
- prevaha tonálneho alebo lokálneho sfarbenia
- teplá alebo studená farba
- lineárnosť alebo malebnosť
- hlavné farebné škvrny, ich vzťahy a ich úloha v kompozícii
- tón, hodnoty
- reflexy
- emocionálny vplyv farby
- charakter ťahu (otvorená textúra, hladká textúra)
- smer ťahov
- veľkosť zdvihu
- zasklenie
3. Záver
Zopakovanie hlavných záverov týkajúcich sa obraz, zmysel diela.
ANALÝZA PRÁC
VÝTVARNÉ UMENIE
Anzhero - Sudzhensk
KATEDRA ŠKOLSTVA A VEDY KEMEROVSKÉHO KRAJA
GOU SPO ANZHERO - SUJENSKY PEDAGOGICKÁ KOLÉŽ
ANALÝZA PRÁC
VÝTVARNÉ UMENIE
Rada štátnej vzdelávacej inštitúcie SPO Anzhero -
"____" ____________ 2009
predseda RIS
Recenzent:
Vyučovanie
GOU SPO Anzhero - Sudzhensky Pedagogical College.
Analýza diel výtvarného umenia: metodologické odporúčania. – Anzhero – Sudzhensk: Štátna vzdelávacia inštitúcia stredného odborného vzdelávania Anzhero – Sudzhensk Pedagogical College, 2009 – s.
Tento metodologický vývoj pokrýva otázky súvisiace s analýzou diel výtvarného umenia.
Medzi jeho výhody patrí prítomnosť aplikácie, ktorá obsahuje plány a algoritmy na analýzu diel výtvarného umenia.
©GOU SPO Anzhero-Sudzhensky
učiteľská škola
|
Úvod ………………………………………………………………….. | ||
|
Metodické základy analýzy diel výtvarného umenia……………………………………………………….. | ||
|
Literatúra………………………………………………………………. | ||
|
Aplikácia ………………………………………………………………… |
ÚVOD
Ako sa pozeráme na svet
Skôr ako si povieme niečo o rozbore diel výtvarného umenia, zamyslime sa nad tým, prečo sa nazývajú aj vizuálne a na čo sú vlastne určené. "Pohladiť pohľad, pre oči!" - poviete si a budete mať pravdu, hoci ak hovoríme o architektúre a dizajne, tak tie vedia pohladiť nielen oko, ale aj telo. Výtvarné umenie sa zameriava na vizuálne vnímanie. Poďme preskúmať túto našu schopnosť vidieť.
Bežný človek sa teda pozerá dvoma očami, v každom oku je optický stred - bod, z ktorého je obraz okolitých predmetov najjasnejšie. To znamená, že naša vízia má dve zamerania. Urobme experiment: vezmite hárok papiera, urobte doň malú dierku a pokúste sa na dĺžku paže pozrieť cez tento otvor na vzdialený bod na stene (napríklad vypínač). Bez pohybu rúk vám striedavo zatvárame pravé a ľavé oko – obraz vypínača v otvore buď zmizne, alebo sa znova objaví. čo by to znamenalo?
V ľudskom zrakovom aparáte funguje iba jedno ohnisko - pravé alebo ľavé oko (v závislosti od toho, ktoré oko je vedúce: ak obraz zmizol, keď bolo pravé oko zatvorené, potom je to hlavné, a ak ľavé oko je predné oko), potom predné ľavé oko. Jedno oko vidí „skutočne“ a druhé plní pomocnú funkciu – „špikuje“, pomáha mozgu dokončiť obraz.
Počas všeobecného rozhovoru sa pozorne pozerajte na svojho partnera. Váš zrak zafixuje jeho pravé oko (pre vás to bude ľavé) a vy jasne vidíte iba jeho. Zvyšok obrazu partnera sa postupne rozmazáva od stredu (od jeho pravého oka) po perifériu. Čo to znamená? Šošovka nášho oka – kryštalická šošovka – je usporiadaná do tvaru gule. A obraz bude na okrajoch vždy rozmazaný - objekt sa zreteľne odráža iba v jedinom ohnisku. Čím ďalej od zaostrenia, tým je obraz rozmazanejší.
Je jasné, že s takými „patetickými možnosťami“ videnia, priestor, tvar predmetov a dokonca aj farby podliehajú prirodzenému skresleniu. Paradoxom je, že väčšinu predmetov až tak nevidíme, ako si myslíme, pričom si vôbec neuvedomujeme mechanizmy nášho videnia. A keďže naša vízia je nenápadne trénovaná v kultúrnom priestore spoločnosti (a za posledných šesťsto rokov sa toto školenie odohrávalo najmä na priamych lineárnych perspektívach klasikov), potom také jednoduché veci, ktoré napadnú fyziológom, resp. umelcov. A stále si myslíme, že hranica realizmu v obraze leží v dielach Putujúcich, a nie v obrazoch Cezanna.
Dostávame sa teda k téme analýzy diel výtvarného umenia. Sú dva spôsoby, ako vnímať výtvarné umenie: jeden cez srdce, druhý cez rozum. Toto je metodologický základ pre pochopenie všetkého umenia.
METODICKÝ ZÁKLAD PRE ROZBOR VÝTVARNÝCH DIEL
Tí, ktorí sa po prvýkrát stretávajú s analýzou akéhokoľvek umeleckého diela, majú takmer okamžite logické otázky: „Je vôbec analýza v umení potrebná? Nezabíja to živé, bezprostredné, emocionálne vnímanie umenia? Je potrebné, ak sa vykonáva správne.
Jasná analýza nezasahuje do emocionálneho umenia, ale pomáha odhaliť nové aspekty diela a ukazuje hlbší zmysel. Aby to bolo možné, analýza by sa nemala zastaviť pri jednoduchom vyhlásení o prítomnosti objektu alebo postavy na plátne, pri prerozprávaní deja, ale ísť ďalej (alebo hlbšie) k významu obrazu.
Ale význam je vyjadrený prostredníctvom vonkajšej formy. V diele nám nie je priamo daný význam, ale len určitá forma. A musíme to „čítať“, vidieť za tým zmysel. Okrem toho umelec stavia formu svojich diel tak, aby lepšie vyjadrovala význam, ktorý potrebuje.
Každé umelecké dielo má niekoľko úrovní. Ide o emocionálne, námetové, dejové, symbolické roviny a rovinu vnútornej štruktúry (mikroobvodu) diela.. Naše vnímanie umenia začína emóciami.
Emocionálna úroveň.
Prvá vec, ktorú „chytíme“, je emocionálna štruktúra diela. Je to slávnostné alebo lyrické, zdá sa nám to vtipné alebo smutné. Ak sa nás dielo emocionálne nedotklo, ďalšia analýza sa neuskutoční.! Preto je veľmi užitočné na začiatku rozboru pokúsiť sa zachytiť emócie, ktoré sa rodia z komunikácie s dielom. Je to o to potrebnejšie, keď je dielo známe už dlho. Veď mimovoľne sme si spomenuli na tie „staré“ emócie, ktoré v nás obraz kedysi vyvolal. Ale teraz sme iní, čo znamená, že naše vnímanie je iné. A teraz budeme mať iné emócie pre staré, dávno známe dielo. A na začiatku analýzy je pre študentov veľmi užitočné položiť otázku o prvom dojme, ktorý sa z obrázka zrodil.
Okrem toho musí byť tento prvý dojem počas analýzy zachovaný a všetkými možnými spôsobmi podporovaný. Často je to práve tento prvý emocionálny dojem, ktorý overuje správnosť analytických záverov. Postupne sa počas procesu analýzy overuje správnosť analytických záverov. Postupne v procese analýzy začíname vidieť, ako umelec dosahuje ten či onen emocionálny dojem.
Aj záver analýzy by mal byť emotívny. Na samom konci je nielen užitočné, ale jednoducho potrebné vrátiť sa ešte raz k celistvému emocionálnemu dojmu. Až teraz je emócia podporená poznaním významu.
Vzorové otázky na analýzu diela na emocionálnej úrovni.
1. Aký dojem robí dielo?
3. Aké vnemy môže zažiť návštevník (architektúra)?
4. Aký je charakter práce?
5. Ako sa na emocionálnom dojme podieľa mierka diela, formát, vertikálne, horizontálne alebo diagonálne usporiadanie dielov, použitie architektonických foriem, použitie farieb v obraze a rozloženie svetla?
Úroveň predmetu.
Odráža to, čo je priamo zobrazené. Na tejto úrovni sa analýza priamo začína. Akýkoľvek predmet, akýkoľvek znak alebo jav je mimoriadne významný. Na obrazoch dobrých umelcov nie sú žiadne náhodné veci. Preto aj jednoduchý zoznam toho, čo sa nachádza na plátne, vás už núti premýšľať.
A tu sa často stretávame s ťažkosťami.
Ľudská pozornosť je selektívna a dosť dlho si možno na plátne nevšimneme žiadny dôležitý detail. Áno, a historické veci sa niekedy menia na nepoznanie. Alebo oblek, ktorý v ktorejkoľvek dobe súčasníkovi veľa napovie o človeku – veď je to celá encyklopédia nielen vonkajšieho života, ale aj morálky, charakterov a životných cieľov.
Preto musíte urobiť pravidlo, že začnete „čítať“ obrázok tým, že si dôkladne ujasníte význam a účel všetkých vecí, ktoré sú na ňom umiestnené. Objektívnym svetom obrazu sú slová, ktoré tvoria „text, ktorý nám bol daný“.
Už na tejto úrovni, na začiatku nášho zoznamovania sa s objektívnym svetom obrazu, si veľmi rýchlo všimneme, že všetky predmety a tváre nie sú chaoticky roztrúsené po plátne, ale tvoria akúsi jednotu. A my nedobrovoľne začíname chápať túto jednotu tým, že robíme prvý krok ku kompozícii maľby. Nakoniec to zvládneme až v samom závere. Ale musíte si okamžite začať všímať jednotlivé funkcie. Spravidla je hneď zrejmé, že najdôležitejšie prvky tvoria jednoduché a jasné tvary (trojuholník, kruh, pyramída, štvorec...). Tieto formy si umelec nevyberá svojvoľne, vytvárajú určitú emocionálnu štruktúru. Kruh a ovál sú upokojujúce a úplné. Štvorec alebo ležiaci obdĺžnik vytvára pocit stability a nedotknuteľnosti. Pyramída a trojuholník dávajú divákovi pocit ašpirácie. V tejto fáze analýzy je možné ľahko rozlíšiť hlavné a vedľajšie na obrázku.
Samostatný predmet, samostatná farba, samostatný ťah nedávajú nič na pochopenie významu. Významné sú len ich pomery. Prostredníctvom vzťahu farieb, zvukov, tém, predmetov, objemov musíte byť schopní „čítať“ význam diela.
Kontrastné opozície, prevaha pohybu alebo odpočinku na plátne, vzťah medzi pozadím a postavami - to všetko je zaznamenané už v tejto fáze analýzy. Tu si všimneme, že prenosom pohybu je uhlopriečka, voľný priestor pred objektom, obraz vrcholu pohybu, asymetrické vzory; a prenesením odpočinku je absencia uhlopriečok, voľný priestor pred objektom, statické pózy, symetrické vzory. Ale to všetko sa zatiaľ len zaznamenáva. Skutočný význam vlastností kompozície pre nás nadobudne až na samom konci analýzy.
Vzorové otázky na analýzu umeleckého diela na úrovni predmetu.
1. Čo (alebo kto) je na obrázku?
2. Čo vidí návštevník, keď stojí pred fasádou? V interiéroch?
3. Koho vidíš v soche?
4. Zvýraznite hlavnú vec z toho, čo ste videli?
5. Skúste vysvetliť, prečo sa vám to zdá dôležité.
6. Akými prostriedkami umelec alebo architekt vyzdvihuje to hlavné?
7. Ako sú v diele usporiadané predmety (predmetová skladba)?
8. Ako sa porovnávajú farby v práci (farebná kompozícia)?
9. Ako sa porovnávajú objemy a priestory v architektonickej štruktúre?
Úroveň pozemku.
Hneď by som chcel varovať pred nebezpečenstvom, pred ktorým výskumníci veľmi často varujú. Ide o túžbu nahradiť zápletku prezentovanú umelcom na plátne zápletkou známou z histórie, mytológie a príbehov o umelcovi. Umelec nielen ilustruje zápletku, ale dáva jej aj pochopenie, pričom niekedy veľmi ďaleko presahuje rámec tejto zápletky. Inak sa rodia klišé umeleckej kritiky.
Ľudia sa často pýtajú: majú všetky obrazy zápletku? V žánri alebo historickej maľbe je to najčastejšie zrejmé. A čo portréty, krajiny, zátišia? A čo abstraktná maľba? Všetko tu nie je také zrejmé. Francúzske slovo „zápletka“ neznamená ani tak vývoj udalostí, ale vo všeobecnosti „tému“ diela alebo „dôvod, príležitosť, motív“. A prvý význam tohto slova je „predisponovaný, náchylný“. Zápletka sa nám teda javí ako vzťahy príčina-následok, ktoré vytvoril umelec na plátne. V historickom alebo žánrovom filme sa tieto súvislosti budú týkať historických alebo každodenných udalostí. V portréte - vzťah medzi individualitou portrétovanej osoby, tým, čím je a kým sa chce javiť. V zátiší - vzťah medzi vecami, ktoré človek zanechal, a samotným človekom „v zákulisí“. A v abstraktnej maľbe umelec buduje vzťah medzi čiarami, škvrnami, farbami a postavami. A tento vzťah nie je o nič menej významný a súvisí s dejom ako gesto Surikovovej šľachtičnej Morozovej.
Z vyššie uvedeného vyplývajú dva závery.
Po prvé: pozemok musí byť postavený na základe reality konkrétneho obrazu. " Význam nie je v samotnej žiadosti márnotratného syna a nie v samotnom pokání, ale v prekvapení, že taká otcovská láska, také odpustenie vyvoláva».
A druhý záver: tak či onak, dejová rovina je na plátne vždy prítomná. A je jednoducho iracionálne obchádzať to v analýze. Vzťahy príčina-následok presne vytvárajú špeciálny priestor a čas obrazu.
Dejová rovina objasňuje aj kompozičné črty plátna. Rozlišujeme maľbu – príbeh a maľbu – show, hovoríme o figuratívnosti a expresívnosti na plátne. Tu sa určuje žáner diela.
A hneď je jasné, že nie všetky tváre, predmety a javy sa na obraze objavujú v rovnakom zmysle ako v živote. Niektoré z nich sú obdarené zvláštnym symbolickým významom v kultúre, ktorá umelca vychovala. Iným prisúdil význam polysémantických symbolov sám autor. Takto sa dostávame na ďalšiu úroveň – symbolickú.
Vzorové otázky na analýzu diela na úrovni pozemku.
1. Skúste povedať zápletku obrázka.
2. Skúste si predstaviť, aké udalosti sa môžu v tomto architektonickom diele vyskytovať častejšie.
3. Čo môže táto socha urobiť (alebo povedať), ak ožije?
Symbolická rovina.
V symbolickej rovine sa akoby opäť vraciame k objektívnemu obsahu obrazu, ale na inej kvalitatívnej úrovni. Predmety zátišia zrazu začnú vykazovať zmysel. Sledujte- toto plynie čas, prázdne škrupiny- prázdny smrteľný život, zvyšky jedla- náhly koniec života.
Okrem toho je každá forma premyslená.
Kruhové zloženie je symbolom večnosti. štvorec (kocka)- Toto je symbol zeme, trvalo udržateľnej pozemskej existencie. Vidíme, že jeden umelec stavia plátno a rozdeľuje ho na časti zľava doprava. A potom sú na pravej strane kladné hodnoty a vľavo záporné hodnoty. Pohyb oka zľava doprava spôsobuje, že v ľavej polovici vidíme začiatok udalosti a v pravej jej záver.
Iný umelec zvýrazní vertikálne členenie maliarskeho poľa. A vtedy vstupujú do platnosti naše predstavy o vrchole a spodku vo svete okolo nás. Vysoký, nízky alebo stredný horizont, „farebná sýtosť“ vrchnej alebo spodnej strany plátna, nasýtenie jednej alebo druhej časti figúrkami, otvorenosť priestoru - to všetko sa stáva predmetom analýzy na symbolickej úrovni.
Netreba zabúdať, že výrazným symbolom je aj samotná vertikálna či horizontálna kompozícia maľby. Ikonografické konštrukcie sa odvíjajú vertikálne, kým maľby New Age sú takmer všetky horizontálne.
A hoci obraz je usporiadaním roviny, umelci sa vždy snažia zvládnuť hĺbku priestoru. Hĺbka priestoru sa dá odhaliť rôznymi spôsobmi. A každý z nich je symbolický. Blízke predmety zakrývajú tie vzdialené. Hĺbka priestoru je „kreslená“ rovinou podlahy, zemou - dno nadobúda na obrázku hlavný, mierový význam. Hĺbka sa buduje pomocou architektonických štruktúr. A architektúra začína aktívne ovplyvňovať postavy – pozdvihovať ich alebo drviť, skrývať alebo vystavovať.
Na tejto úrovni analýzy nadobúdajú farby a svetlo v maľbe veľký význam..
Je známe, že farby v starovekom svete a stredoveku boli jasne spojené vhodným spôsobom a boli jasnými symbolmi. A keďže v maliarskom diele je farba hlavným prostriedkom konštrukcie obrazového sveta, nevyhýbajú sa tomuto symbolickému vplyvu ani moderní umelci. Svetlo a tma boli pre ľudí vždy viac než len skutočnými podmienkami života. Ale aj symbolickými protikladmi vonkajšieho a vnútorného: jasná tvár a vnútorné osvietenie; temná maľba a ťažká životná cesta. Takto sa postupne zabudováva grandiózny systém sveta tohto plátna.
Vzorové otázky na analýzu diela na symbolickej úrovni.
1. Sú v diele predmety, ktoré niečo symbolizujú?
2. Má kompozícia diela a jeho hlavné prvky symbolický charakter: horizontála, vertikála, uhlopriečka, kruh, farba, kocka, kupola, oblúk, klenba, veža, veža, gesto, póza, odev, rytmus, tenor atď. ?
3. Aký je názov diela? Ako to súvisí s jej zápletkou a symbolikou?
Ďalej sa dostávame na novú úroveň chápania obrazu. Tu sa nám musia jednotlivé aspekty analýzy spojiť do jednotného sveta tohto konkrétneho diela. Na toto záverečná fáza analýzy Na obrázku by nemal zostať jediný detail, ktorý akosi vypadne z celku. Tu opäť musíme hovoriť o integrite. A táto integrita je často chápaná nie logicky, ale emocionálne. "Aké je to skvelé a múdre!" - obdiv by k nám mal prísť ako výsledok starostlivej analýzy. Skúste mentálne posunúť figúrky v tomto formáte, niektoré zhasnúť a iné zvýrazniť a uvidíte, že to ovplyvňuje nielen výraznosť, ale aj samotný význam obrázka. V tejto fáze sa obraz stáva „naším vlastným“.
Ale toto je ideálny analytický systém. V skutočnosti niečo nefunguje, niekedy si to nepremyslíme, niekedy nemáme čas to poriadne precítiť. Ale jednoducho musíme študentom aspoň raz ukázať celý proces analýzy a viesť ich k pochopeniu.
V každej konkrétnej práci môžeme izolovať jednu úroveň a pracovať na nej so študentmi. Navyše, každé umelecké dielo umožňuje jeho úplne nezávislú existenciu na každej z týchto úrovní. Navyše v jednom diele je jasne zvýraznená rovina zápletky, v druhom - symbolická rovina.
Na rozvoj analytických zručností je užitočné používať súkromné techniky:
Ú jednoduchý popis obrázku, t.j. čo je na ňom skutočne vyobrazené. Takéto opisy sú mimoriadne užitočné pri sústredení pozornosti na dané plátno a pri vstupe do sveta maľby;
Ú zbaliť obsah. Tu vás učiteľ požiada, aby ste obrázok jednoducho prerozprávali, no zakaždým skrátili váš príbeh. Nakoniec sa dej zredukuje na niekoľko strohých fráz, v ktorých zostáva len to najdôležitejšie;
Ú stavebné hierarchie. Tu sa učiteľ spolu so študentmi snaží navzájom korelovať hodnoty navrhnuté umelcom, aby odpovedali na otázku: „Čo je dôležitejšie? - táto technika je užitočná na všetkých úrovniach;
Ú vytvorenie „polia“ analýzy. K „objaveniu“ významu často pomáha nejaký bezvýznamný fakt z umelcovej biografie alebo fakt danej kultúry. Odvádza našu pozornosť do inej roviny. Posiela naše myšlienky inou cestou. Preto musíme zhromažďovať fakty. A ako ukazuje prax, čím nezvyčajnejšia sa nám zdá nejaká osobnostná črta alebo udalosť, tým je pre nás kreatívnejšia;
Ú kontemplatívne a motorické cítenie (empatia). To je už herecká technika - pokus predstaviť si seba vo svete obrazu, pokúsiť sa zaujať pózy postáv, nasadiť výrazy ich tvárí, kráčať po cestách krajiny. Na tejto ceste na vás čaká veľa objavov. K tejto technike sa často pristupuje, keď sa analýza z nejakého dôvodu dostala do slepej uličky.
Je zrejmé, že formy analýzy môžu byť rôzne. Sú to jednotlivé otázky na bežnej hodine, učia deti cítiť sa ako niekto, niečo si predstaviť; ponorte sa do jedného alebo druhého prostredia. To sú tiež porovnávacie a porovnávacie otázky. Toto sú cvičenia na pozornosť (čo vidíte?). Ide o jednoduché logické konštrukcie o konkrétnom diele.
Príloha 1
ANALÝZA MAĽBY Plán
1. Názov.
2. Príslušnosť ku kultúrnej a historickej dobe, štýl.
4. História vzniku diela.
5. Význam mena. Vlastnosti pozemku. Žánrová príslušnosť.
6. Kompozícia (čo je zobrazené, ako sú prvky obrazu usporiadané, dynamika, rytmus).
7. Základné prostriedky výtvarného prejavu (farba, čiara, šerosvit, textúra, štetec).
8. Vaše osobné dojmy.
VZORKA
Obraz Savrasova „Veže dorazili“. Savrasov bol úžasný umelec, na ktorého obrazy sa nikdy neomrzí pohľad. Vyznačujú sa ľahkosťou a pestrosťou farieb. Bol umelcom, ktorý spôsobil revolúciu v ruskej krajinomaľbe. Na rozdiel od iných umelcov zobrazoval jednoduché ruské krajiny. Jedným z jeho najznámejších majstrovských diel je obraz „The Rooks Have Arrived“.
Obraz bol namaľovaný na prelome 60. – 70. rokov 19. storočia. Autor v ňom zobrazuje skorú jar, okamih, keď prilietajú prvé vtáky (veže) a začínajú si stavať hniezda na stromoch.
Chceli by sme venovať pozornosť farebnej palete obrazu. Savrasov využíva dojem zamračenej jarnej krajiny, no zároveň lúče slnka robia krajinu slnečnejšou. Samozrejme, dôležitým prvkom obrazu je kostol. Jej silueta dodáva obrazu sivého dňa nádych poézie.
Cítiť, ako umelec s nami obdivuje svoju krajinu.
Dodatok 2
ANALÝZA ARCHITEKTONICKEJ PAMIATKY Plán
1. Názov.
2. Poloha.
3. Architekt(i).
4. Účel úlohy:
a) kult;
b) svetské:
· bývanie,
· verejná budova.
5. Z čoho je to postavené?. Ak je to možné, uveďte dôvod výberu tohto konkrétneho materiálu.
6. Dizajnové prvky, pomocou ktorého môžete určiť štýl (alebo použité architektonické detaily, pôdorys, rozmery atď.).
7. Úsudok o type úlohy, architektonickom štýle alebo príslušnosti k akejkoľvek civilizácii.
8. Aký je váš postoj k pamätníku?. Zdôvodnite svoj názor.
VZORKA
1. Džoserova pyramída.
2. Egypt, Sakkára.
3. architekt Imhotep.
4. Kultovou stavbou je hrobka.
5. Konštrukcia z kameňa.
6. Tvar stupňovitej pyramídy s hrobovou miestnosťou. Výška 60 m, dĺžka strany 120 m.
7. Neexistuje žiadny architektonický štýl, budova patrí do civilizácie starovekého Egypta.
8. …
Dodatok 3
ANALÝZA SOCHY Plán
1. Názov.
2. Sochár.
3. Typ sochy:
a) vykonaním:
1. kolo;
2. úľava:
· hĺbkové,
§ vysoká úľava.
b) na určený účel:
1. kult,
2. svetský,
c) použitím:
1. nezávislý,
2. časť architektonického celku,
3. časť architektonickej výzdoby budovy;
d) podľa žánru:
1. portrét:
§ celá dĺžka;
2. žánrová scéna.
4.Materiál, z ktorého je dielo vyrobené.
5.Miera dôkladnosti vypracovania a dokončenia.
6.Čomu sa venuje väčšia pozornosť (vlastnosti):
a) podobnosť,
b) dekoratívne,
c) zobrazenie vnútorného stavu človeka,
d) akýkoľvek nápad.
7.Zodpovedá to kánonu, ak nejaký existoval?
8.Miesto:
a) výroba,
b) kde je teraz?
9. Štýl, smer alebo obdobie vývoja sochárstva a jeho prejav v danom diele.
10.Aký je váš postoj k pamätníku?. Zdôvodnite svoj názor.
Dodatok 4
VZORKA
1. Nike zo Samothrace.
2. Socha nie je známa.
3. Typ sochy:
A) v dizajne - okrúhly,
b) podľa účelu - kult,
V) podľa pôvodného použitia - súčasť architektonického súboru,
G) podľa žánru - celovečerný portrét bohyne.
4. Vyrobené z mramoru.
5. Práca je veľmi dôkladná.
6. Pozornosť sa venuje myšlienke nezastaviteľného letu víťazstva.
7. Neexistoval žiadny kánon.
8. Vyrobené v Grécku v 4. storočí. BC e., ktorá sa teraz nachádza v Louvri (Paríž, Francúzsko).
9. Staroveká socha z helenistickej éry.
10.Pamiatku mám rád (nepáči sa mi), pretože…
Dodatok 5
ALGORITHMY NA ANALÝZU UMELECKÝCH DIEL
Algoritmus na analýzu maliarskeho diela.
Hlavnou podmienkou pre prácu s týmto algoritmom je skutočnosť, že názov maľby by nemal byť známy tým, ktorí prácu vykonávajú.
1. Ako by ste nazvali tento obrázok?
2. Páči sa vám obrázok alebo nie? (Odpoveď by mala byť nejednoznačná.)
3. Povedz nám o tomto obrázku, aby si o ňom urobil predstavu aj človek, ktorý ho nepozná.
4. Aké pocity vo vás vyvoláva tento obrázok?
7. Chceli by ste niečo doplniť alebo zmeniť vo svojej odpovedi na prvú otázku?
8. Vráťte sa k odpovedi na druhú otázku. Zostalo vaše hodnotenie rovnaké alebo sa zmenilo? Prečo teraz tak hodnotíte tento obrázok?
Algoritmus na analýzu maliarskych diel.
2. Príslušnosť k umeleckej dobe.
3. Význam názvu obrazu.
4. Žánrová príslušnosť.
5. Vlastnosti zápletky obrázka. Dôvody na maľovanie. Hľadanie odpovede na otázku: sprostredkoval autor svoju myšlienku divákovi?
6. Vlastnosti kompozície maľby.
7. Základné prostriedky výtvarného obrazu: farba, kresba, textúra, šerosvit, práca so štetcom.
8. Aký vplyv malo toto umelecké dielo na tvoje pocity a náladu?
10. Kde sa toto umelecké dielo nachádza?
Dodatok 6
Algoritmus na analýzu architektonického diela.
1. Čo je známe o histórii vzniku architektonickej stavby a jej autorovi?
2. Uveďte, či toto dielo patrí do kultúrneho a historického obdobia, umeleckého štýlu alebo hnutia.
3. Aké stelesnenie bolo nájdené v tomto diele Vitruviovho vzorca: sila, úžitok, krása?
4. Poukázať na výtvarné prostriedky a techniky tvorby architektonického obrazu (symetria, rytmus, proporcie, svetelná a tieňová a farebná modelácia, mierka), tektonické systémy (stĺpikový nosník, hrotitý oblúk, oblúková kupola).
5. Uveďte typ architektúry: objemové štruktúry (verejné: obytné, priemyselné); krajina (záhradníctvo alebo malé formy); urbanistické plánovanie.
6. Poukázať na súvislosť vonkajšieho a vnútorného vzhľadu architektonickej stavby, súvislosť stavby s reliéfom, charakter krajiny.
7. Ako sa používajú iné formy umenia pri navrhovaní jeho architektonického vzhľadu?
8. Aký dojem na teba dielo urobilo?
9. Aké asociácie vyvoláva umelecký obraz a prečo?
10. Kde sa nachádza architektonická štruktúra?
Algoritmus na analýzu sochárskych diel.
1. História vzniku diela.
3. Príslušnosť k umeleckej dobe.
4. Význam názvu diela.
5. Príslušnosť k druhom plastiky (monumentálna, pamätná, stojanová).
6. Použitý materiál a technológia spracovania.
7. Rozmery sochy (ak je to dôležité vedieť).
8. Tvar a veľkosť podstavca.
9. Kde sa nachádza táto socha?
10. Aký dojem na teba urobilo toto dielo?
11. Aké asociácie vyvoláva umelecký obraz a prečo?
LITERATÚRA
1. Ageev, V. N. Semiotika [Text] /. - M.: Celý svet, 2002.
2. Ivlev, S.A. Kontrola vedomostí žiakov vo vyučovaní svetovej umeleckej kultúry [Text] /. – M., 2001.
3. Inovačné učebné modely v zahraničných pedagogických rešeršoch [Text]. – M: Arena, 1994.
4. Kryško, V. Úvod do etnopsychológie [Text] /V. Krysko. – M., 2000.
5. Metodický materiály z predmetov „hudba“, „MHC“, „Divadlo“ v kontexte vzdelávacej oblasti „Umenie“ [Text]: zbierka, na pomoc učiteľovi. – M.: Firma MHC, 2001.
6. Oistrakh, O.G. Svetová umelecká kultúra [Text]: materiály pre učiteľov Moskovského umeleckého divadla /, . – M., 2001.
7. Pocheptsov, G.G. Ruská semiotika [Text] /. – M.: Refl-Buk, K.: „Vakler“, 2001.
8. Solobud, Yu. P. Textotvorná funkcia symbolu v umeleckom diele [Text] // Filozofické vedy. – 2002. - č.2. – S.46-55.
Odoslanie dobrej práce do databázy znalostí je jednoduché. Použite nižšie uvedený formulár
Študenti, postgraduálni študenti, mladí vedci, ktorí pri štúdiu a práci využívajú vedomostnú základňu, vám budú veľmi vďační.
Uverejnené na http://www.allbest.ru/
Federálna štátna rozpočtová vzdelávacia inštitúcia vyššieho odborného vzdelávania
Štátna technická univerzita v Omsku
Katedra DTM
Esej
Na tému:
Analýza umeleckého diela na príklade maľby Michelangela Buonarrotiho „Posledný súd“
Vyplnil: študent gr. ZSR-151 A.A
Skontroloval: Profesor Gumenyuk A.N.
Úvod
1. Dej filmu „Posledný súd“
2. Všeobecné informácie o rozdieloch medzi maľbou a ikonou
3. Kompozícia oltárnej fresky Sixtínskej kaplnky od Michelangela Buonarrotiho (1475-1564) „Posledný súd“ (1535-1541)
Záver
Zoznam použitej literatúry
Úvod
Posledný súd je Michelangelova freska na oltárnej stene Sixtínskej kaplnky vo Vatikáne. Umelec na freske pracoval štyri roky – od roku 1537 do roku 1541. Michelangelo sa do Sixtínskej kaplnky vrátil tri desaťročia po dokončení maľby jej stropu. Veľkorozmerná freska zaberá celú stenu za oltárom Sixtínskej kaplnky. Jeho témou bol druhý príchod Krista a apokalypsa.
„Posledný súd“ sa považuje za dielo, ktoré zavŕšilo renesanciu v umení, ktorej vzdal hold sám Michelangelo maľovaním stropu a klenieb Sixtínskej kaplnky a otvorilo nové obdobie sklamania vo filozofii antropocentrického humanizmu.
1. Dej filmu "Posledný súd"
Druhý príchod Krista, keď podľa kresťanskej doktríny dôjde k všeobecnému vzkrieseniu mŕtvych, ktorí budú spolu so živými definitívne súdení a bude im určené, či budú vzatí do neba alebo hodení. do pekla. Sväté písmo o tom hovorí veľakrát, ale hlavnou autoritou je Kristova reč k učeníkom, ktorú povedal Matúš: „Keď príde Syn človeka vo svojej sláve a všetci svätí anjeli s ním, bude sedieť na trón jeho slávy a zhromaždia sa pred ním všetky národy; a oddeľte jedno od druhého, ako pastier oddeľuje ovce od kôz; A ovce si dá na pravú ruku a kozy na ľavú." Budú súdení podľa skutkov milosrdenstva, ktoré vykonali vo svojom pozemskom živote. Hriešnici budú musieť ísť do „večných múk“.
Druhý príchod Krista (alebo Kristova vláda na zemi) sa s istotou očakával v roku 1000, a keď sa tieto očakávania nenaplnili, Cirkev začala pripisovať čoraz väčší význam náuke o „štyroch posledných skutkoch“ – smrti. , súd, nebo, peklo.
Od tejto doby sa začali objavovať obrazy posledného súdu (hlavne v 12. – 13. storočí) na vyrezávaných západných štítoch francúzskych katedrál.
Ide o veľký príbeh pozostávajúci z niekoľkých častí. Kristus sudca je ústrednou postavou. Po jeho oboch stranách sú apoštoli, ktorí boli s ním pri Poslednej večeri: „A ty budeš sedieť na trónoch a súdiť 12 kmeňov Izraela.
Nižšie sú mŕtvi vstávajúci z hrobov alebo zo zeme alebo mora: „A mnohí z tých, ktorí spia v prachu zeme, sa prebudia, niektorí k večnému životu, iní k večnému opovrhovaniu a hanbe.“ „Potom more vydalo mŕtvych, ktorí boli v nich; a každý bol súdený podľa svojich skutkov." Archanjel Michael drží váhy, na ktorých váži duše. Spravodliví sú po Kristovej pravici, do neba odprevadení anjelmi po jeho ľavej ruke dole, hriešnici sú odvedení do pekla, kde sú vyobrazení v hrozných mukách. (Hala D. Slovník zápletiek a symbolov v čl. M, 1996)
2. Sú bežnéinformácie o rozdieloch medzi maľbou a ikonou
Maľba zasahuje predovšetkým do emocionálnej sféry. Ikona je pre myseľ a intuíciu. Obraz odráža náladu, ikona odráža stav jednotlivca. Obraz má hranice, rámy zápletky; ikona - zahŕňa neobmedzené. Niektorí veria, že starovekí maliari ikon nepoznali zákony priamej perspektívy a symetrie ľudského tela, t.j. nepoznali anatomický atlas. Umelci tej doby však pozorovali presné proporcie ľudského tela, keď robili sochy alebo sochy vôbec (trojrozmerné obrazy sa nepoužívali vo východnej cirkvi, ale odohrávali sa len vo svetskom umení). Absencia priamej perspektívy naznačuje iné priestorové dimenzie, schopnosť človeka ovládnuť priestor. Priestor prestáva byť prekážkou. Vzdialený objekt sa iluzórne nezmenší. Veličiny v ikonách nie sú priestorového, ale axiologického charakteru, vyjadrujúce mieru dôstojnosti. Napríklad démoni sú zobrazovaní ako menší ako anjeli; Kristus medzi učeníkmi vystupuje nad nich atď.
Obrázok je možné prezerať analyticky. Môžete hovoriť o jednotlivých fragmentoch obrázka, uviesť, čo sa vám páči a čo sa vám na ňom nepáči. Ale ikona sa nedá rozdeliť na bunky, na fragmenty, na detaily, je vnímaná synteticky jedným vnútorným náboženským pocitom. Ikona je krásna, keď zvoláva človeka k modlitbe, keď duša cíti dynamické pole energií a síl vyžarovaných cez ikonu z Kráľovstva večného svetla. V ikone sú postavy nehybné, akoby zamrzli. Ale toto nie je chlad smrti; tu sa zdôrazňuje vnútorný život, vnútorná dynamika. Svätí sú v rýchlom duchovnom lete, vo večnom pohybe k Božskému, kde nie je miesto pre domýšľavé pózy, nervozitu a vonkajšie prejavy.
Človek zavalený hlbokým cítením alebo ponorený do myšlienok sa prepína aj do vnútorného a toto odpojenie od vonkajšieho naznačuje intenzitu a intenzitu jeho ducha. Naopak, vonkajšia dynamika – odtlačok emócií ako dočasných stavov – naznačuje, že ten, koho chceli na ikone zobraziť, nie je vo večnosti, ale v čase, v sile zmyslového a pominuteľného.
Obraz Posledný súd v Sixtínskej kaplnke, ktorý vytvoril Michelangelo, je považovaný za jeden z vrcholov západného umenia. Figúrky sú prevedené s úžasnou znalosťou proporcií ľudského tela a zákonov harmónie. Môžete ich použiť na štúdium anatómie. Každý človek má svoju vlastnú jedinečnú osobnosť a psychologické vlastnosti. Zároveň je náboženský význam tohto obrazu nulový. Navyše ide o recidívu pohanstva, ktoré sa objavilo v samom srdci katolíckeho sveta. Téma obrazu „Posledný súd“ stelesňuje pohanské a židovské tradície. Charon prepravuje duše mŕtvych cez vody Styxu. Obraz je prevzatý z antickej mytológie. Vzkriesenie mŕtvych sa odohráva v údolí Jozafat, ako hovorí talmudská tradícia.
Obraz je vyhotovený vo výrazne naturalistickom štýle. Michelangelo zobrazoval telá nahé. Keď sa pápež Pavol III. pri skúmaní maľby Sixtínskej kaplnky opýtal ceremoniára pápežského dvora Biagia da Cesena, ako sa mu obraz páči, odpovedal: „Vaša svätosť, tieto postavy by sa hodili niekde v krčme, a nie vo vašej kaplnke." („O jazyku pravoslávnej ikony.“ Archimandrite Raphael (Karelin), 1997)
Dotkli sme sa západoeurópskeho maliarstva, aby sme zdôraznili jeho zásadný rozdiel od pravoslávneho umenia. Toto je jasný príklad toho, že forma sa nezhoduje s obsahom, bez ohľadu na to, aký brilantný môže byť sám o sebe. V takzvanej náboženskej maľbe renesancie je metodologická chyba. Maliari sa snažia cez mimické umenie, t.j. obraz presýtený emóciami a vášňami, aby preniesli nebeské do pozemskej roviny, no dosiahnu pravý opak – prenesú nezregenerovanú hmotnosť do sféry neba; pozemským a zmyselným nahrádzajú duchovné a večné (alebo skôr nie je miesto pre nebo, všetko tam obsadila a pohltila zem), ich srdce; mierne sklonená postava, podriadenie sa do vôle Božej a pod.
Katolícky obraz je jednorozmerný, pravoslávna ikona je viacrozmerná. V ikone sa plány navzájom prelínajú, koexistujú alebo sa prelínajú, bez toho, aby sa spájali alebo rozplývali. Obraz zaznamenáva čas ako okamih zastavený vôľou umelca, akoby fotografickým bleskom. V ikone je čas podmienený, takže udalosti v chronologickom nesúlade môžu byť zobrazené na poli ikony. Ikona je podobná vnútornému plánu a kresbe udalostí. Ikony sa vyznačujú simultánnosťou obrazu: všetky udalosti sa vyskytujú naraz. ikona michelangelo sistinskej fresky
Obraz je imitáciou reality s prvkami fantázie, ktorá si materiál pre svoje nálady berie aj z pozemských skutočností. Ikona je stelesnením duchovnej kontemplácie, ktorá je daná v mystickom zážitku, v stave spoločenstva s Bohom, no kontemplácia sprostredkovaná a objektivizovaná prostredníctvom symbolickej reči línií a farieb. Ikona je teologická kniha napísaná štetcom a farbami. V ikone je obraz dvoch sfér - nebeskej a pozemskej - daný nie podľa princípu rovnobežnosti, ale podľa princípu symetrie. V maľbe s náboženskou tematikou, ktorá sa nesprávne nazýva ikona, nie sú medzi nebeským a pozemským rozdiely ani hranice, alebo ich spájajú „paralelné línie“ dejín, ako jediná existencia v čase a priestore.
Maľba je založená na princípe priamej, lineárnej perspektívy, dáva ilúziu objemu, trojrozmernosti v zobrazení hmotných aj duchovných entít. Duchovno sa na obraze neobjavuje, ale je v ňom nahradené hmotnými, objemovými formami a telesami a zaniká v týchto jemu cudzích formách. Duchovno na obrázku prestáva byť nadzmyslové, ale stáva sa „prirodzeným“ tu dochádza k znesväteniu posvätna. Správne na to upozorňovali obrazoborci, ktorí popierali portrétne maľby s náboženskou tematikou, ale nespravodlivo zovšeobecňovali zlou metódou všetky možnosti výtvarného umenia – v tomto prípade ikonopisectvu – ktoré otvára duchovný svet, bez toho, aby ho stotožňovalo s nekonečnosťou ako nekonečnou nadstavbou, s realitami hmotného sveta nachádzajúceho sa pod mocou smrti a rozkladu.
Obrazoborci stotožňovali ikonu s mimetickým portrétom, s fantáziou alebo alegóriou, ale ikona ako posvätný symbol bola ignorovaná alebo nesprávne pochopená. V ikone nie je len protiklad dvoch sfér času a večnosti, ale v jej rytmoch je kostolovanie času, jeho príťažlivosť k večnosti. („O jazyku pravoslávnej ikony.“ Archimandrite Raphael (Karelin), 1997)
3. Kompozícia oltárnej fresky Sixtínskej kaplnkyMichelangelo Buonarroti(1475-1564) "Posledný súd" (1535-1541)
Nezvyčajné rozhodnutie autora pri výstavbe kompozície zachováva najdôležitejšie tradičné prvky ikonografie. Priestor je rozdelený na dva hlavné plány: nebeský - s Kristom sudcom, Božou Matkou a svätými a pozemský - s výjavmi zmŕtvychvstania a ich rozdelením na spravodlivých a hriešnikov.
Trúbiaci anjeli ohlasujú začiatok posledného súdu. Bola otvorená kniha, v ktorej sú zapísané všetky ľudské skutky. Sám Kristus nie je milosrdný vykupiteľ, ale trestajúci Majster. Sudcovo gesto uvádza do pohybu pomalý, ale neúprosný kruhový pohyb, ktorý vťahuje do svojho prúdu rady spravodlivých a hriešnikov. Matka Božia sediaca vedľa Krista sa odvrátila od toho, čo sa dialo.
Opúšťa svoju tradičnú úlohu príhovorkyne a s obavami počúva konečný verdikt. Okolo sú svätí: apoštoli, proroci. V rukách mučeníkov sú nástroje mučenia, symboly utrpenia, ktoré podstúpili pre svoju vieru.
Mŕtvi, otvárajúc oči nádejou a hrôzou, vstávajú z hrobov a idú pred Boží súd. Niektorí vstávajú ľahko a voľne, iní pomalšie, v závislosti od závažnosti ich vlastných hriechov. Silní v duchu pomáhajú tým, ktorí to potrebujú, vstať.
Tváre tých, ktorí sa musia zostúpiť, aby sa očistili, sú plné hrôzy. Hriešnici očakávajú hrozné muky a nechcú ísť do pekla. Ale sily zamerané na udržanie spravodlivosti ich tlačia tam, kde by mali byť ľudia, ktorí spôsobili utrpenie. A diabli ich ťahajú k Minosovi, ktorý chvostom obtočeným okolo tela naznačuje kruh pekla, do ktorého by mal hriešnik zostúpiť. (Umelec dal sudcovi mŕtvych duší črty tváre majstra ceremónie, pápeža Biagia da Cesena, ktorý sa často sťažoval na nahotu zobrazených postáv. Jeho oslie uši sú symbolom nevedomosti.) A neďaleko je bárka riadená od prievozníka Chárona. Jedným pohybom odoberá hriešne duše. Ich zúfalstvo a zúrivosť sú prenášané s ohromujúcou silou. Naľavo od člna je pekelná priepasť - je tam vchod do očistca, kde démoni čakajú na nových hriešnikov. Zdá sa, že je počuť výkriky hrôzy a škrípanie zubov nešťastných ľudí.
Povyše, mimo mocného víru, sa nad dušami čakajúcimi na spásu vznášajú anjeli bez krídel so symbolmi utrpenia samotného Vykupiteľa. Vpravo hore krásne a mladé stvorenia nesú prívlastok záchrana hriešnikov. (Smirnova I.A. Monumentálna maľba talianskej renesancie. M.: Výtvarné umenie, 1987)
Záver
Táto esej skúmala Michelangelovu fresku „Posledný súd“ v porovnaní s ikonou „Posledný súd“ (80. roky 15. storočia). Ikona aj freska sú namaľované na tú istú tému – druhý príchod Krista a hrozný súd nad hriechmi ľudstva. Majú podobné zloženie: Kristus je zobrazený v strede a apoštoli sú umiestnení na jeho ľavej a pravej ruke. Boh je nad nimi. Pod Kristom sú hriešnici, ktorým je prisľúbené peklo. Oba obrázky sú v obrátenej perspektíve. Zároveň však ikona používa menej jasné farby ako na Michelangelovej freske. Ikona obsahuje veľa symbolických obrázkov (dlaň s dieťaťom - „spravodlivé duše v rukách Boha“ a tu váhy - to znamená „miera ľudských skutkov“).
V modernej dobe bola tvorba týchto diel populárna medzi ľuďmi s eschatologickými názormi, takže tieto obrázky odôvodňovali svoj účel nie s cieľom vystrašiť ľudstvo, ale sprostredkovať im myšlienku žiť spravodlivý život, podobný pozemskému bezhriešny život Ježiša Krista.
Zoznam použitej literatúry
1. Hala D. Slovník zápletiek a symbolov v umení. M, 1996
2. „O jazyku pravoslávnej ikony.“ Archimandrite Rafail (Karelin) 1997
3. Smirnova I.A. Monumentálna maľba talianskej renesancie. M.: Výtvarné umenie, 1987
4. Buslaev F.I. Obrazy posledného súdu podľa ruských originálov // Buslaev F.I. Eseje. T. 2. Petrohrad, 1910.
5. Alekseev S. Viditeľná pravda. Encyklopédia pravoslávnych ikon. 2003
Uverejnené na Allbest.ru
Podobné dokumenty
Dej filmu "Posledný súd". Všeobecné informácie o rozdieloch medzi maľbou a ikonou. Kompozícia oltárnej fresky Sixtínskej kaplnky od Michelangela Buonarrotiho „Posledný súd“. Vlastnosti ikony Posledného súdu. O perspektíve dopredu a dozadu. Chiaroscuro a farebná symbolika.
abstrakt, pridaný 18.03.2012
Analýza umenia a humanizmu vo Florencii za čias Lorenza Veľkolepého. Životopis a dielo Michelangela Buonarrotiho. Psychologická štruktúra osobnosti a myšlienok majstra, charakteristické črty jeho sôch a obrazov. Maľba Sixtínskej kaplnky vo Vatikáne.
práca, pridané 10.12.2017
Štúdium čŕt diela Michelangela Buonarrotiho - talianskeho sochára, maliara, architekta, básnika. Charakteristické črty tvorby vrcholnej renesancie. David. Slávna freska zo Sixtínskeho obrazu od Michelangela - Stvorenie Adama.
prezentácia, pridané 24.10.2014
Stručný životopis Michelangela Buonarottiho - veľkého sochára a umelca. Jeho tvorivé úspechy: sochy Vahka a Pieta, mramorový obraz Dávida, fresky „Bitka pri Cascine“ a „Bitka pri Anghiare“. História maľby Sixtínskej kaplnky.
prezentácia, pridaná 21.12.2010
Životopis, vzhľad a charakter Michelangela Buonarrotiho (1475-1564) - veľkého geniálneho architekta renesancie v Taliansku, ako aj opis skorých a neskorých, dokončených a nedokončených diel. Analýza vzťahu medzi Michelangelom a Vittoriou Colonnou.
abstrakt, pridaný 14.11.2010
Kultúra pôvodných obyvateľov Talianska a jeho predchodcov. Obdobia dejín talianskej kultúry. Diela Leonarda da Vinciho. Obrázok mladej florentskej Mony Lisy. Stropná maľba Sixtínskej kaplnky vo Vatikáne od Michelangela.
prezentácia, pridané 14.01.2014
Hlavné udalosti v biografii Michelangela Buonarrotiho - talianskeho sochára, maliara, architekta a básnika. Kreatívne vyjadrenie ideálov vrcholnej renesancie a tragického pocitu krízy humanistického svetonázoru počas neskorej renesancie.
abstrakt, pridaný 12.11.2011
Štúdia o histórii výstavby Sixtínskej kaplnky - bývalého domového kostola vo Vatikáne. Opisy sály s oválnou klenbou, výjavy z Knihy Genezis, umiestnené od oltára po vchod. Konkláve v kaplnke. Cyklus fresiek od Michelangela, ktorý zdobil strop.
prezentácia, pridané 23.04.2013
Duchovná a morálna atmosféra Talianska XIV-XVI. Analýza formovania Buonarrotiho kreativity a jej odraz v modernej spoločnosti. Psychologická štruktúra Michelangelových myšlienok. Analýza vzťahu medzi genialitou a mocou. Majstrovské diela dláta a štetca. Poetické dedičstvo.
práca, pridané 29.04.2017
Analýza umeleckej tvorivosti Leonarda da Vinciho v dielach domácich vedcov. Životopisné informácie o titánovi renesancie. Zloženie a dej fresky „Posledná večera“. Prínos veľkého umelca a vedca k rozvoju svetovej kultúry, vedy a techniky.
Mestská rozpočtová inštitúcia
dodatočné vzdelanie
"Južná detská umelecká škola"
Kreatívna úloha - esej na tému:
„Analýza umeleckého diela na príklade maľby“
Vývojár:
učiteľumeleckýoddelenia
MBU DO "Yuzhskaya DSHI"Demidová A.A.
Yuzha 2016
Splnenie tvorivej úlohy – eseje na tému: „Analýza umeleckého diela na príklade maľby“ je formou preverenia vedomostí a zručností v druhom polroku (pri realizácii programu na 1 rok) r. študenti v nadstavbovom predprofesionálnom všeobecnom vzdelávaní v odbore výtvarné umenie „Maľba“ v akademickom predmete Rozhovory o umení.
Na jedno zadanie programu pripadá 1 triedna vyučovacia hodina.
Pred písaním prác sa žiakom ukážu obrazy veľkých majstrov maľby, ktoré poznajú z tried a domácich úloh. Musia si vybrať jeden obraz od umelca a napísať kreatívnu esej.
Kreatívna úloha - esej na tému: „Analýza umeleckého diela na príklade maľby“ by mala byť zadaná podľa nasledujúcej schémy vykonávania, čo výrazne pomáha študentom správne sa orientovať a vykonávať.
Práce študentov sú hodnotené na základe kritérií uvedených nižšie.
„5“ výborný - študent vykazuje vysokú úroveň prípravy, úloha je úplne zverejnená a dokončená;
„4“ dobre - študent rozumie dokončenej úlohe, ale robí menšie chyby a téma eseje nie je úplne rozvinutá;
„3“ je uspokojivé - študent sa zle orientuje v látke, je zmätený a robí chyby.
Schéma na vykonanie tvorivej eseje „Analýza umeleckého diela na príklade maľby“
2. Akou technikou bol obraz namaľovaný? (olejové farby, vodové farby, pastely).
3. K akému typu maľby obraz patrí?(stojan, monumentálny, maliarsky).
4. Určite žáner obrazu(každodenný žáner, bojový žáner,portrét, krajina, zátišie,Marína, mytologický žáner) .
5. Pozrite sa na obrázok a určte jeho štylistické smerovanie(realizmus, abstrakcionizmus, dekoratívnosť).
6. Určte schému zloženia.
7.Opíšte zápletku obrázka, aká je vlastnosť kompozície?
8. Čo je kompozičným centrom, čo je na ňom zobrazené?
9. Opíšte, ktoré figúry sú v kompozícii hlavné a ktoré sú vedľajšie?
10. Aké umelecké výrazové prostriedky používa umelec na zvýraznenie toho hlavného na obraze?(farba, tón)
11. Malebná charakteristika obrazu:
Popíšte celkovú farebnú schému maľby(teplé, studené, zmiešané, polárne, monochromatické);
Popíšte farebnú harmóniu maľby(jednofarebné, polárne, trojfarebné, viacfarebné);
Popíšte farbu obrazu, akú náladu obraz sprostredkuje(smútok, radosť, šťastie atď.).
12. Napíšte svoj osobný dojem z prezerania obrázku. Aké pocity vyvoláva obraz?
Príloha 1.
Analýza umeleckého diela na základe algoritmu:
"Ako môžete analyzovať umelecké diela?"
kreativita?
2. Príslušnosť k žánru: historický, každodenný, bojový, portrétny,
krajina, zátišie, interiér.
3. Základné prostriedky tvorby umeleckého obrazu: vyfarbenie, kresba,
šerosvit, textúra, štýl písania.
4. Význam mena. Vlastnosti pozemku a kompozície.
5. Príslušnosť ku kultúrnej a historickej dobe, umeleckému štýlu alebo hnutiu.
6. Aké sú vaše osobné dojmy z obrazov?
Dodatok 2.
1 Skupina „Ohnivé štetce romantikov“ (SPRIEVODCOVIA) V dejinách svetového maliarstva predstavoval romantizmus jasnú, brilantnú éru.
Slovo „romantizmus“ pochádza z latinského romanus – rímskeho, to znamená, že pochádza z rímskej kultúry alebo s ňou úzko súvisí.
Svet ľudských pocitov a skúseností. Romantickú maľbu charakterizoval „smäd tvoriť všetkými možnými spôsobmi“. Prostriedky maľby boli: jasné sýte farby, kontrastné osvetlenie, emocionálne správanie.
Aký je človek romantickej generácie? Často je svedkom krutého krviprelievania a vojen, tragických osudov celých národov. Vykonáva hrdinské činy, ktoré môžu inšpirovať ostatných. Romantikov lákali historické udalosti, z ktorých čerpali námety pre mnohé svoje diela.
1. Významným predstaviteľom hnutia romantizmu v maliarstve bol španielsky umelec Francisco Goya (1746-1828). Ovládal všetky žánre maľby. Mal obrazy s náboženskými námetmi a dvorné portréty.
A. Bol svedkom napoleonských vojen, ktoré spustošili a zruinovali Španielsko. V roku 1808, v reakcii na brutálne represie napoleonskej okupácie, vypuklo v Madride ľudové povstanie. Počas týchto ťažkých rokov bol Francisco Goya so svojimi ľuďmi. Obraz „Poprava rebelov v noci 3. mája 1808“, namaľovaný v roku 1814 a vystavený v múzeu Prado v Madride, bol umelcovou obžalobou zo zla a násilia. Jasne cítil skutočný rozsah tragédie ľudí.
Obraz zobrazuje začiatok španielskeho oslobodzovacieho boja proti francúzskym okupantom, konkrétne scénu popravy španielskych rebelov okupačnými francúzskymi jednotkami. Španielskych rebelov a francúzskych vojakov zobrazuje Goya ako dve protichodné skupiny: niekoľko neozbrojených madridských remeselníkov a rad vojakov so zdvihnutými puškami. Tváre a pózy Španielov opisuje Goya celkom jasne (vlastenectvo, odvaha, hnev, nebojácnosť atď.), francúzski vojaci sú zobrazení plynule a akoby splývali v jednu masu bez tváre.
B. „Portrét kráľovskej rodiny Carlosa VI“
Zľava doprava: Don Carlos starší, budúci španielsky kráľ Ferdinand VII., sestra Carlosa IV., Mária Jozefa Carmela, neznáma žena, Mária Izabela, manželka Carlosa IV., kráľovná Mária Lujza Parmská, Francisco de Paula de Bourbon, kráľ Carlos IV., jeho brat Antonio Pascual, Cartola Joaquina (je viditeľná len časť hlavy), Ľudovít I. s manželkou Máriou Lujzou, ktorí držia svojho syna – Karola II., budúceho parmského vojvodu. V pozadí, v tieni, Goya zobrazoval sám seba. Magické, trblietavé farby nedokážu skryť namyslenosť, hlúposť, morálnu a duševnú špinu postáv.
2. Hlboký záujem o vnútorný svet človeka prejavil aj súčasník veľkého Španiela Theodore Gericault. Gericaultovu tvorbu charakterizuje extrémna dramatickosť, intenzita vášní a farebný kontrast. Počas služby v kráľovských mušketieroch maľoval Gericault hlavne bojové scény, ale po ceste do Talianska v rokoch 1817-19. predviedol veľký a zložitý obraz „Plť Medúzy“
(nachádza sa v Louvri v Paríži). Novosť zápletky, hlboká dramatickosť kompozície a životne dôležitá pravdivosť tohto majstrovsky napísaného diela neboli okamžite ocenené, ale čoskoro získali uznanie a priniesli umelcovi slávu talentovaného a odvážneho inovátora.
Slávu si nenechal dlho užívať: sotva sa stihol vrátiť do Paríža z Anglicka, kde hlavným predmetom jeho štúdia bolo štúdium koní, išiel do hrobu v dôsledku nehody - pádu z koňa.
Dej filmu je založený na skutočnom incidente, ktorý sa stal 2. júla 1816 pri pobreží Senegalu. Potom sa na Argen Shoal, 40 líg od afrického pobrežia, zrútila fregata Medusa. 140 pasažierov a členov posádky sa pokúsilo uniknúť tak, že nastúpili na plť. Len 15 z nich prežilo a na dvanásty deň ich putovania ich vyzdvihla briga Argus. Podrobnosti o plavbe preživších šokovali modernú verejnú mienku a samotné potopenie sa pre nekompetentnosť kapitána lode a nedostatočné pokusy o záchranu obetí zmenilo na škandál vo francúzskej vláde.
Okrem obrazu „Plť Medúzy“ sa v Louvri nachádza sedem bojových malieb a šesť kresieb tohto umelca. Jeho obrazy sú plné zmätku a úzkosti.
3. Eugene Delacroix (1798-1863) tiež písal podobným spôsobom ako Theodore Gericault.
A. Charakterizovala ho pozornosť orientálnym témam. Jedným z jeho najvýraznejších výtvorov je obraz „Masaker na Chiose“, ktorý zobrazuje epizódy grécko-tureckej vojny. Tak nazvali historici brutálny masaker obyvateľov ostrova Chios 11. apríla 1822 Turkami, pretože ostrovania podporovali bojovníkov za grécku nezávislosť. Zo 155 000 obyvateľov ostrova len asi
2000. Až 25-tisíc bolo zabitých, zvyšok zotročili alebo skončili v exile.
Veľká francúzska revolúcia a následné agresívne kampane Naoleonu, brutálne politické represie a popravy, nekonečné zmeny vlád v roku 1830 nastolili s osobitnou naliehavosťou otázku úlohy ľudu a jednotlivca v dejinách.
B. Delacroix sa vyznačoval politickým pátosom. V roku 1830 umelec dokončil plátno „Sloboda vedie ľudí“. Delacroix vytvoril obraz na základe júlovej revolúcie v roku 1830, ktorá ukončila režim reštaurovania Bourbonskej monarchie. Po početných prípravných skicách mu namaľovanie obrazu trvalo len tri mesiace. V liste svojmu bratovi z 12. októbra 1830 Delacroix píše: „Ak som nebojoval za svoju vlasť, aspoň za ňu napíšem. „Liberty Leading the People“ bol prvýkrát vystavený na parížskom salóne v máji 1831, kde bol obraz nadšene prijatý a okamžite ho kúpil štát. Pre svoj revolučný námet nebol obraz približne 25 rokov verejne vystavený. Krvou, utrpením a smrťou nesie krásna žena s trikolórou v ruke ľudí k víťazstvu. Odhalená hruď symbolizuje oddanosť Francúzov tej doby, ktorí išli s odhalenou hruďou proti nepriateľovi. V dave sú viditeľní ozbrojení chudobní ľudia, obyvatelia slumov, študent a malý Gavroche s pištoľami. Umelec sa zobrazil ako muža v cylindri naľavo od hlavnej postavy. Niekedy sa obraz mylne spája s udalosťami veľkej francúzskej revolúcie.
Súčasníci nazvali obraz „Marseillaise francúzskej maľby“ a úrady vyhlásili Delacroixa za nebezpečného umelca.
Dodatok 3.
2. skupina „Umenie potrebujeme manizovať“ (ODBORNÍCI – ART DETI) Realizmus je hnutím v umení druhej polovice 19. storočia. Latinský pojem realizmus, realis, znamená hlboký odraz reality. Do polovice 19. storočia sa realizmus stal vedúcim a najvplyvnejším umeleckým smerom.
Aké nové úlohy teraz predstavuje umenie?
1. Vynikajúci majster litografie (druh grafickej tlačiarenskej formy, pre ktorú je povrch kameňa) Francúzsky umelec Honore Daumier, ako človek, ktorý nenávidel každý útlak a násilie, vždy reagoval na naliehavé problémy svojej doby a dal im svoje vlastné hodnotenie. Svoju prácu začal ako karikaturista, robil satirické kresby pre časopis. Jeho litografie boli okamžite vypredané, boli všetkým známe.
Slávnu litografiu „Transnonen Street“ vnímali súčasníci ako protest proti teroru a krviprelievaniu, ktoré prišlo po júlovej revolúcii (1834). Historickým základom tohto diela boli udalosti z apríla 1834 spojené s rozohnaním politických demonštrácií vládnymi vojskami. Z domu číslo 12 na Transnonen Street, z nejakého okna zakrytého žalúziami, strieľajte na vojakov rozháňajúcich demonštráciu. V reakcii na to vojaci vtrhli do domu a zabili všetkých obyvateľov. Daumier chcel, aby litografia nevyvolala ľútosť, ale hnev. Presne tak to vnímali súčasníci: „toto nie je karikatúra, nie karikatúra, toto je krvavá stránka moderných dejín, stránka vytvorená živou rukou a diktovaná vznešeným rozhorčením“.
Karikaturista Daumier bol verejnosti dobre známy, no málokto vedel, že sa venuje maľbe. V malom ateliéri umelca sa nahromadili plátna. Zvláštne miesto patrí obrazom o Donovi Quijotovi. Rytier bez strachu a výčitiek, blúdiaci pri hľadaní dobra a spravodlivosti, priťahoval Daumiera svojou silou ducha. Za vtipným vzhľadom a smiešnymi činmi sa skrýva noblesa, veľkosť a súcit s ľuďmi.
2. Gustave Courbet Francúzsky maliar, krajinár, maliar žánrov a portrétista. Je považovaný za jedného z finalistov romantizmu a zakladateľov realizmu v maľbe. Jeden z najväčších umelcov vo Francúzsku 19. storočia, kľúčová postava francúzskeho realizmu.
Narodil sa vo Francúzsku a jeho vstup do francúzskeho maliarstva bol škandalózny. Niektorí jeho diela zúrivo kritizovali a označili ich za škaredé, iní mu, naopak, predpovedali veľkú budúcnosť. V Paríži v roku 1855 otvoril výstavu „Pavilón realizmu“. Pán Courbet sa snažil vykresliť ľudí takých, akí sú, takých škaredých a hrubých, ako ich vidí. Pozorná pozornosť k okolitému svetu, prírode, sociálnym vzťahom a individuálnym vlastnostiam človeka určovali podstatu realistického pohybu v umení.
Vo svojom obraze „Drvič kameňov“ starý robotník v hrubých záplatovaných šatách a popraskaných drevených topánkach kľačiac láme kladivom kamene pripravené na stavbu. Mladý muž v handrách ťažko udrží v rukách ťažký kôš. V novinách bol umelec obvinený z oslavovania škaredých, ale stačí sa pozrieť na obraz „Windwinners“, aby ste pochopili, s akým rešpektom Courbet maľoval pracujúcich ľudí.
3. “Sedliacky maliar” – to je prezývka Jeana Milleta, francúzskeho umelca. Svet francúzskeho vidieka sa stal nevyčerpateľným zdrojom jeho kreativity. Už ako slávny umelec sa naďalej venoval roľníckej práci a svoj voľný čas venoval maľbe.
V roku 1857 bolo predstavené jeho plátno „Ear Gatherers“. Zberači sa mohli za úsvitu prechádzať po poliach a zbierať klásky, ktoré ušli koscom. Na tomto plátne umelec zobrazil troch z nich skláňajúcich sa nad zemou v nízkej úklone – len tak sa im darí pozbierať klasy po zbere... V nich Millet ukázal tri fázy ťažkého pohybu, čo museli ženy stále dookola opakovať – ohýbať, vyberať klásky s obilím a znova narovnávať. Malé trsy v ich rukách kontrastujú s bohatou úrodou, ktorá je viditeľná v pozadí. Sú tam kopy sena, snopy, vozík a zástup žencov zamestnaných v práci.
Umelec dokázal veľmi presne sprostredkovať tvrdú prácu roľníkov, ich chudobu a pokoru. Práca však spôsobila rôzne hodnotenia verejnosti a kritikov, čo prinútilo Milleta dočasne sa obrátiť na poetickejšie stránky roľníckeho života.
Dodatok 4.
3. skupina „Salón odmietnutých“ (IMPRESSIONISTICKÍ UMELCI) Paríž, 1863, Priemyselný palác: Porota slávnej výstavy Salón umenia, ktorá sa tu koná, odmietne ročne asi sedemdesiat percent prihlásených diel... Sám cisár Napoleon III. zasiahnuť do škandálu, ktorý vypukol. Po oboznámení sa s odmietnutými obrazmi milostivo umožnil ich prezentáciu v inej časti Priemyselného paláca. A tak bola 15. mája 1863 otvorená výstava, ktorá okamžite dostala názov „Salón odmietnutých“.
Koniec 19. storočia a začiatok 20. storočia bol časom zmien. Vedecký a technologický pokrok a politické kataklizmy viedli k vážnym zmenám v umení a identifikovali nové a originálne cesty rozvoja. Umenie 19. storočia je vnímané ako odmietnutie starých umeleckých tradícií, pokus o kreatívne prehodnotenie klasického dedičstva minulosti. Objavujú sa odvážne inovácie a experimenty, neobmedzené akýmkoľvek rámcom alebo konvenciami. Umelec sa oslobodil a oslobodil vo svojej tvorivosti. Riadil sa vlastným vkusom a preferenciami.
Impresionizmus – francúzske slovo impression sa prekladá ako dojem.
Na rozdiel od romantikov a realistov, impresionisti sa nesnažili zobrazovať historickú minulosť, ich oblasťou záujmu bola súčasnosť.
Po predložení vlastných princípov vnímania a zobrazovania okolitého sveta vytvorili nový obrazový jazyk. Dôležitý pre nich nebol samotný dej, ale jeho zmyslové vnímanie, dojem, ktorý dokáže na diváka vyvolať. Impresionisti sa snažili sprostredkovať „momenty“, chvíľkové pocity v obraze. Tieto pocity zničili obvyklé formy a štandardné vzory. Ich pohľad bol čisto individuálny.
1. Najvýznamnejším predstaviteľom impresionizmu a jedným z jeho zakladateľov je Edouard Manet, na ktorého zapôsobili jeho obrazy „Portrét Emila Zolu“.
Jasné slnečné svetlo, šťastná nálada človeka sú umelcovými výrazovými prostriedkami. Stredobodom všeobecnej pozornosti bol obraz Edouarda Maneta „Obed v tráve“.
Použitím a reinterpretáciou námetov a motívov obrazov starých majstrov sa ich Manet snažil naplniť ostrým moderným zvukom a polemicky vniesol obraz moderného človeka do slávnych klasických skladieb. Manetova cesta k sláve sa ukázala byť dlhá a náročná; porota Salónu vždy odmietala jeho obrazy a len málokto sa odvážil umelca brániť. Medzi nimi bol Emile Zola, ktorý do novín napísal: „Miesto pána Maneta v Louvri už bolo zabezpečené.
„Portrét Emila Zolu“ - umelec zobrazuje svojho priateľa v jeho pracovni pri stole posiatom papiermi a knihami. Interiér svedčí o vkuse majiteľa: japonská obrazovka s fantastickou krajinou, reprodukcia Manetovho obrazu. Spisovateľov vzhľad odhaľuje silnú osobnosť, jasnú individualitu.
„Raňajky v tráve“, ktoré vyvolali búrku emócií, ostrú kritiku a jednomyseľný verdikt, že tieto „raňajky“ sú absolútne „nepožívateľné“. Verejnosť pobúrila najmä skutočnosť, že na lesnej čistinke sa zišli slušne oblečení, obutí muži s kravatami a palicami, vedľa ktorých žiarili nahé ženské telá. Názov obrazu nadobúda pikantný význam, najmä preto, že v skutočnosti nie je zobrazené nič jedlé. Ľavý roh popredia obsahuje slabý náznak jedla, ale je jasne viditeľné, že na kuse látky, možno niekoho šatách, je poloprázdny košík s niekoľkými hubami a na zelených listoch v okolí je viditeľných niekoľko bobúľ. . To sú všetko raňajky. Dvaja celkom mladí muži, voľne natiahnutí na tráve, sa o niečom živo rozprávajú. Ten napravo, gestikuluje, hovorí niečo zaujímavé, vtipné, pretože spolubesedník sa milo usmieva. Rozpačitý úsmev žiari aj na tvári vedľa sediacej ženy. Pod ním je pokrčená svetlomodrá látka, samotná žena sedí vo voľnej, ľahkej póze, úplne nahá, nie príliš mladá, trochu bacuľatá. Pár sediaci vedľa seba má rovnakú farbu vlasov, sú v rovnakom veku, možno manželia. Druhú ženu v ľahkej voľnej bielej košeli vidno o kúsok ďalej, ale počuje rozhovor, je na nej vidieť, že počúva a aj sa usmieva. Obraz je plný jasného pokoja, vrelej blaženosti.
Zola nazval plátno pevným mäsom, modelovaným prúdmi svetla, jednoducho, pravdivo a s nadhľadom.
2. Skutočne však o sebe impresionisti dali vedieť v roku 1874 spoločnou výstavou. Celé hnutie dostalo názov podľa obrazu Clauda Moneta „Dojem. Východ slnka“ (koniec koncov, vo francúzštine „dojem“ je „väzenie.“).
Pojem „impresionizmus“ vzišiel z ľahkej ruky kritika časopisu „Le Charivari“ Louisa Leroya, ktorý svoj fejtón o Salóne odmietnutí nazval „Výstava impresionistov“, pričom za základ vychádzal z názvu tohto obrazu od Clauda. Monet.
Monet, vycibrený krajinár, zamilovaný do predmestí Paríža, bol vášnivý pre vodný živel.
Claude Monet predstavil prax vytvárania série obrazov pri rôznom osvetlení, napríklad „Rouenská katedrála“. Dva roky cestoval do Rouenu a sledoval hru svetla. Monet namaľoval viac ako 20 pohľadov na katedrálu v rôznych denných dobách: v lúčoch ranného slnka, v oslnivé poludnie, v neskorom popoludňajšom súmraku. Verejnosť začala hovoriť o monotónnosti jeho obrazov.
3. Camille Pissarro začal maľovať niektorý zo svojich obrazov z neba, veriac, že obloha mu dodáva hĺbku a dodáva pohyb. Toto povedal Pissarro o tvorbe svojich obrazov. „Vidím len škvrny. Keď začnem maľovať, prvá vec, ktorú urobím, je... stanovím pomer. Medzi týmto nebom, zemou a vodou nepochybne existuje určitý vzťah a tento vzťah nemôže byť iný ako harmonický. Toto je hlavný problém maľovania. Čoraz menej ma zaujíma materiálna stránka maľby (t.j. línie). Najdôležitejšie je zredukovať všetky aj tie najmenšie detaily na harmóniu celku, teda na súdržnosť.“ Plátno „Boulevard Montmartre v Paríži“ nás zavedie na rušnú diaľnicu. Mnoho vozňov sa pohybuje rôznymi smermi, okoloidúci sa rušne ponáhľajú. Všetko je zahalené do priezračného orgovánového oparu. Umelec maľuje rýchlym ťahom, štetcom sa sotva dotýka plátna.
Ale z týchto bodiek a ťahov sa vynára obraz slnečného jarného dňa, živý a kypiaci.
4. Auguste Renoira nazývajú mágom svetla. Odlesky svetla oživujú obraz a uvádzajú ho do pohybu. Diela sa vyznačujú živou pohyblivou kompozíciou. Renoir napísal: „Milujem obrazy, ktoré vo mne vyvolávajú túžbu kráčať do ich hlbín, ak je to krajina, alebo sa jej dotknúť rukou, ak je to obraz ženy...“. Renoir najčastejšie maľuje ženy a deti, pričom ich považuje za najdokonalejšie výtvory prírody. Nepriťahujú ho chladné svetské krásky, ale veselé a živé „skutočné“ Francúzky. Ale pre portrét „Dievča s fanúšikom“ bol vytvorený úplne iný obrázok. Mladé, vtipné dievča. Tvár je namaľovaná v jemných tónoch, husté čierne vlasy sú fialové a fialové. Červenkasté odlesky stoličky sa odrážajú na bielom plátne ventilátora.
5. Obrovské možnosti vo využití farieb otvorila technika pastelu (Fr.
pastel) - maľovanie farebnými ceruzkami a farebným práškom. Edgar Degas tam obzvlášť rád pracoval. Textúra pastelov je zamatová, dokáže sprostredkovať vibráciu farby, ktorá akoby žiarila zvnútra. Vo filme "Blue Dancers"
Pastelová technika sa používa na zvýšenie dekoratívnosti a svetelného zvuku kompozície. Snob jasného svetla zaplavujúceho obraz pomáha vytvárať osobitú slávnostnú atmosféru baletného tanca, zdá sa, že svetlo tu úplne nahrádza kresbu, organizuje a vedie k jedinému významu komplexnej symfónie farieb. V žiarivo modrých šatách s kvetmi vo vlasoch pôsobia tanečnice ako krásne rozprávkové víly zúčastňujúce sa magickej extravagancie.
Obraz je uložený v Štátnom múzeu výtvarných umení pomenovanom po A. S. Puškinovi v Moskve, ktoré bolo prijaté v roku 1948 od Štátneho múzea nového západného umenia; Do roku 1918 bol v zbierke Sergeja Ivanoviča Ščukina v Moskve, po namaľovaní bol obraz uložený v zbierke Durand-Ruel v Paríži.
Dodatok 5.
4. skupina „Hľadanie vlastnej cesty“ (NÁVŠTEVNÍCI VÝSTAVY) Koncom 19. storočia dali o sebe hlasne vedieť umelci Paul Cezanne a Vincent Van Gogh. Zjednotili sa do skupiny, ktorá dala meno novému umeleckému hnutiu, postimpresionizmu. Postimpresionizmus (francúzsky postimpresionizmus) je smer vo výtvarnom umení. Vznikla v 80. rokoch 19. storočia. Umelci tohto hnutia sa nedržali len vizuálnych dojmov, ale snažili sa slobodne a všeobecne sprostredkovať materiálnosť sveta a uchýlili sa k dekoratívnej štylizácii. Začiatok postimpresionizmu pripadá na krízu impresionizmu na konci 19. storočia.
1. Neúnavné hľadanie nového kompozičného riešenia obrazov, spôsobov prenosu farby a svetla je charakteristické pre tvorbu Paula Cezanna.
Maľoval zátišia s ovocím, najmenej sa zaujímal o ich podobnosť s originálom. Čo bolo v Cezannovom diele nezvyčajné, bolo použitie farby, umelec veril, že studené farby (modrá a zelená) majú tú vlastnosť, že sa posúvajú hlbšie do obrazu, čím sa obraz stáva trojrozmerným.
2. Vincent Van Gogh - svetoznámy holandský postimpresionistický umelec. Od jeho prvej výstavy obrazov koncom 80. rokov 19. storočia Van Goghova sláva neustále rastie medzi rovesníkmi, umeleckými kritikmi, obchodníkmi a zberateľmi. Po jeho smrti boli usporiadané spomienkové výstavy v Bruseli, Paríži, Haagu a Antverpách.
„Slnečnice“ je názov dvoch cyklov obrazov holandského umelca Vincenta van Gogha. Prvá séria bola vyrobená v Paríži v roku 1887. Venuje sa ležiacim kvetom. Druhá séria bola dokončená o rok neskôr, v Arles. Zobrazuje kyticu slnečníc vo váze. Van Goghov priateľ Paul Gauguin získal dva parížske obrazy.
„Irises“ namaľoval umelec, keď žil v nemocnici sv. Pavla z Mauzólea neďaleko Saint-Rémy-de-Provence, rok pred svojou smrťou v roku 1890. Filmu chýba vysoké napätie, ktoré sa objavuje v jeho nasledujúcich dielach. Obraz nazval „bleskozvod pre moju chorobu“, pretože cítil, že dokáže udržať svoju chorobu na uzde a zároveň pokračovať v maľovaní.
Posledné dva mesiace svojho života – od mája do júla 1890 – žil Van Gogh v Auvers-sur-Oise pri Paríži, kde okrem iného namaľoval niekoľko obrazov s kvetmi. „Ružové ruže“ sú jedným z najlepších obrazov v tejto sérii. Je charakteristická pre neskorú tvorbu umelca. Na rozdiel od žiarivo oranžových a žltých, ktoré použil v Arles (napríklad v cykle Slnečnice), tu Van Gogh používa jemnejšiu a melancholickú kombináciu farieb, hovoriac o úrodnejšom a vlhkejšom severnom podnebí. Táto maľba je pre posledné obdobie tvorby Vincenta van Gogha typická aj tým, že tu prakticky nie je žiadna gravitácia (na prvý pohľad sa zdá, že obraz sa dá prevrátiť, ale efekt sa nezmení) a priestorovosť (kvety akoby byť vysunutý z roviny obrazu do priestoru, kde sa nachádza divák). Van Goghovi sa podarilo preniesť na pozorovateľa pocit tesnej blízkosti ruží. To, kde je maľba v spodnej časti, naznačuje takmer neviditeľná miska pod kvetmi a hĺbku naznačuje len mierne sa meniaci tvar ťahov a mierna zmena odtieňov zelenej. Ostré tmavomodré kontúry listov a stoniek ruží, ako aj vibrujúce a zvíjajúce sa línie sú príkladom vplyvu japonskej drevorezby na umelca. Hoci tieto techniky pripomínajú štýl Paula Gauguina a Emila Bernarda, Van Gogh ich používa vlastným neopísateľným spôsobom.
Obraz „Červené vinice v Arles“ namaľoval Van Gogh v roku 1888.
Umelec žijúci na juhu Francúzska čerpal nekonečnú inšpiráciu z mestských a vidieckych pohľadov, jasných farieb prírody a slnečného svetla. Toto obdobie je vo Van Goghovej tvorbe najproduktívnejšie.
Gauguin ho navštívil v Arles a jedného dňa, keď sa vracali domov z okraja mesta, boli umelci svedkami nezvyčajného obrazu:
zapadajúce slnko ožiarilo vinicu svojimi lúčmi, maľovalo listy karmínovočervenou farbou a ľudí a zem v odtieňoch orgovánového popola. Čoskoro potom začal Van Gogh pracovať na maľbe zobrazujúcej zber hrozna v blízkosti Montmajour. Umelec zobrazil nielen krajinu, ale akési podobenstvo, kde má všetko symbolický význam. Horúce, obrovské slnko na žltej oblohe vrhá zelené a oranžové odlesky. Zdá sa, že všetko na zemi sa pod ním topí.
Listy viniča sa menia na červenú žiaru a zem pod nimi nadobúda fialový odtieň. Pravá strana obrázku je venovaná vode, odrážajúcej žltú ohnivú oblohu.
Ľudia zbierajúci hrozno sú symbolom života. Van Gogh chápal ich každodennú prácu ako niečo, čo umožňuje človeku stať sa neoddeliteľnou súčasťou vesmíru.
Obraz sa stal jedným z mála diel predaných počas Van Goghovho života. Teraz je v Puškinovom múzeu v Moskve.
Dodatok 6.
Hudba v 19. storočí.
Skladateľmi prvej polovice 19. storočia boli F. Liszt, F. Chopin, F. Schubert, R. Schumann. Skladatelia tejto školy sa vyznačovali sklonom k malej forme. Ich hudba je lyrická a melodická a bola prevažne komorná.
V tom istom čase zažívala talianska opera svoj rozkvet. Jeho najjasnejšími predstaviteľmi sú G. Rossini, V Bellini, G. Donizetti, G. Verdi. V talianskej opere boli v konflikte dva smery: jeden smeroval k tradičnej opere buffa (t.j.
komédia), ďalší naznačil tendenciu k vzniku národnej opery.
Predstaviteľom toho druhého bol G. Verdi (1813-1901). Bol autorom opier „Regoleto“, „La Traviata“, „Othello“, „Macbeth“, „Aida“, „Falstaff“, „Il Trovatore“ a ďalších. Árie z jeho opier sa stali ľudovými piesňami a národnými hymnami, ktoré vyzývali Talianov k boju za nezávislosť.
Vážnej reformy opery sa ujali J. Bizet a R. Wagner. Bizet, autor jednej z najpopulárnejších opier Carmen, bol zástancom mimoriadne realistickej zápletky a melódie, ktorá úprimne vyjadruje ľudské city. R. Wagner zničil zaužívanú štruktúru opery, vniesol do nej prvky činoherného predstavenia a symfonického koncertu. V jeho operách bolo veľa symfonických koncertov. Jeho opery mali veľa symfonických vložiek a recitatívov.
„Reformu symfonickej hudby uskutočnil francúzsky skladateľ C. Debussy. Debussy vlastne opustil obvyklé melódie pre symfonickú hudbu. Pokúsil sa reflektovať pocity ničením ustálených hudobných foriem.
Franz Schubert je rakúsky skladateľ, jeden zo zakladateľov romantizmu v hudbe, autor asi 600 piesní, deviatich symfónií, ako aj veľkého množstva komornej a sólovej klavírnej hudby. (počúvanie fragmentu nahrávky „The King of the Forest“) Frederic Chopin je autorom mnohých diel pre klavír.
Najväčší predstaviteľ poľského hudobného umenia. Mnohé žánre interpretoval novým spôsobom: predohru oživil na romantickom základe, vytvoril klavírnu baladu, poetizoval a zdramatizoval tance - mazurka, polonéza, valčík; premenil scherzo na samostatné dielo.
Giuseppe Verdi je veľký taliansky skladateľ, ktorého dielo je jedným z najväčších úspechov svetovej opery a zavŕšením vývoja talianskej opery 19. storočia. Skladateľ vytvoril viac ako 26 opier a jedno rekviem. Najlepšie opery skladateľa: Un ballo in maschera, Rigoletto, Trovatore, La Traviata. Vrcholom kreativity sú najnovšie opery: „Aida“, „Othello“.
Georges Bizet je francúzsky skladateľ obdobia romantizmu, autor orchestrálnych diel, romancí, klavírnych skladieb, ale aj opier, z ktorých najznámejšia bola Carmen.
Claude Debussy bol nielen jedným z najvýznamnejších francúzskych skladateľov, ale aj jednou z najvýznamnejších osobností hudby prelomu 19. a 20. storočia; jeho hudba predstavuje prechodnú formu od neskororomantickej hudby k modernizmu v hudbe 20. storočia.
