Najdrahšie obrazy na svete alebo mazanica? Hlavnou vecou nie je šetriť farbou. Toto je maľba! Zvláštna kreativita štýlu mazania Kim Dorland Paintings

Pri pohľade na niektoré obrazy, ktoré sa dnes predávajú na aukciách, sa mi chce plakať. Plačte, pretože tieto plátna vyzerajú ako detské čmáranice, no stoja ako vila v Miami. Nastal čas predstaviť najdrahšie absurdné majstrovské diela, ktoré sa predali na aukcii za milióny dolárov.

Obraz „Zelená a biela“, Ellsworth Kelly – 1,6 milióna dolárov

blogspot

Toto nie je len zubatý zelený kruh na bielom pozadí. Toto je príklad maľby, kde hlavným predmetom je samotná farba. Tento výtvor bol kúpený na aukcii Christie’s v New Yorku v roku 2008.

V skutočnosti vo zvyšku umelcových obrazov nenájdete zložité vzory alebo realistické krajiny - iba najjednoduchšie postavy na bielom, čiernom alebo svetlom pozadí.

"The Blue Fool", Christopher Wool - 5 miliónov dolárov

Obraz bol vydražený v Christie’s (New York) v roku 2010. Súčasný americký umelec Christopher Wool zašiel ďalej ako jeho kolegovia a okrem „mazania“ a „doodle“ začal na plátna umiestňovať aj nápisy veľkými písmenami.

Značná dávka irónie je v tom, že jedným z najdrahších diel z tejto série bolo plátno s nápisom „FOOL“ (Blázon).

„Koncept priestoru. Čakám, Lucio Fontana - 12,8 milióna dolárov

zdroj: forbes

Biele plátno s rozparkami sa predávalo v Sotheby's London v roku 2015. Umelec Lucio Fontana je známy svojím „barbarským“ postojom k svojim plátnam – nemilosrdne ich strihal a prepichoval. Ale urobil to tak, že neskôr mohol „zohavený“ obraz ukázať divákovi.

Pre majstra jeho sloty zosobňovali samotnú nekonečnosť. „Keď si sadnem pred jednu zo svojich štrbín a začnem o nej premýšľať, zrazu cítim, že môj duch je oslobodený. Cítim sa ako človek, ktorý unikol z okov hmoty, patriaci do nekonečného priestoru súčasnosti a budúcnosti,“ povedala Fontana.

Maľba "Holubica" Tretia hviezda od Joana Miróa 36,9 milióna dolárov

karenruimy

Jedna z najdrahších položiek na aukcii Sotheby’s, ktorá sa konala v britskom hlavnom meste v roku 2012. Toto je prvý obrázok na našom zozname, na ktorom sa zdá, že sa pokúšali niečo nakresliť. Len čo?

Obraz vytvoril španielsky surrealistický umelec Joan Miró. Maliar svojho času hladoval, a preto často videl na stenách halucinácie. Tvorca preniesol obrazy, ktoré videl, na obrazy. Teraz sa jeho obrazy predávajú za milióny dolárov.

"Spiace dievča" od Roya Lichtensteina - 44,8 milióna dolárov

vždy

„Spiace dievča“ bolo vydražené v roku 2012 v aukčnej sieni Sotheby’s v New Yorku. Za dielo Lichtensteina, ktorý bol kedysi nazývaný „najhorším umelcom v Amerike“, sa dnes platia premrštené sumy peňazí.

Roy Lichtenstein je známy tvorbou obrazov založených na komiksoch: umelec jednoducho vzal a prekreslil diela iných ľudí a pridal niečo vlastné. Kvôli tomu musel znášať útoky kritikov, no aj to ho preslávilo. Lichtensteinove obrazy sa neustále objavujú na zoznamoch najdrahších obrazov.

Bez názvu, Cy Twombly – 69,6 milióna dolárov

gazeta

Obraz bol predaný na newyorskej aukcii v Christie's v roku 2014. Keď dieťa niečo také nakreslí, je to čmáranie. Ale keď to urobí dobre propagovaný umelec, je to majstrovské dielo hodné vyhadzovania šialených peňazí za to. Ďalšie Twomblyho diela sú rovnaké čmáranice a sú rovnako neslušne drahé.

"Black Fire" od Barnetta Newmana - 84,2 milióna dolárov

bloomberg

Toto majstrovské dielo bolo predané na aukcii Christie’s v New Yorku v roku 2014. Charakteristickým dizajnom Barnetta Newmana sú zvislé čiary, prezývané „blesk“.

Ostatné obrazy od majstra sa líšia od toho, ktorý je uvedený vyššie, s výnimkou farby a šírky tých istých bleskov. Ceny umelcových obrazov stúpajú od aukcie k aukcii.

"Oranžová, červená, žltá", Marco Rothko - 86,9 milióna dolárov

Efektívnosť Public Relations: „skvelí“ sráči

Ak vezmem do rúk štetec a namaľujem na plátno nejakú krajinu alebo portrét, potom každý, kto sa pozerá na moju prácu, môže bezpečne povedať: aká mazanica! A bude mať pravdu, pretože neviem kresliť. Moja mazanica by sa však mohla predať za milióny dolárov, keby som mal povesť veľkého umelca. Teoreticky je ťažké si predstaviť, že by sa moje nenamaľované, ale nemenej hrozné obrazy mohli propagovať ako veľké umelecké diela a predávať za „šialené peniaze“. Ale v skutočnom živote sa to stalo viac ako raz - druhá polovica 19. storočia a celé 20. storočie bolo nepretržitým triumfom mazanice v umení.

Od chvíle, keď sa zrodila moderná maľba, za otca ktorej sa považuje Talian Giotto di Bondone (1267-1337), a v priebehu niekoľkých nasledujúcich storočí sa prehĺbila umelcova zručnosť zobrazovať realitu na akomkoľvek povrchu vhodnom na kreslenie (plátno, stena ) získal prvé miesto v hodnotení práce alebo tabule). Fotografia vtedy ešte neexistovala, no mnohí chceli mať vlastný portrét alebo obraz svojich príbuzných. Oceňované boli aj výhľady na okolité lesy a polia. V bytoch si stále radi vešiame reprodukcie rôznych obrazov a finančne zdatným vieme zavesiť aj samotné originály. Bohatí ľudia si v stredoveku radi zdobili aj steny svojich domov a hradov umeleckými dielami a niektorí z bohatých zbierali obrovské zbierky. Niektorí to robili z lásky k maľovaniu, iní - aby zlepšili svoje postavenie.

Okrem bohatých potrebovala cirkev aj umelecké diela. Cirkev nepotrebovala obrazy, ktoré zobrazovali skutočný život – potrebovala biblické výjavy, ktoré by vyzerali reálne – ako fotografie skutočných udalostí (hoci vtedy o fotografiách nemali ani poňatia). Ľudia museli veriť v Krista, Máriu, apoštolov a iné náboženské postavy, a preto museli biblické postavy vyzerať ako živí ľudia.

Nech boli požiadavky zákazníkov akékoľvek, také boli obrazy. Bláznivé nápady, načrtnuté na plátno nešikovnou rukou, neboli nikomu na nič. Nikto by si nekúpil svoj portrét, ktorý by sa nepodobal originálu, a už vôbec nie taký, ktorý by sa v zásade nepodobal na podobu človeka. V tých časoch ste na maľovanie portrétu potrebovali umelca, ktorý ovláda maliarske remeslo. Bez profesionála by ste nemohli predávať obrazy a zarábať si na živobytie. Tí, ktorí zbierali obrazy, už nepotrebovali len odliatky z reality - chceli získať exkluzívne veci, ktoré nikto nemôže zopakovať. To znamená, že umelec musel k realistickému obrazu pridať niečo vlastné - určitý jedinečný štýl, aby jeho maľba vynikla medzi množstvom kvalitných ručných prác. Mohla by to byť jedinečná technika ako Leonardo da Vinci, inovatívne využitie svetla a tieňa ako Van Eyck, fantastické obrázky ako Bosch...

15.-17. storočie v Európe je rozkvetom svetového maliarstva. Dovtedy sa v ekonomicky vyspelých krajinách Európy (Benátky, Florencia, Holandsko, Flámsko, Nemecko) objavil dostatočný počet zákazníkov pre obrazy - vďaka tomu sme získali celú plejádu vynikajúcich umelcov, ktorých diela dodnes zdobia najznámejšie múzeá na svete. Spolu s takými všeobecne uznávanými veľkými maliarmi renesancie ako Leonardo da Vinci, Raphael a Michelangelo Buonarroti v tom čase pôsobilo niekoľko desiatok rovnako vynikajúcich umelcov: Holanďania Robert Campin, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Pieter Bruegel starší, Peter Paul Rubens, Antonis Van Dyck, Jan Vermeer, Taliani Giorgione, Titian, Correggio, Caravaggio, Nemci Albrecht Dürer, Hans Holbein mladší, Španiel Diego Velazquez... Všetci mali originálny spôsob zobrazovania reality, ale na zároveň ich spájalo, že všetci písali krásne a výlučne realistické obrazy. Realistické nie dejovo - tie isté biblické obrazy nikdy také neboli. Realistický - založený na podobnosti toho, čo je zobrazené, so skutočným životom. Nikto nekreslil kocky ani štvorce – vraj takto vidí svet, keďže „majstrovské diela“ v takomto štýle by nenašli svojho kupca. Zákazníkmi obrazov v tých časoch boli jednoduchí ľudia - ako náš Nikita Chruščov. Existuje príbeh, ktorý sa raz spýtal na jeden z obrazov na výstave abstraktného umenia: „Čo je to za zadok? Všimol som si, že nikto nikdy nič také nepovedal o obrazoch Raphaela alebo Correggia, vrátane Chruščova - každý, kto má víziu, rozumie tomu, čo je na nich zobrazené: Madony v podobe krásnych žien, a nie nejaké strašidelné a nepochopiteľné stvorenia ako v Picassove. maľby . Každý vynikajúci umelec bol nejakým spôsobom inovátorom, ale všetky inovatívne techniky v maľbe mali zmysel len vtedy, ak umelec dokázal primerane zobraziť život vo všetkých jeho prejavoch. Novosť v obraze bola použitá v záujme realizmu a nie sama o sebe. Dá sa povedať, že maliari sa snažili pracovať ako stavitelia – každý dom musí mať základy, steny a strechu a všetky experimenty boli povolené len v týchto rámcoch.

Ako profesionáli dosiahli renesanční umelci vrchol maliarstva. A môžeme bezpečne povedať, že je nemožné prekonať Raphaela alebo Van Eycka - môžu sa len zopakovať. Alebo vytvorte niečo vlastné, čo je v priebehu rokov čoraz ťažšie. Už v 17. storočí bolo vynikajúcich umelcov menej ako v 16. storočí a v 18. by sa dali spočítať na jednej ruke. Je mimoriadne ťažké vyniknúť na pozadí renesančných majstrov - to je najvyššia úroveň zručností, ktorú v zásade môže dosiahnuť len málokto.

A na takomto pozadí, keď je veľa remeselníkov a je málo vynikajúcich majstrov, sa vo svete umenia odohráva skutočná revolúcia - „veľkí umelci“ sa začali umelo vytvárať. V stredoveku to bolo ťažké- Bez médií sú technológie PR neúčinné, pretože informácie sa musia prenášať prostredníctvom fám, ktoré ich skresľujú. Najmä pokiaľ ide o šírenie informácií na veľké vzdialenosti. Len médiá dokážu rýchlo a efektívne vytvoriť a vniesť do masového povedomia obraz akéhokoľvek predmetu (produktu, značky) ako ideálneho a potrebného v živote. Nie je náhoda, že keď v druhej polovici 19. storočia začala čoraz významnejšiu úlohu v živote štátov západnej Európy, ktoré už vstúpili do éry priemyselnej revolúcie, zohrávať tlač, vtedy „veľkí umelci nového typu“ sa začali objavovať. Inými slovami - bastardi.

Kto presne preorientoval kupcov obrazov na vyslovene mazanice? Je ich veľa. V podstate sú to ľudia, ktorí sa venovali umeleckej kritike v médiách, ako aj tí, ktorí organizovali výstavy. Napríklad kritik Roger Fry „vymyl“ postimpresionistov, Francúz Guillaume Apollinaire pomohol propagovať produkty Matisse a Picasso u spotrebiteľov. Pre maliarsky trh však bol ešte dôležitejší fakt, že sa vo svete objavovalo čoraz viac majetnejších zberateľov – najmä v druhej polovici 20. storočia. Odkiaľ pochádzajú zbierky v situácii, keď sú skutočne výnimočné umelecké diela v štátnych múzeách alebo patria cirkvám, ktoré svoje majstrovské diela nepredávajú za žiadne peniaze? - Z toho, čo sa považuje za módne. Čo sa stalo módnym, kupovali kupci.

Ako vznikla móda pre toho či onoho „malára“? V podstate to všetko začalo škandálom. Samotné predvádzanie hroznej mazanice na verejnosti pod rúškom umeleckých diel znamenalo na konci 19. storočia verejný škandál. Bola to skutočná výzva pre spoločnosť. Ľudia, ktorí videli „toto“, boli rozhorčení, o tom všetkom sa diskutovalo v tlači a bohémskych miestach, sláva autora a jeho obrazov rástla - a tak sa objavila móda pre túto alebo tú postavu. Najprv v úzkych kruhoch a potom, ak ste mali šťastie, sa široká verejnosť dozvedela o vzniku nového „veľkého maliara“. „Ak o tebe hovoria, znamená to, že existuješ“ – to je základné pravidlo PR Ak sa staneš slávnym, tvoje obrazy si aspoň niekto kúpi – bez ohľadu na ich umeleckú hodnotu prostredia si uvedomili, že ide o mazanicu - to je tiež horúci tovar, a tak takéto obrazy doslova zaplavili trh Veľa skvelých maliarov v budúcnosti začínalo s realistickými obrazmi, no časom prešli na mazanice a niektorí už nepotrebovali nič meniť - spočiatku nevedeli kresliť.

V rôznych obdobiach vznikla móda pre jedno umelecké hnutie, potom pre druhé - impresionizmus, postimpresionizmus, abstrakcionizmus, kubizmus, expresionizmus... A móda je hlavným motorom obchodu. Len čo sa z „umelca“ stala značka, odvtedy sa všetko, čo sa pod touto značkou vyrába, „predávalo ako teplé rožky“. Nezáležalo na tom, čo presne ten či onen „umelec“ maľoval – módny priemysel funguje podľa iných zákonov ako remeselný priemysel. Móda pre ten či onen tmel, samozrejme, nevznikla okamžite a najprv „vavríny“ vo forme obrovských peňazí nešli samotným umelcom, ale kupcom obrazov. Šialené sumy peňazí, ktoré sa začali vyhadzovať za módne mazanice na aukciách, sa objavili až koncom druhej polovice 20. storočia. Obrovské množstvo ľudí s ľahkými peniazmi získanými na svetových finančných trhoch, ako aj z drancovania štátneho majetku v Rusku, jednoducho nevedelo, kam ich zaradiť - v dôsledku toho sa akékoľvek výkaly rozmazané na plátne stali mimoriadne populárnou komoditou. .

S kým sa začal triumf mazanice v umení?

Cestu impresionistom a kubistom vydláždil Angličan Joseph Turner, ktorý „stvoril“ v prvej polovici 19. storočia. Jeho jedinou umeleckou zásluhou bolo, že nebol veľmi dobrý v maľovaní krajiny. Mal tiež takmer dobré maľby, ale stal sa známym pre jasné mazanice, ako napríklad plátno „Blížime sa k Benátkam“. Ak by boli Benátky ako na jeho obraze, je nepravdepodobné, že by k nim niekto priplával... Turner svojho času jednoducho šokoval verejnosť, vďaka čomu sa stal slávnym. Je tam jeho karikatúra - Turner stojí pred obrazom so štetcom (ktorým sa vtedy maľovali ploty) a niečo maľuje...

Ako ďalší sa chopil taktovky Francúz Edgar Degas - vedel kresliť a občas vytvoril nádherné obrazy, no Edgara to z nejakého dôvodu ťahalo k maľovaniu tých najškaredších nahých žien, ktoré sa chystali umývať, prali, resp. práve sa kúpali... - Za takéto kresby sú pre neschopnosť vylúčení z 1 kurzu umeleckej školy, ale Degas sa stal populárnym najmä vďaka nim.

Koncom 19. a začiatkom 20. storočia začali muffiny prudko pribúdať.

V tom čase tvorili „veľkí impresionisti“ Claude Monet (ktorého si netreba zamieňať so slávnym umelcom Edouardom Manetom) a Auguste Renoir. Renoir vedel kresliť, no podobne ako Degas často prepadol vyslovene čmáraniu. Monet sa spočiatku tiež snažil stať sa skutočným umelcom, ale uvedomil si, že neuspeje - v dôsledku toho ho možno nazvať jedným z najjasnejších pokračovateľov diela Josepha Turnera - Monetove krajiny sú takmer také hrozné ako tie jeho predchodca.

Jeho hlavným „majstrovským dielom“ je „Rouenská katedrála, západná fasáda v slnečnom svetle“ – typické detské čmáranice. Monet zaklincoval mnoho diel v podobnom „štýle“ a všetky sú stále populárne: „Lekná“ (bez názvu hneď nespoznáte, že ide o ľalie na vode...) išli do aukcie za 36,7 milióna dolárov ( 2007), „Waterloo Bridge“ (na obrázku nižšie) predaný za 35,9 milióna dolárov (2007),

„Jazierko s leknami...“ (v porovnaní s „Mostom Waterloo“ ho možno nazvať aj maľbou) – za 33 miliónov dolárov (1998). V roku 2009 uskutočnil denník Times medzi čitateľmi prieskum, na základe ktorého určil najobľúbenejších umelcov 20. storočia - Claude Monet obsadil 4. miesto!

Na prelome storočí sa k biznisu dostali aj postimpresionisti: Vincent Van Gogh, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt. Ktorý z nich bol v našej dobe „väčším“, alebo inými slovami, módnejším umelcom? Cézanne má aspoň jeden obraz, ktorý možno označiť za „zaujímavý“ – namaľoval ho vo veku 27 rokov. Potom išlo všetko oveľa horšie – bez osvety mazanica za mazanicou. Napriek tomu rozhodne nie je „najväčší“. Ceny niektorých jeho obrazov sa pohybujú v desiatkach miliónov dolárov (najdrahší z nich, „Zátišie s džbánom a závesmi“, bol zakúpený za 60,5 milióna dolárov (!)), no popularita jeho diel medzi zberateľmi je vysoká. jednoznačne nižšia ako popularita Gauguinových diel, a ešte viac Van Gogh, ale čitatelia The Times zaradili Cezanna na 2. miesto medzi umelcami 20. storočia!

Psychicky chorý Van Gogh maľoval ako netalentovaný 5-7 ročný chlapec, ktorý nikdy nevyrástol. Svojho času sa liečil na psychiatrickej klinike, no nepomohlo to a vo veku 40 rokov spáchal samovraždu. Jeho biografia je skôr biografiou „veľkého umelca“. Svedčia o tom ceny jeho obrazov - 40,3 milióna dolárov za strašidelný portrét Madame Ginoux, 40,5 milióna dolárov za „Slnečnice“, 47,5 milióna dolárov za „Sedliačku v slamenom klobúku“, 53, 9 miliónov dolárov za „Irises“, 57 miliónov dolárov za „Pšeničné pole s cyprusovými stromami“, 71 miliónov dolárov za autoportrét a 82,5 milióna dolárov za „Portrét Dr. Gacheta“. Tento Gachet sa mimochodom staral o Van Gogha krátko pred jeho samovraždou - pravdepodobne sa „umelec“ rozhodol pomstiť lekárovi za jeho prácu svojím podpisovým portrétom.

Van Goghov milenec Gauguin maľoval ako chlapec o niečo starší ako Van Goghov chlapec. To je pre neho ako „veľkého umelca“ jasná nevýhoda. Navyše, Gauguin nebol taký blázon ako Van Gogh, aj keď v jeho životopise je úžasná epizóda, keď prišiel zostať s Van Goghom a nakoniec si odrezal ucho – to je skutočne silné tvrdenie o „veľkosti“! Dopyt po Gauguinových obrazoch však nie je taký veľký ako po Van Goghovi – len niekoľko jeho obrazov sa predalo za viac ako 30 miliónov dolárov.

Takmer trpaslík Toulouse-Lautrec bol blázon do škaredých francúzskych dievok, ktoré stelesnil vo svojich rovnako škaredých obrazoch. Ak sa pozriete na obrázok nižšie, s kódovým názvom „Whores on Examination“, budete mať predstavu o kreatívnom štýle Toulouse-Lautrec.

Bol skôr majstrom skicovania, no nikdy sa nedostal k maľovaniu plnohodnotného obrazu. V porovnaní s Gauguinom a Van Goghom je Toulouse-Lautrec úplne nepopulárny a nórsky Munch s nimi zjavne nie je na rovnakej úrovni, hoci jeho životopis je veľmi dobrý: neustále trpel strašnými depresiami a niekoľkokrát sa liečil na duševné poruchy. Niekoľko jeho obrazov sa nachádza na zozname „100 najdrahších obrazov v histórii“, ale to je všetko.

Ale Rakúšan Gustav Klimt je skutočne najväčší postimpresionista. Nie je o nič menej populárny ako Van Gogh a jeho najdrahší obraz bol kúpený za 135 miliónov dolárov! A čo je pre veľkého umelca 20. storočia najprekvapujúcejšie je, že obraz zobrazuje ženu s ľudskou tvárou! Všetok zostávajúci priestor zaberá typická mazanica, ale tvár sa ukázala ako realistická. A ďalšie obrazy Klimta, kde sú vyobrazení ľudia, sú podobné tomuto obrázku - rovnaké tváre medzi „postimpresionistickými“ mazanicami.

Ľudia tiež rešpektujú Klimta - 3. miesto medzi najlepšími umelcami 20. storočia - iba Picasso a Cezanne sú vpredu.

Prenesme sa do 20. storočia. Ako napísala Wendy Beckettová vo svojich Dejinách maľby: „V umení 20. storočia vládnu dvaja ľudia: Henri Matisse a Pablo Picasso. Ťažko povedať, prečo práve títo dvaja, pretože takých idiotov boli stovky, no spôsoby módy sú nevyspytateľné. Pablo, mimochodom, obsadil 1. miesto v čitateľskej ankete Times.

Španiel Pablo Picasso vedel kresliť, ale nechcel. Bol ďaleko od úrovne Da Vinciho (kto tomu neverí, pozrite sa na jeho raný obraz „Chlapec s fajkou“ - nie zlý, ale nie vynikajúci) a jednoducho dobré obrazy už v 20. storočí neboli relevantné. Daubing sa stal čoraz viac módnym a Pablo sa rozhodol plávať podľa vôle vĺn. A urobil to skvele!

V roku 1907 namaľoval obraz „Les Demoiselles d'Avignon“ - stal sa prvým dielom v kubistickom žánri. Umelec sa najprv hanbil ukázať tieto nezmysly cudzím ľuďom, čo je vo všeobecnosti pochopiteľné: z obrázka na vás hľadí päť úplne strašidelných stvorení a ukazovať takýto nezmysel ostatným je to isté, ako verejne vyhlasovať: Som šialený! Som úplný psychopat! Avšak, Pablo riskoval vystavenie svojho „majstrovského diela“ a mal som pravdu. Nikto ho nedal do nemocnice a Picasso naďalej poškodzoval jeho plátna. Uviedol do praxe postulát dialektického materializmu: kvantita sa rozvíja v kvalitu. V tomto prípade - do povesti. Picasso maľoval asi 70 rokov a nie je prekvapujúce, že sa stal najobľúbenejším maliarom súčasnosti.

Jeho „Portrét Dory Maar“ (kúpený za 95,2 milióna dolárov na aukcii v roku 2006, na obrázku vyššie), „Žena sedí v záhrade“ (49,5 milióna dolárov v roku 1999), „Dream“ (48,4 milióna dolárov v roku 1997), „Nahé v čiernom Stolička“ (45,1 milióna dolárov v roku 1999) – vstúpila do „zlatého fondu“ mazancov 20. storočia.

V 20. storočí bolo veľa slávnych machrov - oveľa viac ako veľkí umelci v renesancii, čo nie je prekvapujúce: lámanie nie je stavanie, poškodzovanie plátna nie je maľba. Na tomto poli sa presadili aj naši Vasya Kandinsky a Kazimir Malevich – aj keď sú vynikajúci, na svetové pomery to nie sú žiadni šašovia. Samozrejme, Rusi majú svoju osobitnú spiritualitu, ale v mazanici to nie je príliš viditeľné. V polovici 20. storočia v nej začali udávať tón Američan Pollack a Holanďan de Kooning – „abstraktní expresionisti“.

Všetko v našom svete je relatívne a na pozadí Pollacka a jeho bratov aj Monet či Gauguin vyzerajú ako dobrí umelci. Umeleckí kritici nazvali tento najvyšší stupeň mazania „abstraktným expresionizmom“ a povedal by som, že je to úplne senilná mazanica! Jeho najvýraznejšími predstaviteľmi boli nielen spomínaní Willem de Kooning a Jackson Pollack, ale aj Mark Rothko, Američan ruského pôvodu. Tieto tri sú jednoducho vrcholom mazanice 20. storočia!

Abstraktný expresionista je človek, ktorý v zásade nemaľuje. Van Gogh vedel kresliť aspoň na úrovni 5-ročného dieťaťa, no Pollack na túto úroveň ani nedosiahol. Aby sme citovali „Dejiny maľby“ od Wendy Beckettovej: „Pollack bol prvý, kto opustil štetec, paletu a všetky konvencie predmetu. Tancoval v extáze po plátnach rozprestretých na podlahe, úplne ponorený do kreativity, špliechal a lial farbu pod úplnou kontrolou. „Maľba,“ povedal, „žije svojím vlastným životom. Snažím sa jej to dovoliť." Tu ani nie je čo komentovať - ten muž bol veľmi, veľmi chorý. Fotografia jeho maľby to potvrdzuje.

Mark Rothko je ešte horší umelec ako Pollack. Poviete si, že to nemôže byť – veď som práve povedal, že Pollack nevedel kresliť. Možno! Pollackove obrazy prinajmenšom pripomínali chaotické tapety, kým Rothkove sú jednoducho plátna maľované rôznymi farbami – napríklad vrchná časť je čierna a spodná sivá. Alebo ešte „výnimočnejšia práca“ - farba je karmínová naspodku, nejaký druh tmavožltej hore a biela v strede.

Obraz sa volá „White Center“ a bol zakúpený v Sotheby's v roku 2007. za 72,8 milióna dolárov. - takmer 73 miliónov za plátno poškodené farbami! A toto je, mimochodom, 12. miesto v zozname najdrahších obrazov na svete! Ale najdrahší obraz na svete dnes (2010) patrí Jacksonovi Pollackovi a volá sa „No 5“ – predaný v roku 2006 v Sotheby’s za 140 miliónov dolárov! Západný svet nie je plný len bláznivých umelcov – existuje obrovské množstvo bláznivých milionárov. Obyčajní ľudia, mimochodom, tiež nie sú na Západe veľmi zdraví – v ankete denníka Times obsadil Pollack 7. miesto medzi najobľúbenejšími umelcami 20. storočia.

Jeho, ako sa hovorí, „večný rival“ Willem de Kooning sa v tejto ankete umiestnil na 9. mieste. Nazval by som ho najvtipnejším zo všetkých muffinov. Kooningov najdrahší obraz „Žena č. 3“ (kúpený v roku 2006 za 137,5 milióna dolárov!) vyvolá záchvat smiechu u každého zdravého človeka. Ešte vtipnejšie je „Žena s bicyklom“.

Myslím, že Willem mal nejaké problémy so ženami, a tak sa im pomstil sofistikovaným spôsobom.

Na príkladoch Pollacka, Kooninga a Rothka jasne vidíme, do čoho sa dnes trh s umením dostal. Keby bol Chruščov nažive, povedal by: na úplný zadok!

Takže vďaka magickej sile Pu blické vzťahy čmáranice niektorých duševne vyšinutých jedincov boli uznávané ako vynikajúce maliarske diela a postavené na rovnakú úroveň ako obrazy veľkých umelcov renesancie. Prvýkrát sa sila PR tak jasne prejavila práve pri propagácii dudov. Až do 19. storočia PR efektívne pôsobili len v politike (história a náboženstvo slúžili aj politickým účelom a nemožno ich posudzovať izolovane od politiky). V prípade vyhlasovania priemerných tupcov za brilantných umelcov sa stretávame s javom, keď PR sa osvedčil v oblasti módy. A bolo to také efektívne a trvalé, že aj teraz, viac ako storočie po tom, čo sa mazanica netalentovaných psychopatov stala módou, stretávame veľa ľudí, ktorí úprimne veria, že Van Gogh je veľký umelec. Ešte viac miliónov vie, kto je Van Gogh. Niekoľko stoviek bohatých flákačov, ktorí nevedia, čo so svojimi peniazmi, nakupuje na aukciách módne mazanice. Všetci ostatní počúvajú o jednom mnohomiliónovom nákupe mazanice, potom o ďalšom. No, nemôžu zaplatiť 30 miliónov dolárov za explicitné výkaly? - takto uvažuje bežný človek. - Môžu, môžu... Hlavné je, že je to módne.

Alebo je to len objektívne potvrdenie toho, že originály týchto „majstrovských diel“ sú v skutočnosti len prefláknutou mazanicou, ktorú je možné jednoducho skopírovať?

Zatvorenie Centra vizuálnej kultúry na Akadémii v Mogile viedlo nielen k búrlivým sporom v spoločnosti. Ale tiež ma to prinútilo zamyslieť sa nad tým, čo všetko sa pod rúškom umeleckých diel ponúka.

Škandál v amerických umeleckých kruhoch! Desiatky obrazov, ktoré boli považované za novoobjavené majstrovské diela abstraktnej maľby, sa ukázali ako falošné. Čo je to - fatálna chyba odborníkov alebo neuveriteľný talent podvodníkov? Alebo je to len objektívne potvrdenie, že originály týchto „majstrovských diel“ sú v skutočnosti len dobre propagovanou mazanicou, ktorú je možné jednoducho skopírovať?

Pred takmer 17 rokmi vošla do luxusných priestorov galérie Knoedler & Company menej známa obchodníčka s umením z Long Islandu v štáte New York Glafira Rosales s obrazom, ktorý podľa nej namaľoval umelec Mark Rothko (a popredný predstaviteľ umeleckého hnutia). .n.

Ann Friedman, novej prezidentke Knoedler, najstaršej umeleckej galérie v New Yorku, ukázala malú tabuľu s dvoma tmavými mrakmi na bledom broskyňovom pozadí.

„Táto práca ma hneď na prvý pohľad zaujala,“ spomínala neskôr pani Friedmanová. Bola taká zanietená, že si prácu nakoniec kúpila pre seba.

Počas nasledujúcich desiatich rokov pani Rosales často navštevovala kaštieľ Knoedler Gallery s bohato zdobeným stropom, ktorý niesol diela slávnych modernistických umelcov: Jacksona Pollocka, Willema de Kooninga a Roberta Motherwella.

Všetky sa objavili na trhu po prvýkrát. Všetko, povedala, patrilo zberateľovi, ktorého pani Rosales odmietla vymenovať.

Obrazy s nadšením prijala galéria Knoedler aj Ann Friedman: ďalej sa predalo najmenej dvadsať diel, z ktorých jedno vyšlo na 17 miliónov dolárov.

Dnes rad odborníkov nazýva tieto diela falšovaním. Jeden bol na základe rozhodnutia súdu oficiálne označený ako „falošný“, zatiaľ čo iné vyšetruje FBI. Galéria Knoedler po 165 rokoch podnikania zatvorila svoje brány a žaluje klienta, ktorý si kúpil jeden z Rosalesových obrazov (galéria tvrdí, že zatvorenie bolo obchodné rozhodnutie súvisiace so súdnym sporom). V žalobe je uvedená aj pani Friedmanová, ktorá stále tvrdí, že obrazy sú pravé.

V posledných rokoch sa udialo len málo udalostí, ktoré otriasli trhom s umením tak, ako tento tajomný príbeh o tom, ako neznámy obchodník s umením dokázal objaviť ohromujúce množstvo neznámych umeleckých pokladov, ktoré vytvorili titáni abstraktného expresionizmu. Každé z možných vysvetlení nesie so sebou bremeno nepravdepodobnosti.

Ak sú maľby skutočné, prečo potom farba na niektorých z nich obsahuje pigmenty, ktoré v čase ich vzniku ešte neboli vynájdené?

Ak sú falošné, kto sú potom títo nadprirodzene talentovaní falšovatelia, ktorí dokázali odborníkov zavádzať?

A ak sú obrazy skutočné, ale ukradnuté, prečo sa ich majitelia neprihlásili, keď sa tento príbeh dostal na verejnosť?

Žiaľ, jediná osoba, ktorá by mohla túto záhadu rozlúštiť, pani Rosalesová, odmieta hovoriť aspoň verejne. Zo súdnych dokumentov a rozhovorov s ďalšími účastníkmi kauzy však uniklo viacero podrobností. A je ich dosť na to, aby opísali, čo sa stalo.

55-ročná Rosales, charizmatická a vzdelaná žena mexického pôvodu, a jej manžel Jose Carlos Bergantinos Diaz, pôvodom zo Španielska, kedysi viedli malú galériu King Fine Arts, ktorá sa nachádza na Manhattane na West 19th Street. Dvojica, ktorá mala účty v popredných aukčných domoch Sotheby's a Christie's, v súdnom svedectve uviedla, že vlastnila alebo predávala obrazy slávnych umelcov vrátane Andyho Warhola, ktorého Bergantinos označil za priateľa.

Na základe týchto údajov sa zdá zvláštne, že pani Rosales kontaktovala sprostredkovateľov, ako je galéria Knoedler, ktorej provízie „odhryzli“ jej vlastné provízie. Časť odpovede na to môže spočívať vo vzdialenosti medzi statusmi, ktoré Rosales a Friedman obsadili vo svete umenia.

Vysoká, veľmi štíhla a veľmi sebavedomá pani Friedmanová viedla jednu z najuznávanejších galérií v Spojených štátoch. Stretla sa na raňajkách so špičkovými zberateľmi, kupcami, ktorí bez mihnutia oka vysolili niekoľko miliónov za plátno. S manželom, obchodníkom s nehnuteľnosťami Robertom Friedmanom, boli sami zberateľmi.

Obe ženy predstavil zamestnanec galérie Jayme Andrade, ktorý sa na kokteilovej párty skrížil s pani Rosalesovou. Podľa Ann Friedman jej Rosales najprv povedala len to, že zastupuje záujmy svojho priateľa, ktorý má nehnuteľnosti v Mexico City a Zürichu a ktorého meno súhlasila utajiť. Nie je to žiadne prekvapenie, vysvetlil Friedman, súkromní zberatelia často radšej zostávajú v anonymite. Postupom času sa však objavili ďalšie podrobnosti o majiteľovi. Rosales jej povedala, že obraz zdedila po svojom otcovi, ktorý obrazy zbieral s pomocou Davida Herberta, newyorského dílera, ktorý zomrel v roku 1995.

Herbert údajne plánoval na základe týchto diel vytvoriť novú galériu, ktorú by financoval majiteľ zbierky. Obaja zakladatelia však utiekli a obrazy sa nakoniec dostali do zberateľskej pivnice, kde sa zachovali až do jeho smrti.

Pani Rosalesová má Herbertov portrét od Ellswortha Kellyho, ktorý bol nedávno súčasťou výstavy v Brooklynskom múzeu. Nemá však žiadne záznamy o vlastníctve asi dvoch desiatok modernistických obrazov, ktoré priniesla na trh.

Predaj diel slávneho umelca bez dokladov potvrdzujúcich ich pôvod je zriedkavá situácia. Ann Friedman sa podľa nej zaoberala obrazmi, ku ktorým neexistovali žiadne dokumenty a ktoré teoreticky, ako povedal jeden právnik, mohli byť namaľované „v garáži pani Rosalesovej“ a sústredila sa na to, na čom skutočne záležalo: na kvalitné diela ako také. .

A boli výnimočné,“ povedal Friedman. Pozvala niekoľko odborníkov, aby otestovali svoje vlastné dojmy z obrazov Rothka, Pollocka, Barnetta Newmana, Clyfforda Stillsa a iných – obrazy, ktoré poskytol Rosalesov predajca. Claude Chernushi, ktorý je autorom knihy o Pollockovi, potvrdil pravosť malého obrazu „Bez názvu, 1950“, podpísaného „J. Pollock." Národná galéria umenia, ktorá má silnú zbierku Rothkových diel na papieri, uviedla, že dva Rothkove obrazy boli skutočné.

Do roku 2000 si pani Friedmanová sama kúpila tri obrazy, ktoré ponúkal Rosales: Rothko z ich prvého stretnutia „Bez názvu 1959“ za 200-tisíc dolárov, Pollock za 300-tisíc a Motherwell za 20-tisíc. „Ak by mala Ann Friedman o týchto dielach nejaké pochybnosti, ona a jej manžel by do nich neinvestovali státisíce dolárov,“ povedal v tomto prípade jej právnik.

Mraky sa začali sťahovať v roku 2003, keď chcel vysoký manažér investičnej banky Goldman Sachs potvrdiť pravosť Pollockovho (údajného) obrazu „Bez názvu, 1949“, ktorý kúpil v galérii Knoedler. Cortin daroval Medzinárodnej nadácii pre umelecký výskum, nezávislej neziskovej organizácii. A po analýze anonymná komisia odmietla potvrdiť pravosť obrazu, čím spochybnila jeho štýl a pôvod.

Kupujúci požadoval vrátenie peňazí. Pani Friedmanová mu bez meškania dala dva milióny dolárov a plátno pokryté bielymi, čiernymi a červenými škvrnami získala sama - v spolupráci s galériou a priateľom, kanadským divadelným impresáriom Davidom Mirvishom. Pán Mirvish, sám bývalý obchodník s umením, povedal, že ho anonymné hodnotenia nezaujímajú (on a Knoedler tiež investovali do dvoch ďalších diel Pollocka, ktoré poskytol Rosales).

Odhady však boli získané aj z iných zdrojov. Mirvish v roku 2006 priviedol do galérie umelca Franka Stellu, ktorý bol súčasníkom abstraktných expresionistov. Po preskúmaní niekoľkých obrazov, ktoré pochádzajú z Rosales, Stella uviedla: „Každý z nich je príliš dobrý na to, aby bol skutočný, ale keď ich vidíte v celkovom kontexte, ako skupina, uvedomíte si, že sú skutočné,“ - aspoň to je to, čo hovorí sa, že Ann Friedmanová svedčila na súde o rozhovore.

Najpôsobivejšie je, že obrazy „od Rosalesa“ získali potvrdenie na trhu. Pani Friedmanová vypovedala, že prostredníctvom Knoedlerovej galérie predala celkovo 15 alebo 16 diel v celkovej hodnote od 27 miliónov do 37 miliónov dolárov.

Najdrahším obrazom bol Untitled 1950, údajne od Pollocka, ktorý v roku 2007 cez sprostredkovateľa získal riaditeľ hedžového fondu v Londýne menom Pierre Lagrange. Galéria spolu s pánom Mirvishom kúpila obraz zobrazujúci spleť čiernych, červených a bielych čiar na jasnom striebornom pozadí pred niekoľkými rokmi za 2 milióny dolárov. Lagrange zaplatil 17 miliónov.

A toto je pravý Pollock. A ako to, že si odborníci okamžite nevšimli, aké sú tieto čiary napísané na plátne lepšie ako čiary napísané na falošnom plátne?

Niekoľko dní po dohode s Lagrangeom pozvala pani Friedmanová do galérie Knoedler niekoľko zamestnancov neziskovej nadácie Daedalus Foundation, ktorú vytvoril Robert Motherwell na ochranu umeleckého dedičstva modernizmu. Chcela, aby videli jej poslednú Motherwell.

Bol to siedmy obraz, ktorý obchodník s umením Rosales predal za osem rokov Friedmanovi alebo inému newyorskému predajcovi Julianovi Weissmanovi. Zdá sa, že obraz s veľkými čiernymi ťahmi a škvrnami roztrúsenými po plátne patril do významnej série Motherwellovej známej ako Španielske elégie. Pracovníci nadácie už niekoľko z týchto nových „elégií“ videli a uznali ich za autentické.

Ale niekoľko týždňov po návšteve Knoedlerovej galérie, počas zasadnutia nadačného výboru, niektorí z jej členov začali spochybňovať pravosť podpisov a štýl novoobjavených „elégií“. Prezident nadácie Jack Flem povedal, že sa čoskoro dozvedel, že ďalšie diela „od Rosales“ pripisované Pollockovi a Richardovi Diebenkornovi sa stretli so skepticizmom.

Nie všetci vo fonde sa rozhodli, že treba spustiť poplach. Joan Banachová, osobná asistentka Motherwella a dlhoročná zamestnankyňa trustu, uviedla, že Flem urobil nekvalifikované vyhlásenia o pravosti obrazov, a tým porušil postupy hodnotenia malieb trustu. Následne zažalovala nadáciu s tým, že ju vyhodili kvôli jej kritike pána Flema (nadácia to popiera).

„Skôr áno, ako nie,“ takto hodnotila pani Banachová pravosť obrazov Motherwell, ktoré galéria Knoedler získala prostredníctvom Rosalesa, v súdnych dokumentoch.

Ale predseda nadácie Jack Flem bol odhodlaný dokázať, že tieto obrazy boli sfalšované. Najal si súkromného detektíva, aby vyšetril Rosales a jej manžela, a trval na sérii forenzných vyšetrení.

V jeden chladný januárový večer v roku 2009 sa Flem a Friedman stretli, aby prediskutovali výsledky. Sedeli v nesprávnej hale, kde viseli dve „elégie“, z ktorých jedna patrila pani Friedmanovej. Forenzný vedec dospel k záveru, že oba obsahovali pigmenty, ktoré boli vynájdené desať rokov po rokoch 1953 a 1955, dátumy uvedené na obrazoch.

Ann Friedmanová s týmito zisteniami nesúhlasila. Umelci často dostávali nové pigmenty na experimentovanie ešte predtým, než boli patentované a uvedené na trh. Nadácia Daedalus však stála na svojom: obchodník s umením Rosales, ako sa neskôr potvrdilo v súdnych dokumentoch, bol „kľúčovou osobou, ktorá priniesla na trh sériu siedmich falošných „španielskych elégií“.

Spor o Motherwellove obrazy sa čoskoro dostal až k FBI, ktorá začala vyšetrovanie. Rosalesov právnik priznal, že jeho klientka bola vyšetrovaná, a dodala, že "nikdy vedome nepredala obrazy s vedomím, že sú falošné."

Ann Friedmanová dostala zatykač od FBI v septembri 2009, hoci jej právnik tvrdí, že FBI ju nepovažuje za cieľ vyšetrovania. Nasledujúci mesiac opustila galériu. Friedman aj galéria tvrdia, že vyšetrovanie nemalo nič spoločné s jej prepustením, čo bolo spôsobené Friedmanovou neochotou spojiť Knoedlerovu galériu s inou galériou.

Bolo však oveľa ťažšie zbaviť sa problémov s Rosalesovými obrazmi. Minulý rok sa jedna z „elégií“ stala podkladom pre žalobu írskej galérie, ktorá tento obraz kúpila a po škandále požadovala vrátenie 650 000 dolárov.

Nadácia Daedalus bola zapletená do tohto súdneho sporu, pretože po forenzných testoch to boli oni, kto vyhlásil, že všetky „elégie“ prijaté cez Rosales sú falošné. Vrátane tých, ktoré predtým neformálne uznal za pravé – a medzi nimi bol aj obraz, ktorý bol predaný Írom.

Žaloba bola v októbri stiahnutá. Rosales súhlasil so zaplatením väčšiny nákladov na obraz a právnych poplatkov a samotný obraz bol na žiadosť Nadácie Daedalus vyrazený na zadnej strane nápisom „Fake“ atramentom, ktorý nebolo možné odstrániť. Daedalus raz vyhlásil obraz za skutočný a inokedy za falošný. Napriek tomu druhá strana prostredníctvom svojich právnikov stále tvrdí, že obraz je pravý.

O niekoľko týždňov neskôr sa ďalší obrázok stal príčinou sporu. Pierre Lagrange sa rozvádzal so svojou manželkou a chceli predať „Bez názvu, 1950“. Ale aukcie Sotheby's a Christie's sa týmto obrazom odmietli zaoberať pre pochybnosť jeho pôvodu a absenciu v úplnom katalógu Pollockových diel. Lagrange požadoval, aby Knoedlerova galéria vzala obraz späť a nariadila jeho vlastné forenzné preskúmanie obrazu.

29. novembra prišli výsledky analýzy: dva žlté pigmenty použité na maľbe boli vynájdené až po Pollockovej smrti v roku 1956. Záver bol odoslaný do galérie Knoedler. Na druhý deň oznámila svoje zatvorenie.

V decembri sa Rosales a Friedman opäť stretli – tentoraz sa však stretnutie konalo na federálnom okresnom súde na Manhattane, kam boli predvolaní v reakcii na žalobu pána LaGrangea. Chcel späť svojich 17 miliónov.

Zadná strana tohto obrazu Motherwell je teraz natrvalo označená ako „falošná“. Navyše ten istý umelecký základ, ktorý trval na vzhľade tejto značky, predtým potvrdil pravosť obrazu. foto: Robert Caplin pre The New York Times

Obe ženy sa krátko pozdravili, potom Rosalesová oslovila piaty dodatok americkej ústavy, ktorý občanovi priznáva právo nevypovedať sám seba. Odvtedy podľa ich právnikov nekomunikovali.

Či súdne alebo kriminálne vyšetrovanie dokáže dať presvedčivú odpoveď na záhadu týchto diel, sa dnes už nedá povedať.

Autentickosť je ťažké potvrdiť. Datovacie pigmenty sa vo všeobecnosti považujú za spoľahlivú metódu, no nie je to nevyhnutne rozhodujúci argument. Napríklad generálny riaditeľ Golden Artist Colors Mark Golden, ktorého otec Sam vytvoril experimentálne farby pre umelcov ako Pollock, vyjadril presvedčenie, že jeho otec nikdy nevyrábal žlté pigmenty, ako je ten na spornej maľbe. Poznamenal však, že jednotlivé zložky týchto pigmentov existovali koncom 40. rokov 20. storočia.

V trestných veciach je latka ešte vyššia. Obžaloba musí dokázať, že Rosalesove diela sú falošné – a práve vtedy sa v tejto veci nezhodujú ani odborníci. A ak sú stále falošné, úrady musia dokázať, že sa pani Rosalesová podieľala na podvode a nebola tiež zavádzaná.

Medzitým obraz v strede občianskeho súdneho sporu, Untitled 1950, už nie je hrdým miestom na stene v obývačke pána LaGrangea. Doska s rozmermi 15" x 28" sa v umeleckom svete stala sirotou a je v nejakom umeleckom pekle. A čaká, že bude buď vyvýšené do neba ako majstrovské dielo, alebo odsúdené ako falošné.

Patricia Cohen, New York Times

Preklad z originálu do ukrajinčiny:TEXTY , originál"Vhodné na žalobu" Autor PATRICIA COHEN Zverejnené: 22. februára 2012

Stále verím, že koncept majstrovského diela nemôže byť spoločný pre každého. Nie nadarmo sa hovorí: „Neexistujú súdruhovia podľa chuti a farby“. Značná časť ľudí sa pozrie na obrázok na začiatku príspevku a povie si – je to mazanica, iná časť ľudí sa pozrie na Da Vinciho „La Gioconda“ a povie si – obyčajná teta, čo je na tom zlé. To je vo všeobecnosti normálne, ale ak áno, o aké majstrovské diela ide. Majstrovské dielo môže byť niečo tak všeobecne uznávané, že sa nikto neodváži bagatelizovať alebo povedať, že to nie je cool! No, povedzme. Alebo možno niečo také, čo je všeobecne uznávané, vôbec neexistuje, alebo sa raz objaví, ale teraz sa často uspokojíme s miestnymi majstrovskými dielami pre určitú skupinu ľudí.

Napríklad mňa, ktorý považujem za majstrovské diela, vždy zaujímalo, ako také majstrovské diela, ako je prvá fotka v príspevku, vznikajú.

Ale toto...

... vrchol diela Wassily Kandinského "Kompozícia VII. 1913". Predstavte si začiatok dvadsiateho storočia – éru zmien vo všetkých sférach života a umenia. Bokom nezostalo ani maľovanie. Umelci hľadali nové formy vyjadrenia vo výtvarnom umení. Abstrakcionizmus sa stal logickým pokračovaním kubizmu a futurizmu. Kandinsky sa stal jedným z najvýznamnejších predstaviteľov tohto hnutia

Wassily Kandinsky pri práci, 1936.

Osobne sa mi zdá, že plátno zobrazuje jednoducho škvrny a škvrny. Bol som však zvedavý, že predtým, ako začal maľovať obraz, umelec vykonal veľa prípravných prác. Urobil viac ako tridsať skíc ceruzou, olejom a akvarelom. Kandinskij namaľoval samotné plátno za štyri dni od 25. do 28. novembra 1913.

Wassily Kandinsky pri svojom stojane, 1936

Odborníci o umelcovi hovoria, že to bol synestét, ktorý vnímal svet po svojom. Videl zvuky, počul farby. „Kompozícia VII“ pozostáva z farebných fragmentov rôznej intenzity, poprepletaných ostrými a hladkými kombináciami. Historici umenia pri štúdiu archívov umelca dospeli k záveru, že Vasily Vasilyevič vo svojom obraze zobrazil niekoľko tém: vzkriesenie z mŕtvych, súdny deň, potopu a rajskú záhradu. ani neviem ako sa mam v tomto citit. Buď to možno považovať za nejaký fakt, alebo je to všetko vymyslené a „vymyslené zo vzduchu“ pre tých, ktorí tomu stále nič nerozumejú.

No niečo také:

alebo tak

Sám autor opísal výtvor takto: „Ružovo-biela pena tak, že akoby ležali mimo rovinu plátna alebo nejakej inej, ideálnej roviny. Skôr sa vznášajú vo vzduchu a vyzerajú, akoby boli zahalené parou. Podobný nedostatok roviny a neistotu vzdialeností možno pozorovať napríklad v ruskom parnom kúpeli. Muž stojaci uprostred pary nie je ani blízko, ani ďaleko, niekde je. Poloha hlavného stredu – „niekde“ – určuje vnútorný zvuk celého obrazu. Na tejto časti som veľa pracoval, kým som nedosiahol to, čo bolo najprv len mojou nejasnou túžbou, a potom sa to vnútorne vyjasňovalo a jasnejšie.“

Už dlho ste si chceli vyskúšať maľovanie, ale nemohli ste sa rozhodnúť vziať do ruky štetec a paletu a postaviť sa k stojanu? Myslia si všetci okolo vás, že vaše tvorivé úsilie je úbohá mazanica? Preto ste porazený! To znamená, že ako dobrá útecha vám poslúži výber obrazov kanadskej umelkyne Kim Dorland. Alebo možno aj inšpirácia.

Odborníci nazývajú Dorlandovo dielo „naivným umením“, zlomyseľní kritici ho nazývajú nedbalým mazaním a obdivovatelia jeho originálneho talentu veria, že obrazy, ktoré Kim vytvára, sú psychologicky a štylisticky neočakávané. A to je pravda – nikto nečaká, že namiesto sľubovaných krajiniek a portrétov uvidí plátno pokryté farbou, na ktorej navyše autor nechal nie úhľadné ťahy a línie, ale hrubé brázdy. Ako keby traktor jazdil po pohnojenom a mokrom poli...

Princíp, ktorým Kim Dorland maľuje svoje originálne obrazy, možno opísať jednou krátkou frázou: „hlavnou vecou je nešetriť farbou. Veď keď sa dobre pozriete, obrazy sú doslova poškriabané na hrubej vrstve oleja, ktorou autor svoje plátna štedro potiera. Ukazuje sa, že obrazy nie sú maľované, ale vyrezávané, akoby to boli sochy.

A umelec sa nesnaží o presnosť a realizmus. Tvorí osobitým štýlom, akýmsi detským abstrakcionizmom, bez starostí o zachovanie proporcií, či dodanie objemu obrazom či estetiku plátien. Zdá sa, že hlavnou úlohou autora je hádzať farbu na plátno tak nenútene, ako je to možné, ľavou rukou spod pravého kolena, pridávať škvrny - toto je maľba!
Aj keď sa môže celkom dobre stať, že len my, obyčajní ľudia, si myslíme, že kreslenie týmto spôsobom je ľahké a jednoduché. Napokon, tak či onak, Kim Dorland sa pomerne často zúčastňuje výstav, jeho obrazy sú prezentované v galériách v Toronte, kde žije a tvorí, a celkom úspešne predáva svoje diela v Kanade i ďalekom zahraničí.