Kresba opery. Four Seasons Centre, Toronto, Kanada

Největší operní domy na světě

Pokud jde o počet míst v hledištích, největší operní domy na světě jsou:

1., New York - 3800 míst.
2. - 3563 míst.
3. - 3285 míst.
4. Opera v San Franciscu - 3146 míst.
5. - 2800 míst.
6. - 2416 míst (sál opery).
7. Gran Teatro Liceo, Barcelona - 2292 míst.
8. - 2268 míst.
9. - 2155 míst.
10. - 2000 míst.
11. - 1900 míst.
12. Velké divadlo, Varšava - 1828 míst (největší scéna podle plochy).
13. - 1762 míst.
14. La Monnaie, Brusel - 1700 míst.
15. - 1550 míst.

Ekaterina Lyokhina je ruská operní pěvkyně, sopranistka. Ekaterina Lekhina se narodila 15. dubna 1979 v Samaře. Při studiu na škole kombinovala hodiny krasobruslení a hodiny na hudební škole č. 10 v Samaře. Víc se jí líbilo krasobruslení, ale její rodiče, kteří sami nebyli hudebníky, matka inženýrka, otec dělník, trvali na dalším studiu hudby. Po absolvování hudební školy vstoupila Ekaterina do dirigentského a sborového oddělení na Hudební škole D.G. Shatalova, kterou absolvovala s vyznamenáním. V roce 1998 se přestěhovala do Moskvy a pokračovala ve studiu na Akademii sborového umění, kde také získala magisterský titul operní zpěv(třída profesora S. Nesterenka). Po akademii působila krátce v Moskevské nové opeře, v menších inscenacích. První úspěch přišel s vítězstvím na vokální soutěži "Petrohrad" v roce 2005, kterého si všimli a ocenili evropští odborníci. Od té doby je mnohem známější světové veřejnosti než ruskému publiku. V roce 2006 debutovala Ekaterina Lyokhina ve vídeňské Volksoper (Volksoper) jako Madame Hertz v Mozartově opeře „Divadelní ředitel“. Její další rolí ve vídeňské Volksoper byla Královna noci v Mozartově Kouzelné flétně, s touto rolí se představila také v mnichovském divadle Gartnerplatz, ve dvou berlínských divadlech - Deutsche Staatsoper a Deutsche Oper a také v divadlech Hannover. , Düsseldorf, Treviso, Hong Kong a Peking. V roce 2007 vyhrála Ekaterina Lyokhina jednu z nejprestižnějších mezinárodních vokálních soutěží – „Operalia“, která se toho roku konala v Paříži. Ve finále soutěže došlo k malému incidentu - organizátor soutěže Maestro Placido Domingo neukázal orchestru úvod a konec Lakmeho árie, Catherine dozpívala v naprostém tichu. Při předávání hlavní ceny dirigent vysvětlil: „Rozumíte, příliš jsem poslouchal, a proto jsem neměl čas ukázat orchestru úvod.“ V roce 2008 Lyokhina debutovala v Královské opeře v Covent Garden rolí Olympie z Hoffmannových pohádek; toto představení jí přineslo uznání kritiky a velký úspěch. V roce 2011 obdržela Ekaterina Lyokhina prestižní cenu Grammy od Recording Academy of America v kategorii Nejlepší operní nahrávka. Catherine hrála hlavní roli - princeznu v opeře "Láska z dálky" finské skladatelky Kaija Saari-Aho. Dirigent Kent Nagano, Německý symfonický orchestr Berlín, Berlínský rozhlasový sbor, sólisté Daniel Belcher a Marie-Ange Todorovic. V současné době zpěvačka působí na základě smluv v různých divadlech po celém světě.

Kiri Janette Te Kanawa je novozélandská operní zpěvačka a lyrická sopranistka. Jeden z předních operních pěvců současnosti s vřelým, krásným hlasem a velmi širokým repertoárem operních rolí v různých jazycích. Kiri Te Kanawa (narozena Claire Mary Teresa Rostron) dne 6. března 1944 v Gisborne, Nový Zéland v rodině irské matky a maorského otce, ale o jejích rodičích se ví málo, protože. Jako nemluvně byla adoptována rodinou Te Kanawa, jejími adoptivními rodiči byli také Maorové a Irové. Všeobecné a hudební vzdělání získala v Aucklandu a již byla a populární zpěvák v novozélandských klubech. Zároveň posbírala všechny významné hudební ceny v Austrálii a na Novém Zélandu, v roce 1963 byla druhá v soutěži „Mobil (Lexus) Song Quest“, první místo tehdy obsadila další slavná operní pěvkyně z Nového Zélandu. , Malvína Major. V roce 1965 se sama Kiri Te Kanawa stala vítězkou téže soutěže s árií „Vissi d'arte“ z Pucciniho opery „Tosca.“ V roce 1966 vyhrála australskou soutěž „Sun-Aria“ a jako vítězka získala grant ke studiu v Londýně. Téhož roku bez konkurzu vstoupila do Centra pro operní zpěv v Londýně, kde učitelé zaznamenali její talent i počáteční nedostatek vokální techniky. Na operní scéně debutovala v roce 1968 jako druhá dáma v Mozartově Kouzelné flétně v londýnském divadle. Sadler's Wells", bezprostředně poté následovaly role v Purcellově Dido a Aeneas a titulní role v Donizettiho Anne Boleynové. V roce 1969 při konkurzu na roli hraběnky ve Figarově svatbě , šéfdirigent Colin Davis řekl: „Nemohl jsem tomu uvěřit, vlastním uším, udělal jsem tisíc konkurzů a byl to fantasticky krásný hlas.“ Královská opera Covent Garden podepsala smlouvu s Kiri Te Kanawa na tři roky a její první představení na jevišti tohoto divadla se uskutečnilo v roli Ksenia v "Boris Godunov" a dívky - květiny v "Parsifal" v roce 1970. Te Kanawa se nadále pečlivě připravovala na roli hraběnky, jejíž premiéra byla v Covet Garden naplánována na prosinec 1971, ale ještě předtím bylo představení na festivalu Santa Fe Opera Festival (New Mexico, USA), kde si vyzkoušela tato role spolu s ní Na stejném festivalu vystoupila americká zpěvačka Frederica von Stade, později jejich vystoupení zaznamenal tisk: „... byli tam dva nováčci, kteří oslnili publikum... všichni si okamžitě uvědomili, že jde o dva nálezy a historii potvrdili svůj výkon." Tito dva zpěváci se stali přáteli na mnoho let. Dne 1. prosince 1971 v Covent Garden zopakovala Kiri Te Kanawa své vystoupení v Santa Fe a vytvořila mezinárodní senzaci. V tento den získala status nesporné operní hvězdy a stala se jednou z nejslavnějších sopranistek světa, vystupující v předních světových operních domech – Covent Garden, Metropolitní opera (debut 1974), Pařížská opera (1975), Sydney Opera House (1978), Vídeňská státní opera (1980), La Scala (1978), Chicago Lyric Opera, San Francisco, Bavorsko a mnoho dalších. Mezi její hrdinky patří obrovský repertoár pro soprán, mezi nimi - tři hlavní role Richarda Strausse - Arabella z Arabely, Maršál, princezna Marie Terezie von Werdenberg z Rosenkavalier a Hraběnka z Capriccia; Mozartovy Fiordiligi z „To je to, co dělají všechny ženy“, Donna Elvira z „Dona Giovanniho“, Pamina z „Kouzelné flétny“ a samozřejmě hraběnka Almaviva z „Figarovy svatby“; Verdiho Violetta z Triaviatty, Amelia Boccanegra ze Simona Boccanegry, Desdemona z Ottela; od Pucciniho - Tosca, Mimi a Manon Lescaut; Carmen Bizet, Tatiana Čajkovskij, Rosalind Johann Strauss a mnoho dalších. Na koncertní pódium její vokální krása a čistota se snoubí s předními světovými symfonickými orchestry z Londýna, Chicaga, Los Angeles pod taktovkou takových dirigentů jako Claudio Abbado, Colin Davis, Charles Duthoit, Georg Solti a další. Stala se pravidelnou účastnicí mezinárodních operních festivalů – v Glidebourne, Salcburku, Veroně. Kiri Te Kanawa během své dlouhé tvůrčí kariéry vydala kolem osmdesáti disků operního repertoáru a koncertní hudba- koncertní árie Mozarta, Four Last Songs of Strauss, German Requiem od Brahmse, Messiah od Händela a dalších, stejně jako alba s populární hudbou a písně Maorů jako pocta jejich lidu. Některé z jejích disků byly oceněny cenou Grammy. Poslední album „Kiri Sings Karl“ vyšlo v roce 2006. V její kariéře došlo ke dvěma významným událostem, které je téměř nemožné pro žádnou operní pěvkyni zopakovat. V roce 1981 vystoupila jako sólistka na svatbě prince Charlese a princezny Diany v katedrále svatého Pavla v Londýně. Živý televizní přenos akce přilákal přes 600 milionů diváků. Druhá deska - v roce 1990 měla otevřený koncert v Aucklandu, na její sólové vystoupení přišlo 140 tisíc diváků. Nyní jsou její aktivity mimo jeviště spojeny s nadací, kterou vytvořila pro podporu a finanční pomoc mladým zpěvákům a hudebníkům. Kiri Te Kanawa byla za své zásluhy o rozvoj umění oceněna mnoha cenami a cenami, z nichž nejvyšší jsou Dame Commander of the Order of the British Empire (1982), Companion of the Order of Australia (1990) a Order Nového Zélandu (1995). Získala také čestné tituly z Cambridge, Oxfordu, Chicaga, Nottinghamu a dalších univerzit. Účinkování Kiri Te Kanawy na operním jevišti a koncertním jevišti se v posledních letech stalo vzácností, ale svůj odchod z jeviště ještě neoznámila, ačkoli se mělo za to, že její poslední vystoupení bylo v dubnu 2010, ale nadále hraje.

Sumi Cho (Jo Sumi) je korejská operní zpěvačka, koloraturní sopranistka. Nejznámější operní pěvkyně pochází z jihovýchodní Asie. Sumi Cho se narodila 22. listopadu 1962 v Soulu v Jižní Koreji. Skutečným jménem Sujeong Cho (Jo Sugyeong). Její matka byla zpěvačka a amatérská pianistka, ale kvůli politické situaci v Koreji v 50. letech nemohla získat profesionální hudební vzdělání. Byla odhodlaná dát své dceři dobré hudební vzdělání. Sumi Cho začala s hodinami klavíru ve 4 letech a vokálním tréninkem v 6 letech a jako dítě musela někdy strávit až osm hodin na hudebních lekcích. V roce 1976 vstoupila Sumi Cho na Soul Sang Hwa School of the Arts (soukromá akademie), kterou v roce 1980 absolvovala s diplomem vokálu a klavíru. V letech 1981-1983 pokračovala ve svém hudebním vzdělání na Národní univerzitě v Soulu. Během studií na univerzitě Sumi Cho poprvé profesionální debutovala, vystupovala na několika koncertech pořádaných korejskou televizí a ztvárnila roli Suzanne ve Figarově svatbě v Soulské opeře. V roce 1983 se Cho rozhodl opustit Soulskou univerzitu a přestěhoval se do Itálie, aby studoval hudbu na nejstarší hudební škole Accademia Nazionale di Santa Cecilia v Římě, kterou absolvoval s vyznamenáním. Mezi její italské učitele patřili Carlo Bergonzi a Gianella Borelli. Během studia na akademii byla Cho často slyšet na koncertech v různých italských městech, ale i v rádiu a televizi. Během této doby se Cho rozhodla používat jméno „Sumi“. pseudonym být srozumitelnější pro evropské publikum. V roce 1985 absolvovala akademii se specializací na klavír a zpěv. Po akademii absolvovala lekce zpěvu u Elisabeth Schwarzkopf a vyhrála několik vokálních soutěží v Soulu, Neapoli, Barceloně, Pretorii a nejvýznamnější v roce 1986 mezinárodní soutěž ve Veroně, ve které se zúčastnili pouze vítězové dalších významných mezinárodních soutěží, abych tak řekl, nejlepší z nejlepších mladých zpěváků. Evropský operní debut Sumi Cho se uskutečnil v roce 1986 jako Gilda v Rigolettovi v Teatro Giuseppe Verdi v Terstu. Toto představení upoutalo pozornost Herberta von Karajana, který ji pozval, aby ztvárnila roli pážecího Oscara v opeře Un ballo in maschera v hlavní roli s Placidem Domingem, která byla uvedena na Salcburském festivalu v roce 1987. Během následujících let se Sumi Cho neustále posouvala směrem k opernímu Olympu, neustále rozšiřovala geografii svých představení a měnila repertoár z malých rolí na velké. V roce 1988 debutovala Sumi Cho v La Scale a Bavorské státní opeře, v roce 1989 ve Vídeňské státní opeře a Metropolitní opeře a v roce 1990 v Chicagské Lyric Opera a Covent Garden. Sumi Cho se stala jednou z nejvyhledávanějších sopranistek naší doby a v tomto stavu zůstává až do dnes. Diváci ji milují pro její jasný, hřejivý, pružný hlas, stejně jako její optimismus a lehký humor na jevišti i v životě. Na jevišti je lehká a svobodná, dává každému ze svých vystoupení jemné orientální vzory. Sumi Cho navštívila všechny země světa, kde mají operu rádi, několikrát i Rusko, naposledy v roce 2008, kdy v rámci turné procestovala několik zemí v duetu s Dmitrijem Hvorostovským. Má nabitý pracovní program, včetně operních produkcí, koncertních programů a práce s nahrávacími společnostmi. Diskografie Sumi Cho v současnosti zahrnuje více než 50 nahrávek, včetně deseti sólových alb a crossover disků. Nejslavnější jsou její dvě alba – v roce 1992 získala cenu Grammy v kategorii „Nejlepší operní nahrávka“ za operu R. Wagnera „Die Femme sans Shadow“ s Hildegard Behrens, Josée van Dam, Julií Varady, Placidem Domingem, dirigentem Georgem Solti a album s operou „Un ballo in maschera“ G. Verdiho, které obdrželo cenu německého gramofonu.

Olga Vladimirovna Borodina je ruská operní pěvkyně, mezzosopranistka. Lidový umělec Ruska, laureát Státní ceny Ruské federace. Vítěz ceny Grammy za rok 2011. Sólista Mariinského divadla. Olga Vladimirovna Borodina se narodila 29. července 1963 v Petrohradě. Otec - Borodin Vladimir Nikolaevich (1938-1996). Matka - Borodina Galina Fedorovna. Studovala na Leningradské konzervatoři ve třídě Iriny Bogachevové. V roce 1986 se stala vítězkou 1. celoruské vokální soutěže a o rok později se zúčastnila 12. celounijní soutěže mladých vokalistů pojmenované po M. I. Glinkovi a získala první cenu. Od roku 1987 - v souboru Mariinského divadla, jeho debutovou rolí v divadle byla role Siebela v opeře Charlese Gounoda "Faust". Později na jevišti Mariinského divadla zpívala role Marfy v Musorgského Chovanščině, Ljubaši v Carské nevěstě Rimského-Korsakova, Olgy v Evženu Oněginovi, Poliny a Milovzora v Čajkovského Pikové dámě, Končakovny v Borodinově Princovi Igorovi. ve „Válka a mír“ od Prokofjeva, Marina Mnishek v „Boris Godunov“ od Musorgského. Od počátku 90. let je žádaná na scénách nejlepších divadel světa - Metropolitní opery, Covent Garden, San Francisco Opera, La Scala. Spolupracovala s mnoha vynikajícími dirigenty naší doby: kromě Valeryho Gergieva také Bernard Haitink, Colin Davis, Claudio Abbado, Nikolaus Harnoncourt, James Levine. Olga Borodina je laureátkou mnoha prestižních mezinárodních soutěží. Mezi nimi je pojmenovaná vokální soutěž. Roses Ponsel (New York) a Mezinárodní soutěž Francisca Viñase (Barcelona), jejichž vítězství jí přineslo uznání kritiky v Evropě i ve Spojených státech. Začátkem mezinárodní slávy Olgy Borodiny byl také její debut na jevišti Královské opery v Covent Garden („Samson a Dalila“, 1992), po kterém zpěvačka zaujala své právoplatné místo mezi nejvýraznějšími pěvkyněmi naší doby a se začal objevovat na jevištích všech velkých divadel světa. Po svém debutu v Covent Garden vystoupila Olga Borodina na jevišti tohoto divadla ve hrách „Popelka“, „Faustovo zatracení“, „Boris Godunov“ a „Khovanshchina“. Po prvním vystoupení v opeře v San Franciscu v roce 1995 (Popelka), později ztvárnila role Ljubaši (Carova nevěsta), Dalily (Samson a Dalila) a Carmen (Carmen). V roce 1997 pěvkyně debutovala v Metropolitní opeře (Marina Mnishek, Boris Godunov), na jevišti zpívá své nejlepší role: Amneris v Aidě, Polinu v Pikové dámě, Carmen ve stejnojmenné Bizetově opeře. , Isabella ve filmu „Italská žena v Alžíru“ a Dalila ve filmu „Samson a Dalila“. V představení posledně jmenované opery, které zahájilo sezónu 1998-1999 v Metropolitní opeře, vystoupila Olga Borodina společně s Placidem Domingem (dirigent James Levine). Olga Borodina také vystupuje na scénách washingtonské opery a Lyric Opera of Chicago. V roce 1999 poprvé vystoupila v La Scale (Adrienne Lecouvreur) a později, v roce 2002, na této scéně ztvárnila roli Dalily (Samson a Dalila). V Pařížské opeře ztvárňuje role Carmen (Carmen), Eboli (Don Carlos) a Mariny Mnischek (Boris Godunov). Mezi další evropské angažmá zpěvačky patří „Carmen“ s Londýnem symfonický orchestr om a Colin Davis v Londýně, "Aida" ve Vídeňské státní opeře, "Don Carlos" v pařížské Opéra Bastille a na Salcburském festivalu (na kterém debutovala v roce 1997 v "Boris Godunov") a "Aida" v Royal Opera Covent Garden Theatre. Olga Borodina se pravidelně účastní koncertních programů největších světových orchestrů, včetně Symfonického orchestru Metropolitní opery pod vedením Jamese Levina, Rotterdamské filharmonie, Symfonického orchestru Mariinského divadla pod vedením Valerije Gergieva a mnoha dalších skupin. Její koncertní repertoár zahrnuje mezzosopránové role ve Verdiho Requiem, Berliozově kantátě "Smrt Kleopatra" a symfonii "Romeo a Julie", Prokofjevovy kantáty "Ivan Hrozný" a "Alexander Něvský", Rossiniho Stabat Mater "Pulcinella" , jakož i vokální cyklus Ravelova „Šeherezáda“ a Musorgského „Písně a tance smrti“. Olga Borodina provádí komorní programy v nejlepších koncertních sálech v Evropě a USA - Wigmore Hall a Barbican Center (Londýn), Vienna Konzerthaus, Madrid National Concert Hall, Amsterdam Concertgebouw, Accademia di Santa Cecilia v Římě, Davis Hall (San Francisco), na festivalech v Edinburghu a Ludwigsburgu, dále na jevištích La Scaly, ženevského Velkého divadla, Státní opery v Hamburku, Théâtre des Champs-Élysées (Paříž) a divadla Liceu (Barcelona). V roce 2001 měla recitál v Carnegie Hall (New York) s Jamesem Levinem jako korepetitorem. V sezóně 2006-2007. Olga Borodina se zúčastnila provedení Verdiho Requiem (Londýn, Ravenna a Řím; dirigent - Riccardo Muti) a koncertního provedení opery "Samson a Dalila" v Bruselu a na jevišti amsterdamského Concertgebouw a provedla také Musorgského "Písně". a tance smrti“ s Národním orchestrem Francie. V sezóně 2007-2008. Ztvárnila roli Amneris (Aida) v Metropolitní opeře a roli Delilah (Samson a Delilah) v San Francisco Opera. Mezi úspěchy sezóny 2008-2009. - představení v Metropolitní opeře ("Adrienne Lecouvreur" s Placidem Domingem a Marií Guleghinou), Covent Garden (Verdiho Requiem, dirigent - Antonio Pappano), Vídni ("Faustovo prokletí", dirigent - Bertrand de Billy), Teatro Real (" The Damnation of Faust"), dále účast na festivalu v Saint-Denis (Verdiho Requiem, dirigent Riccardo Muti) a sólové koncerty v lisabonské Gulbenkian Foundation a La Scala. Diskografie Olgy Borodinové obsahuje více než 20 nahrávek, včetně oper „Carova nevěsta“, „Princ Igor“, „Boris Godunov“, „Khovanshchina“, „Eugene Onegin“, „ Piková dáma", "War and Peace", "Don Carlos", "Force of Destiny" a "La Traviata", stejně jako "All Night Vigil" od Rachmaninova, "Pulcinella" od Stravinského, "Romeo a Julie" od Berlioze, nahrané společně s Valery Gergievem, Bernardem Haitinkem a Sirem Colinem Davisem (Philips Classics). Kromě toho společnost Philips Classics vytvořila sólové nahrávky zpěváků, včetně „Tchaikovsky's Romances“ (disk, který získal cenu „Nejlepší debutová nahrávka roku 1994“ od poroty Cannes v rámci cen za klasickou hudbu), „Songs of Desire“, „Bolero “, album operních árií společně s orchestrem Národní opery Walesu pod vedením Carla Rizziho a dvojalbum „Portrait of Olga Borodina“, složené z písní a árií. Mezi další nahrávky Olgy Borodiny patří Samson a Delilah s José Curou a Colinem Davisem (Erato), Verdiho Requiem se sborem a orchestrem Mariinského divadla pod vedením Valeryho Gergieva, Aida s Vídeňskou filharmonií pod taktovkou Nikolause Harnoncourta a Death Cleopatra“ od Berlioze s Vídeňská filharmonie a maestro Gergiev (Decca). Zdroj: http://www.mariinsky.ru/

Polina Viardot, celé jméno Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot (francouzsky: Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot) je přední francouzská mezzosopranistka 19. století, učitelka vokálu a skladatelka španělského původu. Pauline Viardot se narodila 18. července 1821 v Paříži. Dcera a studentka španělského zpěváka a učitele Manuela Garcii, sestra Marie Malibran. Jako dítě studovala umění hry na klavír u Franze Liszta a hodlala se stát klavíristkou, ale její povolání předurčily její úžasné hlasové schopnosti. Provedeno v různá divadla v Evropě a mnoho koncertů. Proslavila se rolemi Fides („Prorok“ od Meyerbeera), Orfea („Orfeus a Eurydika“ od Glucka) a Rosiny („Lazebník sevillský“ od Rossiniho). Autorka romancí a komických oper na libreta Ivana Turgeněva, her blízký přítel . Spolu se svým manželem, který překládal Turgenevova díla do francouzštiny, propagovala úspěchy ruské kultury. Její příjmení se píše v různých podobách. Se svým dívčím jménem Garcia dosáhla slávy a proslulosti, po svatbě nějakou dobu používala dvojité příjmení Garcia-Viardot a v určitém okamžiku opustila své dívčí jméno a říkala si „Paní Viardot“. V roce 1837 16letá Polina Garcia poprvé koncertovala v Bruselu a v roce 1839 debutovala jako Desdemona v Rossiniho Othellovi v Londýně, který se stal vrcholem sezóny. Navzdory některým nedostatkům dívčí hlas kombinoval vynikající techniku ​​s úžasnou vášní. V roce 1840 se Pauline provdala za Louise Viardota, skladatele a ředitele Théatre Italien v Paříži. Manžel byl o 21 let starší než jeho žena a začal se starat o její kariéru. V roce 1844 v hlavním městě Ruské říše, Petrohradu, vystoupila na jednom pódiu s Antoniem Tamburinim a Giovannim Batistou Rubinim. Viardot měl mnoho fanoušků. Zejména ruský spisovatel Ivan Sergejevič Turgeněv se do zpěvačky vášnivě zamiloval v roce 1843 poté, co slyšel její výkon v Lazebníkovi sevillském. V roce 1845 opustil Rusko, aby následoval Polinu a nakonec se stal téměř členem rodiny Viardotů. Spisovatel se ke čtyřem Polininým dětem choval jako k jeho vlastním a až do své smrti ji zbožňoval. Ona byla zase kritikou jeho děl a její postavení ve společnosti a konexe představovaly spisovatele v tom nejlepším světle. Skutečná povaha jejich vztahu je stále předmětem debat. Pauline Viardot navíc komunikovala s dalšími skvělými lidmi, včetně Charlese Gounoda a Hectora Berlioze. Viardot, proslulá svými vokálními a dramatickými schopnostmi, inspirovala skladatele jako Frédéric Chopin, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns a Giacomo Meyerbeer, autor opery Prorok, v níž jako Fides vystoupila jako první. Nikdy se nepovažovala za skladatelku, ale ve skutečnosti složila tři sbírky hudby a také pomáhala psát hudbu pro role, které byly vytvořeny přímo pro ni. Později, když odešla z jeviště, napsala operu s názvem Le dernier sorcier. Viardot mluvila plynně španělsky, francouzsky, italsky, anglicky, německy a rusky a při své práci používala různé národní techniky. Díky svému talentu vystupovala v nejlepších koncertních sálech v Evropě, včetně opery v Petrohradu (v letech 1843-1846). Viardotova popularita byla tak velká, že z ní George Sand udělal prototyp hlavní postavy románu Consuelo. Viardot zpívala mezzosopránový part v Tuba Mirum (Mozartovo Requiem) na Chopinově pohřbu 30. října 1849. Zpívala titulní roli v Gluckově opeře Orfeus a Eurydika. V roce 1863 Pauline Viardot-Garcia opustila jeviště, opustila se svou rodinou Francii (její manžel byl odpůrcem režimu Napoleona III.) a usadila se v Baden-Badenu. Po pádu Napoleona III rodina Viardot se vrátila do Francie, kde Pauline učila na pařížské konzervatoři až do smrti svého manžela v roce 1883 a také provozovala hudební salon na Boulevard Saint-Germain. Mezi studenty a žáky Pauline Viardot jsou slavní Desiree Artaud-Padilla, Sophie Rohr-Brainin, Bailodz, Hasselman, Holmsen, Schliemann, Schmeiser, Bilbo-Bachelet, Meyer, Rollant a další. Mnoho ruských zpěváků s ní prošlo vynikající vokální školou, včetně F.V. Litvin, E. Lavrovskaya-Certeleva, N. Iretskaya, N. Shtemberg. 18. května 1910 zemřela Pauline Viardot obklopená milujícími příbuznými. Byla pohřbena na pařížském hřbitově Montmartre. Ruský básník Alexej Nikolajevič Pleščejev jí věnoval svou báseň „Zpěvákovi“ (Viardot Garcia): Ne! Nezapomenu na tebe, podmanivé zvuky, stejně jako nezapomenu na první sladké slzy lásky! Když jsem tě poslouchal, muka v mé hrudi byla pokořena, A znovu jsem byl připraven věřit a milovat! Nezapomenu na ni... Pak se mi jako inspirovaná kněžka, přikrytá věncem ze širokých listů, zjevila... a zazpívala posvátný chvalozpěv, A její pohled hořel božským ohněm... Pak jsem uviděl bledou obraz v ní Desdemony, Když se skláněla nad harfou zlatá, O vrbě zpívala píseň... a sténání přerušilo smutný přeliv té prastaré písně. Jak hluboce chápala a studovala Toho, který znal lidi a tajemství jejich srdcí; A kdyby ta veliká vstala z hrobu, dal by jí svou korunu na čelo. Někdy se mi Rosina zjevila, mladá a vášnivá, jako noc její rodné země... A naslouchaje jejímu kouzelnému hlasu, usiloval jsem o tu úrodnou zemi, Kde všechno oko okouzlí, všechno oko potěší, Kde klenba nebe září věčnou modří, Kde slavíci hvízdají na větvích platanů a cypřišů stín se chvěje na hladině vod! A moje hruď, plná svaté rozkoše, čisté rozkoše, se zvedla vysoko a úzkostné pochybnosti odletěly a má duše se cítila klidná a lehká. Jako přítel po dnech bolestivého odloučení jsem byl připraven obejmout celý svět... Oh! Nezapomenu na tebe, podmanivé zvuky, stejně jako nezapomenu na první sladké slzy lásky!<1846>

Galina Pavlovna Vishnevskaya (25. října 1926 - 11. prosince 2012) - skvělá ruská, sovětská operní pěvkyně (lyricko-dramatický soprán). Lidový umělec SSSR. Velitel francouzské čestné legie, čestný doktor řady univerzit. Galina Pavlovna Višněvskaja se narodila 25. října 1926 v Leningradu (dnes Petrohrad), ale téměř celé dětství prožila v Kronštadtu. Přežila obležení Leningradu a v šestnácti letech sloužila v jednotkách protivzdušné obrany. Její tvůrčí činnost začala v roce 1944 jako sólistka Leningradského operetního divadla a počátek její kariéry na velké scéně se datuje do padesátých let. V prvním manželství byla provdána za vojenského námořníka Georgije Višněvského, s nímž se o dva měsíce později rozvedla, ale jeho příjmení si ponechala; ve druhém manželství - s ředitelem operetního divadla Markem Iljičem Rubinem. V roce 1955, čtyři dny po jejich seznámení, se potřetí provdala za pozdějšího slavného violoncellistu M.L. Rostropovič, v souboru, se kterým (M.L. Rostropovič - nejprve jako klavírista, později jako dirigent) vystupovala na nejprestižnějších koncertních místech světa. V letech 1951 až 1952, po odchodu z operetního divadla, navštěvovala Višněvskaja hodiny zpěvu u V.N. Garina, kombinující klasické vokální kurzy s vystoupeními jako popová zpěvačka. V roce 1952 se zúčastnila konkursu pro posluchačskou skupinu Velkého divadla, byla přijata i přes chybějící vzdělání na konzervatoři a brzy se (v obrazném vyjádření B. A. Pokrovského) stala „trumfem na palubě Velkého divadla“. přední sólista hlavní opery v zemi. Během své 22leté umělecké kariéry ve Velkém divadle (v letech 1952 až 1974) vytvořila Galina Vishnevskaya mnoho (více než třicet!) nezapomenutelných ženských postav v ruštině a západoevropské operní mistrovská díla. Po svém skvělém debutu v roli Tatiany v opeře Evžen Oněgin ztvárnila v divadle role Aidy a Violetty (Aida a La Traviata od Verdiho), Cio-Cio-san (Cio-Cio-san od Pucciniho) , Natasha Rostova ("Válka a mír" od Prokofjeva), Katarina ("Zkrocení zlé ženy" od Shebalina, první účinkující, 1957), Lisa ("Piková dáma" od Čajkovského), Kupava ("Sněhurka" od Rimského-Korsakova), Marfy ("Carova nevěsta" od Rimského-Korsakova) Korsakova) a mnoha dalších. Vishnevskaya se zúčastnila prvních inscenací na ruské scéně opery Prokofjeva „Hazardér“ (1974 jako Polina), monoopery „ Lidský hlas"Poulenc (1965). V roce 1966 hrála hlavní roli ve filmové opeře "Katerina Izmailova" D. D. Šostakoviče (režie Michail Shapiro). Byla první interpretkou řady děl, které jí věnoval D. D. Šostakovič , B. Britten a další význační soudobí skladatelé. Pod dojmem poslechu její nahrávky vznikla báseň Anny Achmatovové „Ženský hlas.“ Za sovětské nadvlády Galina Višněvskaja spolu se svým manželem, velkým violoncellistou a dirigentem Mstislavem Rostropovičem neocenitelná podpora vynikajícímu ruskému spisovateli a lidskoprávnímu aktivistovi Alexandru Solženicynovi, a to byl jeden z důvodů neustálá pozornost a tlakem zpravodajských služeb SSSR. V roce 1974 Galina Vishnevskaya a Mstislav Rostropovič opustili Sovětský svaz a v roce 1978 byli zbaveni občanství, čestných titulů a vládních vyznamenání. Ale v roce 1990 byl dekret prezidia Nejvyšší rady zrušen, Galina Pavlovna se vrátila do Ruska, byl jí vrácen čestný titul lidového umělce Sovětského svazu a Leninův řád a stala se čestnou profesorkou na Moskevská konzervatoř. V zahraničí žili Rostropovič a Višněvskaja v USA, poté ve Francii a Velké Británii. Galina Vishnevskaya zpívala na všech největších scénách světa (Covent Garden, Metropolitní opera, Velká opera, La Scala, Mnichovská opera atd.) a vystupovala s nejvýraznějšími mistry světové hudební a divadelní kultury. Zpívala part Mariny v unikátní nahrávce opery "Boris Godunov" (dirigent Herbert von Karajan, sólisté Gyaurov, Talvela, Shpiss, Maslennikov), v roce 1989 zpívala stejný part ve stejnojmenném filmu (režie A Žulavskij, dirigent M. Rostropovič). Mezi nahrávkami pořízenými v období nucené emigrace je kompletní vydání opery S. Prokofjeva „Válka a mír“, pět disků s romancemi ruských skladatelů M. Glinky, A. Dargomyžského, M. Musorgského, A. Borodina a P. Čajkovského. Celý život a dílo Galiny Višněvské byly zaměřeny na pokračování a oslavu největších ruských operních tradic. Po začátku perestrojky, v roce 1990, Galina Vishnevskaya a Mstislav Rostropovič získali občanství. Na počátku 90. let se G. Višněvskaja vrátila do Ruska a stala se čestnou profesorkou Moskevské konzervatoře. Svůj život popsala v knize "Galina" (vydaná v angličtině v roce 1984, v ruštině - 1991). Galina Vishnevskaya je čestnou doktorkou řady univerzit, řadu let pracuje s kreativní mládeží, vede mistrovské kurzy po celém světě a působí jako členka porot významných mezinárodních soutěží. V roce 2002 bylo v Moskvě otevřeno Centrum operního zpěvu Galiny Višněvské, o jehož vytvoření velký zpěvák dlouho snil. V centru předávala své nasbírané zkušenosti a jedinečné znalosti talentovaným mladým zpěvákům, aby mohli důstojně reprezentovat ruskou operní školu na mezinárodní scéně. Misionářský aspekt činnosti Galiny Višněvské zdůrazňují největší federální a regionální média, šéfové divadel a koncertních organizací i široká veřejnost. Galina Vishnevskaya získala nejprestižnější světová ocenění za svůj neocenitelný přínos světu hudební umění, četná vládní ocenění rozdílné země: medaile „Za obranu Leningradu“ (1943), Leninův řád (1971), Diamantová medaile města Paříže (1977), Řád „Za zásluhy o vlast“ III. stupně (1996), II. stupně (2006) . Galina Vishnevskaya - Grand-důstojník Řádu literatury a umění (Francie, 1982), rytíř Řádu čestné legie (Francie, 1983), čestný občan města Kronštadt (1996).

Joyce DiDonato je slavná americká operní pěvkyně, mezzosopranistka. Je považována za jednu z předních mezzosopranistek naší doby a za nejlepší interpretku děl Gioachina Rossiniho. Joyce DiDonato (rozená Joyce Flaherty) se narodila 13. února 1969 v Prier Village, Kansas, USA, do rodiny s irskými kořeny, jako šesté ze sedmi dětí. Její otec byl ředitelem místního chrámového sboru, Joyce v něm zpívala a snila o tom, že se stane broadwayskou hvězdou. V roce 1988 nastoupila na Wichita University Státní univerzita, kde jsem studoval zpěv. Po univerzitě se Joyce DiDonato rozhodla pokračovat ve svém hudebním vzdělání a v roce 1992 vstoupila na Akademii vokálních umění ve Philadelphii. Po akademii se několik let účastnila vzdělávacích programů „Young Artist“ v různých operních souborech: v roce 1995 - v Santa Fe Opera, kde získala hudební praxi a debutovala na velké scéně, ale zatím v moll. role v operách "Figarova svatba" od W.A.Mozarta, "Salome" od R. Strausse, "Hraběnka Maritza" od I. Kalmana; od roku 1996 do roku 1998 - v Houston Grand Opera a byl uznán jako nejlepší "začínající umělec"; v létě 1997 - v opeře v San Franciscu v tréninkovém programu Merola Opera. Během studií a počáteční praxe se Joyce DiDonato zúčastnila několika slavných vokálních soutěží. V roce 1996 se umístila na druhém místě v soutěži Eleanor McCollum v Houstonu a vyhrála okresní konkurzy Metropolitan Opera Competition. V roce 1997 vyhrála cenu Williama Sullivana. V roce 1998 obsadila druhé místo v soutěži Placido Domingo Operalia v Hamburku a první místo v soutěži George Londona. V následujících letech získala mnoho dalších různých cen a ocenění. Joyce DiDonato zahájila svou profesionální kariéru v roce 1998 vystupováním s několika regionálními operními společnostmi ve Spojených státech, zejména s Houston Grand Opera. A do povědomí širokého publika se dostala díky vystoupení v televizní světové premiéře opery Marka Adama „Little Woman“. V sezóně 2000-2001. DiDonato si odbyla svůj evropský debut a začala přímo z La Scaly jako Angelina v Rossiniho Popelce. V následující sezóně rozšířila své povědomí o evropské publikum, když vystoupila v Nizozemské opeře jako Sestra v Händelově Juliu Caesarovi, v Pařížské opeře jako Rosina v Rossiniho Lazebníkovi sevillském a v Bavorské státní opeře jako Cherubino v Mazartově Figarově svatbě. a v koncertních programech "Glory" od Vivaldiho s Riccardem Mutim a orchestrem La Scala a "Dream of letní noc"F. Mendelssohn v Paříži. Ve stejné sezóně se její debut konal ve Spojených státech ve Washingtonské státní opeře v roli Dorabelly ve filmu "Toto dělají všechny ženy" od W. A. ​​​​Mozarta. V tuto chvíli Joyce DiDonato se již stala skutečnou operní hvězdou se světovou slávou, milovanou publikem a oceňovanou tiskem, její další kariéra jen rozšířila její cestovní geografii a otevřela dveře nových operních domů a festivalů - Covent Garden (2002), Metropolitní opera (2005 ), Opera Bastille (2002), Královské divadlo v Madridu, Novém národním divadle v Tokiu, Vídeňské státní opeře atd. Joyce DiDonato shromáždila bohatou sbírku nejrůznějších hudebních ocenění a cen. Jak poznamenávají kritici, je to možná jedna z nejúspěšnějších a nejúspěšnějších kariér v moderním operním světě. A ani nehoda, ke které došlo na jevišti Covent Garden 7. července 2009 při představení Lazebník sevillský, kdy Joyce DiDonato na jevišti uklouzla a zlomila si nohu, nepřerušila toto představení, které dokončila o berlích, popř. následná plánovaná představení.která k velké radosti diváků předváděla z invalidního vozíku. Tato "legendární" událost byla zachycena na DVD. Joyce DiDonato zahájila uplynulou sezónu 2010-2011 Salcburským festivalem a debutem jako Adalgiz v Belinniho „Normě“ s Editou Gruberovou jako Normou, poté koncertním programem na festivalu v Edinburghu. Na podzim v Berlíně ztvárnila roli Rosiny v Lazebníkovi sevillském a v Madridu jako Octaviana v Rosenkavalier. Rok skončil dalším oceněním, prvním od Německé nahrávací akademie "Echo Klassik", která pojmenovala Joyce DiDonato " Nejlepší zpěvák 2010". Další dvě ceny najednou od anglického časopisu o vážné hudbě „Gramophone", který ji označil za „Nejlepšího umělce roku“ a její disk s Rossiniho áriemi zvolil jako nejlepší „Recitál roku“. Pokračování sezóny v USA vystoupila v Houstonu a poté s recitálem v Carnegie Hall Metropolitní opera ji přivítala ve dvou rolích - page Isolier v Rossiniho Hrabě Ory a skladatelka v R. Straussově Ariadně na Naxu Sezonu absolvovala v r. Evropa s turné v Baden-Badenu, Paříži, Londýně a Valencii. Web zpěvačky představuje nabitý program jejích budoucích vystoupení, tento seznam obsahuje asi čtyřicet vystoupení v Evropě a Americe jen za první polovinu roku 2012. Joyce DiDonato je nyní vdaná italskému dirigentovi Leonardu Vordonimu, s nímž žije v Kansas City, Missouri, USA Joyce nadále používá příjmení svého prvního manžela, za kterého se provdala hned po vysoké škole.

Maria Nikolaevna Kuzněcovová je ruská operní pěvkyně (sopranistka) a tanečnice, jedna z nej slavných zpěváků předrevoluční Rusko. Přední sólista Mariinského divadla, účastník ruských sezón Sergeje Ďagileva. Spolupracovala s N.A. Rimským-Korsakovem, Richardem Straussem, Julesem Massenetem a zpívala s Fjodorem Chaliapinem a Leonidem Sobinovem. Po odchodu z Ruska po roce 1917 pokračovala v úspěšném vystoupení v zahraničí. Maria Nikolaevna Kuzněcovová se narodila v roce 1880 v Oděse. Maria vyrůstala v tvůrčí a intelektuální atmosféře, její otec Nikolaj Kuzněcov byl umělec a její matka pocházela z rodiny Mečnikovů, Mariini strýci byli biolog nositel Nobelovy ceny za literaturu Ilja Mečnikov a sociolog Lev Mečnikov. Dům Kuzněcovských navštívil Petr Iljič Čajkovskij, který upozornil na talent budoucí zpěvačky a složil pro ni dětské písně.Maria od dětství snila o tom, že se stane herečkou. Rodiče ji poslali na gymnázium do Švýcarska, po návratu do Ruska studovala balet v Petrohradě, ale tanec opustila a začala studovat zpěv u italského učitele Martyho, později u barytonisty a jejího jevištního partnera I. V. Tartakova. Všichni zaznamenali její čistý krásný lyrický soprán, znatelný talent jako herečka a ženská krása. Igor Fedorovič Stravinskij ji popsal jako „...dramatický soprán, který lze vidět a poslouchat se stejnou chutí“. V roce 1904 debutovala Maria Kuzněcovová na jevišti Petrohradské konzervatoře v roli Taťány v P.I. Čajkovského "Eugene Oněgin", na scéně Mariinského divadla - v roce 1905 v roli Margarity ve "Faustovi" Charlese Gounoda. ". S krátkou přestávkou zůstala Kuzněcovová sólistkou Mariinského divadla až do revoluce v roce 1917. V roce 1905 vyšly v Petrohradě dvě gramofonové desky se záznamy jejích vystoupení a celkem za svou tvůrčí dráhu pořídila 36 nahrávek. Jednoho dne, v roce 1905, krátce po debutu Kuzněcovové v Mariinském, během jejího představení v divadle, vypukla hádka mezi studenty a důstojníky, situace v zemi byla revoluční a v divadle začala panika. Maria Kuzněcovová přerušila árii Elsy z „Lohengrina“ R. Wagnera a v klidu zazpívala ruskou hymnu „Bůh ochraňuj cara“, výtržníci byli nuceni hádku zastavit a publikum se uklidnilo, představení pokračovalo. Prvním manželem Marie Kuzněcovové byl Albert Albertovič Benois ze slavné dynastie ruští architekti, umělci, historici Benois. Na vrcholu své kariéry byla Maria známá pod dvojitým příjmením Kuznetsova-Benoit. Ve svém druhém manželství byla Maria Kuzněcovová provdána za továrníka Bogdanova, ve třetím za bankéře a průmyslníka Alfreda Masseneta, synovce slavný skladatel Julia Massenetová. Během své kariéry se Kuzněcovová-Benoisová zúčastnila mnoha evropských operních premiér, včetně role Fevronie v The Tale of neviditelné město Kitezh and the Maiden Fevronia" N. Rimského-Korsakova a Kleopatra ze stejnojmenné opery J. Masseneta, kterou skladatel napsal speciálně pro ni. A také na ruské scéně poprvé uvedla role Vogdoliny. v "Das Rheingold" R. Wagnera, Cio-Cio-san v "Madama Butterfly" G. Pucciniho a mnoha dalších. S operním souborem Mariinského divadla procestovala města Ruska, Francie, Velké Británie, Německa, Itálie, USA a další země.Mezi její nejlepší role: Antonida ("Život pro cara" od M. Glinky), Ljudmila ("Ruslan a Ludmila" od M. Glinky), Olga ("Rusalka" od A. Dargomyžského), Máša ("Dubrovský" od E. Napravnika), Oksana ("Čerevički" od P. Čajkovského), Taťána ("Eugene Oněgin" od P. .Čajkovského), Kupava ("Sněhurka" od N. Rimského-Korsakova), Julie („Romeo a Julie“ od C. Gounoda), Carmen („Carmen“ od J. Bizeta), Manon Lescaut („Manon“ od J. Masseneta), Violetta („La Traviata“ od G. Verdiho), Elsa ( "Lohengrin" od R. Wagnera) atd. V roce 1914 Kuzněcovová dočasně opustila Mariinského divadlo a spolu s Ruským baletem Sergeje Ďaghileva vystupovala v Paříži a Londýně jako baletka a jejich představení také částečně sponzorovala. Tančila v baletu „Legenda o Josefovi“ od Richarda Strausse, balet připravily hvězdy své doby – skladatel a dirigent Richard Strauss, režisér Sergej Diaghilev, choreograf Michail Fokin, kostýmy a kulisy Lev Bakst, přední tanečník Leonid Massine . Byla to důležitá role a dobrá společnost, ale od samého začátku se inscenace potýkala s jistými potížemi: ​​na zkoušky bylo málo času, Strauss měl špatnou náladu, protože účast odmítly pozvané baletky Ida Rubinstein a Lidia Sokolová a Strauss také nerad spolupracoval s francouzskými hudebníky a neustále se hádal s orchestrem a Diaghilev se stále obával odchodu tanečníka Václava Nižinského ze souboru. Navzdory problémům v zákulisí balet úspěšně debutoval v Londýně a Paříži. Kromě toho, že si Kuzněcovová vyzkoušela balet, uskutečnila několik operních představení, včetně Borodinovy ​​inscenace Prince Igor v Londýně. Po revoluci v roce 1918 odešla Maria Kuzněcovová z Ruska, jak se na herečku sluší, udělala to dramaticky krásně - v šatech palubního chlapce se ukryla na podpalubí lodi plující do Švédska. Stala se operní pěvkyní ve Stockholmské opeře, poté v Kodani a poté v Royal Opera House v Covent Garden v Londýně. Celou tu dobu neustále přijížděla do Paříže a v roce 1921 se konečně usadila v Paříži, která se stala jejím druhým tvůrčím domovem. Ve 20. letech Kuzněcovová pořádala soukromé koncerty, kde zpívala ruské, francouzské, španělské a cikánské písně, romance a opery. Na těchto koncertech často tančila španělské lidové tance a flamenco. Některé její koncerty byly charitativní na pomoc potřebné ruské emigraci. Stala se hvězdou pařížské opery, přijetí v jejím salonu bylo považováno za velkou poctu. V její chodbě se tísnila „barva společnosti“, ministři a průmyslníci. Kromě soukromých koncertů často působila jako sólistka mnoha operních domů v Evropě, včetně Covent Garden a Pařížské opery a Opéra Comique. V roce 1927 zorganizovala Maria Kuzněcovová s princem Alexejem Ceretelim a barytonistou Michailem Karakashem soukromou společnost „Ruská opera“ v Paříži, kam pozvali mnoho ruských operních pěvců, kteří opustili Rusko. "Ruská opera" nastudovala "Sadko", "Příběh cara Saltana", "Příběh neviditelného města Kitezh a panny Fevronie", "Sorochinskaya Fair" a další opery a balety ruských skladatelů a hrála se v Londýně, Paříži , Barcelona, ​​​​Madrid, Milán a ve vzdáleném Buenos Aires. „Ruská opera“ existovala až do roku 1933, poté začala Maria Kuzněcovová hrát méně představení. Maria Kuzněcovová zemřela 25. dubna 1966 v Paříži ve Francii.

Elena Vasilievna Obrazcovová je sovětská a ruská operní pěvkyně, mezzosopranistka. Lidový umělec SSSR, laureát Leninova cena, Hrdina socialistické práce. Jeden ze slavných zpěváků naší doby. Elena Vasilievna Obrazcovová se narodila 7. července 1939 v Leningradu. Během Velké vlastenecké války byla ona a její rodina evakuována z Leningradu do Ustyuzhna. Hudba byla nedílnou součástí Elenina dětství; její otec, povoláním inženýr, měl krásný baryton a také dobře hrál na housle - na hudební večery doma si vždy vzpomene. V letech 1948-1954 zpívala v dětském sboru Leningradského paláce pionýrů. A.A. Ždanov (ředitel sboru - M.F. Zarinskaya). V letech 1954-1957, kvůli oficiálnímu převodu jejího otce, žila rodina v Taganrogu, kde Elena studovala na P.I. Music School. Čajkovskij s učitelkou Annou Timofeevnou Kulikovou. Na reportážním koncertu v hudební škole Obraztsovou slyšel ředitel Rostovské hudební školy M.A. Mankovskou a na její doporučení v roce 1957 byla Elena přijata do školy ihned do 2. ročníku. O rok později, v srpnu 1958, po úspěšném konkurzu vstoupila do přípravné oddělení LGK im. NA. Rimskij-Korsakov. V roce 1962 vyhrála první cenu na All-Union Vocal Competition. M.I. Glinka a zlatou medaili za Světový festival mládeže a studentů v Helsinkách. 17. prosince 1963, jako studentka konzervatoře, debutovala E. Obrazcovová na scéně Velkého divadla jako Marina Mnishek v opeře M. P. Musorgského „Boris Godunov“. V roce 1964 absolvovala Leningradskou státní konzervatoř jako externistka. NA. Rimsky-Korsakov, třída profesora A.A. Grigorieva (operní třída A.N. Kireeva). Předsedkyně promoční komise Sofya Petrovna Preobrazhenskaya udělila Eleně Obraztsové 5 plus - známku, která nebyla na Leningradské konzervatoři udělena asi 40 let. Ve stejném roce se stala stálou sólistkou Velkého divadla. Příroda velkoryse obdarovala Elenu Obraztsovou. Má hlas vzácné krásy témbrové, sametový, varhanní bohatost zvuku, jasný jevištní vzhled, dává jejím operním hrdinkám vzácný umělecký reliéf a expresivitu, talent skutečné dramatické herečky. V roce 1964 vystoupila Elena Obraztsova v rámci souboru Velkého divadla na jevišti La Scaly jako Marfa v opeře Chovanshchina a jako Marie v opeře Vojna a mír. Vystoupení Obraztsové v Itálii měla velký úspěch a v roce 1977 byla pozvána na zahájení jubilejní 200. sezóny v La Scale v roli princezny Eboli v opeře Don Carlos G. Verdiho. V roce 1975 se Elena Obraztsova vydala na turné s Velkým divadlem do USA. Během hry „Boris Godunov“ byla Obrazcovová, která ztvárnila roli Mariny Mnishek, pětkrát povolána na jeviště nadšenými diváky a představení muselo být zastaveno. Triumf Eleny Obraztsové v USA z ní nakonec udělalo světovou operní hvězdu. O několik měsíců později vystoupila Elena Obraztsova v Trovatore, představení, které zahájilo sezónu opery v San Franciscu, jejími partnery byli Luciano Pavarotti a Joan Sutherland. V roce 1976 způsobila Obrazcovová, již jako hostující sólistka Metropolitní opery, senzaci výkonem role Amneris ve Verdiho Aidě. V roce 1977 vystupovala Obrazcovová jako Dalila v Metropolitanu. Thor Eckert, kritik New York Times, pak napsal: „Pochybuji, že jsme vy i já slyšeli Delilah, která tak snadno zvládla dvě a půl oktávy – Obrazcovová hraje tuto nejtěžší část bez stínu napětí.“ Franco Zeffirelli byl pozván, aby hrál roli Santuzziho ve filmu "Rural Honor" (1982). „V mém životě,“ napsal Zeffirelli, „byly tři šoky: Anna Magnani, Maria Callas a Elena Obraztsova, které vytvořily zázrak během natáčení filmu „Rural Honor“. Repertoár Eleny Obrazcovové zahrnuje celkem 86 rolí v operách ruského i zahraničního klasického repertoáru i v operách skladatelů 20. století; mnohé z jejích rolí se staly žijícími klasiky moderní operní scény: Marina Mnishek (Boris Godunov , 1963), Guvernantka, Polina, Milovzor (1964), Hraběnka (1965, "Piková dáma"), Ljubaša ("Carova nevěsta", 1967), Končakovna ("Princ Igor", 1968), Marfa (" Khovanshchina", 1968). Lyubava ("Sadko", 1979), Amneris ("Aida", 1965), Azucena ("Troubadour", 1972), Eboli ("Don Carlos", 1973), Santuzza ("Rural Honor", 1977), Ulrika (" Maškarní ples“, 1977), Princezna de Bouillon („Adrienne Lecouvreur“, 1977), Adalgiza („Norma“, 1979), Giovanna Seymour („Anne Boleyn“, 1982), Orpheus („Orfeus a Eurydice“, 1984), Neris ("Medea", 1989), Leonora ("Oblíbená", 1992), vévodkyně ("sestra Angelica", 1992), Carmen ("Carmen", 1972), Charlotte ("Werther", 1974), Delilah (" Samson a Dalila", 1974), Herodias ("Herodias", 1990), Oberon ("Sen noci svatojánské" od B. Brittena, 1965), Zhenya Komelková ("Tady jsou úsvity tiché" od K. Molčanova, 1975) , Judith („Zámek vévody Modrovousa“ od B. Bartóka, 1978), Jocasta („Oidipus Rex“ od I. Stravinského, 1980), Eudosia („Plamen“ od O. Respighiho, 1990); S. Prokofjevová: Frošja („Semjon Kotko“, 1970), princezna Marya (1964), Helena Bezukhova (1971), Akhrosimova (2000, „Válka a mír“), Babulenka („Hráč“, 1996), hrabě Orlovský ( "Netopýr", 2003) a další. Kromě operních rolí se Elena Obraztsova věnuje koncertní činnosti v Rusku a po celém světě. Repertoár jejích sólových koncertů zahrnuje hudbu více než 100 ruských a zahraničních skladatelů: M.I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. Musorgskij, P. I. Čajkovskij, S. V. Rachmaninov, S. S. Prokofjev, G. F. Händel, W. A. ​​Mozart, L. Beethoven, R. Schumann, R. Strauss, R. Wagner, J. Brahms, C. Weill, G. Mahler, G. Donizetti, G Verdi, G. Puccini, P. Mascagni, J. Bizet, J. Massenet, C. Saint-Saens a další, stejně jako ruské písně a staré romance. Podílela se na provedení oratorií, kantát, mší a děl ruské duchovní hudby. Jazzové kompozice přidaly k jejímu talentu nové světlé doteky. V roce 1986 debutovala jako režisérka nastudováním opery J. Masseneta Werther ve Velkém divadle. Zpěvačka hrála v televizních hudebních filmech „The Merry Widow“, „My Carmen“, „Rural Honor“ a „Tosca“ atd. Od roku 1973 do roku 1994 učila Elena Obraztsova na Moskevské státní konzervatoři Čajkovského. Od roku 1984 - profesor. Od roku 1992 vyučuje na Tokijské hudební akademii „Musashino“; vede mistrovské kurzy v Evropě a Japonsku na Akademii mladých operních pěvců v Mariinském divadle v Petrohradě. Byla a je členkou porot mnoha mezinárodních soutěží, včetně Mezinárodní soutěže pojmenované po P.I. Čajkovského v Moskvě, Mezinárodní vokální soutěž v Marseille, Mezinárodní soutěž pojmenovaná po N.A. Rimského-Korsakova v Petrohradě, Mezinárodní soutěž Ferruccia Tagliaviniho v Deutschlandsbergu, Mezinárodní soutěž operního zpěvu Montserrat Caballe. V září 1999 se v Petrohradě konala 1. mezinárodní soutěž Eleny Obraztsové pro mladé operní pěvce a v roce 2011 8. soutěž. Elena Exemplary natočila více než 50 disků, včetně oper, oratorií, kantát, sólových disků s komorními a operní hudba. V posledních letech byly vydány „živé nahrávky“, které mají zvláštní hodnotu. Od června 2007 do října 2008 působila jako umělecká ředitelka Michajlovského divadla (dříve Musorgského divadlo opery a baletu v Petrohradu). Nyní v Petrohradě provozuje kulturní centrum pojmenované po ní, kde pracuje s mladými umělci. 24. října 1981 byla objevena planetka č. 4623, která dostala jméno „Obraztsova“.

Salomea Amvrosievna Krushelnitskaya je slavná ukrajinská operní pěvkyně (soprán), učitelka. Během svého života byla Salome Krushelnitskaya uznávána jako vynikající zpěvačka na světě. Měla hlas mimořádné síly a krásy s širokým rozsahem (asi tři oktávy s volným středním rejstříkem), hudební paměť (mohla se naučit operní části za dva nebo tři dny), s brilantním dramatickým talentem. Repertoár zpěváka zahrnoval přes 60 různých rolí. Mezi její četná ocenění a vyznamenání patří zejména titul „wagnerovská primadona dvacátého století“. Italský skladatel Giacomo Puccini věnoval zpěvákovi svůj portrét s nápisem „krásný a okouzlující motýl“. Salome Krušelnitskaja se narodila 23. září 1872 ve vesnici Belyavintsi, nyní Buchatský okres Ternopilské oblasti, v rodině kněze. Pochází ze vznešené a starobylé ukrajinské rodiny. Od roku 1873 se rodina několikrát stěhovala, v roce 1878 se přestěhovala do vesnice Belaya u Ternopilu, odkud už nikdy neodešla. Začal zpívat s mládí. Salome jako dítě znala spoustu lidových písní, které se naučila přímo od rolníků. Základy hudební průpravy získala na ternopilském gymnáziu, kde skládala zkoušky jako externistka. Zde se sblížila s hudebním kroužkem středoškoláků, jehož členem byl - později i Denis Sichinsky slavný skladatel, první na Západní Ukrajina profesionální hudebník. V roce 1883 se na koncertě Ševčenka v Ternopilu konalo první veřejné představení Salome, zpívala ve sboru Ruské konverzační společnosti. V Ternopilu se Salome Krushelnitskaya poprvé seznámila s divadlem. Čas od času zde vystupovalo lvovské divadlo společnosti Russian Conversation society. V roce 1891 vstoupila Salome na konzervatoř ve Lvově. Na konzervatoři byl jejím učitelem tehdy slavný profesor ve Lvově Valerij Vysockij, který vychoval celou plejádu slavných ukrajinských a polských zpěváků. Během studií na konzervatoři se uskutečnilo její první sólové vystoupení, 13. dubna 1892 zpěvačka ztvárnila hlavní roli v oratoriu G. F. Händela „Mesiáš“. První operní debut Salome Krušelnitské se konal 15. dubna 1893, ztvárnila roli Leonory ve hře italský skladatel G. Donizetti "Oblíbený" na scéně Městského divadla ve Lvově. V roce 1893 Krušelnitskaja absolvovala konzervatoř ve Lvově. V absolventském diplomu Salome bylo napsáno: „Tento diplom dostává Panna Salome Krushelnitskaya jako certifikát výtvarná výchova , získala příkladnou pílí a mimořádným úspěchem zejména na veřejné soutěži dne 24. června 1893, za což byla oceněna stříbrnou medailí.“ Ještě během studií na konzervatoři dostala Salome Krushelnitskaya nabídku z opery ve Lvově, ale rozhodla se dále vzdělávat.Bylo to její rozhodnutí ovlivněné slavnou italskou zpěvačkou Gemmou Bellincioni, která v té době byla na turné ve Lvově.Na podzim 1893 odjela Salome studovat do Itálie, kde se stal jejím učitelem profesor Fausta Crespi. Po studiích měla Salome dobrou školu vystupování na koncertech, na kterých zpívala operní árie Ve druhé polovině 90. let 19. století začala její triumfální představení na scénách divadel po celém světě: Itálie, Španělsko, Francie, Portugalsko, Rusko, Polsko , Rakousko, Egypt, Argentina, Chile v operách „Aida“, „Trovatore“ od D. Verdiho, „Faust“ od C. Gounoda, „Hrozný dvůr“ od S. Moniuszka, „Africká žena“ od D. Meyerbeer, „Manon Lescaut“ a „Cio-Cio-San“ od G. Pucciniho, „Carmen“ od J. Bizeta, „Electra“ od R. Strausse, „Eugene Oněgin“ a „Piková dáma“ od P. I. Čajkovského a 17. února 1904 představil Giacomo Puccini v milánském divadle La Scala svou novou operu „Madama Butterfly“. Nikdy předtím si skladatel tak nevěřil na úspěch... ale diváci operu rozhořčeně vypískali. Proslulý maestro se cítil zdrcen. Přátelé přesvědčili Pucciniho, aby přepracoval své dílo a pozval Salome Krushelnitskaya, aby hrála hlavní roli. 29. května se na scéně Grande Theatre v Brescii uskutečnila premiéra aktualizovaného „Madama Butterfly“, tentokrát triumfální. Diváci sedmkrát volali herce a skladatele na jeviště. Po představení, dojatý a vděčný, Puccini poslal Krushelnitské svůj portrét s nápisem: „Nejkrásnějšímu a nejpůvabnějšímu motýlovi“. V roce 1910 se S. Krushelnitskaya provdala za starostu města Viareggio (Itálie) a právníka Cesare Riccioniho, který byl subtilním znalcem hudby a erudovaným aristokratem. Vzali se v jednom z chrámů v Buenos Aires. Po svatbě se Cesare a Salome usadili ve Viareggiu, kde Salome koupila vilu, kterou pojmenovala „Salome“ a pokračovala v turné. V roce 1920 opustila Krušelnitskaja operní scénu za zenitem slávy a naposledy vystoupila v Neapolském divadle ve svých oblíbených operách Lorelei a Lohengrin. Zbytek svého života zasvětila komorní koncertní činnosti, zpívala písně v 8 jazycích. Procestovala Evropu a Ameriku. Všechny ty roky až do roku 1923 neustále přicházela do své vlasti a vystupovala ve Lvově, Ternopilu a dalších městech Galicie. S mnoha osobnostmi západní Ukrajiny ji spojovaly silné přátelské vazby. Zvláštní místo v tvůrčí činnosti zpěváka zaujímaly koncerty věnované památce T. Shevchenka a I. Ya Franka. V roce 1929 se v Římě konal poslední zájezdový koncert S. Krušelnitské. V roce 1938 zemřel manžel Krušelnitské Cesare Riccioni. V srpnu 1939 navštívil zpěvák Galicii a kvůli vypuknutí druhé světové války se nemohl vrátit do Itálie. Během německé okupace Lvova byla S. Krušelnitskaja velmi chudá, a tak dávala soukromé hodiny zpěvu. V poválečném období začala S. Krušelnitskaja pracovat na Lvovské státní konzervatoři pojmenované po N. V. Lysenkovi. Její učitelská kariéra však sotva začala a téměř skončila. Během „personální čistky od nacionalistických živlů“ byla obviněna z toho, že nemá diplom z konzervatoře. Později byl diplom nalezen ve fondech městského historického muzea. Salomeya Amvrosievna, žijící a vyučující v Sovětském svazu, i přes četné výzvy, po dlouhou dobu nemohla získat sovětské občanství a zůstala občankou Itálie. Nakonec se Krušelnitskaja po sepsání žádosti o převod své italské vily a veškerého majetku na sovětský stát stala občankou SSSR. Vila byla okamžitě prodána a majiteli byla kompenzována nepatrná část jejích nákladů. V roce 1951 byla Salome Krushelnitskaya oceněna titulem Ctěná umělkyně ukrajinské SSR a v říjnu 1952, měsíc před svou smrtí, získala Krushelnitskaya titul profesora. 16. listopadu 1952 přestalo bít srdce velkého zpěváka. Byla pohřbena ve Lvově na hřbitově Lychakiv vedle hrobu svého přítele a mentora Ivana Franka. V roce 1993 byla ve Lvově ulice, kde žila v posledních letech svého života, pojmenována po S. Krušelnitské. V bytě zpěvačky bylo otevřeno pamětní muzeum Salome Krušelnitské. Jméno S. Krušelnitskaja dnes nese Lvovská opera, Lvovská hudební střední škola, Ternopilská hudební vysoká škola (kde vycházejí noviny Salome), 8letá škola ve vesnici Belaya, ulice v Kyjevě, Lvov, Ternopil, Buchač (viz ulice Salome Krushelnitskaya). V zrcadlovém sále lvovského divadla opery a baletu je bronzový pomník Salome Krušelnitské. Mnoho uměleckých, hudebních a filmových děl je věnováno životu a dílu Salome Krušelnitské. V roce 1982 natočil režisér O. Fialko ve Filmovém studiu A. Dovženka historický a životopisný film „Návrat motýla“ (podle stejnojmenného románu V. Vrublevské), věnovaný životu a dílu Salome. Krušelnitskaja. Film je založen na skutečných faktech ze života zpěvačky a je strukturován jako její vzpomínky. Roli Salome ztvárnila Gisela Zipola. Roli Salome ve filmu hrála Elena Safonova. Kromě toho vznikly dokumenty, zejména „Salome Krushelnitskaya“ (režie I. Mudrak, Lvov, „Most“, 1994) „Dva životy Salome“ (režie A. Frolov, Kyjev, „Kontakt“, 1997), je připraven televizní program z cyklu "Jména" (2004), dokumentární film "Solo-mea" z cyklu "Hra osudu" (režie V. Obraz, studio VIATEL, 2008). 18. března 2006 na scéně Lvovského národního akademického divadla opery a baletu pojmenovaného po S. Krušelnická měla premiéru baletu „Návrat motýla“ od Miroslava Skoríka, založený na faktech ze života Salome Krušelnické. Balet využívá hudbu Giacoma Pucciniho. V roce 1995 se v Ternopilském regionálním činoherním divadle (nyní akademické divadlo) konala premiéra hry „Salome Krušelnitskaja“ (autor B. Melničchuk, I. Ljachovskij). Od roku 1987 se v Ternopilu koná soutěž Salome Krushelnitskaya. Každoročně se ve Lvově koná mezinárodní soutěž pojmenovaná po Krušelnitské; Tradičními se staly operní festivaly.

Angela Gheorghiu ( rumunsky : Angela Gheorghiu ) je rumunská operní pěvkyně, sopranistka. Jeden z nejslavnějších operních pěvců naší doby. Angela Gheorghiu (Burlacu) se narodila 7. září 1965 v malém městě Adjud v Rumunsku. Od raného dětství bylo zřejmé, že se stane zpěvačkou, hudba byla jejím osudem. Studovala na hudební škole v Bukurešti a absolvovala Národní hudební univerzitu v Bukurešti. Její profesionální operní debut se uskutečnil v roce 1990 jako Mimi v Pucciniho Bohémě v Kluži a v témže roce vyhrála Mezinárodní vokální soutěž Hanse Gabora Belvedere ve Vídni. Ponechala si příjmení Georgiou od svého prvního manžela. Angela Georgiou debutovala na mezinárodní scéně v roce 1992 v Royal Opera House v Covent Garden v La Bohème. Ve stejném roce debutovala v Metropolitní opeře v New Yorku a ve Vídeňské státní opeře. V roce 1994 v Royal Opera House v Covent Garden poprvé ztvárnila roli Violetty v La Traviatě, v tu chvíli se „zrodila hvězda“, Angela Georgiou začala mít neustálý úspěch v operních domech a koncertních sálech v okolí. ve světě: v New Yorku, Londýně, Paříži, Salcburku, Berlíně, Tokiu, Římě, Soulu, Benátkách, Aténách, Monte Carlu, Chicagu, Philadelphii, Sao Paulu, Los Angeles, Lisabonu, Valencii, Palermu, Amsterdamu, Kuala Lumpur, Curychu , Vídeň, Salzburg, Madrid, Barcelona, ​​​​Praha, Montreal, Moskva, Taipei, San Juan, Lublaň. V roce 1994 se seznámila s tenorem Robertem Alagnou, za kterého se v roce 1996 provdala. Svatební obřad se konal na jevišti Metropolitní opery v New Yorku. Pár Alanya-Georgiou byl dlouho nejzářivějším tvůrčím rodinným svazkem na operní scéně, ale nyní jsou rozvedení. Její první exkluzivní nahrávací smlouva byla podepsána v roce 1995 se společností Decca, poté vydala několik alb ročně a nyní má na kontě asi 50 alb, a to jak inscenovaných oper, tak sólových koncertů. Všechny její disky získaly dobré recenze od kritiků a byly oceněny mnoha mezinárodními cenami, včetně ocenění od časopisu Gramophone, německé ceny Echo, francouzské Diapason d’Or a Choc du Monde de la Musique a mnoha dalších. V letech 2001 a 2010 ji britská „Classical BRIT Awards“ dvakrát jmenovala „Nejlepší zpěvačkou roku“. Spektrum rolí Angely Georgiu je velmi široké, miluje především opery Verdiho a Pucciniho. Italský repertoár, snad pro relativní podobnost rumunštiny a italštiny, je pro ni výborný, někteří kritici uvádějí, že francouzská, německá, ruská a anglická opera se hraje slabší. Většina důležité role Angela Georgiou: Bellini "Somnambula" - Amina Bizet "Carmen" - Michaela, Carmen Cilea "Adriana Lecouvreur" - Adriana Lecouvreur Donizetti "Lucia di Lammermoor" - Lucia Donizetti "Lucrezia Borgia" - Lucrezia Borgia Donizetti "Elisir of Love" - ​​​​​Adina Gounod "Faust" - Marguerite Gounod "Romeo a Julie" - Juliet Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Juan" - Zerlina Leoncavallo "Pagliacci" - Nedda Puccini "Swallow" - Magda Puccini "La Boheme" " - Mimi Puccini "Gianni Schicchi" - Loretta Puccini "Tosca" - Tosca Puccini "Turandot" - Liu Verdi Trubadour - Leonora Verdi "La Traviata" - Violetta Verdi "Louise Miller" - Luisa Verdi "Simon Boccanegra" - Maria Angela Gheorghiu pokračuje aktivně vystupovat a je na vrcholu operního Olympu. Budoucí závazky zahrnují různé koncerty v Evropě, Americe a Asii, "Tosca" a "Faust" v Royal Opera House, Covent Garden.

Rita Streich (18. prosince 1920 – 20. března 1987) byla jednou z nejuznávanějších a nejnahrávanějších německých operních pěvkyň 40.–60. let 20. století, sopranistka. Rita Streich se narodila v Barnaul v Altajské oblasti v Rusku. Její otec Bruno Streich, desátník v německé armádě, byl zajat na frontách první světové války a byl poslán do Barnaulu, kde se setkal s ruskou dívkou, nastávající matka Známý zpěvák Věra Aleksejevová. 18. prosince 1920 se Vere a Brunovi narodila dcera Margarita Streich. Již brzy Sovětská autorita umožnil německým válečným zajatcům vrátit se domů a Bruno spolu s Verou a Margaritou odjeli do Německa. Rita Streich díky své ruské matce dobře mluvila a zpívala rusky, což bylo pro její kariéru velmi užitečné, zároveň kvůli její „nečisté“ němčině byly zpočátku problémy s fašistickým režimem. Rity byly brzy objeveny hlasové schopnosti, od základní školy byla přední účinkující na školních koncertech, na jednom z nich si jí všimla skvělá německá operní pěvkyně Erna Berger a vzala ji na studia do Berlína. V různých dobách byli mezi jejími učiteli také slavný tenorista Willy Domgraf-Fassbender a sopranistka Maria Ifogyun. Debut Rity Streich na operní scéně se odehrál v roce 1943 ve městě Ossig (Aussig, nyní Ústí nad Labem, Česká republika) rolí Zerbinetty v opeře Richarda Strausse Ariadne auf Naxos. V roce 1946 Rita debutovala v berlínské Státní opeře v hlavním souboru rolí Olympie v Hoffmannových povídkách Jacquese Offebacha. Poté se její jevištní kariéra začala rozjíždět, která trvala až do roku 1974. Rita Streich zůstala v berlínské opeře do roku 1952, poté se přestěhovala do Rakouska a na jevišti strávila téměř dvacet let Vídeňská opera. Zde se vdala a v roce 1956 porodila syna. Rita Streich měla jasný koloraturní soprán a hravě ztvárnila nejsložitější role světového operního repertoáru, říkalo se jí „Německý slavík“ nebo „Vídeňský slavík“. Během své dlouhé kariéry vystupovala Rita Streich v mnoha divadlech po celém světě - měla smlouvy s La Scalou a bavorským rozhlasem v Mnichově, zpívala v Covent Garden, Pařížské opeře, ale i Římě, Benátkách, New Yorku, Chicagu, San Franciscu. Francisco navštívil Japonsko, Austrálii a Nový Zéland a vystoupil na operních festivalech v Salcburku, Bayreuthu a Glyndebourne. Její repertoár zahrnoval téměř všechny výrazné operní role pro soprán - byla známá jako nejlepší interpretka rolí Královny noci v Mozartově Kouzelné flétně, Annchen ve Weberově Volné střelbě a dalších. V jejím repertoáru byla mimo jiné díla ruských skladatelů, která uvedla v ruštině. Byla také považována za vynikající interpretku operetního repertoáru a lidových písní a romancí. Pracovala s nejlepší orchestry a dirigentů v Evropě, natočil 65 významných desek. Po ukončení své kariéry byla Rita Streich od roku 1974 profesorkou na Hudební akademii ve Vídni, vyučovala na hudební škole v Essenu, vedla mistrovské kurzy a vedla Centrum pro rozvoj lyrického umění v Nice. Rita Streich zemřela 20. března 1987 ve Vídni a byla pohřbena na starém městském hřbitově vedle svého otce Bruna Streicha a matky Very Alekseevy.

Teatro Massimo ( italsky : Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele ) je operní dům v Palermu , Itálie . Divadlo je pojmenováno po králi Viktoru Emanuelovi II. V překladu z italštiny znamená Massimo největší, největší - architektonický komplex divadla je největší mezi budovami opery v Itálii a jeden z největších v Evropě. V Palermu, druhém největším městě jižní Itálie, se dlouho mluví o tom, že je ve městě potřeba budova opery. V roce 1864 vyhlásil starosta Palerma Antonio Rudini mezinárodní soutěž na stavbu velkého operního domu, který měl zkrášlit vzhled města a pozvednout image města ve světle nedávné národní jednoty Itálie. V roce 1968 byl na základě soutěže vybrán slavný architekt na Sicílii Giovanni Battista Filippo Basile. Místo, kde se nacházel kostel a klášter San Giuliano, bylo identifikováno pro nové divadlo, které bylo navzdory protestům františkánských jeptišek zbouráno. Podle legendy „Poslední abatyše kláštera“ stále bloudí po sálech divadla a kdo v ni nevěří, vždy při vstupu do divadla zakopne o jeden schod („schod jeptišky“). Stavba byla zahájena slavnostním položením základu 12. ledna 1875, ale postupovala pomalu, s neustálým nedostatkem financí a skandály a byla na osm let zmrazena v roce 1882 a obnovena až v roce 1890. V roce 1891 zemřel architekt Giovanni Basile před otevřením svého projektu, v práci pokračoval jeho syn Ernesto Basile. 16. května 1897, 22 let po zahájení stavby, otevřelo divadlo své brány milovníkům opery, první operou na jeho scéně byla Falstaff Giuseppe Verdiho pod taktovkou Leopolda Mugnona. Giovani Basile byl inspirován starověkou sicilskou architekturou, a proto bylo divadlo postaveno v neoklasicistním stylu přísný styl s prvky starověkých řeckých chrámů. Monumentální schodiště vedoucí do divadla zdobí bronzoví lvi nesoucí na zádech sochy žen – alegorické „Opery“ a „Tragédie“. Stavba je korunována velkou půlkruhovou kupolí. Na vnitřní výzdobě divadla, která je navržena ve stylu pozdní renesance, pracovali Rocco Lentini, Ettore de Maria Begler, Michele Cortegiani, Luigi di Giovanni. Do hlediště vede prostorný vestibul, samotný sál má tvar podkovy, dříve měl 7 pater a byl navržen pro více než 3000 diváků, nyní s pěti patry lóží a galerií pojme 1381 míst. První sezóny byly velmi úspěšné. Díky přednímu podnikateli a senátorovi Ignaziu Floriovi, který divadlo sponzoroval a usiloval o to, aby se Palermo stalo hlavním městem opery, přilákalo město mnoho hostů, včetně korunovaných hlav, kteří divadlo neustále navštěvovali. V divadle vystoupili přední dirigenti a zpěváci, počínaje Enrico Carusem, Giacomem Puccinim, Renatou Tebaldi a mnoha dalšími. V roce 1974 bylo divadlo Massimo uzavřeno kvůli kompletní rekonstrukci, ale kvůli korupčním skandálům a politické nestabilitě se obnova protahovala 23 let. 12. května 1997, čtyři dny předtím stoleté výročí, bylo divadlo znovu otevřeno uvedením 2. symfonie G. Mahlera, ale restaurování ještě nebylo zcela dokončeno a v roce 1998 se uskutečnila první operní inscenace - Verdiho Aida a v roce 1999 byla zahájena pravidelná operní sezóna.

Civic Opera House/Lyric Opera je operní dům v Chicagu, Illinois, USA. Hlediště divadla má 3 563 míst, což z něj dělá druhé největší divadlo na světě, hned po Metropolitní opeře. Divadlo je součástí 45patrové administrativní budovy se dvěma 22patrovými křídly. Budova je nyní ve vlastnictví Lyric Opera of Chicago. Městská opera byla postavena v roce 1929 firmou Graham, Anderson, Probst & White, která postavila řadu budov v centru Chicaga, hlavním architektem byl Alfred Shaw, hlavním stavebním inženýrem Magnus Gunderson. Budova se nachází na hlavní ulici Chicaga - Walker Drive a má dva styly a dvě tváře - od řeky Chicago má vzhled ve stylu příkladného Art Deco, v této době velmi běžného, ​​výhled z ulice s dlouhá řada sloupů, stejně jako interiér tetry byly inspirovány francouzským neoklasicismem, pravděpodobně v napodobování pařížské Opéra Garnier. Bohatě zdobený je i vnitřní prostor a sál, vyniká především „ohnivá“ opona malovaná scénami a postavami z různých oper, ústřední místo zaujímá velkolepý pochod z „Aidy“. Hlavním zákazníkem a finančníkem, který přispěl polovinou nákladů na stavbu, byl chicagský obchodník, filantrop a mecenáš umění Samuel Insull, který byl zpočátku zaměstnancem General Electric Company Thomase Edisona a přišel do Chicaga rozšířit své podnikání. Během několika let se nová Chicago Edison Company (později přejmenovaná a reformovaná) stala největší městskou elektrifikační a energetickou společností a také vlastnila několik dalších velkých společností ve městě. Insull byl ženatý s o mnoho let mladší herečkou, oba milovali umění a divadlo postavil jako dárek své ženě, které bylo odepřeno vystoupení v Metropolitní opeře (ačkoli je to jen fáma, protože jeho žena nebyla zpěvák a netoužil po účinkování v opeře). Myšlenka na spojení opery a maloobchodních a kancelářských prostor byla přijata dodatečný příjem a během přestávek mezi operními sezónami. Výšková budova se dvěma křídly připomíná obří křeslo, proto se jí někdy říká „trůn Insully.“ Slavnostní otevření opery se uskutečnilo 4. listopadu 1929 představením opery „Aida“ Verdiho, v titulní roli byla slavná polská sopranistka Rosa Raisa, opera, kterou si pro premiéru vybral sám Samuel Insull. Velká hospodářská krize, která začala o šest dní dříve, však měla na divadlo negativní dopad, divadlo bylo prázdné a na pokraji přežití, rozpadla se první operní skupina. Sám Insull přišel o většinu svých obchodů, byl stíhán, skrýval se v Evropě, poté byl zproštěn viny a zemřel v Paříži v relativní chudobě. Během 30. a 40. let v divadle sídlilo několik operních souborů, z nichž žádná neměla dlouhého trvání. V roce 1954 si divadlo pronajala Lyric Opera of Chicago, která v roce 1993 budovu přímo koupila. Lyrická opera začala ve velkém měřítku renovační práce. Aktualizováno bylo vše, co bylo potřeba aktualizovat, celková rekonstrukce byla dokončena v roce 1996.

Teatro Carlo Felice je hlavní operní dům v Janově v Itálii. Divadlo se nachází v centru města, nedaleko náměstí Ferrari a je symbolem města.Před divadlem je jezdecký pomník Giuseppe Garibaldiho. Rozhodnutí o výstavbě nového operního domu v Janově padlo v roce 1824, kdy se ukázalo, že stávající městská divadla nevyhovují potřebám města. Nové divadlo muselo obstát na stejné úrovni a konkurovat nejlepším operním domům v Evropě. Byla vyhlášena architektonická soutěž, ve které byl vybrán návrh budovy opery od místního architekta Carla Barbarina, o něco později slavný Milánec Luigi Canonica, který se již podílel na několika velkých projektech - obnova La Scaly, stavba divadla v Miláně, byl dodatečně vyzván k výstavbě jeviště a sálu, Cremona, Brescia atd. Místo vybrané pro divadlo bylo místo bývalého dominikánského kláštera a kostela San Domenico. Tento klášterní komplex, pocházející ze 13. století, byl proslulý svým architektonická vznešenost a drahocenná umělecká díla pro výzdobu interiérů. Někteří tvrdí, že klášter byl „obětován“ divadlu, ale není to pravda. Ještě v době napoleonského „Italského království“ byly v klášteře kasárna a skladiště jeho armády. Areál byl velmi zchátralý a v roce 1821 byl podle plánu přestavby města zcela zbořen a v roce 1824 bylo rozhodnuto o výstavbě divadla. První kámen novostavby byl položen 19. března 1826. Slavnostní otevření se konalo 7. dubna 1828, ačkoli stavba a výzdoba nebyly zcela dokončeny. První operou na jevišti divadla byla „Bianca a Fernando“ od Vincenza Belinniho. Divadlo je pojmenováno po vévodovi Carlo Felice Savojském, vládci Janova. Do pětipatrové haly se vešlo asi 2500 diváků. V následujících letech bylo divadlo několikrát restaurováno, v roce 1852 bylo instalováno plynové osvětlení a v roce 1892 elektrické osvětlení. Téměř čtyřicet let, od roku 1853, trávil Giuseppe Verdi zimy v Janově a mnohokrát inscenoval své opery v Teatro Carlo Felice. V roce 1892, po rekonstrukci na oslavu 400. výročí objevení Ameriky Kryštofem Kolumbem (Janov zpochybňuje právo být považován za Kolumbovu malou vlast), byl Verdi požádán, aby pro tuto událost zkomponoval vhodnou operu a uvedl ji v divadle, ale odmítl s odkazem na svůj pokročilý věk. Teatro Carlo Felice bylo neustále renovováno a zůstalo v dobrém stavu až do druhé světové války. První škody byly způsobeny v roce 1941, kdy byla střecha budovy zničena ostřelováním spojeneckými vojsky a byla vážně poškozena unikátní malba na stropě hlediště. V srpnu 1943 pak po zásahu zápalnou bombou vyhořely zákulisní místnosti, byly zničeny kulisy a šatny, ale požár nepostihl hlavní sál, bohužel tehdy divadlo více trpělo lupiči, kteří ukradli mnoho cenné věci. Nakonec v září 1944 po náletu z divadla zbyly prakticky jen zdi. Narychlo opravené divadlo po celou dobu pokračovalo ve své činnosti a vystupovala v něm i Maria Callas. Plány na zásadní obnovu divadelní budovy začaly v roce 1946. V roce 1951 byl v soutěži vybrán jeden projekt, který však nebyl realizován. Divadlo bylo kvůli špatnému stavu uzavřeno na počátku 60. let 20. století. V roce 1963 byl vypracováním projektu rekonstrukce pověřen slavný architekt Carlo Scarpa, který však práce zdržel a projekt byl hotov až v roce 1977, avšak kvůli nečekané smrti architekta v roce 1978 byl projekt zastaven. Další plán byl přijat v roce 1984 a Aldo Rossi byl vybrán jako hlavní architekt nového divadla, Carlo Felice. Hlavním leitmotivem vývojářů bylo spojení historie a moderny. Stěny starého divadla a fasáda s basreliéfy byly ponechány, stejně jako některé prvky vnitřní výzdoby, které se do nového interiéru vešly, ale z velké části bylo divadlo od základů přestavěno. 7. dubna 1987 byl položen první kámen do základů nového divadla. Za starým divadlem byla přistavěna nová výšková budova, ve které jsou umístěna jeviště, ovládání mobilních plošin, zkušebny a šatny. Samotné hlediště se nachází ve „starém“ divadle, cílem architektů bylo znovu vytvořit atmosféru starého divadelní náměstí, kdy se představení odehrávala na ulici v centru města. Proto byla na stěnách haly vyrobena okna a balkony napodobující vnější stěny budov a strop je posetý „ Hvězdná obloha". 18. října 1991 se konečně zvedla opona na Teatro Carlo Felice, první akcí zahájení sezóny byla opera Giuseppe Verdiho Trubadúr. Teatro Carlo Felice je jedním z největších operních domů v Evropě, kapacita jeho hlavního sálu je 2000 míst.

Teatro Goldoni je jedním z předních a nejstarších operních domů v italských Benátkách. Divadlo pochází z roku 1622, několikrát změnilo svůj název a nachází se v historickém centru Benátek, nedaleko mostu Rialto. Divadlo provozuje a je hlavním jevištěm operní společnosti Teatro Stabile del Veneto. Historicky byla všechna významná benátská divadla ve vlastnictví významných patricijských rodin, například divadla nyní známá jako Teatro Malibran a Teatro San Benedetto vlastnila rodina Grimani, Teatro La Fenice patřila rodině Venier. Spolu se soukromými divadly byla v Benátkách v roce 1637 postavena první veřejná opera na světě San Cassiano. Divadlo, nyní nazývané Goldoni, vlastnila rodina Vendraminových. Divadlo bylo postaveno v roce 1622 a otevřeno komedií Antonia Chiofa.V průběhu své historie divadlo mnohokrát změnilo název, bylo to divadlo Vendramin, San Luca, San Salvatore, Apollo, až v roce 1875 získalo dnešní název po r. dramatik Carl Goldoni. V roce 1652 (po požáru) a v roce 1684 byla budova divadla dvakrát obnovena. V tomto prvním období své existence divadlo uvádělo především opery, ale v 18. století hostilo především činoherní představení. Ve 20. letech 18. století bylo Teatro San Luca přestavěno a přejmenováno na Teatro Apollo. Tato stavba se dochovala dodnes. V roce 1752 mohli majitelé divadla angažovat do čela divadla Carla Goldoniho, který byl v té době považován za nejslavnějšího benátského dramatika. To byla hlavní událost v divadelním životě města a možná i hvězdné období divadla. Sám tehdejší majitel divadla však usiloval o přímou účast na řízení a produkci představení, a proto měl s najatým režisérem složité vztahy a časté spory. Carlo Goldoni opustil divadlo a Benátky v roce 1761 a odešel do Paříže. V devatenáctém století prošlo divadlo mnoha přestavbami a úpravami, mezi ty nejvýznamnější patřila přestavba v roce 1818 pod vedením architekta Giuseppe Borsato, v roce 1826 bylo v divadle instalováno plynové osvětlení, prý první v Itálii, v r. V roce 1833 byl interiér renovován pod vedením designéra Francesca Bagnara. V roce 1875, při oslavě narozenin dramatika, bylo divadlo přejmenováno na Divadlo Carla Goldoniho. Rodina Vendraminů vlastnila divadlo až do roku 1937, kdy se stalo majetkem města. V roce 1957 bylo divadlo uzavřeno z důvodu opotřebení. V roce 1979, po velké rekonstrukci, zrekonstruované divadlo znovu otevřelo své brány. Interiér Goldoniho divadla je typické italské divadlo 18. století, čtyřpatrové, s kapacitou 800 osob, s jevištěm širokým 12 metrů a dlouhým 11 metrů. V současnosti se zde konají činoherní představení, operní inscenace, dětské večírky a další akce pořádané operním souborem Teatro Stabile del Veneto.

Royal Opera House "Covent Garden" je divadlo v Londýně, Velká Británie, sloužící jako místo pro operní a baletní představení, domovská scéna Royal London Opera House a London Royal Ballet. Nachází se v oblasti Covent Garden, od které dostal své jméno. Zpočátku Covent Garden zahrnovala několik nezávislých souborů; spolu s dramatickými, hudebními a baletními představeními se konala cirkusová představení. Do poloviny 18. století hlavní místo na divadelní scéně zaujímal hudební vystoupení, a od roku 1847 se uváděly výhradně opery a balety. Moderní budova divadlo - třetí v řadě umístěné na tomto webu. Byl postaven v roce 1858 a v 90. letech prošel velkou rekonstrukcí. Královská opera má kapacitu 2 268 diváků a skládá se ze čtyř pater. Šířka proscénia je 12,2 m, výška 14,8 m. První divadlo na místě dříve umístěného parku bylo postaveno na přelomu 20. a 30. let 18. století. z iniciativy režiséra a impresária Johna Riche a zahájena 7. prosince 1732 představením na motivy hry Williama Congrevea „Cesta světa“. Herci před představením vstoupili do divadla ve slavnostním průvodu s Richem v náručí. Divadlo Covent Garden bylo téměř století jedním ze dvou londýnských činoherních divadel, protože již v roce 1660 povolil král Karel II. inscenovat dramatická představení pouze ve dvou divadlech (druhým bylo neméně slavné divadlo Drury Lane Theatre). V roce 1734 byl v Covent Garden uveden první balet Pygmalion s Marií Salle v titulní roli, která oproti tradici tančila bez korzetu. Koncem roku 1734 se v Covent Garden začala inscenovat opera – především díla George Friderica Händela, který byl hudebním ředitelem divadla: inscenována byla jeho raná, i když značně přepracovaná opera Věrný pastýř (italsky Il pastor fido). nejprve, pak následoval v lednu 1735 Nová opera"Ariodante" a další. V roce 1743 zde bylo uvedeno Händelovo oratorium „Mesiáš“ a následně se v divadle stalo tradicí provádění oratorií s náboženskou tematikou v postní době. Poprvé zde byly uvedeny opery skladatele Thomase Arna a také opery jeho syna. V roce 1808 bylo první divadlo v Covent Garden zničeno požárem. Nová divadelní budova byla postavena v prvních devíti měsících roku 1809 podle návrhu Roberta Smirka a otevřena 18. září inscenací Macbetha. Vedení divadla zvýšilo ceny vstupenek, aby se náklady na novou budovu vrátily, ale diváci na dva měsíce rušili představení neustálým křikem, tleskáním a pískáním, v důsledku čehož bylo vedení divadla nuceno vrátit ceny na předchozí úroveň. V první polovině 19. století se na scéně Covent Garden střídaly opery, balety, činoherní inscenace za účasti vynikajících tragédií Edmunda Keana a Sarah Siddonsové, pantomima a dokonce i klaunérie (vystupoval zde slavný klaun Joseph Grimaldi). Situace se změnila poté, co se v roce 1846 v důsledku konfliktu v Divadle Jejího Veličenstva – londýnské opeře – přestěhovala významná část jeho souboru v čele s dirigentem Michaelem Costou do Covent Garden; byl rekonstruován sál a 6. dubna 1847 bylo divadlo znovu otevřeno pod názvem Královská italská opera inscenace Rossiniho opery Semiramide. O necelých devět let později, 5. března 1856, však divadlo vyhořelo podruhé. Třetí divadlo Covent Garden bylo postaveno v letech 1857-1858. navrhl Edward Middleton Barry a byl otevřen 15. května 1858 inscenací Meyerbeerovy opery Les Huguenots. Za první světové války bylo divadlo zrekvírováno a využíváno jako skladiště. Za 2. světové války byl v budově divadla taneční sál. V roce 1946 se opera do Covent Garden vrátila: 20. února divadlo otevřelo Čajkovského Šípkovou Růženkou v extravagantní inscenaci Olivera Messela. Zároveň započal vznik operního souboru, pro který by se divadlo v Covent Garden stalo domovskou scénou, 14. ledna 1947 zde Covent Garden Opera Company (budoucí londýnská Královská opera) uvedla Bizetovu operu Carmen.

Opera de Lille (Opéra de Lille, Francie), byla postavena v letech 1907 až 1913. a oficiálně otevřen v roce 1923. V roce 1903 vyhořela stará budova opery v Lille při požáru. Soutěž pro nejlepší projekt Nové divadlo získal architekt Louis-Marie Cordonnier, inspirovaný architekturou Opery Garnier v Paříži a italskými divadly. Budova Opery de Lille byla postavena v neoklasicistním stylu. Na štítu je vyobrazen patron umění Apollo obklopený múzami, sochy vytvořil Hippolyte Lefebvre. Vlevo od skupiny je alegorický obraz Hudba od Amedea Cordoniera a vpravo socha „Tragédie“ od Hectora Lemaire. Vnitřní schodiště je navrženo v opulentním stylu Ludvíka XIV. Obrovská „italská“ hala (jedna z posledních postavených ve Francii) pojme více než 1000 diváků. Na počátku 1. světové války, v červenci 1914, byla dosud nedokončená budova divadla obsazena o německé jednotky. Za čtyři roky okupace se v divadle odehrálo kolem stovky inscenací. Po válce byla budova restaurována a v roce 1923 se zde konala „francouzská premiéra“. V roce 1998 si stav divadla vyžádal nouzové uzavření v polovině sezóny. Rekonstrukce se proměnila v ambiciózní projekt na zlepšení funkčnosti budovy opery. Rekonstrukci provedli architekti Patrice Nerinck a Pierre-Louis Carlier. Tento projekt byl dokončen na konci roku 2003 a v roce 2004 bylo Lille prohlášeno Evropským hlavním městem kultury.

Burjatský státní řád Lenina Akademické divadlo opery a baletu pojmenované po N.A. SSSR G.Ts. Tsydynzhapova - hudební divadlo ve městě Ulan-Ude. Historie divadla. Ve 20. letech 20. století hudební škola a mobil hudební kurzy. V roce 1929 bylo v Ulan-Ude otevřeno hudební a divadelní studio, na jehož základě byla v roce 1931 vytvořena vysoká škola umění. V prvních letech působili skladatelé v hudebním divadle Burjatska: P.M. Berlinsky, M.P. Frolov, V.I. Moroshkin (1909-1942), choreografové: I.A. Moiseev, M.S. Arsenyev, dirigent M.A. Buchbinder, učitelé: T. Glyazer, V. Obydennaya, režie: I. Tumanov, A.V. Mironsky (1899-1955), herec a režisér G.Ts. Tsydynzhapov, umělci: G.L. Kigel, A. Timin a další. V roce 1938 bylo v Burjatském činoherním divadle uvedeno první národní hudební drama P. Berlinského „Bair“ podle textu G. Ts. Tsydynzhapov a A. Shadajev. V roce 1940 drama uvedli ve svém druhém vydání společně B.B. Yampilov. V mnoha národních divadlech SSSR v té době bylo hudební drama přechodným žánrem k opeře. Prezidium Ústředního výkonného výboru Burjatsko-mongolské autonomní sovětské socialistické republiky přijalo 20. prosince 1939 usnesení o reorganizaci nár. činoherní divadlo v hudebním a dramatickém oboru. Do divadelního souboru vstoupili absolventi divadelních a hudebních škol, rozšířil se sbor a orchestr. 20. října 1940 začala v Moskvě První dekáda burjatsko-mongolského umění v Moskvě. Divadlo uvedlo hudební dramata „Bair“ od P. M. Berlinského a „Erzhen“ od V. Morosškina a první burjatskou operu „Enkhe-Bulat Bator“ podle národního eposu. Dekretem prezidia Nejvyššího sovětu SSSR bylo divadlu udělen Leninův řád. Hlavní ředitel divadla G. Tsydynzhapov byl oceněn titulem Lidový umělec SSSR. Během Velké vlastenecké války divadlo vytvořilo několik koncertních týmů. Brigády vystupovaly ve vojenských jednotkách a nemocnicích v Ulan-Ude, Zabajkalsku a na Dálném východě. V zimě 1943 uspořádala koncertní brigáda pod vedením G. Tsydynzhapova více než 60 koncertů v částech Běloruské fronty. V roce 1943 divadlo uvedlo první baletní představení „Bachčisarajská fontána“ od B. Asafieva a operu „Eugene Oněgin“ od P. Čajkovského. V roce 1946 byli někteří mladí umělci posláni studovat do Moskvy, na Leningradskou konzervatoř a na choreografickou školu. A JÁ Vaganová. G. Tsydynzhapov prošel režijní praxí v Moskevském uměleckém divadle. V roce 1948 bylo hudební divadlo odděleno od divadla dramatického. Burjatské divadlo opery a baletu vzniklo na základě hudebního divadla. V roce 1952 byla pro divadlo postavena budova se 718 místy. Autorem projektu stavby je architekt A. Fedorov. Nad centrálním portálem se nachází sousoší „Jezdci“ s rozvinutým praporem, Sochař - A.I. Timin. Slavnostní otevření divadla se konalo 1. května, první představení bylo sehráno 7. listopadu 1952. V roce 1959 se v Moskvě konalo druhé desetiletí burjatského umění. Nastudována byla opera „Twin Cities“ od D. Ayusheeva a balet „Krása Angary“ od L.K. Knipper a B.B. Yampilov, oceněný v roce 1973 Státní cenou RSFSR pojmenovanou po. M. Glinky a balet J. Batueva a V. Maisela „Ve jménu lásky“. Po výsledcích druhé dekády byl titul lidového umělce SSSR udělen L.L. Linhovoin, titul lidového umělce RSFSR - L.P. Sakhjanová, N. Petrová, B. Baldakov. Koncem 50. a začátkem 60. let divadlo uvedlo více než 70 oper a baletů. V roce 1979, po turné v Moskvě a Leningradu, získalo divadlo titul „akademický“. Čestný titul„akademické divadlo“, úspěch v Moskvě, Leningradu a na jihu země v roce 1979 se stal silným podnětem další růst a vylepšení divadla. V 70. - 80. letech 20. století vystupovalo na scéně Burjatského divadla mnoho talentovaných umělců. Jejich nejlepší tvůrčí objevy se staly příspěvkem do historie národního hudebního a divadelního představení. Jedná se o lidové umělce SSSR, operní sólisty L.L. Linhovoin, K.I. Bazarsadajev, D.Ts. Dashiev, lidoví umělci RSFSR S. Radnaev, V. Buruev, L. Levchenko, I. Kuzmina, baletní sólisté - vynikající mistr baletního umění L. Sakhyanova, N.A. RSFSR O. Korotková, A. Pavlenko, V. Ganzhenko, E. Sambueva, Y. Muruev aj. Velkou zásluhu na všech úspěších divadla má šéfdirigent divadla I. Yu. Aizikovich a divadelní režisér D.Sh. Yakhunaev, Ctěný pracovník RSFSR, vystudovaný hudebník, který stál v čele divadla po dvě desetiletí (1965-1986). V 80. letech se mladí operní sólisté G. Shoydagbaeva (nyní Lidová umělkyně SSSR), uznávaní umělci RSFSR - V. Balžinimajev, O. Ajurovová, B. Borojev, V. Tsydypová, stali laureáty různých mezinárodních a ruských soutěží, v 90. letech E. Sharaeva (1995), T. Shoydagbaeva, B. Budaev, D. Zandanov. Inscenace konce 90. let: Balet K. Chačaturjana „Cipollino“ Choreograf G. Mayorov, dirigent M. Baldaev Opera P. Čajkovského „Piková dáma“ (1999). Hudební režisér a dirigent Moiseev, Roman Yuryevich, režie L. Erdenebulgan (Mongolsko). Opereta J. Strausse „Netopýr“. Hudební režisér Roman Moiseev. Režisér a choreograf A. Golyshev Opera C. Gounod „Faust“. Prohlídka Burjatského akademického divadla opery a baletu v Mongolsku (1999). V posledních letech divadlo realizovalo mezinárodní projekty s Mongolskem, USA, Čínou a účastnilo se mezinárodního baletního festivalu v Kyjevě na scéně národní opery. Úspěšné zájezdy v Číně zahrnovaly 26 měst, včetně Pekingu, Šanghaje, Shenyangu, Haikou, Ganzhou a dalších. Baletní soubor důstojně reprezentoval umění Burjatské republiky na prestižních místech v Číně, včetně účasti na mezinárodním festivalu v Dalianu. Prohlídky divadla se v posledních letech konaly v sousedních regionech: Altajské území, Irkutská oblast, Transbajkalské území, Aginskij Burjatský okres. V roce 2007 baletní soubor s velkým úspěchem procestoval Ukrajinu a města Dněpropetrovsk a Doněck. O vysoké profesionální úrovni představení svědčí hodnocení divadelních odborníků i divácké posudky. Tour 2008-2009: Čita, Irkutsk, Angarsk, Shelekhov, Usollye-Sibirskoye, Ulánbátar a Erdenet (Mongolsko). Od 12. do 20. prosince 2009 koncertoval baletní soubor divadla v Tomsku a byla uvedena tato představení: „Labutí jezero“, „Tisíc a jedna noc“, „Giselle“ a dětská hra „Pinocchio“. Říká se "královna zvuků". hudební kritiky Lidová umělkyně SSSR Galina Shoydagbaeva, laureátka Státní ceny Republiky Burjatsko, laureátka tří mezinárodních soutěží, jedinečný, úžasný soprán. Valentina Tsydypova, ctěná umělkyně RSFSR, nejjasnější představitelka moderního vokálního umění, zpívá na jevišti divadla. Sopranistky Marina Korobenkova, Biligma Rinchinova, Tuyana Damdinzhapova vstoupily na svůj tvůrčí vrchol. Divadlo má silnou mezzosopránovou skupinu hlasů: T. Shoydagbaeva, O. Khingeeva, E. Bazarsadaeva, mladá O. Zhigmitova. Objevili se sólisté se silnými mužskými hlasy: B. Gombozhapov, M. Namkhai, B. Dambiev, D. Shagdurov. Mladý kreativní baletní tým se na naší scéně i na turné osvědčil jako nejlepší: B. Tsybiková, V. Mironova, A. Samsonova, B. Dambaev, B. Radnaev, B. Zhambalov. Budova divadla je v současné době v rekonstrukci, jejíž dokončení je plánováno na rok 2011. Navzdory všem potížím tým nadále žije plnohodnotným tvůrčím životem: produkují se premiérová představení, probíhá zkušební proces a konají se zájezdy. Divadelní soubor Operní sólisté: Galina Shoydagbaeva, Valentina Tsydypova, Marina Korobenkova, Biligma Rinchinova, Tuyana Damdinzhapova, Vera Vasilyeva, Ayuna Bazargurueva, Tatyana Shoydagbaeva, Oksana Khingeyeva, Erzhena Bazarhairsadaya B Budanova, Olga Zuzagator Damayeva, Olga ambiev, Sergej Fomenko , Bair Tsydenzhapov, Munkhzul Namkhai, Dorzho Shagdurov, Badma Gombozhapov, Eduard Zhagbaev a další. Sólisté baletu: Bayarma Tsybikova, Veronika Mironova, Anastasia Samsonova, Liya Baldanova, Evgenia Mizhitova, Evgenia Balzhinimaeva, Elena Khishiktueva, Ksenia Fedorova, Bulyt Radnaev, Bair Zhambalov, Bayartov Dambaev, Vladimir Kozhevnikov, Bairlov Dampilyov, Ivansovator a další. Uměleckou vedoucí baletu je Ekaterina Sambueva. Hlavním umělcem je Michail Boloněv. Celkem bylo za více než 70letou historii divadla nastudováno více než 300 představení ruských a světových klasiků a děl burjatských skladatelů. [editovat] Burjatské opery „Na Bajkalu“ od L. K. Knippera (1948, 2. vydání 1958) „Madegmaša“ od S. N. Rjauzova (1949, 2. vydání „Na úpatí Sajanských hor“ v roce 1953) „Twin Cities“ (1958), „Bratři“ (1961) od D. D. Ayusheeva, „U pramenů jara“ (1960), „Epiphany“ (1967), „Báječný poklad“ (1970) od B. B. Yampilova. V roce 1971 byla restaurována opera M. P. Frolova „Enkhe-Bulat Bator“. Burjatské balety „Světlo nad údolím“ od Rjauzova (1956, první burjatský balet) „Ve jménu lásky“ od J. Zh. Batuev a Maisel (1958) „Krása Angary“ od B. B. Yampilova a L. K. Knippera (1959, druhé vydání v roce 1972) „Květiny života“ (1962), „Geser“ (1967), „Dzhangar“ (1971) Zh Zh Batueva „Patetická balada“ B. B. Yampilova (1967) Sovětské opery „Tichý Don“ (1955), „Do bouře“ (1958); „The Gadfly“ od Spadavecchia (1962), „Anna Snegina“ od Kholminova (1967), sovětské balety „The Red Poppy“ (1951); „Shurale“ od Yarullina (1955), „Cesta hromu“ (1964); „Legenda o lásce“ od Melikova (1966), „Spartak“ (1970) a další. Budova divadla je architektonickou památkou spolkového významu. Budova byla postavena v letech 1945 až 1952. Stalinův empírový styl s národními dekorativními prvky. V roce 1934 vypracoval architekt architektonických designových dílen moskevské městské rady A. N. Fedorov projekt Paláce socialistické kultury pro Ulan-Ude. Bylo plánováno vybudování „velkého vědeckého a kulturního komplexu“, který se skládá z koncertního sálu, divadla, knihovny, muzea a výzkumného ústavu. Tento projekt nebyl schválen. Nový projekt hudebně činoherního divadla vypracoval A. N. Fedorov v roce 1936. Stavba začala v roce 1938, ale brzy byla zastavena. Stavba měla být obnovena v roce 1940 nebo 1941, ale kvůli válce se tak nestalo. V roce 1950 zemřel A. N. Fedorov. Od podzimu 1951 se na stavbě divadla podílel architekt V. A. Kalinin. Malby stropu hlediště provedli umělci G. I. Rublev a B. V. Iordansky. Objekt prochází od roku 2006 rekonstrukcí. Dokončení rekonstrukce bylo několikrát odloženo a předpokládá se v květnu 2011. Soutěže Divadlo pořádá Mezinárodní festival baletního umění pojmenovaný po N.A. SSSR Larisa Sakhyanova a N.A. Rusko od Petera Abasheeva.

Voroněžské divadlo státní opery a baletu ušlo ve svém vývoji dlouhou cestu. V září 1931 začalo divadlo fungovat ve Voroněži hudební komedie, pořádaný na bázi komunity profesionálních umělců, v čele s talentovaným organizátorem, režisérem a hercem Lazarem Arkaďjevičem Lazarevem. Na počátku 30. let minulého století byla Voroněž centrem centrální černomořské oblasti, která zahrnovala města, která se později stala regionálními centry: Kursk, Orel, Tambov, Lipetsk. Jedním z hlavních tvůrčích úkolů Voroněžského divadla hudební komedie bylo sloužit pracujícímu lidu černozemské oblasti. Do repertoáru divadla tehdy patřily nejen klasické operety, ale i moderní hudební komedie. Vysoká úroveň účinkujících přispěla k tomu, že představení měla vždy velký úspěch. V roce 1958 se v Moskvě konala tvůrčí zpráva divadla. Byla úspěšná a byla vysoce oceněna publikem i hudební komunitou hlavního města. Během turné navrhl předseda Svazu skladatelů SSSR T.N. Khrennikov reorganizaci divadla hudební komedie na Hudební divadlo. Tento návrh podpořilo ministerstvo kultury a vedení Voroněžské oblasti. Rozhodnutí o reorganizaci divadla hudební komedie na Hudební divadlo padlo v roce 1960. Prvním představením, které znamenalo zrod nového divadla na voroněžské půdě, byla opera P. Čajkovského „Evgen Oněgin“, kterou nastudoval první šéfdirigent divadla V. Timofeev. Premiéra se konala 25. února 1961. Toto datum má divadlo narozeniny. Představení „Labutí jezero“ začalo svou pouť velké umění baletní soubor v čele s talentovanou choreografkou T. Ramonovou. V šedesátých letech v divadle pracovali talentovaní kreativní režiséři, široce známí v zemi: režisér - Lidový umělec Běloruska S.A. Stein, hlavní choreograf - Ctěný umělec Běloruska K.A. Muller, hlavní umělec - Ctěný umělec RSFSR V.L. Tsybin. Období tvůrčího rozvoje mladého souboru je spojeno se jménem lidového umělce RSFSR, laureáta státní ceny Anatolije Alekseeviče Lyudmilina - vynikajícího dirigenta, citlivého pedagoga a talentovaného organizátora. V divadle vytvořil základy klasického operního a baletního repertoáru a opakovaně se obracel k dílům svých současníků. Pod jeho vedením bylo nastudováno více než 10 představení, včetně „Aida“, „Rigoletto“, „La Traviata“ od G. Verdiho, „Carmen“ od G. Bizeta, „Tosca“ a „Cio-Cio-San“ od G. Puccini, „Piková dáma“ od P. Čajkovského, „Démon“ od A. Rubinsteina, „Lud Hydia“ od bulharského skladatele P. Hadzhieva, „Ohnivé roky“ od A. Spadavecchia. V roce 1967 byl na pozici šéfdirigenta pozván lidový umělec SSSR Jaroslav Antonovič Voshchak. Pokračoval v tradicích A. Lyudmilina, z nichž hlavní je vysoká hudební kultura divadla. Jím nastudované opery „Mazeppa“ P. Čajkovského, Trubadúr G. Verdiho a „Ruská žena“ K. Molchanova se staly skutečnými divadelními událostmi, provázela je láska publika a velká pochvala od kritiků. Za Y.A. Voshchaka v roce 1968 bylo Hudební divadlo přejmenováno na Voroněžské státní divadlo opery a baletu. V 70. letech sehráli významnou roli v tvůrčím životě divadla hlavní dirigenti, Ctěný umělec Kazašské SSR I.Z. Ostrovskij a Ctěný umělec Ruské federace V.G. Vasiliev, šéfrežisér, Ctěný umělec Moldavské SSR choreograf G.M. - Ctěný umělec Ruské federace G.G. Malkhasyants, hlavní umělec - N.I. Kotov, hlavní sbormistr, Ctěný umělec Ruské federace L.L. Ditko. V 90. letech přišlo nové vedení: šéfdirigent Ctěný umělec Ruské federace Yu.P. Anisichkin, hlavní režisér, Ctěný umělec Ruské federace A.N. Zykov, hlavní umělec, Ctěný umělec Ruské federace V.G. Kochiashvili. Více než 10 let byla uměleckou ředitelkou baletu lidová umělkyně Ruské federace N. G. Valitova. V roce 1999 vedl sbor laureát mezinárodních soutěží V.K. Kushnikov. Od jeho otevření se na divadelní scéně odehrálo více než 200 představení, včetně celého oblíbeného klasického operního a baletního repertoáru. Od prvních let působení považovalo divadlo za důležitý úkol při formování svého repertoáru organickou kombinaci klasické tradice s moderními trendy v hudebním a divadelním umění. Opera „Dcera Kuby“ K. Listova, „Dcera Kuby“, poprvé nastudovaná na voroněžské scéně, získala uznání celé Unie. Pevnost Brest“ a „Ruská žena“ od K. Molchanova, „Deník Anny Frankové“ od G. Frieda. Velký ohlas zaznamenala inscenace opery „Brestská pevnost“ (režie S. Stein, dirigent G. Orlov, výtvarník V. Tsybin, sbormistr V. Ižogin). Jak hlavní město, tak místní tisk zaznamenaly nejen vokální dovednosti umělců, ale také prvotřídní umění, které umožnilo vytvořit obrazy žijících hrdinů. Představení bylo oceněno Čestným diplomem na celosvazové divadelní soutěži. Divadlo úzce spolupracuje s voroněžskými skladateli. V roce 1971 se konala premiéra baletu „Píseň vítězné lásky“ na hudbu skladatele a divadelního dirigenta M. Nosyreva podle díla I. Turgeněva. Představení bylo vysoce hodnoceno kritikou i diváky a zůstalo na repertoáru více než 10 let (dirigent M. Nosyrev, choreografka D. Aripová, výtvarník B. Knoblock). Ve spolupráci se skladatelem G. Stavoninem vznikla první voroněžská opera „Oleko Dundich“ (1972), kterou T. N. Khrennikov nazval „báječnou událostí v hudebním životě země“, a baletní symfonie „Příběh ruské země“. “ (1982) byly inscenovány. Ke 400. výročí Voroněže a 300. výročí ruského námořnictva v roce 1986 divadlo uvedlo operu G. Stavonina „Vivat, Rusko!“ Dnes má divadlo na repertoáru více než 40 titulů - ruské i zahraniční klasiky, díla našich současníků. V posledních desetiletích působili v divadle, v zemi široce známí, operní a baletní sólisté, kteří si vysloužili uznání svým talentem: operní sólisté Lidoví umělci Ruské federace E. Poimanov, S. Kadantsev, Ctihodní umělci RSFSR F. Sebar, A. Matveeva, L. Kondratenko, E. Světlová, V. Ryzvanovič, Y. Danilova (Lidová umělkyně Burjatska), I. Monastyrnaya, V. Egorov, B. Erofeev, I. Denisov, I. Nepomnyashchiy, G. Kolmakov; sólisté baletu, Lidoví umělci Ruské federace N. Valitova, A. Golovan, M. Leonkina - laureátka mezinárodních baletních soutěží v Moskvě, Paříži, Varně, její jméno bylo uvedeno v knize vydané v USA " Nejlepší interpreti Giselle“, Ctění umělci Ruské federace L. Maslennikovová, S. Kurtosmanová, V. Dragavtsev. Do divadla každoročně přicházejí mladí umělci: absolventi Voroněžské akademie umění a konzervatoří v zemi - do operního souboru, Voroněžské choreografické školy - do baletu, Voroněžské hudební školy pojmenované po Rostropovičovi - do orchestru a sboru divadlo. Zájezdová geografie divadla je rozsáhlá. Umění obyvatel Voroněže bylo oceněno v Německu, Španělsku, České republice, Polsku, Rakousku, Japonsku, Finsku a afrických zemích. V roce 1996 byl balet „Šípková Růženka“ uveden ve 38 městech ve Francii a v letech 1997 a 1999 se vydal na turné do Indie. Od roku 2000 koncertuje Voroněžský balet v Holandsku, Německu a Belgii s představeními „Giselle“, „Louskáček“ a „Šípková Růženka“. V květnu 2005 se baletní soubor zúčastnil Mezinárodního festivalu, věnované kreativitě P.I.Tchaikovsky, který se konal v Německu. V letech 2006 a 2009 divadlo absolvovalo turné po USA a Kanadě, kde uvedlo balety Popelka S. Prokofjeva, Giselle A. Adama a Tisíc a jedna noc F. Amirova. Operní představení„Troubadour“ (dirigent Mieczyslaw Nowakowski (Polsko), režisér A. Zykov), „Othello“ (dirigent Yu. Anisichkin, režisér F. Safarov), „Piková dáma“ (dirigent Yu. Anisichkin, režisér A. Zykov) v 1999 a 2001 byly uvedeny v Nizozemsku. Voroněžské divadlo opery a baletu, jediné v regionu Central Black Earth, vidí svůj úkol v propagaci operního a baletního umění ve všech oblastech regionu, pořádání návštěvních představení a neustálém rozšiřování geografie zájezdů. Operní soubor Voroněžského státního divadla opery a baletu Coloraturní sopranistka Jekatěrina Gavrilova Ctěná umělkyně Ruské federace Ludmila Marčenková Elena Petrichenko laureátka mezinárodní soutěže Elena Povolyaeva Elena Seregina Kristina Panova Oksana Shaposhnikova laureátka sopránové soutěže All-Ruska Kunkova Galina Alexandra Dobrolyubova Galina Maksimenko lidová umělkyně Ruské federace Zoya Mitrof anova Irina Romanovskaya Nina Skrypnikova konzervovaná umělkyně Ruské federace Alexandra Tyrzyu laureátka mezinárodní soutěže Lyudmila Solod Natalia Tyutyuntseva Anastasia Chernovolos Mezzo - sopranistka Tatyana Kibalova laureátka mezinárodní soutěže Yuazlaaureny K. Mezinárodní soutěže Dmitrij Bashkirov Evgeny Belov Alexey Ivanov Ctěný umělec Ruské federace Jurij Kraskov Ctěný umělec Ruské federace Michail Syrov Igor Khodyakov Barytony Ctěný umělec Ruské federace Alexander Anikin Leonid Vorobyov Oleg Guryev Laureát mezinárodních a celoruských soutěží Igor Gornostaev Alex Sergei Meshchery Tyukhinův diplom mezinárodní soutěže Roman Dyudin Bass Nikolay Dyachok Ctěný umělec Ruské federace Alexander Nazarov Ctěný umělec Burjatska Michail Turchanis Ivan Chernyshov Vedoucí operního souboru Nadezhda Kopytina Režiséři Alfred Melukha Sofya Shalagina Help přezdívka režiséra , moderátorka představení, Ctěné dílo kultury Ruské federace Tatyana Kolesnichenko Koncertní mistři, vítěz diplomu Všesvazové soutěže Svetlana Andreeva Victoria Maryanovskaya Anatoly Maltsev

Bez ohledu na to, co říkají fanoušci moderních technologií, filmy nikdy nenahradí divadlo. Muzikály nikdy nebudou tak zábavné a vzrušující jako opera nebo balet. Nejbrilantnější výkon filmového herce se nedá srovnávat s živým výkonem a improvizací divadelního herce.

Ale kromě samotné akce jsou divadla často ohromující už jen pro pohled. Pojďme tedy nejvíce obdivovat krásná divadla mír. No, sníme o tom, že se tam jednou podíváme.

1. Palau de la Música Catalana, Barcelona, ​​​​Španělsko

Velkolepý koncertní sál postavil Luis Domenech i Montaner. Toto divadlo je jediným koncertním sálem na světě s přirozeným světlem. Neuvěřitelná skleněná mozaika, která tvoří kopuli stropu, doslova fascinuje svou barevností.

2. Winter Garden Theatre, Toronto, Kanada

Neuvěřitelná botanická představivost Thomase Lamba vás prostě nenechá dívat se na nic jiného! Ani si neumíme představit, jak lidé sledují představení v tomto divadle. Vsadíme se, že i vy byste se raději dívali na listy, květiny a lucerny visící ze stropu, než abyste sledovali show.

3. Minack Theatre, Cornwall, Anglie

Divadlo je duchovním dítětem amatérky Roweny Cadeové, která jej navrhla na konci své zahrady k vystavení zboží na prodej místním obyvatelům.

4. Velké divadlo Wuxi, Čína

Toto divadlo je jedním z klíčových kulturních projektů v Číně. Stojí dál východní pobrěží jezero a jeho odraz ve vodě vytváří neobvyklý a fascinující pohled. Jeho interiér sice není tak působivý jako interiér předchozích divadel, ale exteriér divadla jednoznačně patří k nejlepším na světě.

5. Gran Teatre del Liceu, Barcelona, ​​​​Španělsko

Tento operní dům existuje od roku 1847. Podobný interiér najdeme v našich operních domech (například Národní opera Ukrajiny), ale fasáda budovy je prostě úžasná!

6. Boston Opera House, Boston, Massachusetts

Jedno z nejslavnějších divadel na světě a jedno z nejpompéznějších, pokud mluvíme o interiéru. Bylo to jedno z prvních v Americe, které promítalo vaudeville a stalo se prvním divadlem, které promítalo filmy.

7. Opera v Guangzhou, Čína

Neuvěřitelné divadlo! Máte pocit, jako byste seděli pod krémovou oblohou s jasnými hvězdami. Chci se doslova zahrabat do měkkosti tohoto interiéru a zůstat tam navždy.

8. Seebühne, Rakousko

Už jste někdy viděli plovoucí divadlo? Úžasný pohled! Zdá se nám, že zde výkony ani nejsou potřeba. Můžete jen přijít a užít si tento nádherný výhled.

9. Gran Teatro La Fenice, Benátky, Itálie

Divadlo, které se nachází v jedné z nejv krásná města svět, není o nic horší než jeho město v kráse. Historie divadla sahá až do roku 1789, kdy bylo nutné vyměnit hlavní operu, která do základů vyhořela.

10. Kodaňská opera, Kodaň, Dánsko

Jen si představte, jaké to je vidět takovou nádheru z jeviště. Zdá se, že veškeré vzrušení by mělo pominout ve chvíli, kdy herec vystoupí před diváka. Je to dechberoucí!

Operní domy zaujímají zvláštní místo mezi všemi architektonickými stavbami. Podle zavedené tradice se architekti při stavbě operních domů snažili nejen vytvořit potřebnou akustiku, ale také budovu vhodným způsobem vyzdobit. Bohaté štuky na fasádě, starožitné sochy a sloupy jsou krásné jako divadelní chodby, jeviště a lóže. Nejlepší operní domy na světě nejsou jen kulturní atrakce, ale také úžasné příklady architektury. Zde je 10 nejlepších.

Velké divadlo začalo svou historii v roce 1776 a v roce 1780 se přestěhovalo do své první budovy, která stála 25 let. Moderní budova se sloupy a bronzovou čtyřkolkou od Pyotra Klodta byla slavnostně otevřena počátkem roku 1825. První představení je „Triumf múz“. Od té doby prošlo divadlo několika rozsáhlými rekonstrukcemi. V roce 2005 bylo divadlo z důvodu rekonstrukce uzavřeno a otevřeno až o 6,5 roku později. Dnes je to jedno z největších divadel v Rusku a jedno z nejvýznamnějších na světě!

Nádherný novorenesanční palác je jedním z nejkrásnějších operních domů na světě. Vytvořil ji maďarský architekt Miklos Ibl a stavba je považována za korunu jeho díla. Před divadlem jsou sochy Franze Liszta a Ference Erkela a samotná budova je zevnitř i zvenčí bohatě zdobena ornamenty, malbami a sochařskými prvky.

V divadelní svět jeho jméno je prostě "The Met", navzdory skutečnosti, že je považováno za téměř nejprestižnější a nejvlivnější operní dům na světě. Na jeho scéně v různých dobách zářili nejlepší světoví interpreti, včetně Placida Dominga, Luciana Pavarottiho, Maria Callas a dokonce i Fjodora Chaliapina. Divadlo začalo malým souborem, který se sešel v roce 1880. Stará budova již neexistuje a v roce 1966 se objevila nová. Je proslulý svou nádhernou akustikou a ohromujícím obrovským závěsem, ručně vyšívaným flitry a pravým hedvábím. Přenosy z tohoto divadla jsou vedeny online přes internet.

To bylo otevřeno v roce 1908 a první opera na nová etapa se stala Verdiho Aidou. K dispozici je téměř 2,5 tisíce míst k sezení a tisíc míst k stání. Před vznikem opery v Sydney byla nejprostornější a sám Maestro Pavarotti ocenil ideální akustiku sálu. Divadlo bylo několikrát přestavováno a modernizováno. Poslední rozsáhlá rekonstrukce skončila v roce 2010.

Nejstarší operní dům v Evropě byl otevřen v roce 1737. Divadlo řídili v různých dobách Gioachino Rossini a Gaetano Donizetti. Budova vyhořela, za války byla bombardována a prošla několika rozsáhlými přestavbami. Právě na tomto jevišti vystupoval mladý Caruso, zesměšňovaný veřejností a poté přísahající, že se již nikdy na jevišti v Neapoli neobjeví. Mnoho slavných Italů zde začalo svou kariéru. operní pěvci, také tato scéna zažila mnoho premiér.

Tento operní dům byl otevřen v roce 1869 inscenací Mozartova Dona Giovanniho. Novorenesanční budovu opery navrhli August Sicard von Sicardsburg a Eduard van der Null. Během bombardování Vídně ve druhé světové válce bylo divadlo těžce poškozeno a chátralo. Teprve v roce 1955 byla obnovena budova a zároveň tradice pořádání výroční plesy. Zajímavostí je, že v Rakousku je poměrně populární metalová skupina Angizia, jejíž všichni členové jsou současní umělci Vídeňské státní opery.

Je těžké si představit operní dům v srdci tropické džungle, zvláště pokud je vymodelován podle těch nejlepších evropská divadla- se štukem, italským mramorem, sametově čalouněným nábytkem. Přesně tak vypadá divadlo Amazonas. Byl otevřen v roce 1896 a ohromil současníky svým nebývalým rozsahem. Pouze kopule budovy zvenčí je pokryta keramickým obkladem ve stejné barvě státní vlajka, což si vyžádalo 36 tisíc dlaždic. Tančila zde Anna Pavlova a zpíval Enrico Caruso. V období, kdy Manaus přišel o obrovské příjmy z výroby gumy, město zažilo úpadek a divadlo bylo uzavřeno. Až o 90 let později, v roce 1990, se dveře divadla opět otevřely.

© instagram.com/sydneyoperahouse/

Dnes, 27. března, je Světový den divadla. I když nepatříte mezi nadšené divadelníky, přesto byste tato velkolepá divadla měli navštívit. Ohromí vás nejen svou architekturou, ale i výzdobou interiéru. A pokud se na představení dostanete i vy, věřte, že nezůstanete lhostejní.

"La Scala"

TOP 5 nejkrásnějších operních domů na světě © instagram.com/teatroallascala/

La Scala je jedním z nejznámějších operních domů na světě. Nachází se v Miláně v Itálii. Název „La Scala“ pochází z názvu místního kostela Santa Maria della Scala, na jehož místě začal v roce 1776 italský architekt Giuseppe Piermarini vztyčovat divadelní budovu. První představení „Uznání Evropy“ Antonia Salieriho v opeře La Scala se konalo v roce 1778. Během druhé světové války byla budova La Scala zcela zničena. Ale díky úsilí inženýrů pod vedením L. Secchiho začalo divadlo v roce 1946 opět fungovat ve své původní podobě.

TOP 5 nejkrásnějších operních domů na světě © instagram.com/teatroallascala/

Výška jevištního roštu je 30 metrů, hloubka je obdobná. Téměř všechny mechanismy kromě světla v tomto divadle jsou manuální a kulisy se mění pomocí složitého systému protizávaží a lanek. Red and Gold Theatre je známé svou vynikající akustikou, která odhaluje skutečné schopnosti zpěváka tak přesně, že vystoupení na pódiu je považováno za zkoušku ohněm.

Vídeňská státní opera

TOP 5 nejkrásnějších operních domů na světě © instagram.com/wienerstaatsoper/

Největší rakouská opera a centrum hudební kultury v Rakousku. Budova, ve které dnes sídlí Vídeňská státní opera, byla postavena v roce 1869 podle návrhu architekta Augusta Sickarda von Sickardsburg a její interiér navrhl Eduard van der Nüll. Divadlo zahájila inscenace Mozartova Dona Giovanniho. Dlouho se mělo za to, že tato budova je jednou z nejlepších divadelních budov na světě.

V roce 1945 byla budova divadla zničena při bombardování Vídně. Deset let se představení divadla hrála na jiných scénách. V obnovené budově začala teprve nová sezóna 1955/56.

Divadlo je také známé četnými dětskými inscenacemi. Má i místnosti pro stojící diváky, kde jsou vstupenky mnohem levnější a divadelníci je cvakají minuty před začátkem opery.

Opera v Sydney

TOP 5 nejkrásnějších operních domů na světě © instagram.com/sydneyoperahouse/

Je těžké si představit Sydney bez opery, ale až do roku 1958 byla na jejím místě pevnost a poté běžná tramvajová vozovna. Architektem Opery v Sydney je Dán Jorn Utzon a stavba byla plánována na 4 roky a stála 7 milionů AUD. Návrh byl však pro tehdejší stavitele příliš složitý a v důsledku toho trvala stavba opery 14 let za cenu 102 milionů dolarů.

Opera v Sydney byla otevřena 20. října 1973 anglickou královnou Alžbětou II. Mraky ve tvaru plachty, které tvoří střechu, dělají tuto budovu nepodobnou žádné jiné na světě.

ČTĚTE TAKÉ:

Paříž Grand Opera

TOP 5 nejkrásnějších operních domů na světě © instagram.com/operadeparis/

Opera ve stylu Beaux Arts, navržená architektem Charlesem Garnierem a dokončená v roce 1875, je považována za jeden z nejvýraznějších příkladů elektrické architektury. Má velký sedmitunový křišťálový lustr uprostřed sálu, mnoho ozdobných mramorových bordur a soch znázorňujících postavy z řecké mytologie. V roce 1962 přidal Marc Chagall fresky na strop Opery Garnier.

Velká opera vděčí za svůj vzhled francouzskému císaři Napoleonovi III., který po pokusu o atentát v roce 1858 odmítl starou budovu navštívit a požadoval, aby pařížský prefekt baron Georges-Eugene Haussmann postavil budovu hodnou hlavního města. impéria. Soutěž na stavbu Velké opery vyhrál neznámý architekt Charles Granier. Nikdo si tehdy nedokázal představit, že se začne stavět v říši a že bude dokončena o 15 let později, po revoluci a válce, v republice. Místo pro stavbu Velké opery bylo vybráno jako velmi vlhké kvůli četným podzemním tokům, které napájejí Seinu.

Národní akademické divadlo opery a baletu v Oděse

Budova Oděského hudebního divadla je skutečnou perlou evropské architektury 19. století. Bylo postaveno podle návrhu talentovaných rakouských architektů, pod jejichž vedením vzniklo mnoho velkolepých divadel Starého světa a svou strukturou a architektonickými formami připomíná slavnou drážďanskou operu.

Kouzlo Opery v Oděse spočívá v jejím designu, který harmonicky kombinuje prvky různé styly: Italská renesance, vídeňské baroko, klasické rokoko. Nad průčelím budovy se tyčí sousoší znázorňující patronku divadelního umění – múzu Melpomene ve voze taženém čtyřmi pantery.

Obecně doporučujeme, abyste dnes divadlo rozhodně navštívili. Pokud tuto možnost nemáte, přejděte na.

Někdo cestuje za novými místy, jiný, aby se nabil dojmy ze změny prostředí. Existuje však skupina lidí, kteří cestují do jiných zemí pouze za účelem návštěvy divadel a představení.

Oblíbená je především opera a balet. Světoznámá divadla světa, kde mají premiéru nejlepší inscenace, přitahují mnoho turistů.

Budovu jednoho z nejvýraznějších divadel na světě navrhli dva slavní architekti z Vídně: A. Sicard a E. Vann der Null. Budova se začala stavět již v roce 1861 a právě tehdy byl v architektuře módní styl rané renesance, takže je v této budově velmi jasně vyjádřen.

Fasáda jednoho z nejkrásnějších divadel na světě je navržena velmi zajímavě, protože když se podíváte pozorně, můžete vidět motivy z Mozartovy opery Kouzelná flétna. Patronku umění – 5 múz – vytvořili nejtalentovanější sochaři.

• Nenechte si ujít:

Hlediště ohromuje i svou velikostí: pojme přesně 2200 hostů, má dokonale hladké parkety, vysoký strop a vynikající akustiku. Schodiště v hale zdobí plastiky J. Gasseriana, které velmi elegantně zapadají do prostředí. Dnes je toto místo mimořádně známé po celém světě díky plesu vídeňské opery, který se zde každoročně koná.

La Scala (Milán, Itálie)

Mnozí ho považují za nejkrásnější divadlo na světě. Tato architektonická stavba dostala své jméno podle kostela, který kdysi stával na jejím místě. A ona byla pojmenována na počest předky rodiny vládců Verony - Beatrice della Scala - „Santa Maria de la Scala“.

Architektem vynikajícího divadla byl Ital D. Piermarini, který budovu začal stavět již v roce 1776. Jen o dva roky později se tam odehrálo první představení. Bohužel, stejně jako u mnoha historických budov v Evropě, nedopadla druhá světová válka pro La Scalu právě nejlépe. Ale i přes devastaci bylo divadlo v roce 1946 obnoveno.

Tento účastník našich TOP divadel světa udivuje svou majestátností: hloubka jeho jeviště je 30 metrů, rošt je přesně stejně vysoký. Ke změně kulis se používá složitý systém s lanky a protizávažím a téměř všechny mechanismy jsou manuální. Snad proto je v den premiéry na počest zahájení sezóny minimální cena vstupenky 2000 Euro - ale stojí to za to.

Opera v Sydney (Austrálie)

Budova dalšího nejkrásnějšího divadla na světě je jednou z nejslavnějších, která kdy byla postavena v expresionistickém stylu. Ve srovnání s jinými světovými divadly Opera v Sydney byl otevřen nedávno - v roce 1973. Střecha ve tvaru plachty – vizitka Austrálie, kterou nelze zaměnit s žádnou jinou na planetě.

Divadlo v Sydney bylo postaveno na místě bývalé tramvajové vozovny a nejzajímavější je, že slavnostní otevření opery uspořádala anglická královna Alžběta II. Austrálie původně plánovala postavit tuto skvělou architektonickou stavbu za 4 roky a utratit za ni 1 milion dolarů. Stavba jednoho z největších divadel na světě však trvala 14 let a rozpočet na náklady se zvýšil 7krát.

Uvnitř se budova skládá ze dvou sálů: Koncertního sálu (s kapacitou 2678 osob) a ve skutečnosti operního divadla (určeného pro 1507 diváků). Akustika je zde vynikající, protože inženýři považovali za vhodné vybudovat další stropy pro zlepšení a odrážení zvuku. Každý koncert je opravdové mistrovské dílo!

Opera Garnier (Paříž, Francie)

Palais Garnier je dalším čestným hostem v žebříčku divadel po celém světě, kam se cestovatelé spěchají podívat. Toto architektonické mistrovské dílo bylo postaveno v roce 1862 a je výrazným představitelem eklektismu. Byl postaven ve stylu tzv. Beaux-Arts a je zaslouženě ikonou světového umění.

Do roku 1989 se divadlo jmenovalo Pařížská opera, ale po otevření Opery Bastille bylo divadlo přejmenováno na počest svého architekta Charlese Garniera. Byl to Napoleon III, kdo přispěl k výstavbě jednoho z nejkrásnějších divadel na světě. V roce 1858 prostě odmítl návštěvu starého divadla a požadoval, aby bylo postaveno nové – hodné francouzské metropole.

Rozloha velké pařížské opery je 21,7 tisíc metrů čtverečních. Uvnitř se nachází luxusní velké schodiště, muzeum-knihovna, divadelní foyer a obrovský divadelní sál, který má 1900 sametových židlí. Budovu tohoto krásného divadla osvětluje až 8 tun vážící křišťálový lustr.

• Přečtěte si také:

Divadlo v Oděse (Ukrajina)

Historie Oděského divadla opery a baletu byla velmi zajímavá, protože úplně první budova byla postavena již v roce 1810, ale kvůli požáru v roce 1873 byla úplně pryč. Po 11 letech navrhli dva vynikající architekti F. Fellner a G. Helmer novostavbu, která byla pojata v barokním stylu s kupolovitou střechou, ladnými oblouky a majestátními sloupy.

Vzhled budovy nenechá nikoho na pochybách, že právem zaujímá jedno z čestných míst mezi nejkrásnějšími divadly světa. Interiér je vytvořen v rokokovém stylu, na stropě jsou vyobrazeny shakespearovské postavy, stěny zdobí bronzové ornamenty a štuky. Sál osvětluje obrovský lustr, který je vyroben z křišťálu, obraz doplňují lampičky a svícny. Oděské divadlo pojme 1 664 hostů a elegantní atmosféra umožňuje každému pocítit své aristokratické kořeny.

Umění člověka rozzáří, ale když se prezentuje na tak krásných místech, jako jsou nejkrásnější divadla světa, chcete ho pohltit ještě větší silou. Doufáme, že informace o divadlech po celém světě vám pomohou spřátelit se s Melpomene.