Státní akademické Mariinské divadlo: popis, repertoár a recenze.

Den otevřené dveře na nové scéně Mariinského divadla. 05.05.2013.

V budově nové scény Mariinského divadla 5. května, dne Hezké prázdniny Velikonoce jsme uspořádali den otevřených dveří. Všichni obyvatelé Petrohradu, kteří chtějí vidět Mariinské divadlo - 2, přišli do Kryukovského kanálu. Vstup byl zdarma, ale i tak jste museli získat vstupenku, abyste se mohli připojit ke skupině v doprovodu průvodců.

Po obdržení vytouženého lístku jste museli počkat, až vstoupí vaše skupina. Na exkurzi, která trvala až do 16.00, se sešli lidé z celého Petrohradu; Při čekání. člověk si mohl prohlédnout stavbu zvenčí, připomenout si historii stavitelství, debaty o zničení historického centra Petrohradu, obvinění Valerije Gergijeva ze všech hříchů atd. Ano, na místě současné druhé scény Mariinského divadla skutečně stával Palác kultury pojmenovaný po něm. První pětiletka, ve které jsem navštěvoval představení, když byla divadla hlavního města na zájezdu, a v divadle našeho divadelního učitele a režiséra Veniamina Filshtinského „Křižovatka“, kde jsem se ve hře „Hledání Godota“ poprvé setkal s jeho studenti, pak herci divadla. Lensovet a nyní Moskevské umělecké divadlo, Konstantin Khabensky, Michail Porechenkov a Trukhin, Andrei Dibrov.

Když mluví o rouhačském zničení stalinistické rarity, zapomínají, že tento „zázrak“ architektury byl ve skutečnosti postaven na místě historická budova- Litevský trh, na jehož návrhu se podílel Velký Giacomo Quarenghi.

Právě na místě těchto dvou dříve zbořených budov vyrostla budova druhé scény Mariinského divadla.

Čekáme na břehu kanálu. Žádný povyk, tlačenice, všichni trpělivě čekají, až obsluha zavolá na číslo požadované skupiny.

Nebudu diskutovat o architektuře budovy, ať se o tom hádají lidé, kteří to vědí - specialisté - Z nějakého důvodu jsem si vzpomněl na historii stavby Eiffelova věž v Paříži, která nebyla nikdy vyhubována! V té době se tato stavba jmenovala „Skvrna Paříže“ a spisovatel Guy de Maupassant, který pravidelně stoloval v restauraci v nejvyšším patře věže, to vysvětlil tím, že tato „nechutná stavba“ nebyla vidět. odtamtud. Čas dal vše na své místo a nyní se Eiffelova věž stala symbolem města a turisty nejnavštěvovanějším místem na světě.
Nastal čas vstupu naší skupiny a my vstupujeme do haly prvního patra a hned se vrháme do krásy, prostoru, světla a pohodlí zároveň.

Stěny jsou zdobeny jemným medově zbarveným vzácným onyxem, mramorové sloupy a podlahy, schody s mramorovými a skleněnými schody a na stropě..

Přívěsky z krystalů Swarovski, třpytící se všemi barvami duhy, odrážející světlo lustrů.

Do vyšších pater vedou široká schodiště - je jich sedm nadzemních a tři podzemní. Schody nejsou strmé a není těžké je vylézt.

Ve druhém patře jsou stánky s divadelními kostýmy. Kostýmy kdysi patřily k primám a premiérám Mariinského divadla a nyní se staly pozůstatky divadelních a muzejních exponátů.

Nejsou to žádné figuríny, ale skutečné rekvizity, které se kdysi používaly při představeních.

Pod kostýmy jsou nápisy, komu tento exponát patřil, ale není čas číst a hlavně zapisovat - spěcháme pro průvodce.

Jaké šikovné ruce připravily a vyšívaly tyto krásné kostýmy!!!

Prostorné sály, zákoutí vedoucí ke vchodům do sálů, vše se třpytí onyxem.

Malý sál pojme několik diváků, s pohodlná křesla a šikmá podlaha, takže hlavy sedících vpředu neblokují pódium a dění na něm.

A nakonec svatyně svatých – velký sál.

Pažba dále obsahuje přívěsky z krystalů Swarovski.

Obrovská scéna, když vstoupíme do haly, je otevřená – probíhají instalační práce.

Orchestřiště navržené pro umístění až dvou set hudebníků. Stojany na noty, světla, nástroje... Miluji chvíle před začátkem představení, kdy muzikanti ladí své nástroje - předzvěst začátku AKCE!

Sál s pohodlnými židlemi - seděl jsem a ocenil to, je to opravdu prostorné a útulné! Sál pojme 2000 diváků. Parter.

Vzdálenost mezi řadami je taková, že opozdilci nebudou muset vstávat celou sérii, docela pohodlné projít.

Úrovně, které sahají až ke stropu.

Nakonec stahují oponu - je jich několik, dostali jsme to s husím perem, není to Puškinova opera, která se připravuje k představení?

Průvodce říká, že jedna ze záclon je kopií díla úžasný umělec Alexandra Golovina. Na internetu jsem našel tuto oponu, která se bude zvedat a klesat při vystoupeních i u nás. Mnou pořízená fotka z webu Artcontext.

Ptám se na ceny vstupenek, průvodce odpovídá, že od 600 rublů do... na operu „Nabucco“ za účasti Placida Dominga a Marie Guleghiny na hlavní scéně stojí vstupenky 12 000 rublů! Ne každý je samozřejmě dostupný, ale spoléháme na společenské akce na divadelních scénách, které každoročně pořádá Valerij Gergiev. Prohlídka skončila, můžete odejít, ale nechcete se rozloučit s krásou, navíc si můžete poslechnout koncert studentů hudební škole na konzervatoři. Kolem krásných stánků jdu znovu do sálu, kde se koncert koná. Akustika je taková. že zvuky hrajících si dětí jsou slyšet až do nejvzdálenějších koutů. Míjím krásnou kytici drahých kamenů - radost!

Děti nefotím, protože cvakání zařízení může děti rušit. Hrají dobře, nechce se ti odejít, ale... musíš.
To je vše! Nyní nás čeká další nádherná etapa v Petrohradu. Věřím názorům muzikantů, kteří si pódium už vyzkoušeli, ocenili akustiku a s nadšením hovořili o nové hale.
Přes Kryukovský kanál je visutý most, který spojuje staré a nové jeviště. Tento most způsobil takové krupobití zneužívání od znalců architektury! Ale pokud je to technologická nutnost, můžete se smířit s ne příliš krásný výhled. Pravděpodobně mohly být rubáše a přívěsky jemnější, ale je to tak. to znamená.

To je o nové scéně vše. Čekáme na premiéru a pokračující představení a doufáme, že její život bude dlouhý a šťastný!

otevření Mariinsky 2

Medový onyx Mariinsky-2

Valery Gergiev: "Chtěli jsme vybudovat skutečnou divadelní čtvrť!"

Dvě zcela kontrastní budovy se spojily běžné jméno“”, jako by dva bratři, starší a mladší, s rozdílem 230 let, stáli dnes velmi blízko a drželi se za ruku skleněného mostu. 10 let výstavby a 22 miliard rublů - nyní byl uveden do života nový unikátní projekt. Maestro Gergiev, potěšen svým duchovním dítětem, se aktivně připravuje na otevření nové scény 2. května, v den svých výročí.

Architektonické řešení

Valerij Gergiev, umělecký ředitel Mariinského divadla, jehož generálním partnerem je VTB Bank, oslaví 60. výročí, jak je mezi opravdovými milovníky jeho řemesla zvykem, na jevišti - na nové scéně moderního a high-tech Mariinského divadla- 2.

„Nechtěli jsme jen stavět nové divadlo. Náš úkol je mnohem globálnější – skutečná divadelní čtvrť! Myslím, že tento nápad se docela povedl! Nové divadlo je krásné a dokonale zapadá do stávající kompozice starého divadla a koncertního sálu!“ – Valerij Gergiev se podělil o své dojmy po akustickém testu na nové scéně, kam byli pozváni novináři, aby zhodnotili kvalitu zvuku a výzdobu interiéru divadla.

Ve skutečnosti Mariinsky od začátku nefungovaly dobře s architekty a staviteli. Buď se projekt všem zalíbil, ale ukázal se jako neživotaschopný, nebo se původně schválený kupolovitý koncept zdál pro historickou část města příliš honosný. Výsledkem bylo pozvání Kanaďana Jacka Diamonda – talentovaného specialisty, který vytvořil světoznámé budovy jako Sidney Harman Hall ve Washingtonu, koncertní síň Symphony House v Montrealu, centrum performativních umění v St. Catharines v Kanadě a Times Performing Arts Center of the Year“ v Torontu a mnoho dalších. Ten mimochodem inspiroval Valeryho Abisaloviče ke spolupráci s Diamondem. „Viděl jsem tento sál a bylo to působivé! Chci říct, že teď se to zvažuje moderní příklad návrh divadelních sálů. Jen si to představte, z 2000 míst k sezení je méně než čtvrtina vzdálena více než 30 metrů od pódia. To dává efekt skutečného zapojení publika do jevištní akce. A v žádném okamžiku divák nepociťuje žádný zásah do vidění scény. A v mnoha našich divadlech prodávají i takové lístky, odkud není vůbec nic vidět! To se v novém Mariinském divadle rozhodně nestane – všichni diváci budou spokojeni!“ “ říká Valerij Gergiev.

A skutečně, novináři při akustické zkoušce, přesouvající se po sále z jednoho měkkého italského sedadla na druhé, od stánků na balkon, jednohlasně potvrdili, že pódium bylo všude dobře vidět!

Za lešením

V Petrohradě se historicky klasické budovy, které tvoří převážnou část městské architektury, skládají ze tří hlavních součástí: kamenná nebo cihlová základna s výškou od tří do šesti pater; vertikální proporce s pravidelně rozmístěnými okenními otvory a určitým odlehčením fasády v podobě různých kolonád, portiků nad vchody, ale i plechových střech s vikýři, komínů a dalších střešních prvků. Fasádní řešení Mariinsky 2 je právě takové moderní výklad přesně tyto komponenty: kamenná základna vysoká asi 5-6 pater a proporčně vertikální okenní otvory a místo klasických portiků byly zavedeny velké arkýře z nosného skla, aby se zmírnila monotónnost fasád a označily vchody .

Obrovská prosklená okna mají svou myšlenku - když stojíte ve foyer divadla, prostor se rozšíří a celá ulice se před vámi otevře, nebo spíše máte pocit, jako byste se stali součástí této ulice a samotná ulice, která se nachází velmi blízko. Sledujete vše, co se děje za oknem, vidíte kolemjdoucí na ulici a oni vás a dění ve foyer divadla. Výzdoba interiéru je svým způsobem jedinečná. Je také součástí vnějšího designu. Foyer je zakončeno obložením z medového onyxu. Tento kámen byl speciálně zakoupen v Íránu, přivezen do Petrohradu, kde byl pečlivě rozřezán na desky a vyleštěn. Celková plocha dokončení je asi 4000 metrů čtverečních, a výška největšího panelu je asi 12 metrů. Jack Diamond řekl, že tato konkrétní barva a materiál nebyly vybrány náhodou - když se večer před představením rozsvítí světla v divadle a vylijí do ulic medový odstín, divadlo se promění a získá slavnostní vzhled.

Akustický test

Hlavním důvodem, proč se novináři shromáždili v novém Mariinském divadle, bylo provedení akustického testu v prostorném hledišti s 2000 místy. Akce vzbudila zájem velkého množství médií - velmi se těší na druhé Mariinské divadlo, které tajně nazývají „Objev desetiletí“.

Valerij Gergiev osobně dirigoval fragmenty z oper Čajkovského, Verdiho a Musorgského. Již od prvních tónů bylo jasné, že akustika byla opravdu úžasná! A i když nejste profesionál v této oblasti, nemůžete si nevšimnout jedinečný zvuk– jako by muzikanti nehráli v orchestřišti, ale kolem vás. Architekt Diamond v rozhovoru za rozhovorem upozorňoval na skutečnost, že středem jeho stavby se stal právě zvuk – s ohledem na mnoho zvukových vlastností navrhli toto jedinečné divadlo.

Samotné řešení hlediště vychází z osvědčeného tvaru pro operu – tvaru podkovy. I zde je však rozdíl – v historická divadla lom zvuků nízkých, středních a vysokých frekvencí byl zpravidla prováděn prostřednictvím klasických dekorativních prvků - sloupů různých měřítek, zakřivení přední části balkonů, jakož i basreliéfů putti a okrasných girland . Moderního ekvivalentu bylo dosaženo organickejším způsobem. Modernismus spočívá ve zvláštní formě konvexnosti celého hlediště a zejména zadní stěny. Přirozená akustika se vytváří pomocí sádrových stěn vlastní výroby vyrobené z pásů tvrdé sádry různých velikostí. Přirozený zvuk dodává dřevěný obklad z rezonančního smrku a dřevo na konečnou úpravu nebylo dodáváno v prknech, ale bylo řezáno z masivních kmenů, což má zvláštní význam pro akustiku.

V zákulisí

S kvalitou zvuku byl spokojen jak sám dirigent, tak i většina posluchačů - vybíravých kritiků i novinářů, a když se otevřela opona, všichni byli ohromeni neuvěřitelnou hloubkou jeviště - 80 metrů! Zákulisí nového Mariinského se také výrazně liší od historického operního domu: technicky je to zázrak automatizace s pokročilým výrobním, uměleckým a administrativním zázemím. Valerij Gergiev se zvláštní hrdostí hovoří o nových možnostech divadla – nyní je díky modernímu technickému vybavení jeviště možné inscenovat i ty nejsložitější inscenace. Pokud dříve bylo nutné strávit až 5 dní sbíráním a rozebíráním některých prvků kulis, což mělo za následek nucenou pauzu v repertoáru, pak se to na nové scéně nestane. Mariinsky 2 bude fungovat bez přerušení a bude produkovat maximální počet divadelních mistrovských děl. „S proudem technické vybavení můžeme vám ukázat ráno dětské vystoupení, a večer - dát nejvíce scénografii komplexní inscenace" Na zkušebně přitom může probíhat plnohodnotná zkouška, v prostoru střižny se skládají kulisy příštího představení a na nákladním doku se nakládají či vykládají další kulisy. Počítá se také s tím, že nové divadlo zajistí výrobu potřebného vybavení pro nové i staré budovy.

Mile nás překvapily i další novinky – například vlastní nahrávací studio, do kterého bude zvuk přijímán v reálném čase z pódia. A dokonce i televizní studio s možností vysílat cokoliv v HD formátu.

Valerij Gergiev se rozhodl ukázat novinářům to, co bývá před zvědavými pohledy skryto - obslužnou část divadla s jídelnami, zkušebnami, chodbami a pokoji. Vše je promyšleno do nejmenších detailů: moderní design, nezávislé akustické systémy ve všech zkušebnách, přirozené světlo z velká okna. V novém divadle bude dostatek místa pro všechny: celková plocha nového Mariinského divadla je asi 80 000 m2. m, ale budova, stojí za zmínku, nevypadá příliš obrovská. Nové divadlo má sedm nadzemních a tři podzemní podlaží. Kromě hlavní pódium je zde zkouška a zadní jeviště ( zadní konec pódia), zkušebny pro sbory, orchestry, komorní prostory ve foyer, amfiteátr na střeše. Ve foyer je speciální „koutek“, kterému se říká „komorní prostor“, a tam, přímo na mnoha schodech, může sedět 300 diváků a poslouchat samostatný program. A z amfiteátru umístěném na střeše se otevírá nádherné panorama Petrohradu. Tento amfiteátr, který pojme až 200 osob, bude využíván během hudební festival„Hvězdy bílé noci“.

Otevření Mariinsky 2 slibuje, že bude hvězdné. Ildar Abdrazakov, Olga Borodina, Placido Domingo, Anna Netrebko, Alexey Markov, Evgeny Nikitin, Rene Pape, Ekaterina Semenchuk, Michail Petrenko, Sergey Semishkur, Ekaterina Kondaurova, Ulyana Lopatkina, Diana Vishneva, Vladimir Shklyarov, Yuri Leon Bashkov Denis, Yuri očekával Kavakos. Studenti Akademie ruského baletu pojmenovaní po. A.Ya Vaganova, sólisté Mladé akademie operní pěvci Mariinské divadlo, pěvecký sbor, dětský sbor a symfonický orchestr. Dirigentem je Valerij Gergiev, který letos slaví 25. výročí vedení divadla, režisérem koncertu Vasilij Barkhatov, inscenátorem Zinovy Margolin.

Mariinské divadlo navštěvujeme 1-2x ročně, obvykle v den italské opery. V dubnu 2017 jsme si nenechali ujít premiéru opery Giuseppe Verdiho „Sicilian Vespers“ (I vespri siciliani).

Od otevření nová scéna Mariinské divadlo, chodíme na představení výhradně pro ni. Pro hosty města je asi zajímavější navštívit historickou scénu, ale nám, jako stálým obyvatelům, se nyní líbí i nová scéna. Dle mého názoru je sál navržen pro diváky mnohem příhodněji: ve stáncích je plynulé stoupání od prvních řad k poslední a sedadla jsou uspořádána šachovnicově. Takto, i když před vámi budou sedět vysocí lidé, bude vše dokonale vidět. Na historické scéně je velmi obtížné pohodlně sedět v bonoir, mezipatře a na patrech v místech vzdálených od centra a umístěných blíže jevišti. Židle se nedají otočit a musíte sedět napůl otočení. Váš krk se velmi unaví, když se několik hodin díváte jedním směrem. Na nové scéně jsou sedadla otočena směrem k pódiu, každá další řada je vyšší než druhá a uspořádána do šachovnicového vzoru. Proto můžete zaujmout téměř jakékoli místo.

Vstupenky obvykle kupuji online. Je možné si vybrat podle ceny a lokality, abychom zajistili ty optimální. Moje oblíbená sedadla jsou Parterre 22. řada uprostřed (nikdo nesedí vzadu, jen lidé v Benoiru ve slušné vzdálenosti). Tato sedadla jsou obvykle o něco levnější než běžné stánky a výhledy a akustika jsou vynikající. Líbí se mi také boční sedadla 1-3 a 26-28 v řadě 19.

Před řadou 15 je široký průchod a je na něj docela pohodlný pohled.

Pokud jsou ceny za tyto vstupenky vysoké, obvykle bereme Benoir 3 řady sedadel 1-2.

Na obrázku se zdají být hned vedle jeviště, ale ve skutečnosti jsou blízko středu.

Obvykle mají tato místa nižší cenu s dobrou polohou a výhledem. A většinou mají speciální cenu.

O premiéře Sicilských nešpor. V původní verzi se akce odehrává v Palermu roku 1282 a točí se kolem povstání Sicilianů proti nadvládě Francouzů. V inscenaci Mariinského divadla se děj přesouvá do New Yorku v roce 1920 v období prohibice a italských mafiánů (stejní Sicilané) v Americe. Pouze název restaurace, kde se akce koná, odkazuje na Palermo. Inscenace se tak ukázala být srozumitelnější pro širokou veřejnost. Krásné kulisy, kostýmy, dynamická a velkolepá akce. Podle mého názoru jde spíše o zábavnou kratochvíli než o dotek umění. Ale celkově se nám to líbilo.

Historie opery

Jedno z nejstarších a největších hudebních divadel v Rusku. Hrál vynikající roli ve vývoji ruského operního a baletního umění. Hudební vystoupení dávaly v Petrohradě od 20. let 18. století francouzské, od 30. let italské operní soubory, kde vystupovali i ruští umělci, kteří později vytvořili základ ruského souboru státního divadla. Historie divadla sahá až do roku 1783, kdy bylo v hlavním městě postaveno Kamenné (Bolšoj) divadlo a na základě výnosu Kateřiny II. byl organizován soubor „...nejen pro komedie a tragédie, ale i pro operu“. Koncem 18. - začátkem 19. století, v období aktivního formování nár. skladatelská škola, na jevišti divadla byla vedle zahraničních uvedena i první díla ruských skladatelů, včetně baletu „Nový Werther“ Walberg-Titova, díla M. M. Sokolovského, E. I. Fomina, V. A. Paškeviče, později S. I. Davydova ad. V roce 1803 se operní a baletní soubory oddělily od činoherních souborů. V čele opery stál v letech 1803-40 K. A. Kavos, dirigent, pedagog a skladatel, autor mnoha oper a baletů uváděných na divadelní scéně. V čele baletu stál choreograf S. L. Didelot (1801-1829, s přestávkou 1811-16). Jejich činnost přispěla ke zlepšení kultury vystoupení. Vedoucí pozice obsazené zpěváky P. A. Bulachovem, Ja S. Vorobjovem, P. V. Zlovem, G. F. Klimovským, A. M. Krutitským, E. S. Sandunovou, V. M. Samoilovem a dalšími, tanečníky I. I. Walberkh (Lesogorov), A. P. Glushkovskij, N. M. I. I. Golts. , E. I. Kolosová, A. S. Novitskaya, E. A. Telesheva a další Byla inscenována díla K. M. Webera, K. V. Glucka, A. Gretryho, L. Cherubiniho, G. Meyerbeera, P. A. Monsignyho, W. A. Mozarta, G. Paisiella a dalších. ruské opery. Ve 20. letech 20. století na divadelní scéně pravidelně vystupovaly i německé a italské soubory. V roce 1836 byla nově přestavěná budova divadla zcela předána operním a baletním souborům. 27. listopadu 1836 bylo divadlo otevřeno operou M. I. Glinky Život pro cara, která znamenala zrod ruského klasicismu. operní umění. V roce 1842 byla uvedena jeho druhá opera „Ruslan a Ludmila“. Tato díla určila počátek demokratizace opery a formování realistických principů představení. V obou představeních se ukázal talent vynikajících ruských zpěvaček O. A. Petrova a A. Ya Petrova-Vorobyova. V operním souboru dále působili M. S. Lebeděv, A. I. Leonov, M. M. Stěpanová, V. A. Šemajev, M. P. Šelechova, S. S. Gulak-Artěmovskij, E. A. Semjonova a další.

Od roku 1843 vystupoval na scéně divadla italský operní soubor (jeho pěvci G. Rubini, P. Viardot-Garcia, A. Tamburini, Giulia Grisi, L. Lablache ad.). Soud jí poskytl veškerou možnou ochranu. Ruský operní soubor byl odsunut do pozadí a v roce 1845 byl skutečně vypovězen a převezen do Moskvy. Její představení byla v Petrohradě obnovena až v polovině 50. let na scéně Cirkusového divadla, jehož budova byla po požáru v roce 1859 přestavěna (architekt A.K. Kavos) a otevřena v roce 1860 pod názvem Mariinské divadlo. V letech 1883-96 byly pod vedením architekta B. A. Schrötera rekonstruovány fasády a interiéry, přistavěna řada místností, vyměněny dřevěné konstrukce za kovové, zlepšila se akustika sálu a jeviště a byla postavena nová budova. byla přidána na fasádu.

Hluboké změny ve společnostech. Život Ruska v 60. letech, aktivity největších ruských skladatelů určovaly rozkvět ruského operního umění. Navzdory odporu vedení císařská divadla, její touha zpomalit zavádění ruského repertoáru, demokratická tendence ruské družiny je stále zjevnější. V roce 1861 divadlo oživilo „Ruslan a Ludmila“; v roce 1865 - „Mořská panna“ (první výroba v roce 1856). Byly nastudovány opery (mnoho z nich poprvé) - „Judith“ (1863) a „Enemy Power“ (1871) od Serova, „ Kamenný host"Dargomyžskij (1872), "Žena Pskov" (1873), "Májová noc" (1880), "Sněhurka" (1882), "Mlada" (1890), "Noc před Vánocemi" (1895) od Rimského -Korsakov, "Boris Godunov "Mussorgskij (1874), "Opričnik" (1874), "Kovář Vakula" (1876), "Služka z Orleansu" (1881), "Čarodějka" (1887), " Piková dáma"(1890), "Iolanta" (1892) od Čajkovského, "kníže Igor" od Borodina (1890), "Oresteia" od Taneyeva (1895) aj. V repertoáru divadla nechybí ani západoevropská klasika včetně oper G. Verdiho. - „Síla osudu“ (1862; napsáno pro Mariinské divadlo), „La Traviata“ (1868), „Rigoletto“ (1878), „Othello“ (1887), „Falstaff“ (1894, poprvé v r. Rus), K. M Weber, W. A. Mozart, G. Puccini atd. Hudební režisér a dirigentem (v letech 1860-69) byl K. N. Lyadov, dále (v letech 1863-1916) E. F. Napravnik, jehož činnost hrál významnou roli v dějinách divadla (navázal tvůrčí spojení se slavnými ruskými skladateli, shromáždil nejlepší umělecké síly v divadle, pozvedl profesionální úroveň operních produkcí). Mezi divadelní sólisty patří pěvci F. P. Komissarzhevsky, E. A. Lavrovskaya, D. M. Leonova, I. A. Melnikov, F. K. Nikolsky, Yu.

Koncem 19. a začátkem 20. století vystupovali v divadle největší mistři opery: I. A. Alčevskij, A. Ju Bolska, M. I. Dolina, I. V. Eršov, E. I. Zbrueva, V. I. Kastorskij, V. I. Kuza, F. V. Litvin, Často vystupovali E. K. Mravina, E. K. Pavlovskaja, M. A. Slavina, L. V. Sobinov, F. I. Stravinskij, I. V. Tartakov, M . I. a N. N. Fignerovi, M. B. Čerkasskaja, L. G. Jakovlev a další. Repertoár divadla zahrnuje opery R. Wagnera (včetně tetralogie Prsten Nibelungův), „Electra“ R. Strausse, „Příběh neviditelné město Kitezh“, „Khovanshchina“ atd. Představení se vyznačovala kompletním hudebním souborem. Pracovali jsme v divadle slavných dirigentů F. M. Blumenfeld, A. Coates, umělci A. N. Benois, A. Ya Golovin, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev.

Říjnová revoluce roku 1917 vytvořila podmínky pro skutečný rozkvět divadelního umění. Vládním nařízením z 9. listopadu 1917 bylo divadlo prohlášeno za státní a převedeno do působnosti lidového komisariátu školství. Mnoho představení (často zdarma) se konalo na žádost dělníků, vojáků, námořníků, studentů a kancelářských pracovníků. Umělci v rámci koncertních týmů cestovali do továren a továren ve městě, k vojenským jednotkám. V roce 1920 získalo divadlo název Státní akademické divadlo opery a baletu a v roce 1935 bylo pojmenováno po S. M. Kirovovi. Tým pokračoval v nejlepších tradicích, které zavedli největší mistři divadelního umění. Objevily se nové inscenace operní klasiky a současných děl zahraniční skladatelé, včetně „Tannhäuser“ a „Rienzi“ od Wagnera (1923), „ Holič ze Sevilly“, „Don Juan“ (1924); „Salome“ (1924) a „Der Rosenkavalier“ (1928) od R. Strausse, „Wozzeck“ od Berga (1927). Skutečnou událostí byla inscenace „Boris Godunov“ v autorském vydání (1928). Objeví se opery sovětští skladatelé, jehož hlavním zaměřením byla historická, revoluční a moderní sovětská témata: „Orlí povstání“ od Paščenka (1925), „Led a ocel“ od Deševova (1930), „Bitevní loď Potěmkin“ od Čiška (1937), „Do bouře“ od Khrennikova (1939). V roce 1925 byla uvedena opera S. S. Prokofjeva „Láska ke třem pomerančům“. Oživují se opery ruských klasiků: „Piková dáma“ (1935), „Ivan Susanin“ (1939, s novým textem); "Čarodějka" od Čajkovského (1941). Baletní repertoár se rozšiřuje: „Pták Ohnivák“ (1921), „Pulcinella“ (1926), „Pohádka o lišce, kohoutovi, kočce a beranovi“ (1927) Stravinského, opera-balet „Mlada“ od Rimského-Korsakova (1923), „Noc na Lysé hoře“ na hudbu Musorgského (1924), „Roční období“ od Glazunova (1924), „Nevolnice“ od Korchmareva (1927), „Červený mák“ od Gliere (1929), "Plameny Paříže" (1932), " Bachchisarai fontána"(1934), "Ztracené iluze" (1936), "Partizánské dny" (1937) od Asafieva, "Srdce hor" od Balanchivadzeho (1938), "Laurencia" od Cranea (1939), "Romeo a Julie" od Prokofjev (1940) aj. V roce 1939 získalo divadlo Leninův řád. V roce 1940 on nejlepší výkony byly uvedeny v Moskvě na Leningradské dekádě umění. V srpnu 1941 bylo divadlo evakuováno do Permu; konaly se zde premiéry oper „Emeljan Pugačev“ od Kovala (1942), „Noc před Vánocemi“ od Rimského-Korsakova (1943) a balet „Gayane“ od Chačaturjana (1942). Divadelní umělci cestovali s koncertními týmy na frontu, vystupovali v nemocnicích, vojenských jednotkách, JZD a podnicích. V létě 1944 se divadlo vrátilo do Leningradu; zahájena 1. září operou „Ivan Susanin“.

Na scéně divadla vystupovali v různých dobách největší pěvci - P. Z. Andreev, N. A. Bolshakov, G. A. Bosse, R. G. Gorskaya, V. A. Davydova, I. V. Ershov, R. L. Iztur, V. I. Kastorsky, O. A. Kashevarova, K. A. Migai, S. Yu. Modestov, O. F. Mshanskaya, G. M. Nelepp, I. A. Nechaev, G. N. Orlov, V. K. Pavlovskaya, N. K. Pechkovsky, S. P. Preobraženskaja, M. O. Reizen, V. R. Slivinsky, I. P. Yashugin a další; sólisté baletu - N. A. Anisimová, F. I. Balabina, T. M. Vecheslova, R. I. Gerbek, E. P. Gerdt, N. M. Dudinskaya, M. A. Dudko, A. N. Ermolaev, N. A. Zubkovskij, O. G. Jordan, S. G. Leontiev E, L. S. Lopukh v , V. A. Semenov, M. T. Semjonova, K. M. Sergejev, G. S. Ulanova, V. M. Chabukiani, A. Ya a další; dirigenti - A. V. Gauk, V. A. Dranishnikov, R. E. Drigo, S. V. Jelcin, A. Coates, E. A. Cooper, N. A. Malko, A. M. Pazovskij, D. I. Pokhitonov, G. G. Fitelberg; režie - A. B. Viner, E. I. Kaplan, I. M. Lapitskij, V. A. Losskij, S. D. Maslovskaja, V. E. Meyerhold, S. E. Radlov, N. V. Smolich, L. V. Baratov; choreografové - A. Ja Vaganová, V. I. Vainonen, R. V. Zacharov, L. S. Leontyev, L. M. Lavrovskij, F. V. Lopukhov, V. I. Ponomarev, A. I. Čekrygin; umělci - A. Ya Golovin, V. V. Dmitriev, K. A. Korovin, V. A. Shchuko.

Ve 40-50 letech byly obnoveny opery - „Piková dáma“ (1946), „Dubrovský“ (1947), „Aida“ (1948), „Carmen“ (1948), „Faust“ (1949), „Princ Igor“ (1954), „Rigoletto“ (1954) atd. Z ruské produkce klasické opery„Ruslan a Lyudmila“ (1947 a 1954), „Boris Godunov“ (1949), „Mazepa“ (1950), „Khovanshchina“ (1952), „Pskovian Woman“ (1952), „Sadko“ (1953), z díla Nejvýznamnější inscenace oper sovětských skladatelů byly Prokofjevova „Duena“ („Zasnoubení v klášteře“) (1946), „Rodina Tarasových“ (1950), „Decembristé“ (1953), „Matka“ (1957). ); „Osud člověka“ od Dzeržinského (1961). Mezi inscenacemi sovětských baletů: „Popelka“ (1946) a „ Kamenná květina"(1957) Prokofjev," Bronzový jezdec"(1949); „Shurale“ od Yarullina (1950), „Spartak“ (1956), „Cesta hromu“ (1958); „Břeh naděje“ od Petrova (1959), „Maškaráda“ od Laputina (1960) aj. Mnohá z těchto představení se vyznačují inovativním výzkumem, originálními choreografickými řešeními a jsou zařazena do zlatého fondu repertoáru divadla. Umělecké vedení v těchto letech prováděli dirigent B. E. Khaikin, ředitel I. Yu Shlepyanov, sbormistr V. P. Stepanov, dirigenti baletní představení E. A. Dubovský a P. E. Feldt. Později v divadle působili dirigenti - E. P. Grikurov, A. I. Klimov, K. A. Simeonov; režisér E. N. Sokovnin, sbormistr A. V. Michajlov, výtvarník S. B. Virsaladze, choreografové - R. V. Lopukhov, P. A. Gusev, B. A. Fenster, K. M. Sergejev.

V 60.-70. letech byl repertoár divadla obohacen o významné inscenace, včetně oper: „Lohengrin“ (1962); "October" od Muradeliho (1964), "Gunyadi Laszlo" od Erkela (1965), "Peter Grimes" (1965), " Kouzelná flétna"(1966); „Optimistická tragédie“ (1966) a „Anna Oněgina“ (1967) od Kholminova, „Lucia di Lammermoor“ (1969, poprvé v SSSR); „Vasily Gubanov“ od Klebanova (1970), „Abesalom a Eteri“ (1971); „Intervence“ od Uspenského (1972), „Carmen“ (1973); „Petr I“ od Petrova (1975) a balety (především díla sovětských skladatelů): „Othello“ od Machavarianiho (1960), „Legenda o lásce“ od Melikova, „ Leningradská symfonie"na hudbu D. D. Šostakoviče (oba v roce 1961), "Distant Planet" od Maisela (1963), "Twelve" od Tiščenka (1964), "Perla" od Simonjana (1965), "Man" od Salmanova (1966), "Wonderland" "Schwartz (1967), "Mountain Woman" od Kazhlaeva (1968), "The Piper from Strakonic" od Matveeva, "Scythian Suite" na hudbu S. S. Prokofjeva a "Dva" na hudbu symfonická báseň A. D. Melikova „Metamorfózy“ (vše v roce 1969), „Hamlet“ od Červinského (1970), „Stvoření světa“ od Petrova (1971), „Ikaros“ od Slonimského (1974). Divadlo uvedlo jevištní inscenace Prokofjevovy kantáty „Alexander Něvskij“ (1969) a Sviridovovo „Pathetique Oratorio“ (1970).

Budova divadla byla několikrát přestavována. V roce 1944 byla budova obnovena po zkáze způsobené bombardováním při obléhání Leningradu; v letech 1968-70 byl kompletně zrekonstruován. Hlediště má kapacitu 1625 míst. Délka haly s přihlédnutím orchestřiště 22,1 m, šířka 19,46 m, výška 18 m Hloubka jeviště 18 m, šířka 20 m, rozměr portálu jeviště - 16x9m.

Literatura: Nikolsky D., Deset let koncertů sboru Císařské ruské opery v Petrohradě. (1888-1898), Petrohrad, 1898; "EIT", sezóny 1890-1915; Pleshcheev A., Náš balet. (1673-1899), Petrohrad, 1899; Imperial Mariinsky a Bolshoi divadla. Sezóna 1907-1908, Petrohrad, 1908; (Sviridenko S.), ruská opera v Mariinském divadle 25 let. Esej, "RMG", 1912, č. 1-2, 4-5; Shkafer V.P., Čtyřicet let na scéně ruské opery. Vzpomínky. 1890-1930, L., 1936; Slonimsky Yu., Mistři baletu, (L.-M.), 1937; Stark E. (Siegfried), Petrohradská opera a její mistři. (1890-1910), L.-M., 1940; Leningradský státní řád Lenina Akademické divadlo opery a baletu. (Sebrané články, Leningrad), 1940; P. I. Čajkovskij na scéně Divadla opery a baletu. S. M. Kirov. (Sborník článků), L., 1941; sovětské divadlo. K třicátému výročí sovětského státu, M., 1947; Leningradská divadla během Velké vlastenecké války. So. články, L.-M., 1948; Pokhitonov D., Z minulosti ruské opery, (L.), 1949; Slonimsky Yu., Sovětský balet, M. - Leningrad, 1950; První ruská revoluce a divadlo. (Sb.), M., 1956; Bogolyubov N., Půl století dále operní scéna, M., 1957; Hudební Leningrad. 1917-1957. (Průvodce-příručka), L., 1958; Krasovskaya V., Ruské baletní divadlo od jeho počátků do polovina 19 století, L.-M., 1958; její, Ruské baletní divadlo 2. poloviny 19. století, L.-M., 1963; její. Ruské baletní divadlo počátku 20. století, (části 1-2, Leningrad, 1971-72); Gozenpud A., Hudební divadlo v Rusku. Od počátků až po Glinku. Essay, L., 1959; on, ruský sovět opera, L., 1963; jeho, ruská opera divadlo XIX století (sv. 1-3, L., 1969-73); Bogdanov-Berezovsky V., Leningradský státní akademický řád Leninovo divadlo opery a baletu pojmenované po. S. M. Kirova, L., 1959; Hudební život Leningrad. So. články, L., 1961; Levik S. Yu., Poznámky operní pěvkyně, M., 1962; Telyakovsky V.A., Memoirs, L.-M., 1965; Leningradský státní řád Lenina Akademické divadlo opery a baletu pojmenované po S. M. Kirovovi. 1917-1967, (L., 1967).

L. V. Mikheeva
Hudební encyklopedie, ed. Yu. V. Keldysh, 1973-1982

Historie baletu

Historie souboru začala dvorskými vystoupeními, kterých se účastnili profesionální tanečníci a tanečníci, kteří se objevili po založení císařovny Anny Ioannovny v roce 1738. Taneční škola. Pod vedením francouzského učitele J. B. Lande si ruští studenti (z nižších tříd) snadno osvojili půvabné formy vyvinuté evropským baletem a předali jim šíři a uhlazenost lidového tance. Již první absolventi školy - A. Sergeeva, A. Timofeeva, A. Toporkov - mohli konkurovat zahraničním tanečníkům a T. S. Bublikov měl velký úspěch a ve Vídni. Zahraniční choreografové a pedagogové F. Hilferding, G. Angiolini, G. Canziani, C. Le Pic, kteří působili v Petrohradu, seznámili ruské umělce s úspěchy evropské choreografie.

Mladý ruský balet se však od prvních kroků vyznačoval svou originalitou. Klasicismus na ruské půdě získal rysy vlastenectví a občanství, což se projevilo například v Angioliniho baletu podle Sumarokovovy tragédie Semira (1772). Nejlepší tanečníci té doby spojovali profesionalitu s duchovnem.

Velké (kamenné) divadlo bylo postaveno v roce 1783 (v roce 1836 byla budova přestavěna A.K. Kavosem). Zde se rozvinuly aktivity tanečníka, pedagoga a prvního ruského choreografa I. I. Valbercha. V jeho baletech nesloužila pantomima a virtuózní tanec k oslavě králů a bohů: sentimentalismus přinesl nové hrdiny – obyčejní lidé. Walberch uvedl první balet z moderní život- „New Werther“ (1799), jeden z prvních baletů založených na Shakespearově spiknutí – „Romeo a Julia“ (1809), oslavil vítězství roku 1812 v divertissementu „Triumf Ruska aneb Rusové v Paříži“ (1814) .

S. L. Didelot měl znatelný vliv na vývoj petrohradského baletu. Jako odborník na různé evropské školy byl svědkem zápasu J. J. Novera se zastaralými kánony dvorního baletu a studoval u J. Daubervala. Didelotova práce v Rusku se časově shodovala se vzestupem národní kultura, což přispělo k růstu petrohradského baletu, který se stal jedním z nejvyspělejších v Evropě. Didelot inscenoval balety založené na mytologických, historických, žánrových tématech a zpestření s různými druhy tanců. Didelotovy taneční básně „Zephyr a Flora“ (1804), „Amor a Psyche“ (1809), „Acis a Galatea“ (1816) od Kavose předznamenaly nástup romantismu. Už nastínili interakci souborových a sólových tanců. Hrdinové pantomimických baletů na historické předměty byli bojovníci za svobodu a spravedlnost („Maďarská chýše aneb slavní vyhnanci“ na hudbu Venua, 1817; „Raoul de Kreky, aneb návrat z křížové výpravy"na hudbě Kavos a Zhuchkovsky, 1819 atd.). Didelot se snažil psychologizovat obrazy a dramatizovat akci. V roce 1823 se divadlo obrátilo k Puškinově poezii a uvedlo balet „ Kavkazský vězeň, nebo Stín nevěsty“ na hudbu Kavos (1823). Repertoár vytvořený Didelotem odhalil talenty M. I. Danilové, A. I. Istominy, E. A. Teleshové, A. S. Novitské, Augusta (O. Poirota), N. O. Goltse.

30. léta 19. století byla ve znamení nastolení romantismu s jeho nesouladem snů a reality, ústupem do světa neskutečných obrazů a vizí. V roce 1837 uvedl italský choreograf F. Taglioni a jeho dcera M. Taglioni balet La Sylphide v Petrohradě. Poetika romantismu se ukázala být blízká ruskému interpretačnímu stylu. V roce 1842 E. I. Andreyanova úspěšně účinkovala v baletu „Giselle“ (v inscenaci J. Coralli a J. Perrault). „Pozemskou“ linii romantismu představovaly balety J. Perrota, který stál v čele petrohradského baletu v letech 1848-59. V baletech „Esmeralda“ a „Catarina“ od Pugny, „Faust“ od Pugny a Panizzy a dalších byly vášně, postavy a okolnosti kontrastovány. Na petrohradském jevišti vystoupili F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito. Po zahraničních tanečnicích ovládly romantický repertoár ruské baletky N.K. Bogdanova, M.N.

V roce 1860 začalo divadlo fungovat v nové budově (postavil ji architekt A.K. Kavos) a dostalo název Mariinské divadlo.

V roce 1859 vystřídal choreografa Perraulta A. Saint-Leon, který se držel kánonů vícedílného přehlídkového představení. Apel na ruské téma ve svých baletech „Kůň hrbatý“ (1864) a „ Zlatá rybka„(1867) byla příležitostí pro inscenaci diversementů.

Perraulta a Saint-Leona vystřídal M. I. Petipa (od roku 1847 sólista baletu, poté choreograf a v letech 1869-1903 hlavní choreograf divadla). Zpočátku se držel estetiky monumentálních baletních představení. Produkce: „Faraonova dcera“ (1862), „Král Candaulus“ (1868), „Don Quijote“ (1871), „La Bayadère“ (1877). V těchto představeních, vytvořených na hudbu Pugny a Minkuse, začal Petipa rozvíjet symfonické taneční formy. Rozvíjející principy svých předchůdců stvořil vynikající díla choreografie - scéna „Kingdom of Shadows“ v baletu „La Bayadère“ a další vylepšili kánony akademický tanec, vyvinul nové formy. Zvládnutí různých nástrojů baletní divadlo umožnil Petipovi spolu se skladateli P. I. Čajkovským a A. K. Glazunovem vytvořit první symfonické balety: „Šípková Růženka“ (1890), „Labutí jezero“ (1895, společně s L. I. Ivanovem), „Raymonda“ (1898). Petipovy balety vyžadovaly vysokou profesionalitu souboru, které bylo dosaženo díky pedagogickému talentu H. P. Iogansona a E. Cecchettiho. V baletech Petipy a Ivanova vystoupili M. S. Surovshchikova-Petipa, E. O. Vazem, E. P. Sokolova, V. A. Nikitina, M. M. Petipa, P. A. Gerdt, P. K. Karsavin, N. G. Legat, I. F. Kshesinskij, A. V. Shriy a další 19. století a stala se nejvýznamnější érou v historii ruského baletu. Mistrovská díla vynikajícího choreografa tvoří klasické dědictví světové choreografie. Dědí je i sovětské baletní divadlo.

Na počátku 20. století byli strážci akademických tradic umělci O. I. Preobrazhenskaya, M. F. Kshesinskaya, V. A. Trefilova, Yu N. Vaganova, L. N. Egorova, N. G. Legat, S.K. S odchodem Petipy se však estetika akademismu postupně proměnila v dogma, které brzdilo tvůrčí myšlení. Boj proti rutině vedl M. M. Fokin. Při hledání nových forem vsadil na modernu výtvarné umění. Choreografovou oblíbenou jevištní formou byl jednoaktový balet s lakonickým kontinuálním dějem s jasně vyjádřeným stylistickým zabarvením: „Pavilon of Armida“ (1907), „Chopiniana“ (1908), „Egyptské noci“ (1908), „Karneval“ (1910), "Petrushka" "(1911), stejně jako "Polovské tance" v opeře "Princ Igor" (1909). Ve Fokineho baletech se proslavili T. P. Karsavina, V. F. Nižinskij, A. P. Pavlova.

V prvních letech po Říjnová revoluce V roce 1917 bylo divadlo postaveno před úkol zachovat dědictví a vytvořit nový repertoár odpovídající tehdejším požadavkům. Odpovědnost za jejich rozhodnutí padla na bedra předních divadelních umělců: E. P. Gerdta, P. A. Guseva, L. S. Leontieva, A. V. Lopuchova, E. M. Ljuka, O. P. Mungalova, V. I. Ponomareva, V. A. Semenova, B. V. Šavrova. V roce 1922 vedl soubor F. V. Lopukhov. Pod jeho vedením divadlo pečlivě uchovávalo nejlepší balety Petipa a Ivanov, Fokin a A. A. Gorskij.

Inovativní choreograf Lopukhov vytvořil originální inscenace, kde směle experimentoval na poli choreografické expresivity a tanečního symfonismu: „Velikost vesmíru“ na hudbu Beethovena (1923), „Noc na Lysé hoře“ na hudbu Musorgského ( 1924), "Pulcinella" (1926), " Ledová panna"(1927), "Příběh o lišce" (1927); „Bolt“ od Šostakoviče (1931) atd. Teorie baletního umění, kterou vytvořil, a jeho praktické poznatky byly prvními kroky ve vývoji sovětského baletního divadla. V roce 1929 první sovětský balet"Červený mák", v roce 1930 - další balet moderní téma- „Zlatý věk“ na hudbu Šostakoviče, kterou vytvořili V. I. Vainonen, L. V. Yakobson a V. P. Česnokov. Ve 20.-30. letech 20. století vstoupili do divadelního souboru absolventi Leningradské choreografické školy, vyškolení učiteli A. Ya Vaganovou, M. F. Romanovou, E. P. Snětkovou-Vecheslovou, N. P. Ivanovským, Ponomarevem, A. V. Mezi nimi: N. A. Anisimova, F. I. Balabina, T. M. Vecheslova, N. M. Dudinskaya, A. N. Ermolaev, N. A. Zubkovsky, O. G. Jordan, M. T. Semjonova, K. M. Sergeev, G. S. Ulanova, V. M. Chabukiani, A.

V letech 1930-40, kdy hlavní místo v baletu zaujímala dramaturgie a režijní vývoj děje, vznikla nejlepší představení této doby: „Plameny Paříže“ (1932, choreograf Vainonen), „Bachčisarajská fontána “ (1934, R.V. Zacharov), „Laurencia“ (1939, V. M. Chabukiani) a „Romeo a Julie“ (1940, L. M. Lavrovskij).

Během Velké vlastenecké války umělci, kteří zůstali v obležený Leningrad, pod vedením O.G Jordana odešli na frontu, vystupovali v továrnách a nemocnicích. Hlavní tým byl evakuován do Permu, kde se hrála dříve inscenovaná představení a byla vytvořena nová („Gayane“, balet Anisimova, 1942). V armádě a první poválečná léta V souboru byli mladí umělci I. D. Belsky, B. Ya Bregvadze, L. I. Voishnis, Yu N. Grigorovich, I. B. Zubkovskaya, N. A. Kurgapkina, A. A. Makarov, O. N. Moiseeva, N. A. Petrova, V. D. Ukhov, K. V. Shatilov. Ve 40. a 50. letech se hrála nová představení. Vojenské téma věnované baletům „Taťána“ od Cranea (choreograf baletu V.P. Burmeister) a „Militsa“ od Asafieva (choreograf Vainonen) - oba 1947. Balet „Bronzový jezdec“ od Gliere (1949, Zacharov) a „Taras Bulba“ od Solovyho -Sedoy (1955, B. A. Fenster) pokračoval v linii adaptací literárních děl. V pohádkových baletech „Popelka“ (1946, K. M. Sergeev) a „Shurala“ (1950, L. V. Yakobson) byl klasický tanec široce používán.

50.–60. léta 20. století byla ve znamení tvůrčího rozmachu. Během tohoto období, počínaje antickým sochařstvím, Jakobson experimentoval (Spartacus, 1956); tvrdil univerzálnost vyjadřovací možnosti choreografie v „Choreographic Miniatures“ (1958). V baletu „Štěnice“ (1962) se mu podařilo znovu vytvořit tvůrčí laboratoř básníka-tribuny, kde se rodily satirické obrazy moderních filištínů. Yakobsonovo představení „The Twelve“ (1964) ztělesňuje revoluční poetiku A. A. Bloka. V roce 1958 uvedl choreograf Sergeev balet „Path of Thunder“, věnované boji s rasismem. Inscenace nové generace choreografů nabyly zásadního významu. Balety „Kamenný květ“ (1957) a „Legenda o lásce“ (1961) od Grigoroviče, „Pobřeží naděje“ (1959) a „Leningradská symfonie“ (1961) od Belského oživily tradice symfonického tance vyvinuté Petipa a pokračoval Lopukhov, kontinuita tanečních a hudebních akcí schválená Fokinem. Choreografové našli nové formy, jak ztělesnit významný obsah. Nový kreativní metoda přispěl k objevení talentů mladých umělců - A. I. Gribova, A. V. Gridina, I. A. Kolpakové, E. V. Minčenoka, A. E. Osipenka, I. A. Černyševa a později - G. T. Komleva, A. I. Sizova, Yu. Nejvýznamnější představení 60.–70. - „Horská žena“, inscenace O. M. Vinogradova (1968), „Stvoření světa“, inscenace N. D. Kasatkina a V. Yu Vasilyov (1971) atd.

Tvůrčí život baletního souboru Divadla. Kirov se vždy vyznačoval kombinací tradic a inovací. Repertoár divadla zachovává představení klasického dědictví („Giselle“, „Šípková Růženka“, „Labutí jezero“, „Raymonda“, „La Bayadère“, „Corsair“, „Don Quijote“, „Louskáček“, „Chopiniana“ ), nejlepší inscenace Sovětské časy (Zacharov, Lavrovskij, Sergejev, Jakobson, Grigorovič, Belskij). Soubor se snaží hledat nová témata a obrazy, objevovat nové výrazové prostředky. Hlavními choreografy divadla a uměleckými šéfy baletního souboru byli F. V. Lopukhov (1944-45, 1951-56), P. A. Gusev (1945-50), B. A. Fenster (1956-59), K. M. Sergeev (1951-55). 1960-70), I. D. Belsky (1973-77). Dirigenti, kteří se na představeních podíleli, byli A. V. Gauk, V. A. Dranishnikov, B. A. Dubovskoy, S. V. Jelcin, E. A. Cooper, P. E. Feldt, E. P. Grikurov; umělci - V. M. Chodasevič, M. P. Bobyšov, P. V. Williams, V. V. Dmitriev, V. I. Dorer, S. B. Virsaladze (hlavní divadelník v letech 1945-62), A. D. Gončarov a další.

Encyklopedie "Balet" ed. Yu N. Grigorovič, 1981

V roce 1988 se šéfdirigentem divadla stal Valerij Gergiev. 16. ledna 1992 bylo divadlo vráceno historické jméno- Mariinský. A v roce 2006 dostal soubor a orchestr divadla k dispozici Koncertní síň, postavenou z iniciativy uměleckého šéfa a ředitele Mariinského divadla Valerije Gergieva, na ulici Dekabristov, 37. 2. května 2013 byla otevřena nová otevřena scéna Mariinského divadla (Mariinsky-2).

Publikace

Státní akademické Mariinské divadlo existuje více než dvě století. Jeho repertoár zahrnuje klasické i moderní opery a balety.

Historie divadla

Mariinské státní akademické divadlo opery a baletu bylo otevřeno v roce 1783. V různé roky Sloužili zde takoví velcí umělci jako Fjodor Chaliapin, Michail Baryšnikov, Vaslav Nižinskij, Nikolaj Figner, Ivan Eršov, Rudolf Nurejev a mnoho dalších. Repertoár zahrnoval nejen balety, opery a koncerty, ale i činoherní představení.

Budova divadla byla postavena podle návrhu architekta V 19. století prošla rekonstrukcí. Velkou rekonstrukci Mariinského divadla provedl architekt a kreslíř Thomas de Thomon. V roce 1818 bylo divadlo vážně poškozeno požárem a prošlo novou rekonstrukcí.

Na jeho jevišti tehdy vystoupily tři soubory: ruský, italský a francouzský.

V roce 1936 bylo hlediště přestavěno pro dosažení lepší akustiky a viditelnosti. V roce 1859 budova vyhořela a na jejím místě byla postavena nová, kde dodnes sídlí akademické Mariinské divadlo. Navrhl jej Alberto Cavos. Divadlo dostalo svůj název na počest císařovny Marie, manželky Alexandra II.

V roce 1869 baletní soubor v čele s velkým Mariusem Petipou.

V roce 1885 muselo divadlo projít další rekonstrukcí. K levému křídlu budovy byla provedena třípodlažní přístavba, ve které byly dílny, zkušebny, kotelna a elektrárna. O dalších 10 let později bylo foyer rozšířeno a hlavní průčelí bylo přestavěno.

V roce 1917 získalo Mariinské divadlo státní status, v roce 1920 - akademické a v roce 1935 bylo pojmenováno po S. M. Kirovovi.

V těch letech se v repertoáru kromě klasická díla byly tam opery a balety sovětských skladatelů.

V poválečných letech divadlo představilo publiku takové inscenace: „Legenda lásky“, „Spartacus“, „Kamenný květ“, „Dvanáct“, „Leningradská symfonie“. Kromě G. Verdiho, P.I. Čajkovskij, J. Bizet, M. Musorgskij, N.A. Repertoár Rimského-Korsakova zahrnoval díla takových skladatelů jako Dmitrij Šostakovič, Sergej Prokofjev, Tichon Khrennikov a tak dále.

V letech 1968-1970 bylo divadlo znovu rekonstruováno. Projekt aktualizované budovy vypracovala architektka Salome Gelfer. Po této rekonstrukci se divadlo stalo tím, co vidíme nyní.

V 80. letech přišla do Mariinských nová generace operních umělců. Jasně se vyjádřili v inscenacích „Piková dáma“ a „Eugene Oněgin“. Režisérem těchto představení byl Jurij Temirkanov.

V roce 1988 byl jmenován do funkce šéfdirigenta, kterým se záhy stal umělecký ředitel. Díky jeho úsilí se v roce 1992 divadlo opět stalo známým jako Mariinsky.

Před několika lety byl otevřen Mariinsky-2. Technické vybavení jeviště umožňuje vytvářet moderní inovativní inscenace, o kterých se dříve mohlo jen snít. Tento unikátní komplex vám umožní realizovat ty nejodvážnější projekty. Hala Mariinsky-2 je navržena pro 2000 diváků. Celková plocha budovy je téměř 80 tisíc metrů čtverečních.