Presentación sobre MHC "Paisaje - pintura poética y musical". Paisaje – pintura poética y musical Tema: “Paisaje – pintura musical y poética”
En todo momento, pintores, compositores y escritores han plasmado en sus obras diversos fenómenos naturales que les entusiasmaban. Borís Kustódiev. Otoño Camille Pissarro Huerto en Pontoise Ivan Shishkin Bosque distancias
Gracias a las obras de arte literarias, musicales y pictóricas, la naturaleza siempre se presenta ante lectores, oyentes y espectadores de diferentes maneras: majestuosa, triste, tierna, jubilosa, doliente, conmovedora. Ivan Aivazovsky Tormenta en el Mar del Norte Boris Kustodiev Invierno Mikhail Vrubel Lila. 1900
Todo está envuelto en una bruma que se derrite: colinas, bosques. Aquí los colores no son brillantes y los sonidos no son ásperos. Aquí los ríos son lentos, los lagos están brumosos y todo escapa a una rápida mirada. Hay poco que ver aquí, aquí hay que mirar con atención para que su corazón se llene de amor claro. Aquí no basta con escuchar, aquí hay que escuchar, para que las consonancias fluyan juntas al alma. Para que las aguas transparentes reflejen de repente todo el encanto de la tímida naturaleza rusa. N. Rylenkov Lea el poema en voz alta. Encuentra la entonación, el tempo y la dinámica vocal adecuados para transmitir el estado emocional reflejado en esta obra.
K. Monet. Abadía de Westminster – K. Monet. Catedral de Reims al amanecer En el siglo XX. En las bellas artes extranjeras surgió un movimiento que se llamó “impresionismo” (de la impresión francesa). Los artistas impresionistas intentaron capturar impresiones fugaces del mundo real en sus pinturas.
Delgados, como velas, los abedules femeninos y esbeltos se parecen a los que se cantan en las canciones rusas desde tiempos inmemoriales. El reflejo de los abedules en el agua clara parece constituir su continuación, su eco, un eco melódico; se disuelven en el agua con sus raíces, sus ramas rosadas se funden con el azul del cielo. Los contornos de estos abedules doblados suenan como una flauta suave y tristemente quejumbrosa; de este coro brotan voces individuales de troncos más poderosos, todas ellas contrastadas con un alto tronco de pino y el denso verdor de los abetos. M. Alpatov sobre la pintura de I. Levitan. Primavera. agua grande
¿Por qué un simple paisaje ruso, por qué un paseo en verano por Rusia, por el pueblo, por los campos, por el bosque, por la tarde en la estepa, solía ponerme en tal estado que me tumbaba en el suelo? en una especie de agotamiento por la afluencia del amor por la naturaleza, esas inexplicables impresiones dulces y embriagadoras que me trajeron el bosque, la estepa, el río, el pueblo lejano, la modesta iglesia, en una palabra, todo lo que constituía el miserable paisaje ruso de mi ¿tierra nativa? ¿Por qué todo esto? P. Tchaikovsky I. Levitan. Sobre la paz eterna.
Escuche fragmentos de obras de programa de A. Vivaldi y P. Tchaikovsky. ¿Cómo te hace sentir esta música? Encuentra en ellos rasgos similares y diferentes, medios expresivos que transmiten la actitud de los compositores hacia la naturaleza. ¿Qué distingue la música rusa de la italiana? ¿Qué asociaciones visuales y literarias surgen de estas obras? Relaciona los poemas con la música que suena.
Tarea. Prepare una presentación por computadora sobre el tema "Paisaje en la literatura, la música y la pintura". Justifique su elección de obras de arte. O Seleccione reproducciones de pinturas de paisajes. Escriba una historia corta sobre una de las pinturas en un cuaderno creativo, busque ejemplos musicales y literarios.
Lista de referencias G. P. Sergeeva, I. E. Kashekova E. D. Kritskaya Arte 89 clases Libro de texto para instituciones educativas Moscú “Ilustración” 2009 G. P. Sergeeva, I. E. Kashekova, E. D. Kritskaya. programas de instituciones educativas Música grados 1-7, Arte grados 8-9 3.a edición, Moscú revisada, Educación, 2010.
Tema: Paisaje – pintura poética y musical.
Objetivos: dar una idea del género del paisaje en diferentes tipos de arte (pintura, música); formación de habilidades en el análisis de obras de arte; desarrollo de la competencia visual de los estudiantes a partir de obras de pintura y música; Fomentar el interés por las artes.
Formación de UUD: personal – desarrollo de una actitud emocional y consciente hacia la naturaleza a través del conocimiento de las imágenes artísticas que la encarnan; cognitivo: el deseo de obtener nuevos conocimientos, sensaciones sensoriales sobre la belleza de la naturaleza circundante; comunicativo: la capacidad de entablar un diálogo con los creadores de paisajes artísticos, expresar su actitud hacia su contenido en declaraciones significativas, regulatorio: autorregulación de esfuerzos, cualidades volitivas al realizar tareas educativas, búsqueda de formas de lograr un trabajo de calidad; Asunto: buscar y almacenar la información necesaria para dominar el tema de la lección.
Durante las clases:
Org. momento.
Establecer objetivos de lección.
Hoy en la lección veremos el género del paisaje en diferentes tipos de arte, analizaremos obras de carácter pictórico, musical, literario y descubriremos cuál es el papel del paisaje en obras de varios tipos de arte.
III. Formación de nuevos conocimientos.
1. Recordemos qué es un paisaje. (imagen de la naturaleza).
¿Qué tipos de paisaje recuerdas? (urbano, rural, puerto deportivo, paisaje en retrato, etc.)
Durante mucho tiempo, la simple belleza de la franja de Rusia Central no atrajo la atención de los artistas rusos. Paisajes llanos aburridos, monótonos, cielos grises, deshielos primaverales o hierba estival marchita por el calor...
- ¿Qué tiene de poético esto?
Artistas rusos del siglo XIX. A. Savrasov, I. Levitan, I. Shishkin y otros descubrieron la belleza de su tierra natal. La gente, como por primera vez, vio en sus cuadros tanto el aire transparente de primavera como los abedules revividos y llenos de savia primaveral; Escuchábamos el alegre, esperanzado y alegre barullo de los pájaros. Y el cielo no parece tan gris y triste, y la tierra primaveral es relajante y agradable a la vista. Resulta que así es la naturaleza rusa: ¡gentil, reflexiva y conmovedora!
es gracias a la fotoAlexey Kondratievich Savrasov(1830-1897) “Han llegado los grajos”, los artistas rusos sintieron la canción de la naturaleza rusa y los compositores rusos sintieron la naturaleza paisajística de la canción popular rusa.
Miremos las pinturas de Savrasov “Las torres han llegado” y Levitan “Primavera. Gran Agua”, “Por encima de la paz eterna”, “Lago. Rusia".
Escuchemos un fragmento musical de la composición "Verano" de Vivaldi.
¿Qué tipo de verano imaginabas?
¿Qué medios musicales utilizó el autor para representar el verano (entonación, ritmo, forma, etc.)
Comparemos la obra musical y las pinturas de Levitan “Over Eternal Peace”, “Lake. Rusia".
¿Qué medios de expresión artística utilizan los artistas (color, ritmo, claroscuro,
etc.)?
Ahora echemos un vistazo a las bellas artes extranjeras del siglo XX (el surgimiento del movimiento "impresionismo").
Los artistas impresionistas intentaron capturar impresiones fugaces del mundo real en sus pinturas.
Una historia instructiva e incluso divertida sucedió con el cuadro "La Abadía de Westminster" del artista impresionista francés.Claude Monet(1840-1926).
Los londinenses, acostumbrados a la niebla, conocían exactamente su color: el gris. Y cuán asombrados e incluso indignados se sintieron cuando vieron el cuadro de Monet en la exposición. ¡En él descubrieron que la niebla que desdibujaba los contornos del castillo tenía un tono púrpura! Cuando la gente salió, para su sorpresa, descubrieron que ¡la niebla en realidad era violeta! De hecho, según el clima, la hora del día y la refracción de la luz solar, la niebla puede adquirir colores muy diferentes. Pero fue el artista quien notó y reveló esta característica a todos.
Miremos los paisajes de los artistas impresionistas. Cuéntame cómo las características del color, el color, el ritmo y la composición ayudan a crear diversas imágenes de la naturaleza capturadas en estos lienzos. (aprende las respuestas).
¿Cómo entiendes las palabras del poeta ruso I. Bunin?
No, no es el paisaje lo que me atrae,
No son los colores lo que notará la mirada codiciosa,
Y lo que brilla en estos colores:
Amor y alegría.
2. Trabajar a partir del libro de texto (págs. 24-25).
Nombra a los artistas rusos que conoces y que se sintieron atraídos por la sencilla belleza de la franja de Rusia Central. (A.K. Savrasov, I.I. Levitan, I.I. Shishkin)
¿Qué tipo de naturaleza rusa veía la gente en sus pinturas? (aire primaveral transparente; abedules llenos de savia primaveral; escuché el alegre bullicio de los pájaros; el cielo no es tan gris; barro primaveral, agradable a la vista; la naturaleza rusa es suave, pensativa, conmovedora)
Nombra las famosas pinturas de Alexei Kondratievich Savrasov. ("Han llegado los grajos", "Primavera. Huertos", "Robles", "Noche de invierno", "Estepa durante el día", "Paisaje de verano", "Invierno", "Isla Losiny en Sokolniki", "Primavera" )
¿Qué significa la palabra "impresionismo"? ("impresión")
Nombra el principio básico de los artistas impresionistas. (para capturar impresiones fugaces del mundo real)
¿Qué historia divertida pasó con el cuadro de Claude Monet "Abadía de Westminster" (Casas del Parlamento en Londres)? (Gracias al cuadro Yo, la gente descubrió que dependiendo del clima, la hora del día, la refracción de la luz del sol, la niebla de Londres puede tomar colores muy diferentes)
Nombra las famosas pinturas de Claude Monet. ("Nenúfares", "Catedral de Rouen", "Puente de Waterloo")
IV. Revisando la tarea.
1). Respuestas a las preguntas:
1. ¿Cómo llamó arte A. S. Pushkin? (“un cristal mágico”, a través de cuyos bordes se ven de una manera nueva las personas, los objetos y los fenómenos de la vida cotidiana que nos rodea)
2. ¿Qué se esfuerza por encarnar la gente del arte en todo momento? (diversos fenómenos naturales, tu visión del mundo a través de sentimientos y experiencias)
3. ¿Qué es el paisaje? (traducido del francés: una vista, una imagen de algún área; este es un género de representación de la naturaleza)
4. ¿Cómo entiendes las palabras de Antoine de Saint-Exupéry “No puedes ver lo más importante con tus ojos, sólo tu corazón está alerta”
5. Lea con expresión, utilizando entonaciones musicales en su voz, el poema de Nikolai Ivanovich Rylenkov "Todo en una neblina derretida".
6. Encuentre expresiones verbales del paisaje en el texto "A un amigo desconocido" de Mikhail Mikhailovich Prishvin. (mañana soleada y cubierta de rocío; tierra no descubierta; capa desconocida del cielo; la única mañana; canciones de primavera; lugares tranquilos; humedad de sombras negras, etc.)
2). Defensa de informes sobre el tema de la lección.
v. Resumen de la lección.
Tarea:trabajo practico: representa tu paisaje (basado en lo que escuchaste y viste)
La simple belleza de la franja de Rusia Central no atrajo la atención de los artistas durante mucho tiempo. Paisajes planos aburridos y monótonos, cielos grises, deshielos primaverales o hierba estival marchita por el calor... ¿Qué tiene de poético esto?
Artistas rusos del siglo XIX. A. Savrasov, I. Levitan, I. Shishkin y otros descubrieron la belleza de su tierra natal. La gente, como por primera vez, vio en sus cuadros tanto el aire transparente de primavera como los abedules revividos y llenos de savia primaveral; Escuchábamos el alegre, esperanzado y alegre barullo de los pájaros. Y el cielo no parece tan gris y triste, y la tierra primaveral es relajante y agradable a la vista. Resulta que así es la naturaleza rusa: ¡gentil, reflexiva y conmovedora! es gracias a la foto alexeiKondratievich Savrasov(1830-1897) “Las torres han llegado” Los artistas rusos sintieron la canción de la naturaleza rusa, y los compositores rusos sintieron la naturaleza paisajística de la canción popular rusa.
En el siglo 20 En las bellas artes extranjeras surgió una dirección que se llamó "impresionismo" (de la impresión francesa - impresión). Los artistas impresionistas intentaron capturar impresiones fugaces del mundo real en sus pinturas.
Una historia instructiva e incluso divertida sucedió con el cuadro "La Abadía de Westminster" del artista impresionista francés. claudiomonet (1840-1926).
Los londinenses, acostumbrados a la niebla, conocían exactamente su color: el gris. Y cuán asombrados e incluso indignados se sintieron cuando vieron el cuadro de Monet en la exposición. ¡En él descubrieron que la niebla que desdibujaba los contornos del castillo tenía un tono púrpura! Cuando la gente salió, para su sorpresa, descubrieron que ¡la niebla en realidad era violeta! De hecho, según el clima, la hora del día y la refracción de la luz solar, la niebla puede adquirir colores muy diferentes. Pero fue el artista quien notó y reveló esta característica a todos.
· Observar los paisajes pintorescos. Explique cómo las características del color, el color, el ritmo y la composición ayudan a crear diversas imágenes de la naturaleza capturadas en estos lienzos.
· ¿Cómo entiendes las palabras del poeta ruso I. Bunin?
No, no es el paisaje lo que me atrae,
No son los colores lo que notará la mirada codiciosa,
Y lo que brilla en estos colores:
Amor y alegría de ser.
· Seleccionar obras pintorescas, literarias y musicales que revelen la riqueza emocional del mundo, y preparar una conversación con escolares de primaria sobre la belleza y armonía de la naturaleza circundante.
Mire una película, una adaptación de una de las obras de los clásicos rusos. ¿Qué papel juega el paisaje en la película?
Escribe bocetos (literarios o pictóricos) en los que representes la naturaleza en diferentes estados emocionales (en diferentes momentos del día o en diferentes épocas del año).
musica visible
Los oyentes de todo el mundo conocen y aman las obras maestras de los clásicos musicales: "The Seasons", una serie de conciertos del compositor italiano del siglo XVIII. Antonio Vivaldi(1678-1741) y un ciclo de piezas para piano del compositor ruso del siglo XIX. Piotr Ilich Tchaikovsky(1840-1893). Ambas composiciones pertenecen a la música de programa: tienen títulos y van acompañadas de versos poéticos: sonetos del propio compositor en conciertos de Vivaldi y poemas de poetas rusos para cada una de las 12 obras del ciclo de Tchaikovsky.
En los paisajes anímicos rusos, poéticos, pictóricos y musicales, las imágenes de la naturaleza, gracias a la asombrosa cancion de las entonaciones, melodías que duran como una canción interminable, como la melodía de una alondra, transmiten el deseo lírico del alma humana por la belleza, ayudando. personas a comprender mejor el contenido poético de los bocetos de la naturaleza.
Estas son las palabras con las que describí mis impresiones del cuadro “Primavera” de I. Levitan. El experto en pintura rusa "Big Water", M. Alpatov:
Delgados, como velas, los abedules femeninos y esbeltos se parecen a los que se cantan en las canciones rusas desde tiempos inmemoriales. El reflejo de los abedules en el agua clara parece constituir su continuación, su eco, un eco melódico; se disuelven en el agua con sus raíces, sus ramas rosadas se funden con el azul del cielo. Los contornos de estos abedules doblados suenan como una flauta suave y tristemente quejumbrosa; de este coro brotan voces individuales de troncos más poderosos, todos ellos contrastados con un alto tronco de pino y el denso verdor de los abetos.
¿Por qué un simple paisaje ruso, por qué un paseo en verano por Rusia, por el pueblo, por los campos, por el bosque, por la tarde en la estepa, solía ponerme en tal estado que me tumbaba en el suelo? en una especie de agotamiento por la afluencia del amor por la naturaleza, esas inexplicables impresiones dulces y embriagadoras que me trajeron el bosque, la estepa, el río, el pueblo lejano, la modesta iglesia, en una palabra, todo lo que constituía el miserable paisaje ruso de mi ¿tierra nativa? ¿Por qué todo esto?
P. Tchaikovski
· Presta atención a los epítetos en la descripción de la imagen. ¿Por qué el autor utilizó comparaciones musicales?
· ¿Qué atrae a los compositores y artistas a la naturaleza rusa?
· Escuchar fragmentos de obras programáticas de A. Vivaldi y P. Tchaikovsky. ¿Cómo te hace sentir esta música?
· Encontrar en ellos rasgos similares y diferentes, medios expresivos que transmitan la actitud de los compositores ante la naturaleza. ¿Qué distingue la música rusa de la italiana?
· ¿Qué asociaciones visuales y literarias obtienes de estas obras? Relaciona los poemas con la música que suena.
· Escuche adaptaciones modernas de obras clásicas que representan la naturaleza. ¿Qué novedades aportan los intérpretes modernos a la interpretación de melodías familiares?
Tarea artística y creativa.
Seleccione reproducciones de pinturas de paisajes. Escriba una historia corta sobre una de las pinturas en un cuaderno creativo y busque ejemplos literarios musicales para ella.
El hombre en el espejo del arte: género de retrato.
El retrato (retrato francés) es una imagen de una persona o grupo de personas específico. El género del retrato se generalizó en la antigüedad en la escultura y luego en la pintura y la gráfica. Hay retratos ceremoniales y de cámara. Hay retratos de pareja y de grupo. Están destinados a decorar salones estatales, alabar a determinadas personas y preservar la memoria de personas unidas por vínculos profesionales, espirituales y familiares. Una categoría especial es el autorretrato, en el que el artista se representa a sí mismo. Cualquiera de los retratos se puede clasificar como retrato psicológico, retrato de personaje o retrato biográfico.
El arte ayuda a conocer a una persona. No sólo para ver su apariencia, sino también para entender su esencia, carácter, estado de ánimo, etc. Un retrato es casi siempre realista. Después de todo, su objetivo principal es el reconocimiento de la persona representada en él. Sin embargo, normalmente la tarea del artista no es copiar con precisión las características externas del modelo, ni imitar la naturaleza, sino "recrear pictóricamente" la imagen de una persona. No es casualidad que exista el deseo no sólo de reconocerse en un retrato, sino quizás incluso de descubrir algo nuevo en uno mismo.
El espectador transmite involuntariamente la actitud del artista hacia el modelo. Es importante todo lo que expresa emociones, actitud ante la vida, hacia las personas: las expresiones faciales del rostro representado, la expresión de los ojos, la línea de los labios, el giro de la cabeza, la postura, el gesto.
A menudo interpretamos una obra desde la perspectiva de una persona de hoy, le atribuimos rasgos de carácter que son completamente inusuales para su época, es decir, nos esforzamos por comprender lo desconocido a través de lo conocido.
Las ideas religiosas en el Antiguo Egipto asociadas con el culto a los muertos determinaron el deseo de transmitir un retrato en la imagen escultórica de una persona: el alma del difunto tenía que encontrar su contenedor. A principios del siglo XX. Los arqueólogos han descubierto un maravilloso retrato de la reina Nefertiti para todo el mundo. Creado en el siglo IV. antes de Cristo e., esta imagen sorprende por la suavidad de las líneas del perfil, la gracia del cuello flexible, la ligereza y las transiciones fluidas de los rasgos irregulares pero encantadores del rostro femenino.
En el arte de la antigua Grecia, un lugar especial lo ocupan las imágenes generalizadas e idealizadas de héroes o dioses. Artistas y escultores vieron la fusión de lo espiritual y lo físico como la encarnación de la belleza y la armonía humanas.
En su famosa “Discoball”, el escultor del siglo V. antes de Cristo e Miron se esfuerza, en primer lugar, por transmitir una sensación de movimiento con estabilidad y monumentalidad de las líneas del cuerpo, sin centrar la atención del público en los rasgos del rostro.
La estatua de Afrodita, la diosa del amor y la belleza, esculpida por el escultor Praxíteles en el siglo IV, irradia especial ternura y calidez. ANTES DE CRISTO. para un templo en la isla de Creta. No hay grandeza divina en esta imagen; la imagen respira una paz y castidad asombrosas.
El retrato romano está asociado al culto a los antepasados, al deseo de preservar su apariencia para la posteridad. Esto contribuyó al desarrollo del retrato realista. Se distingue por las características individuales de una persona: grandeza, moderación o crueldad y despotismo, espiritualidad o arrogancia.
En la Edad Media, el lenguaje sensual-plástico de la escultura corresponde a la idea de la abstracción de la imagen, su conexión con el espíritu divino. A pesar de la restricción del arte religioso por normas y reglas, las imágenes aparecen llenas de una belleza conmovedora y un profundo sentimiento humano.
El retrato del Renacimiento parece combinar el legado de la Antigüedad y la Edad Media. Nuevamente suena un himno solemne a un hombre poderoso con su apariencia física, mundo espiritual, rasgos individuales de carácter y temperamento únicos.
En "Autorretrato" Alberto Durero (1471-1528) se puede discernir el deseo del artista de encontrar un héroe idealizado. Las imágenes de los genios universales del siglo XVI, los maestros del Alto Renacimiento, Leonardo da Vinci y Rafael Santi, personifican a la persona ideal de esa época.
En el siglo 17 el criterio principal del arte se convierte en el mundo material, percibido a través de los sentidos. En el retrato, la imitación de la realidad reemplazó la incomprensibilidad e inexplicabilidad de las manifestaciones mentales de una persona y sus diversos impulsos espirituales. El encanto del suave terciopelo y la seda aireada, el pelaje esponjoso y el cristal frágil, el cuero suave y mate y el metal duro y brillante se transmite en este momento con la mayor habilidad.
Entre las famosas obras maestras del retrato de esa época se encuentra “El laudista”. Miguel Ángel de Caravaggio(1573-1610), en el que el artista desarrolla un motivo extraído de la vida cotidiana real.
A finales del siglo XVI en la obra del artista español. elgreco (1541 -1614) surge un nuevo tipo de retrato, que transmite la inusual concentración interior de una persona, la intensidad de su vida espiritual y la inmersión en su propio mundo interior. Para ello, el artista recurre a agudos contrastes de iluminación, colores originales, movimientos impetuosos o poses congeladas. Los rostros pálidos y alargados que capturó con ojos enormes, oscuros y aparentemente sin fondo se distinguen por su espiritualidad y belleza única.
Retratos del gran holandés Rembrandt(1606-1669) no sin razón se considera el pináculo del arte del retrato. Con razón recibieron el nombre de retratos-biografías. A Rembrandt se le ha llamado el poeta del sufrimiento y la compasión. Las personas modestas, necesitadas, olvidadas por todos, le son cercanas y queridas. El artista trata con especial cariño a los “humillados e insultados”. En cuanto a la naturaleza de su creatividad, se le compara con F. Dostoievski. Sus retratos-biografías reflejan el complejo destino de la gente corriente, llena de penurias y penurias, que, a pesar de las duras pruebas que les sobrevinieron, no perdieron su dignidad humana y su calidez.
Apenas traspasado el umbral que separa el siglo XVII. del XVIII, veremos en los retratos una raza de personas diferente, diferente a sus predecesores. La cultura cortesana y aristocrática puso en primer plano el estilo rococó con sus imágenes sofisticadas, seductoras, pensativamente lánguidas y soñadoras y distraídas. Dibujar retratos de artistas. antonioWatteau (1684-1721),Francois Boucher(1703-1770) y otros son ligeros, ágiles, su color está lleno de matices elegantes y se caracteriza por una combinación de medios tonos exquisitos.
La búsqueda de lo heroico, lo significativo y lo monumental en el arte se inicia en el siglo XVIII. con la época de los cambios revolucionarios. Uno de los ingeniosos retratos escultóricos del arte mundial es el monumento a Pedro I del escultor francés. EtienneMauricio Falconet(1716-1791), erigido en San Petersburgo en 1765-1782. Está pensado como una imagen de un genio y creador. La energía indomable, acentuada por el rápido movimiento del caballo y el jinete, se expresa en el gesto imperioso de una mano extendida, en un rostro abierto y valiente, en el que hay valentía, voluntad y claridad de espíritu.
siglo XIX introdujo la variabilidad de los gustos artísticos y la relatividad del concepto de belleza en el arte del retrato. Las búsquedas innovadoras en la pintura se dirigen ahora hacia un acercamiento a la realidad, hacia la búsqueda de la diversidad de imágenes.
Durante el período del romanticismo, un retrato se percibía como una imagen del "yo" interior de una persona dotada de libre albedrío. El verdadero patetismo romántico aparece en el retrato de F. Chopin realizado por el artista romántico francés. EugenioDelacroix(1798-1863). Ante nosotros hay un verdadero retrato psicológico, que transmite la pasión, el ardor de la naturaleza del compositor, su esencia interior. La imagen está llena de rápidos movimientos dramáticos. Este efecto se consigue girando la figura de Chopin, el intenso colorido del cuadro, los contrastes de claroscuros, los trazos rápidos e intensos y el choque de tonos cálidos y fríos.
La estructura artística del retrato de Delacroix está en consonancia con la música del Estudio en mi mayor de Chopin para piano. Detrás hay una imagen real: la imagen de la Patria. Después de todo, un día, mientras su alumno favorito tocaba este estudio, Chopin levantó las manos y exclamó: "¡Oh, mi patria!".
La melodía de Chopin, genuina y poderosa, era su principal medio de expresión, su lenguaje. El poder de su melodía reside en la fuerza de su impacto en el oyente. Es como un pensamiento en desarrollo, que es similar al desarrollo de la trama de una historia o al contenido de un mensaje históricamente importante.
En el arte del retrato de los siglos XX-XXI. Condicionalmente, se pueden distinguir dos direcciones. Uno de ellos continúa las tradiciones clásicas del arte realista, glorificando la belleza y la grandeza del hombre, el otro busca nuevas formas abstractas y formas de expresar su mundo interior.
F. Boucher. Concierto.
· Buscar en las pliegos del libro de texto aquellos retratos comentados en el texto. Compárelos entre sí, identifique características similares y diferentes. Da tu propia interpretación de sus imágenes.
· ¿Qué retratos clasificarías como arte clásico tradicional y cuáles como arte abstracto? Justifica tu opinión.
· Comparar el lenguaje de diferentes áreas del retrato. Determinar la expresividad de las líneas, color, color, ritmo, composición de cada una de ellas.
· Escuchar composiciones musicales. Relaciona los retratos con aquellas obras que estén en consonancia con las imágenes captadas en ellos.
Tarea artística y creativa.
Prepare un álbum, periódico, almanaque, presentación por computadora (opcional) sobre el tema “El género del retrato en la cultura de diferentes épocas”. Incluye información sobre artistas, escultores, artistas gráficos, así como poemas, pasajes en prosa y fragmentos de obras musicales que sean consistentes con las imágenes de tu galería de retratos.
Retrato en el arte ruso.
Se cree que el retrato es el logro más indiscutible de nuestra escuela nacional, gracias a él la pintura rusa ha alcanzado el nivel del arte europeo. Siglo XVIII en Rusia lo llaman el siglo del retrato. Los mejores artistas rusos pintaron en el género del retrato: F. Rokotov, D. Levitsky, O. Kiprensky, K. Bryullov, I. Repin, M. Vrubel y otros.
A mediados del siglo XVIII. el retrato pasa a formar parte de la vida cotidiana, asociado a la arquitectura, al mobiliario, a los utensilios, a los propios habitantes del hogar, a sus vestimentas, a sus costumbres.
Gracias a las “armonías de retratos” del artista ruso Fiódor Stepánovich Rókotov(1735-1808) se formó un vocabulario emocional especial para expresar las impresiones del espectador: “colores medio parpadeantes, medio ardientes”, “inestabilidad, ligereza”, “misterio y misterio”, “vibración de luz y color”, “poético fragilidad de los sentimientos”, “secreto de las manifestaciones espirituales”, etc. Además de las innovaciones pictóricas técnicas, el artista abre nuevas posibilidades para un retrato íntimo de cámara al expresar el mundo espiritual de una persona como criterio principal de su dignidad. A menudo se cree que Rokotov dotó a los modelos de su propia espiritualidad.
Un lugar especial en la obra del artista ocupa el retrato de A. Struyskaya (1772). Es un ejemplo sorprendente de la poetización de una imagen a través de la pintura. La pincelada aireada y transparente crea una sensación de ligereza en las telas y de fondo sin fondo. Con la ayuda de la luz, Rokotov resalta magistralmente el rostro y al mismo tiempo une toda la composición del retrato en un solo todo. No es casualidad que a este retrato se le llame a menudo la “Gioconda rusa”.
Hace casi cien años el poeta YákovPetrovich Polonsky(1819-1898) vio entre sus amigos un retrato de María Lopukhina, pintado por un artista ruso. VladímirLukich Borovikovski (1787-1825).
En ese momento el retrato también tenía casi cien años. El poeta permaneció largo rato pensativo delante de un pequeño lienzo. No sabía prácticamente nada sobre esta mujer. Sólo sabía que por alguna razón su vida había resultado infeliz y que murió muy joven. El poeta pensó: “¡Qué cuadro tan milagroso! Todo el mundo habría olvidado hace mucho tiempo a esta hermosa Lopukhina si no fuera por el pincel del pintor. . ". Y en su cabeza empezaron a formarse poemas:
Ella falleció hace mucho tiempo y esos ojos ya no están ahí.
Y esa sonrisa que se expresó en silencio
El sufrimiento es la sombra del amor y el pensamiento es la sombra de la tristeza.
Pero Borovikovsky salvó su belleza.
Entonces, parte de su alma no se nos fue volando.
Y habrá esta mirada y esta belleza del cuerpo.
Para atraer hacia ella descendencia indiferente,
Enseñándole a amar, sufrir, perdonar, soñar...
Por eso recordamos Lopukhina porque fue escrita por Borovikovsky. Y si no supiéramos quién está representado en el retrato, ¿nos gustaría menos o lo tocaríamos menos? ¡Por supuesto que no! Por eso este retrato siempre me emocionará, porque el artista creó una hermosa imagen de una mujer de belleza triste y brillante, un alma pura y gentil.
¡Me encanta pintar, poetas! Sólo a ella, la única, se le entrega el Alma de signo cambiante para transferirla al lienzo.
¿Recuerdas cómo, desde la oscuridad del pasado, apenas envuelta en raso, Struyskaya volvió a mirarnos desde el retrato de Rokotov?
Sus ojos son como dos nieblas, Mitad sonrisa, mitad llanto, Sus ojos son como dos engaños, Cubiertos por la niebla del fracaso.
Una combinación de dos acertijos, Mitad deleite, mitad miedo, Un ataque de ternura loca, Anticipación del tormento mortal.
Cuando llega la oscuridad y se acerca una tormenta, Sus hermosos ojos parpadean desde el fondo de mi alma.
· Seleccionar obras musicales de compositores rusos (romances, música instrumental de cámara), que puedan utilizarse como fondo que promueva una percepción más profunda del retrato.
· Comparar los rasgos artísticos de los retratos de Rokotov y Borovikovsky con los rasgos del famoso retrato de Leonardo da Vinci “La Gioconda”. ¿Qué los hace similares, qué los hace diferentes?
· Buscar epítetos, metáforas, comparaciones en el texto del poema. ¿Cómo mejoran la percepción de la imagen de A. Struyskaya?
Retratos de nuestros grandes compatriotas.
El género del retrato ocupa un lugar importante en la obra del artista ruso. IliaEfimovich Repin (1844-1930). Visitar la galería de retratos de este artista brinda a los espectadores modernos la oportunidad de conocer sus numerosas conexiones creativas con figuras de la ciencia, la cultura y el arte rusos: científicos, escritores, pintores, músicos y filántropos que contribuyeron al patrimonio cultural de Rusia.
Repin representa a personajes famosos en los retratos en diferentes estados de ánimo: contemplación soñadora (compositor A. Borodin), acción activa (compositor, pianista, director, fundador del Conservatorio de San Petersburgo A. Rubinstein), reflexión tranquila (escritor L. . Tolstoi), pensamiento profundo (pinturas de coleccionista, filántropo, creador de la colección de la Galería Estatal Tretyakov P. Tretyakov).
En cada retrato, el pintor representa a sus héroes con aquellos objetos que forman la esencia de su actividad profesional: un escritor con un libro en la mano, un músico en la tribuna del director, el creador de una colección de arte rodeado de pinturas. Esta tradición también tuvo lugar en los retratos del siglo XVIII.
· Mirar fotografías de personas. Determine en qué momento fueron creados, qué rasgos de personalidad (apariencia, rasgos de carácter, aficiones, afiliación social, etc.) los artistas buscaron enfatizar en ellos. ¿Qué medios de expresión te ayudaron a entender esto?
· Escuche dos fragmentos de las obras de A. Borodin: “Nocturno” del Cuarteto de cuerda n.° 2, una exposición de la Sinfonía n.° 2 (“Bogatyrskaya”). ¿Cuál de estos fragmentos coincide con el retrato del compositor? Encontrar medios comunes de expresividad entre el retrato y la música.
· Mira el retrato de A. Rubinstein. Adivina qué trabajo está realizando y que te resulte familiar.
· Escuche la introducción a la ópera “Khovanshchina” de M. Mussorgsky - “Amanecer en el río Moscú”. ¿Qué características del desarrollo de esta imagen musical debe enfatizar el director intérprete?
· Mire más de cerca el retrato del escritor L. Tolstoi. ¿Qué estado emocional transmite el artista?
· Lea un extracto de la novela "Guerra y paz" de L. Tolstoi (escena de Sonya y Natasha) a modo de diálogo, juego de roles. ¿Qué rasgos de carácter de las heroínas revela el escritor? ¿Qué esfera de la vida social a principios del siglo XIX? (¿guerra? ¿paz?) describe?
· ¿Con qué conocimientos le enriquece el conocimiento de diversas obras de arte: un retrato pictórico, un texto literario?
Tarea artística y creativa.
Dibuja bocetos de vestuario, escenografía y selecciona un fondo musical para esta escena.
Cómo empezó la galería.
Pavel Mikhailovich Tretyakov... caminaba de habitación en habitación, preguntándose dónde colocar sus nuevas adquisiciones. La oficina está abarrotada. Frente a las ventanas está "La princesa Tarakanova", encima del gran sofá está "El descanso de los prisioneros", encima de la esquina, a lo largo de una pared está "Los cazadores". En el amplio tabique se encuentran “El pescador” y “El caminante”, también de Perov. No, claramente no había ningún lugar para colgarlo en la sala de estar. Pavel Mikhailovich volvió al comedor y finalmente, con dificultad, eligió un lugar. Mientras colgaba los cuadros, dijo suspirando:
· ¡Es estrecho, muy estrecho!
"Deja de comprar", entrecerró los ojos con picardía Alexander Stepanovich Kaminsky, que vino con Sonya a visitar a sus familiares.
Pavel Mijáilovich se volvió y en silencio le miró indignado. El arquitecto respondió con una sonrisa encantadora y con calma y alegría aconsejó:
· Luego construye una habitación.
Tretyakov dejó los cuadros y los miró.
· ¿Tu crees? Yo también lo creo. Ha pasado mucho tiempo”, dijo, después de una pausa, “¿asumirás el proyecto?”
Salió al aire... y se sumergió en la densa sombra del huerto de perales. Tretyakov lamentó infinitamente destruir este glorioso rincón del jardín. Pero su lugar ya pertenecía a la galería.
No hay nada que posponer, Sasha. Es hora de empezar. Sólo sé un amigo y ten cuidado con las peras.
· Lea un extracto del libro de N. Nenarokov “Ciudadano honorario de Moscú”.
· Mira el retrato de P. Tretyakov de I. Repin. ¿Cuál es, en su opinión, el punto en común entre las imágenes de la imagen y la historia?
Retrato musical.
Es interesante comparar las características de la recreación de la apariencia de una persona en la literatura, las bellas artes y la música.
En la música no puede haber parecido con una persona concreta, pero al mismo tiempo no es casualidad que se diga que “una persona se esconde en la entonación”. Dado que la música es un arte temporal (se desarrolla y se desarrolla con el tiempo), ella, como la poesía lírica, está sujeta a la encarnación de estados emocionales y experiencias humanas con todos sus cambios.
La palabra "retrato" en relación con el arte de la música, especialmente la música instrumental no programada, es una metáfora. Al mismo tiempo, la grabación de sonido, así como la síntesis de música con palabras, acciones escénicas y asociaciones extramusicales amplían sus capacidades. Al expresar los sentimientos y estados de ánimo de una persona, encarnando sus diversos estados, la naturaleza del movimiento, la música puede evocar analogías visuales que nos permiten imaginar qué tipo de persona hay frente a nosotros.
La entonación del personaje reproduce más claramente los signos y manifestaciones externas de una persona en la vida: edad, género, temperamento, carácter, forma única de hablar, movimientos, características nacionales. Todo esto está plasmado en la música y nos parece ver a una persona.
Personaje, héroe lírico, narrador, narrador: estos conceptos son importantes no solo en una obra literaria, sino también en una musical. Son necesarios para comprender el contenido del programa musical, música para teatro: ópera, ballet, así como música instrumental y sinfónica.
La entonación del personaje reproduce más claramente los signos y manifestaciones externas de una persona en la vida: edad, género, temperamento, carácter, forma única de hablar, movimientos, características nacionales. Todo esto está plasmado en la música y nos parece ver a una persona. “Los temas de Mozart son como un rostro expresivo... Se podría escribir un libro entero sobre las imágenes femeninas en la música instrumental de Mozart” (V. Medushevsky).
· Escuchar extractos de obras de diferentes compositores: V.-A. Mozart y S. Prokofiev, A. Borodin y B. Tishchenko, J. Bizet y R. Shchedrin, A. Schnittke y V. Kikty. ¿Qué retratos de personas “viste” en la música? ¿Qué medios de expresión te dan la oportunidad de presentar las características de los personajes y personajes?
Haz bocetos de retratos de personajes de tus composiciones musicales favoritas y dales una descripción verbal.
Alexander Nevskiy
En la ciudad nació el príncipe Alejandro Nevsky (12201263). Pereyaslavl-Zalessky. La adolescencia y la juventud de Alejandro transcurrieron en Novgorod. A la edad de veinte años, el príncipe Alejandro obtuvo una victoria en el Neva sobre un enemigo fuerte: los suecos, por lo que la gente lo apodó Alexander Nevsky. En 1242, tuvo lugar en el hielo del lago Peipsi la famosa Batalla del Hielo, en la que el ejército de Alexander Nevsky derrotó a los caballeros cruzados alemanes. En el “Cuento de la vida y el coraje del beato y gran duque Alejandro”, escrito en los años 80 del siglo XIII, cuando comenzó su veneración como santo, se dice:
“Alejandro... entró en la iglesia de Santa Sofía y comenzó a orar con lágrimas: “Dios glorioso y justo, Dios grande, fuerte, Dios eterno, que creaste el cielo y la tierra y pusiste límites a los pueblos, ordenaste vivir sin transgredir fronteras ajenas Juez “Oh Señor, protege a los que me ofenden y protégelos de los que me combaten, toma un arma y un escudo y levántate para ayudarme”. El príncipe, al salir de la iglesia, se secó las lágrimas y comenzó a animar a su escuadrón, diciendo: "Dios no está en el poder, sino en la verdad". Durante 20 años, el príncipe, tratando de revivir la antigua gloria de Rusia, fue a inclinarse ante los khans de la Horda Dorada y les pagó un tributo anual. Después de la muerte de su padre, Alejandro se convirtió en Gran Duque de Vladimir. En 1263, después de otro viaje a la Horda, el príncipe cayó gravemente enfermo y pronto murió. La gente decía que fue envenenado. El príncipe fue enterrado en Vladimir. En 1710, por decreto de Pedro I, las reliquias incorruptibles de Alexander Nevsky fueron transportadas a San Petersburgo y enterradas en Alexander Nevsky Lavra. Al mismo tiempo, se estableció la Orden de Alexander Nevsky. Durante la Gran Guerra Patria (1941-1945), esta orden volvió a convertirse en un premio militar. El día de veneración del Santo Príncipe Alejandro Nevsky es el 6 de diciembre. El pueblo ruso preserva cuidadosamente la memoria de Alexander Nevsky. Su imagen está plasmada en diversas obras de arte: literatura, música, pintura, escultura, cine.
Concurso de Internet “Nombre de Rusia – 2008”.
· Mire las pinturas, el monumento, el icono y la imagen de Alexander Nevsky Lavra, dedicados a Alexander Nevsky, el santo de la tierra rusa. ¿Qué clase de persona es esta? ¿Cómo se nos aparece? ¿Qué rasgos de carácter estás dotado?
· ¿Qué tipo de música debería usarse para representar la imagen de un príncipe para poder imaginar a una persona así? Justifica tu opinión.
· Escuche fragmentos de la cantata de S. Prokofiev "Alexander Nevsky", vea episodios de la película homónima de S. Eisenstein. ¿Por qué medios logró el director y compositor evocarnos una idea del carácter y la apariencia del ¿protagonista?
Retrato del compositor en la literatura y el cine.
El retrato de cualquier figura cultural y artística se crea principalmente a partir de sus obras: música, pinturas, esculturas, etc., así como de sus cartas, memorias de contemporáneos y obras de arte sobre él que surgieron en épocas posteriores.
“El Universo de Mozart” es el nombre de uno de los libros sobre la vida y la obra Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1799), compositor austriaco, autor de obras musicales inmortales: Sinfonía nº 40, “Pequeña serenata nocturna”, “Rondo al estilo turco”, “Réquiem”. ¿Por qué se compara la música de Mozart con el Universo? Al parecer, porque revela diversos fenómenos de la vida, sus temas eternos: el bien y el mal, el amor y el odio, la vida y la muerte, lo bello y lo feo. Los contrastes de imágenes y situaciones constituyen el principal motor...
· Escuchar fragmentos de obras de Mozart que conozcas.
· ¿Qué sentimientos expresados en la música de Mozart están en consonancia con los sentimientos del oyente moderno?
· Escuche una adaptación moderna de una de las obras de Mozart. ¿Por qué los artistas famosos recurren a interpretaciones creativas de la música de Mozart?
· Leer obras literarias en las que se dibuja una imagen-retrato del compositor (extractos de la novela de D. Weiss “Lo sublime y lo terrenal”, poemas de L. Boleslavsky, V. Bokov, etc.).
Tarea artística y creativa.
Imagínese en el papel de director de un programa de televisión, una obra de radio, escriba comentarios breves sobre estos ensayos, seleccione material visual y literario.
...su música, que ayuda a los oyentes a comprender el lema de su vida: “¡La vida es incomparablemente hermosa en la tierra amada!”
La trágica muerte de Mozart a la edad de 35 años ha dado lugar a muchas especulaciones sobre la muerte del compositor, que se encontraba en la plenitud de sus facultades creativas. Uno de ellos es el envenenamiento de Mozart por su contemporáneo, un compositor de la corte socialmente reconocido. AntonioSalieri(1750 -1825), formó la base de la pequeña tragedia de A. Pushkin "Mozart y Salieri", la ópera de N. Rimsky-Korsakov, películas modernas y representaciones dramáticas.
Una interpretación diferente de la relación entre los dos compositores la ofrece al público el director de cine M. Forman, creador de la película “Amadeus”, galardonada con cinco premios de la Academia: el angustiado anciano Salieri, rescatado de un suicidio. intento, le cuenta al sacerdote en confesión sus sentimientos y experiencias que vivió, viendo florecer el talento de Mozart. La parte final de la película captura los momentos de la producción de la ópera "La Flauta Mágica" y la creación de "Réquiem".
· Leer la pequeña tragedia “Mozart y Salieri” de A. Pushkin. Considere las ilustraciones de M. Vrubel. Vea extractos de la película "Amadeus". ¿Qué rasgos de los personajes de Mozart y Salieri te revelan estas obras?
· ¿Qué experiencia de relaciones entre personas obtiene usted como resultado del conocimiento de obras de arte?
El arte como forma universal de comunicación.
El mundo en el espejo del arte.
El arte se diferencia de otros tipos y formas de actividad social en que se dirige a la esfera emocional de una persona, que es la característica más amplia de la individualidad, a las "emociones inteligentes". Por tanto, el arte resulta ser la forma de comunicación más accesible, democrática y universal entre las personas.
Artistas de diferentes épocas, al representar la realidad que los rodea, parecen enviar sus mensajes a sus descendientes: obras pintorescas, poéticas, musicales, esculturas, palacios y templos, presentando a la gente moderna las ideas por las que vivieron, la realidad en la que vivían. creado y que se perdieron a través de su conciencia y sus sentimientos.
Para obtener placer estético al comunicarse con estas imágenes artísticas, no es necesario tener conocimientos especiales de música, arquitectura, pintura... Lo principal es cuando se encuentra con una creación artística. empatizando Después de todo, una obra de arte logra su objetivo si hace sonar las cuerdas del alma de una persona, si la anima a expresar su propia actitud ante lo que vio y escuchó. La comunicación con una obra de arte permite entablar un diálogo con una persona talentosa de otra época, que dejó una huella en la cultura mundial. ¿Con qué frecuencia te comunicas con personalidades extraordinarias en la vida cotidiana? Los psicólogos saben muy bien que a veces un encuentro con una persona extraordinaria puede cambiar una vida, cambiar el destino. Un encuentro con una obra de arte puede ser igualmente significativo, si, por supuesto, comprender el lenguaje de la obra permite entrar en en una conexión informativa con su autor. Y entonces, tal vez, el mundo interior de un brillante artista, escritor y compositor revelará sus secretos.
· Mirar obras de diversos tipos de bellas artes, arquitectura, escuchar fragmentos de composiciones musicales. ¿A qué época nos llevan sus creadores? ¿Qué características del lenguaje de cada forma de arte te ayudaron a comprender esto?
· ¿Qué tipo de música está en sintonía con cada una de estas obras maestras del arte? ¿Por qué nuestro tiempo y nuestra cultura actuales se llaman informativos?
· ¿Qué información para el hombre moderno contienen estos monumentos culturales?
El papel del arte para acercar a los pueblos
Una confirmación clara de la comunicación artística, la internacionalidad del lenguaje del arte, comprensible sin traducción, son museos, exposiciones internacionales bellas artes, varios competiciones(literario, musical, ballet, teatro, jazz), festivales letras
Gracias a la comunicación de las personas con obras destacadas del arte mundial del pasado y del presente, se hace posible el diálogo de culturas. Según el académico D. Likhachev, investigador de la literatura rusa antigua, “la cultura une todos los aspectos de la personalidad humana. No se puede ser culto en un área y permanecer ignorante en otra. Cuanto más está una persona rodeada de cultura espiritual, más inmersa en ella, más interesante le resulta vivir, más significado adquiere para ella la vida”.
Los museos son depósitos de obras maestras artísticas. Museos como la Galería Tretyakov, el Museo de Bellas Artes. A. S. Pushkin (Moscú), Hermitage, Museo Ruso (San Petersburgo), Louvre, Museo de Arte Moderno (París, Francia), Museo del Prado (Madrid, España), Galería Nacional de Arte (Dresde,
Alemania), Museo Británico (Londres, Inglaterra), etc.
Gracias a las actividades educativas de estos museos, los folletos y álbumes que publican y los viajes de sus exhibiciones a diferentes países y continentes, los conocedores y amantes del arte pueden admirar obras maestras culturales como el Icono Vladimir de la Madre de Dios, Rafael " Madonna Sixtina” y “La muchacha del baile” de P. Picasso, “Otoño dorado” de I. Levitan y otros.
En 2008, en Seúl (Corea del Sur), basándose en tecnología informática, se creó galería virtual obras maestras en estilo de alta tecnología (inglés: alta tecnología, alta tecnología, alta tecnología). Este estilo, que utiliza nuevos materiales y composiciones, surgió en la arquitectura y el diseño en los años 80. Siglo XX Posteriormente, sus rasgos comenzaron a manifestarse en otras áreas de la creatividad artística.
En esta galería, los espectadores pueden comunicarse con los personajes de más de 20 pinturas y esculturas, entre ellas "La Última Cena", "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci, "La muerte de Pompeya" de K. Bryullov, "Discobolus" de Miron. , etc. Los espectadores pueden hacerles preguntas, ver qué estaban haciendo un momento antes de ser representados por un artista o escultor, observar sus movimientos en el espacio.
· Mirar reproducciones de pinturas, fotografías de esculturas, monumentos arquitectónicos en el libro de texto. Elige uno de ellos que te haya llamado la atención. ¿Con la ayuda de qué características del lenguaje y la composición se crearon estas imágenes?
· ¿Qué valor estético y moral representan estas obras maestras para los espectadores del siglo XXI?
· ¿Qué museos, galerías de arte, exposiciones, monumentos arquitectónicos hay en tu ciudad, pueblo, pueblo? ¿Qué sabes sobre sus exhibiciones y su historia?
Tarea artística y creativa.
Imagínese como un guía turístico (por un museo, una ciudad) y prepare una historia sobre uno de los sitios culturales más importantes de su región.
Los concursos internacionales, festivales y proyectos son un importante medio de comunicación. Los conciertos de intérpretes destacados (instrumentistas, orquestas, directores, vocalistas), festivales de conjuntos de folk, pop, jazz y rock a menudo se convierten en eventos culturales en la vida de los países y pueblos.
Desde hace más de 50 años (desde 1957), el Concurso Internacional Tchaikovsky, que reúne a cientos de jóvenes músicos de diversas nacionalidades, atrae la atención de todo el mundo artístico. Entre los ganadores del concurso se encuentran rusos, estadounidenses, británicos, chinos, japoneses y franceses. Y la audiencia que escucha abarca casi todas las nacionalidades y culturas del mundo. Las actuaciones de los concursantes se escuchan en la sala de conciertos, se retransmiten por radio, televisión e Internet. Todo esto es una clara manifestación de la universalidad del lenguaje de comunicación musical, que ha adquirido importancia internacional.
En cada nominación del concurso se ofrece obligatoriamente para interpretación una composición de P. Tchaikovsky, interpretada por músicos admitidos a participar en la tercera y última ronda. Entre estas obras se incluye el famoso Concierto n.º 1 para piano y orquesta. Esta música es una especie de tarjeta de presentación del concurso. Su poder de afirmación de la vida parece convencer a todas las personas de que el verdadero arte es eterno. Laureado del Primer Concurso que lleva el nombre. El joven pianista estadounidense Van Cliburn se convirtió en P.I. Tchaikovsky.
A finales del siglo pasado (1994), el Sindicato de Trabajadores del Teatro instituyó el festival de teatro y el premio nacional Máscara Dorada. La primera Máscara de Oro fue otorgada únicamente por logros en el campo del teatro dramático. Posteriormente, este premio comenzó a otorgarse en el ámbito del teatro musical. Su ganador en esta nominación fue el director de orquesta y director del Nuevo Teatro de Ópera Evgeny Kolobov. La primera "Máscara de Oro" en la categoría "Por el honor y la dignidad" fue otorgada a la legendaria bailarina Galina Ulanova.
En el año 2000, el canal Kultura TV creó un proyecto único: el Concurso Internacional de Televisión para Jóvenes...
· Escuche obras de P. Tchaikovsky interpretadas por los ganadores del concurso. Determinar su estructura emocional y medios de expresión musical. ¿Qué pensamientos y asociaciones artísticas evoca en ti esta música?
· Encontrar información sobre concursos de diversas áreas temáticas. Considere los logotipos de la competencia. ¿Qué simbolismo reflejan?
Tareas artísticas y creativas.
Prepare preguntas para uno de los participantes del concurso imaginario y entrevístelo. Preste atención a la función comunicativa del arte, al hecho de que el lenguaje artístico es comprensible para todos sin traducción.
... músicos "El Cascanueces". Este es el único concurso infantil en el campo de la música académica, que brinda a los niños superdotados la oportunidad de actuar frente a una audiencia de millones y dar el primer paso serio hacia el éxito y el reconocimiento profesional. Muchos ganadores del concurso El Cascanueces se convierten posteriormente en ganadores de otros prestigiosos concursos musicales.
Un amplio panorama de los concursos internacionales para niños: el festival-concurso de creatividad infantil y juvenil "Europa Abierta", el concurso "Ballet Joven del Mundo", el concurso de grupos coreográficos "Petersburg Snowstorm", el concurso de dibujo infantil, el mundo Delphic Los juegos, el concurso de intérpretes de la popular canción "La nueva ola infantil", etc. - indican una gran atención a la identificación de los talentos creativos de los jóvenes.
En el arte contemporáneo se están generalizando los proyectos internacionales en los que personalidades creativas de diferentes países del mundo combinan sus esfuerzos.
Proyectos de este tipo incluyen las actuaciones mundialmente famosas de los tres grandes tenores (“Los Tres Tenores”): el italiano Luciano Pavarotti, los españoles Plácido Domingo y José Carreras, que interpretaron tanto música clásica como arreglos de obras de música popular contemporánea.
Un fenómeno interesante en el mundo de la música pop moderna es el cuarteto vocal "IlDivo" ("Divo"), que interpreta tanto éxitos populares como arias de ópera bien conocidas por el público en general.
El concurso de canto de Eurovisión es muy popular entre los jóvenes.
· Escuchar obras musicales interpretadas por tres tenores (L. Pavarotti, P. Domingo, J. Carreras). ¿Qué sentimientos, emociones, pensamientos te evocan estas obras?
· ¿Qué idea popularizan los artistas de diferentes países? ¿Cómo promueve el arte clásico y contemporáneo la comunicación entre personas de diferentes países y diferentes nacionalidades?
El arte de la traducción literaria es el arte de la comunicación.
Una contribución importante a la difusión de los monumentos literarios es la actividad de los traductores de prosa y poesía. A. Pushkin llamó a los traductores "caballos de la ilustración". Probablemente haya leído el famoso poema de M. Lermontov "De Goethe" ("Picos de las montañas"), haya escuchado numerosos romances de compositores rusos creados a partir de este texto poético. Pero, ¿alguna vez has pensado que este poema no es producto de la imaginación creativa de un poeta ruso, sino sólo una brillante traducción de un poema de un poeta alemán del siglo XIX? I.-V. ¿Goethe?
Picos de montañas Duerme en la oscuridad de la noche; Los tranquilos valles están llenos de nueva oscuridad;
El camino no acumula polvo, las hojas no tiemblan... Espera un poco, Tú también descansarás.
Gracias al trabajo de los traductores, se leen en el extranjero poemas, cuentos y novelas de escritores y poetas rusos: A. Pushkin y N. Gogol, L. Tolstoi y A. Chejov, S. Yesenin y V. Astafiev. Y podemos estar tristes y reír, simpatizar e indignar, sorprendernos y deleitarnos, amar y odiar, leyendo las obras de W. Shakespeare y Moliere, D. London y A. Dumas, M. Twain y A. Conan Doyle.
· ¿Qué idea quería transmitir el poeta al lector en este poema lírico de paisaje? ¿Qué estado emocional transmite el poeta a los lectores? ¿Cómo afecta el estado de naturaleza en este poema los sentimientos y pensamientos de una persona?
· Escuche dos romances de compositores rusos compuestos para este poema: A. Varlamov y A. Rubinstein. Encuentra la diferencia en la interpretación del poema por parte de los compositores.
Compárese el lenguaje de un poema, un paisaje pintoresco, romances. Encuentre similitudes y diferencias en las características del lenguaje a la hora de transmitir el contenido de estas obras de arte.
Pasemos a las letras de amor del poeta, dramaturgo y escritor inglés del Renacimiento. William Shakespeare(1564-1616) - Soneto n.º 90 interpretado por dos traductores diferentes.
Si dejas de amar, entonces ahora
Ahora que el mundo entero está en desacuerdo conmigo.
Sé la más amarga de mis pérdidas,
¡Pero ni la última gota de dolor!
Y si me es dado dolor para vencer,
No ataques desde una emboscada.
Que la noche de tormenta no se resuelva
Una mañana lluviosa es una mañana sin alegría.
Déjame, pero no en el último momento,
Cuando los pequeños problemas me debilitan.
Déjalo ahora para que pueda comprender inmediatamente.
Que este dolor es más doloroso que todas las adversidades,
Que no hay adversidades, sino una sola desgracia:
Tu amor se perderá para siempre.
Traducción de S. Marshak
Bueno, ¡odia todo lo que quieras! Pero ahora,
Ahora, cuando el cielo me amenaza con malicia.
Doblame, uniéndome al destino,
Pero siempre y cuando tu golpe no sea el último.
Ah, si venzo el mal con mi corazón,
Preséntate en su casa inmediatamente.
Para que no venga después de una noche de tormenta
Con las lluvias de la mañana, completa la traición.
¡Y vete! Pero no entonces
Cuando todos los problemas me hayan pasado.
Vete ahora para que el primer problema.
Ella era más terrible que todos los enviados por el destino.
Y después de la más cruel de las pérdidas
Otros serán cien veces más ligeros.
Traducción de A. Finkel
· Comparar el contenido y la estructura emocional de las dos traducciones. Encuentra lo que tienen en común y lo que es diferente. ¿Qué traducción te gustó más? ¿Por qué?
· Escuche dos versiones musicales del Soneto nº 90: D. Kabalevsky y B. Gorbonos (traducción de S. Marshak). ¿Cómo te hizo sentir la música que escuchaste? ¿Cuál es la diferencia entre la lectura del texto del soneto por parte de compositores e intérpretes?
¿Cuáles de las interpretaciones escénicas pueden atribuirse al género de música seria y cuáles a la ligera? ¿Gracias a qué medios de expresión musical pudiste determinar si estas composiciones pertenecían a un género en particular? ¿En qué interpretación escuchaste una fusión completa de letra y música?
¿Cómo transmite el arte un mensaje?
Hoy en día los fenómenos culturales son considerados como textos. Intentemos descubrir qué es y qué tiene que ver el arte con él.
Está claro que las obras literarias son textos, pero ¿pueden ser textos las pinturas o las composiciones musicales? ¡Resulta que sí!
Creadores de diferentes épocas, al crear sus obras (musicales, pictóricas, arquitectónicas, etc.) transmiten ciertos mensajes. Los oyentes, espectadores, lectores, al percibirlos, “leen” la información multivalor contenida en las imágenes artísticas. Así, se familiarizan con las ideas que vivieron sus creadores, con la realidad que los rodeaba y que los autores transmitieron a través de su conciencia y sus sentimientos.
Por ejemplo, al mirar el famoso cuadro de V. Tropinin "El guitarrista", el espectador parece leer su contenido y experimentar la situación representada en el lienzo. Ve a un músico aficionado tocando la guitarra, un instrumento popular en la vida urbana rusa del siglo XIX.
Para un guitarrista, no importa la impresión que cause en sus oyentes y, al mismo tiempo, en el público. Está vestido de manera informal y como en casa. Lo más probable es que toque música para él o para un amigo cercano. Parece que suena a uno de los famosos romances o piezas instrumentales de aquella época.
Oh, al menos háblame,
¡Amigo de siete cuerdas!
El alma está llena de tanto anhelo,
¡Y la noche está tan iluminada por la luna!
Allí arde una estrella
Tan brillante y doloroso
Los rayos del sol se están moviendo.
Bromeando con ella sarcásticamente.
¿Qué necesita de su corazón?
Después de todo, ella sabe sin él.
¿Cuál es el anhelo de sus largos días?
Toda mi vida está encadenada.
A. Grigóriev
La guitarra es uno de los instrumentos musicales de cuerda más comunes del mundo. Se utiliza tanto como instrumento clásico solista como instrumento de acompañamiento en muchos estilos musicales, como blues, country, flamenco, rock y muchas formas de música pop. En el siglo 20 Se inventó la guitarra eléctrica, lo que tuvo cierta influencia en el desarrollo de la cultura de masas. En todo momento, muchas obras originales para guitarra fueron compuestas por N. Paganini, M. de Falla, E. Vila-Lobos, A. Sihra, A. Ivanov-Kramskoy, V. Zinchuk y otros. Instrumento en la pintura y en la poesía.
Guitarra
La guitarra empieza a llorar.
Se rompe la copa de la mañana.
La guitarra empieza a llorar.
Oh, no esperes silencio de ella,
¡No le pidas silencio!
La guitarra llora constantemente,
como agua por los canales llora,
como el viento sobre la nieve - ella llora,
¡No le ruegues que guarde silencio!
Entonces el atardecer llora por el amanecer,
como una flecha llorando sin objetivo,
Así la arena caliente clama por la fresca belleza de las camelias.
Así se despide de la vida un pájaro bajo la amenaza de la picadura de una serpiente.
¡Oh guitarra, pobre víctima de cinco ágiles puñales!
G. Lorca Traducción de M. Tsvetaeva
· Escuche uno de los romances famosos del siglo XIX. ¿Qué pensamientos te evocan las imágenes artísticas creadas hace dos siglos? ¿Están en sintonía con tus sentimientos y experiencias?
· ¿En qué se diferencian las impresiones de diferentes tipos de información: de un informe en un periódico o revista sobre un concierto que tuvo lugar y de las obras de música, bellas artes y poesía que usted percibió?
· ¿A qué hora crean estos poemas y pinturas?
· ¿Qué estilos y géneros musicales están en consonancia con estas obras de arte?
El arte es un conductor de energía espiritual.
¿Cuál es la especificidad? artísticocomunicaciones? Las obras de arte, tanto pinturas como composiciones musicales, crean el efecto de presencia, nuestro contacto directo, comunicación con los autores, intérpretes y héroes de la obra.
Cada arte tiene su propio especial. idioma, por lo tanto, el significado de la obra se revela más plenamente a quienes hablan el idioma en el que está “escrita”. ¿Una persona alejada del arte necesita conocer sus lenguajes? Hoy los científicos dicen que esto es simplemente necesario. ¡E incluso demuestran que de ello depende la supervivencia de la humanidad!
El arte es un canal de comunicación no sólo entre individuos, sino también entre pueblos, épocas, ciudades y países. Esto quiere decir que los lenguajes del arte sirven a la comunicación.
¿Cómo transmite el arte un mensaje? Veamos esto por analogía con un mensaje normal escrito en forma de carta. Los emisores de mensajes en el arte son el artista, el compositor, el escritor y el destinatario es el espectador, el lector y el oyente. Pero si en un mensaje escrito u oral el código (o cifrado) es el lenguaje natural en el que se comunican las personas de una determinada nacionalidad, entonces en el mensaje contenido en una obra de arte, dicho código se convierte en el lenguaje del arte, sus símbolos, de carácter internacional.
El poder especial del arte reside no sólo en el hecho de que nos transmite información, sino también en lo que quizás sea aún más importante: es conductorenergía espiritual. El arte tiene un efecto beneficioso sobre las emociones humanas: inspira, inspira esperanza y hace sentir empatía.
Las imágenes que surgen en la mente de una persona al percibir, por ejemplo, una composición musical o una obra de arte, serán propias, individuales. Cada persona, a partir de la estructura entonativa de una composición musical, composición, color de un cuadro en particular, puede interpretarlos a su manera, desde el punto de vista de las ideas y asociaciones figurativas y artísticas que le han surgido. Pero a pesar de la posible divergencia de las imágenes de la percepción del oyente o del espectador, la obra de arte no pierde el poder de su impacto artístico.
· ¿Cuáles son las particularidades del arte y cuáles son sus características como forma de comunicación?
· Comparar dos ejemplos (mensajes): uno de las matemáticas, el otro del campo del arte. ¿Qué información transmite cada uno de ellos? Justifica tu opinión.
Signos y símbolos del arte.
Un símbolo es un objeto, acción, etc., que revela una imagen, concepto, idea. El símbolo encarna experiencias e ideas comunes a las personas. Un símbolo es una síntesis de un signo y una imagen.
Los signos son símbolos generalmente aceptados para objetos, fenómenos y acciones. Ejemplos de señales incluyen señales de tráfico o símbolos en mapas geográficos, señales sonoras: SOS o sirena de ambulancia, una variedad de gestos, etc.
Desde tiempos primitivos, diversos tipos de imágenes (escultóricas, pictóricas, gráficas) eran signos y códigos simbólicos que eran utilizados por los pueblos antiguos para realizar rituales, conservar y transmitir información. Cualquier sonido, gesto, cosa o evento significativo puede ser un signo o un símbolo.
El arte habla un lenguaje a la gente. caracteres. Un símbolo en el arte es una imagen artística que encarna una idea. Un símbolo, como un acertijo, tiene múltiples significados; sus significados pueden revelarse indefinidamente, a diferencia de firmar, que todos entienden por igual. La profundidad de la comprensión de un símbolo depende de la capacidad de interpretación de una persona, de su erudición e intuición.
El arte musical nos habla en el lenguaje de los sonidos y está lleno de secretos. Con asombrosa variedad y profundidad, a través de un sistema de signos y símbolos, la música expresa el mundo más rico de los sentimientos humanos. Incluso un solo sonido, teniendo en cuenta todos sus aspectos (altura, duración, timbre, volumen) es una entonación de signo. Puede indicar timidez o confianza, coacción o libertad, ternura o mala educación. También podemos hablar de carteles plásticos que reproducen un gesto o movimiento.
En el carácter humano siempre hay un deseo de crear: la necesidad de explorar, inventar, construir, resolver problemas complejos e intrincados. Uno de estos problemas fue la idea científica de crear una máquina de movimiento perpetuo (perpetuum mobile). Su invento tendría un enorme impacto en el desarrollo de la economía mundial. Y sólo la música, como arte temporal, puede encarnar la imagen del “movimiento perpetuo”. Su símbolo fueron las piezas instrumentales “RegreSit mobile” (“Perpetual Motion”) de varios compositores: N. Paganini, F. Mendelssohn, N. Rimsky-Korsakov, etc.
Un signo musical que se convierte en símbolo puede denominarse motivo del destino: la entonación granular a partir de la cual surge toda la Sinfonía n.° 5 de L. Beethoven. Y hay muchos ejemplos de este tipo en el arte musical. Los himnos nacionales son símbolos musicales que encarnan la unidad del pueblo, su cultura y el orgullo por su país.
Ha habido épocas en la historia en las que la gente recurría especialmente a los símbolos en el arte. Un ejemplo es el arte cristiano medieval. En la Edad Media, la aspiración del hombre a Dios era de particular interés. Por lo tanto, las cosas que rodeaban a una persona interesaban al artista sólo en la medida en que estaban relacionadas con el significado de las Sagradas Escrituras. Muchas pinturas medievales representan una copa, uvas (vino) y pan, símbolos del sacramento de la comunión; Las flores de lirio o iris son un símbolo de la Madre de Dios.
La elección del color y el color también es simbólica: el marrón rojizo era un símbolo de todo lo terrenal (arcilla, tierra); el rojo es el color de la sangre derramada del sacrificio, el fuego de la fe; el azul o el azul simbolizaban todo lo celestial y santo; y el verde es el color de la esperanza, el color de la vida, símbolo de consuelo, renacimiento a una nueva vida.
Desde el siglo XV Las cosas representadas en la imagen están dotadas simultáneamente de un doble significado: religioso y cotidiano. En lo religioso, se continúa el simbolismo divino tradicional de la Edad Media; en lo cotidiano, se manifiesta el significado habitual de una cosa en la vida cotidiana de una persona.
Muchas obras del siglo XVII. son de naturaleza simbólica, que a menudo se transmite por los objetos presentados en ellos: copas de vino, pan, pescado, flores marchitas, relojes, etc. A veces, los objetos cotidianos, inusualmente combinados en una composición, representan códigos figurativos difíciles de descifrar. Esto es especialmente característico de lo generalizado en el siglo XVII. naturaleza muerta, llamado vanitas(vanitas - vanidad de vanidades) y recordarle a la persona la fragilidad de su existencia. Representan calaveras, velas, flores, relojes, partituras e instrumentos musicales (el sonido ha muerto, lo que significa que ha muerto), que se perciben como mensajes cifrados. Los artistas que trabajaban con temas vanitas hablaron sobre la inutilidad de la existencia terrenal, sobre la fugacidad de la existencia. El mismo título de la pintura "Vanidad de vanidades" habla de la fragilidad de la vanidad terrenal: la búsqueda de riqueza, poder y placer. En la naturaleza muerta, el artista transmite el valor de la vida cotidiana, el significado de las cosas simples. Su actitud hacia el mundo es diferente en que ve y siente la vida evidente u oculta, que se difunde en todo lo que existe, en la naturaleza, en la materia misma. Por eso otro nombre para la naturaleza muerta es quietleben(Stillleven holandés, stilleben alemán, stilllife inglés): vida tranquila (silenciosa).
Para un artista no existen “cosas sin voz”, para él todo es “ser expresivo y hablante” (M. Bakhtin).
Retratos, paisajes, naturalezas muertas, escenas de género. Vincent Van Gogh(1853-1890) reflejan su alma rebelde, independiente de cánones y normas, solitaria. Sus obras están impregnadas de una sensación de aguda ansiedad y confusión. El complejo mundo interior del artista se revela a menudo a través de símbolos. Van Gogh buscó reflejar el contenido con la ayuda de colores expresivos y psicológicamente ricos. “Traté de expresar las terribles pasiones del hombre en rojo y verde”, dijo el artista. La intensidad emocional se intensificó muchas veces gracias a la técnica utilizada por el maestro de aplicar pintura con pequeñas líneas discontinuas y el ritmo ondulatorio de su movimiento.
Simbolismo utilizado en sus obras y Pablopicasso(1881 - 1973). Los personajes de sus naturalezas muertas eran a menudo instrumentos musicales. Quizás esto se deba a la sofisticación de sus formas, o quizás al deseo de sintetizar pintura y música.
La naturaleza muerta (francés: Naturemorte - naturaleza muerta) es un género cuyo rasgo característico es la representación de artículos para el hogar, comida, flores, etc.
Tarea artística y creativa.
· Selecciona obras - musicales, poéticas o de artes visuales, que, a través del lenguaje de signos y símbolos, cuenten sobre algún acontecimiento de tu vida, sobre lo que dejó una huella en tu memoria, en tu alma.
· ¿Crees que estos son signos o símbolos? Intenta interpretarlos primero como signos y luego como símbolos.
· Escuchar varias composiciones musicales y contemplar pinturas de V. Van Gogh y P. Picasso.
Mensaje artístico de los antepasados.
Los mitos (griego mthos - leyenda) son tradiciones orales sobre dioses, espíritus y héroes. El mito hablaba del origen del Universo y del hombre, del origen de la vida y de la muerte, y desempeñaba las funciones de religión, ideología, filosofía, historia y ciencia.
Desde la antigüedad, las obras de arte decorativo y aplicado hablan de las ideas de las personas sobre la estructura del mundo y su lugar en él. Luego en la mente humana se conectaron mito- imagen - ritual, t. e. palabra - imagen - acción.Creación y el uso de la imagen constituyó una acción que combinaba mito y ritual. En este caso, un papel importante jugó la repetición de elementos, que luego se manifestó en el arte tradicional de todos los pueblos del mundo.
El mundo humano quedó aislado dentro del espacio terrestre circundante y los acuciantes problemas de vida. Los conceptos complejos asociados con la caza se indicaban mediante signos y símbolos simples en el Paleolítico. Así expresaban los pueblos más antiguos su visión de la imagen del mundo que se había formado en sus mentes.
Los rituales permitían a los antiguos experimentar de forma lúdica situaciones que cualquiera de ellos podía afrontar en la realidad. Se trata de una especie de patrones de comportamiento expresados en forma artística. Los participantes en ritos y rituales, dominando diversos roles, aprendieron a percibir el mundo de forma creativa.
El arte musical tiene varias fuentes.
Folklore- literalmente "sabiduría popular" - un modelo figurativo del mundo, que refleja la riqueza de la vida espiritual de la gente. Las primeras canciones rituales nacieron de la acción, el ritmo de los movimientos, las exclamaciones y las entonaciones del habla. Las formas instrumentales surgieron de la creación musical basada en las propiedades del propio instrumento, combinadas con entonaciones de canciones características del pueblo.
Arte de la iglesia de los cristianos., las melodías sobre las cuales se construyó el círculo de los rituales de la iglesia se compusieron como "cantos inspirados por Dios", y los íconos, los frescos, el servicio en sí, inconcebible fuera de la síntesis de las artes del templo, crearon una cierta distancia entre lo terrenal y lo celestial: lo familiar, lo cotidiano, lo sensual y lo ideal, elevado, espiritual. Todo el desarrollo posterior del arte en Europa durante el segundo milenio se desarrolló como un acercamiento de lo espiritual y lo secular, lo profesional y lo popular. Como resultado de esta interacción surgió un rico arte clásico, que no sólo no se agotó, sino que también aprendió a reflejar la realidad en toda su diversidad. El arte es la experiencia espiritual de generaciones acumuladas por la humanidad, la gente del siglo XXI. percibido como parte de la vida. Por eso en las obras de diversas artes hay tantas citas, ecos e imitaciones de lo creado anteriormente. Existe un vivo diálogo entre el arte contemporáneo y aquello que ya se ha convertido en un valor universal.
Ritual: acciones realizadas por un sacerdote, curanderos, representantes de la iglesia, el dueño o dueña de la casa, en particular: ritual de iniciación a los guerreros, ritual funerario, rituales religiosos de comunión, consagración de un hogar, rituales mágicos. Todos los rituales preservan estrictamente el orden de pronunciación del texto y el orden de las acciones.
Un rito es una acción simbólica detallada, a diferencia de un ritual, que tiene un escenario más complejo, por ejemplo, el rito del bautismo. Los rituales están dedicados principalmente a las estaciones, actividades económicas.
No hay nada oficial en el ritual popular: todo en él proviene de una acción lúdica tradicional, es decir, de la vida misma. El ritual puede ir acompañado de canciones, bailes circulares, disfraces, adivinación y representaciones teatrales.
Mire las imágenes de la Doncella de las Nieves en reproducciones de pinturas de I. Bilibin, V. Vasnetsov y otros. Escuche cómo la imagen de la Doncella de las Nieves está plasmada en la música de N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky. ¿Qué características de esta imagen se toman prestadas de creencias y rituales paganos?
Tarea artística y creativa.
Desarrollar un escenario para una de las fiestas nacionales: otoño, Navidad, Maslenitsa, etc. Enumere aquellos signos y símbolos que revelarán el significado y contenido de cada uno de ellos.
Conversación con un contemporáneo.
Un artista, compositor y escritor crea sus obras con la esperanza de que resulten interesantes para la gente. La historia del arte conoce muchos ejemplos de un artista que se dirige a sus contemporáneos y descendientes con un llamamiento apasionado a la prudencia, la bondad y la justicia.
Gran pintor de iconos ruso andrésRublev(alrededor de 1340/1350 - 1430) dejó a la gente un maravilloso icono de la Trinidad, cuya fama resuena en todo el mundo.
Vodopyanova T.M. Lección de arte en octavo grado El arte habla sobre la belleza de la Tierra. Páginas literarias. Paisaje – pintura poética y musical.
No, no es el paisaje lo que me atrae,No son los colores lo que estoy tratando de notar,
Y lo que brilla en estos colores:
Amor y alegría de ser,
Está derramado por todas partes...
Ella está en todos los lugares donde está la belleza...(De Ivan Alekseevich Bunin)
El paisaje es un género antiguo y favorito para muchos tipos de arte. Hace varios miles de años, un artista desconocido que vivió en el Antiguo Egipto representó un jardín tal como él lo veía. Era un jardín maravilloso con árboles, arbustos y un pequeño estanque artificial. Pero al mirar la imagen, uno puede imaginar que pintó desde posiciones individuales y luego armó "rompecabezas" de imágenes. A algunos parecía “filmarlos” de frente, a otros de lado, y el estanque sólo se puede ver así colocándolo desde arriba. Todos los detalles menores han desaparecido, pero todos los restantes están resueltos con mucha claridad. Gracias a este artista, hasta el día de hoy, este jardín se ha conservado tal como estaba en aquel entonces, hasta el día de hoy.
Otro día y otro jardín dejó en el tesoro del arte mundial el compositor impresionista francés Claude Debussy. Su "Jardines bajo la lluvia" es un sorprendente reflejo de las imágenes y sonidos de la naturaleza en la música. El piano suena como un instrumento de percusión, con muchos martillos golpeando las gotas de lluvia sobre las teclas. El ritmo de la obra es tan cambiante como el ritmo de la lluvia. Existe la sensación de que la música nace justo en el momento de la interpretación. Y el poeta Henri de Regnier describe su jardín: El jardín tiembla y murmura,Confiadamente cautivado por la tormenta,Y el aguacero quiere convertirse en una fina redConecta el cielo con la tierra.Cierro los ojos y me quedo escuchando.Como un jardín mojado canta en silencio,Cómo fluye el frescor de la lluviaEn la oscuridad de un alma agitada.
