Artistët bashkëkohorë të Spanjës. Dhjetë spanjollët më të famshëm
Foto - Një ëndërr e shkaktuar nga fluturimi i një blete rreth një shege, një sekondë para se të zgjohej.
Viti i krijimit - 1944,
Vaj në pëlhurë 51×40,5 cm
Muzeu Thysenna-Barnemisza, Madrid
Nëse i besoni historitë e Dali-t, ai po dremiste në një kavalet, duke mbajtur një çelës, një furçë ose një lugë në dorë. Kur një objekt ra dhe goditi një pjatë që ishte vendosur paraprakisht në dysheme, zhurma e zgjoi artistin. Dhe menjëherë iu fut punës derisa gjendja mes gjumit dhe realitetit u zhduk.
Dali tha për pikturën: "Qëllimi ishte për herë të parë të përshkruante llojin e gjumit të gjatë dhe të lidhur të zbuluar nga Frojdi, i shkaktuar nga një ndikim i menjëhershëm, nga i cili ndodh zgjimi".
Frojdi e përshkroi atë si një ëndërr, komploti i së cilës shkaktohet nga disa irritues nga jashtë: nënndërgjegjja e personit të fjetur e identifikon këtë ngacmues dhe e kthen atë në imazhe që kanë një ngjashmëri të caktuar me burimin e acarimit. Nëse ngacmuesi paraqet një kërcënim në realitet, atëherë në ëndërr do të marrë një pamje kërcënuese, e cila do të provokojë zgjimin.
Në fund të fotos është një grua e zhveshur e fjetur, sikur noton mbi një pllakë guri, e cila është larë nga deti. Deti në veprën e Dalit do të thotë përjetësi. Frojdi e krahasoi psikikën njerëzore me një ajsberg, nëntë të dhjetat e zhytur në detin e të pandërgjegjshmes.
Gruaja në foto është Gala, të cilën artisti e konsideroi frymëzimin dhe veten e tij të dytë. Ajo sheh ëndrrën e përshkruar në foto dhe është në kufirin e dy botëve - reales dhe iluzores, duke qenë njëkohësisht e pranishme në të dyja.
Një grua dëgjon një bletë që gumëzhinën mbi një shegë në ëndërr. Imazhi i një shege në antike dhe Simbolika e krishterë do të thotë rilindje dhe pjellori.
"E gjithë biologjia jetëdhënëse lind nga një shegë që shpërthen," komentoi vetë artisti për pikturën.
Mendja nënndërgjegjeshëm sinjalizon se insekti mund të jetë i rrezikshëm dhe truri reagon duke krijuar imazhe të tigrave që vrumbullojnë. Një kafshë kërcen nga goja e një tjetre, dhe pastaj nga ana tjetër del nga goja e hapur e një peshku që del nga një shegë e madhe që varet mbi atë që fle. Kthetrat dhe dhëmbët e mprehtë janë një simbol i frikës nga pickimi i insektit, ashtu siç është një armë me bajonetë që do të zhytet në dorën e gruas.
"Elefanti i Berninit në sfond mbart një obelisk dhe atributet e papës," artisti po la të kuptohej një ëndërr për funeralin e Papës, të cilën Frojdi e pa për shkak të ziles së këmbanave dhe u citua nga një psikiatër si shembull i një lidhje e çuditshme midis komplotit dhe një stimuli të jashtëm.
Elefanti nga Piazza Minerva në Romë, i krijuar nga mjeshtri barok Giovanni Lorenzo Bernini si një piedestal për një obelisk të lashtë egjiptian, më vonë u përshkrua më shumë se një herë nga Dali në piktura dhe skulpturë. Këmbët e holla të bashkuara janë një simbol i brishtësisë dhe jorealitetit të natyrshëm në gjumë.
Pablo Picasso, Guernica
Pikturë - Guernica
Viti i krijimit: 1937.
Kanavacë, vaj. 349 x 776 cm
Qendra e Arteve Reina Sofía, Madrid
Piktura u pikturua në maj 1937 me urdhër të qeverisë së Republikës Spanjolle për pavionin spanjoll në Panairi Botëror Në Paris.
Pëlhura ekspresive e Pikasos u bë një protestë publike kundër bombardimeve naziste të qytetit bask të Guernicës, kur disa mijëra bomba u hodhën mbi qytet në tre orë; Si rezultat, popullsia prej gjashtë mijë Guernica u shkatërrua, rreth dy mijë banorë u bllokuan nën rrënoja.
Piktura e Pikasos është plot me ndjenja personale vuajtjeje dhe dhunë.
Në anën e djathtë të figurës, figurat ikin nga një ndërtesë që digjet, nga dritarja e së cilës bie një grua; në të majtë, një nënë që qan mban fëmijën e saj në krahë dhe një dem triumfues shkel një luftëtar të rënë.
Shpata e thyer, lulja dhe pëllumbi i grimcuar, kafka (e fshehur brenda trupit të kalit) dhe poza si kryqëzim e luftëtarit të rënë janë të gjitha simbole të përgjithësuara të luftës dhe vdekjes.
Në duart e ushtarit të vdekur janë të dukshme stigmatat (plagë të dhimbshme gjakderdhje që hapen në trupin e disa njerëzve thellësisht fetarë - atyre që "vuajtën si Jezusi". Demi simbolizon të keqen dhe mizorinë, dhe kali simbolizon vuajtjen e të pafajshmit.
Disa spanjollë e interpretojnë demin, një simbol i ndeshjeve tradicionale spanjolle me dema, si vetë Spanja, e cila i ktheu shpinën asaj që po ndodhte në Guernica (një referencë për Franko që lejoi bombardimin e qytetit të tij).
Së bashku, këto figura të furishme formojnë një lloj kolazhi, të siluetuar kundër sfond i errët, ndezur me shkëlqim nga një grua me një llambë dhe një sy me një llambë në vend të një bebeje. Piktura njëngjyrëshe, që të kujton ilustrimet e gazetave, dhe kontrasti i mprehtë i dritës dhe errësirës rrit ndikimin e fuqishëm emocional.
Francisco de Goya, Maha nudo
Pikturë - Maha nudo
Viti i krijimit - 1795-1800.
Kanavacë, vaj. 98 x 191 cm
Muzeu Prado, Madrid
Në imazhin e maja - një qytetare spanjolle e shekujve 18-19, artisti, në kundërshtim me kanunet e rrepta akademike, mishëroi llojin tërheqës, Bukuri natyrore. Maha është një grua kuptimi i së cilës në jetë është dashuria. Lëkundjet joshëse, me temperament personifikuan kuptimin spanjoll të atraktivitetit.
Goya krijoi imazhin e Venusit të ri të shoqërisë së tij bashkëkohore, duke treguar me mjeshtëri rininë, sharmin e gjallë dhe sensualitetin misterioz të modelit joshëse.
Gruaja e re është përshkruar në një sfond të errët, kështu që e gjithë vëmendja e shikuesit tërhiqet nga lakuriqësia provokuese e lëkurës së saj të mëndafshtë, e cila bëhet, në fakt, kryesore dhe tema e vetme piktura.
Me shprehje shkrimtar francez dhe historianit të artit Andre Malraux, kjo vepër "nuk është aq epshore sa erotike, dhe për këtë arsye nuk mund të lërë indiferent asnjë person pak a shumë sensual".
Piktura është porositur nga Manuel Godoy, Ministri i Parë i Spanjës, i preferuari i Mbretëreshës Maria Luisa, gruaja e Charles IV. Për një kohë të gjatë ai e fshehu në zyrën e tij. Një pikturë e dytë u pikturua gjithashtu për ta shoqëruar atë - Maha e veshur, të cilën Godoy e vari në majë të Nudos.
Me sa duket, një nga të ftuarit e tronditur denoncoi sensualistin dhe në 1813 Inkuizicioni i konfiskoi të dyja pikturat nga Godoy, duke akuzuar njëkohësisht Goya për imoralitet dhe duke kërkuar që artisti të zbulonte menjëherë emrin e modeles që pozoi për të. Goya, megjithë çdo kërcënim, refuzoi kategorikisht të emëronte këtë grua.
ME dorë e lehtë shkrimtari Lion Feuchtwanger, autor i romanit "Goya, ose rruga e vështirë e dijes", filloi të qarkullojë një legjendë në mbarë botën se maja e zhveshur ishte Maria Cayetana de Silva, Dukesha e 13-të e Albës, me të cilën artisti dyshohet se kishte një histori dashurie.
Në vitin 1945, për të hedhur poshtë këtë version, familja Alba hapi varrin për të matur eshtrat e dukeshës dhe për të vërtetuar se përmasat e saj nuk përputhen me ato të Maçës, por duke qenë se varri ishte hapur tashmë dhe trupi i dukeshës u hodh nga Napoleoni. ushtarët, në gjendjen aktuale nuk mund të merreshin matjet.
Aktualisht, shumica e historianëve të artit janë të prirur të besojnë se pikturat përshkruajnë Pepita Tudo, zonjën e Godoy.
Diego Velazquez, Meninas
Pikturë - Las Meninas
Viti i krijimit: 1656.
Kanavacë, vaj. 318 x 276 cm
Muzeu Prado, Madrid
Ndoshta Las Meninas është piktura më e famshme dhe më e njohur e artistit, të cilën pothuajse të gjithë e njohin. Kjo kanavacë e madhe është një nga veprat më të mira artist. Fotografia është mbresëlënëse në shkallën dhe shkathtësinë e saj.
Për të zgjeruar hapësirën, u përdorën disa punëtori njëherësh teknikat artistike. Artisti i vendosi personazhet në një dhomë të gjerë, në sfondin e së cilës duket një derë me një zotëri me rroba të zeza që qëndron në shkallët e ndriçuara. Kjo menjëherë tregon praninë e një hapësire tjetër jashtë dhomës, duke zgjeruar vizualisht madhësinë e saj, duke e privuar atë nga dydimensionaliteti.
I gjithë imazhi është zhvendosur pak anash për shkak të kanavacës përballë nesh me anën e pasme. Artisti qëndron para kanavacës - ky është vetë Velazquez. Ai bën një foto, por jo atë që shohim përballë, pasi personazhet kryesore janë përballë nesh. Këto janë tashmë tre plane të ndryshme. Por edhe kjo iu duk e pamjaftueshme mjeshtrit dhe ai shtoi një pasqyrë në të cilën pasqyrohet çifti mbretëror - Mbreti Filip IV i Spanjës dhe gruaja e tij Marianna. Ata e shikojnë me dashuri fëmijën e tyre të vetëm në atë kohë - Infanta Margarita.
Edhe pse piktura quhet "Las Meninas", domethënë zonjat në pritje në oborrin mbretëror spanjoll, qendra e imazhit është princesha e vogël, shpresa e të gjithë familjes së Habsburgëve spanjollë në atë kohë. Margarita pesëvjeçare është e qetë, me vetëbesim dhe madje arrogante përtej moshës së saj. Ajo i shikon ata që e rrethojnë pa më të voglin emocion ose ndryshim në shprehjen e fytyrës, dhe trupi i saj i vogël fëminor është i mbështjellë fjalë për fjalë në guaskën e fortë të një fustani madhështor oborri. Ajo nuk turpërohet nga zonjat fisnike - menina e saj - që struken para saj në një hark të thellë sipas etiketës së rreptë të pranuar në oborrin spanjoll. Asaj nuk i intereson as xhuxhi i pallatit dhe shakaja, e cila ka vënë këmbën mbi atë që shtrihet në plan të parë Qen i madh. Kjo vajzë e vogël e mbart veten me gjithë madhështinë e mundshme, duke përfaqësuar monarkinë shekullore spanjolle.
Sfondi i dhomës duket se shpërndahet në një mjegull të lehtë gri, por të gjitha detajet e veshjes komplekse të Margaritës së vogël janë nxjerrë në detajet më të vogla. Artisti nuk e harroi veten. Para nesh shfaqet një mesoburrë impozante, me tufa të harlisura, me rroba të zeza mëndafshi dhe me kryqin e Shën Iagos në gjoks. Për shkak të këtij simboli dallimi, i cili mund të fitohej vetëm nga një spanjoll i pastër pa një pikë gjaku hebre ose maure, lindi një legjendë e vogël. Meqenëse artisti mori kryqin vetëm tre vjet pasi pikturoi kanavacën, besohet se vetë Mbreti i Spanjës e përfundoi pikturën.
El Greco, Varrimi i Kontit Orgaz
Piktura - Varrimi i Kontit Orgaz
Viti i krijimit - 1586-1588.
Kanavacë, vaj. 480 x 360 cm.
Kisha e Sao Tome, Toledo
Më së shumti foto e famshme El Greko i madh dhe misterioz i përket kulmit të punës së tij. Në këtë kohë, artisti kishte zhvilluar tashmë stilin e tij të pikturës, i cili nuk mund të ngatërrohet me stilet e piktorëve të tjerë.
Në 1586, mjeshtri filloi të dekoronte kishën e San Tome në Toledo. Parcela qendrore U zgjodh legjenda e shenjtorit të Toledos, Don Gonzalo Ruiz, i njohur edhe si Konti Orgaz, i cili jetoi në shekujt 13-14. Një i krishterë i devotshëm i devotshëm, ai u bë i famshëm aktivitetet bamirëse, dhe kur vdiq në 1312, vetë Shën Stefani dhe i Lumturi Agustini zbritën nga qielli për t'i dhënë tokës një të vdekur të denjë.
Fotografia është e ndarë vizualisht në dy pjesë: "tokësore" dhe "qiellore". Ritmi i rreptë i "katit" të poshtëm është në kontrast me "majë" barok. Dhe atje, në nivele të ndryshme qiellore, shpirti i kontit takohet nga Gjon Pagëzori, Virgjëresha Mari, engjëjt dhe kerubinët. Krishti ulet në qendër. Engjëlli fluturues theksohet në të bardhë - është ai që ngre shpirtin e kontit në parajsë.
Krishti, engjëlli me shpirtin e vdekur dhe fisniku poshtë formojnë një bosht vertikal. Linjat gjeometrike në ndërtimin e kompozicionit ishin shumë karakteristike për El Greco.
Kulmi ekspozues zhvendoset në fund të veprës, ku Stefani dhe Agustini, duke u përkulur, ulin Orgasin në tokë. Shenjtorët janë të veshur me veshje të arta, të cilat i bëjnë jehonë figurës së engjëllit dhe rrobave të Pjetrit në zonën e sipërme. Kështu, artisti përdori arin për të lidhur heronjtë e veprës, të cilët i përkasin botës qiellore dhe të botës tjetër.
Piktura ishte një sukses i madh në Spanjë gjatë kohës së artistit. El Greko më vonë u harrua dhe u rizbulua nga impresionistët. Shprehëse punë emocionale ka një ndikim të madh te shikuesi. Sipas dëshmitarëve okularë, Salvador Dali madje humbi vetëdijen pranë kanavacës. Ndoshta ky përshkrim është shterues.
Spanja krenohet me artistë të shkëlqyer. Por nëse ata nuk do të ishin aty, askush nuk do të habitej.
Në fund të fundit, ky vend ka qenë pothuajse gjithmonë konservator. Dhe aty ku ka inerci të tepruar morale, dhe aq më tepër Inkuizicioni, novatorët nuk mbijetojnë ose thjesht nuk lindin.
Prandaj, gjithmonë kam qenë i habitur se si këta artistë kanë arritur t'i paraqesin botës risitë e tyre!
Si El Greco ishte 300 vjet përpara kohës së tij, duke punuar në stilin e ekspresionizmit. Dhe Velazquez filloi të krijojë 200 vjet më parë!
Unë propozoj t'i hedhim një vështrim më të afërt këtyre spanjollëve të talentuar dhe të shkëlqyer.
1. El Greco (1541-1614)
El Greko. Portret i një plaku (me sa duket një autoportret). 1600 Muzeu Metropolitan i Artit, Nju Jork Spanjolli grek ose greku spanjoll Dominicos Theotokopulos u tërhoq pothuajse i vetëm rilindja spanjolle. Nëse italianët do të kishin një galaktikë të tërë mjeshtrash. Atëherë spanjollët mund të nxjerrin frymë: ata gjithashtu kishin një rilindje. Faleminderit El Greco.
Duke krijuar piktura kryesisht fetare, ai shkatërroi me guxim kanonet e propozuara.
Vetëm shikoni pikturën "Heqja e rrobave të Krishtit".
El Greko. Heqja e rrobave të Krishtit (Espolio). 1579 Katedralja e Toledos në Spanjë Në vend të disa figurave, ka një turmë të tërë. Në vend të perspektivës ka një mur të padepërtueshëm personazhesh.
Në vend të lehtë emocione të lexueshme– ndjenja komplekse. Vetëm shikoni pamjen e pakuptueshme të Shën Mërisë. Ajo dukej se nuk e kuptonte se çfarë do të ndodhte. Psikologët do ta quajnë atë reagimi mbrojtës deri te stresi ekstrem.
Por kjo nuk mjafton për El Grekon. Disa vite më vonë ai krijoi një vepër edhe më të mahnitshme. Jo një foto - por universi. Nga tregimet më të vogla të qëndisjes në veshjet e shenjtorëve. Derisa të ketë një ndarje të qartë të botës në dy gjysma: dynjake dhe qiellore.
Unë, natyrisht, po flas për "Varrimin e Kontit Orgaz".
El Greko. Varrimi i Kontit Orgaz. 1588 Kisha e São Tomé në Toledo Dhe menjëherë vërejmë trupa të zgjatur. Përkundrazi, El Greko vuri re një shtrembërim të tillë të formave nga manieristët. Të paktën nga i njëjti Parmigianino. Ndoshta përvoja e krijimit të ikonave bizantine gjithashtu ka mbivendosur (në fund të fundit, ai ishte me origjinë nga Kreta Greke).
Me kalimin e kohës, ai e ekzagjeroi më tej këtë veçori. Kjo duket qartë në veprën e tij të vonë Laocoon.
El Greko. Laocoon. 1614 Galeria Kombëtare Uashington Artisti e kuptoi intuitivisht se përmes ndryshimeve në formë personazhet e tij mund të na tregonin për ndjenjat dhe përvojat e tyre. Në fund të fundit, ata janë pa lëvizje.
Ne vumë re se peizazhi i qytetit sfond gjithashtu shumë e pazakontë? Ai është më afër Van Gogh dhe Cezanne sesa me estetikën e Rilindjes.
Askush para El Grekos pikturë perëndimore Unë nuk e shtrembërova kështu formën. Dhe pas tij, artistët u përpoqën për përmasa realiste. Kjo është arsyeja pse ai u konsiderua një i çuditshëm dhe i paaftë për 300 vjet.
Ai u harrua dhe nuk u kujtua. Dhe vetëm në fund të shekullit të 19-të të gjithë e kuptuan se sa përpara kohës së tij ishte. Tani El Greco i sapogjetur në historinë e artit përgjithmonë.
2. Diego Velazquez (1599-1660)
Diego Velasquez. Menina (fragment me autoportret). 1656 Inovacionet e Velazquez janë goditëse deri në thelb. Jo vetëm që ai jetonte në një shumë shoqëri konservatore, pra ishte edhe artist oborri!
Kjo do të thotë se ai kishte klientë marramendës që nuk kujdeseshin për inovacionin. Sikur të ishte "e bukur dhe e ngjashme". Në kushte të tilla, çdo risi lëngon lehtësisht.
Por jo Velasquez. Për një mrekulli, klientët i falën gjithçka, me sa duket duke kuptuar intuitivisht se falë këtij artisti do të mbaheshin mend pas 500 vjetësh. Dhe kishin të drejtë.
Megjithatë, edhe Velazquez, inkuizicioni mizor nuk do të bënte lëshime për gjithçka. Të pikturosh nudo konsiderohej një krim i rëndë.
Megjithatë Velazquez arriti të krijojë një kryevepër me një trup të bukur lakuriq edhe në kushte të tilla.
Diego Velasquez. Afërdita përballë pasqyrës. 1647-1651 Galeria Kombëtare Londër Vërtetë, ai shkroi "Venusin" e tij të bukur ndërsa ishte në Itali. Pastaj e solli fshehurazi në Spanjë dhe ia dorëzoi një ministri me ndikim për ruajtje. Dhe Inkuizicioni nuk hyri vetëm në shtëpinë e tij duke kërkuar lakuriqësi.
Edhe nga kjo “Venus” duket qartë pse Velazquez ra kaq shumë në sy. Me vitalitetin tuaj. Në fund të fundit, nuk ka dyshim se kjo grua e vërtetë. E bukur, por e vërtetë. Poza e saj është kaq e relaksuar dhe natyrale.
Me sa duket, ky është i dashuri italian i artistit. Ai e mbrojti me maturi duke na kthyer kurrizin. Dhe ai pasqyroi fytyrën e tij në një pasqyrë me re.
Atje në Itali, Velazquez pikturoi portretin legjendar të Papa Inocent X.
Diego Velasquez. Portreti i Papa Inocent X. Galeria 1650 Doria Pamphilj, Romë Velazquez arriti të përcjellë me shumë saktësi karakterin e ashpër dhe të pabesë të Papës.
Duket se pontifi 75-vjeçar na shfaqet në formën më madhështore. Por vështrimi me gjemba me vullnet të fortë, buzët e ngjeshura dhe ngjyra e kuqe helmuese e mantelit flasin për vlerat e vërteta ky njeri.
Si ia doli sërish Velazquez të arrinte vitalitet edhe në një portret ceremonial?
Fakti është se Velazquez pati fatin të takonte Papën duke ecur nëpër një nga galeritë e Vatikanit. Ai ecte i vetëm dhe nuk kishte “maskën” e zakonshme në fytyrë. Ishte atëherë që Velazquez e kuptoi karakterin e tij dhe e transferoi përshtypjen e tij në kanavacë.
Pas kthimit nga Italia, Velazquez vazhdoi të kryente detyrat e tij si oborrtar.
Por mos mendoni se Velazquez ishte i pakënaqur. Ai vetë aspironte të bëhej artist i mbretit, pasi ishte kot. Prandaj, ai pikturoi me dorëheqje portrete të panumërta aristokratësh dhe as nuk përçmoi të nxirrte tenxheren e dhomës për Lartësinë e Tij.
Por midis këtyre veprave të të njëjtit lloj ka jashtëzakonisht portret i pazakontë familja mbretërore: "Las Meninas".
Diego Velasquez. Meninat. 1656 Kjo foto përmban shumë ide e pazakontë.
Velazquez vendosi të na tregojë se si duket bota e tij në anën tjetër të kanavacës. Se çfarë po ndodh e shohim me sytë e atyre që... pozojnë për artisten.
Ne e shohim artistin duke punuar në një portret të Mbretit dhe gruas së tij. Dhe ata qëndrojnë në vendin tonë (ose ne qëndrojmë në vendin e tyre) dhe shikojnë artistin. Dhe pastaj princesha, vajza e tyre, hyri në punëtori me grupin e saj për të vizituar prindërit e saj.
Diçka si "të shtëna të rastësishme". Kur një artist preferonte të pikturonte heronjtë e tij jo në skenë, por në prapaskenë.
Vëmë re një tjetër veçori në “Las Meninas”. Këto janë goditje të shpejta, vibruese. Në të njëjtën kohë, artisti nuk bën dallim mes sfondit dhe personazheve. Gjithçka është endur si nga një pëlhurë e vetme. Pikërisht kështu do të shkruajnë impresionistët 200 vjet më vonë, e njëjta gjë.
Po, aftësia nuk njeh kufij... pa frikë nga inkuizicioni apo morali i ndenjur. Imagjinoni çfarë mund të kishte krijuar Velazquez nëse do të kishte jetuar në një epokë më të lirë! Në, për shembull.
3. José de Ribera (1591-1652)
Giuseppe McPherson. Portreti i José de Ribera. 1633-1656 Koleksioni Mbretëror, Londër “Spanjali i Vogël” (siç quhej edhe) Jose de Ribera u transferua në Itali në moshën 14-vjeçare. Por piktura e tij mbeti gjithmonë spanjolle, jo shumë si akademikizmi italian.
Këtu në Itali ai u mahnit nga piktura. Dhe, sigurisht, nuk mund t'i rezistoja punës në teknikën tenebroso. Kjo është kur personazhi kryesor është në errësirë dhe rrëmbehet prej saj vetëm nga një dritë e zbehtë.
Kjo teknikë e Caravaggio ishte shumë e përshtatshme stil i përgjithshëm Ribera. Ai thjesht i pëlqente historitë biblike dhe mitologjike të mbushura me aksion. Dhe është tenebroso që e sjell këtë komplot të mbushur me aksion në kulmin e tij.
Personazhet e tij kryesore janë ata që pranojnë vuajtjet për hir të një qëllimi më të lartë. Si, për shembull, Prometeu.
Jose de Ribera. Prometeu. 1830 Koleksion privat Natyralizmi i Riberës të merr frymën. Dhe nuk është vetëm një çështje e paraqitjes shumë të saktë të trupit të vërtetë. Dhe gjithashtu në atë se si duken plagët dhe se si heroi reagon emocionalisht ndaj vuajtjes së tij.
Fakti është se Ribera ka vizituar burgjet dhe ka vëzhguar me sytë e tij torturat e të dënuarve. Ky është i shekullit të 17-të. Vetëm Dega shkoi në teatër për të spiunuar balerinat. Dhe ky spanjoll shkoi në vendet e paraburgimit dhe kërkoi besueshmëri për dëshmorët e tij.
Pas ca kohësh, mjeshtri fillon të largohet nga Karavagizmi. Megjithatë, luftëtarët për idealet e larta janë ende heronjtë e tij kryesorë. Dhe një nga këto kryevepra është "Martirizimi i Shën Filipit".
Jose de Ribera. Martirizimi i Shën Filipit. 1639 Muzeu Prado, Madrid Ne e shohim shenjtorin disa sekonda para se të lidhet në raft. Gjëja më e keqe në aspektin fizik nuk ka ardhur ende. Por ekziston një mundësi për të empatizuar fundin e pashmangshëm të afërt dhe për të admiruar përulësinë e shenjtorit.
Ribera e rrit dramën duke e përshkruar martirin rreptësisht diagonalisht. Figura e tij, e dobët dhe e gjatë, mezi përshtatet në foto. Është sikur Gulliver (shpirtërisht) u kap për t'u bërë copë-copë nga njerëz të vegjël dhe patetikë.
Ribera u bë e famshme edhe për pikturimin e njerëzve me anomali. Këmbët e çalë, xhuxhët dhe gratë me mjekër janë gjithashtu heronj të shpeshtë të pikturave të tij.
Por mos mendoni se kjo ishte dëshira e tij e dhimbshme. Të tilla ishin zakonet në gjykatë. Aristokracisë i pëlqente t'i mbante njerëz të tillë si shaka dhe në thelb skllevër. Dhe artistët i pikturuan, sërish për argëtimin e të ftuarve.
Një nga këto vepra më të famshme të mjeshtrit është "Magdalena me burrin dhe djalin e saj".
Jose de Ribera. Magdalena Ventura me burrin dhe djalin e saj ( Grua me mjekër). 1631 Spitali Tabera në Toledo, Spanjë Një grua 37-vjeçare ka përjetuar një çekuilibër hormonal dhe për pasojë ka filluar t'i lëshojë mjekër. Klienti kërkoi ta vizatonte me një fëmijë në krahë. Edhe pse në atë kohë ajo ishte tashmë mbi 50. Djemtë e saj ishin rritur shumë kohë më parë, dhe gjoksi i saj nuk ishte aq i harlisur. Por foshnja dhe gjoksi e bënë më elokuent këtë gabim të natyrës.
Por ndryshe nga klientët, Ribera simpatizonte vetëm njerëz të tillë. Dhe sytë e gruas së pakënaqur shprehin qëndrimin e vërtetë të artistit ndaj saj.
4. Francisco Goya (1746-1828)
Vicente Lopez Portanha. Portreti i Francisco Goya. 1819 Muzeu Prado, Madrid. Nëna e Goya i tha djalit të saj: "Ti nuk ke lindur si trëndafil, por si qepë. Do të vdesësh me një hark.” Bëhet fjalë për karakterin kokëfortë dhe kundërshtues të djalit të saj. Po, Francisco Goya ishte një person shumë temperament.
Historitë se si ai la firmën e tij në... kupolën e Katedrales së Shën Pjetrit në Romë, si dhe rrëmbeu dhe joshi një murgeshë nga manastiri, flasin shumë.
Mori një edukim sipërfaqësor dhe shkroi me gabime gjithë jetën. Por kjo nuk e pengoi atë të bëhej artisti më i madh. Ai ishte në gjendje të arrinte pothuajse të pamundurën.
Ai pikturoi një grua lakuriq, por nuk ra në kthetrat e Inkuizicionit. Megjithatë, Velasquez e bëri këtë truk i pari.
Ai arriti të mbetet një artist oborrtik pothuajse gjatë gjithë jetës së tij. Por në të njëjtën kohë ai u shpreh në mënyrë aktive pozitë civile në veprat e tij. Dhe monarkët dukej se nuk vunë re asgjë.
Ai joshi një aristokrat të bukur pas tjetrit, pavarësisht shëndetit të dobët dhe shurdhimit.
Kjo është një nga më artistë të guximshëm, furça e të cilit është si një shpatë dhe ngjyrat e të cilit janë fjalë të guximshme. Sidoqoftë, Goya gjithashtu mori pjesë në duele të vërteta dhe përleshje verbale më shumë se një herë.
Le të hedhim një vështrim në veprat e tij më të shquara.
Duke menduar për Goya, ne, natyrisht, kujtojmë menjëherë "Maja e tij nudo".
Francisco Goya. Maha lakuriq. 1795-1800 Muzeu Prado, Madrid. Për herë të parë, lakuriqësia nuk u shfaq si ajo e Velasquez-it, fshehurazi dhe tinëzare, por me gjithë shkëlqimin e saj të paturpshëm. Asnjë pretendim, vetëm sensualitet dhe erotizëm i hapur.
Goya punoi në gjykatë për një kohë të gjatë, megjithatë, ai nuk toleroi zemërimin dhe gënjeshtrat. Vetëm shikoni kanavacën e tij.
Francisco Goya. Portreti i familjes së Karlit IV. 1800 Muzeu Prado, Madrid. Sa ironi ka në lidhje me mbretërinë! Në qendër, autori përshkruan Mbretëreshën Mari, duke lënë të kuptohet qartë se ajo, dhe jo Charles, sundon vendin.
Është e mahnitshme se si artisti u lejua të krijonte një kontrast të tillë: midis rrobave të çiftit mbretëror dhe fytyrave të tyre! Luksi dhe shkëlqimi i arit nuk mund të fshehin mediokritetin e heronjve dhe "thjeshtësinë" e plotë të mbretit.
Dhe sigurisht, nuk mund të injorohet vepra e tij "Ekzekutimi më 3 maj". Kjo është një foto për heroizmin e spanjollëve të zakonshëm gjatë pushtimit nga trupat Napoleonike.
Francisco Goya. 3 maj 1808 në Madrid. 1814 Prado, Madrid Në momentin përpara salvos, secili prej rebelëve të dënuar duket ndryshe: dikush pret me përulësi, dikush lutet, dikush qan.
Por një spanjoll me këmishë të bardhë është gati të përballet me vdekjen pa frikë. Artisti e gjunjëzoi. Dhe nëse imagjinoni se ai ngrihet, ai rezulton të jetë thjesht një gjigant. Dhe armët e ushtarëve francezë dukej se i drejtoheshin vetëm atij.
Kështu që Goya për herë të parë tregoi veprën dhe guximin e një njeriu të zakonshëm. Para tij, nuk ishin njerëzit e thjeshtë ata që portretizoheshin si heronj. Kjo është absolutisht Një vështrim i ri në pikturë historike.
Pa dyshim, Goya mahnit edhe sot me guximin, ekscentricitetin dhe humanizmin e tij. Ai ishte një mjeshtër me një qëndrim të veçantë.
Për ne ai është një artist me fuqi të veçantë, si udhëheqës shpirtëror. Kush nuk do t'i bëjë lajka atyre që janë në pushtet, nuk do të injorojë heroizmin e njeriut të zakonshëm dhe nuk do të largohet nga bukuria, edhe nëse ajo konsiderohet mëkatare dhe e poshtër.
5. Pablo Picasso (1881 – 1973)
Pablo Pikaso. Autoportret. 1907 Galeria Kombëtare e Pragës Picasso konsiderohet më së shumti artist i famshëm në botë. Vërtetë, shumica e njerëzve e njohin atë si një kubist. Edhe pse ai nuk punoi për një kohë të gjatë në stilin e kubizmit të pastër. Ai ishte edhe ekspresionist edhe surrealist. Ai ishte një artist kameleon.
Nuk ka shumë rëndësi se në çfarë stili ka punuar. Karakteristika kryesore e tij janë eksperimentet e shumta me formën. E thërrmonte formën, e nxori, e shtrydhi, e shtypi dhe e tregoi nga të gjitha anët.
Ai filloi me eksperimente të kujdesshme, duke imituar El Grekon. Ishte prej tij që ai spiunoi forma të deformuara. Dhe ashtu si El Greco, ai shtriu figurat e tij gjatë tij.
Pablo Pikaso. Dy motra. 1902 Hermitage Cezanne kërkonte mundësi për të shprehur thelbin e një gjëje në ngjyrë, formë dhe perspektivë. Picasso, me ndihmën e kubizmit, e solli këtë ide në përfundim.
Duke përdorur kënde të ndryshme vizioni dhe elementet e subjektit, ai u përpoq të nxiste një seri asociative tek shikuesi: të tregonte thelbin e sendit, dhe jo imazhin e tij.
Pablo Pikaso. Kompozim me dardhe te prere. 1914 Hermitazh Në pikturën "Dardha" NUK shohim imazhin e një dardhe. Por ne shohim copa me pika të kanavacës: ne kemi një kujtim të një cilësi të ngjashme të tulit të dardhës. Bezha delikate dhe kafeja shoqërohen gjithashtu me dardhë. Për të mos përmendur harkun e karakterit.
Të gjitha këto fragmente të figurës së një dardhe ngjallin tek ne jo vetëm një kujtim vizual të dardhës, por edhe të shijes së saj dhe të ndjesisë së saj në prekje.
Është ky koncept i të shprehurit të thelbit, dhe jo imazhit, ai që kryeson në pikturën e Pikasos. Edhe kur largohet nga “kubet” tipike dhe shkruan me një stil afër surrealizmit.
Këto përfshijnë portrete të Marie-Therese Walter.
Pablo Pikaso. Ëndërr. 1932 Koleksion privat Gjatë martesës së tij rraskapitëse dhe të shkatërruar me Khokhlova, Picasso takoi aksidentalisht Marie-Therese të re.
Ai e përshkruante atë gjithmonë si shumëngjyrëshe dhe me onde, me elemente kubiste. Në fund të fundit, fytyra e saj shfaqet njëkohësisht nga dy këndvështrime: si në profil ashtu edhe në fytyrë të plotë.
Kështu, ai e kthen të gjithë sensualitetin dhe butësinë e saj, feminilitetin ekstrem nga brenda. Dhe kjo pavarësisht se në figurën e saj kishte diçka mashkullore. Por format kanë për qëllim të theksojnë thelbin, dhe jo të përshkruajnë guaskën e jashtme të modelit.
Picasso është një eksperimentues i madh. Lënda e tij kryesore e testimit është formulari. Ajo ishte subjekt i ndryshimeve në një numër i madh veprat e artistit. Në fund të fundit, ai ishte gjithashtu një nga artistët më pjellorë në botë. Siç tha ai vetë për veten: "Më jepni një muze, dhe unë do ta mbush me pikturat e mia".
Pesë piktorë të mëdhenj, pesë spanjollë janë ndër krijuesit Art Bashkëkohor. Pavarësisht se shumica e tyre kanë jetuar 200-300 vjet më parë.
Ata marrin frymëzim nga puna e tyre artistë bashkëkohorë. Ato ofrojnë një impuls që ende ushqen kulturën botërore.
Ne mund të jemi vetëm mirënjohës, të vlerësojmë trashëgiminë e tyre dhe, natyrisht, t'i admirojmë ata.
Për ata që nuk duan të humbasin gjërat më interesante rreth artistëve dhe pikturave. Lini emailin tuaj (në formën poshtë tekstit) dhe do të jeni të parët që do të dini për artikujt e rinj në blogun tim.
PS. Testoni njohuritë tuaja duke marrë.
Në kontakt me
Është më shumë se Piktura të bukura, ky është një pasqyrim i realitetit. Në veprat e artistëve të mëdhenj mund të shihni se si bota dhe vetëdija e njerëzve ndryshoi.
Arti është gjithashtu një përpjekje për të krijuar një realitet alternativ ku mund të fshiheni nga tmerret e kohës tuaj, ose dëshira për të ndryshuar botën. Arti i shekullit të 20-të me të drejtë zë një vend të veçantë në histori. Njerëzit që jetuan dhe punuan në ato kohë përjetuan trazira shoqërore, luftëra dhe zhvillime të papara në shkencë; dhe e gjithë kjo gjeti gjurmën e saj në kanavacat e tyre. Artistët e shekullit të 20-të morën pjesë në krijimin e vizionit modern të botës.
Disa emra ende shqiptohen me aspiratë, ndërsa disa të tjerë janë harruar padrejtësisht. Dikush ishte kaq kontradiktor rrugë krijuese, se ende nuk mund t'i japim një vlerësim të qartë. Ky përmbledhje i kushtohet 20 artistëve më të mëdhenj të shekullit të 20-të. Camille Pizarro- Piktor francez. Një përfaqësues i shquar i impresionizmit. Puna e artistit u ndikua nga John Constable, Camille Corot, Jean Francois Millet.
Lindur më 10 korrik 1830 në Shën Thomas, vdiq më 13 nëntor 1903 në Paris.
Vetmia në Pontoise, 1868 
Kalimi i operës në Paris, 1898
Perëndimi i diellit në Varengeville, 1899
Edgar Degas - Artist francez, një nga impresionistët më të mëdhenj. Puna e Degas u ndikua nga grafika japoneze Lindur më 19 korrik 1834 në Paris, ai vdiq më 27 shtator 1917 në Paris. 
Absinthe, 1876
Ylli, 1877
Gruaja duke krehur flokët e saj, 1885
Paul Cezanne - Artist francez, një nga përfaqësuesit më të mëdhenj të postimpresionizmit. Në punën e tij ai u përpoq të zbulonte harmoninë dhe ekuilibrin e natyrës. Puna e tij pati një ndikim të jashtëzakonshëm në botëkuptimin e artistëve të shekullit të 20-të. Lindur më 19 janar 1839 në Aix-en-Provence, Francë, vdiq më 22 tetor 1906 në Aix-en-Provence.
Kumarxhinjtë, 1893
Olimpia moderne, 1873
Jeta e vdekur me kafka, 1900
Claude Monet- një piktor i shquar francez. Një nga themeluesit e impresionizmit. Në veprat e tij, Monet u përpoq të përçonte pasurinë dhe pasurinë e botës përreth. Për të tijën periudhë e vonë karakterizohet nga dekorativizmi dhe Periudha e vonë e punës së Monet u karakterizua nga dekorativizmi, një shpërbërje në rritje e formave të objektit në kombinime të sofistikuara të pikave të ngjyrave.
Lindur më 14 nëntor 1840 në Paris, vdiq më 5 dhjetor 1926 në Jverny.
Welk Cliff në Pourville, 1882
Pas drekës, 1873-1876
Etretat, perëndimi i diellit, 1883
Arkhip Kuindzhi - artist, mjeshtër i famshëm rus pikturë peizazhi. Humbi prindërit e tij herët. ME vitet e hershme Filloi të shfaqej dashuria për pikturën. Puna e Arkhip Kuindzhi pati një ndikim të madh te Nicholas Roerich. Lindur më 15 janar 1841 në Mariupol, vdiq më 11 korrik 1910 në Shën Petersburg.
"Vollga", 1890-1895
"Veriu", 1879
"Pamje e Kremlinit nga Zamoskvorechye", 1882
Pierre Auguste Renoir - Artist francez, grafist, skulptor, një nga përfaqësuesit e shquar të impresionizmit. Ai njihej edhe si mjeshtër i portreteve laike. Auguste Rodin ishte impresionisti i parë që u bë i njohur në mesin e parisienëve të pasur. Lindur më 25 shkurt 1841 në Limoges të Francës, vdiq më 2 dhjetor 1919 në Paris.
Pont des Arts në Paris, 1867
Ball në Moulin de la Galette, 1876
Jeanne Samary, 1877
Lindur më 7 qershor 1848 në Paris, vdiq më 8 maj 1903 në ishullin Hiva Oa, Polinezia Franceze.
Peizazhi Breton, 1894
Fshati Breton në dëborë, 1888
A jeni xheloz? 1892
Dita e Shenjtorëve, 1894
Wassily Kandinsky - Ruse dhe Artist gjerman, poet, teoricien i artit. Konsiderohet si një nga udhëheqësit e avangardës së gjysmës së parë të shekullit të 20-të. Ai është një nga themeluesit e artit abstrakt.Lindur më 22 nëntor 1866 në Moskë, vdiq më 13 dhjetor 1944 në Neuilly-sur-Seine, Francë.
Çifti hipur mbi kalë, 1918
Një jetë plot ngjyra, 1907
Moskë 1, 1916
Në gri, 1919
Henri Matisse - një nga më të mëdhenjtë artistë francezë dhe skulptorët. Një nga themeluesit e lëvizjes Fauviste. Në punën e tij, ai u përpoq të përçonte emocionet përmes ngjyrave. Në punën e tij ai u ndikua nga kultura islame e Magrebit perëndimor. I lindur më 31 dhjetor 1869 në qytetin Le Cateau, ai vdiq më 3 nëntor 1954 në qytetin Cimiez.
Sheshi në Saint-Tropez, 1904
Skica e Notre Dame gjatë natës, 1902
Gruaja me një kapele, 1905
Valle, 1909
Italisht, 1919
Portreti i Delectorskaya, 1934
Nikolas Roerich- Artist, shkrimtar, shkencëtar, mistik rus. Gjatë jetës së tij ai pikturoi më shumë se 7000 piktura. Nje nga figura të shquara kultura e shekullit të 20-të, themelues i lëvizjes “Paqja përmes Kulturës”. Lindur më 27 tetor 1874 në Shën Petersburg, vdiq më 13 dhjetor 1947 në qytetin Kullu, Himachal Pradesh, Indi.
Të ftuar jashtë shtetit, 1901
Fryma e Madhe e Himalajeve, 1923
Mesazh nga Shambhala, 1933
Kuzma Petrov-Vodkin - Artist rus, grafist, teoricien, shkrimtar, mësues. Ishte një nga ideologët e riorganizimit edukimi artistik në BRSS. Lindur më 5 nëntor 1878 në qytetin Khvalynsk të provincës Saratov, vdiq më 15 shkurt 1939 në Leningrad.
"1918 në Petrograd", 1920
"Djemtë në lojë", 1911
Duke larë kalin e kuq, 1912
Portreti i Anna Akhmatova
Kazimir Malevich- Artisti rus, themeluesi i Suprematizmit - tendencat në arti abstrakt, pedagog, teoricien dhe filozof i artit Lindur më 23 shkurt 1879 në Kiev, vdiq më 15 maj 1935 në Moskë.
Pushimi (Shoqëria në Top Hat), 1908
"Gratë fshatare me kova", 1912-1913
Sheshi Suprematist i Zi, 1915
Piktura suprematiste, 1916
Në bulevard, 1903
Pablo Pikaso- Artist spanjoll, skulptor, skulptor, dizajner qeramike. Një nga themeluesit e kubizmit. Puna e Pablo Picasso pati një ndikim të rëndësishëm në zhvillimin e pikturës në shekullin e 20-të. Sipas një sondazhi të lexuesve të revistës Time Lindur më 25 tetor 1881 në Malaga, Spanjë, vdiq më 8 prill 1973 në Mougins, Francë.
Vajza në një top, 1905
Portreti i Ambroise Vallors, 1910
Tre Hiret
Portreti i Olgës
Valle, 1919
Gruaja me një lule, 1930
Amadeo Modigliani - Artist italian, skulptor. Një nga përfaqësuesit më të ndritur të ekspresionizmit. Gjatë jetës së tij ai pati vetëm një ekspozitë në dhjetor 1917 në Paris. Lindur më 12 korrik 1884 në Livorno të Italisë, vdiq më 24 janar 1920 nga tuberkulozi. Njohja botërore mori pas vdekjes njohje mbarëbotërore. 
Cellist, 1909
Çifti, 1917
Joan Hebuterne, 1918
Peizazhi mesdhetar, 1918
Diego Rivera- Piktor, muralist, politikan meksikan. Ai ishte burri i Frida Kahlo. Gjeta strehë në shtëpinë e tyre një kohë të shkurtër Leon Trotsky. Lindur më 8 dhjetor 1886 në Guanajuato, vdiq më 21 dhjetor 1957 në Mexico City.
Notre Dame de Paris në shi, 1909
Gruaja në pus, 1913
Unioni i Fshatarëve dhe Punëtorëve, 1924
Industria e Detroitit, 1932
Marc Chagall- Piktor rus dhe francez, grafist, ilustrues, artist teatri. Një nga përfaqësuesit më të mëdhenj të avangardës. Lindur më 24 qershor 1887 në qytetin Liozno, provinca Mogilev, vdiq më 28 mars 1985 në Saint-Paul-de-Provence.
Anyuta (Portreti i një motre), 1910
Nusja me një tifoz, 1911
Unë dhe fshati, 1911
Adami dhe Eva, 1912
Mark Rothko(i pranishëm Mark Rotkovich) - Artist amerikan, një nga themeluesit e ekspresionizmit abstrakt dhe themeluesi i pikturës në terren me ngjyra. Veprat e para të artistit u krijuan në një frymë realiste, megjithatë, më pas nga mesi i viteve 40, Mark Rothko u kthye në surrealizëm. Deri në vitin 1947, një pikë kthese e madhe ndodhi në veprën e Mark Rothko, që ai krijoi stilin e vet- ekspresionizmi abstrakt, i cili largohet nga elementet objektive.
Lindur më 25 shtator 1903 në qytetin e Dvinsk (tani Daugavpils), vdiq më 25 shkurt 1970 në Nju Jork.
Pa titull
Numri 7 ose 11
Portokalli dhe të verdhë
Salvador Dali- piktor, grafist, skulptor, shkrimtar, dizajner, regjisor. Ndoshta më përfaqësues i famshëm surrealizmi dhe një nga artistët më të mëdhenj shekulli XX. Projektuar nga Chupa Chups.
Lindur më 11 maj 1904 në Figueres, Spanjë, vdiq më 23 janar 1989 në Spanjë.
Tundimi i Shën Antonit, 1946
darka e fundit, 1955
Gruaja me një kokë trëndafili, 1935
Gruaja ime Gala, lakuriq, duke parë trupin e saj, 1945
Frida Kahlo - Artist dhe grafist meksikan, një nga përfaqësuesit më të ndritur të surrealizmit. Frida Kahlo filloi të pikturonte pas një aksidenti automobilistik, i cili e la të shtrirë në shtrat për një vit.
Ajo ishte e martuar me artistin e famshëm komunist meksikan Diego Rivera. Leon Trotsky gjeti strehim në shtëpinë e tyre për një kohë të shkurtër.
Lindur më 6 korrik 1907 në Coyoacan, Meksikë, vdiq më 13 korrik 1954 në Coyoacan.
Përqafimi i Dashurisë Universale, Toka, Unë, Diego dhe Coatl, 1949
Moisiu (Bërthama e Krijimit), 1945
Dy Fridas, 1939
Andy Warhole(i pranishëm Andrei Varhola) - Artist, stilist, regjisor, producent, botues, shkrimtar, koleksionist amerikan. Themeluesi i pop-artit, është një nga personalitetet më të diskutueshme në historinë e kulturës. Janë realizuar disa filma bazuar në jetën e artistit. Lindur më 6 gusht 1928 në Pittsburgh të Pensilvanisë, vdiq në vitin 1963 në Nju Jork.
Artistët e mëdhenj spanjollë në veprat e tyre prekën tema që shqetësojnë çdo person, kështu që emrat e tyre kanë mbetur me shekuj. Duke filluar nga El Greco, mund të dallojmë nëntë mjeshtër të tillë që jetuan nga shekulli i 16-të deri në shekullin e 20-të. Lulëzimi më i lartë është shekulli i 17-të. Ndryshe quhet edhe e Artë. Kjo është periudha barok.
shekulli i gjashtëmbëdhjetë
I pari që lavdëroi shkollën spanjolle ishte greku Domenico Theotokopoulos (1541-1614), i cili u mbiquajtur El Greco në Spanjë. Në ato ditë, zjarret digjnin shpesh heretikët. Prandaj, temat laike praktikisht nuk u prekën. Kavalet dhe pikturë afreske- këto janë lloje ilustrime për Shkrimet e Shenjta. Por edhe këtu duhej treguar një kujdes i madh. Kërkoheshin interpretime tradicionale.
El Greco kombinon tema fetare me bukuri dhe shkëlqim të mahnitshëm skema e ngjyrave, e cila i paraprin shfaqjes së barokut. Një nga kryeveprat e tij, "Apostujt Pjetër dhe Pal" (1582-592), ruhet në Rusi. Ai përshkruan një peshkatar të thjeshtë, analfabet, Pjetrin dhe krijuesin e gjithë doktrinës së krishterë, Palin shumë të arsimuar, natyrisht, me Biblën. Krishterimi në shekujt e parë fitoi të gjitha zemrat me dashurinë e tij për njerëzit, mëshirën dhe thjeshtësinë - mjaftonte vetëm të besohej dhe çdo person, i arsimuar apo jo, i varfër apo i pasur, bëhej i krishterë. artistë spanjollë Mësuam shumë nga piktori, i cili kishte një stil unik të lidhur me sëmundjet e syrit. Megjithatë, për një periudhë të gjatë piktura e tij u harrua dhe u rizbulua tre shekuj më vonë.
Barok - Epoka e Artë
Si askund tjetër, katolicizmi është ende i fortë, për më tepër, ai përfaqëson një forcë të fuqishme dhe të frikshme që kërkon që një person të vdesë dëshirat dhe gëzimet trupore dhe zhytje totale në ritualet fetare. Artistët spanjollë si José Ribera (1591-1652), (1598-1664), Diego Velázquez (1599-1660) dhe Bartolomeo Murillo (1617-1682) janë përfaqësuesit më të ndritur kësaj periudhe. Ata janë njohur me veprat e Caravaggio, i cili ndikon në to ndikim të madh, jo me jetën e tij të qetë, por me të kuptuarit e tij se çfarë është vdekja dhe sa ngushtë bie ajo në kontakt me jetën.
Artistët spanjollë Ribera dhe Zurbaran
Kjo lidhje është disi arbitrare. Pikturat e José Ribera (1591-1652) dallohen nga temat që lidhen me martirizimin dhe natyralizmin në paraqitjen e vuajtjeve të shenjtorëve dhe heronjve nga mitologjia, si dhe nga kontrastet e mprehta të dritës dhe hijes. Francisco Zurbaran (1598-1664) e tij pikturat më të mira, e ngjyrosur me lirizëm, krijon në vitet '30 të shek. Në vitin 1662, ai shkroi me emocion "Madona dhe Fëmijë dhe Gjon Pagëzori".
Imazhi i ndritshëm i foshnjës, i vendosur në qendër të një përbërje të thjeshtë dhe natyrale, tërheq menjëherë vëmendjen, ashtu si fytyra e butë e Madonës dhe rrobat e arta të Gjonit të gjunjëzuar, në këmbët e të cilit është një dele e bardhë simbolike. Krishti i rritur do të jetë bariu i një tufe të madhe të atyre që besojnë në të. Zurbaran pikturon vetëm nga jeta - ky është parimi i tij, duke përdorur kontrastin e hijeve të thella dhe dritës së fortë. Zurbarani ishte miqësor me një artist brilant Diego Velazquez, i cili e ndihmoi me urdhra. Artistët spanjollë kërkuan të mbështesin njëri-tjetrin.
Velazquez (1599-1660)
Fillimisht, artisti spanjoll Diego Velazquez, me banim në Sevilje, ka punuar shumë në skena të zhanrit, si dhe në piktura alegorike. Por njohja Pikturë italiane nga koleksioni mbretëror e ndryshoi shumë pamje estetike. Ndryshon ngjyrën në argjend të butë dhe kalon në tone transparente. Me shumë vështirësi arrin të marrë një pozicion si piktor oborri. Por mbreti Filip IV e vlerësoi menjëherë dhuratën artist i ri, dhe më pas ai krijoi portrete të anëtarëve të familjes mbretërore. Kulmi i punës së tij ishin dy piktura ende të pazgjidhura, aq shumë kuptim u dha artisti atyre. Këto janë "Las Meninas" (1656), domethënë brezi i oborrtarëve për trashëgimtarët e fronit mbretëror dhe "Spinners" (1658).
Në pamje të parë, gjithçka në “Las Meninas” duket e thjeshtë. Në dhomën e madhe është një infanta e re, e rrethuar nga zonja në pritje, një truproje, dy xhuxha, një qen dhe një artist. Por pas shpinës së piktorit ka një pasqyrë të varur në mur, në të cilën pasqyrohen mbreti dhe mbretëresha. Nëse çifti mbretëror është në dhomë apo jo, është një nga misteret. Ka shumë të tjera, të mjaftueshme për një artikull të madh. Dhe asnjë enigmë e vetme nuk ka një përgjigje të qartë.
Nga Francisco Goya te Salvador Dali
I lindur në Zaragoza, Goya (1746-1828) u bë artisti zyrtar i gjykatës, por më pas humbi këtë pozicion dhe mori postin e zëvendësdrejtorit të Akademisë së Arteve. Në çdo kapacitet, Goya punon shumë dhe shpejt, duke krijuar kartona për tapiceri, portrete, piktura kishash dhe piktura për Katedralen në Valencia. Ai punon shumë dhe shumë gjatë gjithë jetës së tij, duke ndryshuar si mjeshtër, duke kaluar nga kompozime të lehta festive me ngjyra të pasura në grafikë të shpejtë dhe të mprehtë, dhe nëse kjo është pikturë, atëherë e errët dhe e zymtë.
Shkolla e vizatimit në Spanjë nuk po vdes, por artisti i radhës Piktura spanjolle, një mjeshtër e madhe, shfaqet në 1881. Ky është Pikaso. Ka shumë gjëra që e shënjojnë punën e tij. Këto janë periudhat "blu" dhe "rozë", dhe kubizmi, dhe surrealizmi dhe pacifizmi. Pas të gjitha veprave të tij fshihet një ironi e hollë dhe një dëshirë për të shitur. Dhe ai dinte të vizatonte. Pasi krijoi portrete të të dashurit të tij gjatë periudhës kubiste, të cilat shiteshin si ëmbëlsira të nxehta, ai e pikturoi për vete në stilin e realizmit. Dhe vetëm pasi u bë një njeri i pasur, ai filloi t'i lejonte vetes të pikturonte ashtu siç donte.
Vepra e tij “Don Kishoti” (1955) është lakonike. Vetë kalorësi, shefi i tij, një kalë, një gomar dhe disa janë paraqitur Don Kishoti është i lehtë dhe pa peshë, dhe Rocinante është pothuajse një thes me kocka. Në të kundërt, Sancho në të majtë është një masë e zezë dhe e rëndë. Dhe megjithëse të dyja figurat qëndrojnë në vend, vizatimi është plot lëvizje. Linjat janë energjike, tërheqëse dhe plot humor.
Artisti i famshëm spanjoll Salvador Dali është i çuditshëm. Ky njeri kishte gjithçka për shitje. Dhe piktura, dhe ditarë dhe libra. Ai bëri një pasuri për veten falë ndihmës energjike të gruas së tij, e njohur më mirë si Gala. Ajo ishte njëkohësisht muza dhe menaxherja e tij. Bashkimi i tyre ishte shumë i suksesshëm tregtar.
Duke përfunduar këtë artikull me temën e artistëve të famshëm spanjollë, duhet thënë se të gjithë kishin një individualitet të ndritshëm si dielli i Spanjës.
