Një mesazh për një artist të Rilindjes. Artistët e Rilindjes së Lartë
Piktura e Rilindjes
Fillimi i pikturës së Rilindjes konsiderohet epoka e Ducentos, d.m.th. shekulli XIII. Proto-Rilindja është ende e lidhur ngushtë me traditat mesjetare romane, gotike dhe bizantine. Artistët e fundit të XIII - fillimi i shekujve XIV. janë ende larg studimit shkencor të realitetit përreth. Ata shprehin idetë e tyre për të, duke përdorur gjithashtu imazhe konvencionale të sistemit piktorik bizantin - kodra shkëmbore, pemë simbolike, frëngji konvencionale. Por ndonjëherë pamja e strukturave arkitekturore riprodhohet aq saktë sa kjo tregon ekzistencën e skicave nga jeta. Personazhet tradicionale fetare fillojnë të përshkruhen në një botë të pajisur me vetitë e realitetit - vëllimi, thellësia hapësinore, substanca materiale. Fillon kërkimi për metodat e transmetimit në rrafshin e vëllimit dhe hapësirës tredimensionale. Mjeshtrit e kësaj kohe ringjallën parimin e modelimit dritëhije të formave, të njohur që nga lashtësia. Falë tij, figurat dhe ndërtesat fitojnë dendësi dhe vëllim.
Me sa duket, i pari që përdori perspektivën e lashtë ishte Cenni di Pepo fiorentine (informacion nga 1272 deri në 1302), i mbiquajtur Cimabue. Fatkeqësisht, vepra e tij më domethënëse - një seri pikturash me temat e Apokalipsit, jetën e Marisë dhe Apostullit Pjetër në Kishën e San Franceskos në Asiz, na ka arritur në një gjendje pothuajse të shkatërruar. Kompozimet e altarit të tij, të cilat ndodhen në Firence dhe në Muzeun e Luvrit, janë ruajtur më mirë. Ato kthehen edhe tek prototipet bizantine, por ato tregojnë qartë tiparet e një qasjeje të re ndaj pikturës fetare. Cimabue kthehet nga piktura italiane
shekulli XIII, i cili adoptoi traditat bizantine në origjinën e tyre të menjëhershme. Ai ndjeu në to atë që mbeti e paarritshme për bashkëkohësit e tij - fillimi harmonik i bukurisë sublime helene të imazheve.
Ngurtësia dhe skematizmi i lënë vendin butësisë muzikore të linjave. Figura e Madonës nuk duket më eterike. Në pikturën mesjetare, engjëjt interpretoheshin si shenja, si atribute të Nënës së Zotit; ata përshkruheshin si figura të vogla simbolike. Në Cimabue, ata fitojnë një kuptim krejtësisht të ri, përfshihen në skenë, këto janë krijesa të reja të bukura, që parashikojnë ata engjëj të këndshëm që do të shfaqen midis mjeshtrave të shekullit të 15-të.
Puna e Cimabue ishte pika fillestare e atyre proceseve të reja që përcaktuan zhvillimin e mëtejshëm të pikturës. Por historia e artit nuk mund të shpjegohet vetëm në terma evolucionare. Ndonjëherë ka kërcime të mprehta në të. Artistët e mëdhenj shfaqen si novatorë të guximshëm që refuzojnë sistemin tradicional. Giotto di Bondone (1266-1337) duhet të njihet si një reformator i tillë në pikturën italiane të shekullit të 14-të. Ky është një gjeni që ngrihet lart mbi bashkëkohësit e tij dhe shumë prej ndjekësve të tij.
Një fiorentin nga lindja, ai punoi në shumë qytete të Italisë. Më e famshmja nga veprat e Xhotos që na ka ardhur është cikli i pikturave në Kapelën Arena në Padova, kushtuar tregimeve ungjillore për jetën e Krishtit. Ky ansambël unik pikturor është një nga veprat më të rëndësishme në historinë e artit evropian. Në vend të skenave dhe figurave individuale të ndryshme karakteristike të pikturës mesjetare, Giotto krijoi një cikël të vetëm epik. 38 skena nga jeta e Krishtit dhe Marisë (“Takimi i Marisë dhe Elizabetës”, “Puthja e Judës”, “Vajtimi” etj.) janë të lidhura në një rrëfim të vetëm duke përdorur gjuhën e pikturës. Në vend të sfondit të zakonshëm bizantin të artë, Giotto prezanton një sfond peizazhi. Shifrat nuk notojnë më në hapësirë, por gjejnë tokë të fortë nën këmbët e tyre. Dhe megjithëse janë ende joaktive, ata tregojnë një dëshirë për të përcjellë anatominë e trupit të njeriut dhe natyrshmërinë e lëvizjes. Giotto u jep formave një prekshmëri, peshë dhe dendësi pothuajse skulpturore. Ai modelon relievin, duke ndriçuar gradualisht sfondin kryesor shumëngjyrësh. Ky parim i modelimit chiaroscuro, i cili bëri të mundur punën me ngjyra të pastra, të ndezura pa hije të errëta, u bë dominues në pikturën italiane deri në shekullin e 16-të.
Reforma e kryer në pikturën e Xhotos bëri një përshtypje të thellë për të gjithë bashkëkohësit e tij.
Ndikimi i Giotto-s fitoi forcën dhe frytshmërinë e tij vetëm një shekull më vonë. Artistët Quattrocento përmbushën detyrat e vendosura nga Giotto. Faza e Rilindjes së hershme quhet një periudhë triumfuese në historinë e artit. Bujaria dhe shtrirja e krijimtarisë artistike në Italinë e shekullit të 15-të krijon përshtypjen e një veprimtarie krijuese të paparë të skulptorëve dhe piktorëve.
Fama e themeluesit të pikturës Quattrocento i përket artistit fiorentin Masaccio, i cili vdiq shumë i ri (1401-1428). Në afresket e tij, figurat e pikturuara sipas ligjeve të anatomisë lidhen me njëra-tjetrën dhe me peizazhin. Kodrat dhe pemët e saj shtrihen në distancë, duke formuar një mjedis natyror ajri. Jetët e njerëzve dhe natyrës janë të lidhura në një tërësi koherente, në një veprim të vetëm dramatik. Kjo është një fjalë e re në artin botëror të pikturës.
Shkolla fiorentine mbeti lider në artin italian për një kohë të gjatë. Brenda saj kishte edhe një lëvizje më konservatore. Artistët e kësaj lëvizjeje ishin murgj, prandaj në historinë e artit quheshin monastikë. Një nga më të famshmit mes tyre ishte vëllai i Xhovani Beatos, Angelico da Fiesole (1387-1455).
Një tipar karakteristik i pikturës së vonë Quattrocento është shumëllojshmëria e shkollave dhe drejtimeve. Në këtë kohë morën formë shkollat fiorentine, umbiane (Piero della Francesca, Pinturicchio, Perugino), italishten veriore (Mantegni), veneciane (Giovanni Bellini).
Një nga artistët më të shquar të Quattrocento - Sandro Botticelli (1445-1510) - një eksponent i idealeve estetike të oborrit të tiranit, politikanit, filantropit, poetit dhe filozofit të famshëm Lorenzo Medici, i mbiquajtur i Madhërishmi. Oborri i këtij sovrani të pakurorëzuar ishte një qendër e kulturës artistike, që bashkonte filozofë, shkencëtarë dhe artistë të famshëm.
Në artin e Botticelli-t ka një sintezë të veçantë të misticizmit mesjetar me traditën antike, idealet e gotikës dhe të rilindjes. Në imazhet e tij mitologjike ka një ringjallje të simbolizmit. Ai përshkruan perëndesha të bukura të lashta jo në forma sensuale të bukurisë tokësore, por në imazhe romantike, shpirtërore, sublime. Piktura që e bëri të famshëm është "Lindja e Venusit". Këtu shohim një imazh unik femëror të Botticelli, i cili nuk mund të ngatërrohet me veprat e artistëve të tjerë. Botticelli kombinoi çuditërisht sensualitetin pagan dhe spiritualitetin e rritur, feminitetin skulpturor dhe brishtësinë e butë, sofistikimin, saktësinë lineare dhe emocionalitetin, ndryshueshmërinë. Ai është një nga artistët më poetikë në historinë e artit. Ai preferon tema simbolike, alegorike, i pëlqen të ëndërrojë dhe të shprehet në sugjerime.
Rilindja e hershme zgjati rreth një shekull. Ajo përfundon me Rilindjen e Lartë, e cila zgjat vetëm rreth 30 vjet. Roma u bë qendra kryesore e jetës artistike në këtë kohë.
Nëse arti i Quattrocento është analiza, kërkime, zbulime, freski e një botëkuptimi rinor, atëherë arti i Rilindjes së Lartë është rezultat, sintezë, pjekuri e mençur. Kërkimi për një ideal artistik gjatë periudhës Quattrocento e çoi artin në përgjithësim, në zbulimin e modeleve të përgjithshme. Dallimi kryesor midis artit të Rilindjes së Lartë është se ai braktis veçoritë, detajet, detajet në emër të një imazhi të përgjithësuar. E gjithë përvoja, të gjitha kërkimet për paraardhësit janë ngjeshur nga mjeshtrit e mëdhenj të Cinquecento në një përgjithësim madhështor.
Imazhi i një personi të bukur, me vullnet të fortë përbën përmbajtjen kryesore të artit të asaj kohe. Ndryshe nga arti i shekullit të 15-të, ai karakterizohet nga dëshira për të kuptuar dhe mishëruar modelin e përgjithshëm të fenomeneve të jetës.
Kjo ishte epoka e titanëve të Rilindjes, e cila i dha kulturës botërore veprën e Leonardos, Raphael dhe Michelangelo. Në historinë e kulturës botërore, këto tre gjeni, pavarësisht nga të gjitha pangjashmëritë e tyre, individualiteti krijues personifikojnë vlerën kryesore të Rilindjes Italiane - harmoninë e bukurisë, fuqisë dhe inteligjencës. Jetët e tyre janë dëshmi e ndryshimit të qëndrimit të shoqërisë ndaj personalitetit krijues të artistit, karakteristikë e Rilindjes. Mjeshtrit e artit u bënë figura të dukshme dhe të vlefshme në shoqëri, ata me të drejtë u konsideruan si njerëzit më të arsimuar të kohës së tyre.
Kjo karakteristikë, ndoshta më shumë se figurat e tjera të Rilindjes, vlen për Leonardo da Vinçin (1452 - 1519). Ai ndërthuri gjenialitetin artistik dhe atë shkencor. Leonardo ishte një shkencëtar që studioi natyrën jo për hir të artit, por për hir të shkencës. Kjo është arsyeja pse kaq pak vepra të përfunduara të Leonardos kanë arritur tek ne. Ai filloi të pikturonte dhe i braktisi ato sapo problemi iu duk qartë i formuluar. Shumë nga vëzhgimet e tij parashikojnë zhvillimin e shkencës dhe pikturës evropiane me shekuj të tërë. Zbulimet moderne shkencore nxisin interesin për vizatimet e tij inxhinierike fantastiko-shkencore.
Madonna e tij në shpellë është altari i parë monumental i Rilindjes së Lartë. Kjo është një pikturë e madhe në një format të zakonshëm në pikturën e Rilindjes, që i ngjan një dritareje, e rrumbullakosur në krye.
Një fazë e re në art ishte pikturimi i murit të tryezës së manastirit të Santa Maria del Grazie bazuar në komplotin e Darkës së Fundit, e cila u pikturua nga shumë artistë Quattrocento. “Darka e Fundit” është gurthemeli i artit klasik, ai realizoi programin e Rilindjes së Lartë. Leonardo punoi në këtë punë për 16 vjet. Afresku i madh, ku figurat janë pikturuar një herë e gjysmë më të mëdha se madhësia e jetës, u bë një shembull i një kuptimi të mençur të ligjeve të pikturës monumentale të lidhura me hapësirën reale të brendshme. Ai mishëroi kërkimin shkencor të artistit në fushat e fizikës, optikës, matematikës dhe anatomisë, të nevojshme për të zgjidhur problemet e përmasave dhe perspektivës në një hapësirë të gjerë piktoreske. Më e rëndësishmja, puna e shkëlqyer e Leonardos ka një fuqi të madhe psikologjike. Asnjë nga artistët që përshkruan Darkën e Fundit para Leonardos nuk vendosi një detyrë kaq të vështirë - të tregojë kuptimin e unifikuar të këtij momenti madhështor përmes reagimeve të njerëzve, personaliteteve, temperamenteve dhe reagimeve emocionale të ndryshme. 12 apostuj, 12 personazhe të ndryshëm manifestohen në mënyra të ndryshme në momentin e tronditjes emocionale. Nëpërmjet reagimeve të tyre emocionale, të shprehura në lëvizje, zbulohen pyetjet e përjetshme të njeriut: për dashurinë dhe urrejtjen, përkushtimin dhe tradhtinë, fisnikërinë dhe poshtërsinë.
Një nga pikturat më të famshme në botë ishte vepra e Leonardo "La Gioconda". Ky portret i gruas së tregtarit del Giocondo ka tërhequr vëmendjen me shekuj, qindra faqe komente janë shkruar për të, është vjedhur, falsifikuar, kopjuar dhe i janë atribuar fuqitë e magjisë. Shprehja e pakapshme në fytyrën e Xhokondës kundërshton përshkrimin dhe riprodhimin e saktë. Ky portret u bë një kryevepër e artit të Rilindjes.
Për herë të parë në historinë e artit botëror, zhanri i portretit qëndroi në të njëjtin nivel me kompozimet me temë fetare.
Idetë e artit monumental të Rilindjes gjetën shprehje të gjallë në veprën e Raphael Santi (1483-1520). Leonardo krijoi stilin klasik, Raphael e miratoi dhe e popullarizoi atë. Arti i Raphael-it shpesh përkufizohet si "mesatarja e artë".
Puna e Raphaelit dallohet nga cilësitë klasike - qartësia, thjeshtësia fisnike, harmonia. Në tërësinë e saj, ajo lidhet me kulturën shpirtërore të Rilindjes. Ai ishte 30 vjet më i ri se Leonardo dhe vdiq pothuajse njëkohësisht me të, pasi kishte arritur aq shumë në historinë e artit sa është e vështirë të imagjinohet se një person mund t'i kishte arritur të gjitha. Artist i gjithanshëm, arkitekt, monumentalist, mjeshtër i portreteve dhe kompozimeve me shumë figura, dekorator i talentuar, ai ishte një figurë qendrore në jetën artistike të Romës. Kulmi i mjeshtërisë së tij ishte "Sistine Madonna", e pikturuar në 1516 për manastirin benediktin në Piacenza (tani piktura është në Dresden). Për shumë, është matja e më të bukurës që arti mund të krijojë.
Kjo përbërje altari është perceptuar me shekuj si një formulë e bukurisë dhe harmonisë. Një ndjenjë tragjike buron nga fytyrat mahnitëse shpirtërore të Madonës dhe Zotit Foshnja, të cilët ajo i jep për të shlyer mëkatet njerëzore. Vështrimi i Madonës drejtohet sikur përmes shikuesit, ai është i mbushur me largpamësi vajtuese. Ky imazh mishëron sintezën e idealit të lashtë të bukurisë me spiritualitetin e idealit të krishterë.
Merita historike e artit të Rafaelit është se ai lidhi dy botë në një - botën e krishterë dhe botën pagane. Që nga ajo kohë, ideali i ri artistik u vendos fort në artin fetar të Evropës Perëndimore.
Skulpturë e Rilindjes
Gjeniu i ndritur i Rafaelit ishte larg nga thellësia psikologjike në botën e brendshme të njeriut, si ajo e Leonardos, por edhe më e huaj për botëkuptimin tragjik të Mikelanxhelos. Michelangelo Buonarroti (1475-1564) jetoi një jetë të gjatë, të vështirë dhe heroike. Gjeniu i tij u shfaq në arkitekturë, pikturë, poezi, por më qartë në skulpturë. Ai e perceptoi botën në mënyrë plastike; në të gjitha fushat e artit ai është kryesisht një skulptor. Trupi i njeriut i duket atij lënda më e denjë e përshkrimit. Por ky është një njeri i një race të veçantë, të fuqishme, heroike. Arti i Mikelanxhelos i kushtohet glorifikimit të luftëtarit njerëzor, veprimtarive dhe vuajtjeve të tij heroike. Arti i tij karakterizohet nga gjigantomania, një fillim titanik. Ky është arti i shesheve, i ndërtesave publike dhe jo i sallave të pallateve, art për njerëzit dhe jo për aristokratët e oborrit.
Shekulli i 15-të ishte kulmi i skulpturës monumentale në Itali. Ai del nga ambientet e brendshme në fasadat e kishave dhe ndërtesave civile, në sheshin e qytetit dhe bëhet pjesë e ansamblit të qytetit.
Një nga veprat më të hershme dhe më të famshme të Mikelanxhelos është statuja pesë metra e Davidit në sheshin në Firence, që simbolizon fitoren e Davidit të ri mbi gjigantin Goliath. Hapja e monumentit u kthye në një festë popullore, sepse fiorentinët panë te Davidi një hero pranë tyre, një qytetar dhe mbrojtës të republikës.
Skulptorët e Rilindjes iu drejtuan jo vetëm imazheve tradicionale të krishtera, por edhe njerëzve të gjallë, bashkëkohës. Zhvillimi i zhanrit të portretit skulpturor, monumentit të varrit, medaljes së portretit dhe statujës së kuajve lidhet me këtë dëshirë për të përjetësuar imazhin e një bashkëkohësi të vërtetë. Këto skulptura dekoruan sheshet e qytetit, duke ndryshuar pamjen e tyre.
Skulptura e Rilindjes kthehet në traditat e lashta të skulpturës. Monumentet e skulpturës antike bëhen objekt studimi, shembull i gjuhës plastike. Skulptura, më herët se piktura, largohet nga kanunet mesjetare dhe merr një rrugë të re zhvillimi. Ndoshta kjo shpjegohet me vendin që zinte në kishat mesjetare. Gjatë ndërtimit të katedraleve të mëdha, u krijuan punëtori që trajnuan skulptorë dekorativë që morën trajnim të mirë këtu. Punëtoritë e skulptorëve ishin qendra kryesore të jetës artistike dhe luajtën një rol të madh në studimin e antikitetit dhe anatomisë së trupit të njeriut. Arritjet e skulpturës së Rilindjes së Hershme patën një ndikim të madh te piktorët që e perceptonin një person të gjallë përmes prizmit të plasticitetit. Skulptorët e Rilindjes arrijnë kuptimin e plotë të trupit të njeriut, e çlirojnë atë nga masa e veshjeve në të cilat fshiheshin figurat e gotikës mesjetare. Rruga që përshkoi Hellas në tre shekuj u përfundua nga tre breza mjeshtrash gjatë Rilindjes.
Parathënësit e parë të artit të Rilindjes u shfaqën në Itali në shekullin e 14-të. Artistët e kësaj kohe, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) dhe (më së shumti) Xhoto
(1267-1337) kur krijonin piktura me tema tradicionale fetare, ata filluan të përdorin teknika të reja artistike: ndërtimi i një kompozimi tredimensional, duke përdorur një peizazh në sfond, i cili i lejoi ata t'i bënin imazhet më realiste dhe më të animuara. Kjo e dalloi ashpër punën e tyre nga tradita e mëparshme ikonografike, e mbushur me konvencione në imazh.
Termi përdoret për të treguar krijimtarinë e tyre Proto-Rilindja (1300 - "Trecento")
.
Giotto di Bondone
(rreth 1267-1337) - Artist dhe arkitekt italian i epokës së Proto-Rilindjes. Një nga figurat kryesore në historinë e artit perëndimor. Duke kapërcyer traditën bizantine të pikturës së ikonave, ai u bë themeluesi i vërtetë i shkollës italiane të pikturës dhe zhvilloi një qasje krejtësisht të re për të përshkruar hapësirën. Veprat e Giotto-s u frymëzuan nga Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo.
Rilindja e hershme (1400 - Quattrocento).
Në fillim të shekullit të 15-të Filippo Brunelleschi
(1377-1446), shkencëtar dhe arkitekt fiorentin.
Brunelleschi donte ta bënte më vizual perceptimin e banjove dhe teatrove që rindërtoi dhe u përpoq të krijonte piktura me perspektivë gjeometrike nga planet e tij për një këndvështrim specifik. Në këtë kërkim u zbulua perspektivë e drejtpërdrejtë.
Kjo i lejoi artistët të merrnin imazhe të përsosura të hapësirës tre-dimensionale në një kanavacë të sheshtë pikture.
_________Një hap tjetër i rëndësishëm në rrugën drejt Rilindjes ishte shfaqja e artit jofetar, laik. Portreti dhe peizazhi u vendosën si zhanre të pavarura. Edhe temat fetare fituan një interpretim tjetër - artistët e Rilindjes filluan t'i shihnin personazhet e tyre si heronj me tipare të theksuara individuale dhe motivim njerëzor për veprime.
Artistët më të njohur të kësaj periudhe janë Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).
Masaccio
(1401-1428) - piktor i famshëm italian, mjeshtri më i madh i shkollës fiorentine, reformator i pikturës së epokës Quattrocento.
 |
| Afresk. Mrekulli me statir. |
 |
| Pikturë. Kryqëzimi. |
 |
| Afresk. Historia e Mbretëreshës së Shebës. Kisha e San Franceskos në Arezzo |
Sandro Botticelli(1445-1510) - piktor i madh italian, përfaqësues i shkollës fiorentine të pikturës.
 |
| Pranvera. |
 |
| Lindja e Venusit. |
Rilindja e Lartë ("Cinquecento").
Lulëzimi më i lartë i artit të Rilindjes ndodhi për çerekun e parë të shekullit të 16-të.
Punimet Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafael Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Ticiani (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) përbëjnë fondin e artë të artit evropian.
Leonardo di Ser Piero da Vinci (Firence) (1452-1519) - Artist italian (piktor, skulptor, arkitekt) dhe shkencëtar (anatomist, natyralist), shpikës, shkrimtar.
 |
| Autoportret |
 |
| Zonjë me një hermelinë. 1490. Muzeu Czartoryski, Krakov |
 |
| Mona Lisa (1503-1505/1506) |
 |
| Madonna Litta. 1490-1491. Muzeu Hermitage. |
 |
| Madonna Benois (Madona me një lule). 1478-1480 |
 |
| Madona me Karafil. 1478 |
Gjatë jetës së tij, Leonardo da Vinci bëri mijëra shënime dhe vizatime mbi anatominë, por nuk e botoi punën e tij. Gjatë zbërthimit të trupave të njerëzve dhe kafshëve, ai përcolli me saktësi strukturën e skeletit dhe organeve të brendshme, duke përfshirë detaje të vogla. Sipas profesorit të anatomisë klinike Peter Abrams, puna shkencore e da Vinçit ishte 300 vjet përpara kohës së saj dhe në shumë mënyra më e lartë se Anatomia e famshme e Greit.
Lista e shpikjeve, të vërteta dhe që i atribuohen atij:
Parashutë, për tëKalaja e Olestsovës, nëbiçikleta, tank, lura portative të lehta për ushtrinë, fprojektor, për tëatapult, rtë dyja, dTeleskopi Vuhlens.
Këto risi u zhvilluan më pas Rafael Santi (1483-1520) - një piktor i madh, grafist dhe arkitekt, përfaqësues i shkollës Umbrian.
| Autoportret. 1483 |
Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) - skulptor, artist, arkitekt, poet, mendimtar italian.
Pikturat dhe skulpturat e Michelangelo Buonarottit janë plot patos heroik dhe, në të njëjtën kohë, një ndjenjë tragjike të krizës së humanizmit. Pikturat e tij lavdërojnë forcën dhe fuqinë e njeriut, bukurinë e trupit të tij, duke theksuar njëkohësisht vetminë e tij në botë.
Gjeniu i Mikelanxhelos la gjurmë jo vetëm në artin e Rilindjes, por edhe në të gjithë kulturën botërore të mëvonshme. Aktivitetet e tij janë të lidhura kryesisht me dy qytete italiane - Firencen dhe Romën.
Sidoqoftë, artisti mundi të realizonte planet e tij më ambicioze pikërisht në pikturë, ku veproi si një novator i vërtetë i ngjyrës dhe formës.
I porositur nga Papa Julius II, ai pikturoi tavanin e Kapelës Sistine (1508-1512), duke përfaqësuar historinë biblike nga krijimi i botës deri në përmbytjen dhe duke përfshirë më shumë se 300 figura. Në vitet 1534-1541, në të njëjtën Kapelë Sistine, ai pikturoi afreskun madhështor, dramatik "Gjykimi i fundit" për Papa Palin III.
Kapela Sistine 3D.
Veprat e Giorgione dhe Titian dallohen për interesin e tyre për peizazhin dhe poetizimin e komplotit. Të dy artistët arritën mjeshtëri të madhe në artin e portretit, me ndihmën e të cilit përcillnin karakterin dhe botën e pasur të brendshme të personazheve të tyre.
Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) - Artist italian, përfaqësues i shkollës veneciane të pikturës.
 |
||||
| Venusi i fjetur. 1510 |
 |
| Judith. 1504 g |
Titian pikturoi piktura me tema biblike dhe mitologjike; ai gjithashtu u bë i famshëm si piktor portreti. Ai mori urdhra nga mbretër dhe papë, kardinalë, dukë dhe princër. Titian nuk ishte as tridhjetë vjeç kur u njoh si piktori më i mirë i Venecias.
 |
| Autoportret. 1567 |
 |
| Venusi i Urbinos. 1538 |
 |
| Portreti i Tommaso Mostit. 1520 |
Rilindja e vonë.
Pas grabitjes së Romës nga forcat perandorake në 1527, Rilindja Italiane hyri në një periudhë krize. Tashmë në veprën e të ndjerit Raphael, u përshkrua një linjë e re artistike, e quajtur sjelljen.
Kjo epokë karakterizohet nga linja të fryra dhe të thyera, figura të zgjatura apo edhe të deformuara, poza shpesh të zhveshura, të tensionuara dhe të panatyrshme, efekte të pazakonta ose të çuditshme të lidhura me madhësinë, ndriçimin ose perspektivën, përdorimin e një diapazoni kromatik kaustik, përbërjen e mbingarkuar, etj. i pari zotëron manierizmin Parmigianino
, Pontormo
, Bronzino-
jetoi dhe punoi në oborrin e shtëpisë së Dukës së Medicit në Firence. Moda manieriste u përhap më vonë në të gjithë Italinë dhe më gjerë.
Girolamo Francesco Maria Mazzola
(Parmigianino
- “banor i Parmës”) (1503-1540) Artist dhe gdhendës italian, përfaqësues i manierizmit.
 |
| Autoportret. 1540 |
 |
| Portret i një gruaje. 1530. |
Pontormo (1494-1557) - Piktor italian, përfaqësues i shkollës fiorentine, një nga themeluesit e manierizmit.
Në vitet 1590, arti zëvendësoi manierizmin barok (shifrat kalimtare - Tintoretto Dhe El Greko ).
Jacopo Robusti, i njohur më mirë si Tintoretto (1518 ose 1519-1594) - piktor i shkollës veneciane të Rilindjes së vonë.
 |
| Darka e Fundit. 1592-1594. Kisha e San Giorgio Maggiore, Venecia. |
El Greko ("greke" Domenikos Theotokopulos ) (1541-1614) - Artist spanjoll. Nga origjina - grek, me origjinë nga ishulli i Kretës.
El Greko nuk kishte ndjekës bashkëkohorë dhe gjenia e tij u rizbulua pothuajse 300 vjet pas vdekjes së tij.
El Greko studioi në studion e Titianit, por, megjithatë, teknika e tij e pikturës ndryshon dukshëm nga ajo e mësuesit të tij. Veprat e El Grecos karakterizohen nga shpejtësia dhe ekspresiviteti i ekzekutimit, të cilat i afrojnë ato me pikturën moderne.
 |
| Krishti në kryq. NE RREGULL. 1577. Koleksion privat. |
 |
| Triniteti. 1579 Prado. |
Gjatë Rilindjes ndodhin shumë ndryshime dhe zbulime. Eksplorohen kontinente të reja, zhvillohet tregtia, shpiken gjëra të rëndësishme, si letra, busull detare, barut e shumë të tjera. Ndryshimet në pikturë ishin gjithashtu të një rëndësie të madhe. Pikturat e Rilindjes fituan një popullaritet të madh.
Stilet dhe tendencat kryesore në veprat e mjeshtrave
Kjo periudhë ishte një nga më të frytshmet në historinë e artit. Kryeveprat e një numri të madh të mjeshtrave të shquar mund të gjenden sot në qendra të ndryshme arti. Inovatorët u shfaqën në Firence në gjysmën e parë të shekullit të pesëmbëdhjetë. Pikturat e tyre të Rilindjes shënuan fillimin e një epoke të re në historinë e artit.
Në këtë kohë, shkenca dhe arti lidhen shumë ngushtë. Artistët dhe shkencëtarët kërkuan të zotëronin botën fizike. Piktorët u përpoqën të përfitonin nga idetë më të sakta për trupin e njeriut. Shumë artistë u përpoqën për realizëm. Stili fillon me pikturën e Leonardo da Vinçit "Darka e Fundit", të cilën ai e pikturoi për gati katër vjet.
Një nga veprat më të famshme
Është pikturuar në vitin 1490 për tryezën e manastirit të Santa Maria delle Grazie në Milano. Piktura përfaqëson vaktin e fundit të Jezusit me dishepujt e tij para se të kapej dhe vritej. Bashkëkohësit që vëzhgonin punën e artistit gjatë kësaj periudhe vunë re se si ai mund të pikturonte nga mëngjesi në mbrëmje, pa u ndalur as për të ngrënë. Dhe pastaj ai mund ta braktiste pikturën e tij për disa ditë dhe të mos i afrohej fare.
Artisti ishte shumë i shqetësuar për imazhin e vetë Krishtit dhe tradhtarin Juda. Kur piktura përfundoi përfundimisht, ajo u njoh me të drejtë si një kryevepër. "Darka e Fundit" është ende një nga më të njohurit. Riprodhimet e Rilindjes kanë qenë gjithmonë të kërkuara, por kjo kryevepër shënohet nga kopje të panumërta.
Një kryevepër e njohur, ose buzëqeshja misterioze e një gruaje
Ndër veprat e krijuara nga Leonardo në shekullin e gjashtëmbëdhjetë është një portret i quajtur Mona Lisa, ose La Gioconda. Në epokën moderne, ajo është ndoshta piktura më e famshme në botë. Ajo u bë e njohur kryesisht për shkak të buzëqeshjes së pakapshme në fytyrën e gruas së përshkruar në kanavacë. Çfarë çoi në një mister të tillë? Puna e shkathët e një mjeshtri, aftësia për të hijezuar me kaq mjeshtëri qoshet e syve dhe të gojës? Natyra e saktë e kësaj buzëqeshje nuk mund të përcaktohet deri më sot.
Detaje të tjera të kësaj fotografie janë përtej konkurrencës. Vlen t'i kushtohet vëmendje duarve dhe syve të gruas: sa saktë i trajtoi artisti detajet më të vogla të kanavacës kur e pikturonte atë. Jo më pak interesant është peizazhi dramatik në sfondin e tablosë, një botë në të cilën gjithçka duket të jetë në rrjedhë.
Një tjetër përfaqësues i famshëm i pikturës
Një përfaqësues po aq i famshëm i Rilindjes është Sandro Botticelli. Ky është një piktor i madh italian. Pikturat e tij të Rilindjes janë gjithashtu jashtëzakonisht të njohura në mesin e një game të gjerë shikuesish. "Adhurimi i magjistarëve", "Madona dhe fëmija i hipur në fron", "Shpallja" - këto vepra të Botticelli, kushtuar temave fetare, u bënë arritje të mëdha të artistit.
Një tjetër vepër e famshme e mjeshtrit është "Madonna Magnificat". Ajo u bë e famshme gjatë jetës së Sandros, siç dëshmohet nga riprodhimet e shumta. Pëlhura të ngjashme në formë rrethi ishin mjaft të kërkuara në Firencen e shekullit të pesëmbëdhjetë.
Një kthesë e re në punën e artistit
Duke filluar nga viti 1490, Sandro ndryshoi stilin e tij. Ajo bëhet më asketike, kombinimi i ngjyrave tani është shumë më i përmbajtur, tonet e errëta shpesh mbizotërojnë. Qasja e re e krijuesit për të shkruar veprat e tij është qartë e dukshme në "Kurorëzimi i Marisë", "Vajtimi i Krishtit" dhe piktura të tjera që përshkruajnë Madonën dhe Fëmijën.
Kryeveprat e pikturuara nga Sandro Botticelli në atë kohë, për shembull, portreti i Dantes, nuk kanë peizazh dhe sfonde të brendshme. Një nga krijimet po aq domethënëse të artistit është "Krishtlindja mistike". Piktura u pikturua nën ndikimin e trazirave që ndodhën në fund të vitit 1500 në Itali. Shumë piktura të artistëve të Rilindjes jo vetëm që fituan popullaritet, por u bënë shembull për brezin e mëvonshëm të piktorëve.
Një artist, kanavacat e të cilit janë të rrethuar nga një atmosferë admirimi
Rafael Santi da Urbino nuk ishte vetëm një arkitekt. Pikturat e tij të Rilindjes admirohen për qartësinë e formës, thjeshtësinë e kompozimit dhe arritjen vizuale të idealit të madhështisë njerëzore. Së bashku me Mikelanxhelon dhe Leonardo da Vinçin, ai është një nga trinitë tradicionale të mjeshtërve më të mëdhenj të kësaj periudhe.
Ai jetoi një jetë relativisht të shkurtër, vetëm 37 vjeç. Por gjatë kësaj kohe ai krijoi një numër të madh të kryeveprave të tij. Disa nga veprat e tij gjenden në Pallatin e Vatikanit në Romë. Jo të gjithë shikuesit mund të shohin pikturat e artistëve të Rilindjes me sytë e tyre. Fotografitë e këtyre kryeveprave janë të disponueshme për të gjithë (disa prej tyre janë paraqitur në këtë artikull).
Veprat më të famshme të Raphael
Nga 1504 deri në 1507, Raphael krijoi një seri të tërë Madonnas. Pikturat dallohen nga bukuria magjepsëse, mençuria dhe në të njëjtën kohë një trishtim i caktuar i ndriçuar. Piktura e tij më e famshme ishte Sistine Madonna. Ajo është përshkruar duke fluturuar në qiell dhe duke zbritur pa probleme drejt njerëzve me një foshnjë në krahë. Ishte kjo lëvizje që artisti ishte në gjendje të përshkruante me shumë mjeshtëri.
Kjo vepër u vlerësua shumë nga shumë kritikë të famshëm dhe të gjithë arritën në të njëjtin përfundim se ishte vërtet e rrallë dhe e pazakontë. Të gjitha pikturat e artistëve të Rilindjes kanë një histori të gjatë. Por ajo u bë më e njohur falë bredhjeve të saj të pafundme, duke filluar nga momenti i krijimit të saj. Pasi kaloi prova të shumta, më në fund zuri vendin e merituar midis ekspozitave të Muzeut të Dresdenit.
Piktura të Rilindjes. Fotot e pikturave të famshme
Dhe një tjetër piktor, skulptor dhe arkitekt i famshëm italian që pati një ndikim të madh në zhvillimin e artit perëndimor është Michelangelo di Simoni. Pavarësisht se ai njihet kryesisht si skulptor, ka edhe vepra të bukura të pikturës së tij. Dhe më e rëndësishmja prej tyre është tavani i Kapelës Sistine.
Kjo punë u krye për katër vjet. Hapësira zë rreth pesëqind metra katrorë dhe përmban më shumë se treqind figura. Në qendër janë nëntë episode nga libri i Zanafillës, të ndarë në disa grupe. Krijimi i tokës, krijimi i njeriut dhe rënia e tij. Ndër pikturat më të famshme në tavan janë "Krijimi i Adamit" dhe "Adami dhe Eva".
Vepra e tij po aq e famshme është "Gjykimi i Fundit". Është bërë në murin e altarit të Kapelës Sistine. Afreska përshkruan ardhjen e dytë të Jezu Krishtit. Këtu Michelangelo injoron konvencionet standarde artistike në pikturimin e Jezusit. Ai e përshkroi atë me një strukturë trupore masive muskulore, të ri dhe pa mjekër.
Kuptimi i fesë, ose Arti i Rilindjes
Piktura italiane e Rilindjes u bë baza për zhvillimin e artit perëndimor. Shumë prej veprave të njohura të këtij brezi krijues kanë një ndikim të madh te artistët që vazhdon edhe sot e kësaj dite. Përfaqësuesit e mëdhenj të artit të asaj periudhe e përqendruan vëmendjen e tyre në temat fetare, shpesh duke punuar me urdhra nga klientët e pasur, përfshirë vetë Papën.
Feja depërtoi fjalë për fjalë në jetën e përditshme të njerëzve të kësaj epoke dhe u rrënjos thellë në mendjet e artistëve. Pothuajse të gjitha pikturat fetare gjenden në muze dhe depo arti, por riprodhimet e pikturave të Rilindjes, të lidhura jo vetëm me këtë temë, mund të gjenden në shumë institucione dhe madje edhe në shtëpi të zakonshme. Njerëzit do të admirojnë pafundësisht veprat e mjeshtrave të famshëm të asaj periudhe.
Italia është një vend që ka qenë gjithmonë i famshëm për artistët. Mjeshtrit e mëdhenj që dikur jetonin në Itali lavdëruan artin në të gjithë botën. Mund të themi me siguri se po të mos ishin artistët, skulptorët dhe arkitektët italianë, bota sot do të dukej krejtësisht ndryshe. Sigurisht, ajo konsiderohet më e rëndësishmja në artin italian. Italia gjatë Rilindjes apo Rilindjes arriti rritje dhe prosperitet të paparë. Artistët e talentuar, skulptorët, shpikësit, gjenitë e vërtetë që u shfaqën në ato ditë janë ende të njohur për çdo nxënës. Arti, krijimtaria, idetë dhe zhvillimet e tyre sot konsiderohen klasike, thelbi mbi të cilin ndërtohet arti dhe kultura botërore.
Një nga gjenitë më të njohur të Rilindjes Italiane, natyrisht, është i madhi Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinçi ishte aq i talentuar sa arriti sukses të madh në shumë fusha, duke përfshirë artet figurative dhe shkencën. Një tjetër artist i famshëm që është një mjeshtër i njohur është Sandro Botticelli(1445-1510). Pikturat e Botticelli janë një dhuratë e vërtetë për njerëzimin. Sot, shumë prej tyre ndodhen në muzetë më të famshëm në botë dhe janë vërtet të paçmueshme. Jo më pak i famshëm se Leonardo da Vinci dhe Botticelli Rafael Santi(1483-1520), i cili jetoi për 38 vjet, dhe gjatë kësaj kohe arriti të krijojë një shtresë të tërë pikture mahnitëse, e cila u bë një nga shembujt e mrekullueshëm të Rilindjes së Hershme. Një tjetër gjeni i madh i Rilindjes Italiane, pa dyshim, është Michelangelo Buonarotti(1475-1564). Krahas pikturës, Mikelanxhelo merrej me skulpturë, arkitekturë dhe poezi dhe arriti rezultate të mëdha në këto lloje arti. Statuja e Mikelanxhelos e quajtur "David" konsiderohet një kryevepër e patejkalueshme, një shembull i arritjeve më të larta të artit të skulpturës.
Përveç artistëve të përmendur më lart, artistët më të mëdhenj të Italisë së Rilindjes ishin mjeshtra të tillë si Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepuarolo, Francesco dhe të tjerë. Të gjithë ata ishin shembuj të shkëlqyer të shkollës së mrekullueshme veneciane të pikturës. Artistët e mëposhtëm i përkasin shkollës fiorentine të pikturës italiane: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolomme Andrea del Sarto.
Për të renditur të gjithë artistët që punuan gjatë Rilindjes, si dhe gjatë Rilindjes së vonë, dhe shekuj më vonë, të cilët u bënë të famshëm në mbarë botën dhe lavdëruan artin e pikturës, zhvilluan parimet dhe ligjet bazë që qëndrojnë në themel të të gjitha llojeve dhe zhanreve të Artet e bukura, Ndoshta do të duhen disa vëllime për të shkruar, por kjo listë mjafton për të kuptuar se artistët e mëdhenj italianë janë pikërisht arti që ne njohim, që duam dhe që do ta vlerësojmë përgjithmonë!
Piktura të artistëve të mëdhenj italianë
Andrea Mantegna - Afresk në Camera degli Sposi
Giorgione - Tre filozofë
Leonardo da Vinci - Mona Lisa
Nicolas Poussin - Madhështia e Scipionit
Paolo Veronese - Beteja e Lepantos
Kur shikon pikturat Rilindja, nuk mund të mos admirohet qartësia e linjave, paleta e mrekullueshme e ngjyrave dhe, më e rëndësishmja, realizmi i jashtëzakonshëm i imazheve të përcjella. Shkencëtarët modernë kanë hutuar prej kohësh se si mjeshtrit e asaj kohe arritën të krijonin kryevepra të tilla, pasi nuk ka mbetur asnjë provë e shkruar për ndërlikimet dhe sekretet e teknikës. Artisti dhe fotografi anglez David Hockney pretendon se ka zbuluar sekretin e artistëve të Rilindjes që dinin të pikturonin piktura "të gjalla".
Nëse krahasojmë periudha të ndryshme kohore në historinë e pikturës, bëhet e qartë se gjatë Rilindjes (kthesa e shekujve 14-15), pikturat "papritmas" u bënë shumë më realiste se më parë. Duke i parë, duket se personazhet do të psherëtinin dhe rrezet e diellit do të shkëlqejnë mbi objektet.
Pyetja sugjeron vetë: a mësuan papritmas artistët e Rilindjes të vizatonin më mirë dhe pikturat filluan të dilnin më voluminoze? Artisti, grafiku dhe fotografi i famshëm David Hockney u përpoq t'i përgjigjet kësaj pyetjeje ( David Hockney).
Një pikturë nga Jan van Eyck e ndihmoi atë në këtë kërkim "Portreti i çiftit Arnolfini". Mund të gjeni shumë detaje interesante në kanavacë, por ajo është pikturuar në 1434. Vëmendje të veçantë tërheq pasqyra në mur dhe shandani nën tavan, i cili duket çuditërisht realist. David Hockney arriti të kapte një shandan të ngjashëm dhe u përpoq ta pikturonte atë. Për habinë e artistit, doli të ishte mjaft e vështirë të përshkruhej ky objekt në perspektivë, madje edhe reflektimet e dritës duhet të përcillen në atë mënyrë që të jetë e qartë se kjo është shkëlqimi i metalit. Nga rruga, para Rilindjes, askush nuk mori përsipër detyrën e paraqitjes së shkëlqimit në një sipërfaqe metalike.
Kur modeli tredimensional i shandanit u rikrijua, Hockney u sigurua që piktura e Van Eyck ta përshkruante atë në perspektivë me një pikë të vetme zhdukjeje. Por kapja ishte se në shekullin e 15-të nuk kishte kamera obscura me lente (një pajisje optike me të cilën mund të krijoni një projeksion).
David Hockney pyeti veten se si Van Eyck arriti të arrijë një realizëm të tillë në pikturat e tij. Por një ditë ai vuri re imazhin e një pasqyre në pikturë. Ishte konveks. Vlen të përmendet se në ato ditë pasqyrat ishin konkave, sepse mjeshtrit nuk dinin ende se si të "ngjisnin" një rreshtim kallaji në sipërfaqen e sheshtë të xhamit. Për të bërë një pasqyrë në shekullin e 15-të, kallaji i shkrirë u derdh në një balonë qelqi dhe më pas u pre në pjesën e sipërme, duke lënë një fund konkave dhe me shkëlqim. David Hockney kuptoi se Van Eyck përdorte një pasqyrë konkave përmes së cilës ai shikonte për të vizatuar objekte sa më realisht të ishte e mundur.
Në vitet 1500, mjeshtrit mësuan të bënin lente të mëdha dhe me cilësi të lartë. Ata u futën në një kamera obscura, e cila bëri të mundur marrjen e një projeksioni të çdo madhësie. Ky ishte një revolucion i vërtetë në teknologjinë realiste të imazhit. Por shumica e njerëzve në piktura "u bënë" mëngjarashë. Gjë është se projeksioni i drejtpërdrejtë i thjerrëzave kur përdorni një aparat fotografik me vrima është pasqyruar. Në pikturën e Pieter Gerritsz van Roestraten "Deklarata e dashurisë (kuzhinieri i egër)," pikturuar rreth viteve 1665-1670, të gjithë personazhet janë mëngjarash. Një burrë dhe një grua mbajnë një gotë dhe një shishe në dorën e tyre të majtë, dhe plaku në sfond po tund drejt tyre gishtin e majtë. Edhe majmuni përdor putrën e majtë për të parë nën fustanin e një gruaje.
Për të marrë një imazh të saktë, proporcional, ishte e nevojshme të pozicionohej me saktësi pasqyra në të cilën ishte drejtuar thjerrëza. Por jo të gjithë artistët ishin në gjendje ta bënin këtë në mënyrë të përsosur, dhe atëherë kishte pak pasqyra me cilësi të lartë. Për shkak të kësaj, në disa piktura mund të shihni se si nuk respektoheshin përmasat: koka të vogla, shpatulla të mëdha ose këmbë.
Përdorimi i pajisjeve optike nga artistët në asnjë mënyrë nuk e ul talentin e tyre. Falë realizmit të arritur të pikturave të Rilindjes, banorët modernë tani e dinë se si dukeshin njerëzit dhe objektet shtëpiake të asaj kohe.
Artistët mesjetarë u përpoqën jo vetëm të arrinin realizmin në pikturat e tyre, por edhe të kodonin simbole të veçanta në to. Po, kryevepra e mrekullueshme e Titianit
