Zajímavá fakta ze světa umění. Zajímavá fakta o umění

Při návštěvě města nebo země cestovatele neignorují slavných muzeí. Tam pozorně zkoumají slavné obrazy a snaží se pochopit, co je na nich zvláštního. Některá fakta vám to pomohou pochopit.

Nejzáhadnější úsměv na světě: „Mona Lisa“ od Leonarda da Vinci (1452-1519)

Většina tajemný obrázek ve světě považují za „La Gioconda (Mona Lisa)“.
Kdo byl modelem a pro koho malíř maloval, není jisté. Existuje názor, že obraz byl objednán bohatým Florentinem. Ale kdo by tak dlouho čekal na práci? Jiní badatelé se domnívají, že vyobrazená žena je ideálem renesance. Existuje názor, že Leonardo da Vinci maloval obraz od sebe.

Nikdo přesně neví, kdy malování začalo.
Plátno není hotové.
Název je pravopisná chyba. "Mona" - krátká forma"Madona".
Mona Lisa není úplně dokonalá. Žena nemá obočí.

Poškozená malba. V roce 1956 byl do oblasti nad levým loktem ženy vržen kámen.
Byl jím Leonardo da Vinci neobvyklý člověk. Není to jen malíř, ale také vynálezce, vědec, sochař, inženýr a architekt. Dokonce vymýšlel i návrhy kabelek!
Umělec si dělal osobní poznámky zprava doleva, levou rukou a zrcadlově, rozřezával mrtvoly, aby pochopil strukturu svalů.

Malíř po sobě zanechal malý umělecký odkaz – pouhých 20 pláten.
Leonardo da Vinci hrál velmi dobře na lyru a dobře zpíval.
Nejčastěji mistr zobrazoval ženy.

„První den pro ruský kartáč“: Karl Bryullov (1799-1852) a „Poslední den Pompejí“

Tisíce lidí obléhaly v roce 1834 Petrohradskou akademii umění, aby viděly Poslední den Pompejí.
Umělec tvorbě tohoto obrazu věnoval celých šest let.
V prvních návrzích byla ještě jedna věc charakter- lupič. Ale pak to umělec odstranil.

K. Bryullov vytvořil obrázek pro Demidova. Chovatel ji pak daroval.
Procházka po ruinách Pompejí malíře velmi inspirovala. Účastnil se dokonce archeologických vykopávek.
Bryullov ze sebe udělal jednu z postav – muže se skicákem na hlavě.
Několik žen na obrázku má rysy stvořitelovy milované Julie Samoilové.

Mrtvá žena v popředí je symbolem pádu antiky.
Bryullov byl ten, kdo otevřel cestu ruští umělci. Jeho obrazy byly vystaveny jako průvodce pro začínající malíře · Po namalování „Posledního dne Pompejí“ se mistrovi začalo říkat „božský Karel“.

Obraz se stal prvním ruským obrazem, který obletěl svět.
Umělec byl hluchý na jedno ucho kvůli facku, kterou mu dal jeho otec.
„A „Poslední den Pompejí“ se stal prvním dnem pro ruský štětec,“ zvolal básník E. A. Baratynskij.

V Bryullovově ateliéru bylo často slyšet poezii, která umělci usnadnila práci.
Některé z malířových obrazů dokončili jeho studenti.
Tomuto obrázku dokonce věnoval báseň.

Unie 14 nejlepších umělců: The Wanderers

Jejich příběh začal v roce 1863, kdy se absolventi petrohradské akademie umění dožadovali práva svobodná volba témata soutěžní práce s cílem získat zlatou medaili. Byli odmítnuti. Pak se objevil „Artel umělců“ včetně malířů z Moskvy a Petrohradu.
Známější název spolku je „Asociace putovních výstav umění“.

Umělci byli nespokojeni se sloganem Akademie umění – „Umění pro umění“. Hlásali, že umění má být pro lidi.
První výstava se konala v Petrohradě v roce 1871.
Jedním ze zakladatelů komunity byl. Jeho nejznámější obrazy jsou „Neznámý“ a „Neútěšný smutek“.

Existuje mnoho názorů na plátno „Neznámý“ od I. N. Kramskoye. Někteří věří, že I. N. Kramskoy ztvárnil Annu Kareninu. Jiní naznačují, že je to manželka Decembrista. Někdy slyšíte myšlenku, že jde o herečku nebo dceru umělce. Mnoho lidí si plete ženu s hrdinkou básně „Cizinec“.
Umělce aktivně podporoval P. Treťjakov, v jeho galerii je nyní uloženo mnoho děl Peredvižniků - jedné z největších a slavných muzeí Rusko. Právě v něm můžete vidět plátno „Ivan Hrozný a jeho syn Ivan“, „Ráno popravy Streltsy“, „Nad věčným mírem“ od I. I. Levitana a mnoho dalšího.

Obraz Ilji Repin "Ivan Hrozný a jeho syn Ivan"

I. N. Kramskoy často pracoval v portrétu M. E. Saltykov-Shchedrin, I. I. Shishkin, P. A. Treťjakov maloval svým štětcem.
Postavy v žánrových dílech I. N. Kramskoye jsou často ženy, zatímco postavy na portrétech jsou muži.
V.I. Surikov raději vytvářel obrazy, kde hlavní postavou byl celý lid, jako v obraze „Ráno popravy Streltsy“.

Téměř na všech obrazech je kostel.
Byl to Isaac Levitan, kdo byl považován za „nejlepšího ruského krajináře“.
Ze všeho nejvíc se I. I. Levitan inspiroval Volhou. Obzvláště se mu líbilo město Ples, jehož kostel je vidět na obraze „Nad věčným mírem“.

V. I. Surikov skvělá hodnota uvedl podrobnosti. K takovým velké obrazy, jako „Lady Morozova“, vždy dělal spoustu náčrtů.
Obraz „Mořské panny“ od I. N. Kramskoye byl vytvořen na základě „Májové noci“.

Píseň moře: Ivan Konstantinovič Ajvazovskij (1817 – 1900)

Jeden z nejvíce talentovaných umělců byl filantrop a sběratel.
Narodil se ve Feodosii a od dětství viděl moře a lodě.
„I.K. Aivazovsky“ se skutečně stal umělcovým skutečným jménem v roce 1841. Předtím byl oficiálně oslovován jako Hovhannes Ayvazyan.

Umělec hrál krásně na housle.
Stal se prvním ruským malířem, jehož obrazy byly vystaveny v Louvru.
Umělec měl čtyři dcery. Velmi se obával, že jeho příjmení nebylo přeneseno na jeho vnoučata. A tak adoptoval syna své nejstarší dcery.

Některé obrazy jsou podepsány "Chlap". Koneckonců, otec námořního malíře, který dorazil do Feodosie, změnil své příjmení na „Gayvazovsky“.
Na obrazech tohoto umělce se nejčastěji objevuje propast a lodě. Jsou tu ale i plátna s krajinami Východu a s náboženskou tematikou.
Za svého života byl malíř označován za průkopníka žánru moře malování v Římě.

Obraz Ivana Aivazovského "Bitva o Navarino"

Pro bitevní malby námořní bitvy tvůrce flotilu zbožňoval.
V roce 1846 při desáté jubilejní výstavě tvůrčí činnost Eskadra válečných lodí I.K. Aivazovského pod velením V.A. Kornilova dorazila do Feodosie, aby poblahopřála hrdinovi dne.
Nejvíce slavný obraz I.K. Aivazovsky - "Devátá vlna". Pokud jde o dovednosti, bylo to přirovnáno k obrazu Karla Bryullova „Poslední den Pompejí“.

Obraz Ivana Aivazovského "Devátá vlna"

Název „Devátá vlna“ se objevil, protože v mnoha zemích námořníci považují tuto vlnu za nejničivější.
Treťjakovovi se obraz „Devátá vlna“ natolik líbil, že ho chtěl koupit do své galerie, ale plátno je uloženo v Ruském muzeu. V Treťjakovská galerie Můžete vidět více než dvě desítky obrazů mořského malíře, včetně „Rainbow“ a „Black Sea“.

Obraz Ivana Aivazovského "Černé moře"

Malíř za svůj život vytvořil asi 6000 obrazů různých formátů.
Ajvazovskij nikdy nemaloval ze života, pouze předmět promyšleně a pečlivě zkoumal a poté maloval ve svém ateliéru.
Aivazovsky se s lidmi nedělal dobře, takže obraz „Pushkinovo rozloučení s mořem“ byl namalován v duetu s Repinem.

Obraz Ivana Aivazovského "Puškin na Černém moři"

Na plátně každého umělce, ať už je to bouře nebo bitva, je vždy obraz naděje.
Umělcova plátna se často stávají terčem krádeží.
Marinista obdržel deset rozkazů. Pět z nich (těch, které mu dali v Turecku) hodil do moře.

Zajímavá fakta o malování
Některé slavné obrazy mají velmi zajímavé a někdy dokonce vtipný příběh stvoření. Fakta vám řeknou něco, o čem jste možná ještě nevěděli slavných umělců a jejich mistrovská díla.

1 Leonardo da Vinci dlouho nemohl najít hlídače pro obraz Jidáše v Poslední večeři.

Pro mnoho historiků a uměleckých kritiků je „Poslední večeře“ Leonarda da Vinciho největší dílo světového umění. V Šifra mistra Leonarda zaměřuje Dan Brown pozornost čtenářů na některé symbolické prvky tohoto obrazu ve chvílích, kdy se Sophie Neveuová v domě Lee Teabinga dozvídá, že Leonardo mohl ve svém mistrovském díle zašifrovat nějaké velké tajemství.
„Poslední večeře“ je freska namalovaná na stěně refektáře kláštera Santa Maria della Grazie v Miláně. Ještě v éře samotného Leonarda byla považována za jeho nejlepší a nejslavnější dílo. Freska vznikla v letech 1495 až 1497, ale již během prvních dvaceti let své existence, jak je zřejmé z písemných dokladů z těchto let, začala chátrat. Měří přibližně 15 x 29 stop. Freska byla natřena silnou vrstvou vaječné tempery na suchou omítku. Pod hlavní vrstvou barvy je hrubá kompoziční skica, studie v červené barvě, způsobem předjímajícím obvyklé použití kartonu. Jedná se o druh přípravného nástroje.
Je známo, že objednatelem obrazu byl milánský vévoda Lodovico Sforza, na jehož dvoře se Leonardo proslavil jako velký malíř, a už vůbec ne mniši z kláštera Santa Maria della Grazie.
Námětem obrazu je okamžik, kdy Ježíš Kristus oznamuje svým učedníkům, že ho jeden z nich zradí. Pacioli o tom píše ve třetí kapitole své knihy „Božská proporce“. Právě tento okamžik – kdy Kristus oznamuje zradu – zachytil Leonardo da Vinci. Aby dosáhl přesnosti a věrnosti, studoval pózy a výrazy obličeje mnoha svých současníků, které později na obraze zobrazil. Identita apoštolů byla opakovaně předmětem sporů, nicméně soudě podle nápisů na kopii obrazu uchovávaného v Luganu jsou to (zleva doprava): Bartoloměj, Jakub mladší, Ondřej, Jidáš, Petr, Jan, Tomáš, Jakub starší, Filip, Matouš, Tadeáš a Šimon Zelotes.
Mnoho historiků umění se domnívá, že tato kompozice by měla být vnímána jako ikonografický výklad eucharistie – přijímání, neboť Ježíš Kristus ukazuje oběma rukama na stůl s vínem a chlebem.
Téměř všichni znalci Leonardova díla se shodují, že ideální místo pro prohlížení obrazu je z výšky přibližně 13-15 stop nad podlahou a ve vzdálenosti 26-33 stop od ní. Existuje názor – nyní sporný – že kompozice a její systém perspektivy jsou založeny na hudebním kánonu proporcí.
To, co dává Poslední večeři její jedinečný charakter, je to, že na rozdíl od jiných obrazů tohoto druhu ukazuje úžasnou rozmanitost a bohatost emocí postav způsobených Ježíšovými slovy, že by ho jeden z jeho učedníků zradil. Žádný jiný obraz Poslední večeře se nemůže ani přiblížit jedinečné kompozici a pozornosti k detailu v Leonardově mistrovském díle.
Jaká tajemství tedy mohl velký umělec ve svém výtvoru zašifrovat? V The Discovery of the Templars Clive Prince a Lynn Picknett tvrdí, že několik prvků struktury Poslední večeře naznačuje symboly v ní zašifrované.
Za prvé se domnívají, že postava po pravé ruce Ježíše (pro diváka je to vlevo) není Jan, ale jistá žena. Má na sobě roucho, které barevně kontrastuje s Kristovým oděvem a je nakloněno opačným směrem než Ježíš, který sedí uprostřed. Prostor mezi tím ženská postava a Ježíš má tvar písmene V a samotné postavy tvoří písmeno M.
Za druhé, na obrázku je podle jejich názoru vedle Petra vidět určitá ruka svírající nůž. Prince a Picknett tvrdí, že tato ruka nepatří žádné z postav filmu.
Za třetí, sedíc přímo nalevo od Ježíše (napravo pro posluchače), Thomas, oslovující Krista, zvedl prst. Podle autorů jde o typické gesto Jana Křtitele.
A nakonec je tu hypotéza, že apoštol Tadeáš sedící zády ke Kristu je ve skutečnosti autoportrétem samotného Leonarda.

Sekce Zloty" Leonardo da Vinci

Nejslavnější Leonardovo dílo – slavná „Poslední večeře“ v dominikánském klášteře Santa Maria delle Grazie v Miláně – byla dokončena v letech 1495 – 1497.
Leonardův štětec zachytil poslední společné jídlo (večeři) Ježíše Krista a dvanácti apoštolů v předvečer dne ( Velký pátek) smrt na Kristově kříži.

Leonardo se na milánský obraz pečlivě a dlouho připravoval. Dokončil mnoho skic, ve kterých studoval pózy a gesta jednotlivých postav. „Poslední večeře“ ho přitahovala ne pro svůj dogmatický obsah, ale pro možnost odhalit před divákem velký obraz. lidské drama, ukázat různé postavy, odhalit klid v duši osobu a přesně a jasně popsat její zkušenosti. Vnímal „ poslední večeře” jako scénu zrady a dal jsem si za cíl vnést do tohoto tradičního obrazu onen dramatický začátek, díky kterému by získal zcela nový emocionální zvuk.

Při přemýšlení o konceptu „Poslední večeře“ Leonardo nejen kreslil, ale také zapisoval své myšlenky o jednání jednotlivých účastníků této scény: „Ten, kdo se napil a postavil pohár na jeho místo, otočí hlavu k mluvčí, druhý spojí prsty obou rukou a se zamračeným obočím se dívá na svého společníka, druhý ukazuje dlaně, zvedne ramena k uším a ústy vyjadřuje překvapení...“ Záznam neuvádí jména apoštolů, ale Leonardo si zjevně jasně představoval činy každého z nich a místo, kam byl každý povolán obecné složení. Zdokonaloval ve svých kresbách pózy a gesta a hledal formy vyjádření, které by všechny postavy vtáhly do jediného víru vášní. Na obrazech apoštolů chtěl zachytit živé lidi, z nichž každý na událost reaguje po svém.

„Poslední večeře“ je Leonardovo nejvyzrálejší a nejúplnější dílo.
O velkém Mistrovi a jeho obraze vypráví několik legend.

Podle jednoho z nich se tedy Leonardo da Vinci při vytváření fresky „Poslední večeře“ potýkal s obrovským problémem: musel zobrazit Dobro, vtělené do obrazu Ježíše, a Zlo na obraz Jidáše, který se rozhodl zradit ho u tohoto jídla. Leonardo svou práci uprostřed přerušil a obnovil ji až poté, co našel ideální modely.

Jednou, když byl umělec přítomen na vystoupení sboru, uviděl v jednom z mladých zpěváků dokonalý obraz Krista, a když ho pozval do své dílny, udělal od něj několik skic a studií.
Uplynuly tři roky. Poslední večeře byla téměř dokončena, ale Leonardo ještě nenašel vhodný model pro Jidáše. Kardinál pověřený výmalbou katedrály na něj spěchal a požadoval, aby byla freska dokončena co nejdříve.
A po mnoha dnech hledání umělec uviděl muže ležícího v okapu – mladého, ale předčasně zchátralého, špinavého, opilého a otrhaného. Na skici nezbyl čas a Leonardo nařídil svým asistentům, aby ho dopravili přímo do katedrály, což se také stalo.
S velkými obtížemi ho tam odvlekli a postavili na nohy. Ve skutečnosti nechápal, co se děje, ale Leonardo zachytil na plátně hříšnost, sobectví a zlobu, které dýchal jeho obličej.
Když dokončil práci, žebrák, který tou dobou již trochu vystřízlivěl, otevřel oči, uviděl před sebou plátno a vykřikl strachem a úzkostí:
- Tuhle fotku jsem už viděl!
- Kdy? “ zeptal se Leonardo zmateně.
- Před třemi lety, než jsem všechno ztratil. V té době, když jsem zpíval ve sboru a můj život byl plný snů, ze mě nějaký umělec namaloval Krista.

Podle jiné legendy, nespokojený s Leonardovou pomalostí, převor kláštera vytrvale požadoval, aby dokončil své dílo co nejdříve. „Připadalo mu divné, když viděl Leonarda stát celou polovinu dne ponořený do myšlenek. Chtěl, aby umělec nikdy nepustil své štětce, stejně jako nikdy nepřestal pracovat na zahradě. Neomezoval se na to, stěžoval si vévodovi a začal ho otravovat natolik, že byl nucen poslat pro Leonarda a jemným způsobem ho požádat, aby se pustil do práce, a dal všem možným způsobem najevo, že to dělá. to vše na naléhání převora." Po zahájení obecného rozhovoru s vévodou umělecká témata, Leonardo ho pak upozornil, že je blízko dokončení obrazu a že mu zbývají k malování jen dvě hlavy – Kristus a zrádce Jidáš. „Pořád by rád hledal tuto poslední hlavu, ale nakonec, pokud nenajde nic lepšího, je připraven použít hlavu stejného převora, tak dotěrného a neskromného. Tato poznámka velmi pobavila vévodu, který mu řekl, že měl tisíckrát pravdu. Ubohý zahanbený převor tedy pokračoval v práci na zahradě a nechal Leonarda samotného, který dokončil hlavu Jidáše, která se ukázala být skutečným ztělesněním zrady a nelidskosti.“

2 Ukazuje se, že pojem „miniaturní“ nemá nic společného s malými rozměry. Toto slovo pochází z latinského „minium“ – označení červeného olovnatého nátěru, který měl barvu červené rumělky. Tato barva se používala k psaní počátečních písmen textů a ke kreslení malých ilustrací ve starověkých a středověkých knihách.

3 Marcelino Sanz de Sautola, jehož dcera byla první nalezena skalní malby v jeskyni Altamira, byl obviněn z padělání obrazů. Údajně primitivní lidé nemohl vytvořit mistrovské dílo s tak složitou kompozicí.

4 Výzkumníci, kteří prostudovali desítky obrazů velkých umělců napsaných od roku 1000 do roku 1800, dospěli k závěru, že během tohoto období se množství vyobrazeného jídla zvýšilo o 69 %.

K tomuto závěru dospěli vědci, kteří analyzovali dynamiku změn v porcích jídla zobrazených na obrazech různých mistrů...

Moderní člověk jí dvakrát více než jeho předek, který žil před tisíci lety. Tento závěr učinili američtí vědci, kteří analyzovali dynamiku změn v porcích jídla zobrazených na obrazech mistrů různých epoch.

Odborníci studovali 52 obrazů ze série „Poslední večeře“, které byly namalovány v letech 1000 až 2000. Vědci porovnávali velikosti talířů vyobrazených na plátnech a objemy porcí jídla. Velikost hlav Kristových učedníků byla brána jako stálý ukazatel, na jehož základě bylo provedeno srovnání.

Ukázalo se, že ze století na století se objemy jídla zobrazené na obrazech zvyšovaly. Konkrétně za posledních tisíc let se porce hlavního jídla zvýšila o 69 %, kousek chleba se zvětšil o 25 % a velikost talířů se zvětšila o 66 %.

Moderní člověk tloustne nejen proto, že více jí. Většina moderních potravin má vysoký obsah kalorií a nízký obsah kalorií. nutriční hodnotu. Kromě toho, že moderní lidé nedostávají dostatek živin, ledvinové a jaterní buňky si poradí s konzervanty, barvivy a kypřícími látkami, na které jsou současné produkty bohaté. Proto se zatížení těchto orgánů zvyšuje a metabolismus je narušen.

V v poslední době Takzvaná jeskynní dieta získává na oblibě. Jeho přívrženci věří, že pokud se vzdáte moderního jídla, můžete zhubnout 7 až 18 kg za 3-4 měsíce nadváhu a zároveň očistit tělo od škodlivých látek.

Množství jídla na malbách, které zobrazují poslední večeři Krista a apoštolů, se za posledních 1000 let výrazně zvýšilo. Jak ukázala studie 52 mistrovských děl světového malířství, tento trend odpovídá rozvoji konzumní společnosti, která má tendenci jíst stále více.

Dva bratři profesoři, nutriční psycholog a teolog Brian a Craig Wansinkovi, spolupracovali na analýze množství jídla vyobrazeného na 52 nejslavnějších obrazech na Zemi. biblický příběh Poslední večeře. Tehdy Ježíš řekl svým učedníkům: „Amen, pravím vám, jeden z vás mě zradí. Navíc to bylo poslední jídlo Krista, které se stalo prototypem obřadu přijímání, kde chléb zosobňuje tělo Páně a víno jeho krev.

Vědci zkoumali obrazy, vytvořené v posledních tisících letech. Změřila velikost vyobrazeného jídla a korelovala je s průměrnou velikostí hlavy apoštola na každém obraze, aby získala určitou konkrétní hodnotu, která nezávisela na velikosti plátna. Objevila se kuriózní věc: velikost porcí, velikost talířů a velikost kousků chleba se od 11. století až do současnosti neustále zvětšuje. Velikost hlavního jídla se tak zvýšila o 69 %, velikost talířů o 66 % a velikost chleba o 23 %.

Analýza obrazů odhalila řadu zajímavé momenty. Ve středověku byli apoštolové zobrazováni jako asketové. Jídla, které se objevuje na obrazech před rokem 1498 (rok, kdy byla namalována nejslavnější Poslední večeře světa, Leonardo da Vinci), však bylo poměrně bohaté. Manýristický umělec ze 16. století Jacopo Tintoretto se ukázal být k jídlu nejvíce „velkorysý“: v jeho malbě jsou talíře nejplnější.

Vědci se domnívají, že postupné zvyšování velikosti porcí na obrazech odráží celkový růst spotřebu ve světě. Podle autorů vědecká práce, obrazy jsou pouze odrazem „působivého sociohistorického růstu produkce potravin, dostupnosti, bezpečnosti, hojnosti a levnosti“.

5 „Černé náměstí“ nebyl první obraz v tomto stylu. Dávno před Malevičem vystavil Alle Alphonse své mistrovské dílo „Bitva černochů v jeskyni“ v galerii Vivien. pozdě v noci» - zcela černé obdélníkové plátno.

„Černé náměstí“ nenapsal jako první Malevič, ale Francouzský básník Bilo nazval obraz „Bitva černochů v tunelu“

V roce 1882 (33 let před Malevičovým „Černým náměstím“) na výstavě „Exposition des Arts Incohérents“ v Paříži představil básník Paul Bilot obraz „Combat de nègres dans un tunnel“ („Bitva černochů v tunelu“). . Pravda, nebyl to čtverec, ale obdélník.

Francouzskému novináři, spisovateli a excentrickému humoristovi Alphonsu Allaisovi se nápad natolik zalíbil, že jej v roce 1893 dále rozvinul a svůj černý obdélník nazval „Combat de nègres dans une cave, pendant la nuit“ („Bitva černochů v jeskyni v Mrtvá noc“). Bez zastavení u dosažený úspěch, pak Allais vytáhla nedotčený bílý list bristolského papíru s názvem „První přijímání dívek trpících chlorózou v období sněhu“

. O šest měsíců později, další obrázek Alphonse Allais byl vnímán jako jakýsi „koloristický výbuch“. Obdélníková krajina „Sklízení rajčat na pobřeží Rudého moře apoplektickými kardinály“ byla jasně červená monochromatická malba bez sebemenší známky obrazu (1894). Nakonec v roce 1897 Allais vydal knihu 7 obrazů Album primo-avrilesque (Aprílové album).

Tak se dvacet let před suprematistickými odhaleními Kazimíra Maleviče stal ctihodný umělec Alphonse Allais „ neznámý autor» první abstraktní obrazy. Alphonse Allais se proslavil i tím, že v téměř sedmdesáti letech nečekaně předvídal slavné minimalistické umění. hudební kus„4′33″“ od Johna Cage, což jsou čtyři a půl „minuty ticha“. Snad jediný rozdíl mezi Alphonsem Allaisem a jeho následovníky byl v tom, že i když předváděl svou úžasnost inovativní díla, se vůbec nesnažil vypadat jako smysluplný filozof nebo vážný objevitel.

6 V muzeu visel obraz abstraktního umělce Henriho Matisse „The Boat“. současné umění vzhůru nohama čtyřicet sedm dní. Za tuto dobu ji stihlo vidět 116 tisíc lidí.

Loď je zobrazena plující a její odraz ve vodní hladině)) A musíte se na ni podívat otočením o 90 stupňů
podržte text
Podle mého názoru nádherná ilustrace skutečné „hodnoty“ takového umění.

7 Nápad zobrazit měkké hodinky přišel na mysl Salvadora Dalího, když sledoval, jak se sýr Camembert rozpouští na slunci.

8 Vincent Van Gogh prodal za celý svůj život pouze jeden obraz.

Tragický život Vincent Van Gogh je dnes populární jako jakýsi druh posvátné legendy, kterou lidé zřejmě potřebují víc než lesk jeho hvězd a slunečnic. Hladová, téměř žebravá existence, plná samoty a pohrdání druhými, se již ve 20. století proměnila v celosvětové vzrušení a zájem. Van Gogh za svůj život prodal pouze jeden obraz („Red Vineyards at Arles“) a přesně o sto let později byl na aukci Christie’s v New Yorku koupen jeho „Portrét doktora Gacheta“ za 82,5 milionu dolarů (rekord mezi obrazy) . Na pozadí tohoto nezdravého uctívání se ztrácí obraz samotného umělce, mocného i zranitelného zároveň, který svou dramatickou cestu na zemi ukončil zoufalstvím a sebevraždou. Van Gogh žil pouhých 37 let, z nichž jen posledních sedm se věnovalo malbě. Nicméně jeho kreativní dědictvíúžasný. Jedná se o tisícovku kreseb a téměř stejný počet obrazů, které vznikly v důsledku tvůrčích sopečných erupcí, kdy po mnoho týdnů maloval Van Gogh každý den jeden nebo dva obrazy. Van Gogh se stal posledním skutečně velkým umělcem v historii, nedosažitelným příkladem pro ostatní, jehož nezištné a hrdinské umění, jako pochodeň, jako duha, nyní září nad lidstvem. Jeho obrazy jsou ohromujícím dialogem plným lásky a utrpení – se sebou samým, s Bohem, se světem...

9 Edgar Degas namaloval asi 1500 obrazů baletních tanečníků .

10 Obraz Ivana Aivazovského „Chaos. Stvoření světa“, který byl napsán na základě Bible, koupil papež Řehoř XVI. a udělil umělci zlatou medaili.

Aivazovského „italské“ obrazy, prezentované na výstavách v Neapoli a Římě, přinesly malíři uznání a úspěch. Kritici psali, že nikdo nikdy neznázornil světlo, vzduch a vodu tak živě a autenticky. anglický umělec Joseph Mallord William Turner, který navštívil jednu z výstav, kde byla vystavena díla ruského malíře, byl tím, co viděl, tak šokován, že mu věnoval báseň:

Odpusť mi, velký umělec, jestli jsem se mýlil,
Vyfoťte se pro realitu.
Ale vaše práce mě zaujala
A zmocnila se mě rozkoš.
Vaše umění je vysoké a monumentální,
Protože jste inspirováni géniem.

Stvoření světa. Chaos. 1841

Největší dílo vytvořené mistrem v Itálii je „Stvoření světa. Chaos“ (1841, Muzeum arménské mechitaristické kongregace, Benátky).

Aivazovsky se zaměřil na dovednost Karla Petroviče Bryullova a vytvořil plátno grandiózní ve své expresivitě, zobrazující konfrontaci a zároveň vzájemný vztah dvou prvotních prvků - nebe a vody, které jsou osvětleny božským světlem, pronikají a spojují je. Toto dílo, které je založeno na slovech z knihy Genesis: „Země byla beztvará a prázdná, a temnota padla na propast a Duch Boží se vznášel nad vodami“, vysoce ocenil papež Řehoř XVI.

Děkuju..

Mohlo by vás také zajímat:

Pohledy na starou Moskvu

V noci jsou všechny kočky šedé. Kočky v dílech umělců

TIHAMIR VON MARGITAI. OSUDY S UPS A PÁDY

Nápad znázornit tekoucí hodiny přišel Salvadoru Dalímu během večeře, když si všiml, že se Camembert rozpouští na slunci.

Později byl Dali dotázán, zda je na plátně zašifrována Einsteinova teorie relativity, a on odpověděl chytrým pohledem: „Hérakleitova teorie, že čas se měří tokem myšlenek. Proto jsem obraz nazval „Přetrvávání paměti“. A první byl sýr, tavený sýr.“

"Poslední večeře"

Když Leonardo da Vinci napsal Poslední večeři, zvláštní pozornost zaměřil se na dvě postavy: Krista a Jidáše. Leonardo poměrně rychle našel předlohu pro tvář Ježíše – mladého muže, který zpíval kostelní sbor. Leonardo však hledal tvář schopnou vyjádřit Jidášovu neřest tři roky. Jednoho dne, když šel po ulici, spatřil mistr opilce v okapu. Da Vinci přivedl opilce do krčmy, kde od něj okamžitě začal malovat Jidáše.

Když opilec vystřízlivěl, vzpomněl si, že před několika lety už pózoval pro umělce. Byl to stejný zpěvák. Na Leonardově skvělé fresce mají Ježíš a Jidáš stejnou tvář.

„Ivan Hrozný a jeho syn Ivan“

V roce 1913 duševně nemocný umělec rozsekal nožem Repinův obraz „Ivan Hrozný a jeho syn Ivan“. Jen díky mistrné práci restaurátorů byl obraz restaurován. Sám Ilja Repin přijel do Moskvy a podivně překreslil Grozného hlavu lila barva- za dvě desetiletí se umělcovy představy o malbě hodně změnily. Restaurátoři odstranili tyto úpravy a vrátili obraz tak, aby přesně odpovídal jeho muzejním fotografiím. Když Repin později viděl restaurované plátno, nevšiml si oprav.

"Sen"

V roce 2006 americký sběratel Steve Wynn souhlasil s prodejem "The Dream" Pabla Picassa za 139 milionů dolarů, což by byla jedna z nejvyšších cen v historii. Ale když mluvil o obraze, mával rukama příliš výrazně a trhal umění loktem. Wynn to považovala za znamení shůry a rozhodla se, že obraz po restaurování, které mimochodem stálo pěkný peníz, neprodá.

"Loď"

Méně destruktivní, ale neméně kuriózní příhoda se stala s obrazem Henriho Matisse. V roce 1961 Muzeum moderního umění v New Yorku představilo publiku mistrův obraz „Loď“. Výstava byla úspěšná. Ale jen o sedm týdnů později si náhodný znalec umění všiml, že mistrovské dílo visí vzhůru nohama. Za tu dobu stihlo umění vidět 115 tisíc lidí a recenzní kniha byla doplněna stovkami obdivných komentářů. Rozpaky se rozšířily do všech novin.

„Bitva černochů v jeskyni v hluboké noci“

Slavné „Černé náměstí“ nebylo prvním obrazem svého druhu. 22 let před Malevičem, v roce 1893 Francouzský umělec a spisovatel Alle Alphonse vystavoval v galerii Vivien své mistrovské dílo „Bitva černochů v jeskyni v hluboké noci“ – celočerné obdélníkové plátno.

„Svátek bohů na Olympu“

V 60. letech 20. století V Praze byl nalezen jeden z nejznámějších obrazů Petra Paula Rubense „Svátek bohů na Olympu“. Dlouho datum jeho sepsání zůstalo záhadou. Odpověď našli v samotném obrázku navíc astronomové. Hádali, že pozice planet byly na plátně rafinovaně zašifrovány. Například vévoda z Mantovy Gonzaga v podobě boha Jupitera, Poseidon se Sluncem a bohyně Venuše s Cupidem odrážejí postavení Jupitera, Venuše a Slunce ve zvěrokruhu.

Navíc je jasné, že Venuše míří do souhvězdí Ryb. Pečliví pozorovatelé hvězd spočítali, že tak vzácná poloha planet na obloze byla pozorována ve dnech zimního slunovratu v roce 1602. Bylo tak provedeno poměrně přesné datování snímku.

"Snídaně v trávě"

Edouard Manet, "Oběd na trávě"

Claude Monet, "Oběd na trávě"

Edouard Manet a Claude Monet jsou zmateni nejen současnými uchazeči umělecké školy– i jejich současníci si je pletli. Oba žili na konci 19. století v Paříži, komunikovali spolu a byli téměř jmenovci. Ve filmu „Ocean’s Eleven“ se tedy mezi postavami George Clooneyho a Julie Roberts odehrává následující dialog:
- Vždycky si pletu Moneta a Maneta. Pamatuji si jen, že si jeden z nich vzal svou milenku.
- Monet.
- Takže Mane měl syfilis.
- A oba čas od času psali.
Ale umělci měli malý zmatek se jmény, navíc si navzájem aktivně vypůjčovali nápady. Poté, co Manet představil veřejnosti obraz „Luncheon on the Grass“, Monet bez přemýšlení namaloval svůj vlastní se stejným názvem. Jako obvykle nastal zmatek.

"Sixtinská Madonna"

Při pohledu na Raphaelův obraz" Sixtinská Madonna„Je jasně vidět, že papež Sixtus II. má na ruce šest prstů. Jméno Sixtus se mimo jiné překládá jako „šestý“, což nakonec dalo vzniknout mnoha teoriím. Ve skutečnosti „spodní malíček“ vůbec není prst, ale část dlaně. Je to patrné, když se podíváte pozorně. Žádná mystika a tajní předzvěsti Apokalypsy pro vás, je to škoda.

"Ráno v borovém lese"

Medvíďata z obrazu „Ráno v borový les„Shishkina vůbec není dílem Shishkina. Ivan byl vynikající krajinář, uměl brilantně zprostředkovat hru světla a stínu v lese, ale nebyl dobrý na lidi a zvířata. Takže na přání umělce namaloval roztomilá medvíďata Konstantin Savitsky a samotný obraz byl podepsán dvěma jmény. Ale Pavel Tretyakov poté, co koupil krajinu do své sbírky, vymazal Savitského podpis a všechny vavříny připadly Shishkinovi.

O slavných umělcích lze nalézt obrovské množství informace – jak žili, jak vytvářeli své nesmrtelná díla. Mnoho lidí obvykle nepřemýšlí o vlastnostech umělcova charakteru a životního stylu. Některá fakta z biografie nebo historie vzniku toho či onoho snímku jsou ale někdy velmi zábavná až provokativní.

Pablo Picasso
Dobří umělci kopírují, skvělí umělci kradou.

Když se Pablo Picasso narodil, porodní asistentka ho považovala za mrtvého. Dítě zachránil jeho strýc, který kouřil doutníky, a když viděl dítě ležící na stole, vyfoukl mu do obličeje kouř, načež Pablo začal řvát. Můžeme tedy říci, že kouření zachránilo Picassovi život.

Pablo se zřejmě narodil jako umělec - jeho první slovo bylo PIZ, zkratka pro LAPIZ (španělsky „tužka“).

V raná léta Během svého života v Paříži byl Picasso tak chudý, že byl někdy nucen hořet svými obrazy místo palivového dřeva.

Picasso nosil dlouhé šaty a také měl dlouhé vlasy, což bylo v té době nevídané

Picassovo celé jméno se skládá z 23 slov: Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Clito Ruiz a-Picasso.

Vincent van Gogh
Nebojte se dělat chyby. Mnoho lidí věří, že se stanou dobrými, pokud nebudou dělat nic špatného.

Předpokládá se, že množství žlutých a žlutých skvrn různých odstínů na jeho obrazech je způsobeno velký počet užívání léků na epilepsii, která se vyvinula z nadměrné konzumace absinthu. " Hvězdná noc“, „Slunečnice“.

Van Gogh během svého hektického života navštívil nejednoho psychiatrická léčebna s diagnózami od schizofrenie až po maniodepresivní psychózu. Jeho nejvíc slavný obraz„Hvězdná noc“ byla napsána v roce 1889 v nemocnici ve městě San Remy.

Spáchal sebevraždu. Střelil se do břicha, když se schovával na hospodářském dvoře za hromadou hnoje. Bylo mu 37 let.

Van Gogh trpěl po celý život nízkým sebevědomím. Za svého života prodal pouze jedno ze svých děl – Red Vineyard at Arles. A sláva mu přišla až po jeho smrti. Kdyby jen Van Gogh věděl, jak populární se jeho dílo stane.

Van Gogh si neuřízl celé ucho, ale jen kousek ušního lalůčku, který téměř nebolel. Stále však existuje rozšířená legenda, že si umělec amputoval celé ucho. Tato legenda se dokonce promítla i do chování pacienta, který se operuje nebo na určité operaci trvá – říkalo se tomu Van Goghův syndrom.

Leonardo da Vinci
Kdo žije ve strachu, umírá strachem.

Leonardo byl první, kdo vysvětlil, proč je nebe modré. V knize „On Painting“ napsal: „Modrost oblohy je způsobena tloušťkou osvětlených částic vzduchu, které se nacházejí mezi Zemí a temnotou nahoře.

Leonardo byl oboustranný – uměl stejně dobře pravou i levou rukou. Dokonce se říká, že mohl zároveň psát různé texty různé ruce. Většinu svých děl však psal levou rukou zprava doleva.

Mistrně hrál na lyru. Když se Leonardův případ projednával u milánského soudu, objevil se tam právě jako hudebník, a ne jako umělec nebo vynálezce.

Leonardo byl prvním malířem, který rozřezal mrtvoly, aby pochopil umístění a strukturu svalů.

Leonardo da Vinci byl přísný vegetarián a nikdy nepil kravské mléko, protože to považoval za krádež.

Salvador Dalí
Kdybych neměl nepřátele, nestal bych se tím, čím jsem se stal. Ale díky bohu, nepřátel bylo dost.

Po příjezdu do New Yorku v roce 1934 nesl v rukou jako doplněk 2 metry dlouhý bochník chleba a při návštěvě výstavy surrealistické kreativity v Londýně se oblékl do potápěčského obleku.

Plátno „Persistence of Memory“ (“ Měkké hodinky“) Dali psal pod dojmem Einsteinovy teorie relativity. Nápad se zformoval v Salvadorově hlavě, když se jednoho horkého srpnového dne díval na kousek sýra Camembert.

Salvador Dalí často chodil spát s klíčem v ruce. Seděl na židli a usnul s těžkým klíčem svíraným mezi prsty. Postupně stisk slábl, klíč spadl a narazil na talíř ležící na podlaze. Myšlenky, které vyvstaly během spánku, by mohly být nové nápady nebo řešení složitých problémů.

Během svého života velký umělec odkázal být pohřben tak, aby lidé mohli chodit po hrobě, takže jeho tělo bylo zazděno do zdi v Dalího muzeu ve Figueres. V této místnosti není povoleno fotografování s bleskem.

Přezdívka Salvadora Dalího byla „Avida Dollars“, což v překladu znamená „vášnivý pro dolary“.

Logo Chupa Chups nakreslil Salvador Dalí. V mírně pozměněné podobě se zachovala dodnes.

Téměř každé Dalího dílo obsahuje buď jeho portrét, nebo jeho siluetu.

Henri Matisse
Všude kvetou květiny pro každého, kdo je chce vidět.

V roce 1961 visel obraz Henriho Matisse „Loď“ (Le Bateau), vystavený v newyorském Muzeu moderního umění, čtyřicet sedm dní hlavou dolů. Obraz byl v galerii vyvěšen 17. října a teprve 3. prosince si někdo všiml chyby.

Henri Matisse trpěl depresemi a nespavostí, někdy ve spánku plakal a probouzel se s křikem. Jednoho dne, bez jakéhokoli důvodu, měl najednou strach, že oslepne. A dokonce se naučil hrát na housle, aby si vydělal na živobytí pouliční hudebník když přijde o zrak.

Matisse žil mnoho let v chudobě. Bylo mu asi čtyřicet, když konečně dokázal uživit rodinu sám.

Henri Matisse nikdy nemaloval skály, čisté křišťálové domy, obdělávaná pole.

Během posledních 10 let svého života mu byla diagnostikována rakovina dvanáctníku a musel zůstat na invalidním vozíku.

Edvarda Muncha
Ve svém umění jsem se snažil vysvětlit život a jeho smysl sobě, snažil jsem se také pomáhat druhým vysvětlit jejich životy.

Munchovi bylo pouhých pět let, když jeho matka zemřela na tuberkulózu, a pak ztratil svou starší sestru. Od té doby se v jeho díle nejednou objevilo téma smrti životní cesta Od prvních krůčků se umělec deklaroval jako životní drama.

Jeho obraz „The Scream“ je nejvíce drahý kousek umění prodané v otevřené aukci.

Byl posedlý prací a sám řekl toto: „Psaní pro mě je nemoc a opojení. Nemoc, které se nechci zbavit, a intoxikace, ve které chci zůstat."

Paul Gauguin
Umění je abstrakce, extrahujte ji z přírody, fantazírujte na jejím základě a přemýšlejte více o procesu tvorby než o výsledku.

Umělec se narodil v Paříži, ale dětství prožil v Peru. Odtud jeho láska k exotickým a tropickým zemím.

Gauguin snadno měnil techniky a materiály. Zajímal se také o dřevořezbu. Často se potýkal s finančními potížemi a nemohl si koupit barvy. Pak vzal nůž a dřevo. Dveře svého domu na Markézských ostrovech ozdobil vyřezávanými panely.

Paul Gauguin pracoval jako dělník na Panamském průplavu.

Umělec maloval zátiší hlavně bez použití modelu.

V roce 1889, po důkladném prostudování Bible, namaloval čtyři plátna, na nichž se zpodobnil v podobě Krista.

Časté a promiskuitní vztahy s dívkami vedly k tomu, že Gauguin onemocněl syfilidou.

Renoir Pierre Auguste
Ve čtyřiceti jsem zjistil, že králem všech barev je černá.

Kolem roku 1880 si Renoir poprvé zlomil pravou ruku. Místo toho, aby se kvůli tomu rozčiloval a truchlil, bere štětec levou a po chvíli už nikdo nepochybuje, že zvládne malovat mistrovská díla oběma rukama.

Za 60 let se mu podařilo namalovat asi 6000 obrazů.

Renoir byl tak zamilovaný do malování, že nepřestal pracovat ani ve stáří, když byl nemocný. v různých podobách artritidy a maloval štětcem přivázaným k rukávu. Jednoho dne se jeho blízký přítel Matisse zeptal: "Auguste, proč se nevzdáváš malování, tolik trpíš?" Renoir se omezil pouze na odpověď: „La douleur passe, la beauté reste“ (Bolest pomine, ale krása zůstává).

Obrazy současných umělců na prodej

Dnes si v každém muzeu můžete poslechnout úžasné průvodce, kteří vám podrobně poví o sbírce a umělcích v ní zastoupených. Mnoho rodičů přitom ví, že pro většinu dětí je těžké strávit v muzeu byť jen hodinu a příběhy o historii malby je celkem rychle unaví. Aby se děti v muzeu nenudily, nabízíme rodičům „podvodník“ - desítku zábavné příběhy o obrazech z Treťjakovské galerie, které zaujmou děti i dospělé.

1. Ivan Kramskoy. "Mořské panny", 1871

Ivan Kramskoy je známý především jako autor obrazu „Neznámý“ (často se mylně nazývá „Cizinec“), stejně jako řada krásných portrétů: Leo Tolstoy, Ivan Shishkin, Dmitrij Mendělejev. Pro děti je ale lepší začít se s jeho tvorbou seznamovat magický obrázek"Mořské panny", se kterými je tento příběh.
V srpnu 1871 navštívil umělec Ivan Kramskoy venkovský statek jeho přítel, milovník umění a slavný filantrop Pavel Stroganov. Když se večer procházel, obdivoval měsíc a obdivoval jeho magické světlo. Během těchto procházek se umělec rozhodl namalovat noční krajinu a pokusit se předat veškeré kouzlo, veškeré kouzlo měsíční noci, aby „chytil měsíc“ - podle svých vlastních slov.
Kramskoy začal pracovat na obraze. Objevil se břeh řeky měsíční noc, návrší a na něm dům, obklopený topoly. Krajina byla krásná, ale něco tomu chybělo – magie se nezrodila na plátně. Na pomoc umělci přišla kniha Nikolaje Gogola „Večery na farmě u Dikanky“. přesněji příběh s názvem „Májová noc aneb utopená žena“ - báječné a trochu strašidelné. A pak se na obrázku objevily dívky z mořské panny, osvětlené měsíčním světlem.
Umělec na obraze pracoval tak pečlivě, že o něm začal snít a neustále v něm chtěl něco dotvářet. Rok poté, co ji koupil zakladatel Treťjakovské galerie Pavel Treťjakov, chtěl v ní Kramskoy znovu něco změnit a provedl drobné změny přímo ve výstavní síni.
Kramskoyovo plátno se stalo prvním „pohádkovým“ obrazem v historii ruské malby.

2. Vasilij Vereščagin. "Apoteóza války", 1871

Stalo se, že lidé vždy bojovali. Od nepaměti stateční vůdci a mocní vládci vyzbrojovali své armády a posílali je do války. Samozřejmě chtěli, aby vzdálení potomci věděli o jejich vojenských úlovcích, takže básníci psali básně a písně a umělci vytvářeli nádherné obrazy a sochy. Na těchto obrazech válka obvykle vypadala jako svátek - světlé barvy, nebojácní válečníci, jít do boje...
Umělec Vasilij Vereščagin věděl o válce z první ruky - účastnil se bitev více než jednou - a namaloval mnoho obrazů, na nichž zobrazoval to, co viděl na vlastní oči: nejen statečné vojáky a jejich velitele, ale také krev, bolest a utrpení. .
Jednoho dne ho napadlo, jak ukázat všechny hrůzy války na jednom snímku, jak přimět publikum, aby pochopilo, že válka je vždy smutek a smrt, jak nechat ostatní, aby se dívali na její ohavné detaily? Uvědomil si, že nestačí namalovat obraz bitevního pole posetého mrtvými vojáky – taková plátna existovala již dříve. Vereščagin přišel se symbolem války, obrazem, jen při pohledu na který si každý dokáže představit, jak hrozná je jakákoli válka. Namaloval spálenou poušť, uprostřed níž se tyčí pyramida z lidských lebek. Kolem jsou jen suché stromy bez života a na svátek létají jen vrány. V dálce je vidět zchátralé město a divák snadno tuší, že ani tam už není život.

3. Alexej Savrasov. „Věžové dorazili“, 1871

Obraz „The Rooks Have Arrived“ zná každý od dětství a pravděpodobně každý o něm psal školní eseje. A učitelé dnes určitě budou dětem vyprávět o Savrasovových lyrických krajinách a že již v názvu tohoto obrázku je slyšet radostná předzvěst rána roku a vše v něm je naplněno hlubokým významem blízkým srdci. Mezitím málokdo ví, že slavné „Věže...“, stejně jako všechna ostatní Savrasova díla, možná vůbec neexistovaly.
Alexej Savrasov byl synem malého moskevského galanterního zboží. Chlapcova touha zapojit se do malby nezpůsobila u rodiče potěšení, ale přesto Kondrat Savrasov poslal svého syna do Moskevské školy malby a sochařství. Učitelé i spolužáci poznali talent mladého umělce a předpovídali mu velkou budoucnost. Ukázalo se však, že Alexey, aniž by studoval rok, byl zřejmě kvůli nemoci své matky nucen přestat studovat. Jeho učitel Karl Rabus se obrátil o pomoc na náčelníka moskevské policie generálmajora Ivana Luzhina, který talentovanému mladíkovi pomohl získat umělecké vzdělání.
Kdyby se Luzhin nezúčastnil osudu mladý umělec, jeden z nejslavnějších obrazů v historii ruského malířství by se nikdy nezrodil.

4. Vasilij Polenov. "Moskevský dvůr", 1878

Někdy za účelem psaní krásný obrázek, umělec hodně cestuje, dlouho a úzkostlivě hledá nejvíce krásné výhledy, nakonec najde vzácné místo a čas od času tam přichází se skicákem. A také se stává, že k vytvoření nádherného díla stačí jít k vlastnímu oknu, podívat se na úplně obyčejný moskevský dvůr - a stane se zázrak, objeví se úžasná krajina plná světla a vzduchu.
Přesně takový zázrak se stal výtvarníkovi Vasilijovi Polenovovi, který se začátkem léta 1878 podíval z okna svého bytu a docela rychle namaloval, co viděl. Mraky snadno klouzají po obloze, slunce stoupá výš a výš, zahřívá zemi svým teplem, osvětluje kopule kostelů, zkracuje husté stíny... Zdálo by se, že jde o jednoduchý obrázek, který sám umělec nepořídil. zprvu vážně: napsal to a málem na to zapomněl. Pak byl ale pozván, aby se výstavy zúčastnil. Neměl nic významného a Polenov se rozhodl vystavit „Moskevský dvůr“.
Kupodivu to byl tento „bezvýznamný obrázek“, který přinesl slávu a slávu Vasiliji Polenovovi - milovala ho veřejnost i kritici: má teplo a jasné barvy a jeho postavy lze donekonečna zkoumat a vymýšlet příběh o každém z nich.

5. Ivan Šiškin. „Ráno v borovém lese“, 1889

„Ráno v borovém lese“ od Ivana Šiškina je pravděpodobně nejznámější obraz ze sbírky Treťjakovské galerie. U nás ji zná každý, díky reprodukcím ve školních učebnicích, nebo možná díky čokolády"Medvídek."
Ale ne každý ví, že Shishkin sám namaloval pouze ranní les v mlžném oparu a nemá nic společného s medvědy. Tento obraz je plodem společné kreativity mezi Shishkinem a jeho přítelem, umělcem Konstantinem Savitským.
Ivan Šiškin byl dokonalý mistr zobrazují všechny druhy botanických jemností - kritik Alexander Benois byl docela vyhubován za svou závislost fotografickou přesností, označil jeho obrazy za nezáživné a chladné. Ale umělec nebyl přítelem zoologie. Říkají, že to je důvod, proč se Shishkin obrátil na Savitského s žádostí, aby mu pomohl s medvědy. Savitsky svého přítele neodmítl, ale jeho práci nebral vážně - a nepodepsal.
Později Pavel Treťjakov koupil tento obraz od Šiškina a umělec vyzval Savitského, aby na obraze zanechal podpis - koneckonců na něm pracovali společně. Savickij tak učinil, ale Treťjakovovi se to nelíbilo. Prohlásil, že obraz koupil od Šiškina, ale nechtěl nic vědět o Savickém, požadoval rozpouštědlo a vlastníma rukama smazal podpis „navíc“. A tak se stalo, že dnes Treťjakovská galerie uvádí autorství pouze jednoho umělce.

6. Viktor Vasněcov. "Bogatyrs", 1898

Viktor Vasnetsov je považován za „nejbáječnějšího“ umělce v historii ruské malby - byl to jeho štětec, který vytvořil tak slavná díla jako „Alyonushka“, „Rytíř na křižovatce“, „ Bogatyrský skok“ a mnoho dalších. Ale jeho nejslavnější obraz je „Bogatyrs“, který zobrazuje hlavní postavy ruských eposů.
Sám umělec obrázek popsal takto: „Hrdinové Dobrynya, Ilja a Aljoša Popovič jsou na hrdinské výpravě - v terénu si všímají, zda někde není nepřítel, urážejí někoho?
Uprostřed na černém koni se zpod dlaně dívá do dálky Ilja Muromec, hrdina má v jedné ruce kopí, v druhé damaškový kyj. Vlevo na bílém koni Dobrynya Nikitich vytahuje svůj meč z pochvy. Vpravo na červeném koni Aljoša Popovič drží v rukou luk a šípy. S hrdiny tohoto snímku – či spíše s jejich předobrazy – je spojen kuriózní příběh.
Viktor Vasnetsov dlouho přemýšlel, jak by měl Ilya Muromets vypadat, a dlouho nemohl najít „správnou“ tvář - odvážnou, upřímnou, vyjadřující sílu i laskavost. Jednoho dne ale úplnou náhodou potkal rolníka Ivana Petrova, který přijel do Moskvy vydělat peníze. Umělec byl ohromen - na moskevské ulici viděl skutečného Ilju Muromce. Rolník souhlasil s pózováním pro Vasnetsova a... zůstal po staletí.
V eposech je Dobrynya Nikitich docela mladá, ale z nějakého důvodu Vasnetsovův obraz zobrazuje muže středního věku. Proč se umělec rozhodl jednat tak svobodně s lidové pohádky? Řešení je jednoduché: Vasnetsov se vylíčil v obraze Dobrynya; stačí porovnat obraz s portréty a fotografiemi umělce.

7. Valentin Serov. "Dívka s broskvemi." Portrét V. S. Mamontové“, 1887

"Dívka s broskvemi" je jedním z nejvíce slavné portréty v historii ruské malby, kterou napsal umělec Valentin Serov.
Dívka na portrétu je Verochka, dcera filantropa Savvy Mamontova, jehož dům umělec často navštěvoval. Zajímavostí je, že broskve ležící na stole nebyly přivezeny z teplých krajů, ale rostly nedaleko Moskvy, přímo v panství Abramcevo, což byla v 19. století věc zcela neobvyklá. Mamontovovi pracoval zahradník-kouzelník - v jeho šikovných rukou kvetly ovocné stromy ještě v únoru a sklizeň byla sklizena už na začátku léta.
Díky Serovovu portrétu se Vera Mamontova zapsala do historie, ale sám umělec si vzpomněl, jak těžké bylo přesvědčit 12letou dívku, která měla neobvykle neklidnou povahu, aby pózovala. Serov pracoval na obraze téměř měsíc a Vera každý den několik hodin tiše seděla v jídelně.
Práce to nebyla marná: když umělec představil portrét na výstavě, veřejnosti se obraz opravdu líbil. A dnes, o více než sto let později, „Dívka s broskvemi“ potěší návštěvníky Treťjakovské galerie.

8. Ilja Repin. "Ivan Hrozný a jeho syn Ivan 16. listopadu 1581," 1883-1885.

Při pohledu na ten či onen obraz si často říkáte, co bylo pro umělce zdrojem inspirace, co ho přimělo namalovat právě takové dílo? V případě obrazu Ilji Repina „Ivan Hrozný a jeho syn Ivan 16. listopadu 1581“ hádejte skutečné důvody není vůbec snadné.
Obraz zachycuje legendární epizodu ze života Ivana Hrozného, kdy v návalu hněvu udeřil smrtelná rána svému synovi careviči Ivanovi. Mnoho historiků se však domnívá, že ve skutečnosti k žádné vraždě nedošlo a princ zemřel na nemoc, a už vůbec ne z rukou svého otce. Zdálo by se, co mohlo umělce přimět, aby se obrátil k takové historické epizodě?
Jak sám umělec vzpomínal, nápad namalovat obraz „Ivan Hrozný a jeho syn Ivan“ dostal po... koncertu, na kterém slyšel hudbu skladatele Rimského-Korsakova. Bylo symfonická suita"Antar." Zvuky hudby umělce zaujaly a chtěl v malbě ztělesnit náladu, která se v něm pod vlivem tohoto díla vytvořila.
Hudba ale nebyla jediným zdrojem inspirace. Cestou po Evropě v roce 1883 se Repin zúčastnil býčího zápasu. Pohled na tuto krvavou podívanou zapůsobil na umělce, který napsal, že „když se nakazil... touto krvavostí, po příjezdu domů se okamžitě pustil do práce na krvavé scéně „Ivan Hrozný se svým synem“. A krevní obraz měl velký úspěch.“

9. Michail Vrubel. "Démon sedí", 1890

Jak někdy název obrazu znamená hodně. Co vidí divák, když se poprvé podívá na obraz Michaila Vrubela „Sedící démon“? Svalnatý mladík sedí na skále a smutně se dívá na západ slunce. Ale jakmile vyslovíme slovo „démon“, okamžitě se objeví obraz magického zlého stvoření. Mezitím démon Michaila Vrubela není vůbec zlý duch. Sám umělec nejednou řekl, že démon je duch „ne tak zlý jako utrpení a zármutek, ale zároveň mocný duch, ... majestátní“.
Tento obraz je zajímavý technikou malby. Umělec nanáší barvu na plátno ne konvenčním štětcem, ale tenkým ocelovým plátem - paletovým nožem. Tato technika umožňuje kombinovat techniky malíře a sochaře, doslova „vyřezávat“ obraz pomocí barev. Takto je dosaženo efektu „mozaiky“ - zdá se, že obloha, skály a dokonce i samotné tělo hrdiny nejsou natřeny barvou, ale jsou vyskládány z pečlivě leštěných, možná i drahých kamenů.

10. Alexandr Ivanov. "Zjevení Krista lidem (Zjevení se Mesiáše)", 1837-1857.

Obraz Alexandra Ivanova „Zjevení Krista lidem“ je jedinečnou událostí v historii ruského malířství. Není snadné o tom mluvit s dětmi, zejména 6-7letými, ale rozhodně by měly vidět toto monumentální plátno, na kterém umělec pracoval více než 20 let a které se stalo jeho životním dílem.
Děj obrazu je založen na třetí kapitole Matoušova evangelia: Jan Křtitel, křtící židovský národ na břehu Jordánu ve jménu očekávaného Spasitele, ho náhle vidí přicházet, v jehož jménu křtí lidi . O kompozičních rysech obrazu, o jeho symbolech a umělecký jazyk děti to zjistí později. Při prvním seznámení stojí za to mluvit o tom, jak se jeden obraz stal životním dílem umělce.
Po ukončení studií na Petrohradské akademii umění byl Alexander Ivanov vyslán „na stáž“ do Itálie. „Zjevení se Krista lidem“ mělo být záznamem. Ale umělec bere svou práci velmi vážně: pečlivě studuje bible, historie, tráví měsíce hledáním té správné krajiny, tráví nekonečné množství času hledáním obrázku pro každou postavu na obrázku. Peníze, které mu byly přiděleny na práci, docházejí, Ivanov vede bídnou existenci. Namáhavá práce na obraze vedla k poškození zraku umělce a jeho dlouhodobé léčbě.
Když Ivanov dokončil své dílo, italská veřejnost tento obraz nadšeně přijala, byl to jeden z prvních případů evropské uznání ruský umělec. V Rusku to nebylo okamžitě oceněno - teprve po smrti umělce k němu přišla skutečná sláva.
Při práci na obraze Ivanov vytvořil více než 600 skic. V místnosti, kde je vystavena, si některé z nich můžete prohlédnout. Je zajímavé použít tyto příklady ke sledování toho, jak umělec pracoval na kompozici, krajině a obrazech postav na obrázku.