Сообщение о художнике эпохи возрождения. Художники высокого возрождения
Живопись эпохи Возрождения
Началом ренессансной живописи считают эпоху Дученто, т.е. XIII века. Проторенессанс ещё тесно связан со средневековыми романскими, готическими и византийскими традициями. Художники конца XIII - начала XIV вв. ещё далеки от научного изучения окружающей действительности. Они выражают свои представления о ней, ещё использую условные образы византийской изобразительной системы - скалистые горки, символические деревья, условные башенки. Но иногда облик архитектурных сооружений так точно воспроизведён, что это указывает на существование зарисовок с натуры. Традиционные религиозные персонажи начинают изображаться в мире, наделённом свойствами реальности - объёмом, пространственной глубиной, материальной вещественностью. Начинается поиск приёмов передачи на плоскости объёма и трёхмерного пространства. Мастера этого времени возрождают известный античности принцип светотеневой моделировки форм. Благодаря ей, фигуры и здания приобретают плотность и объём.
По-видимому, первым, кто применил античную перспективу, был флорентиец Ченни ди Пепо (сведения с 1272 по 1302), прозванный Чимабуэ. К сожалению, самая его значительная работа - серия росписей на темы Апокалипсиса, жизни Марии и апостола Петра в церкви Сан Франческо в Ассизи дошла до нас почти в разрушенном состоянии. Лучше сохранились его алтарные композиции, которые находятся во Флоренции и в музее Лувра. Они тоже восходят к византийским прототипам, но в них отчётливо проступают черты нового подхода к религиозной живописи. Чимабуэ возвращается от итальянской живописи
XIII века, усвоившей византийские традиции, к их непосредственным истокам. Он почувствовал в них то, что осталось недоступным его современникам, - гармоническое начало возвышенную эллинскую красоту образов.
Жесткость и схематизм уступают место музыкальной плавности линий. Фигура Мадонны уже не кажется бесплотной. В средневековой живописи ангелы трактовались как знаки, как атрибуты Богоматери, они изображались как маленькие символические фигурки. У Чимабуэ они приобретаю совершенно новый смысл, включаются в сцену, это прекрасные юные существа, предвосхищающие тех грациозных ангелочков, которые появятся у мастеров XV века.
Творчество Чимабуэ было исходным пунктом тех новых процессов, которые определили дальнейшее развитие живописи. Но историю искусства невозможно объяснить только эволюционным путем. Иногда в нём обнаруживаются резкие скачки. Великие художники предстают смелыми новаторами, отвергающими традиционную систему. Таким реформатором в итальянской живописи ХIV века следует признать Джотто ди Бондоне (1266-1337) . Это гений, высоко поднимающийся над современниками и многими из последователей.
Флорентиец по рождению, он работал во многих городах Италии. Самая знаменитая из дошедших до нас работ Джотто - цикл росписей в капелле дель Арена в Падуе, посвященный евангельским сказаниям о жизни Христа. Этот уникальный живописный ансамбль - одно из этапных произведений в истории европейского искусства. Вместо разобщенных отдельных сцен и фигур, свойственных средневековой живописи, Джотто создал единый эпический цикл. 38 сцен из жизни Христа и Марии («Встреча Марии и Елизаветы», «Поцелуй Иуды», «Оплакивание» и др.) языком живописи связаны в единое повествование. Вместо привычного золотого византийского фона Джотто вводит пейзажный фон. Фигуры уже не парят в пространстве, а обретают твердую почву под ногами. И хотя они еще малоподвижны, в них видно стремление передать анатомию человеческого тела и естественность движения. Джотто придает формам почти скульптурную ощутимость, тяжесть, плотность. Он моделирует рельеф, постепенно высветляя основной красочный фон. Этот принцип светотеневой моделировки, позволявший работать чистыми, яркими красками без темных теней, стал господствующим в итальянской живописи вплоть до ХVI века.
Реформа, произведенная в живописи Джотто, произвела глубокое впечатление на всех его современников.
Влияние Джотто приобрело свою силу и плодотворность только через столетие. Художники Кватроченто осуществили те задачи, которые были поставлены Джотто. Этап Раннего Возрождения называют триумфальным периодом в истории искусства. Щедрость, размах художественного творчества в Италии ХV века создает впечатление небывалой творческой активности скульпторов и живописцев.
Слава основоположника живописи Кватроченто принадлежит флорентийскому художнику Мазаччо, умершему совсем молодым (1401-1428). На его фресках фигуры, написанные по законам анатомии, связаны между собой и с пейзажем. Его холмы и деревья уходят в даль, образуя естественную воздушную среду. Жизнь людей и природы связывается в еденное целое, в единое драматическое действие. Это новое слово в мировом искусстве живописи.
Флорентийская школа долгое время оставалась ведущей в искусстве Италии. В нем существовало и боле консервативное течение. Художники этого направления были монахами, поэтому в истории искусства они получили название монастырских. Одним из самых известных среди них был брат Джованни Беато Анжелико да Фьезоле (1387-1455).
Характерная черта живописи позднего Кватроченто - многообразие школ и направлений. В это время складываются Флорентийская, умбийская (Пьеро дела Франческа, Пинтуриккьо, Перуджино) североитальянская (Мантеньи), венецианская (Джованни Беллини) школы.
Один из самых выдающихся художников Кватроченто - Сандро Боттичелли (1445-1510) - выразитель эстетических идеалов двора знаменитого тирана, политика, мецената, поэта и философа Лоренцо Медичи, прозванного Великолепным. Двор этого некоронованного государя был центром художественной культуры, объединившим знаменитых философов, ученых, художников.
В искусстве Боттичелли происходит своеобразный синтез средневекового мистицизма с античной традицией, идеалов готики и Возрождения. В его мифологических образах происходит возрождение символизма. Он изображает прекрасных античных богинь не в чувственных обликах земной красоты, а в романтических, одухотворённых, возвышенных образах. Прославившая его картина - «Рождение Венеры». Здесь мы видим своеобразный женский образ Боттичелли, который не спутаешь с работами других художников. Боттичелли удивительно сочетал языческую чувственность и повышенную одухотворённость, скульптурную женственность и нежную хрупкость, изысканность линейную точность и эмоциональность, изменчивость. Он один из самых поэтических художников в истории искусств. Он предпочитает символические, аллегорические темы, любит мечтать, выражаться намёком.
Ранний Ренессанс длился около столетия. Его завершает период Высокого Ренессанса, на который приходится всего около 30 лет. Главным центром художественной жизни в это время становится Рим.
Если искусство Кватроченто - это анализ, поиски, находки, свежесть юношеского мироощущения, то искусство Высокого Ренессанса - это итог, синтез, мудрая зрелость. Поиски художественного идеала в период Кватроченто привели искусство к обобщению, к раскрытию общих закономерностей. Главное отличие искусства Высокого Ренессанса в том, что оно отрешается от частностей, деталей, подробностей во имя обобщенного образа. Весь опыт, все поиски предшественников сжаты у великих мастеров Чинквеченто в грандиозном обобщении.
Образ прекрасного, сильного духом человека составляет главное содержание искусства того времени. В отличии от искусства ХV века ему свойственно стремление постигнуть и воплотить общую закономерность явлений жизни.
Это была эра титанов Возрождения, подарившая мировой культуре творчество Леонардо, Рафаэля, Микеланджело. В истории мировой культуры эти три гения, несмотря на всю их несхожесть, творческую индивидуальность олицетворяют главную ценность итальянского Возрождения - гармонию красоты, мощи и интеллекта. Их жизнь - свидетельство того изменения отношения общества к творческой личности художника, которая характерна для эпохи Возрождения. Мастера искусств стали заметными и ценными фигурами в обществе, они справедливо считались образованнейшими людьми своего времени.
Эта характеристика, может быть, больше, чем к другим деятелям Возрождения, подходит к Леонардо да Винчи (1452 - 1519). Он объединил в себе художественный и научный гений. Леонардо был ученым, изучающим природу не ради искусства, а ради науки. Поэтому до нас дошло так мало законченных произведений Леонардо. Он начинал картины и бросал их, как только проблема казалась ему ясно сформулированной. Многие его наблюдения предвосхищают развитие европейской науки и живописи на целые столетия. Современные научные открытия подогревают интерес к его научно-фантастическим инженерным рисункам.
Его «Мадонна в гроте» - первая монументальная алтарная композиция Высокого Ренессанса. Это большая картина распространенного в ренессансной живописи формата, который напоминает окно, закругленное наверху.
Новым этапом в искусстве была роспись стены трапезной монастыря Санта Мария деле Грацие на сюжет «Тайной вечери», который писали многие художники Кватроченто. «Тайная вечеря» - краеугольный камень классического искусства, в ней осуществлена программа Высокого Возрождения. Леонардо работал над этим произведением 16 лет. Громадная фреска, где фигуры написаны в полтора раза больше натуральной величины, стала примером мудрого понимания законов монументальной живописи, связанной с реальным пространством интерьера. В ней воплотились научные изыскания художника в области физики, оптики, математики, анатомии, необходимые для решения проблем пропорций и перспективы на огромном живописном пространстве. Главное же, гениальное произведение Леонардо обладает огромном психологической силой. Никто из художников, изображающих тайную вечерю до Леонардо, не ставил такой сложной задачи - через реакцию разных людей, индивидуальностей, темпераментов, эмоциональных откликов показать единый смысл этого великого момента. 12 апостолов, 12 разных характеров по-разному проявляют себя в момент душевного потрясения. Через их эмоциональные реакции, выраженные в движении, раскрываются извечные вопросы человека: о любви и ненависти, преданности и предательстве, благородстве и подлости.
Одной из самых знаменитых картин в мире стала работа Леонардо «Джоконда». Этот портрет жены купца дель Джокондо приковывал внимание на протяжении столетий, о нем написаны сотни страниц комментариев, его похищали, подделывали, копировали, ему приписывали колдовскую силу. Неуловимое выражение лица Джоконды не поддается точному описанию и воспроизведению. Этот портрет стал шедевром ренессансного искусства.
Впервые в истории мирового искусства портретный жанр встал на один уровень с композициями на религиозную тему.
Идеи монументального искусства Возрождения нашли яркое выражение в творчестве Рафаэля Санти (1483-1520). Леонардо создал классический стиль, Рафаэль утвердил и популяризовал его. Искусство Рафаэля часто определяют как «золотую середину».
Творчество Рафаэля отличают качества классики - ясность, благородная простота, гармония. Всей своей сутью оно связано с духовной культурой Ренессанса. Он был на 30 лет моложе Леонардо, а умер почти одновременно с ним, успев совершить так много в истории искусств, что трудно представить, что все это мог исполнить один человек. Разносторонний художник, архитектор, монументалист, мастер портрета и многофигурной композиции, талантливый декоратор, он был центральной фигурой художественной жизни Рима. Вершиной его мастерства стала «Сикстинская мадонна», написанная в 1516 г. Для бенедиктинского монастыря в Пьяченце (сейчас картина находится в Дрездене). Для многих она является мерилом самого прекрасного, что способно создать искусство.
Эта алтарная композиция в течение веков воспринимается как формула красоты и гармонии. Трагическим чувством веет от поразительно одухотворенных лиц Мадонны и младенца-Бога, которого она отдает во искупление человеческих грехов. Взгляд Мадонны направлен как бы сквозь зрителя, он полон скорбного предвидения. В этом образе воплощен синтез античного идеала красоты с духовностью христианского идеала.
Историческая заслуга искусства Рафаэля в том, что он связал в одно целое два мира - мир христианский и мир языческий. С этого времени новый художественный идеал надолго утвердился в религиозном искусстве Западной Европы.
Скульптура эпохи Возрождения
Светлый гений Рафаэля был далек от психологической углубленности во внутренний мир человека, как у Леонардо, но еще более но чужд трагическому мироощущению Микеланджело. Микеланджело Буонарроти (1475-1564) прожил долгую, трудную и героическую жизнь. Его гений проявился в архитектуре, живописи, поэзии, но ярче всего в скульптуре. Он воспринимал мир пластически, во всех областях искусства он прежде всего скульптор. Тело человека кажется ему самым достойным предметом изображения. Но это человек особой, могучей, героической породы. Искусство Микеланджело посвящено прославлению человека-борца, его героической деятельности и страданиям. Его искусству свойственны гигантомания, титаническое начало. Это искусство площадей, общественных сооружений, а не дворцовых залов, искусство для народа, а не для придворных аристократов.
ХV век - время расцвета в Италии монументальной скульптуры. Она выходит из интерьеров на фасады церквей и гражданских зданий, на площади города, становится частью городского ансамбля.
Одна из ранних и самых знаменитых работ Микеланджело - пятиметровая статуя Давида на площади во Флоренции, символизирующая победу юного Давида над великаном Голиафом. Открытие памятника превратилось в народное торжество, потому что флорентийцы видели в Давиде близкого им героя, гражданина и защитника республики.
Скульпторы Возрождения обращались не только к традиционным христианским образам, но и к живым людям, современникам. С этим стремлением увековечить образ реального современника связано развитие жанра скульптурного портрета, надгробного монумента, портретной медали, конной статуи. Эти скульптуры украшали площади городов, изменяя их облик.
Скульптура Ренессанса возвращается к античным традициям пластики. Памятники античной скульптуры становятся объектом изучения, образцом пластического языка. Скульптура раньше живописи отходит от средневековых канонов и встает на новый путь развития. Может быть, это объясняется тем местом, которое она занимала в средневековых храмах. При сооружении больших соборов создавались мастерские, которые обучали скульпторов-декораторов, проходивших здесь хорошую подготовку. Мастерские скульпторов были ведущими центрами художественной жизни, играли большую роль в изучении античности и анатомии человеческого тела. Достижения скульптуры Раннего Возрождения оказывали большое влияние на живописцев, которые воспринимали живого человека сквозь призму пластики. Скульпторы Ренессанса добиваются полного значения человеческого тела, они освобождают его из-под массы одежды, в которую прятала фигуры средневековая готика. Путь, который проделала Эллада в три века, в эпоху Возрождения совершен тремя поколениями мастеров.
Первые предвестники искусства Возрождения появились в Италии в XIV веке. Художники этого времени, Пьетро Каваллини (1259-1344), Симоне Мартини (1284-1344) и (в первую очередь) Джотто
(1267-1337) при создании полотен традиционной религиозной тематики начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении.
Для обозначения их творчества используется термин Проторенессанс (1300-е годы - "Треченто ")
.
Джотто ди Бондоне
(ок. 1267-1337) - итальянский художник и архитектор эпохи Проторенессанса. Одна из ключевых фигур в истории западного искусства. Преодолев византийскую иконописную традицию, стал подлинным основателем итальянской школы живописи, разработал абсолютно новый подход к изображению пространства. Работами Джотто вдохновлялись Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело.
Раннее Возрождение (1400-е годы - "Кватроченто").
В начале XV века Филиппо Брунеллески
(1377-1446), флорентийский ученый и архитектор.
Брунеллески желал сделать восприятие реконструированных им терм и театров более наглядным и попытался создать из своих планов геометрически-перспективные картины для определенной точки зрения. В этих поисках была открыта прямая перспектива
.
Это позволило художникам получать совершенные изображения трёхмерного пространства на плоском полотне картины.
_________Другим важным шагом на пути к Возрождению стало появление нерелигиозного, секулярного искусства. Портрет и пейзаж утвердились как самостоятельные жанры. Даже религиозные сюжеты приобретали иную трактовку - художники Возрождения стали рассматривать их персонажей как героев с ярко выраженными индивидуальными чертами и человеческой мотивацией поступков.
Наиболее известные художники этого периода - Мазаччо (1401-1428), Мазолино (1383-1440), Беноццо Гоццоли (1420-1497), Пьеро Делла Франческо (1420-1492), Андреа Мантенья (1431-1506), Джованни Беллини (1430-1516), Антонелло да Мессина (1430-1479), Доменико Гирландайо (1449-1494), Сандро Боттичелли (1447-1515).
Мазаччо
(1401-1428) - знаменитый итальянский живописец, крупнейший мастер флорентийской школы, реформатор живописи эпохи кватроченто.
 |
| Фреска. Чудо со статиром. |
 |
| Картина. Распятие. |
 |
| Фреска. История царицы Савской. Церковь Сан Франческо в Ареццо |
Сандро Боттичелли (1445-1510) - великий итальянский живописец, представитель флорентийской школы живописи.
 |
| Весна. |
 |
| Рождение Венеры. |
Высокое Возрождение ("Чинквеченто").
Наивысший расцвет искусства Возрождения пришёлся на первую четверть XVI века .
Работы Сансовино (1486-1570), Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэля Санти (1483-1520), Микеланджело Буонаротти (1475-1564), Джорджоне (1476-1510), Тициана (1477-1576), Антонио Корреджо (1489-1534) составляют золотой фонд европейского искусства.
Леонардо ди сер Пьеро да Винчи (Флоренция) (1452-1519) - итальянский художник (живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, естествоиспытатель), изобретатель, писатель.
 |
| Автопортрет |
 |
| Дама с горностаем. 1490. Музей Чарторыйских, Краков |
 |
| Мона Лиза (1503-1505/1506) |
 |
| Мадонна Литта. 1490-1491. Эрмитаж. |
 |
| Мадонна Бенуа (Мадонна с цветком). 1478-1480 |
 |
| Мадонна с гвоздикой. 1478г. |
В течение своей жизни Леонардо да Винчи сделал тысячи заметок и рисунков, посвящённых анатомии, однако не публиковал свои работы. Делая вскрытие тел людей и животных, он точно передавал строение скелета и внутренних органов, включая мелкие детали. По мнению профессора клинической анатомии Питера Абрамса, научная работа да Винчи обогнала своё время на 300 лет и во многом превосходила знаменитую «Анатомию Грея».
Список изобретений, как реальных, так и приписываемых ему:
Парашют, к олесцовый замок, в елосипед, т анк, л ёгкие переносные мосты для армии, п рожектор, к атапульта, р обот, д вухлинзовый телескоп.
В дальнейшем эти новации были развиты Рафаэлем Санти (1483-1520) - великим живописецем, графиком и архитектором, представителем умбрийской школы.
| Автопортрет. 1483г. |
Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонарроти Симони (1475- 1564)- итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт, мыслитель.
Картины и скульптуры Микеланджело Буонаротти полны героического пафоса и, одновременно трагического ощущения кризиса гуманизма. Его картины прославляют силу и мощь человека, красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире.
Гений Микеланджело наложил отпечаток не только на искусство Возрождения, но и на всю дальнейшую мировую культуру. Деятельность его связана в основном с двумя итальянскими городами - Флоренцией и Римом.
Однако наиболее грандиозные свои замыслы художник смог реализовать именно в живописи, где он выступил подлинным новатором цвета и формы.
По заказу папы Юлия II он выполнил роспись потолка Сикстинской капеллы (1508-1512), представляющую библейскую историю от сотворения мира до потопа и включающую более 300 фигур. В 1534-1541 годах в той же Сикстинской капелле для папы Павла III исполнил грандиозную, полную драматизма фреску «Страшный суд».
Сикстинская капелла 3D.
Творчество Джорджоне и Тициана отличает интерес к пейзажу, поэтизации сюжета. Оба художника достигли большого мастерства в искусстве портрета, с помощью которого передавали характер и богатый внутренний мир своих персонажей.
Джорджо Барбарелли да Кастельфранко ( Джорджоне) (1476/147-1510) - итальянский художник, представитель венецианской школы живописи.
 |
||||
| Спящая Венера. 1510 |
 |
| Юдифь. 1504г |
Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции.
 |
| Автопортрет. 1567г |
 |
| Венера Урбинская. 1538 |
 |
| Портрет Томмазо Мости. 1520г. |
Позднее Возрождение.
После разграбления Рима имперскими войсками в 1527 году итальянское Возрождение вступает в период кризиса. Уже в творчестве позднего Рафаэля намечается новая художественная линия, получившая название маньеризма
.
Для этой эпохи свойственны взвинченность и изломанность линий, удлинённость или даже деформированность фигур, зачастую обнажённых, напряжённость и неестественность поз, необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, использование едкой хроматической гаммы, перегруженность композиции и т. д. Первые мастера маньеризма Пармиджанино
, Понтормо
, Бронзино
-
жили и работали при дворе герцогов дома Медичи во Флоренции. Позднее маньеристская мода распространилась по всей Италии и за её пределами.
Джироламо Франческо Мария Маццола
(Пармиджанино
- «житель Пармы») (1503-1540,) итальянский художник и гравёр, представитель маньеризма.
 |
| Автопортрет. 1540 |
 |
| Портрет женщины. 1530. |
Понтормо (1494-1557) - итальянский живописец, представитель флорентийской школы, один из основоположников маньеризма.
В 1590-е годы на смену маньеризму приходит искусство барокко (переходные фигуры - Тинторетто и Эль Греко ).
Якопо Робусти, более известный как Тинторетто (1518 или 1519-1594) - живописец венецианской школы позднего Ренессанса.
 |
| Тайная вечеря. 1592-1594. Церковь Сан-Джорджо Маджоре, Венеция. |
Эль Греко («Грек»Доменикос Теотокопулос ) (1541—1614) - испанский художник. По происхождению - грек, уроженец острова Крит.
Эль Греко не имел последователей-современников, и его гений был заново открыт почти через 300 лет после его смерти.
Эль Греко учился в мастерской Тициана, но, однако, техника его живописи существенно отличается от техники его учителя. Для работ Эль Греко характерны быстрота и экспрессивность исполнения, которые приближают их к современной живописи.
 |
| Христос на кресте. Ок. 1577. Частное собрание. |
 |
| Троица. 1579 Прадо. |
В эпоху Возрождения происходит много изменений и открытий. Изучаются новые континенты, развивается торговля, изобретаются важные вещи, такие как бумага, морской компас, порох и многие другие. Изменения в живописи также имели огромное значение. Картины эпохи Возрождения получили огромную популярность.
Основные стили и направления в произведениях мастеров
Период был одним из самых плодотворных в истории искусства. Шедевры огромного количества выдающихся мастеров можно найти сегодня в различных художественных центрах. Во Флоренции в первой половине пятнадцатого столетия появились новаторы. Их картины эпохи Возрождения были отмечены началом новой эры в истории искусства.
В это время наука и искусство становятся очень тесно связанными между собой. Художники ученые стремились к освоению физического мира. Живописцы старались воспользоваться более точными представлениями о человеческом теле. Многие художники стремились к реалистичности. Стиль начинается с картины Леонардо да Винчи "Тайная Вечеря", которую он писал на протяжении почти четырех лет.
Одна из самых известных работ
Была написана в 1490 годах для трапезной монастыря Санта-Мария-делле-Грацие в Милане. Полотно представляет последнюю трапезу Иисуса вместе со своими учениками перед тем, как его схватили и убили. Современники, наблюдающие за работой художника в этот период, отмечали, как он мог с утра до вечера рисовать, не останавливаясь даже для того, чтобы поесть. А потом мог забросить свою картину на несколько дней и вообще не подходить к ней.
Художника очень беспокоил образ самого Христа и предателя Иуды. Когда же наконец картина была завершена, она по праву была признана шедевром. "Тайная вечеря" и по сегодняшний день является одной из самых популярных. Репродукции эпохи Возрождения всегда пользовались широким спросом, но этот шедевр отмечен бесчисленными копиями.
Признанный шедевр, или Загадочная улыбка женщины
Среди работ, созданных Леонардо в шестнадцатом столетии, значится портрет, который называется "Мона Лиза", или "Джоконда". В современную эпоху это, возможно, наиболее известная картина в мире. Популярной она стала, в основном, из-за неуловимой улыбки на лице женщины, изображенной на полотне. Что привело к такой загадочности? Умелая работа мастера, способность так искусно затенить уголки глаз и рта? Точная природа этой улыбки не может быть определена до сих пор.
Вне конкуренции и другие детали этой картины. Стоить обратить внимание на руки и глаза женщины: с какой точностью отнесся художник к мельчайшим подробностям полотна при его написании. Не менее интересен и драматический пейзаж на заднем плане картины, мир, в котором как будто все находится в состоянии потока.
Еще один знаменитый представитель живописи
Не менее известный представитель Ренессанса - Сандро Боттичелли. Это великий итальянский живописец. Его картины эпохи Возрождения также имеют огромную популярность среди широкого круга зрителей. "Поклонение волхвов", "Мадонна с младенцем на троне", "Благовещение" - эти произведения Боттичелли, посвященные религиозной тематике, стали огромными достижениями художника.
Еще одна известная работа мастера - "Мадонна Магнификат". Она прославилась еще в годы жизни Сандро, о чем свидетельствуют многочисленные репродукции. Подобные полотна в форме круга были довольно востребованы во Флоренции пятнадцатого столетия.
Новый поворот в творчестве живописца
Начиная с 1490 года Сандро меняет свой стиль. Он становится более аскетичным, сочетание красок теперь намного сдержаннее, часто преобладают темные тона. Новый подход творца к написанию своих произведений прекрасно заметен в "Короновании Марии", "Оплакивании Христа" и других полотнах, на которых изображена Мадонна и Младенец.
Шедевры, написанные Сандро Боттичелли в то время, например, портрет Данте, лишены пейзажных и интерьерных фонов. Одно из не менее значительных творений художника - это "Мистическое Рождество". Картина была написана под влиянием неурядиц, которые происходили в конце 1500 года в Италии. Многие картины художников эпохи Возрождения не просто приобрели популярность, они стали примером для последующего поколения живописцев.
Художник, полотна которого окружены ореолом восхищения
Рафаэль Санти да Урбино был не только но и архитектором. Его картины эпохи Возрождения вызывают восхищение ясностью своей формы, простотой композиции и визуальным достижением идеала человеческого величия. Наряду с Микеланджело и Леонардо да Винчи, он входит в традиционную троицу самых великих мастеров этого периода.
Прожил он сравнительно небольшую жизнь, всего 37 лет. Но за это время создал огромное количество своих шедевров. Некоторые его произведения находятся во Дворце Ватикана в Риме. Не все зрители могут увидеть воочию картины художников эпохи Возрождения. Фото же этих шедевров доступны всем (некоторые из них представлены в данной статье).
Наиболее известные произведения Рафаэля
С 1504 по 1507 годы Рафаэль создал целую серию "Мадонн". Картины отличаются чарующей красотой, мудростью и одновременно некой просветленной грустью. Самым знаменитым его полотном стала "Сикстинская Мадонна". Она изображена парящей в небесах и плавно спускающейся к людям с Младенцем на руках. Именно это движение очень мастерски смог изобразить художник.
Эта работа была высоко оценена многими известными критиками, и все они пришли к единому выводу, что она действительно редкая и необычная. Все картины художников эпохи Возрождения имеют долгую историю. Но стала наиболее популярной благодаря своим бесконечным странствиям, начиная с момента своего создания. Пройдя через многочисленные испытания, она наконец заняла достойное место среди экспозиций Дрезденского музея.
Картины эпохи Возрождения. Фото известных полотен
И еще один известный итальянский живописец, скульптор, а также архитектор, оказавший огромное влияние на развитие искусства Запада, - это Микеланджело ди Симони. Несмотря на то что известен он, в основном, как скульптор, существуют и прекрасные произведения его живописи. И самым значительным из них является потолок Сикстинской капеллы.
Работа эта выполнялась на протяжении четырех лет. Пространство занимает около пятисот квадратных метров и содержит более трехсот фигур. В самом центре девять эпизодов из книги Бытия, разделенных на несколько групп. Сотворение земли, создание человека и его падение. Среди наиболее известных картин на потолке - "Сотворение Адама" и "Адам и Ева".
Не менее знаменитая его работа - "Страшный суд". Выполнена она на алтарной стене Сикстинской капеллы. Фреска изображает второе пришествие Иисуса Христа. Здесь Микеланджело игнорирует стандартные художественные условности в написании Иисуса. Он изобразил его с массивной мышечной структурой тела, молодым и безбородым.
Значение религии, или Искусство эпохи Возрождения
Итальянские картины эпохи Возрождения стали основой для развития западного искусства. Многие популярные работы этого поколения творцов имеют огромное влияние на художников, которое сохраняется и по сегодняшний день. Великие представители искусства того периода сосредотачивали свое внимание на религиозных темах, часто работали по заказу состоятельных покровителей, в том числе и самого Папы Римского.
Религия буквально проникла в повседневную жизнь людей этой эпохи, глубоко засела в сознании художников. Практически все религиозные полотна находятся в музеях и хранилищах искусства, а вот репродукции картин эпохи Возрождения, связанные не только с этой тематикой, можно встретить во многих учреждениях и даже обычных домах. Люди бесконечно будут восхищаться работами известных мастеров того периода.
Италия — страна, которая всегда славилась художниками. Великие мастера, которые некогда жили в Италии, прославили искусство на весь мир. Можно сказать точно, что если бы не итальянские художники, скульпторы и архитекторы, мир сегодня выглядел совсем иначе. Наиболее значимым в итальянском искусстве, конечно же, считается . Италия в эпоху Возрождения или Ренессанса достигла небывалого подъёма и расцвета. Талантливые художники, скульпторы, изобретатели, настоящие гении, которые появились в те времена, до сих пор известны каждому школьнику. Их искусство, творчество, идеи, разработки сегодня считаются классикой, тем стержнем, на котором построены мировое искусство и культура.
Одним из самых известных гениев итальянского возрождения, конечно же, является великий Леонардо да Винчи (1452-1519). Да Винчи был настолько одарён, что добился большого успеха во многих областях деятельности, в том числе, в изобразительных искусствах и науке. Ещё одним известнейшим художником, который является признанным мастером, является Сандро Боттичелли (1445-1510). Картины Боттичелли — это настоящий дар человечеству. Сегодня его плотна находятся в самых известных музеях мира и являются по-настоящему бесценными. Не менее знаменитым, чем Леонардо да Винчи и Боттичелли, является и Рафаэль Санти (1483-1520), который прожил 38 лет, и за это время успел создать целый пласт ошеломительной живописи, которая стала одним из ярких примеров Раннего Возрождения. Ещё одним великим гением итальянского Возрождения, без сомнения, является Микеланджело Буонаротти (1475-1564). Помимо живописи, Микеланджело занимался скульптурой, архитектурой и поэзией, и добился в этих видах искусства больших результатов. Статуя Микеланджело под названием «Давид» считается непревзойдённым шедевром, примером высшего достижения искусства скульптуры.
Помимо художников, о которых говорилось выше, величайшими художниками Италии эпохи Возрождения, стали такие мастера, как Антонелло да Мессина, Джованни Беллини, Джорджоне, Тициан, Паоло Веронезе, Якопо Тинторетто, Доменико Фетти, Бернардо Строцци, Джованни Баттиста Тьеполо, Франческо Гварди и другие. Все они были ярким примером восхитительной венецианской школы живописи. К Флорентийской школе итальянской живописи принадлежат такие художники, как: Мазаччо, Андреа дель Верроккьо, Паоло Уччелло, Андреа дель Кастаньо, Беноццо Гоццоли, Сандро Боттичелли, Фра Анджелико, Филиппо Липпи, Пьеро ди Козимо, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Фра Бартоломмео, Андреа дель Сарто.
Чтобы перечислить всех художников, которые работали в эпоху Возрождения, а также во времена позднего Возрождения, и спустя столетия, которые стали известны на весь мир и прославили искусство живописи, разработали основные принципы и законы, которые лежат в основе всех видов и жанров изобразительных искусств, пожалуй, понадобится написать несколько томов, однако и этого списка достаточно,чтобы понять, что Великие Итальянские художники — это то самое искусство, которое мы знаем, которое мы любим и которое будем ценить вечно!
Картины великих итальянских художников
Андреа Мантенья — Фреска в Камере дельи Спози
Джорджоне — Три философа
Леонардо да Винчи — Мона Лиза
Никола Пуссен — Великодушие Сципиона
Паоло Веронезе — Битва при Лепанто
При взгляде на картины эпохи Возрождения
, нельзя не восхититься четкостью линий, прекрасной цветовой палитрой и, что самое главное, невероятной реалистичностью передаваемых образов. Современные ученые долго ломали голову, как же мастерам того времени удавалось создавать такие шедевры, ведь письменных свидетельств о тонкостях и секретах техники исполнения не осталось. Английский художник и фотограф Дэвид Хокни утверждает, что он разгадал тайну художников Ренессанса, умевших писать «живые» картины.
Если сравнить разные временные периоды в истории живописи, то становится ясно, что в эпоху Возрождения (рубеж XIV-XV вв.) картины «вдруг» стали гораздо реалистичнее, чем ранее. Глядя на них, кажется, что персонажи вот-вот вздохнут, а на предметах заиграют солнечные зайчики.
Вопрос напрашивается сам собой: неужели художники эпохи Возрождения внезапно научились лучше рисовать, а картины стали получаться объемнее? На этот вопрос попытался ответить известный художник, график и фотограф Дэвид Хокни (David Hockney ).
В этом исследовании ему помогла картина Яна ван Эйка «Портрет четы Арнольфини» . На полотне можно отыскать немало любопытных деталей, а ведь оно написано в 1434 году. Особое внимание привлекает зеркало на стене и подсвечник под потолком, который выглядит удивительно реалистично. Дэвид Хокни сумел раздобыть подобный подсвечник и попытался его нарисовать. К большому удивлению художника, изобразить этот предмет в перспективе оказалось довольно сложно, да еще и блики света нужно передать так, чтобы было ясно, что это блеск металла. Кстати, до эпохи Ренессанса никто не брался за изображение бликов на металлической поверхности.
Когда трехмерная модель подсвечника была воссоздана, Хокни убедился, что на картине Ван Эйка его изобразили в перспективе с одной точкой схода. Но загвоздка состояла в том, что XV веке не было камеры-обскуры с линзой (оптическое устройство, при помощи которого можно создать проекцию).
Дэвид Хокни ломал голову, как же Ван Эйку удалось добиться такой реалистичности своих полотен. Но однажды он обратил внимание на изображение зеркала на картине. Оно было выпуклое. Стоит отметить, что в те времена зеркала были вогнутые, т. к. мастера еще не умели «приклеивать» оловянную подкладку к плоской поверхности стекла. Чтобы получить зеркало в XV веке, в стеклянную колбу заливали расплавленное олово, а затем отсекали верх, оставляя вогнутое блестящее дно. Дэвид Хокни понял, что Ван Эйк использовал вогнутое зеркало, через которое он смотрел, чтобы максимально реалистично нарисовать предметы.
В 1500-х годах мастера научились делать большие качественные линзы. Их вставили в камеру-обскуру, что позволило получить проекцию любого размера. Это стало настоящей революцией в технике реалистичного изображения. Вот только большинство людей на картинах «стали» левшами. Все дело в том, что прямая проекция линзы при использовании камеры-обскуры зеркальна. На картине Питера Геррица ван Роэстратена (Pieter Gerritsz van Roestraten) «Признание в любви (Буйный повар)», написанной около 1665-1670 гг., все персонажи – левши. Мужчина и женщина держат бокал и бутылку в левой руке, старик на заднем плане грозит им тоже левым пальцем. Даже обезьянка использует левую лапку, чтобы заглянуть женщине под платье.
Чтобы получить правильное, пропорциональное изображение, нужно было точно уставить зеркало, в которое направляется линза. Но не у всех художников получалось это сделать идеально, да и качественных зеркал тогда было немного. Из-за этого на некоторых картинах видно, как были не соблюдены пропорции: маленькие головы, большие плечи или ноги.
Использование художниками оптических устройств ни в коем случае не умаляет их таланта. Благодаря достигнутой реалистичности картин Ренессанса, современные обыватели теперь знают, как выглядели люди и бытовые предметы того времени.
Средневековые художники старались не только достичь реалистичности в своих картинах, но и зашифровать в них особые символы. Так, великолепный шедевр Тициана
