टी.जी

विदेशी देशों के संगीत साहित्य पर बुनियादी नोट्स संगीत साहित्य पर मौजूदा पाठ्यपुस्तकों के अतिरिक्त हैं। पाठ्यपुस्तक की सामग्री विषय PO.02.UP.03 के पाठ्यक्रम से मेल खाती है। संस्कृति मंत्रालय द्वारा अनुशंसित संगीत कला "पियानो", "स्ट्रिंग वाद्ययंत्र", "पवन और ताल वाद्ययंत्र", "लोक वाद्ययंत्र", "कोरल गायन" के क्षेत्र में अतिरिक्त पूर्व-पेशेवर सामान्य शैक्षिक कार्यक्रमों का "संगीत साहित्य" रूसी संघ का.

संगीत साहित्य पर बुनियादी नोट्स विशेष रूप से मानवीय शिक्षा और छात्रों की विशेष दक्षताओं को विकसित करने के लिए डिज़ाइन किए गए हैं: "... संगीत संबंधी सोच, धारणा के कौशल और संगीत कार्यों का विश्लेषण करने के लिए, संगीत रूप के नियमों, संगीत भाषा की बारीकियों, संगीत के अभिव्यंजक साधनों के बारे में ज्ञान प्राप्त करें" 1 .

पाठ्यपुस्तक में, संगीतकारों के काम को सांस्कृतिक और ऐतिहासिक युगों के संदर्भ में प्रस्तुत किया जाता है और ऐतिहासिक घटनाओं और संबंधित कलाओं के साथ निकट संबंध में अध्ययन किया जाता है। नोट्स की सामग्री वी.एन. ब्रायंटसेवा, वी.एस. गलात्सकाया, एल.वी. किरिलिना, वी.डी. कोनेन, टी.एन. लिवानोवा, आई.डी. प्रोखोरोवा और अन्य प्रसिद्ध संगीतज्ञों द्वारा संगीत और संगीत साहित्य के इतिहास पर शोध के मुख्य सिद्धांतों का प्रतिनिधित्व करती है, सामान्यीकृत और संक्षिप्त रूप में निर्देशात्मक सामग्री। तालिकाओं, आरेखों और दृश्य समर्थनों की। दृश्य समर्थन (प्रसिद्ध कलाकारों द्वारा चित्रों का पुनरुत्पादन, संगीतकारों, उनके रिश्तेदारों और दोस्तों के चित्र, उत्कृष्ट सांस्कृतिक और कलात्मक आंकड़े, ऐतिहासिक आंकड़े इत्यादि) न केवल मौखिक जानकारी के साथ और पूरक हैं, बल्कि ललित कला के क्षेत्र में जानकारी के वाहक हैं , संगीत में युगों और प्रवृत्तियों से सीधे संबंधित हैं, संगीतकारों का काम, यूरोपीय देशों के इतिहास, संस्कृति और कला को दर्शाता है।

सहायक नोट्स की सामग्री में चार खंड शामिल हैं, जो बदले में, प्राचीन ग्रीस की संगीत संस्कृति से लेकर 19वीं शताब्दी के रोमांटिक संगीतकारों के काम तक यूरोपीय संगीत के विकास की अवधि को कवर करने वाले विषयों में विभाजित हैं। इसलिए पहला खंड प्राचीन ग्रीस, मध्य युग और पुनर्जागरण की संगीत संस्कृति की जांच करता है। दूसरा खंड बारोक युग, जे.एस. बाख और जी.एफ. हैंडेल के कार्यों का अध्ययन करता है। तीसरा खंड क्लासिकिज्म के युग को समर्पित है, जहां विनीज़ क्लासिक्स - जे हेडन, डब्ल्यू ए मोजार्ट और एल बीथोवेन के काम पर जोर दिया गया है। चौथा खंड रूमानियत के युग, एफ. शुबर्ट और एफ. चोपिन के काम पर सामग्री प्रस्तुत करता है, और 19वीं सदी के रोमांटिक संगीतकारों एफ. मेंडेलसोहन, एफ. लिस्ज़त, आर. शुमान, जी. के काम का संक्षिप्त विवरण देता है। बर्लियोज़, डी. वर्डी, आर. वैगनर, आई. ब्राह्म्स, जे. बिज़ेट।

मैनुअल में पाठ में पाए जाने वाले अर्थों, शब्दों और अवधारणाओं के शब्दकोश, एक संक्षिप्त विश्लेषण और अध्ययन किए जा रहे कार्यों के संगीत उदाहरण भी शामिल हैं।

तालिकाओं और आरेखों में सामग्री की सख्त प्रस्तुति के साथ, मैनुअल में संगीतकारों के जीवन से दिलचस्प तथ्य शामिल हैं, जो एक कथा के रूप में प्रस्तुत किए गए हैं और रंगीन कलात्मक चित्रों के साथ हैं, जो बच्चों की धारणा और ध्यान को ताज़ा करते हैं।

विदेशी देशों के संगीत साहित्य पर बुनियादी नोट्स बच्चों के कला विद्यालयों, अध्ययन के दूसरे और तीसरे वर्ष (कक्षा 5 और 6) के बच्चों के संगीत विद्यालयों के छात्रों के लिए हैं, जो संगीत कला के क्षेत्र में अतिरिक्त पूर्व-पेशेवर सामान्य शिक्षा कार्यक्रमों में अध्ययन कर रहे हैं। . बच्चों के संगीत स्कूलों और बच्चों के कला स्कूलों के संगीत-सैद्धांतिक और विशेष विषयों के शिक्षक नई सामग्री का अध्ययन करते समय, कवर किए गए विषयों को दोहराने और व्यवस्थित करने, छात्रों के मध्यवर्ती और अंतिम प्रमाणीकरण की तैयारी, संगीत-सैद्धांतिक ओलंपियाड की तैयारी, स्वतंत्र कार्य के लिए पाठ्यपुस्तक का उपयोग कर सकते हैं। छात्रों, समूह और व्यक्तिगत प्रशिक्षण, आंशिक रूप से अतिरिक्त सामान्य विकास कार्यक्रमों को लागू करते समय संगीत कला का क्षेत्र, सांस्कृतिक और शैक्षिक गतिविधियों में।

सहायक नोट्स एक कार्यपुस्तिका के साथ आते हैं, जो कक्षा के पाठों में उपयोग के लिए है।

नीचे मैनुअल "विदेशी देशों के संगीत साहित्य पर बुनियादी नोट्स" के अंश हैं।

तात्याना गुरयेवना सेवलीवा के मैनुअल "विदेशी देशों के संगीत साहित्य पर बुनियादी नोट्स" की खरीद के संबंध में कृपया लेखक से संपर्क करें। [ईमेल सुरक्षित]

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शैक्षणिक विषय PO.02 के लिए 1 नमूना कार्यक्रम। यूपी.03. संगीत साहित्य. - मॉस्को 2012

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संगीत लाइब्रेरी हमें खुशी है कि आपने हमारी संगीत लाइब्रेरी में अपनी रुचि की सामग्री ढूंढी और डाउनलोड की। लाइब्रेरी को लगातार नए कार्यों और सामग्रियों के साथ अद्यतन किया जाता है, और अगली बार आपको निश्चित रूप से आपके लिए कुछ नया और दिलचस्प मिलेगा। प्रोजेक्ट लाइब्रेरी को पाठ्यक्रम के साथ-साथ छात्रों के प्रशिक्षण और क्षितिज को व्यापक बनाने के लिए अनुशंसित सामग्रियों के आधार पर संकलित किया गया है। छात्रों और शिक्षकों दोनों को यहां उपयोगी जानकारी मिलेगी, क्योंकि... पुस्तकालय में पद्धति संबंधी साहित्य भी शामिल है। हमारे पसंदीदा संगीतकार और कलाकार समकालीन कलाकार यहां आपको उत्कृष्ट कलाकारों, संगीतकारों, प्रसिद्ध संगीतकारों की जीवनियां और साथ ही उनके काम भी मिलेंगे। कार्य अनुभाग में हम प्रदर्शन की रिकॉर्डिंग पोस्ट करते हैं जो आपको सीखने में मदद करेगी; आप सुनेंगे कि यह काम कैसा लगता है, काम के लहजे और बारीकियाँ। हम classON.ru पर आपका इंतजार कर रहे हैं। वीएन ब्रायंटसेवा जोहान सेबेस्टियन बाख 1685 - 1750 वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट 1756 - 1791 फ्रांज शुबर्ट 1797 - 1828 www.classon.ru जोसेफ हेडन 1732 - 1809 लुडविग वान बीथोवेन 1770 - 1827 फ्राइडेरिक चोपिन 1810 - 1949 बच्चों की शिक्षा रूस में कला के क्षेत्र की जानकारी लगभग 10वीं शताब्दी ईसा पूर्व से इसकी प्रचुरता बढ़ती गई। ललित कला विकसित हो रही है - और कलाकार संगीतकारों को चित्रित करते हैं जो धार्मिक अनुष्ठानों, सैन्य अभियानों, शिकार, औपचारिक जुलूसों और गायन और वाद्ययंत्रों के साथ नृत्य करते हैं। ऐसी छवियां, विशेष रूप से, खुदाई के दौरान पाए गए मंदिरों और चीनी मिट्टी के फूलदानों की दीवारों पर संरक्षित की गईं। लेखन प्रकट होता है - और पांडुलिपियों के लेखक गीतों और भजनों में काव्यात्मक गीत जोड़ते हैं और संगीतमय जीवन के बारे में दिलचस्प जानकारी प्रदान करते हैं। समय के साथ, लेखक संगीत के बारे में दार्शनिक चर्चा, इसकी महत्वपूर्ण सामाजिक, शैक्षिक भूमिका के साथ-साथ इसकी भाषा के तत्वों के सैद्धांतिक अध्ययन पर बहुत ध्यान देते हैं। संगीत के बारे में इनमें से अधिकांश जानकारी प्राचीन विश्व के कुछ देशों में संरक्षित की गई है, उदाहरण के लिए प्राचीन चीन, प्राचीन भारत, प्राचीन मिस्र और विशेष रूप से तथाकथित प्राचीन देशों - प्राचीन ग्रीस और प्राचीन रोम में, जहां इसकी नींव रखी गई थी। यूरोपीय संस्कृति की नींव रखी2. जे.एस. बाख के लिए प्राचीन काल से संगीत का परिचय प्रिय दोस्तों! पिछले वर्ष आपके पास पहले से ही संगीत साहित्य का पाठ था। उन्होंने संगीत भाषा के बुनियादी तत्वों, कुछ संगीत रूपों और शैलियों, संगीत की अभिव्यंजक और दृश्य संभावनाओं और ऑर्केस्ट्रा पर चर्चा की। साथ ही, बातचीत विभिन्न युगों के बारे में स्वतंत्र रूप से आयोजित की गई - कभी प्राचीनता के बारे में, कभी आधुनिकता के बारे में, कभी-कभी हमसे कम या अधिक दूर सदियों की ओर लौटते हुए। और अब समय आ गया है कि संगीत साहित्य से कालानुक्रमिक-ऐतिहासिक-क्रम1 में परिचित हुआ जाए। प्राचीन ग्रीस में संगीत के बारे में प्राचीन दुनिया के संगीत के बारे में जानकारी किस तरह से हम तक पहुंची है? पुरातनता की महान सांस्कृतिक और ऐतिहासिक भूमिका का ठोस सबूत यह तथ्य है कि प्राचीन ग्रीस में 8 वीं शताब्दी ईसा पूर्व में सार्वजनिक खेल प्रतियोगिताएं - ओलंपिक खेल - पैदा हुए। और दो शताब्दियों के बाद, वहां संगीत प्रतियोगिताएं आयोजित की जाने लगीं - पाइथियन गेम्स, जिन्हें आधुनिक प्रतियोगिताओं का दूर का पूर्वज माना जा सकता है। पाइथियन खेल कला के संरक्षक, सूर्य और प्रकाश के देवता, अपोलो के सम्मान में बनाए गए मंदिर में हुए थे। मिथकों के अनुसार, उन्होंने ही राक्षसी नाग अजगर को हराकर इन खेलों की स्थापना की थी। यह ज्ञात है कि आर्गोस के सक्कड़ ने एक बार उन पर जीत हासिल की थी, औलोस पर बजाते हुए, ओबो के करीब एक पवन वाद्ययंत्र, अपोलो और पायथन के बीच संघर्ष के बारे में एक कार्यक्रम का टुकड़ा। प्राचीन ग्रीक संगीत का कविता, नृत्य और रंगमंच के साथ एक विशिष्ट संबंध था . महान कवि होमर की वीर महाकाव्य कविताएँ "इलियड" और "ओडिसी" का गायन किया गया। गायक आमतौर पर, पौराणिक ऑर्फ़ियस की तरह, काव्य पाठ और संगीत दोनों के लेखक थे, और वे स्वयं वीणा बजाते थे। उत्सव में, मूकाभिनय इशारों के साथ सामूहिक नृत्य गाने प्रस्तुत किए गए। प्राचीन यूनानी त्रासदियों और हास्य में, एक बड़ी भूमिका कोरस की थी: इसने कार्रवाई पर टिप्पणी की, इसके प्रति अपना दृष्टिकोण व्यक्त किया। खुदाई करते हुए, पुरातात्विक वैज्ञानिकों को सबसे सरल संगीत वाद्ययंत्र मिले (उदाहरण के लिए, पवन वाद्ययंत्र - ड्रिल किए गए छेद वाले जानवरों की हड्डियां) और यह निर्धारित किया कि वे लगभग चालीस हजार वर्ष पहले बनाये गये थे। नतीजतन, संगीत की कला पहले से ही अस्तित्व में थी। 1877 में ध्वनि की यांत्रिक रिकॉर्डिंग और पुनरुत्पादन के लिए पहला उपकरण फोनोग्राफ के आविष्कार के बाद, संगीतकार-शोधकर्ताओं ने दुनिया के उन कोनों की यात्रा करना शुरू कर दिया जहां कुछ जनजातियों ने अभी भी अपनी आदिम जीवन शैली को संरक्षित रखा है। ऐसी जनजातियों के प्रतिनिधियों से, उन्होंने एक फोनोग्राफ का उपयोग करके गायन और वाद्य धुनों के नमूने रिकॉर्ड किए। लेकिन ऐसी रिकॉर्डिंग, निश्चित रूप से, केवल एक अनुमानित विचार देती है कि उन प्राचीन काल में संगीत कैसा था। शब्द "क्रोनोलॉजी" (इसका अर्थ है "समय में ऐतिहासिक घटनाओं का क्रम") दो ग्रीक शब्दों - "क्रोनोस" ("समय") और "लोगो" ("शिक्षण") से आया है। 1 लैटिन शब्द "एंटीगुअस" का अर्थ "प्राचीन" है। इससे प्राप्त परिभाषा "प्राचीन" प्राचीन ग्रीस और प्राचीन रोम के इतिहास और संस्कृति को संदर्भित करती है। 2 2 www.classon.ru रूस में नायकों के कार्यों के लिए कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। आधुनिक संगीतशास्त्रियों के पास प्राचीन विश्व के संगीत के बारे में निश्चित जानकारी है और फिर भी वे अन्य कलाओं के इतिहासकारों से ईर्ष्या करते हैं। प्राचीन वास्तुकला, प्राचीन ललित कला, विशेष रूप से मूर्तिकला के शानदार स्मारकों की एक बड़ी संख्या को संरक्षित किया गया है; महान प्राचीन नाटककारों की त्रासदियों और हास्य के ग्रंथों के साथ कई पांडुलिपियों की खोज की गई है। लेकिन उन्हीं युगों में और बहुत बाद में भी बनाई गई संगीत रचनाएँ हमारे लिए अनिवार्य रूप से अज्ञात बनी हुई हैं। ऐसा क्यों हुआ? तथ्य यह है कि संगीत संकेतन (नोटेशन) की एक पर्याप्त सटीक और सुविधाजनक प्रणाली का आविष्कार करना, जिसमें आप में से प्रत्येक ने संगीत सीखना शुरू करते समय महारत हासिल की थी, एक बहुत मुश्किल काम निकला। इसे सुलझाने में कई सदियां लग गईं. सच है, प्राचीन यूनानियों ने अक्षर संकेतन का आविष्कार किया था। उन्होंने वर्णमाला के कुछ अक्षरों के साथ संगीत विधाओं की डिग्री निर्दिष्ट की। लेकिन लयबद्ध प्रतीक (डैश से) हमेशा नहीं जोड़े जाते थे। केवल 19वीं शताब्दी ई. के मध्य में ही वैज्ञानिकों ने अंततः इस अंकन के रहस्यों को उजागर किया। हालाँकि, यदि वे प्राचीन ग्रीक संगीत पांडुलिपियों में ऊंचाई में ध्वनियों के अनुपात को सटीक रूप से समझने में सक्षम थे, तो अवधि में अनुपात केवल लगभग था। और ऐसी बहुत कम पांडुलिपियाँ पाई गई हैं, और उनमें केवल कुछ एकल-स्वर कार्यों (उदाहरण के लिए, भजन) की रिकॉर्डिंग और अधिक बार - उनके अंश शामिल हैं। पर्याप्त दृश्यता. इसलिए, संगीतकार लंबे समय से सहायक संकेत चिह्नों का उपयोग करते रहे हैं। इन चिह्नों को मंत्रों के शब्दों के ऊपर रखा गया था और या तो व्यक्तिगत ध्वनियों या उनके छोटे समूहों को नामित किया गया था। उन्होंने न तो ऊंचाई में और न ही अवधि में ध्वनियों के सटीक संबंध का संकेत दिया। लेकिन अपनी रूपरेखा के साथ, उन्होंने कलाकारों को राग की गति की दिशा की याद दिला दी, जो इसे दिल से जानते थे और इसे एक पीढ़ी से दूसरी पीढ़ी तक पहुंचाते थे। पश्चिमी और मध्य यूरोप के देशों में, जिनके संगीत पर इस पाठ्यपुस्तक में बाद में चर्चा की जाएगी, ऐसे प्रतीकों को न्यूमा कहा जाता था। प्राचीन कैथोलिक धार्मिक मंत्रों - ग्रेगोरियन मंत्रों को रिकॉर्ड करते समय न्यूमास का उपयोग किया जाता था। यह सामान्य नाम पोप ग्रेगरी I3 के नाम से लिया गया है। किंवदंती के अनुसार, छठी शताब्दी के अंत में उन्होंने इन मोनोफोनिक मंत्रों का मुख्य संग्रह संकलित किया। चर्च सेवाओं के दौरान केवल पुरुषों और लड़कों द्वारा गाए जाने का इरादा - एकल और गाना बजानेवालों द्वारा एक साथ, वे लैटिन 4 में प्रार्थना ग्रंथों के लिए लिखे गए हैं। ग्रेगोरियन मंत्र की प्रारंभिक गैर-अपरिवर्तनीय रिकॉर्डिंग को समझा नहीं जा सकता है। लेकिन 11वीं शताब्दी में, इतालवी भिक्षु गुइडो डी'अरेज़ो ("अरेज़ो से") ने संकेतन की एक नई विधि का आविष्कार किया। उन्होंने मठ में लड़के गायकों को पढ़ाया और चाहते थे कि उनके लिए आध्यात्मिक मंत्रों को याद करना आसान हो। उस समय तक, न्यूमास को एक क्षैतिज रेखा पर ऊपर और नीचे रखा जाने लगा। यह रेखा एक विशिष्ट ध्वनि के अनुरूप थी और इस तरह रिकॉर्डिंग की अनुमानित ऊंचाई का स्तर स्थापित हुआ। और गुइडो चार समानांतर रेखाएं खींचने का विचार लेकर आए ( "शासकों") को एक-दूसरे से समान दूरी पर रखना और उन पर और उनके बीच में न्यूमा रखना। इस तरह से पूर्वज आधुनिक संगीत संकेतन पैदा हुए - एक सख्ती से खींची गई रूपरेखा की तरह, जिसने टोन में ध्वनियों के पिच संबंध को सटीक रूप से इंगित करना संभव बना दिया और अर्धस्वर। और साथ ही, संगीत संकेतन अधिक दृश्यमान हो गया - जैसे कि राग की गति, उसके मोड़ को दर्शाने वाला एक चित्र। गुइडो ने पंक्तियों के अनुरूप ध्वनियों को लैटिन अक्षरों वर्णमाला के साथ नामित किया। उनकी रूपरेखा बाद में बदलने लगी और अंततः चिन्हों में बदल गए, जिन्हें चाबियाँ कहा जाता था। और शासकों पर और उनके बीच "बैठे" न्यूमा, समय के साथ अलग-अलग नोटों में बदल गए, जिनके सिरों में पहले वर्गों का आकार था। प्रश्न एवं कार्य 1. वैज्ञानिकों के अनुसार, सबसे पुराने संगीत वाद्ययंत्र कब बनाये गये थे? इसका अर्थ क्या है? 2. फ़ोनोग्राफ क्या है, इसका आविष्कार कब हुआ और शोधकर्ताओं ने इसका उपयोग कैसे शुरू किया? 3. प्राचीन विश्व के किन देशों के संगीत के बारे में सबसे अधिक जानकारी संरक्षित की गई है? मानचित्र से ज्ञात कीजिए कि ये तीनों देश किस समुद्र के आसपास स्थित थे। 4. प्राचीन संगीत प्रतियोगिताएँ - पाइथियन गेम्स - कब और कहाँ आयोजित होने लगीं? 5. प्राचीन ग्रीस में संगीत किस कला से निकटता से जुड़ा था? 6. प्राचीन यूनानियों ने किस संकेतन का आविष्कार किया था? यह ग़लत कैसे है? "पोप" की उपाधि उस पादरी द्वारा धारण की जाती है जो एक अंतरराष्ट्रीय आध्यात्मिक संगठन के रूप में कैथोलिक चर्च का प्रमुख होता है। कैथोलिकवाद रूढ़िवादी और प्रोटेस्टेंटवाद के साथ ईसाई धर्मों में से एक है। 4 प्राचीन रोमवासी लैटिन भाषा बोलते थे। 476 में रोमन साम्राज्य के पतन के बाद धीरे-धीरे लैटिन भाषा बोली जाना बंद हो गई। इससे तथाकथित रोमांस भाषाएँ आईं - इतालवी, फ्रेंच, स्पेनिश, पुर्तगाली। 3 सुविधाजनक अंकन का निर्माण कैसे हुआ मध्य युग में (इस ऐतिहासिक काल की शुरुआत छठी शताब्दी ई.पू. मानी जाती है) अक्षर अंकन को लगभग भुला दिया गया था। इसमें 3 www.classon.ru शामिल नहीं थे रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा अंकन की एक नई पद्धति के बारे में अफवाहें - किसी तरह के चमत्कार की तरह - पोप जॉन XIX तक पहुंच गईं। उन्होंने गुइडो को बुलाया और एक आविष्कृत रिकॉर्डिंग से एक अज्ञात राग गाया। इसके बाद, समानांतर रेखाओं की संख्या कई बार बदली गई, कभी-कभी तो बढ़कर अठारह तक हो गई। यह केवल 17वीं शताब्दी के अंत में था कि वर्तमान पांच-पंक्ति कर्मचारी "जीता" था। हमने कई अलग-अलग कुंजियों का उपयोग किया। केवल 19वीं शताब्दी में ही ट्रेबल और बास क्लीफ़ का सबसे अधिक उपयोग किया जाने लगा। गुइडो डी'अरेज़ो के आविष्कार के बाद, उन्होंने एक और कठिन समस्या को हल करने में काफी समय बिताया - संकेतन को कैसे सुधारें ताकि यह न केवल ऊंचाई में, बल्कि अवधि में भी ध्वनियों के सटीक संबंध को इंगित करे। कुछ समय बाद, वे आए इसके लिए अलग-अलग आकार के नोट प्रतीकों का उपयोग करने का विचार आया। लेकिन सबसे पहले, इसमें कई पारंपरिक नियम जोड़े गए, जिससे इसे व्यवहार में लागू करना मुश्किल हो गया। और कई शताब्दियों के दौरान, एक अधिक सुविधाजनक संकेतन धीरे-धीरे विकसित किया गया - बिल्कुल वही जिसे हम अब भी उपयोग करना जारी रखते हैं। 17वीं शताब्दी की शुरुआत के बाद, इसमें केवल विस्तार से सुधार किया गया था। और इसका लयबद्ध सिद्धांत, जिसे हम इतने लंबे समय से ढूंढ रहे थे, अब लगता है अस्तित्व में सबसे सरल चीज़ बनें: इसमें यह तथ्य शामिल है कि अवधि में एक पूरा नोट हमेशा दो हिस्सों के बराबर होता है - अन्य शैली में, एक आधा - दो चौथाई, एक चौथाई - दो आठवां, और इसी तरह। बार लाइन शुरू हुई 16वीं शताब्दी में बारों को अलग करना, और संगीत संकेतन की शुरुआत में आकार को 17वीं शताब्दी से बिना किसी असफलता के इंगित किया जाने लगा। हालाँकि, उस समय न केवल संगीत पांडुलिपियाँ थीं, बल्कि मुद्रित संगीत भी थे। संगीत के लिए मुद्रण मुद्रण के आविष्कार के तुरंत बाद शुरू हुआ - 15वीं शताब्दी के अंत में। प्राचीन विश्व में और मध्य युग में लंबे समय तक, संगीत, एक नियम के रूप में, मोनोफोनिक था। केवल कुछ साधारण अपवाद थे। उदाहरण के लिए, एक गायक ने कोई वाद्ययंत्र बजाते समय एक गाना प्रस्तुत किया और उसकी नकल कर ली (अर्थात साथ ही उसे पुन: प्रस्तुत भी कर दिया)। इस मामले में, आवाज और उपकरण कभी-कभी थोड़ा अलग हो सकते हैं, एक दूसरे से भटक सकते हैं और जल्द ही फिर से एक साथ आ सकते हैं। इस प्रकार, एक मोनोफोनिक ध्वनि धारा में, दो-स्वर के "द्वीप" प्रकट हुए और गायब हो गए। लेकिन पहली और दूसरी सहस्राब्दी ईस्वी के मोड़ पर, पॉलीफोनिक शैली लगातार विकसित होने लगी और बाद में पेशेवर संगीत कला में प्रमुख हो गई। यह जटिल और लंबे समय तक चलने वाला गठन मुख्य रूप से कैथोलिक चर्च संगीत के क्षेत्र में केंद्रित था। मामला निम्नलिखित तकनीक के आविष्कार (किसके द्वारा - अज्ञात) से शुरू हुआ। एक गायक (या कई गायक) ने मुख्य आवाज़ गाई - ग्रेगोरियन मंत्र की धीमी, बहती धुन। और दूसरी आवाज़ सख्ती से समानांतर में चलती थी - बिल्कुल उसी लय में, केवल हर समय एक सप्तक, या चौथाई, या पाँचवीं की दूरी पर। अब हमारे कानों को यह बहुत ख़राब, "खाली" लगता है। लेकिन एक हजार साल पहले, चर्च या कैथेड्रल के मेहराब के नीचे गूंजने वाला ऐसा गायन, आश्चर्यचकित और प्रसन्न होता था, जिससे संगीत के लिए नई अभिव्यंजक संभावनाएं खुलती थीं। कुछ समय बाद, चर्च के संगीतकारों ने दूसरी आवाज़ के संचालन के लिए अधिक लचीले और विविध तरीकों की तलाश शुरू कर दी। और फिर वे अधिक से अधिक कुशलता से तीन, चार आवाजों और बाद में कभी-कभी इससे भी अधिक आवाजों को संयोजित करने लगे। प्रश्न एवं कार्य 1. व्यवहार में अक्षर अंकन असुविधाजनक क्यों था? 2. न्यूमास ने मध्यकालीन गायकों को क्या बताया? 3. ग्रेगोरियन मंत्र क्या है और इसे ऐसा क्यों कहा जाता है? 4. गुइडो डी'अरेज़ो के आविष्कार का सार स्पष्ट करें। 5. गुइडो के आविष्कार के बाद अगली समस्या क्या थी जिसे हल करने की आवश्यकता थी? 6. कब से संकेतन में महत्वपूर्ण बदलाव नहीं हुआ? तीन और चार स्वरों के साथ लंबे मंत्र जो पहले से ही थे एक दूसरे से स्पष्ट रूप से अलग 13 वीं शताब्दी की शुरुआत में चर्च संगीतकार पेरोटिन द्वारा बनाए गए थे। वह गायन कला का एक उत्कृष्ट प्रतिनिधि था - पेरिसियन "स्कूल ऑफ नोट्रे डेम" ("स्कूल ऑफ अवर लेडी")। पेरोटिन के मंत्र बजते थे उल्लेखनीय सुंदरता की एक इमारत। यह मध्ययुगीन गोथिक वास्तुकला का एक प्रसिद्ध स्मारक है, जिसका वर्णन 19वीं सदी के फ्रांसीसी लेखक विक्टर ह्यूगो ने प्रसिद्ध उपन्यास "नोट्रे डेम डे पेरिस" में किया है। संगीत में पॉलीफोनी का विकास कैसे शुरू हुआ। इस तरह पॉलीफोनी की शुरुआत हुई विकसित करना। ग्रीक से अनुवादित, इस शब्द का अर्थ है "पॉलीफोनी।" लेकिन पॉलीफोनी केवल एक प्रकार की पॉलीफोनी है जिसमें दो या दो से अधिक समान आवाजें एक साथ बजती हैं, इसके अलावा, उनमें से प्रत्येक की अपनी स्वतंत्र मधुर रेखा होती है। यदि एक आवाज मुख्य का नेतृत्व करती है माधुर्य, और अन्य इसके अधीन हैं (इसके साथ, इसके साथ), तो यह होमोफोनी है - दूसरा। नोटेशन के सुधार के लिए धन्यवाद, धीरे-धीरे, विशेष रूप से 13 वीं शताब्दी से, संगीत पांडुलिपियां अधिक से अधिक सटीक व्याख्याकार बन गईं। इससे न केवल संगीत संस्कृति के बारे में जानकारी से, बल्कि पिछले युगों के संगीत से भी परिचित होना संभव हो गया। यह कोई संयोग नहीं था कि अंकन की सफलताएँ पॉलीफोनी के विकास की शुरुआत के साथ मेल खाती थीं - संगीत कला के इतिहास में एक महत्वपूर्ण चरण। 4 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, जनसमूह एक प्रमुख संगीत शैली बन गई है। नियमित मास 5 में लैटिन प्रार्थना ग्रंथों पर आधारित छह मुख्य मंत्र शामिल हैं। ये हैं "किरियो एलिज़ोन" ("भगवान, दया करो"), "ग्लोरिया" ("महिमा"), "क्रेडो" ("आई बिलीव"), "सैंक्टस" ("पवित्र"), "बेनेडिक्टस" ("धन्य") ) और "अग्नस देई" ("भगवान का मेमना")। प्रारंभ में, ग्रेगोरियन मंत्र जनसमूह में एक स्वर में बजता था। लेकिन 15वीं शताब्दी के आसपास, द्रव्यमान जटिल पॉलीफोनिक भागों 6 के चक्र में बदल गया। साथ ही, नकल का उपयोग बहुत कुशलता से किया जाने लगा। लैटिन से अनुवादित, "इमिटेटियो" का अर्थ है "अनुकरण।" संगीत में, कोई कभी-कभी अतिरिक्त-संगीत ध्वनियों की नकल कर सकता है, उदाहरण के लिए, कोकिला की ट्रिल, कोयल की कूक, या समुद्र की लहरों की आवाज़। इसे तब ओनोमेटोपोइया या ध्वनि-कल्पना कहा जाता है। और संगीत में नकल एक ऐसी तकनीक है, जब एक स्वर में समाप्त होने वाले राग का अनुसरण करते हुए, दूसरी आवाज उसे किसी अन्य ध्वनि से सटीक रूप से (या बिल्कुल सटीक नहीं) दोहराती है। फिर अन्य आवाजें भी उसी तरह प्रवेश कर सकती हैं। होमोफ़ोनिक संगीत में, नकलें संक्षेप में प्रकट हो सकती हैं। और पॉलीफोनिक संगीत में यह मुख्य विकास तकनीकों में से एक है। यह मधुर गति को लगभग निरंतर बनाने में मदद करता है: सभी आवाजों में एक साथ विराम और ताल पॉलीफोनिक संगीत में केवल दुर्लभ अपवादों के रूप में होते हैं। नकल को अन्य पॉलीफोनिक तकनीकों के साथ जोड़कर, संगीतकारों ने अपने बड़े पैमाने पर कोरल रचनाएँ बनाईं जिनमें चार या पाँच आवाज़ें एक जटिल ध्वनि बनावट में गुंथ जाती हैं। इसमें ग्रेगोरियन मंत्र की धुन को पहचानना पहले से ही मुश्किल है और प्रार्थना के शब्दों को सुनना भी उतना ही मुश्किल है। ऐसे जनसमूह भी थे जहां लोकप्रिय धर्मनिरपेक्ष गीतों की धुनों को मुख्य के रूप में इस्तेमाल किया जाता था। इस स्थिति ने सर्वोच्च कैथोलिक चर्च अधिकारियों को चिंतित कर दिया। 16वीं शताब्दी के मध्य में, यह चर्च सेवाओं के दौरान पॉलीफोनिक गायन पर पूरी तरह से प्रतिबंध लगाने जा रहा था। लेकिन इस तरह का प्रतिबंध अद्भुत इतालवी संगीतकार फ़िलिस्तीना की बदौलत नहीं हुआ, जिन्होंने अपना लगभग पूरा जीवन रोम में बिताया और पोप दरबार के करीब थे (उनका पूरा नाम जियोवानी पियरलुइगी दा फ़िलिस्तीना है, यानी "फ़िलिस्तीना से" - ए) रोम से ज्यादा दूर नहीं छोटा शहर)। फिलिस्तीन, अपने जनसमूह के साथ (और उन्होंने उनमें से सौ से अधिक लिखे), एक प्रकार की पॉलीफोनी हासिल करने में कामयाब रहे। चूँकि संगत का आधार कॉर्ड-हार्मोनिक है, इसलिए संगीत प्रस्तुति की होमोफ़ोनिक संरचना को होमोफ़ोनिक-हार्मोनिक भी कहा जाता है। प्रश्न एवं कार्य 1. कब से संगीत पांडुलिपियों को अधिक सटीकता से समझा जाने लगा? 2. संगीत कला के इतिहास में संकेतन की सफलताएँ किस महत्वपूर्ण नए चरण के साथ मेल खाती हैं? 3. पॉलीफोनी कब, किस संगीत में और किन धुनों के आधार पर लगातार बनने लगी? 4. समानान्तर द्विस्वर क्या था? कई समानान्तर चतुर्थ, पंचम और सप्तक एक साथ गाएँ। 5. पॉलीफोनी और होमोफोनी के बीच क्या अंतर है? पॉलीफोनी का विकास कैसे जारी रहा जबकि चर्च गायन में पॉलीफोनी का विकास शुरू हुआ, धर्मनिरपेक्ष संगीत में मोनोफोनी का बोलबाला रहा। उदाहरण के लिए, 12वीं-14वीं शताब्दी में मध्यकालीन कवियों और गायकों द्वारा रचित और प्रस्तुत किए गए एक-स्वर वाले गीतों की कई रिकॉर्डिंग को समझ लिया गया है। फ़्रांस के दक्षिण में, प्रोवेंस में, उन्हें ट्रौबैडोर्स कहा जाता था, फ़्रांस के उत्तर में - ट्रौवेरेस, जर्मनी में - मिनेसिंगर्स। उनमें से कई प्रसिद्ध शूरवीर थे और अपने गीतों में वे अक्सर उस "गोरी महिला" की सुंदरता और गुणों का गुणगान करते थे जिसकी वे पूजा करते थे। इन कवि-गायकों के गीतों की धुन अक्सर नृत्य धुनों सहित लोक धुनों के करीब होती थी, और लय काव्य पाठ की लय के अधीन होती थी। बाद में, 14वीं-16वीं शताब्दी में, कारीगरों के बीच से जर्मन कवि-गायक खुद को मिस्टरसिंगर ("मास्टर गायक") कहते हुए गिल्ड में एकजुट हो गए। चर्च पॉलीफोनी और धर्मनिरपेक्ष गीत मोनोफोनी एक-दूसरे से अलग नहीं हुए। इस प्रकार, आध्यात्मिक मंत्रों में ग्रेगोरियन मंत्र में जो आवाजें जोड़ी गईं, उनमें धर्मनिरपेक्ष गीतों (उदाहरण के लिए, ट्रौबाडोर्स और ट्रौवेरेस के गीत) का प्रभाव ध्यान देने योग्य हो गया। उसी समय, 13 वीं शताब्दी के अंत तक, विशुद्ध रूप से धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक रचनाएँ सामने आईं फ़्रांस, जहां सभी आवाज़ों के हिस्से एक गीत प्रकृति की धुनों पर आधारित थे, और ग्रंथों की रचना लैटिन में नहीं, बल्कि फ्रेंच में की गई थी। समय के साथ, कैथोलिक चर्च संगीत में चर्च की छुट्टियों के लिए समर्पित विशेष जन भी हैं। आइए याद करें कि एक चक्र कई अलग-अलग हिस्सों (या नाटकों) का एक काम है, जो एक सामान्य अवधारणा से एकजुट होता है। 7 ताल (ताल) - एक मधुर और हार्मोनिक मोड़ जो संपूर्ण संगीत कार्य या उसके खंड 5 6 5 www.classon.ru बच्चों को पूरा करता है रूस में कला के क्षेत्र में शिक्षा यह साबित करने के लिए कि पॉलीफोनिक रचनाएँ, बहुत कुशल रहते हुए, पारदर्शी लग सकती हैं और धार्मिक पाठ स्पष्ट रूप से सुने जा सकते हैं। फिलिस्तीन का संगीत तथाकथित सख्त शैली की प्राचीन कोरल पॉलीफोनी की चोटियों में से एक है। यह हमें प्रबुद्ध, उत्कृष्ट चिंतन की दुनिया में ले जाता है - मानो एक समान, शांतिपूर्ण चमक उत्सर्जित कर रहा हो। कवि, संगीतकार, वैज्ञानिक और कला प्रेमी। वे संगत के साथ एक नए प्रकार का अभिव्यंजक एकल गायन बनाने और उसे नाट्य क्रिया के साथ संयोजित करने के विचार से मंत्रमुग्ध हो गए। इस तरह पहले ओपेरा का जन्म हुआ, जिनके कथानक प्राचीन पौराणिक कथाओं से लिए गए थे। सबसे पहले "डाफ्ने" है, जो संगीतकार जैकोपो पेरी (जे. कोरिया के साथ) और कवि ओ. रिनुकिनी द्वारा रचित है। यह 1597 में फ्लोरेंस में प्रदर्शित किया गया था (पूरा काम अब तक नहीं बचा है)। प्राचीन ग्रीक पौराणिक कथाओं में, डाफ्ने नदी देवता लाडन और पृथ्वी देवी गैया की बेटी है। अपोलो की खोज से भागते हुए, उसने देवताओं से मदद की प्रार्थना की और उसे लॉरेल (ग्रीक में "डाफ्ने" - "लॉरेल") - अपोलो का पवित्र वृक्ष में बदल दिया गया। चूंकि अपोलो को कला का संरक्षक देवता माना जाता था, पाइथियन खेलों के विजेताओं को, जिनमें से अपोलो को संस्थापक माना जाता था, लॉरेल पुष्पमाला से ताज पहनाया जाने लगा। लॉरेल पुष्पांजलि और एक अलग लॉरेल शाखा जीत, महिमा और इनाम का प्रतीक बन गए हैं। 1600 में रचित दो अन्य ओपेरा (एक जे. पेरी द्वारा, दूसरा जी. कैसिनी द्वारा), दोनों को "यूरिडिस" कहा जाता है क्योंकि वे दोनों एक ही काव्य पाठ का उपयोग करते हैं, जो प्रसिद्ध गायक ऑर्फ़ियस के प्राचीन ग्रीक मिथक पर आधारित है। पहले इतालवी ओपेरा का प्रदर्शन महलों और कुलीन व्यक्तियों के घरों में किया जाता था। ऑर्केस्ट्रा में कुछ प्राचीन वाद्ययंत्र शामिल थे। इसका नेतृत्व एक संगीतकार ने किया था जो झांझ (हार्पसीकोर्ड का इतालवी नाम) बजाता था। अभी तक कोई प्रस्ताव नहीं था, और प्रदर्शन की शुरुआत की घोषणा तुरही धूमधाम से की गई थी। और मुखर भागों में, सस्वर पाठ प्रचलित था, जिसमें संगीत का विकास काव्य पाठ के अधीन था। हालाँकि, जल्द ही, संगीत ने ओपेरा में तेजी से स्वतंत्र और महत्वपूर्ण अर्थ प्राप्त करना शुरू कर दिया। इसकी महान योग्यता पहले उत्कृष्ट ओपेरा संगीतकार - क्लाउडियो मोंटेवेर्डी हैं। उनका पहला ओपेरा, ऑर्फ़ियस, 1607 में मंटुआ में मंचित किया गया था। इसका नायक फिर से वही महान गायक है, जिसने अपनी कला से मृतकों के अंडरवर्ल्ड के देवता हेडीज़ को प्रसन्न किया और ऑर्फ़ियस की प्रिय पत्नी यूरीडाइस को पृथ्वी पर रिहा कर दिया। लेकिन हेडीज़ की शर्त - अपना राज्य छोड़ने से पहले एक बार भी यूरीडाइस की ओर न देखना - ऑर्फ़ियस ने उल्लंघन किया और फिर से, हमेशा के लिए, उसे खो दिया। मोंटेवेर्डी के संगीत ने इस दुखद कहानी को अभूतपूर्व गीतात्मक और नाटकीय अभिव्यक्ति दी। मोंटेवेर्डी के ऑर्फ़ियस में गायन भाग, गायक मंडल और आर्केस्ट्रा एपिसोड चरित्र में बहुत अधिक विविध हो गए। इस काम में, एक मधुर एरिएटिक शैली ने आकार लेना शुरू किया - इतालवी ओपेरा संगीत का सबसे महत्वपूर्ण विशिष्ट गुण। फ्लोरेंस के उदाहरण के बाद, ओपेरा की रचना और प्रदर्शन न केवल मंटुआ में, बल्कि रोम, वेनिस और नेपल्स जैसे इतालवी शहरों में भी किया जाने लगा। अन्य यूरोपीय देशों में नई शैली में रुचि पैदा होने लगी और उनके प्रश्न और कार्य 1. ट्रौबैडोर्स, ट्रौवेर्स, मिनेसिंगर्स और मिस्टरसिंगर्स कौन हैं? 2. क्या प्राचीन चर्च पॉलीफोनी और धर्मनिरपेक्ष गीत की धुनों के बीच कोई संबंध है? 3. नियमित द्रव्यमान के मुख्य भागों के नाम बताइए। 4. संगीत में ओनोमेटोपोइया के उदाहरण दीजिए। 5. संगीत में अनुकरण किसे कहते हैं? 6. फ़िलिस्तीन ने अपनी जनता के बीच क्या हासिल किया? ओपेरा का जन्म. ओरटोरियो और कैंटाटा 17वीं शताब्दी की शुरुआत से ठीक पहले - ऐतिहासिक काल की पहली शताब्दी जिसे आधुनिक युग कहा जाता है - संगीत की कला में अत्यधिक महत्व की एक घटना घटी: ओपेरा का जन्म इटली में हुआ था। प्राचीन काल से ही विभिन्न नाट्य प्रदर्शनों में संगीत सुना जाता रहा है। उनमें, वाद्य और कोरल नंबरों के साथ, व्यक्तिगत गायन एकल, उदाहरण के लिए गाने, का प्रदर्शन किया जा सकता है। और ओपेरा में, गायक और गायिका अभिनेता और अभिनेत्री बन गए। ऑर्केस्ट्रा के साथ उनका गायन, मंचीय कार्रवाई के संयोजन में, प्रदर्शन की मुख्य सामग्री को व्यक्त करने लगा। यह दृश्यों, वेशभूषा और अक्सर नृत्य - बैले से पूरित होता है। इस प्रकार, ओपेरा में, संगीत ने विभिन्न कलाओं के घनिष्ठ सहयोग का नेतृत्व किया। इससे उनके लिए नई महान कलात्मक संभावनाएं खुल गईं। ओपेरा गायकों ने अभूतपूर्व शक्ति के साथ लोगों के व्यक्तिगत भावनात्मक अनुभवों को व्यक्त करना शुरू किया - हर्षित और दुखद दोनों। उसी समय, ओपेरा में अभिव्यक्ति का सबसे महत्वपूर्ण साधन आर्केस्ट्रा संगत के साथ एकल गायन आवाज का होमोफोनिक संयोजन था। और यदि 17वीं शताब्दी तक, पश्चिमी यूरोप में पेशेवर संगीत मुख्य रूप से चर्च में विकसित हुआ, और सबसे बड़ी शैली सामूहिक थी, तो संगीत थिएटर मुख्य केंद्र बन गया, और सबसे बड़ी शैली ओपेरा थी। 16वीं शताब्दी के अंत में, इतालवी शहर फ्लोरेंस में, एक मंडली ने रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा के लिए 6 www.classon.ru को इकट्ठा किया, शासकों ने इतालवी संगीतकारों को अपनी अदालती सेवा में आमंत्रित करने का रिवाज बनाया। इसने इस तथ्य में योगदान दिया कि इतालवी संगीत लंबे समय तक यूरोप में सबसे प्रभावशाली रहा। फ्रांस में, 17वीं शताब्दी में, इसका अपना राष्ट्रीय ओपेरा उभरा, जो इतालवी से अलग था। इसके संस्थापक, जीन-बैप्टिस्ट ल्यूली, जन्म से इतालवी हैं। फिर भी, उन्होंने फ्रांसीसी संस्कृति की विशिष्टताओं को सही ढंग से महसूस किया और एक अद्वितीय फ्रांसीसी ओपेरा शैली बनाई। लूली के ओपेरा में, एक ओर, सस्वर प्रकृति के सस्वर पाठ और छोटे अरिया द्वारा, और दूसरी ओर, बैले नृत्य, गंभीर मार्च और स्मारकीय कोरस द्वारा एक बड़े स्थान पर कब्जा कर लिया गया था। पौराणिक कथानकों, शानदार वेशभूषा और नाटकीय मशीनों की मदद से जादुई चमत्कारों के चित्रण के साथ, यह सब फ्रांसीसी राजा लुई XIV के शासनकाल के दौरान अदालत के जीवन की भव्यता और महिमा के अनुरूप था। जर्मनी में पहला ओपेरा, "डाफ्ने" (1627), प्री-बाख युग के सबसे बड़े जर्मन संगीतकार, हेनरिक शुट्ज़ द्वारा बनाया गया था। लेकिन उनका संगीत संरक्षित नहीं किया गया है. लेकिन देश में ओपेरा शैली के विकास के लिए परिस्थितियाँ अभी तक मौजूद नहीं थीं: वे वास्तव में केवल 19वीं शताब्दी के आगमन के साथ ही उभरीं। और शुट्ज़ के काम में, मुख्य स्थान आध्यात्मिक ग्रंथों पर आधारित अभिव्यंजक स्वर-वाद्य रचनाओं द्वारा कब्जा कर लिया गया था। 1689 में, उल्लेखनीय प्रतिभा के धनी संगीतकार हेनरी परसेल द्वारा पहला अंग्रेजी ओपेरा "डिडो एंड एनीस" लंदन में प्रदर्शित किया गया था। इस ओपेरा का संगीत अपने हृदयस्पर्शी गीतों, काव्यात्मक कल्पना और रंगीन लोक छवियों से मंत्रमुग्ध कर देता है। हालाँकि, परसेल की मृत्यु के बाद, लगभग दो शताब्दियों तक अंग्रेजी संगीतकारों के बीच कोई उत्कृष्ट संगीत रचनाकार नहीं था। 16वीं-17वीं शताब्दी के मोड़ पर, ओपेरा के साथ-साथ इटली में भी, कैंटाटा का जन्म हुआ। वे ओपेरा के समान हैं क्योंकि वे एकल कलाकारों, गायक मंडल और ऑर्केस्ट्रा द्वारा भी प्रस्तुत किए जाते हैं, और इसमें अरिया, सस्वर गायन, गायन समूह, गायक मंडल और आर्केस्ट्रा एपिसोड भी शामिल होते हैं। लेकिन ओपेरा में हम घटनाओं (कथानक) के विकास के बारे में न केवल एकल कलाकारों द्वारा गाए गए गीतों से सीखते हैं, बल्कि वे क्या करते हैं और आम तौर पर मंच पर क्या होता है, उससे भी सीखते हैं। लेकिन ऑरेटोरियो और कैंटाटा में कोई मंचीय कार्रवाई नहीं होती है। इन्हें बिना वेशभूषा या सजावट के एक संगीत कार्यक्रम में प्रस्तुत किया जाता है। लेकिन ऑरेटोरियो और कैंटाटा के बीच भी अंतर है, हालांकि यह हमेशा स्पष्ट नहीं होता है। आम तौर पर एक वक्तृत्व अधिक विकसित धार्मिक कथानक के साथ एक बड़ा काम होता है। इसमें अक्सर एक महाकाव्य-नाटकीय चरित्र होता है। इस संबंध में, ओटोरियो में अक्सर गायक-कहानीकार का कथात्मक सस्वर भाग शामिल होता है। एक विशेष प्रकार का आध्यात्मिक भाषण "जुनून" या "निष्क्रिय" है (लैटिन से "पीड़ा" के रूप में अनुवादित)। जुनून क्रूस पर चढ़ाए गए यीशु मसीह की पीड़ा और मृत्यु के बारे में बताता है। 7 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, मौखिक पाठ की सामग्री के आधार पर कैंटटास को आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष में विभाजित किया गया है। 17वीं शताब्दी में और 18वीं शताब्दी की शुरुआत में, इटली में कई छोटे, कक्ष कैंटटा उत्पन्न हुए। इनमें दो या तीन अरिया के साथ दो या तीन सस्वर पाठों को बारी-बारी से शामिल किया गया था। इसके बाद, मुख्य रूप से औपचारिक प्रकृति के कैंटटा व्यापक हो गए। विभिन्न निर्माणों के आध्यात्मिक कैंटटा और "जुनून" को जर्मनी में सबसे बड़ा विकास प्राप्त हुआ। एरियस, और गुणी मार्ग आंदोलन को तैनात करना आकर्षक है। कोरेली और विवाल्डी की विरासत में एक बड़ा स्थान तिकड़ी सोनाटा शैली का है। अधिकांश तिकड़ी सोनाटा में, दो मुख्य भाग वायलिन द्वारा बजाए जाते हैं, और तीसरा भाग, साथ वाला भाग, एक हार्पसीकोर्ड या ऑर्गन द्वारा बजाया जाता है, जिसमें बास की आवाज़ को सेलो या बैसून द्वारा दोगुना कर दिया जाता है। तिकड़ी सोनाटा के बाद, वायलिन या हार्पसीकोर्ड के साथ अन्य वाद्य यंत्र के लिए एक सोनाटा दिखाई दिया। साथ ही कंसर्टो ग्रोसो - ऑर्केस्ट्रा के लिए कंसर्टो (पहली स्ट्रिंग)। इन शैलियों के कई कार्यों को प्राचीन सोनाटा के रूप में चित्रित किया गया है। आमतौर पर यह "धीमे-तेज़-धीमे-तेज़" के गति अनुपात के साथ चार भागों का एक चक्र है। कुछ समय बाद, 18वीं शताब्दी में, विवाल्डी ने ऑर्केस्ट्रा संगत के साथ वायलिन और कुछ अन्य वाद्ययंत्रों के लिए एकल संगीत कार्यक्रम तैयार करना शुरू किया। वहाँ एक तीन-भागीय चक्र स्थापित किया गया: "तेज़-धीमा-तेज़।" प्रश्न एवं कार्य 1. ओपेरा का जन्म कहाँ और कब हुआ? बताएं कि ओपेरा संगीत के साथ नाटकीय प्रदर्शन से किस प्रकार भिन्न है। 2. ओपेरा संगीत में अभिव्यक्ति का सबसे महत्वपूर्ण साधन क्या है? 3. क्लाउडियो मोंटेवेर्डी के पहले ओपेरा का नाम क्या है और इसके संगीत में कौन से गुण स्पष्ट थे? 4. हमें प्राचीन फ्रांसीसी ओपेरा की विशेषताओं के बारे में बताएं। 5. जर्मनी में लिखे गए पहले ओपेरा और इंग्लैंड में लिखे गए पहले ओपेरा का नाम बताइए। 6. ऑरेटोरियो और कैंटाटा और ओपेरा के बीच मुख्य अंतर क्या है? 7. "जुनून" ("निष्क्रिय") क्या हैं? इस अंग का सदियों पुराना इतिहास प्राचीन मिस्र में शुरू हुआ। 17वीं शताब्दी तक, यह व्यापक कलात्मक संभावनाओं वाला एक बहुत ही जटिल उपकरण बन गया था। तब छोटे अंग निजी घरों में भी पाए जा सकते थे। उनका उपयोग शैक्षिक गतिविधियों के लिए किया जाता था, और उन पर लोक गीतों और नृत्यों की धुनों में विविधताएँ प्रदर्शित की जाती थीं। और पाइपों की चमचमाती पंक्तियों वाले बड़े अंग, नक्काशी से सजाए गए लकड़ी के पिंडों के साथ, चर्चों और गिरिजाघरों में, जैसे अब बजते हैं, बजते थे। आजकल कई कॉन्सर्ट हॉल में भी अंग उपलब्ध होते हैं। आधुनिक अंगों में कई हजार पाइप और सात कीबोर्ड (मैनुअल) तक होते हैं, जो एक सीढ़ी के चरणों की तरह एक के ऊपर एक स्थित होते हैं। इतने सारे पाइप इसलिए हैं क्योंकि वे समूहों - रजिस्टरों में विभाजित हैं। ध्वनि का एक अलग रंग (समय) प्राप्त करने के लिए रजिस्टरों को विशेष लीवर का उपयोग करके चालू और बंद किया जाता है। अंग भी पैडल से सुसज्जित हैं। यह एक संपूर्ण फ़ुट कीबोर्ड है जिसमें कई बड़ी कुंजियाँ हैं। उन्हें अपने पैरों से दबाकर, ऑर्गेनिस्ट बास ध्वनि उत्पन्न कर सकता है और लंबे समय तक बनाए भी रख सकता है (ऐसी निरंतर ध्वनियों को पैडल या ऑर्गन पॉइंट भी कहा जाता है)। लकड़ी की समृद्धि के संदर्भ में, सबसे हल्के पियानिसिमो की तुलना गड़गड़ाने वाले फोर्टिसिमो से करने की क्षमता के मामले में, संगीत वाद्ययंत्रों के बीच अंग का कोई समान नहीं है। 17वीं शताब्दी में, अंग कला जर्मनी में विशेष रूप से उच्च शिखर पर पहुंच गई। अन्य देशों की तरह, जर्मन चर्च ऑर्गेनिस्ट संगीतकार और कलाकार दोनों थे। उन्होंने न केवल आध्यात्मिक मंत्रोच्चार किया, बल्कि एकल प्रस्तुति भी दी। उनमें से कई प्रतिभाशाली गुणी और सुधारक थे जिन्होंने अपने खेल से लोगों की पूरी भीड़ को आकर्षित किया। उनमें से सबसे उल्लेखनीय में से एक है डायट्रिच बक्सटेहुड। युवा जोहान सेबेस्टियन बाख उनका खेल सुनने के लिए दूसरे शहर से पैदल आये थे। बक्सटेहुड की विविध और व्यापक कृति उस समय के मुख्य प्रकार के अंग संगीत का प्रतिनिधित्व करती है। एक ओर, ये 17वीं शताब्दी के वाद्य संगीत, इसकी शैलियों और रूपों के बारे में प्रस्तावनाएं, कल्पनाएं हैं। लंबे समय तक, वाद्ययंत्र बजाना अक्सर मुखर कार्यों में या नृत्य के साथ ध्वनि भागों को दोहराया जाता था। स्वर रचनाओं का वाद्य प्रतिलेखन भी आम था। वाद्य संगीत का स्वतंत्र विकास 17वीं शताब्दी में ही तीव्र हुआ। साथ ही, इसने उन कलात्मक तकनीकों को विकसित करना जारी रखा जो वोकल पॉलीफोनी में विकसित हुई थीं। वे गीत और नृत्य पर आधारित होमोफोनिक तत्वों से समृद्ध थे। इसी समय, वाद्य रचनाएँ ओपेरा संगीत की अभिव्यंजक उपलब्धियों से प्रभावित होने लगीं। शानदार गुणी क्षमताओं के साथ-साथ वायलिन की आवाज बहुत मधुर है। और यह ओपेरा की मातृभूमि, इटली में था, कि वायलिन संगीत विशेष रूप से सफलतापूर्वक विकसित होना शुरू हुआ। 17वीं शताब्दी के अंत में, आर्कान्जेलो कोरेली का काम फला-फूला और एंटोनियो विवाल्डी की रचनात्मक गतिविधि शुरू हुई। इन उत्कृष्ट इतालवी संगीतकारों ने वायलिन की भागीदारी और अग्रणी भूमिका के साथ कई वाद्य रचनाएँ बनाईं। उनमें, वायलिन ओपेरा टोकाटा में मानव आवाज के समान ही स्पष्ट रूप से गा सकता है। उनमें, पॉलीफोनिक एपिसोड स्वतंत्र रूप से कामचलाऊ लोगों के साथ वैकल्पिक होते हैं - मार्ग और तार। दूसरी ओर, ये अधिक सख्ती से निर्मित टुकड़े हैं जो फ्यूग्यू के उद्भव का कारण बने, जो अनुकरणात्मक पॉलीफोनी का सबसे जटिल रूप है। बक्सटेहुड ने कोरल प्रस्तावना के रूप में प्रोटेस्टेंट मंत्रों की कई अंग व्यवस्थाएं भी कीं। ग्रेगोरियन मंत्र के विपरीत, यह लैटिन में नहीं, बल्कि जर्मन में आध्यात्मिक मंत्रों का सामान्य नाम है। वे 16वीं शताब्दी में प्रकट हुए, जब एक नए प्रकार का ईसाई सिद्धांत, प्रोटेस्टेंटवाद, कैथोलिक धर्म से अलग हो गया। प्रोटेस्टेंट कोरल का मधुर आधार जर्मन लोक गीत थे। 17वीं शताब्दी में, प्रोटेस्टेंट कोरल को एक अंग की सहायता से सभी पैरिशवासियों द्वारा कोरस में प्रस्तुत किया जाने लगा। ऐसी कोरल व्यवस्था के लिए, ऊपरी स्वर में एक राग के साथ चार स्वर वाली तार संरचना विशिष्ट होती है। इसके बाद, ऐसी संरचना को कोरल कहा जाने लगा, भले ही यह किसी वाद्य यंत्र में होता हो। ऑर्गेनिस्टों ने तार वाले कीबोर्ड वाद्ययंत्र भी बजाए और उनके लिए रचनाएँ कीं। इन उपकरणों के कार्यों का सामान्य नाम कीबोर्ड संगीत8 है। तार वाले कीबोर्ड उपकरणों के बारे में पहली जानकारी 14वीं-15वीं शताब्दी से मिलती है। 17वीं शताब्दी तक, उनमें से सबसे आम हार्पसीकोर्ड था। फ्रांस में इसे यही कहा जाता है, इटली में इसे हार्पसीकोर्ड कहा जाता है, जर्मनी में इसे कीलफ्लुगेल कहा जाता है, इंग्लैंड में इसे हार्पसीकोर्ड कहा जाता है। फ्रांस में छोटे वाद्ययंत्रों का नाम एपिनेट है, इटली में - स्पिनेट्स, इंग्लैंड में - वर्जिनेल। हार्पसीकोर्ड पियानो का पूर्वज है, जो 18वीं शताब्दी के मध्य में उपयोग में आना शुरू हुआ। जब आप हार्पसीकोर्ड की चाबियाँ दबाते हैं, तो छड़ों पर लगे पंख या चमड़े की जीभ तारों को चुभने लगती हैं। इसका परिणाम अचानक, बजने वाली और साथ ही हल्की सी सरसराहट वाली आवाजें हैं। हार्पसीकोर्ड पर, ध्वनि की ताकत चाबियों के प्रहार के बल पर निर्भर नहीं करती है। इसलिए, इस पर क्रैसेन्डो और डिमिन्यूएन्डो बनाना असंभव है - पियानो के विपरीत, जिस पर तारों पर प्रहार करने वाले हथौड़ों के साथ चाबियों के अधिक लचीले कनेक्शन के कारण यह संभव है। हार्पसीकोर्ड में दो या तीन कीबोर्ड और एक उपकरण हो सकता है जो आपको ध्वनि का रंग बदलने की अनुमति देता है। एक अन्य छोटे कीबोर्ड उपकरण - क्लैविकॉर्ड - की ध्वनि हार्पसीकोर्ड की ध्वनि से कमजोर है। लेकिन क्लैविकॉर्ड पर अधिक मधुर वादन संभव है, क्योंकि इसके तारों को तोड़ा नहीं जाता, बल्कि उन पर धातु की प्लेटें दबाई जाती हैं। प्राचीन हार्पसीकोर्ड संगीत की मुख्य शैलियों में से एक एक ही कुंजी में लिखे गए कई संपूर्ण आंदोलनों का एक सूट है। प्रत्येक भाग आमतौर पर किसी न किसी प्रकार की नृत्य गतिविधि का उपयोग करता है। प्राचीन सुइट के आधार में अलग-अलग, हमेशा स्पष्ट रूप से पहचाने नहीं जाने वाले, राष्ट्रीय मूल के चार नृत्य शामिल हैं। ये हैं धीमे अल्लेमांडे (संभवतः मूल रूप से जर्मनी से), अधिक सक्रिय कूरेंटे (मूल रूप से फ्रांस से), धीमे सरबंदे (मूल रूप से स्पेन से) और तेज़ गिग (मूल रूप से आयरलैंड या इंग्लैंड से)। 17वीं सदी के अंत से, पेरिस के हार्पसीकोर्डिस्टों के उदाहरण का अनुसरण करते हुए, सुइट्स को मिनुएट, गावोटे, बौरी और पासियर जैसे फ्रांसीसी नृत्यों के साथ पूरक किया जाने लगा। उन्हें मुख्य नृत्यों के बीच डाला गया, जिससे अंतराल खंड बने (लैटिन से अनुवादित "इंटेग" का अर्थ है "बीच")। प्राचीन फ्रांसीसी हार्पसीकोर्ड संगीत लालित्य, अनुग्रह और मोर्डेंट्स और ट्रिल्स जैसे छोटे मधुर आभूषणों की प्रचुरता से प्रतिष्ठित है। फ़्रांसीसी हार्पसीकोर्ड शैली फ़्रांस्वा कूपेरिन (16 68 - 1733) के काम में विकसित हुई, जिसे महान उपनाम दिया गया था। उन्होंने लगभग ढाई सौ नाटकों की रचना की और उन्हें सत्ताईस सुइट्स में संयोजित किया। विभिन्न कार्यक्रम शीर्षकों वाले अंश धीरे-धीरे उनमें प्रबल होने लगे। अक्सर ये महिलाओं के लघु हार्पसीकोर्ड चित्रों की तरह होते हैं - कुछ चरित्र लक्षण, उपस्थिति, आचरण के उपयुक्त ध्वनि रेखाचित्र। उदाहरण के लिए, नाटक "ग्लॉमी", "टचिंग", "फुर्तीला", "एब्सट्रैक्ट", "शरारती" हैं। उनके महान समकालीन जोहान सेबेस्टियन बाख ने फ़्रेंच हार्पसीकोर्ड संगीत में बहुत रुचि दिखाई, जिसमें फ़्राँस्वा कूपेरिन के नाटक भी शामिल थे। प्रश्न एवं कार्य 1. वाद्य विधाओं का स्वतंत्र विकास कब तीव्र हुआ? 2. आर्कान्जेलो कोरेली और एंटोनियो विवाल्डी के पसंदीदा वाद्ययंत्र का नाम बताइए। 3. अंग की संरचना के बारे में बताएं। 4. किस देश में अंग कला विशेष रूप से उच्च शिखर पर पहुंची? प्रोटेस्टेंट कोरल क्या है? 5. हमें हार्पसीकोर्ड की संरचना के बारे में बताएं। प्राचीन हार्पसीकोर्ड सूट के मुख्य भागों में कौन सी नृत्य गतिविधियों का उपयोग किया जाता है? इसलिए, पाठ्यपुस्तक के परिचयात्मक खंड में प्राचीन काल से संगीत की दुनिया में कुछ महत्वपूर्ण घटनाओं का संक्षेप में परिचय दिया गया है। यह एक ऐतिहासिक "भ्रमण" था जिसका लक्ष्य 18वीं और 19वीं शताब्दी में काम करने वाले महान पश्चिमी यूरोपीय संगीतकारों की विरासत से खुद को परिचित कराने में मदद करना था। कुछ समय के लिए, कीबोर्ड संगीत सभी कीबोर्ड उपकरणों के संगीत को दिया गया नाम था, जिसमें कीबोर्ड-विंड उपकरण - ऑर्गन भी शामिल था। 8 9 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा जीवन पथ जोहान रॉड, परिवार, बचपन। जोहान सेबेस्टियन बाख का जन्म 1685 में थुरिंगिया में हुआ था, जो मध्य जर्मनी के क्षेत्रों में से एक, जंगलों से घिरे छोटे से शहर ईसेनच में था। थुरिंगिया में, तीस साल के युद्ध (1618-1648) के भयानक परिणाम, जिसमें यूरोपीय शक्तियों के दो बड़े समूह आपस में भिड़े थे, अभी भी महसूस किए जा रहे थे। जोहान सेबेस्टियन के पूर्वजों, जो जर्मन कारीगर और किसान परिवेश से निकटता से जुड़े थे, को इस विनाशकारी युद्ध से बचना पड़ा। उनके परदादा, जिनका नाम वीट था, एक बेकर थे, लेकिन उन्हें संगीत से इतना प्यार था कि उन्होंने कभी भी सितार (मैंडोलिन जैसा एक वाद्य यंत्र) नहीं छोड़ा, यहां तक ​​कि मिल में यात्रा के दौरान आटा पीसते समय भी बजाते थे। और उनके वंशजों में, जो पूरे थुरिंगिया और पड़ोसी क्षेत्रों में बस गए, इतने सारे संगीतकार थे कि इस पेशे को अपनाने वाले सभी लोगों को "बाख" कहा जाने लगा। ये चर्च के आयोजक, वायलिन वादक, बांसुरीवादक, तुरही वादक थे, कुछ ने संगीतकार के रूप में प्रतिभा दिखाई। वे शहर की नगर पालिकाओं की सेवा में थे और छोटी रियासतों और डचियों के शासकों के दरबार में थे, जिनमें जर्मनी विभाजित था। सेबस्टियन बाख 1685-1750 इस महान जर्मन संगीतकार के संगीत का भाग्य, उनके जन्म से तीन सौ से अधिक वर्षों से अधिक, आश्चर्यजनक है। अपने जीवनकाल के दौरान उन्हें मुख्य रूप से एक ऑर्गेनिस्ट और संगीत वाद्ययंत्रों के पारखी के रूप में पहचान मिली और उनकी मृत्यु के बाद कई दशकों तक उन्हें लगभग भुला दिया गया। लेकिन फिर उन्होंने धीरे-धीरे उनके काम को फिर से खोजना शुरू कर दिया और इसे एक अनमोल कलात्मक खजाने के रूप में सराहा, कौशल में बेजोड़, इसकी सामग्री की गहराई और मानवता में अटूट। “धारा नहीं! "समुद्र उसका नाम होना चाहिए।" यह बाख के बारे में एक अन्य संगीत प्रतिभा - बीथोवेन9 ने कहा है। बाख अपने कार्यों का केवल एक बहुत छोटा हिस्सा ही स्वयं प्रकाशित कर पाए। अब उनमें से एक हजार से अधिक प्रकाशित हो चुके हैं (कई लुप्त हो गए हैं)। बाख के कार्यों का पहला पूरा संग्रह उनकी मृत्यु के सौ साल बाद जर्मनी में छपना शुरू हुआ, और इसमें छत्तीस बड़े खंड शामिल थे। लेकिन मोटे तौर पर यह गणना करना भी असंभव है कि बाख के संगीत के कितने व्यक्तिगत संस्करण छपे हैं और कितने अलग-अलग देशों में छपते रहेंगे। इसकी निरंतर मांग इतनी अधिक है। क्योंकि यह न केवल विश्व संगीत कार्यक्रम में, बल्कि शैक्षिक क्षेत्र में भी एक व्यापक और सम्मानजनक स्थान रखता है। जोहान सेबेस्टियन बाख वस्तुतः संगीत से जुड़े सभी लोगों के शिक्षक बने हुए हैं। वह एक गंभीर और सख्त शिक्षक हैं, जिन्हें पॉलीफोनिक कार्यों को करने की कला में महारत हासिल करने के लिए ध्यान केंद्रित करने की क्षमता की आवश्यकता होती है। लेकिन जो लोग कठिनाइयों से डरते नहीं हैं और उनकी मांगों के प्रति चौकस हैं, वे उनकी गंभीरता के पीछे उस बुद्धिमान और हार्दिक दयालुता को महसूस करेंगे जो वह अपनी सुंदर अमर रचनाओं से सिखाते हैं। ईसेनच में वह घर जहां जे.एस. बाख का जन्म हुआ था 9 जर्मन में "बाख" का अर्थ "धारा" होता है। 10 www.classon.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा जोहान सेबेस्टियन के पिता ईसेनच में एक वायलिन वादक, शहर और दरबारी संगीतकार थे। उन्होंने अपने सबसे छोटे बेटे को संगीत सिखाना शुरू किया और उसे एक चर्च स्कूल में भेजा। सुंदर ऊँची आवाज़ के मालिक, लड़के ने स्कूल गाना बजानेवालों में गाया। जब वह दस वर्ष के थे, तब उनके माता-पिता की मृत्यु हो गई। बड़े भाई, जो पड़ोसी शहर ओहरड्रूफ़ में एक चर्च ऑर्गेनिस्ट थे, ने अनाथ की देखभाल की। उन्होंने अपने छोटे भाई को स्थानीय लिसेयुम में भेजा और स्वयं उसे ऑर्गन बजाने की शिक्षा दी। बाद में, जोहान सेबेस्टियन भी हार्पसीकोर्डिस्ट, वायलिन वादक और वायलिन वादक बन गए। और बचपन से ही उन्होंने अपने दम पर संगीत रचना में महारत हासिल की, विभिन्न लेखकों की रचनाओं को फिर से लिखा। उसे अपने बड़े भाई से गुप्त रूप से एक नोटबुक की प्रतिलिपि बनानी पड़ी जिसमें चांदनी रातों में उसकी विशेष रुचि थी। लेकिन जब लंबा, कठिन काम पूरा हो गया, तो उसे इसका पता चला, वह जोहान सेबेस्टियन के अनधिकृत कार्य के लिए उससे नाराज हो गया और निर्दयता से पांडुलिपि उससे ले ली। स्वतंत्र जीवन की शुरुआत. लूनबर्ग. पंद्रह साल की उम्र में, जोहान सेबेस्टियन ने एक निर्णायक कदम उठाया - वह सुदूर उत्तरी जर्मन शहर लूनबर्ग चले गए, जहाँ उन्होंने एक गायक मंडली के छात्र के रूप में मठ चर्च में स्कूल में प्रवेश किया। स्कूल की लाइब्रेरी में वह जर्मन संगीतकारों की कृतियों की बड़ी संख्या में पांडुलिपियों से परिचित होने में सक्षम थे। लूनबर्ग और हैम्बर्ग में, जहां वह देश की सड़कों पर चलते थे, कोई भी प्रतिभाशाली ऑर्गेनिस्ट को खेलते हुए सुन सकता था। यह संभव है कि हैम्बर्ग में जोहान सेबेस्टियन ने ओपेरा हाउस का दौरा किया था - उस समय जर्मनी में एकमात्र ओपेरा हाउस जिसने इतालवी में नहीं, बल्कि जर्मन में प्रदर्शन दिया था। उन्होंने तीन साल बाद सफलतापूर्वक स्कूल पूरा किया और अपनी जन्मभूमि के करीब नौकरी की तलाश शुरू कर दी। वाइमर. तीन शहरों में थोड़े समय के लिए वायलिन वादक और ऑर्गेनिस्ट के रूप में काम करने के बाद, 1708 में बाख, जो पहले से ही शादीशुदा थे, नौ साल के लिए वेइमर (थुरिंगिया) में बस गए। वहां वह ड्यूक के दरबार में एक ऑर्गेनिस्ट थे, और फिर एक वाइस-कपेलमिस्टर (चैपल के प्रमुख के सहायक - गायकों और वाद्ययंत्रवादियों का एक समूह)। किशोरावस्था में ही, ओहरड्रफ में, बाख ने संगीत रचना शुरू कर दी, विशेष रूप से अपने पसंदीदा वाद्ययंत्र ऑर्गन के लिए प्रोटेस्टेंट कोरल की व्यवस्था की। और वेइमर में उनके कई अद्भुत परिपक्व अंग कार्य सामने आए, जैसे डी माइनर में टोकाटा और फ्यूग्यू, सी माइनर में पासाकाग्लिया10, और कोरल प्रील्यूड्स। उस समय तक, बाख ऑर्गन और हार्पसीकोर्ड पर एक नायाब कलाकार और सुधारक बन गया था। इसकी पुष्टि निम्नलिखित मामले से हुई। एक दिन बाख सैक्सोनी की राजधानी ड्रेसडेन गए, जहां उन्होंने उनके और प्रसिद्ध फ्रांसीसी ऑर्गेनिस्ट और हार्पसीकोर्डिस्ट लुईस मारचंद के बीच एक प्रतियोगिता की व्यवस्था करने का फैसला किया। लेकिन उन्होंने पहली बार सुना कि कैसे बाख ने अद्भुत रचनात्मक सरलता के साथ हार्पसीकोर्ड में सुधार किया, उन्होंने गुप्त रूप से ड्रेसडेन छोड़ने की जल्दबाजी की। प्रतियोगिता नहीं हुई. वाइमर दरबार में इतालवी और फ्रांसीसी संगीतकारों की कृतियों से परिचित होने का अवसर मिला। बाख ने उनकी उपलब्धियों पर बड़ी दिलचस्पी और कलात्मक पहल के साथ प्रतिक्रिया व्यक्त की। उदाहरण के लिए, उन्होंने हार्पसीकोर्ड और एंटोनियो विवाल्डी के वायलिन संगीत कार्यक्रम के लिए कई निःशुल्क व्यवस्थाएँ कीं। इस प्रकार संगीत कला के इतिहास में पहले कीबोर्ड संगीत कार्यक्रम का जन्म हुआ। वाइमर में तीन वर्षों तक, बाख को हर चौथे रविवार को एक नया आध्यात्मिक कैंटटा लिखना पड़ता था। कुल मिलाकर, इस प्रकार तीस से अधिक कार्य सामने आए। हालाँकि, जब बुजुर्ग कोर्ट कंडक्टर, जिसका कर्तव्य वास्तव में बाख द्वारा निभाया गया था, की मृत्यु हो गई, तो खाली पद उसे नहीं, बल्कि मृतक के औसत दर्जे के बेटे को दिया गया। इस तरह के अन्याय से क्षुब्ध होकर बाख ने अपना इस्तीफा सौंप दिया। उनकी "अपमानजनक मांग" के लिए उन्हें घर में नजरबंद कर दिया गया। लेकिन उन्होंने साहसी, गौरवान्वित दृढ़ता दिखाई और अपनी जिद पर अड़े रहे। और एक महीने बाद, ड्यूक को अनिच्छा से विद्रोही संगीतकार को रिहा करने का "निर्दयी आदेश" देना पड़ा। कोथेन. 1717 के अंत में, बाख और उनका परिवार कोथेन चले गए। कोर्ट बैंडमास्टर के पद की पेशकश उन्हें थुरिंगिया के पड़ोसी छोटे राज्य के शासक, कोथेन के एनहाल्ट के राजकुमार लियोपोल्ड ने की थी। वह एक अच्छा संगीतकार था - वह गाता था, हार्पसीकोर्ड और वायोला दा गाम्बा बजाता था 11. राजकुमार ने अपने नए बैंडमास्टर को अच्छी वित्तीय सहायता प्रदान की और उसके साथ बहुत सम्मान से व्यवहार किया। बाख के कर्तव्यों में, जिसमें उनका अपेक्षाकृत कम समय लगता था, अठारह गायकों और वाद्ययंत्रवादियों के एक चैपल का नेतृत्व करना, राजकुमार के साथ जाना और स्वयं वीणावादन बजाना शामिल था। विभिन्न उपकरणों के लिए कई बाख कार्य कोथेन में उत्पन्न हुए। उनमें से, कीबोर्ड संगीत को बहुत विविधता से दर्शाया गया है। एक ओर, ये शुरुआती लोगों के लिए नाटक हैं - पासाकाग्लिया स्पेनिश मूल का एक धीमा तीन पैरों वाला नृत्य है। इसके आधार पर, बास में कई बार दोहराई गई धुन के साथ विविधताओं के रूप में वाद्य यंत्र उभरे। 10 11 वियोला दा गाम्बा एक प्राचीन वाद्ययंत्र है जो सेलो जैसा दिखता है। 11 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा छोटे प्रस्तावना, दो-आवाज़ और तीन-आवाज़ वाले आविष्कार। इन्हें बाख ने अपने सबसे बड़े बेटे, विल्हेम फ़्रीडेमैन के साथ पाठ के लिए लिखा था। दूसरी ओर, यह एक स्मारकीय कार्य के दो खंडों में से पहला है - "द वेल-टेम्पर्ड क्लेवियर", जिसमें कुल मिलाकर 48 प्रस्तावनाएं और फ्यूग्यू शामिल हैं, और एक बड़ा संगीत कार्यक्रम - "क्रोमैटिक फैंटेसी एंड फ्यूग्यू"। कोथेन काल में कीबोर्ड सुइट्स के दो संग्रहों का निर्माण भी शामिल है, जिन्हें "फ़्रेंच" और "अंग्रेजी" के नाम से जाना जाता है। प्रिंस लियोपोल्ड बाख को पड़ोसी राज्यों की यात्राओं पर अपने साथ ले गए। जब जोहान सेबेस्टियन 1720 में ऐसी यात्रा से लौटे, तो वह गंभीर दुःख से उबर गए - उनकी पत्नी मारिया बारबरा की हाल ही में मृत्यु हो गई थी, उनके चार बच्चे थे (तीन अन्य की जल्दी मृत्यु हो गई)। डेढ़ साल बाद, बाख ने दोबारा शादी की। उनकी दूसरी पत्नी, अन्ना मैग्डेलेना की आवाज़ बहुत अच्छी थी और वह बहुत संगीतमय थीं। उनके साथ अध्ययन करते समय, बाख ने अपने स्वयं के नाटकों से और आंशिक रूप से अन्य लेखकों के नाटकों से दो कीबोर्ड "नोट बुक्स" संकलित कीं। एना मैग्डेलेना जोहान सेबेस्टियन की दयालु और देखभाल करने वाली जीवन साथी थी। उसने उसके लिए तेरह बच्चों को जन्म दिया, जिनमें से छह वयस्क होने तक जीवित रहे। लीपज़िग. 1723 में, बाख लीपज़िग चले गए, जो थुरिंगिया के पड़ोसी सैक्सोनी का एक प्रमुख व्यापारिक और सांस्कृतिक केंद्र था। उन्होंने प्रिंस लियोपोल्ड के साथ अच्छे संबंध बनाए रखे। लेकिन कोथेन में संगीत गतिविधि की संभावनाएँ सीमित थीं - वहाँ न तो कोई बड़ा संगठन था और न ही गायन मंडली। इसके अलावा, बाख के बड़े बेटे भी थे, जिन्हें वह अच्छी शिक्षा देना चाहते थे। लीपज़िग में, बाख ने कैंटर का पद संभाला - लड़कों के गायक मंडल के निदेशक और गायन स्कूल के शिक्षक; सेंट थॉमस चर्च (थॉमस्किरचे) में। उन्हें कई प्रतिबंधात्मक शर्तों को स्वीकार करना पड़ा, उदाहरण के लिए, "बर्गोमास्टर की अनुमति के बिना शहर नहीं छोड़ना।" कैंटर बाख के पास कई अन्य जिम्मेदारियाँ थीं। उन्हें एक छोटे से स्कूल गायक मंडल और एक बहुत छोटे ऑर्केस्ट्रा (या बल्कि, एक समूह) को भागों में विभाजित करना पड़ा ताकि संगीत दो चर्चों में सेवाओं के साथ-साथ शादियों, अंत्येष्टि और विभिन्न समारोहों में भी सुना जा सके। और गायक मंडल के सभी लड़कों में संगीत की अच्छी क्षमता नहीं थी। स्कूल का घर गंदा, उपेक्षित था, विद्यार्थियों को खराब खाना खिलाया जाता था और गंदे कपड़े पहनाए जाते थे। बाख, जिन्हें लीपज़िग का "संगीत निर्देशक" भी माना जाता था, ने एक से अधिक बार चर्च अधिकारियों और शहर सरकार (मजिस्ट्रेट) का ध्यान इस सब ओर आकर्षित किया। लेकिन बदले में उन्हें भौतिक सहायता तो बहुत कम मिली, लेकिन छोटी-मोटी सरकारी नोक-झोंक और फटकारें बहुत अधिक मिलीं। उन्होंने अपने छात्रों को न केवल गायन, बल्कि वाद्ययंत्र बजाना भी सिखाया; इसके अलावा, उन्होंने अपने खर्च पर उनके लिए एक लैटिन शिक्षक नियुक्त किया। लीपज़िग में सेंट थॉमस का चर्च और स्कूल (बाएं)। (एक पुरानी उत्कीर्णन से)। कठिन जीवन परिस्थितियों के बावजूद, बाख को रचनात्मकता का शौक था। अपनी सेवा के पहले तीन वर्षों में, उन्होंने लगभग हर हफ्ते गायक मंडली के साथ एक नई आध्यात्मिक कैंटटा की रचना की और उसका अभ्यास किया। कुल मिलाकर, इस शैली में बाख की लगभग दो सौ कृतियाँ बची हैं। और उनके कई दर्जन धर्मनिरपेक्ष कैनटाटा भी जाने जाते हैं। वे, एक नियम के रूप में, विभिन्न महान व्यक्तियों को संबोधित बधाई और बधाई थे। लेकिन उनमें से लीपज़िग में लिखी गई कॉमिक "कॉफ़ी कैंटाटा" जैसा एक अपवाद है, जो कॉमिक ओपेरा के एक दृश्य के समान है। यह बताता है कि कैसे युवा, जीवंत लिज़ेन अपने पिता, बूढ़े बड़बड़ाने वाले श्लेंड्रियन की इच्छा और चेतावनियों के विरुद्ध, कॉफी के नए फैशन में रुचि लेने लगती है। लीपज़िग में, बाख ने अपनी सबसे उत्कृष्ट स्मारकीय गायन और वाद्य रचनाएँ बनाईं - "द सेंट जॉन पैशन", "द सेंट मैथ्यू पैशन"12 और मास इन बी माइनर, जो सामग्री में समान है, साथ ही बड़ी संख्या में भी जॉन और मैथ्यू (साथ ही मार्क और ल्यूक) के दूसरे खंड "वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर" सहित विभिन्न वाद्य कार्य - यीशु मसीह की शिक्षाओं के अनुयायी जिन्होंने गॉस्पेल संकलित किए - उनके सांसारिक जीवन, पीड़ा के बारे में कहानियां ( "जुनून") और मृत्यु। ग्रीक से अनुवादित "गॉस्पेल" का अर्थ "अच्छी खबर" है। 12 12 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा "द आर्ट ऑफ़ फ्यूग्यू"। उन्होंने ड्रेसडेन, हैम्बर्ग, बर्लिन और अन्य जर्मन शहरों की यात्रा की, वहां ऑर्गन बजाया और नए उपकरणों का परीक्षण किया। दस वर्षों से अधिक समय तक, बाख ने लीपज़िग में "म्यूजिक कॉलेज" का नेतृत्व किया, जिसमें विश्वविद्यालय के छात्र और संगीत प्रेमी - वाद्ययंत्र वादक और गायक शामिल थे। बाख के निर्देशन में, उन्होंने धर्मनिरपेक्ष प्रकृति के कार्यों के सार्वजनिक संगीत कार्यक्रम दिए। संगीतकारों के साथ संवाद करते समय, उनमें किसी भी तरह का अहंकार नहीं था और उन्होंने अपने दुर्लभ कौशल के बारे में इस तरह बताया: "मुझे कड़ी मेहनत से अध्ययन करना पड़ा, जो भी उतना ही मेहनती होगा, वही हासिल करेगा।" उनका बड़ा परिवार बाख के लिए ढेर सारी चिंताएँ लेकर आया, लेकिन ढेर सारी खुशियाँ भी लेकर आया। अपने सर्कल में, वह पूरे घरेलू संगीत कार्यक्रम का आयोजन कर सकता था। उनके चार बेटे प्रसिद्ध संगीतकार बने। ये हैं विल्हेम फ़्रीडेमैन और कार्ल फिलिप इमानुएल (मारिया बारबरा के बच्चे), जोहान क्रिस्टोफ़ फ्रेडरिक और जोहान क्रिश्चियन (अन्ना मैग्डेलेना के बच्चे)। इन वर्षों में, बाख के स्वास्थ्य में गिरावट आई। उनकी दृष्टि तेजी से ख़राब हो गई। 1750 की शुरुआत में, उनकी आंखों के दो असफल ऑपरेशन हुए, वे अंधे हो गए और 28 जुलाई को उनकी मृत्यु हो गई। जोहान सेबेस्टियन बाख ने शानदार रचनात्मक प्रेरणा से प्रकाशित एक कठिन और कड़ी मेहनत वाला जीवन जीया। उन्होंने कोई महत्वपूर्ण संपत्ति नहीं छोड़ी और दस साल बाद गरीबों के लिए एक चैरिटी होम में अन्ना मैग्डेलेना की मृत्यु हो गई। और बाख की सबसे छोटी बेटी रेजिना सुज़ाना, जो 19वीं शताब्दी तक जीवित रहीं, को निजी दान से गरीबी से बचाया गया, जिसमें बीथोवेन ने एक बड़ा हिस्सा लिया। बाख का संगीत उनके मूल देश की संस्कृति से जुड़ा हुआ है। उन्हें कभी भी बाहर यात्रा करने का अवसर नहीं मिला जर्मनी के। लेकिन उन्होंने जर्मन और विदेशी दोनों संगीतकारों के कार्यों का उत्साहपूर्वक अध्ययन किया। अपने काम में, उन्होंने यूरोपीय संगीत कला की उपलब्धियों को शानदार ढंग से संक्षेपित और समृद्ध किया। अधिकांश कैंटटा, "सेंट जॉन पैशन", "मैथ्यू पैशन", मास इन बी माइनर और आध्यात्मिक ग्रंथों पर कई अन्य रचनाएँ बाख द्वारा केवल एक चर्च संगीतकार के कर्तव्य या अभ्यस्त रीति-रिवाज के अनुसार नहीं लिखी गईं, बल्कि एक ईमानदार धार्मिक भावना से प्रेरित थीं। वे मानवीय दुखों के प्रति करुणा से भरे हुए हैं, मानव की समझ से ओत-प्रोत हैं खुशियाँ। समय के साथ, वे चर्चों की सीमाओं से बहुत आगे निकल गए और विभिन्न राष्ट्रीयताओं और धर्मों के श्रोताओं को गहराई से प्रभावित करने से कभी नहीं चूके। बाख के आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष कार्य, उनकी सच्ची मानवता एक-दूसरे से संबंधित हैं। साथ में वे संगीतमय छवियों की एक पूरी दुनिया बनाते हैं . बाख की नायाब पॉलीफोनिक महारत होमोफोनिक-हार्मोनिक साधनों से समृद्ध है। उनके स्वर विषय वाद्य विकास तकनीकों के साथ व्यवस्थित रूप से व्याप्त हैं, और वाद्य विषय अक्सर भावनात्मक रूप से इतने समृद्ध होते हैं, मानो कोई महत्वपूर्ण चीज़ बिना शब्दों के गाई और बोली जा रही हो। ऑर्गन13 के लिए डी माइनर में टोकाटा और फ्यूग्यू यह काम, जो बहुत लोकप्रिय है, इच्छाशक्ति की एक खतरनाक लेकिन साहसी पुकार के साथ शुरू होता है। यह तीन बार बजता है, एक सप्तक से दूसरे सप्तक तक उतरता है, और निचले रजिस्टर में एक जोरदार कॉर्डल उछाल की ओर ले जाता है। इस प्रकार, टोकाटा की शुरुआत में, एक उदास छायांकित, भव्य ध्वनि स्थान रेखांकित किया गया है। 1 एडैगियो प्रश्न और कार्य 1 . बाख के संगीत का भाग्य असामान्य क्यों है? 2. हमें बाख की मातृभूमि, उनके पूर्वजों और उनके बचपन के बारे में बताएं। 3. बाख ने अपना स्वतंत्र जीवन कब और कहाँ शुरू किया? 4. वाइमर में बाख की गतिविधि कैसे आगे बढ़ी और इसका अंत कैसे हुआ? 5. हमें कोथेन में बाख के जीवन और इन वर्षों के दौरान उनके कार्यों के बारे में बताएं। 6. बाख कौन से वाद्ययंत्र बजाते थे और उनका पसंदीदा वाद्ययंत्र कौन सा था? 7. बाख ने लीपज़िग जाने का निर्णय क्यों लिया और वहाँ उसे किन कठिनाइयों का सामना करना पड़ा? 8. हमें लीपज़िग में संगीतकार बाख और कलाकार बाख की गतिविधियों के बारे में बताएं। उनके द्वारा वहां बनाए गए कार्यों के नाम बताइए। टोकाटा (इतालवी में "टोकाटा" - "स्पर्श", "झटका" क्रिया से "टोकरे" "स्पर्श", "स्पर्श") कीबोर्ड उपकरणों के लिए एक कलाप्रवीण टुकड़ा है। 13 13 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा इसके बाद, शक्तिशाली "घूमता हुआ" गुणी मार्ग और विस्तृत कॉर्डल "स्पलैश" सुनाई देते हैं। वे कई बार विस्तारित स्वरों पर विराम और विराम द्वारा अलग हो जाते हैं। तेज़ और धीमी गति का यह मेल हिंसक तत्वों के साथ लड़ाई के बीच सतर्क राहत की याद दिलाता है। और स्वतंत्र रूप से, कामचलाऊ तरीके से निर्मित टोकाटा के बाद, एक फ्यूग्यू बजता है। यह एक विषय के अनुकरणात्मक विकास पर केंद्रित है, जिसमें वाष्पशील सिद्धांत तात्विक शक्तियों पर अंकुश लगाता प्रतीत होता है: 2 एलेग्रो मॉडरेटो व्यापक रूप से विस्तारित होने के बाद, फ्यूग्यू एक कोडा में विकसित होता है - अंतिम, अंतिम खंड। यहां टोकाटा का कामचलाऊ तत्व फिर से फूट पड़ता है। लेकिन अंतत: तीव्र अनिवार्य टिप्पणियों से वह शांत हो गई। और पूरे कार्य की अंतिम पट्टियों को अदम्य मानवीय इच्छा की एक कठोर और राजसी जीत के रूप में माना जाता है। बाख के अंग कार्यों के एक विशेष समूह में कोरल प्रस्तावनाएँ शामिल हैं। उनमें से, गेय प्रकृति के कई अपेक्षाकृत छोटे नाटक गहरी अभिव्यक्ति द्वारा प्रतिष्ठित हैं। उनमें, कोरल राग की ध्वनि स्वतंत्र रूप से विकसित संगत स्वरों से समृद्ध होती है। उदाहरण के लिए, बाख की उत्कृष्ट कृतियों में से एक को इस प्रकार प्रस्तुत किया गया है - एफ माइनर में कोरल प्रस्तावना। अविष्कार के कीबोर्ड संगीत में बाख ने सरल टुकड़ों के कई संग्रह संकलित किए, जिनकी रचना उन्होंने अपने सबसे बड़े बेटे विल्हेम फ्रीडेमैन को पढ़ाते समय की थी। इनमें से एक संग्रह में उन्होंने पंद्रह दो-आवाज़ वाले पॉलीफोनिक टुकड़ों को पंद्रह कुंजियों में रखा और उन्हें "आविष्कार" कहा। लैटिन से अनुवादित, शब्द "आविष्कार" का अर्थ है "आविष्कार", "आविष्कार"। बाख के दो-आवाज़ वाले आविष्कार, जिन्हें शुरुआती संगीतकारों द्वारा प्रस्तुत किया जा सकता है, वास्तव में उनकी पॉलीफोनिक आविष्कारशीलता और साथ ही उनकी कलात्मक अभिव्यक्ति के लिए उल्लेखनीय हैं। इस प्रकार, सी मेजर में पहला दो-आवाज़ वाला आविष्कार एक शांत, विवेकपूर्ण प्रकृति के संक्षिप्त, सहज और इत्मीनान वाले विषय से पैदा हुआ है। ऊपरी स्वर इसे गाता है और तुरंत इसकी नकल करता है _ इसे दूसरे सप्तक में दोहराता है - निचला स्वर: 14 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा और एफ प्रमुख में आठवें दो-स्वर आविष्कार की आवाज़ के लिए, कोई एक हर्षित, उत्साहपूर्ण खेल-प्रतियोगिता की कल्पना कर सकता है: ऐसा लगता है कि] वे उछल रहे हैं और लोचदार गेंदें लुढ़क रही हैं। दोहराव (अनुकरण) के दौरान ऊपरी स्वर मधुर गति जारी रखता है। यह बास में बजने वाली थीम के प्रति एक प्रतिरूप बनाता है। इसके अलावा, यह प्रतिस्थिति - समान मधुर पैटर्न के साथ - कभी-कभी तब सुनाई देती है जब विषय एक स्वर या दूसरे स्वर में फिर से प्रकट होता है (बार 2-3, 7-8, 8-9)। ऐसे मामलों में, प्रतिसंवर्धन को बरकरार रखा जाता है (गैर-बरकरार किए गए लोगों के विपरीत, जो हर बार विषय पर चर्चा के बाद नए सिरे से बनाए जाते हैं)। अन्य पॉलीफोनिक कार्यों की तरह, इस आविष्कार में ऐसे खंड हैं जहां विषय को उसके पूर्ण रूप में नहीं सुना जाता है, बल्कि इसके कुछ मोड़ों का ही उपयोग किया जाता है। ऐसे अनुभागों को विषयों के बीच रखा जाता है और अंतराल कहा जाता है। सी प्रमुख आविष्कार की समग्र अखंडता एक विषय पर आधारित विकास द्वारा दी गई है, जो पॉलीफोनिक संगीत के लिए विशिष्ट है। नाटक के मध्य में मुख्य कुंजी से प्रस्थान होता है, और अंत में यह वापस आ जाता है। इस परिचय को सुनकर, कोई कल्पना कर सकता है कि दो छात्र परिश्रमपूर्वक पाठ को दोहरा रहे हैं, एक-दूसरे को अधिक अभिव्यक्ति के साथ बेहतर ढंग से बताने की कोशिश कर रहे हैं। इस टुकड़े में, सी प्रमुख आविष्कार की संरचना के समान, एक विशेष तकनीक द्वारा एक बड़ी भूमिका निभाई जाती है। ऊपरी आवाज़ में विषय के प्रारंभिक परिचय के बाद, निचली आवाज़ न केवल इसका अनुकरण करती है, बल्कि इसकी निरंतरता (विपक्ष) का भी अनुकरण करती है। इस प्रकार, कुछ समय के लिए, एक निरंतर विहित अनुकरण या लाइकानन उत्पन्न होता है। दो-आवाज़ वाले आविष्कारों के साथ-साथ, बाख ने एक ही कुंजी में पंद्रह तीन-आवाज़ वाले पॉलीफोनिक टुकड़ों की रचना की। उसने उनका नाम रखा! "सिम्फनीज़" (ग्रीक से "कॉन्सोनेंस" के रूप में अनुवादित)। क्योंकि पुराने दिनों में पॉलीफोनिक वाद्य कार्यों को अक्सर यही नाम दिया जाता था। लेकिन बाद में इन नाटकों को तीन-भागीय आविष्कार कहने का चलन हो गया। वे पॉलीफोनिक विकास की अधिक जटिल तकनीकों का उपयोग करते हैं। सबसे उल्लेखनीय उदाहरण एफ माइनर (नौवां) में तीन-भाग वाला आविष्कार है। इसकी शुरुआत दो विपरीत विषयों को एक साथ प्रस्तुत करने से होती है। उनमें से एक का आधार, बास आवाज में ध्वनि, रंगीन सेमीटोन के माध्यम से एक मापा, तीव्र वंश है। प्राचीन ओपेरा के दुखद एरिया में इसी तरह की चालें आम हैं। यह बुरे भाग्य, नियति की उदास आवाज़ की तरह है। बीच में दूसरा विषय, आल्टो आवाज शोकपूर्ण उद्देश्यों-आहों से व्याप्त है: इसके बाद, ये दोनों विषय तीसरे विषय के साथ और भी अधिक हार्दिक विनतीपूर्ण उद्गारों के साथ घनिष्ठ रूप से जुड़े हुए हैं। नाटक के अंत तक दुष्ट नियति की आवाज अनमनी बनी रहती है। लेकिन इंसान के दुख की आवाजें थम नहीं रही हैं. उनमें मानवीय आशा की एक अमिट चिंगारी है। और एक क्षण के लिए यह अंतिम एफ प्रमुख राग में भड़क उठता प्रतीत होता है। ईसेनच 15 में बाख के घर में बी माइनर हार्पसीकोर्ड में बाख की "सिम्फनी" www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा (तीन-भाग आविष्कार संख्या 15) भी अपनी गीतात्मक पैठ से प्रतिष्ठित है। अपने आविष्कारों और "सिम्फनीज़" की पांडुलिपि की प्रस्तावना में, बाख ने संकेत दिया कि उन्हें "वादन का गायन तरीका" विकसित करने में मदद करनी चाहिए। हार्पसीकोर्ड पर इसे हासिल करना कठिन था। इसलिए, बाख ने घर पर एक अन्य तार वाले कीबोर्ड उपकरण का उपयोग करना पसंद किया, जिसमें छात्रों के साथ कक्षाओं में क्लैविकॉर्ड भी शामिल था। इसकी कमजोर ध्वनि संगीत कार्यक्रम के प्रदर्शन के लिए अनुपयुक्त है। लेकिन, जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, हार्पसीकोर्ड के विपरीत, क्लैविकॉर्ड के तारों को तोड़ा नहीं जाता है, बल्कि धीरे से धातु की प्लेटों से जकड़ दिया जाता है। यह ध्वनि की मधुरता में योगदान देता है और गतिशील रंगों की अनुमति देता है। इस प्रकार, बाख ने, पियानो पर मधुर और सुसंगत आवाज प्रदर्शन की संभावनाओं की भविष्यवाणी की - एक ऐसा उपकरण जो उनके समय में डिजाइन में अभी भी अपूर्ण था। और महान संगीतकार की यह इच्छा सभी आधुनिक पियानोवादकों को याद रखनी चाहिए। कूरेंट फ्रांसीसी मूल का तीन ताल वाला नृत्य है। लेकिन फ्रांसीसी हार्पसीकोर्ड झंकार की विशेषता एक निश्चित लयबद्ध परिष्कार और व्यवहारवाद थी। सी माइनर में बाख के सुइट में कूरेंट इस नृत्य शैली के इतालवी संस्करण के समान है - अधिक जीवंत और गतिशील। यह दो आवाजों के लचीले संयोजन से सुगम होता है, जो एक-दूसरे को पसंद करते हैं: सी माइनर में "फ्रेंच सूट" बाख के कीबोर्ड सूट के तीन संग्रहों के अलग-अलग नाम हैं। उन्होंने स्वयं तीसरे संग्रह में शामिल छह सुइट्स को "पार्टिटास" कहा (सूट "पार्टिटा" का नाम न केवल उनके कार्यों में पाया जाता है14)। और अन्य दो संग्रह - छह टुकड़े प्रत्येक - को बाख की मृत्यु के बाद उन कारणों से "फ्रेंच सूट" और "इंग्लिश सूट" कहा जाने लगा, जो बिल्कुल स्पष्ट नहीं हैं। "फ़्रेंच सुइट्स" का दूसरा भाग सी माइनर की कुंजी में लिखा गया है। प्राचीन सुइट्स में स्थापित परंपरा के अनुसार, इसमें चार मुख्य भाग शामिल हैं - अल्लेमांडे, कूरेंटे, सरबांडे और गीग, साथ ही दो और अंतराल भाग - एरिया और मिनुएट, जो सरबंदे और गीग के बीच डाले गए हैं। अल्लेमांडे एक नृत्य है जो 16वीं-17वीं शताब्दी में कई यूरोपीय देशों - इंग्लैंड, नीदरलैंड, जर्मनी, फ्रांस और इटली में बनाया गया था। उदाहरण के लिए, पुराना जर्मन अल्लेमांडे थोड़ा भारी समूह नृत्य था। लेकिन, क्लेवियर सुइट्स में प्रवेश करने के बाद, 18वीं शताब्दी तक अल्लेमांडे ने अपनी नृत्य विशेषताएं लगभग खो दीं। अपने "पूर्वजों" से उसने केवल चार या दो-चौथाई आकार के साथ एक इत्मीनान, शांत चाल बरकरार रखी। अंततः यह एक शिथिल संरचित फोरप्ले में बदल गया। बाख के सी माइनर सुइट का अल्लेमांडे भी विचारशील गीतात्मक प्रस्तावना के समान है। यहां अक्सर तीन आवाजें अपनी पंक्ति का नेतृत्व करती हैं। लेकिन कभी-कभी एक चौथी आवाज भी उनके साथ जुड़ जाती है. साथ ही, सबसे सुरीली आवाज सबसे ऊपर है: साराबंदे एक तीन-बीट वाला स्पेनिश नृत्य है। एक समय यह तेज़ और मनमौजी था, लेकिन बाद में यह धीमा, गंभीर और अक्सर अंतिम संस्कार के जुलूस के करीब हो गया। बाख के सुइट से सरबंदे का मंचन शुरू से अंत तक तीन-भाग की संरचना में किया गया है। मध्य और निचली आवाज़ों की गति हमेशा सख्त और केंद्रित होती है (चौथाई और आठवीं प्रबल होती है)। और ऊपरी आवाज़ की गति बहुत अधिक स्वतंत्र और गतिशील है, बहुत अभिव्यंजक है। यहां सोलहवें स्वरों की प्रधानता है; व्यापक अंतराल (पांचवें, छठे, सातवें) पर चालें अक्सर पाई जाती हैं। यह संगीतमय प्रस्तुति की दो विपरीत परतें बनाता है, जिससे एक लयात्मक रूप से तीव्र ध्वनि बनती है15: "भागों में विभाजित" - शब्द "पार्टिटा" का इतालवी से अनुवाद किया गया है (क्रिया "पार्टायर" से - "विभाजित करना")। सरबंदे में, अग्रणी ऊपरी आवाज़ दूसरों के साथ इतनी अधिक विपरीत नहीं होती जितनी कि उनकी पूरक होती है। 14 15 16 www.classon.ru रूस की कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा "द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर" के पहले खंड से सी माइनर में प्रस्तावना और फ्यूग्यू, सी मेजर में प्रस्तावना और फ्यूग्यू, सी माइनर में प्रस्तावना और फ्यूग्यू, प्रस्तावना और सी शार्प मेजर में फ्यूग्यू, प्रील्यूड और फ्यूग्यू सी शार्प माइनर - और इसी तरह सप्तक में शामिल सभी बारह सेमीटोन के माध्यम से। परिणाम सभी प्रमुख और छोटी कुंजियों में "प्रस्तावना और फ्यूग्यू" के कुल 24 दो-भाग चक्र हैं। बाख के वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर के दोनों खंड (कुल मिलाकर - 48 प्रस्तावना और फ्यूग्यू) इस प्रकार संरचित हैं। इस भव्य कृति को विश्व संगीत कला में महानतम में से एक माना जाता है। इन दोनों खंडों की प्रस्तावनाएँ और फ्यूग्यू सभी पेशेवर पियानोवादकों के शैक्षिक और संगीत कार्यक्रम दोनों में शामिल हैं। बाख के समय में, कीबोर्ड उपकरणों की ट्यूनिंग में धीरे-धीरे समान स्वभाव स्थापित हो गया - सप्तक का बारह समान सेमीटोन में विभाजन। पहले, सेटअप प्रणाली अधिक जटिल थी. इसके साथ, तीन या चार से अधिक संकेतों वाली कुंजियों में, कुछ अंतराल और तार झूठे लगते थे। इसलिए, संगीतकारों ने ऐसे स्वरों का उपयोग करने से परहेज किया। बाख द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर में शानदार ढंग से साबित करने वाले पहले व्यक्ति थे कि समान स्वभाव के साथ, सभी 24 कुंजियों का समान सफलता के साथ उपयोग किया जा सकता है। इससे संगीतकारों के लिए नए क्षितिज खुल गए, उदाहरण के लिए, एक कुंजी से दूसरी कुंजी में मॉड्यूलेशन (संक्रमण) करने की क्षमता बढ़ गई। द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर में, बाख ने दो-भाग वाले चक्र "प्रस्तावना और फ्यूग्यू" के प्रकार की स्थापना की। प्रस्तावना स्वतंत्र रूप से बनाई गई है। इसमें एक महत्वपूर्ण भूमिका होमोफोनिक-हार्मोनिक प्रकृति और कामचलाऊ व्यवस्था की हो सकती है। यह कड़ाई से पॉलीफोनिक कार्य के रूप में फ्यूग्यू के विपरीत बनाता है। साथ ही, "प्रस्तावना और फ्यूग्यू" चक्र के हिस्से न केवल एक सामान्य स्वर से एकजुट होते हैं। उनके बीच, प्रत्येक मामले में, सूक्ष्म आंतरिक संबंध अपने तरीके से प्रकट होते हैं। इन सामान्य विशिष्ट विशेषताओं का पता द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर के पहले खंड से सी माइनर में प्रील्यूड और फ्यूग्यू में लगाया जा सकता है। प्रस्तावना में दो मुख्य भाग हैं। अधिक विशाल पहला दोनों हाथों में सोलहवें स्वरों की तेज़, समान गति से पूरी तरह भरा हुआ है। यह आंतरिक रूप से अभिव्यंजक मधुर और हार्मोनिक तत्वों से संतृप्त है। ऐसा लगता है जैसे, किनारों से विवश होकर, एक बेचैन धारा उबल रही है: गिग एक तेज़, चंचल नृत्य है जो आयरलैंड और इंग्लैंड से उत्पन्न हुआ है16। पुराने दिनों में, अंग्रेजी नाविकों को जिग नृत्य करना पसंद था। सुइट्स में, गिग आमतौर पर अंतिम, अंतिम गतिविधि होती है। अपने सी माइनर गिगुएट में, बाख अक्सर दो आवाजों के बीच विहित नकल की तकनीक का उपयोग करते हैं (जैसा कि एफ मेजर में आविष्कार में)। इस टुकड़े की प्रस्तुति एक "उछलती" बिंदीदार लय के साथ पूरी तरह से व्याप्त है: अल्लेमांडे और कूरेंट के बीच विरोधाभास की तुलना में, साराबंदे और गीग के बीच विरोधाभास तेज है। लेकिन यह उनके बीच डाले गए दो अतिरिक्त हिस्सों से नरम हो जाता है। "एरिया" नामक यह टुकड़ा किसी ओपेरा में एक एकल गायन संख्या की तरह कम और एक शांत, सरल-दिमाग वाले गीत की तरह अधिक लगता है। निम्नलिखित मिनुएट एक फ्रांसीसी नृत्य है जो गतिशीलता को अनुग्रह के साथ जोड़ता है। तो इस सुइट में, एक ही सामान्य स्वर के साथ, सभी भागों की तुलना आलंकारिक अर्थ में अलग-अलग तरीकों से की जाती है। जिग का आकार मुख्यतः तीन लंबाई का होता है। 18वीं शताब्दी में यह मुख्यतः 3/8, 6/8, 9/8, 12/8 था। 16 17 www.classon.ru मध्यम आवाज में रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, एक लोचदार नृत्य लय के साथ एक स्पष्ट, प्रमुख, अच्छी तरह से याद किया जाने वाला विषय: 11 मॉडरेटो ऊर्जावान दृढ़ता विषय में अनुग्रह, एक धूर्त शरारत के साथ संयुक्त है दृढ़ इच्छाशक्ति वाले संयम से झाँकता है। यह आगे विविध और गतिशील विकास के अवसर प्रदान करता है। विकास की शुरुआत में, विषय हल्का लगता है - केवल तभी जब इसे प्रमुख कुंजी (ई-फ्लैट मेजर) में प्रदर्शित किया जाता है। पुनरावृत्ति में, मुख्य कुंजी (सी माइनर) में विषय की तीन मुख्य प्रस्तुतियों में से, बास में दूसरा, इतना शक्तिशाली दायरा प्राप्त करता है कि यह हमें प्रस्तावना में प्राकृतिक शक्तियों के क्रोध को याद दिलाता है। और एक और, फ़्यूग थीम का अंतिम कार्यान्वयन एक प्रबुद्ध प्रमुख राग के साथ समाप्त होता है। प्रस्तावना और फ्यूग्यू के अंत के बीच यह समानता चक्र के विपरीत भागों की आंतरिक भावनात्मक रिश्तेदारी को प्रकट करती है। शक्तिशाली ऊर्जा संचित होने के कारण, पहले खंड के अंत में यह प्रवाह अतिप्रवाहित होता प्रतीत होता है और अगले खंड की शुरुआत में यह और भी तेज़ हो जाता है, जिससे इसके रास्ते में आने वाली हर चीज़ को बहा देने का ख़तरा पैदा हो जाता है। प्रस्तावना के इस चरमोत्कर्ष को टेम्पो में सबसे तेज़ (प्रेस्टो) में बदलाव और एक पॉलीफोनिक तकनीक - दो-आवाज़ वाले कैनन के उपयोग द्वारा चिह्नित किया गया है। लेकिन रागों के अनिवार्य प्रहारों और सस्वर पाठ के सार्थक वाक्यांशों द्वारा उग्र तत्वों को अचानक रोक दिया जाता है। यहां गति का दूसरा परिवर्तन होता है - सबसे धीमी (एडैगियो) तक। और प्रस्तावना की अंतिम पट्टियों में गति के मध्यम तेज़ A11ego में तीसरे परिवर्तन के बाद, बास में टॉनिक अंग बिंदु धीरे-धीरे दाहिने हाथ में सोलहवें नोटों की गति को धीमा कर देता है। यह धीरे से फैलता है और सी प्रमुख तार पर जम जाता है। शांति और शांति स्थापित हो जाती है। प्रस्तावना के ऐसे मुक्त, कामचलाऊ समापन के बाद, ध्यान एक अलग, विपरीत तल पर चला जाता है। तीन भाग वाला फ़्यूग शुरू होता है। लैटिन और इतालवी में इस शब्द का अर्थ है "भागना", "भागना", "तेज प्रवाह"। संगीत में, फ्यूग्यू एक जटिल पॉलीफोनिक कार्य है जहां आवाजें एक-दूसरे को गूँजती हुई, एक-दूसरे को पकड़ती हुई प्रतीत होती हैं। अधिकांश फ्यूग्यू एक ही थीम पर आधारित होते हैं। दो थीम वाले फ़्यूग कम आम हैं, और तीन और चार थीम वाले फ़्यूग भी कम आम हैं। और आवाजों की संख्या के अनुसार, फ्यूग्यू दो-, तीन-, चार- और पांच-आवाज वाले होते हैं। एकल-थीम वाले फ्यूग्यू एक स्वर में मुख्य कुंजी में एक विषय की प्रस्तुति के साथ शुरू होते हैं। फिर विषय का अनुकरण अन्य आवाजों द्वारा किया जाता है। इस प्रकार फ़्यूग्यू का पहला खंड बनता है - प्रदर्शनी। दूसरे खंड में - विकास - विषय केवल अन्य कुंजियों में दिखाई देता है। और तीसरे और अंतिम खंड में - रिप्राइज़9 - इसे फिर से मुख्य कुंजी में किया जाता है, लेकिन अब इसे मोनोफोनिक रूप से प्रस्तुत नहीं किया जाता है। यहां प्रदर्शनी निश्चित रूप से दोहराई नहीं जाएगी। फ्यूग्यू निरंतर प्रतिस्थितियों और अंतरालों का व्यापक उपयोग करते हैं। प्रश्न में बाख का सी माइनर फ्यूग्यू शुरू होता है, जो फ्यूग्यू में दिखाई देता है - पॉलीफोनिक संगीत का उच्चतम रूप - बाख के काम में पूर्ण परिपक्वता और सबसे उज्ज्वल फूल तक पहुंच गया। 19वीं सदी के प्रसिद्ध रूसी संगीतकार और पियानोवादक, एंटोन ग्रिगोरिएविच रुबिनस्टीन ने अपनी पुस्तक "म्यूजिक एंड इट्स रिप्रेजेंटेटिव्स" में "वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर" की प्रशंसा करते हुए लिखा है कि कोई भी वहां "धार्मिक, वीर, उदासी के फ्यूग्स" पा सकता है। , राजसी, वादी, विनोदी, देहाती, नाटकीय चरित्र; केवल एक ही चीज़ में वे सभी एक जैसे हैं - सुंदरता में..." जोहान सेबेस्टियन बाख के ही उम्र के महान जर्मन संगीतकार जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडेल (1685-1759) थे - जो पॉलीफोनी के अद्भुत गुरु, एक गुणी ऑर्गेनिस्ट थे। उसका भाग्य अलग हो गया। उन्होंने अपना अधिकांश जीवन जर्मनी के बाहर, एक देश से दूसरे देश में जाते हुए बिताया (वे कई दशकों तक इंग्लैंड में रहे)। 18 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा हेंडेल कई ओपेरा, वक्ता और विभिन्न वाद्य कार्यों के लेखक हैं। संगीत में शास्त्रीय शैली के निर्माण के बारे में प्रश्न और कार्य 1. बाख के आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष कार्यों में क्या समानता है? 2. अंग के लिए डी माइनर में टोकाटा और फ्यूग्यू की आलंकारिक प्रकृति के बारे में बताएं। 3. बाख आविष्कारों के उन विषयों को गाएँ जिन्हें आप जानते हैं। जब इसे रोका गया कहा जाता है तो काउंटर एडिशन क्या होता है? 4. पॉलीफोनिक कार्य में अंतराल क्या है? किस अनुकरण को कैनोनिकल या कैनन कहा जाता है? 5. सी माइनर में "फ्रेंच सुइट" के मुख्य भागों का नाम और वर्णन करें। 6. बाख का वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर कैसे बनाया गया है? 7. प्रस्तावना और फ्यूग्यू के बीच मुख्य अंतर क्या है? इसे द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर के पहले खंड से सी माइनर में प्रील्यूड और फ्यूग्यू के उदाहरण से स्पष्ट करें। क्या उनमें कोई समानता है? 18वीं शताब्दी का संगीत थिएटर, विशेष रूप से इसका मध्य और उत्तरार्ध, यूरोपीय संगीत कला के सभी क्षेत्रों में महान परिवर्तनों का समय था। इस सदी के आगमन के साथ, इतालवी ओपेरा में दो शैलियाँ धीरे-धीरे उभरीं - ओपेरा सेरिया (गंभीर) और ओपेरा बफ़ा (कॉमिक)। ओपेरा धारावाहिक में पौराणिक और ऐतिहासिक विषयों का वर्चस्व जारी रहा, जिसमें तथाकथित "उच्च" नायक - पौराणिक देवता, प्राचीन राज्यों के राजा और महान सेनापति शामिल थे। और बफ़ा ओपेरा में, कथानक मुख्यतः आधुनिक, रोजमर्रा वाले बन गए। यहां के नायक सामान्य लोग थे जिन्होंने ऊर्जावान और यथार्थवादी अभिनय किया। ओपेरा बफ़ा का पहला उल्लेखनीय उदाहरण जियोवन्नी बतिस्ता पेर्गोलेसी की द मेड एंड मैडम था, जो 1733 में नेपल्स में जनता के सामने आया था। नायिका, उद्यमशील नौकर सर्पिना, चतुराई से अपने क्रोधी मालिक उबर्टो से शादी कर लेती है और खुद रखैल बन जाती है। कई प्रारंभिक इतालवी बफ़ा ओपेरा की तरह, "द सर्वेंट-मिस्ट्रेस" को मूल रूप से पेर्गोलेसी के ओपेरा सेरिया "द प्राउड कैप्टिव" के कृत्यों के बीच के अंतराल के दौरान एक मंच अंतराल के रूप में प्रदर्शित किया गया था (याद रखें कि "इंटरल्यूड" शब्द लैटिन मूल का है और इसका अर्थ है "बातचीत" ”)। जल्द ही "द मेड-मिस्ट्रेस" ने एक स्वतंत्र कार्य के रूप में कई देशों में काफी लोकप्रियता हासिल की। फ्रांस में, कॉमिक ओपेरा का जन्म 18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में हुआ था। यह पेरिस के मेलों के थिएटरों में दिए जाने वाले संगीत के साथ हर्षित, मजाकिया हास्य प्रदर्शन से उत्पन्न हुआ। और इतालवी ओपेरा बफ़ा के उदाहरण ने फ्रांसीसी निष्पक्ष कॉमेडी को कॉमिक ओपेरा में बदलने में मदद की, जहां पात्रों की मुख्य विशेषता मुखर संख्या थी। इतालवी "बफ़न" ओपेरा मंडली के पेरिस में प्रदर्शन इसके लिए महत्वपूर्ण थे, जब फ्रांस की राजधानी सचमुच पेर्गोलेसी की "द मेड एंड मिस्ट्रेस" से मंत्रमुग्ध थी। इटालियन ओपेरा बफ़स के विपरीत, फ़्रेंच कॉमिक ओपेरा में अरिया सस्वर पाठ के साथ नहीं, बल्कि बोले गए संवादों के साथ वैकल्पिक होते हैं। सिंगस्पिल भी बनाया गया है - एक जर्मन और ऑस्ट्रियाई प्रकार का कॉमिक ओपेरा, जो दूसरे में दिखाई दिया। मुख्य कार्य गायन और वाद्य कार्य "सेंट जॉन पैशन", "मैथ्यू पैशन" मास इन बी माइनर सेक्रेड कैंटटास (लगभग 200 संरक्षित) और धर्मनिरपेक्ष कैनटाटा (20 से अधिक संरक्षित) आर्केस्ट्रा कार्य 4 सुइट्स ("ओवरचर्स") 6 "ब्रैंडेनबर्ग कॉन्सर्टोस" चैम्बर ऑर्केस्ट्रा के साथ एकल वाद्ययंत्रों के लिए कॉन्सर्टोस 7 हार्पसीकोर्ड कॉन्सर्टोस दो के लिए 3 कॉन्सर्टोस, तीन हार्पसीकोर्ड्स के लिए 2 कॉन्सर्टोस 2 वायलिन कॉन्सर्टोस दो वायलिनों के लिए कॉन्सर्टोस झुके हुए के लिए काम करता है वाद्य यंत्र एकल वायलिन के लिए 3 सोनाटा और 3 पार्टिटास, वायलिन और हार्पसीकोर्ड के लिए 6 सोनाटा, एकल सेलो के लिए 6 सुइट्स ("सोनाटा"), अंग कार्य 70 कोरल प्रस्तावना, प्रस्तावना और फ्यूग्यू, डी माइनर में टोकाटा और फ्यूग, सी माइनर में पासाकाग्लिया, कीबोर्ड कार्य संग्रह "लिटिल प्रील्यूड और फ्यूग्स" 15 दो आवाज वाले आविष्कार और 15 तीन आवाज वाले आविष्कार ("सिम्फनी") 48 प्रस्तावना और फ्यूग्यू "द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर" 6 "फ्रेंच" और 6 "अंग्रेजी" सूट 6 सूट (पार्टिटास) एकल के लिए "इतालवी कॉन्सर्टो" हार्पसीकोर्ड "क्रोमैटिक फैंटासिया एंड फ्यूग्यू" "आर्ट" फ्यूग्यूस" 19 www.classon.ru 18वीं सदी के आधे भाग में रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा17। कॉमिक ओपेरा की सभी किस्मों की संगीत भाषा को लोक गीत और नृत्य धुनों के साथ घनिष्ठ संबंध की विशेषता है। 18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, महान जर्मन संगीतकार क्रिस्टोफ़ विलीबाल्ड ग्लक (1714-1787) द्वारा गंभीर ओपेरा शैलियों में मौलिक सुधार किया गया था। उन्होंने अपना पहला सुधार ओपेरा, "ऑर्फ़ियस एंड यूरीडाइस" (1762) लिखा, जो कि प्रसिद्ध प्राचीन यूनानी गायक के बारे में एक कथानक पर आधारित था, जिसका पहले से ही ओपेरा में बार-बार उपयोग किया गया था (इसकी चर्चा परिचय में की गई थी)। ओपेरा में सुधार के लिए ग्लुक की राह आसान नहीं थी। उन्हें कई यूरोपीय देशों - जर्मनी, ऑस्ट्रिया, डेनमार्क, साथ ही इटली - इंग्लैंड के साथ-साथ स्लावों द्वारा बसाए गए चेक गणराज्य का दौरा करने का अवसर मिला। वियना में मजबूती से बसने से पहले, ग्लक ने मिलान, वेनिस, नेपल्स, लंदन, कोपेनहेगन, प्राग और अन्य शहरों के थिएटरों के मंच पर अपने 17 ओपेरा धारावाहिकों का मंचन किया। इस शैली के ओपेरा कई यूरोपीय देशों के दरबारी थिएटरों में प्रदर्शित किए गए। अपवाद फ्रांस था. वहां, 18वीं शताब्दी के मध्य में, उन्होंने केवल पारंपरिक फ्रांसीसी शैली में गंभीर ओपेरा की रचना और मंचन करना जारी रखा। लेकिन ग्लक ने प्रसिद्ध फ्रांसीसी संगीतकार जीन-बैप्टिस्ट लूली और जीन-फिलिप रमेउ के ओपेरा स्कोर का ध्यानपूर्वक अध्ययन किया। इसके अलावा, ग्लुक ने फ्रेंच कॉमिक ओपेरा की नई शैली में वियना में आठ रचनाएँ लिखीं और उनका सफलतापूर्वक मंचन किया। वह निस्संदेह इतालवी बफ़ा ओपेरा और जर्मन और ऑस्ट्रियाई सिंगस्पिल्स से अच्छी तरह परिचित थे। इस सारे ज्ञान ने ग्लक को गंभीर ओपेरा के लिए रचना के पहले से ही पुराने सिद्धांतों को निर्णायक रूप से अद्यतन करने में सक्षम बनाया। अपने सुधार ओपेरा में, जिसका मंचन पहले वियना और फिर पेरिस में किया गया, ग्लक ने पात्रों के भावनात्मक अनुभवों को बहुत अधिक सच्चाई और नाटकीय तनाव और प्रभावशीलता के साथ व्यक्त करना शुरू किया। उन्होंने अरियास में गुणी अंशों के संचय को त्याग दिया और सस्वर पाठ की अभिव्यक्ति में वृद्धि की। उनके ओपेरा संगीत और मंच विकास में अधिक उद्देश्यपूर्ण, रचना में अधिक सामंजस्यपूर्ण बन गए। इस प्रकार, संगीत की भाषा में और नए हास्य और सुधारित गंभीर ओपेरा के निर्माण में, नई, शास्त्रीय शैली की महत्वपूर्ण विशिष्ट विशेषताएं उभरीं - विकास की सक्रिय प्रभावशीलता, अभिव्यंजक साधनों की सादगी और स्पष्टता, रचनात्मक सामंजस्य, सामान्य उदात्त और संगीत का उत्कृष्ट चरित्र. इस शैली ने धीरे-धीरे 18वीं सदी में यूरोपीय संगीत में आकार लिया, 1770-1780 तक परिपक्व हुई और 19वीं सदी के दूसरे दशक के मध्य तक हावी रही। यह ध्यान रखना आवश्यक है कि "शास्त्रीय" की परिभाषा का एक और व्यापक अर्थ हो सकता है। "शास्त्रीय" (या "क्लासिक्स") को संगीतमय और अन्य कलात्मक कृतियाँ भी कहा जाता है जिन्हें अनुकरणीय, उत्तम, नायाब के रूप में मान्यता दी गई है - चाहे उनकी रचना का समय कुछ भी हो। इस अर्थ में, 16वीं शताब्दी के इतालवी संगीतकार फिलिस्तीना, प्रोकोफ़िएव के ओपेरा और शोस्ताकोविच की सिम्फनी - 20वीं शताब्दी के रूसी संगीतकारों की जनता को शास्त्रीय, या क्लासिक्स कहा जा सकता है। वाद्य संगीत ग्लुक के ऑपेरा सुधार के समान व्यापक अंतरराष्ट्रीय आधार पर, 18वीं शताब्दी में वाद्य संगीत का गहन विकास देखा गया। इसे कई यूरोपीय देशों के संगीतकारों के ठोस प्रयासों से अंजाम दिया गया। गीत और नृत्य पर भरोसा करते हुए, संगीत भाषा की शास्त्रीय स्पष्टता और गतिशीलता विकसित करते हुए, उन्होंने धीरे-धीरे चक्रीय वाद्य कार्यों की नई शैलियों का गठन किया - जैसे शास्त्रीय सिम्फनी, शास्त्रीय सोनाटा, शास्त्रीय स्ट्रिंग चौकड़ी। उनमें सोनाटा रूप को बहुत महत्व प्राप्त हुआ। इसलिए, वाद्य चक्रों को सोनाटा या सोनाटा-सिम्फोनिक कहा जाता है। सोनाटा रूप. आप पहले से ही जानते हैं कि पॉलीफोनिक संगीत का उच्चतम रूप फ्यूग्यू है। और सोनाटा रूप होमोफोनिक-हार्मोनिक संगीत का उच्चतम रूप है, जहां पॉलीफोनिक तकनीकों का उपयोग कभी-कभी ही किया जा सकता है। अपनी रचना में ये दोनों रूप एक-दूसरे के समान हैं। फ्यूग्यू की तरह, सोनाटा फॉर्म के तीन मुख्य खंड हैं: प्रदर्शनी, विकास और पुनरावृत्ति। लेकिन उनके बीच महत्वपूर्ण अंतर भी हैं। सोनाटा फॉर्म और फ्यूग्यू के बीच मुख्य अंतर तुरंत प्रदर्शनी 18 में दिखाई देता है। फ्यूग्यू का विशाल बहुमत पूरी तरह से एक ही थीम पर बनाया गया है, जिसे प्रदर्शनी में प्रत्येक में वैकल्पिक रूप से प्रदर्शित किया जाता है। यह जर्मन शब्द "सिंगेन" ("गाओ") से आया है। ") और "स्पील" ("प्ले")। 18 यह शब्द लैटिन मूल का है और इसका अर्थ है "प्रस्तुति", "दिखाना"। 20 www.classon.ru रूस आवाज में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। और सोनाटा रूप के प्रदर्शन में, एक नियम के रूप में, दो मुख्य विषय सामने आते हैं, जो प्रकृति में कमोबेश भिन्न होते हैं। मुख्य भाग का विषय पहले लगता है, और पार्श्व भाग का विषय बाद में आता है। किसी भी परिस्थिति में "पक्ष" की परिभाषा को "माध्यमिक" नहीं समझा जाना चाहिए। वास्तव में, द्वितीयक भाग का विषय सोनाटा रूप में मुख्य भाग के विषय से कम महत्वपूर्ण भूमिका नहीं निभाता है। यहां "माध्यमिक" शब्द का उपयोग किया गया है, क्योंकि पहले वाले के विपरीत, प्रदर्शनी में यह आवश्यक रूप से मुख्य कुंजी में नहीं, बल्कि एक अलग कुंजी में लगता है, जैसे कि एक माध्यमिक कुंजी में। शास्त्रीय शैली के संगीत में, यदि प्रस्तुति में मुख्य भाग प्रमुख है, तो द्वितीयक भाग प्रमुख की कुंजी में निर्धारित किया जाता है (उदाहरण के लिए, यदि मुख्य भाग की कुंजी सी प्रमुख है, तो द्वितीयक भाग की कुंजी जी प्रमुख है)। यदि प्रदर्शनी में मुख्य भाग लघु है, तो द्वितीयक भाग को समानांतर प्रमुख में प्रस्तुत किया जाता है (उदाहरण के लिए, यदि मुख्य भाग की कुंजी सी लघु है, तो द्वितीयक भाग की कुंजी ई-फ्लैट प्रमुख है)। मुख्य और साइड लॉट के बीच या तो एक छोटा बंडल या बाइंडिंग लॉट रखा जाता है। एक स्वतंत्र, मधुर रूप से प्रमुख विषय यहाँ दिखाई दे सकता है, लेकिन मुख्य भाग के विषय के स्वरों का अधिक बार उपयोग किया जाता है। कनेक्टिंग भाग साइड भाग में संक्रमण के रूप में कार्य करता है; यह साइड भाग की कुंजी में मॉड्यूलेट होता है। इस प्रकार, तानवाला स्थिरता का उल्लंघन होता है। कान किसी नई "संगीतमय घटना" की शुरुआत की उम्मीद करने लगते हैं। यह साइड गेम की थीम की उपस्थिति साबित होती है। कभी-कभी प्रदर्शनी किसी परिचय से पहले हो सकती है। और पार्श्व भाग के बाद या तो एक संक्षिप्त निष्कर्ष या पूरा अंतिम भाग होता है, अक्सर एक स्वतंत्र विषय के साथ। पार्श्व भाग के स्वर को स्थापित करते हुए, प्रदर्शनी इस प्रकार समाप्त होती है। संगीतकार के निर्देश पर, संपूर्ण प्रदर्शनी को दोहराया जा सकता है। विकास सोनाटा फॉर्म का दूसरा खंड है। इसमें, प्रदर्शनी से परिचित विषय नए संस्करणों में दिखाई देते हैं, बारी-बारी से और अलग-अलग तरीकों से तुलना की जाती है। इस तरह की बातचीत में अक्सर पूरे विषय शामिल नहीं होते, बल्कि उनसे अलग किए गए रूपांकन और वाक्यांश शामिल होते हैं। अर्थात्, विकास में विषय अलग-अलग तत्वों में विभाजित होते प्रतीत होते हैं, जिससे उनमें निहित ऊर्जा का पता चलता है। इस मामले में, चाबियाँ बार-बार बदलती रहती हैं (मुख्य कुंजी यहां शायद ही कभी प्रभावित होती है और लंबे समय तक नहीं)। अलग-अलग कुंजियों में दिखने से थीम और उनके तत्व एक नए तरीके से प्रकाशित होते प्रतीत होते हैं, नए दृष्टिकोण से दिखाए जाते हैं। विकास में चरमोत्कर्ष पर महत्वपूर्ण तनाव पहुँचने के बाद उसकी दिशा बदल जाती है। इस अनुभाग के अंत में, मुख्य कुंजी पर एक रिटर्न तैयार किया जाता है और पुनः आश्चर्य की बारी आती है। रीप्राइज़ सोनाटा फॉर्म का तीसरा खंड है। इसकी शुरुआत मुख्य कुंजी में मुख्य भाग की वापसी से होती है। कनेक्टिंग भाग नई कुंजी में नहीं ले जाता है। इसके विपरीत, यह मुख्य कुंजी को ठीक करता है, जिसमें द्वितीयक और अंतिम दोनों भाग अब दोहराए जाते हैं। इस प्रकार, पुनरावृत्ति, अपनी तानवाला स्थिरता के साथ, विकास की अस्थिर प्रकृति को संतुलित करती है और संपूर्ण शास्त्रीय सद्भाव देती है। पुनरावृत्ति को कभी-कभी अंतिम संरचना द्वारा पूरक किया जा सकता है - एक कोडा (लैटिन शब्द से लिया गया है जिसका अर्थ है "पूंछ")। इसलिए, जब कोई फ़्यूग बजता है, तो हमारा ध्यान एक विषय द्वारा सन्निहित एक संगीतमय विचार को सुनने, सोचने और महसूस करने पर केंद्रित होता है। जब कोई काम सोनाटा रूप में सुनाई देता है, तो हमारी सुनवाई दो मुख्य (और पूरक) विषयों की तुलना और बातचीत का पालन करती है - जैसे कि विभिन्न संगीत कार्यक्रमों, संगीत कार्रवाई का विकास। इन दोनों संगीत रूपों की कलात्मक संभावनाओं के बीच यही मुख्य अंतर है। शास्त्रीय सोनाटा (सोनाटा-सिम्फोनिक) चक्र। 18वीं शताब्दी के अंतिम तीसरे भाग के आसपास, शास्त्रीय सोनाटा चक्र ने अंततः संगीत में आकार लिया। पहले, वाद्य कार्यों में सुइट के रूप का प्रभुत्व था, जहां धीमी और तेज गति बारी-बारी से होती थी, और प्राचीन सोनाटा का निकट से संबंधित रूप था। अब, शास्त्रीय सोनाटा चक्र में, भागों की संख्या (आमतौर पर तीन या चार) सटीक रूप से निर्धारित की गई है, लेकिन उनकी सामग्री अधिक जटिल हो गई है। पहला भाग आमतौर पर सोनाटा रूप में लिखा जाता है, जिसकी चर्चा पिछले पैराग्राफ में की गई थी। यह तेज़ या मध्यम तेज़ गति से चलता है। अक्सर यह A11e§go होता है। इसलिए, ऐसे आंदोलन को आमतौर पर सोनाटा रूपक कहा जाता है। इसमें संगीत अक्सर ऊर्जावान, प्रभावी, अक्सर तनावपूर्ण और नाटकीय होता है। दूसरा भाग हमेशा गति और सामान्य चरित्र में पहले भाग से भिन्न होता है। अक्सर यह धीमा, सबसे अधिक गेय और मधुर होता है। लेकिन यह अलग भी हो सकता है, उदाहरण के लिए, एक इत्मीनान से कथा या नृत्य-सुंदर के समान। तीन-भाग चक्र में, अंतिम, तीसरा भाग, समापन फिर से तेज़ होता है, आमतौर पर अधिक तेज़, लेकिन विकास में आंतरिक रूप से कम तीव्र होता है पहले से तुलना. शास्त्रीय सोनाटा चक्रों (विशेष रूप से सिम्फनी) के समापन अक्सर भीड़ भरे उत्सव की मस्ती के चित्र चित्रित करते हैं, और उनके विषय लोक गीतों और नृत्यों के करीब होते हैं। इस मामले में, रोंडो आकार का अक्सर उपयोग किया जाता है (फ्रांसीसी "रोंडे" से - "सर्कल")। जैसा कि आप जानते हैं, यहां पहला खंड (बचाव) कई बार दोहराया जाता है, नए खंडों (एपिसोड) के साथ बारी-बारी से। 21 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा आपका पहला ओपेरा? 3. संगीत में शास्त्रीय शैली किस समय हावी हुई और वह किस समय तक परिपक्व हुई? "शास्त्रीय" के दोनों अर्थों में अंतर स्पष्ट करें। 4. फ़्यूग्यू और सोनाटा फॉर्म के बीच सामान्य निर्माण में क्या समानताएँ हैं? उनके बीच मुख्य अंतर क्या है? 5. सोनाटा फॉर्म के मुख्य और अतिरिक्त अनुभागों का नाम बताइए। इसका चित्र बनाइये। 6. सोनाटा रूप के मुख्य और द्वितीय भाग इसके प्रदर्शन और इसके पुनरुत्पादन में एक दूसरे से कैसे संबंधित हैं? 7. सोनाटा रूप में विकास की विशेषता क्या है? 8. शास्त्रीय सोनाटा चक्र के भागों का वर्णन करें। 9. कलाकारों की संरचना के आधार पर शास्त्रीय सोनाटा चक्रों के मुख्य प्रकारों के नाम बताइए। यह सब चार-भाग वाले चक्रों के कई समापनों को अलग करता है। लेकिन उनमें बाहरी हिस्सों (पहले और चौथे) के बीच में दो मध्य हिस्से रखे जाते हैं। एक - धीमा - आमतौर पर सिम्फनी में दूसरा और चौकड़ी में तीसरा होता है। 18वीं शताब्दी की शास्त्रीय सिम्फनी का तीसरा आंदोलन मिनुएट है, जो चौकड़ी में दूसरा स्थान लेता है। तो, हमने "सोनाटा", "चौकड़ी", "सिम्फनी" शब्दों का उल्लेख किया। इन चक्रों के बीच का अंतर कलाकारों की संरचना पर निर्भर करता है। एक विशेष स्थान सिम्फनी का है - ऑर्केस्ट्रा के लिए एक काम, जिसे कई श्रोताओं के सामने एक बड़े कमरे में बजाया जाना है। इस अर्थ में, सिम्फनी कॉन्सर्टो के करीब है - आर्केस्ट्रा संगत के साथ एकल वाद्ययंत्र के लिए तीन-भाग की रचना। सबसे आम कक्ष वाद्य चक्र सोनाटा (एक या दो उपकरणों के लिए), तिकड़ी (तीन उपकरणों के लिए), चौकड़ी (चार उपकरणों के लिए), पंचक (पांच उपकरणों के लिए) 19 हैं। सोनाटा रूप और सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र, संगीत में संपूर्ण शास्त्रीय शैली की तरह, 18वीं शताब्दी में बने थे, जिसे "ज्ञानोदय का युग" (या "ज्ञानोदय का युग") कहा जाता है, साथ ही "युग" भी कहा जाता है। कारण का"। इस शताब्दी में, विशेष रूप से इसके उत्तरार्ध में, कई यूरोपीय देशों में तथाकथित "तीसरी संपत्ति" के प्रतिनिधि उभरे। ये वे लोग थे जिनके पास न तो महान उपाधियाँ थीं और न ही आध्यात्मिक उपाधियाँ। उनकी सफलता का श्रेय उनके अपने काम और पहल को जाता है। उन्होंने एक "प्राकृतिक मनुष्य" के आदर्श की घोषणा की, जिसे प्रकृति ने स्वयं रचनात्मक ऊर्जा, उज्ज्वल दिमाग और गहरी भावनाओं से संपन्न किया। यह आशावादी लोकतांत्रिक आदर्श संगीत, कला के अन्य रूपों और साहित्य द्वारा अपने तरीके से परिलक्षित हुआ। उदाहरण के लिए, ज्ञानोदय की शुरुआत में मानव मन और अथक हाथों की जीत को 1719 में प्रकाशित अंग्रेजी लेखक डैनियल डेफो ​​​​के प्रसिद्ध उपन्यास, "द लाइफ एंड अमेजिंग एडवेंचर्स ऑफ रॉबिन्सन क्रूसो" द्वारा महिमामंडित किया गया था। जोसेफ हेडन 1732-1809 संगीत में शास्त्रीय शैली जोसेफ हेडन, वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट और लुडविग वान बीथोवेन के कार्यों में अपनी परिपक्वता और उच्च उत्कर्ष पर पहुंची। उनमें से प्रत्येक का जीवन और कार्य ऑस्ट्रिया की राजधानी वियना में लंबे समय तक चला। इसीलिए हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन को विनीज़ क्लासिक्स कहा जाता है। ऑस्ट्रिया एक बहुराष्ट्रीय साम्राज्य था। ऑस्ट्रियाई लोगों के साथ, जिनकी मूल भाषा जर्मन है, वहां हंगेरियन और चेक, सर्ब और क्रोएट्स सहित विभिन्न स्लाव लोग रहते थे। उनके गीत एवं प्रश्न एवं कार्य 1. 18वीं शताब्दी के कॉमिक ओपेरा की राष्ट्रीय किस्मों के नाम बताइए। इटालियन ओपेरा बफ़ा की संरचना फ़्रेंच कॉमिक ओपेरा की संरचना से किस प्रकार भिन्न है? 2. महान ओपेरा सुधारक क्रिस्टोफ़ विलीबाल्ड ग्लक की गतिविधियाँ किन देशों और शहरों से जुड़ी थीं? उन्होंने किस विषय पर लिखा? अन्य चैम्बर एसेम्बल वाद्य चक्रों के नाम सेक्सेट (6), सेप्टेट (7), ऑक्टेट (8), नोनेट (9), डेसीमेट (10) हैं। "चैम्बर संगीत" की परिभाषा इतालवी शब्द "कैमरा" - "कमरा" से आई है। 19वीं सदी तक, कई वाद्ययंत्रों का काम अक्सर घर में ही किया जाता था, यानी उन्हें "कमरे का संगीत" समझा जाता था। 19 22 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, नृत्य की धुन गाँवों और शहरों दोनों में सुनी जा सकती थी। वियना में, लोक संगीत हर जगह बजता था - केंद्र में और बाहरी इलाके में, सड़क चौराहों पर, सार्वजनिक उद्यानों और पार्कों में, रेस्तरां और शराबखाने में, अमीर और गरीब निजी घरों में। वियना पेशेवर संगीत संस्कृति का भी एक प्रमुख केंद्र था, जो शाही दरबार, कुलीनों के चैपल 1 और कुलीन सैलून, कैथेड्रल और चर्चों के आसपास केंद्रित था। इतालवी ओपेरा सेरिया की खेती लंबे समय से ऑस्ट्रियाई राजधानी में की जाती रही है; यहाँ, जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, ग्लुक ने अपना ऑपरेटिव सुधार शुरू किया। दरबारी उत्सवों में संगीत प्रचुर मात्रा में होता था। लेकिन विनीज़ ने भी स्वेच्छा से संगीत के साथ हर्षित प्रहसन प्रदर्शनों में भाग लिया, जिससे सिंगस्पिल का जन्म हुआ, और उन्हें नृत्य करना पसंद था। तीन महान विनीज़ संगीत क्लासिक्स में से, हेडन सबसे पुराना है। जब मोजार्ट का जन्म हुआ तब वह 24 वर्ष के थे और जब बीथोवेन का जन्म हुआ तब वह 38 वर्ष के थे। हेडन ने लंबा जीवन जिया। वह मोज़ार्ट, जिनकी जल्दी मृत्यु हो गई थी, से लगभग दो दशक अधिक जीवित रहे और जब बीथोवेन ने पहले ही अपने अधिकांश परिपक्व कार्यों का निर्माण कर लिया था, तब भी वह जीवित थे। निजी राजसी थिएटर के लिए, उन्होंने सेरिया, बफ़ा की शैलियों में दो दर्जन से अधिक ओपेरा लिखे, साथ ही कठपुतलियों द्वारा किए गए प्रदर्शन के लिए कई "कठपुतली" ओपेरा भी लिखे। लेकिन उनकी मुख्य रचनात्मक रुचियों और उपलब्धियों का क्षेत्र सिम्फोनिक और चैम्बर2 वाद्य संगीत है। कुल मिलाकर यह 800 से अधिक निबंध3 हैं। इनमें 100 से अधिक सिम्फनी, 80 से अधिक स्ट्रिंग चौकड़ी और 60 से अधिक कीबोर्ड सोनाटा विशेष रूप से महत्वपूर्ण हैं। उनके परिपक्व उदाहरणों में, महान ऑस्ट्रियाई संगीतकार का आशावादी रवैया सबसे बड़ी पूर्णता, चमक और मौलिकता के साथ प्रकट हुआ था। केवल कभी-कभी यह उज्ज्वल विश्वदृष्टि एक निराशाजनक मनोदशा से प्रभावित होती है। वे हमेशा हेडन के जीवन के प्रति अटूट प्रेम, गहन अवलोकन, हर्षित हास्य, सरल, स्वस्थ और साथ ही आसपास की वास्तविकता की काव्यात्मक धारणा से अभिभूत हो जाते हैं। जीवन पथ प्रारंभिक बचपन। रोहरौ और हैनबर्ग। फ्रांज जोसेफ हेडन का जन्म 1732 में पूर्वी ऑस्ट्रिया में हंगरी की सीमा के पास और वियना से ज्यादा दूर स्थित रोहराऊ गांव में हुआ था। हेडन के पिता एक कुशल गाड़ी निर्माता थे, उनकी माँ रोहराउ के मालिक, काउंट की संपत्ति में रसोइया के रूप में काम करती थीं। उनके माता-पिता ने जल्दी ही अपने सबसे बड़े बेटे जोसेफ, जिसे परिवार में प्यार से जेपरलेम कहा जाता था, को मेहनती, साफ-सुथरा और साफ-सुथरा रहना सिखाना शुरू कर दिया। हेडन के पिता संगीत बिल्कुल नहीं जानते थे, लेकिन उन्हें वीणा बजाते हुए गाना पसंद था, खासकर वीणा बजाते समय। एक छोटे से घर में मेहमान इकट्ठे हो रहे थे। ज़ेपरल ने स्पष्ट चांदी की आवाज़ में गाया, जिससे संगीत के प्रति अद्भुत रुचि का पता चला। और जब लड़का केवल पाँच वर्ष का था, तो उसे एक दूर के रिश्तेदार के साथ रहने के लिए पड़ोसी शहर हैनबर्ग भेज दिया गया, जो एक चर्च स्कूल और गाना बजानेवालों को चलाता था। हैनबर्ग में, सेपरल ने पढ़ना, लिखना, गिनना, गाना बजानेवालों में गाना सीखा, और क्लैविकॉर्ड और वायलिन बजाने के कौशल में भी महारत हासिल करना शुरू कर दिया। लेकिन किसी और के परिवार में उनके लिए जीवन आसान नहीं था। कई वर्षों के बाद, उसे याद आया कि तब उसे "भोजन से अधिक मार" मिलती थी। जैसे ही सेपरल हैनबर्ग पहुंचे, उन्हें संगीत के साथ उसी चर्च जुलूस में भाग लेने के लिए टिमपनी को बजाना सीखने का आदेश दिया गया। लड़के ने एक छलनी ली, उसके ऊपर कपड़े का एक टुकड़ा खींचा और लगन से व्यायाम करने लगा। उन्होंने सफलतापूर्वक अपना कार्य पूरा किया। केवल जुलूस का आयोजन करते समय एक बहुत छोटे आदमी की पीठ पर वाद्य यंत्र लटकाना आवश्यक था। और वह कुबड़ा था, जिसने दर्शकों को हंसाया। वियना के सेंट स्टीफ़न कैथेड्रल के चैपल में। हैनबर्ग से गुजरते समय, विनीज़ कैथेड्रल कंडक्टर और कोर्ट संगीतकार जॉर्ज रेउथर ने उनकी उत्कृष्ट संगीत क्षमताओं की ओर ध्यान आकर्षित किया। हेडन एक सच्चे धार्मिक व्यक्ति थे। वह आध्यात्मिक ग्रंथों पर आधारित कई सामूहिक और अन्य गायन और वाद्य कार्यों के लेखक हैं। 23 www.classon.ru रूसी कला ज़ेपरल के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। इसलिए 1740 में, आठ वर्षीय हेडन ने खुद को ऑस्ट्रिया की राजधानी में पाया, जहां उन्हें कैथेड्रल (मुख्य) सेंट स्टीफंस कैथेड्रल के चैपल में एक गायक के रूप में स्वीकार किया गया था। यह मैं स्वयं कर रहा हूँ। स्वतंत्र जीवन की कठिन शुरुआत। जब, अठारह वर्ष की आयु तक, युवक की आवाज़ टूटने लगी - यह अस्थायी रूप से कर्कश हो गई और लचीलापन खो गया, तो उसे बेरहमी से और बेरहमी से चैपल से बाहर निकाल दिया गया। खुद को बेघर और बिना धन के पाकर, वह भूख और ठंड से मर सकता था यदि उसे कुछ समय के लिए एक परिचित गायक द्वारा आश्रय नहीं दिया गया होता, जो छत के नीचे एक छोटे से कमरे में अपनी पत्नी और बच्चे के साथ रहता था। हेडन ने अपने रास्ते में आने वाले किसी भी संगीत कार्य को करना शुरू कर दिया: उन्होंने नोट्स की नकल की, गायन और क्लैवियर बजाने में पेनी सबक दिया, और सड़क वाद्य यंत्रों में एक वायलिन वादक के रूप में भाग लिया, जो शहरवासियों में से एक के सम्मान में रात में सेरेनेड प्रस्तुत करता था। आख़िरकार वह वियना के केंद्र में एक घर की छठी, आखिरी मंजिल पर एक छोटा कमरा किराए पर लेने में सक्षम हो गया। कमरे में हवा घुसी हुई थी, कोई चूल्हा नहीं था और सर्दियों में पानी अक्सर जम जाता था। हेडन दस वर्षों तक ऐसी कठिन परिस्थिति में रहे। लेकिन उन्होंने हिम्मत नहीं हारी और उत्साहपूर्वक अपनी पसंदीदा कला का अभ्यास किया। उन्होंने अपने बुढ़ापे को याद करते हुए कहा, "जब मैं अपने पुराने, कीड़े खाए हुए क्लेवियर के पास बैठा था," मैंने किसी भी राजा की खुशी से ईर्ष्या नहीं की। हेडन को उसके जीवंत, हंसमुख चरित्र से रोजमर्रा की कठिनाइयों पर काबू पाने में मदद मिली। एक बार, उदाहरण के लिए, रात में उन्होंने अपने साथी संगीतकारों को वियना की एक सड़क पर एकांत कोने में बिठाया, और उनके संकेत पर, हर कोई जो चाहे बजाना शुरू कर दिया। परिणाम एक "बिल्ली संगीत कार्यक्रम" था जिससे आसपास के निवासियों में हलचल मच गई। दो संगीतकार पुलिस हिरासत में पहुँच गए, लेकिन निंदनीय "सेरेनेड" के भड़काने वाले को प्रत्यर्पित नहीं किया गया। लोकप्रिय हास्य अभिनेता से मिलने के बाद, हेडन ने, उनके साथ मिलकर, सिंगस्पिल "द लेम डेमन" की रचना की और 20 की छोटी राशि अर्जित की। और प्रसिद्ध इतालवी संगीतकार और गायन शिक्षक निकोला के पेशेवर निर्देशों का लाभ उठाने के लिए एंटोनियो पोरपोरा, हेडन अपने छात्रों के साथ गायन की शिक्षा लेते थे और इसके अलावा, उन्होंने एक फुटमैन के रूप में उनकी सेवा की। धीरे-धीरे, हेडन को एक शिक्षक और संगीतकार दोनों के रूप में वियना में प्रसिद्धि मिलने लगी। वह प्रसिद्ध लोगों से मिले; संगीतकार और संगीत प्रेमी. एक प्रमुख अधिकारी के घर में, उन्होंने चैंबर कलाकारों की टुकड़ियों के प्रदर्शन में भाग लेना शुरू किया और अपने देश की संपत्ति पर संगीत कार्यक्रमों के लिए अपनी पहली स्ट्रिंग चौकड़ी बनाई। और हेडन ने अपनी पहली सिम्फनी 1759 में लिखी, जब उन्हें अपने निपटान में एक छोटा ऑर्केस्ट्रा मिला, जो काउंट मोर्सिन के चैपल के प्रमुख बन गए। काउंट में केवल एकल संगीतकारों को रखा गया। हेडन, जिसने एक विनीज़ हेयरड्रेसर की बेटी से शादी की थी, उसे इसे गुप्त रखने के लिए मजबूर किया गया था। लेकिन यह केवल 1760 तक चला, जब वियना में, शानदार इमारतों और स्थापत्य कलाकारों की टुकड़ी के साथ एक बड़ा सुंदर शहर, लड़के पर नए ज्वलंत छापों की लहर दौड़ गई। चारों ओर बहुराष्ट्रीय लोक संगीत बज रहा था। कैथेड्रल और शाही दरबार में गंभीर स्वर-वाद्य कार्य किए गए, जहां चैपल ने भी प्रदर्शन किया। लेकिन अस्तित्व की स्थितियाँ फिर से कठिन हो गईं। कक्षाओं, रिहर्सल और प्रदर्शन के दौरान, गाना बजानेवालों के लड़के बहुत थक गए थे। उन्हें बहुत कम खाना दिया जाता था; उन्हें लगातार आधा-भूखा रखा जाता था। मज़ाक के लिए उन्हें कड़ी सज़ा दी गई। लिटिल हेडन ने गायन, क्लैवियर और वायलिन बजाने की कला का परिश्रमपूर्वक अध्ययन करना जारी रखा और वह वास्तव में संगीत रचना करना चाहते थे। हालाँकि, रेउथर ने इस पर ध्यान नहीं दिया। अपने स्वयं के मामलों में बहुत व्यस्त, हेडन के चैपल में रहने के पूरे नौ वर्षों के दौरान, उन्होंने उसे केवल दो रचना पाठ दिए। लेकिन जोसेफ ने लगातार, लगन से अपना लक्ष्य हासिल किया। कुछ साल बाद उन्होंने "द न्यू लेम डेमन" नामक एक और गीत लिखा। 20 24 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा से काउंट के भौतिक मामले हिल गए और उन्होंने अपना चैपल भंग कर दिया। हेडन का विवाह असफल रहा। उनका चुना हुआ व्यक्ति एक कठिन, क्रोधी चरित्र से प्रतिष्ठित था। उन्हें अपने पति के रचना संबंधी मामलों में बिल्कुल भी दिलचस्पी नहीं थी - इस हद तक कि वह उनके कार्यों की पांडुलिपियों से पैट के लिए कर्लर और लाइनिंग बनाती थीं। कुछ साल बाद हेडन अपनी पत्नी से अलग रहने लगे। उनके कोई संतान नहीं थी। एस्टरहाज़ी के राजकुमारों के चैपल में। 1761 में, एक अमीर हंगेरियन; प्रिंस पाल एंटल एस्टरहाज़ी ने हेडन को वाइस-कपेलमिस्टर के रूप में ईसेनस्टेड में आमंत्रित किया। उसी क्षण से, हेडन ने एस्टरहाज़ी परिवार के साथ अपनी सेवा शुरू की, जो पूरे तीन दशकों तक चली। पांच साल बाद वह बैंडमास्टर बन गए - इस पद पर कार्यरत बुजुर्ग संगीतकार की मृत्यु के बाद। पाल एंटल के उत्तराधिकारी, जिनकी 1762 में मृत्यु हो गई, विलासिता और महंगे मनोरंजन के प्रति अपनी प्रतिबद्धता से प्रतिष्ठित थे - उनके भाई मिक्लोस 1, जिसका उपनाम मैग्नीफिसेंट था। कुछ साल बाद, उन्होंने अपने निवास को ईसेनस्टेड से 126 कमरों के एक नए देशी महल में स्थानांतरित कर दिया, इसके चारों ओर एक विशाल पार्क बनाया, 400 सीटों वाला एक ओपेरा हाउस और पास में एक कठपुतली थिएटर बनाया, और चैपल में संगीतकारों की संख्या में काफी वृद्धि की। . वहां काम करने से हेडन को अच्छी वित्तीय सहायता मिली, और इसके अलावा, अपने नए कार्यों के ऑर्केस्ट्रा प्रदर्शन का निर्देशन करते हुए, बहुत कुछ लिखने और तुरंत अभ्यास में खुद को परखने का अवसर मिला। एज़्टरहाज़ा (नई रियासत के निवास का नाम) में, अक्सर भीड़ भरे स्वागत समारोह आयोजित किए जाते थे, जिनमें अक्सर उच्च रैंकिंग वाले विदेशी मेहमानों की भागीदारी होती थी। इसकी बदौलत हेडन का काम धीरे-धीरे ऑस्ट्रिया के बाहर भी जाना जाने लगा। लेकिन, जैसा कि वे कहते हैं, इस सब में सिक्के का एक और पहलू भी था। सेवा में प्रवेश करने पर, हेडन ने एक अनुबंध पर हस्ताक्षर किए, जिसके अनुसार वह एक प्रकार का संगीत सेवक बन गया। राजकुमार के आदेशों को सुनने के लिए उसे हर दिन, दोपहर के भोजन से पहले और बाद में, पाउडर विग और सफेद मोज़ा में महल के सामने उपस्थित होना पड़ता था। अनुबंध ने हेडन को तत्काल कोई भी संगीत लिखने के लिए बाध्य किया जो उनके आधिपत्य की इच्छा थी, किसी को भी नई रचनाएँ नहीं दिखाने के लिए, किसी को उनकी नकल करने की अनुमति तो बिल्कुल भी नहीं, बल्कि उन्हें केवल अपने आधिपत्य के लिए रखने के लिए और उनकी जानकारी के बिना किसी के लिए कुछ भी न लिखने के लिए बाध्य किया। विनम्र अनुमति.'' इसके अलावा, हेडन को चैपल में व्यवस्था और संगीतकारों के व्यवहार की निगरानी करने, गायकों को सबक देने और उपकरणों और नोट्स की सुरक्षा के लिए जिम्मेदार होने की आवश्यकता थी। वह महल में नहीं, बल्कि पड़ोस के गाँव में एक छोटे से घर में रहता था। आइसेनस्टेड से, रियासत का दरबार पहले सर्दियों में वियना चला जाता था। और एज़्टरहाज़ी से हेडन कभी-कभी राजकुमार के साथ या विशेष अनुमति के साथ ही राजधानी पहुंच सकते थे। ईसेनस्टेड और एज़्टरहाज़ा में बिताए कई वर्षों में, हेडन एक नौसिखिया संगीतकार से एक महान संगीतकार बन गए, जिनका काम उच्च कलात्मक पूर्णता तक पहुंच गया और न केवल ऑस्ट्रिया में, बल्कि इसकी सीमाओं से भी परे मान्यता प्राप्त हुई। इस प्रकार, छह "पेरिस सिम्फनीज़" (नंबर 82-87) उनके द्वारा फ्रांस की राजधानी से आदेश पर लिखे गए थे, जहां उन्हें 1786 में सफलतापूर्वक प्रदर्शित किया गया था। हेडन की वियना में वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट के साथ मुलाकात 1780 के दशक की है। मैत्रीपूर्ण मेल-मिलाप का दोनों महान संगीतकारों के काम पर लाभकारी प्रभाव पड़ा। समय के साथ, हेडन को अपनी आश्रित स्थिति अधिक से अधिक तीव्रता से महसूस होने लगी। 1790 के पूर्वार्द्ध में वियना में एस्टरहाज़ी के मित्रों को लिखे गए उनके पत्रों में निम्नलिखित वाक्यांश शामिल हैं: "अब - मैं अपने जंगल में बैठा हूं - परित्यक्त - एक गरीब अनाथ की तरह - लगभग लोगों की संगति के बिना - उदास... एस्टरहाज़ी के अंतिम राजकुमारों के पास विशाल संपत्ति थी, उनके पास कई नौकर थे और वे अपने महलों में राजपरिवार के समान जीवन व्यतीत करते थे। विशेष 25 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा कई दिनों तक मुझे नहीं पता था कि मैं बैंडमास्टर हूं या कंडक्टर... हर समय गुलाम बने रहना दुखद है...'' एक नया मोड़ भाग्य। इंग्लैण्ड की यात्राएँ। 1790 के पतन में, मिकलोस एस्टरहाज़ी की मृत्यु हो गई। वह एक प्रबुद्ध संगीत प्रेमी थे, स्ट्रिंग वाद्ययंत्र बजाते थे और हेडन जैसे "संगीत सेवक" की अपने तरीके से सराहना करने से खुद को नहीं रोक सके। राजकुमार ने उसे आजीवन बड़ी पेंशन दी। संगीत के प्रति उदासीन वारिस मिकलोस अंताल ने चैपल को भंग कर दिया। लेकिन यह चाहते हुए कि प्रसिद्ध संगीतकार को उनके दरबारी संचालक के रूप में सूचीबद्ध किया जाता रहे, उन्होंने हेडन को मौद्रिक भुगतान भी बढ़ा दिया, जो इस प्रकार, आधिकारिक कर्तव्यों से मुक्त हो गए और पूरी तरह से खुद को नियंत्रित कर सकते थे। हेडन संगीत रचना के इरादे से वियना चले गए, और पहले तो उन्होंने अन्य देशों की यात्रा के प्रस्तावों को अस्वीकार कर दिया। लेकिन फिर वह इंग्लैंड की लंबी यात्रा करने के प्रस्ताव पर सहमत हो गए और 1791 की शुरुआत में लंदन पहुंचे। इस प्रकार, अपने साठवें जन्मदिन के करीब आते हुए, हेडन ने पहली बार अपनी आँखों से समुद्र देखा और पहली बार खुद को किसी अन्य राज्य में पाया। ऑस्ट्रिया के विपरीत, जो अपने क्रम में अभी भी सामंती-अभिजात वर्ग था, इंग्लैंड लंबे समय से एक बुर्जुआ देश था, और लंदन का सामाजिक, संगीत सहित, जीवन वियना से बहुत अलग था। लंदन में, कई औद्योगिक और वाणिज्यिक उद्यमों वाला एक विशाल शहर, संगीत कार्यक्रम कुलीनों के महलों और सैलून में आमंत्रित चुनिंदा व्यक्तियों के लिए नहीं, बल्कि सार्वजनिक हॉलों में आयोजित किए जाते थे, जहां हर कोई शुल्क लेकर आता था। इंग्लैंड में हेडन का नाम पहले से ही प्रसिद्धि की आभा से घिरा हुआ था। प्रसिद्ध संगीतकारों और गणमान्य व्यक्तियों दोनों ने उनके साथ न केवल एक समान व्यवहार किया, बल्कि विशेष सम्मान भी दिया। उनके नए कार्यों, जिसमें उन्होंने एक कंडक्टर के रूप में काम किया, को उत्साहपूर्वक प्राप्त किया गया और उदारतापूर्वक भुगतान किया गया। हेडन ने 40-50 लोगों का एक बड़ा ऑर्केस्ट्रा आयोजित किया, जो कि एस्टरहाज़ी चैपल के आकार का दोगुना था। ऑक्सफ़ोर्ड विश्वविद्यालय ने उन्हें डॉक्टर ऑफ़ म्यूज़िक की मानद उपाधि से सम्मानित किया। हेडन डेढ़ साल बाद वियना लौट आए। रास्ते में, उन्होंने जर्मन शहर बॉन का दौरा किया। वहां उनकी पहली मुलाकात युवा लुडविग वान बीथोवेन से हुई, जो जल्द ही हेडन के साथ अध्ययन करने के इरादे से वियना चले गए। लेकिन बीथोवेन ने लंबे समय तक उनसे सबक नहीं लिया। उम्र और स्वभाव में बहुत भिन्न, दो संगीत प्रतिभाओं को तब वास्तविक आपसी समझ नहीं मिली। हालाँकि, बीथोवेन ने प्रकाशन के दौरान अपने तीन पियानो सोनाटा (संख्या 1-3) हेडन को समर्पित किए। हेडन की इंग्लैंड की दूसरी यात्रा 1794 में शुरू हुई और डेढ़ साल से कुछ अधिक समय तक चली। सफलता फिर विजयी हुई। निर्मित अनेक कार्यों से; इन यात्राओं के दौरान और उनके संबंध में, बारह तथाकथित "लंदन सिम्फनीज़" विशेष रूप से महत्वपूर्ण थीं। जीवन और रचनात्मकता के अंतिम वर्ष। एस्टरहाज़ी के अगले राजकुमार, मिकलोस द्वितीय को अपने पूर्ववर्ती की तुलना में संगीत में अधिक रुचि थी। इसलिए, हेडन ने कभी-कभी वियना से ईसेनस्टेड की यात्रा करना शुरू कर दिया और राजकुमार द्वारा नियुक्त कई जनसमूह को लिखा। संगीतकार की हाल के वर्षों की मुख्य रचनाएँ - दो स्मारकीय भाषण "द क्रिएशन ऑफ़ द वर्ल्ड" और "द सीज़न्स" - वियना में बड़ी सफलता के साथ प्रदर्शित की गईं (एक 1799 में, दूसरी 1801 में)। प्राचीन अराजकता का चित्रण, जिससे दुनिया फिर उभरती है, पृथ्वी का निर्माण, पृथ्वी पर जीवन का जन्म और मनुष्य का निर्माण - यह इन भाषणों में से पहले की सामग्री है। दूसरे भाषण के चार भाग ("स्प्रिंग", "ग्रीष्म", "ऑटम", "विंटर") ग्रामीण प्रकृति और किसान जीवन के उपयुक्त संगीतमय रेखाचित्रों से बने हैं। 26 www.classon.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा 1803 के बाद, हेडन ने और कुछ नहीं रचा। उन्होंने प्रसिद्धि और सम्मान से घिरे हुए अपना जीवन चुपचाप बिताया। हेडन की मृत्यु 1809 के वसंत में, नेपोलियन युद्धों के चरम पर, जब फ्रांसीसी ने वियना में प्रवेश किया। सेलो और डबल बेस। वुडविंड वाद्ययंत्रों के समूह में बांसुरी, ओबो, शहनाई और बेसून शामिल हैं 21. हेडन के पीतल के वाद्ययंत्रों के समूह में सींग और तुरही शामिल हैं, और तालवाद्य में उन्होंने केवल टिमपनी का उपयोग किया और केवल अंतिम, बारहवीं "लंदन सिम्फनी" में उन्होंने एक त्रिकोण जोड़ा , झांझ और एक ढोल। प्रश्न एवं कार्य 1. किन तीन महान संगीतकारों को विनीज़ संगीत क्लासिक्स कहा जाता है? यह परिभाषा क्या बताती है? 2. 18वीं शताब्दी में वियना के संगीतमय जीवन के बारे में बताएं। 3. हेडन के काम में मुख्य संगीत शैलियों का नाम बताइए। 4. हेडन ने अपना बचपन और युवावस्था कहाँ और कैसे बिताई? 5. हेडन ने अपनी स्वतंत्र यात्रा कैसे शुरू की? 6..एस्टरहाज़ी के राजकुमारों के चैपल में अपनी सेवा के दौरान हेडन का जीवन और कार्य कैसे आगे बढ़ा? 7. हमें हेडन की इंग्लैंड यात्राओं और उनके जीवन के अंतिम वर्षों के बारे में बताएं। सिम्फोनिक रचनात्मकता जब हेडन ने 1759 में अपनी पहली सिम्फनी लिखी, तो इस शैली में कई रचनाएँ पहले से ही मौजूद थीं और बनाई जाती रहीं। वे इटली, जर्मनी, ऑस्ट्रिया और अन्य यूरोपीय देशों में उभरे। उदाहरण के लिए, 18वीं सदी के मध्य में, जर्मन शहर मैनहेम में, जहां उस समय का सबसे अच्छा ऑर्केस्ट्रा था, रचना और प्रदर्शन की गई सिम्फनी सार्वभौमिक रूप से प्रसिद्ध हो गई। तथाकथित "मैनहेम स्कूल" के रचनाकारों में कई चेक थे। सिम्फनी के पूर्वजों में से एक तीन-भाग वाला इतालवी ओपेरा ओवरचर है (टेम्पो में भागों के अनुपात के साथ: "तेज़-धीमी-तेज़।")। प्रारंभिक ("पूर्व-शास्त्रीय") सिम्फनी में, भविष्य की शास्त्रीय सिम्फनी के लिए मार्ग अभी भी प्रशस्त किया जा रहा था, जिसकी विशिष्ट विशेषताएं आलंकारिक सामग्री का महत्व और रूप की पूर्णता थीं। इस रास्ते को अपनाते हुए, हेडन 1780 के दशक में अपनी परिपक्व सिम्फनी बनाने आये। और फिर अभी भी बहुत युवा मोजार्ट की परिपक्व सिम्फनी दिखाई दी, जो आश्चर्यजनक रूप से तेजी से कलात्मक निपुणता की ऊंचाइयों तक पहुंच गई। मोजार्ट की असामयिक मृत्यु के बाद, हेडन ने अपनी लंदन सिम्फनीज़ बनाई, जिसने इस शैली में उनकी उपलब्धियों को ताज पहनाया, जिससे उन्हें गहरा सदमा लगा। हेडन की परिपक्व सिम्फनी में, चार-आंदोलन चक्र की निम्नलिखित विशिष्ट संरचना स्थापित की गई थी: सोनाटा रूपक, धीमी गति, मिनुएट और समापन (आमतौर पर रोंडो या सोनाटा रूपक के रूप में)। उसी समय, वाद्ययंत्रों के चार समूहों से युक्त ऑर्केस्ट्रा की शास्त्रीय रचना इसकी मुख्य विशेषताओं में निर्धारित की गई थी। अग्रणी समूह तार है. इसमें वायलिन, वायलास शामिल हैं और हेडन हमेशा शहनाई का उपयोग नहीं करते थे। यहाँ तक कि उनकी लंदन सिम्फनीज़ में भी वे केवल पाँच (बारह में से) में सुने जाते हैं। 21 27 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा इस सिम्फनी को "मिलिट्री" के नाम से जाना जाता है। हेडन की कुछ अन्य सिम्फनी के भी शीर्षक हैं। ज्यादातर मामलों में, वे स्वयं संगीतकार द्वारा नहीं दिए जाते हैं और केवल एक विशेष विवरण को चिह्नित करते हैं, अक्सर आलंकारिक, उदाहरण के लिए, "चिकन" सिम्फनी की धीमी गति में खनकने की नकल या "घड़ी" की धीमी गति में "टिक" की नकल सिम्फनी. एफ-शार्प माइनर में सिम्फनी के साथ एक विशेष इतिहास जुड़ा हुआ है, जिसे "फेयरवेल" नाम दिया गया था। इसमें एक अतिरिक्त पाँचवाँ भाग है (अधिक सटीक रूप से, एक एडैगियो प्रकार का कोडा)। इसके प्रदर्शन के दौरान, ऑर्केस्ट्रा के सदस्य, एक-एक करके, अपने कंसोल पर मोमबत्तियाँ बुझाते हैं, अपने वाद्ययंत्र लेते हैं और चले जाते हैं। केवल दो वायलिन वादक बचे हैं, जो चुपचाप और उदासी के साथ आखिरी बार बजाना समाप्त करते हैं और चले भी जाते हैं। इसके लिए निम्नलिखित स्पष्टीकरण है. यह वैसा ही है जैसे एक गर्मियों में प्रिंस मिक्लोस ने अपने चैपल के संगीतकारों को एस्ज़टेरहाज़ा में सामान्य से अधिक समय तक रोके रखा। और वे ईसेनस्टेड में रहने वाले अपने परिवारों से मिलने के लिए जल्दी से छुट्टी लेना चाहते थे। और फेयरवेल सिम्फनी के असामान्य दूसरे समापन ने इन परिस्थितियों के संकेत के रूप में कार्य किया। सिम्फनीज़ के अलावा, हेडन ने ऑर्केस्ट्रा के लिए कई अन्य रचनाएँ लिखीं, जिनमें सौ से अधिक व्यक्तिगत मिनट शामिल हैं। और अचानक सब कुछ ख़ुशी से बदल जाता है: सोनाटा रूपक का प्रदर्शन शुरू हो जाता है। धीमी गति के बजाय - तेज़ (एलेग्रो कॉन स्पिरिटो - "जल्दी, उत्साह के साथ"), भारी बास यूनिसन के बजाय - उच्च रजिस्टर में जी और ए-फ्लैट की समान ध्वनियों से, चलने का पहला मकसद, संक्रामक रूप से हर्षित, मुख्य भाग का नृत्य विषय जन्म लेता है। इस विषय के सभी उद्देश्य, मुख्य कुंजी में निर्धारित, पहली ध्वनि की पुनरावृत्ति के साथ शुरू होते हैं - जैसे कि एक उत्साही मोहर के साथ: ई-फ्लैट प्रमुख में सिम्फनी यह हेडन की बारह "लंदन सिम्फनीज़" में से ग्यारहवीं है। इसकी मुख्य कुंजी ई-फ्लैट मेजर है। इसे "सिम्फनी विद ट्रेमोलो टिमपनी" 22 के रूप में जाना जाता है। सिम्फनी में चार गतियाँ होती हैं। पहला भाग धीमे परिचय के साथ शुरू होता है। टॉनिक से जुड़े टिमपनी का ट्रेमोलो ("रोल") चुपचाप बजता है। यह दूर तक सुनाई देने वाली गड़गड़ाहट की तरह है। फिर परिचय का विषय स्वयं सहज, विस्तृत "आगे" में प्रकट होता है। सबसे पहले इसे सेलो, डबल बेस और बेसून द्वारा ऑक्टेव यूनिसन में बजाया जाता है। ऐसा लगता है जैसे कुछ रहस्यमयी परछाइयाँ चुपचाप तैर रही हैं, कभी-कभी रुक जाती हैं। इसलिए वे झिझकते हैं और रुक जाते हैं: परिचय की अंतिम पट्टियों में, आसन्न ध्वनियों जी और ए-फ्लैट पर एकसमान कई बार वैकल्पिक होते हैं, जिससे कान यह उम्मीद करने पर मजबूर हो जाते हैं - आगे क्या होगा? तार वाले पियानो वाद्ययंत्रों द्वारा थीम के दोहरे प्रदर्शन को पूरे ऑर्केस्ट्रा में बजने वाली नृत्य मस्ती की एक दंगाई ध्वनि द्वारा पूरक किया जाता है। यह उछाल तेजी से बढ़ता है, और कनेक्टिंग भाग में रहस्य का स्पर्श फिर से प्रकट होता है। टोनल स्थिरता टूट गई है. बी-फ्लैट मेजर (ई-फ्लैट मेजर का प्रमुख) में एक मॉड्यूलेशन है - द्वितीयक भाग की टोनलिटी। कनेक्टिंग हिस्से में कोई नई थीम नहीं है, लेकिन टिमपनी थीम का मूल उद्देश्य सुनाई देता है - गोलार्ध जिनके ऊपर त्वचा फैली हुई है, जिसे दो छड़ियों से मारा जाता है। प्रत्येक गोलार्ध केवल एक पिच पर ध्वनि उत्पन्न कर सकता है। शास्त्रीय सिम्फनी में आमतौर पर दो गोलार्धों का उपयोग किया जाता है, जो टॉनिक और प्रमुख से जुड़े होते हैं। 22 28 www.classon.ru मुख्य भाग की रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा और प्रारंभिक विषय का एक दूर का अनुस्मारक: प्रदर्शनी माध्यमिक भाग (बी-फ्लैट प्रमुख) की टोन के बयान के साथ समाप्त होती है। व्याख्या दोहराई जाती है, और फिर विकास होता है। यह मुख्य भाग के विषय से पृथक उद्देश्यों के पॉलीफोनिक अनुकरणात्मक और टोनल-हार्मोनिक विकास से भरा है। साइड गेम का विषय विकास के अंत की ओर प्रकट होता है। यह पूरी तरह से डी-फ्लैट मेजर की कुंजी में संचालित होता है, मुख्य कुंजी से बहुत दूर, यानी, यह एक नई, असामान्य रोशनी में दिखाई देता है। और एक दिन (फ़र्माटा के साथ एक सामान्य विराम के बाद) रहस्यमय प्रारंभिक विषय के स्वर बास में दिखाई देते हैं। विकास मुख्य रूप से पियानो और पियानिसिमो लगता है और केवल कभी-कभी फ़ोरटे और फ़ोर्टिसिमो सफ़ोरज़ांडो के व्यक्तिगत उच्चारण के साथ लगता है। इससे रहस्य का आभास बढ़ता है। उनके विकास में मुख्य भाग के विषय के उद्देश्य कभी-कभी एक शानदार नृत्य से मिलते जुलते हैं। कोई कल्पना कर सकता है कि यह कुछ रहस्यमय रोशनी का नृत्य है, जो कभी-कभी चमकती है। ई-फ्लैट मेजर की कुंजी में पुनरावृत्ति में, न केवल मुख्य भाग, बल्कि द्वितीयक भाग भी दोहराया जाता है, और कनेक्टिंग भाग को छोड़ दिया जाता है। कोड में कुछ रहस्य दिखाई देता है। इसकी शुरुआत, परिचय की तरह, एडैगियो टेम्पो, एक शांत टिमपनी ट्रेमोलो और धीमी गति से चलने वाली लय के साथ होती है। लेकिन जल्द ही, पहले आंदोलन के अंत में, तेज गति, जोरदार ध्वनि और हर्षित नृत्य "स्टॉम्प्स" वापस आ जाता है। सिम्फनी का दूसरा भाग - एन्डांटे - दो विषयों पर एक भिन्नता है - सी माइनर में एक गीत और सी मेजर में एक गीत-मार्च। इन तथाकथित दोहरे बदलावों की संरचना इस प्रकार है: पहला और दूसरा विषय प्रस्तुत किया जाता है, फिर अनुसरण करें: पहले विषय का पहला बदलाव, दूसरे विषय का पहला बदलाव, पहले विषय का दूसरा बदलाव, दूसरा दूसरे विषय की सामग्री के आधार पर दूसरे विषय और कोडा की भिन्नता। आज तक, शोधकर्ता पहले विषय की राष्ट्रीयता के बारे में बहस करते हैं। क्रोएशियाई संगीतकारों का मानना ​​है कि इसकी विशेषताओं के आधार पर यह एक क्रोएशियाई लोक गीत है, और हंगेरियन संगीतकारों का मानना ​​है कि यह एक हंगेरियन गीत है। सर्ब, बुल्गारियाई और पोल्स भी इसमें अपने राष्ट्रीय लक्षण पाते हैं। इस विवाद को पक्के तौर पर नहीं सुलझाया जा सकता, क्योंकि रिकॉर्डिंग्स ऐसी ही हैं। साइड पार्ट की थीम फिर से एक मजेदार डांस सॉन्ग है। लेकिन मुख्य पार्टी की तुलना में, वह इतनी ऊर्जावान नहीं है, बल्कि अधिक सुंदर और स्त्री है। वायलिन और ओबाउ से धुन बजती है। एक विशिष्ट वाल्ट्ज संगत इस विषय को लैंडर के करीब लाती है - एक ऑस्ट्रियाई और दक्षिण जर्मन नृत्य, वाल्ट्ज के पूर्वजों में से एक: 29 www.classon.ru रूस की कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा प्राचीन राग और उसके शब्द नहीं थे मिला। जाहिरा तौर पर, इसमें कई स्लाविक और हंगेरियन धुनों की विशेषताएं शामिल हो गईं; ऐसा, विशेष रूप से, विस्तारित दूसरे (ई-फ्लैट - फैडीयूज़) के लिए अजीब चाल है: दूसरे विषय की विविधताएं वीरतापूर्ण मार्चिंग चाल को फिर से शुरू करती हैं, जो कि सद्गुणों से अलंकृत है - बांसुरी का उत्कर्ष। और बड़े कोड में "संगीत कार्यक्रमों" के विकास में अप्रत्याशित मोड़ आते हैं। सबसे पहले, मार्च थीम एक सौम्य, पारदर्शी ध्वनि में बदल जाती है। फिर बिंदीदार लय के साथ उससे अलग किया गया रूपांकन तीव्रता से विकसित होता है। इससे ई-फ्लैट मेजर की कुंजी अचानक प्रकट हो जाती है, जिसके बाद मार्च थीम का अंतिम संचालन सी मेजर में उज्ज्वल और गंभीर रूप से सुनाई देता है। सिम्फनी का तीसरा भाग - मिनुएट - मूल रूप से एक उच्च-समाज नृत्य की शांत चाल को राग में मनमौजी व्यापक छलांग और तालमेल के साथ जोड़ता है: एक धुन और दूसरा, मार्चिंग प्रमुख विषय। पहले के विपरीत, साथ ही इसके साथ कुछ रिश्तेदारी भी है - एक क्वार्ट बीट, मेलोडी की एक आरोही और फिर अवरोही दिशा और एक उन्नत IV डिग्री (फ़ेडीयूज़): इस सनकी विषय को एक सहज, शांत आंदोलन द्वारा हाइलाइट किया गया है तिकड़ी - मिनुएट का मध्य खंड, पहले खंड के बीच स्थित है और उसकी सटीक पुनरावृत्ति 23 द्वारा: स्ट्रिंग वाद्ययंत्र पियानो और पियानिसिमो के साथ पहले विषय की प्रस्तुति एक इत्मीनान से कथा, कुछ असामान्य घटनाओं के बारे में एक कहानी की शुरुआत से मिलती जुलती है। इनमें से पहला दूसरे, मार्चिंग थीम की अचानक तेज़ प्रस्तुति हो सकता है, जिसमें स्ट्रिंग समूह में पवन वाद्ययंत्र जोड़े जाते हैं। प्रथम विषय के पहले रूपांतर में कथात्मक स्वर जारी रहता है। लेकिन इसकी ध्वनि के साथ वादी और सावधान गूँज भी जुड़ी हुई है। दूसरे विषय के पहले संस्करण में, एकल वायलिन मनमौजी पैटर्न वाले अंशों के साथ राग को रंग देता है। पहले विषय के दूसरे संस्करण में, कथा अचानक एक तूफानी, उत्साहित चरित्र पर ले जाती है (टिमपानी सहित सभी उपकरणों का उपयोग किया जाता है)। दूसरे में, मिनुएट (या बल्कि, इसके चरम, परिष्कृत और सनकी खंड) एक ओर, सिम्फनी के पहले और दूसरे भाग, और दूसरी ओर, इसके अंतिम, चौथे के लोक-रोज़मर्रा के विषयों के विपरीत है। भाग - समापन. यहां, जैसा कि एक शास्त्रीय सोनाटा रूपक के अनुरूप है, प्रदर्शनी में मुख्य भाग ई-फ्लैट प्रमुख की मुख्य कुंजी में सेट किया गया है, द्वितीयक भाग बी-फ्लैट प्रमुख की प्रमुख कुंजी में है, और पुनरावृत्ति में वे दोनों ध्वनि करते हैं ई-फ्लैट मेजर में। हालाँकि, साइड भाग में, यह लंबे समय तक नहीं था कि ऑर्केस्ट्रा कार्यों का मध्य भाग आमतौर पर तीन उपकरणों द्वारा किया जाता था। यहीं से "तिकड़ी" नाम आता है। 23 30 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, एक बिल्कुल नया विषय सामने आया है। यह मुख्य भाग की थीम पर आधारित है। फ्रांसीसी शब्द "रोंडे" से लिया गया है, जिसका अर्थ है "वृत्त" या "गोल नृत्य"। प्रश्न एवं कार्य 1. हेडन और मोजार्ट अपनी परिपक्व सिम्फनी बनाने के लिए कब आए? 2. हेडन सिम्फनी में आमतौर पर कौन से भाग होते हैं? हेडन के ऑर्केस्ट्रा में वाद्ययंत्रों के समूहों के नाम बताइए। 3. आप हेडन की सिम्फनी के कौन से नाम जानते हैं? 4. ई-फ्लैट मेजर में हेडन की सिम्फनी को "ट्रेमोलो या ब्रांड के साथ" क्यों कहा जाता है? यह किस अनुभाग से प्रारंभ होता है? 5. इस सिम्फनी के पहले आंदोलन में सोनाटा फॉर्म के मुख्य विषयों का वर्णन करें। 6. सिम्फनी का दूसरा भाग किस रूप में और किन विषयों पर लिखा गया था? 7. तीसरे भाग के मुख्य विषयों एवं अनुभागों का वर्णन करें। 8. समापन में मुख्य और द्वितीयक भागों के विषयों के बीच संबंध की ख़ासियत क्या है? सिम्फनी के पहले भाग और उसके समापन में संगीत के चरित्र के बीच क्या संबंध है? इस प्रकार, यह पता चलता है कि संपूर्ण अंत एक ही विषय पर आधारित है। संगीतकार, मानो किसी जटिल खेल में, या तो विषय को उसकी संपूर्णता में फिर से शुरू करता है, या कुशलतापूर्वक इसकी विविधताओं और व्यक्तिगत तत्वों को जोड़ता है। और वह स्वयं जटिल है. आखिरकार, इसमें सबसे पहले एक हार्मोनिक आधार दिखाई देता है - दो सींगों का तथाकथित "गोल्डन स्ट्रोक" - शिकार सींगों का एक विशिष्ट संकेत। और तभी इस आधार पर क्रोएशियाई लोक गीतों के करीब एक नृत्य राग लगाया जाता है। इसकी शुरुआत एक ध्वनि पर "स्टॉम्पिंग" से होती है, और बाद में इस मकसद को कई बार दोहराया जाता है, नकल की जाती है, एक आवाज से दूसरी आवाज में ले जाया जाता है। यह पहले भाग के मुख्य विषय के शुरुआती मकसद की याद दिलाता है और इसे वहां कैसे विकसित किया गया है। इसके अलावा, संगीतकार ने समापन में उसी गति का संकेत दिया - एलेग्रो कॉन स्पिरिटो। इस प्रकार, समापन में, हर्षित लोक नृत्य का तत्व अंततः राज करता है। लेकिन यहां इसका एक विशेष चरित्र है - यह एक जटिल गोल नृत्य जैसा दिखता है, एक समूह नृत्य जिसमें नृत्य को गीत और चंचल क्रिया के साथ जोड़ा जाता है। इसकी पुष्टि इस तथ्य से भी होती है कि प्रदर्शनी में मुख्य भाग को मुख्य कुंजी में दो अतिरिक्त बार दोहराया जाता है - एक छोटे संक्रमणकालीन प्रकरण के बाद और एक पार्श्व भाग के बाद। अर्थात्, यह फिर से शुरू होता हुआ, एक वृत्त में घूमता हुआ प्रतीत होता है। और यह रोन्डो रूप की विशेषताओं को सोनाटा रूप में प्रस्तुत करता है। शब्द "रोंडो", जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, कीबोर्ड रचनात्मकता जब हेडन ने अपना कीबोर्ड कार्य बनाया, तो पियानो ने धीरे-धीरे संगीत अभ्यास से हार्पसीकोर्ड और क्लैविकॉर्ड की जगह ले ली। हेडन ने अपने शुरुआती काम इन प्राचीन कीबोर्ड उपकरणों के लिए लिखे, और बाद के वर्षों के संस्करणों में उन्होंने "हार्पसीकोर्ड या पियानो के लिए" और अंततः, कभी-कभी केवल "पियानो के लिए" इंगित करना शुरू किया। उनके कीबोर्ड कार्यों में सबसे महत्वपूर्ण स्थान एकल सोनाटा का है। पहले, यह माना जाता था कि हेडन के पास उनमें से केवल 52 थे। लेकिन फिर, शोधकर्ताओं की खोजों के लिए धन्यवाद, यह संख्या बढ़कर 62 हो गई। उनमें से सबसे प्रसिद्ध डी मेजर और ई माइनर24 में सोनाटा हैं। डी मेजर में सोनाटा मुख्य भाग का विषय, जो इस सोनाटा के पहले भाग से शुरू होता है, बच्चों की तरह शरारती सप्तक छलांग, अनुग्रह नोट्स, मोर्डेंट्स और ध्वनियों की पुनरावृत्ति के साथ मस्ती और उत्साह से भरपूर एक नृत्य है। कोई ओपेराबफ़ा में ऐसे संगीत बजने की कल्पना भी कर सकता है: पहले संस्करणों में ये सोनाटा "नंबर 37" और "नंबर 34" के रूप में मुद्रित होते हैं, और बाद के संस्करणों में "नंबर 50" और "नंबर 53" के रूप में मुद्रित होते हैं। 24 31 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा लेकिन माध्यमिक भाग के विषय का विकास मुख्य भाग से शरारती छलांग द्वारा और फिर कनेक्टिंग भाग से एक उधम मचाते आंदोलन द्वारा प्रवेश किया जाता है। यह अधिक तीव्र, व्यापक हो जाता है और अचानक तुरंत शांत हो जाता है - मानो किसी तुरंत लिए गए निर्णय से। इसके बाद, प्रदर्शनी आनंदमय नृत्य वाले अंतिम भाग के साथ समाप्त होती है। विकास में फिर से बहुत सारी गतिविधियाँ चल रही हैं। यहां सप्तक मुख्य भाग के विषय से छलांग लगाता है, बाएं हाथ की ओर बढ़ता है, और भी अधिक शरारती हो जाता है, और मार्ग आंदोलन प्रदर्शनी में पार्श्व भाग के विषय के विकास की तुलना में और भी अधिक तनाव और व्यापक दायरे तक पहुंच जाता है। पुनरावृत्ति में, मुख्य कुंजी (डी प्रमुख) में माध्यमिक और अंतिम भागों की ध्वनि हर्षित मनोदशा के प्रभुत्व को मजबूती से स्थापित करती है। सबसे मजबूत कंट्रास्ट को सोनाटा में संक्षिप्त दूसरे आंदोलन द्वारा पेश किया जाता है, चरित्र में धीमा और संयमित। इसे डी माइनर में इसी नाम की कुंजी में लिखा गया है। संगीत में कोई सरबंदे की भारी चाल सुन सकता है, एक प्राचीन नृत्य जो अक्सर अंतिम संस्कार जुलूस के रूप में होता था। और त्रिक और बिंदीदार लयबद्ध आकृतियों के साथ अभिव्यंजक मधुर विस्मयादिबोधक में हंगेरियन जिप्सियों के दुखद मंत्रों के साथ समानता है: सोलहवें नोटों के हर्षित, उधम मचाते मार्ग कनेक्टिंग भाग को भर देते हैं। और पार्श्व भाग का विषय (ए मेजर की कुंजी में) भी नृत्य है, केवल अधिक संयमित और सुरुचिपूर्ण: 32 www.classon.ru ई माइनर में रूसी कला सोनाटा के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा 1780 के दशक की शुरुआत में, हेडन प्रथम लंदन में एक संगीत कार्यक्रम के लिए यात्रा करने का निमंत्रण मिला। उन्होंने लगन से इसके लिए तैयारी की, लेकिन एस्टरहाज़ी चैपल में अपने आधिकारिक कर्तव्यों के कारण वह इसे पूरा करने में असमर्थ थे। यह संभव है कि दूर की "विदेशी" यात्रा के सपने और उनसे जुड़े अनुभव उस समय सामने आए ई माइनर सोनाटा में प्रतिबिंबित हुए हों। यह हेडन द्वारा रचित कुछ छोटे सोनाटाओं में से एकमात्र है, जहां पहले आंदोलन में एक स्पष्ट गीतात्मक चरित्र को बहुत तेज गति के साथ जोड़ा गया है। इस आंदोलन के मुख्य भाग का विषय, जिसके साथ सोनाटा शुरू होता है, भी अजीब है: लेकिन हेडन की आशावादी कला में, मृत्यु की अंधेरी छवियां हमेशा जीवन की उज्ज्वल छवियों से दूर हो जाती हैं। और इस सोनाटा का डी माइनर दूसरा भाग, टॉनिक पर नहीं, बल्कि प्रमुख राग पर समाप्त होता है, सीधे रैपिड डी मेजर फिनाले 25 पर जाता है। फिनाले एक रोंडो के रूप में बनाया गया है, जहां मुख्य विषय - रिफ्रेन (डी मेजर की मुख्य कुंजी में) - तीन बार दोहराया जाता है, और इसकी पुनरावृत्ति के बीच बदलते खंड होते हैं - एपिसोड: डी माइनर में पहला एपिसोड, और जी मेजर में दूसरा। यहां, केवल पहले, डी माइनर एपिसोड में, शोकपूर्ण यादें फिसल जाती हैं - मध्य भाग की एक प्रतिध्वनि। दूसरा, जी प्रमुख एपिसोड पहले से ही लापरवाही से हर्षित है और एक ही नोट पर दाएं और बाएं हाथों की एक कॉमिक "रोल कॉल" की ओर ले जाता है। और समापन का मुख्य विषय उड़ना-नृत्य (रोंडो रिफ्रेन) हेडन में सबसे हर्षित में से एक है: विषय के प्रारंभिक वाक्यांश दो तत्वों के संयोजन से बने हैं। बास में, बाएं हाथ में, पियानो, एक मामूली टॉनिक ट्रायड ध्वनि पर चलता है - जैसे कि दूरी में कहीं दौड़ने के लिए कॉल। और तुरंत दाहिने हाथ में कांपना, मानो संदेह करना, झिझकते उद्देश्य-उत्तर का अनुसरण करना। थीम की सामान्य गति नरम, लहरदार, लहराती हुई है। इसके अलावा, पहले भाग का आकार - 6/8 - बारकारोल शैली के लिए विशिष्ट है - "पानी पर गाने"26। कनेक्टिंग भाग में ई माइनर के समानांतर जी मेजर में एक मॉड्यूलेशन होता है - साइड और अंतिम भागों की टोन। कनेक्टिंग और अंतिम भाग, सोलहवें नोट्स के गतिशील अंशों से भरे हुए, साइड भाग को फ्रेम करते हैं - हल्का, स्वप्निल। यह इतालवी शब्द "अटाका सबिटो इल फिनाले" द्वारा इंगित किया गया है, जिसका अर्थ है "तुरंत समापन शुरू करना"। मूल रूप से, विनीशियन गोंडोलियर्स के गीतों को बारकारोल्स कहा जाता था। शैली का नाम स्वयं इतालवी शब्द "बार्का" - "नाव" से आया है। 25 26 33 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, मानो ऊपर उठ रही हो: प्रकृति, जब संकेत बजते थे, मानो वापस लौटने के लिए बुला रहे हों, हृदय हर्षित अलार्म से कांपने लगता था! और यहां, तार परिवर्तन के बाद, तीसरे आंदोलन (अंतिम) का मुख्य विषय प्रकट होता है। यह रोन्डो फॉर्म का खंडन है जिसमें फिनाले लिखा गया है। यह एक प्रेरित गीत की तरह दिखता है जो आपको अपनी मूल भूमि पर "पूरी तरह से" जाने में मदद करता है: तो, समापन में रोंडो फॉर्म का आरेख इस प्रकार है: रिफ्रेन (ई माइनर), पहला एपिसोड (ई मेजर), रिफ्रेन (ई माइनर), दूसरा एपिसोड (ई मेजर), रिफ्रेन (ई माइनर)। दोनों प्रसंग रागात्मक रिश्तेदारी से और एक-दूसरे से जुड़े हुए हैं। जब कनेक्टिंग, साइड और अंतिम भाग बजाए जाते हैं, तो कल्पना आकर्षक छवियां खींचती है - पूंछ की हवा कितनी स्वतंत्र रूप से बहती है, तेज गति आपको कितनी खुशी से आगे ले जाती है। इसके अलावा, मुख्य, कनेक्टिंग और अंतिम भागों की सामग्री पर निर्मित विकास में, छोटी कुंजियों में विचलन प्रबल होते हैं। मुख्य में, यानी प्रमुख नहीं, बल्कि छोटी कुंजी में, पार्श्व और अंतिम भाग, जो अधिक व्यापक हो गए हैं, पुन: सुनाई देते हैं। फिर भी, अज्ञात में प्रयास करने से दुःख और आध्यात्मिक संदेह अंततः दूर हो जाते हैं। यह पहले आंदोलन की अंतिम पट्टियों का अर्थ है, जहां मुख्य भाग के विषय की शुरुआत को उल्लेखनीय रूप से दोहराया गया है। सोनाटा का दूसरा भाग, धीमा, जी मेजर में, एक प्रकार का वाद्य अरिया है, जो एक उज्ज्वल चिंतनशील मनोदशा से ओत-प्रोत है। उसके हल्के रंग पक्षियों की चहचहाहट और झरनों के बड़बड़ाने की गूँज से संतृप्त हैं: प्रश्न और कार्य 1. हेडन के कीबोर्ड संगीत की मुख्य शैली का नाम बताइए। उनके कितने सोनाटा ज्ञात हैं? 2. डी मेजर में सोनाटा के पहले आंदोलन के मुख्य खंडों का वर्णन करें। क्या इस भाग में मुख्य और गौण दलों के बीच कोई संबंध है? 3. दूसरा भाग डी मेजर में सोनाटा के संगीत में क्या विरोधाभास लाता है? इसका अंत से क्या संबंध है? 4. ई माइनर में सोनाटा के पहले आंदोलन के मुख्य भाग की संरचनात्मक विशेषताओं और विषय की प्रकृति के बारे में बताएं। इस भाग के शेष विषयों और अनुभागों को परिपक्व करें और उनका वर्णन करें। 5. ई माइनर में सोनाटा के दूसरे आंदोलन का चरित्र क्या है? 6. ई माइनर में सोनाटा के समापन के स्वरूप और इसके मुख्य विषय की प्रकृति के बारे में बताएं। प्रमुख कार्य 100 से अधिक सिम्फनी (104) ऑर्केस्ट्रा के साथ विभिन्न वाद्ययंत्रों के लिए कई संगीत कार्यक्रम 80 से अधिक चौकड़ी (दो वायलिन, वायोला और सेलो के लिए) (83) 62 कीबोर्ड सोनाटा ऑरेटोरियोस "द क्रिएशन ऑफ द वर्ल्ड" और "द सीजन्स" 24 ओपेरा स्कॉटिश और आयरिश गीतों की व्यवस्था हालाँकि, शांतिपूर्ण आराम कितना भी मधुर क्यों न हो, कहीं दूर, 34 www.classon.ru की गोद में रूस की कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा कई शैलियों में लिखी गई है - उनकी सिम्फनी, वाद्य संगीत कार्यक्रम, विभिन्न चैम्बर समूह, पियानो सोनाटा, गाना बजानेवालों के लिए रिक्विम, एकल कलाकार और ऑर्केस्ट्रा। मोजार्ट की अभूतपूर्व प्रतिभा, जो असामान्य रूप से जल्दी प्रकट हुई और तेजी से विकसित हुई, ने उसके नाम के चारों ओर एक घेरा बना दिया; पौराणिक "संगीत चमत्कार" का प्रभामंडल। ज्वलंत विशेषताएँ; ए.एस. पुश्किन ने उन्हें नाटक ("छोटी त्रासदी") "मोजार्ट और सालिएरी" में एक प्रेरित कलाकार के रूप में प्रस्तुत किया। एन. ए. रिमस्की-कोर्साकोव द्वारा इसी नाम का ओपेरा इसके आधार पर लिखा गया था। 27. मोजार्ट पी. का पसंदीदा संगीतकार था। I. त्चैकोव्स्की 28. वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट 1756-1791 जीवन पथ परिवार। बचपन। वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट का जन्मस्थान, जिनका जन्म जनवरी 1756 में हुआ था, ऑस्ट्रियाई शहर साल्ज़बर्ग है। यह तेज़ साल्ज़ाच नदी के पहाड़ी तट पर सुरम्य रूप से स्थित है, जो आल्प्स की पूर्वी तलहटी में अपना रास्ता बनाती है। साल्ज़बर्ग एक छोटी रियासत की राजधानी थी, जिसके शासक के पास आर्कबिशप का सनकी पद था। वोल्फगैंग अमाडेस के पिता लियोपोल्ड मोजार्ट ने उनके चैपल में सेवा की थी। वह एक गंभीर और उच्च शिक्षित संगीतकार थे - एक विपुल संगीतकार, वायलिन वादक, ऑर्गेनिस्ट और शिक्षक। उनके द्वारा प्रकाशित स्कूल ऑफ वायलिन प्लेइंग रूस सहित कई देशों में व्यापक हो गया। लियोपोल्ड और उनकी पत्नी अन्ना मारिया के सात बच्चों में से केवल दो ही जीवित बचे थे - सबसे छोटा बेटा वोल्फगैंग अमाडेस और बेटी मारिया अन्ना (नैनेरल), जो बड़ी थी! भाई साढ़े चार साल तक. जब उनके पिता ने नाननेरल को, जिनके पास उत्कृष्ट योग्यता थी, हार्पसीकोर्ड बजाना सिखाना शुरू किया, तो उन्होंने जल्द ही तीन वर्षीय वोल्फगैंग के साथ अध्ययन करना शुरू कर दिया, उसकी उत्कृष्ट सुनवाई और अद्भुत संगीत स्मृति को देखते हुए। चार साल से, लड़का पहले से ही रचना करने की कोशिश कर रहा था संगीत, और उनके पहले जीवित हार्पसीकोर्ड टुकड़े उनके पिता द्वारा रिकॉर्ड किए गए थे जब लेखक केवल पाँच वर्ष का था। इस बारे में एक प्रसिद्ध कहानी है कि कैसे चार वर्षीय वोल्फगैंग ने एक कीबोर्ड कॉन्सर्टो की रचना करने की कोशिश की। कलम के साथ, उन्होंने अपनी उँगलियाँ स्याही के कुएँ में डुबोईं और संगीत के कागज़ पर धब्बा बना दिया। ऐसा तब तक नहीं हुआ जब तक मेरे पिता ने इस बचकानी रिकॉर्डिंग को करीब से नहीं देखा, धब्बों के माध्यम से, उन्होंने इसमें निस्संदेह संगीतमय अर्थ की खोज की। सबसे महान संगीत प्रतिभाओं में से एक, ऑस्ट्रियाई संगीतकार वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट केवल 35 वर्ष जीवित रहे। इनमें से उन्होंने तीस वर्षों तक संगीत रचना की और 600 से अधिक कृतियों की विरासत छोड़कर विश्व कला के स्वर्ण कोष में अमूल्य योगदान दिया। मोजार्ट के जीवनकाल में उनकी रचनात्मक प्रतिभा का सबसे सच्चा, उच्चतम मूल्यांकन उनके वरिष्ठ समकालीन जोसेफ हेडन ने किया था। "...आपका बेटा," उन्होंने एक बार वोल्फगैंग अमाडेस के पिता से कहा था, "वह सबसे महान संगीतकार है जिसे मैं व्यक्तिगत रूप से और नाम से जानता हूं; उसके पास स्वाद है, और, इसके अलावा, रचना का सबसे बड़ा ज्ञान है।" हेडन और मोजार्ट का संगीत, जिसे विनीज़ क्लासिक्स कहा जाता है, दुनिया की एक आशावादी, सक्रिय धारणा, उनकी काव्यात्मक उदात्तता और गहराई के साथ भावनाओं की अभिव्यक्ति में सादगी और स्वाभाविकता के संयोजन से संबंधित है। वहीं, उनकी कलात्मक रुचियों में भी काफी अंतर है। हेडन लोक और गीत-महाकाव्य छवियों के करीब है, जबकि मोजार्ट गीतात्मक और गीत-नाटकीय छवियों के करीब है। मोजार्ट की कला विशेष रूप से मानवीय भावनात्मक अनुभवों के प्रति अपनी संवेदनशीलता के साथ-साथ विभिन्न मानवीय पात्रों के अवतार में अपनी सटीकता और जीवंतता के कारण लुभावना है। इसने उन्हें एक अद्भुत ओपेरा संगीतकार बना दिया। उनके ओपेरा, और सबसे ऊपर "द मैरिज ऑफ फिगारो", "डॉन जियोवानी" और "द मैजिक फ्लूट" ने तीसरी शताब्दी के लिए लगातार सफलता का आनंद लिया है, सभी संगीत थिएटरों के मंच पर मंचित किया गया है। विश्व कॉन्सर्ट प्रदर्शनों की सूची में सबसे सम्मानजनक स्थानों में से एक पर मोजार्ट के कार्यों का कब्जा है। यह संस्करण कि सालिएरी ने मोजार्ट को ईर्ष्या से जहर दिया था, केवल एक किंवदंती है। त्चिकोवस्की ने मोजार्ट के चार पियानो टुकड़ों को व्यवस्थित किया और उन्हें मोजार्टियाना सुइट में संगीतबद्ध किया। 27 28 35 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा एक वायलिन संगीत कार्यक्रम का प्रदर्शन करेगी... एक स्कार्फ से ढके कीबोर्ड पर बजाएं और साथ ही अगर यह उसकी आंखों के सामने होता, तो वह दूर से ही उन सभी ध्वनियों को नाम देगा जो व्यक्तिगत रूप से हैं या तारों को क्लैवियर या किसी अन्य उपकरण पर लिया जाएगा या वस्तुओं द्वारा उत्पादित किया जाएगा - एक घंटी, एक गिलास, एक घड़ी। अंत में, वह न केवल हार्पसीकोर्ड में सुधार करेगा, बल्कि जब तक श्रोता चाहेंगे तब तक ऑर्गन में भी सुधार करेगा, और किसी भी, यहां तक ​​कि सबसे कठिन कुंजी में भी, जो उसे बुलाया जाता है..." पहली संगीत यात्राएं। लियोपोल्ड मोजार्ट ने अपने प्रतिभाशाली बच्चों के साथ प्रमुख संगीत केंद्रों की संगीत यात्राएं शुरू करने का फैसला किया। पहली यात्रा - जर्मन शहर म्यूनिख की - 1762 की शुरुआत में हुई, जब वोल्फगैंग मुश्किल से छह साल का था। छह महीने बाद मोजार्ट परिवार वियना चला गया। वहां, वोल्फगैंग और नैनरल ने शाही दरबार में प्रदर्शन किया, उन्हें बड़ी सफलता मिली और उन पर उपहारों की बौछार की गई। 1763 की गर्मियों में, मोजार्ट ने पेरिस और लंदन की लंबी यात्रा की। लेकिन पहले उन्होंने कई जर्मन शहरों का दौरा किया, और वापस जाते समय - फिर पेरिस में, साथ ही एम्स्टर्डम, द हेग, जिनेवा और कई अन्य शहरों में भी गए। छोटे मोजार्ट्स, विशेष रूप से वोल्फगैंग के प्रदर्शन ने हर जगह आश्चर्य और प्रशंसा जगाई, यहां तक ​​कि सबसे शानदार शाही दरबारों में भी। उस समय के रिवाज के अनुसार, वोल्फगैंग सोने से कढ़ाई वाले सूट और पाउडर विग में एक महान जनता के सामने आया, लेकिन साथ ही उसने पूरी तरह से बचकानी सहजता के साथ व्यवहार किया; उदाहरण के लिए, वह महारानी की गोद में कूद सकता था . लगातार 4-5 घंटे तक चलने वाले संगीत कार्यक्रम छोटे संगीतकारों के लिए बहुत थका देने वाले थे, लेकिन जनता के लिए वे एक तरह के मनोरंजन में बदल गए। विज्ञापनों में से एक में यह कहा गया था: “...बारहवें वर्ष में एक लड़की और सातवें वर्ष में एक लड़का हार्पसीकोर्ड पर एक संगीत कार्यक्रम प्रस्तुत करेंगे। .. इसके अलावा, लड़का 36 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा कॉन्सर्ट टूर तीन साल से अधिक समय तक जारी रहा और वोल्फगैंग को कई अलग-अलग छापें दीं। उन्होंने बड़ी संख्या में वाद्य और गायन रचनाएँ सुनीं, कुछ उत्कृष्ट संगीतकारों से मुलाकात की (लंदन में - जोहान सेबेस्टियन बाख के सबसे छोटे बेटे, जोहान क्रिश्चियन के साथ)। प्रदर्शनों के बीच, वोल्फगैंग ने उत्साहपूर्वक रचना का अध्ययन किया। पेरिस में, वायलिन और हार्पसीकोर्ड के लिए उनके चार सोनाटा प्रकाशित हुए, इस संकेत के साथ कि ये सात वर्षीय लड़के की कृतियाँ थीं। लंदन में उन्होंने अपनी पहली सिम्फनी लिखी। साल्ज़बर्ग लौटें और वियना में रहें। पहला ओपेरा. 1766 के अंत में पूरा परिवार साल्ज़बर्ग लौट आया। वोल्फगैंग ने अपने पिता के मार्गदर्शन में व्यवस्थित रूप से रचना तकनीक का अध्ययन करना शुरू किया। मोज़ार्ट ने पूरा वर्ष 1768 वियना में बिताया। थिएटर के साथ एक अनुबंध के तहत, बारह वर्षीय वोल्फगैंग ने इतालवी मॉडलों का अनुसरण करते हुए तीन महीने में ओपेरा बफ़ा "द इमेजिनरी सिंपलटन" लिखा। रिहर्सल शुरू हुई, लेकिन प्रदर्शन स्थगित होने लगा और फिर पूरी तरह से रद्द कर दिया गया (शायद ईर्ष्यालु लोगों की साज़िशों के कारण)। यह अगले वर्ष ही साल्ज़बर्ग में हुआ। वियना में, वोल्फगैंग ने पांच सिम्फनी सहित कई अन्य संगीत की रचना की, और नए चर्च के अभिषेक में अपने पवित्र जनसमूह का सफलतापूर्वक संचालन किया। इटली की यात्राएँ. 1769 के अंत से 1773 की शुरुआत तक, वोल्फगैंग अमाडेस ने अपने पिता के साथ इटली की तीन लंबी यात्राएँ कीं। इस "संगीत की भूमि" में, युवा मोजार्ट ने रोम, नेपल्स, मिलान और फ्लोरेंस सहित एक दर्जन से अधिक शहरों में बड़ी सफलता के साथ प्रदर्शन किया। उन्होंने अपनी सिम्फनी का संचालन किया, हार्पसीकोर्ड, वायलिन और ऑर्गन बजाया, दिए गए विषयों पर तात्कालिक सोनाटा और फ्यूग्यूज़, दिए गए ग्रंथों पर एरियास, दृष्टि से कठिन कार्यों को उत्कृष्ट रूप से बजाया और उन्हें अन्य कुंजियों में दोहराया। उन्होंने दो बार बोलोग्ना का दौरा किया, जहां कुछ समय के लिए उन्होंने प्रसिद्ध शिक्षक - सिद्धांतकार और संगीतकार पाद्रे मार्टिनी से शिक्षा ली। एक कठिन परीक्षा (जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों का उपयोग करके एक पॉलीफोनिक रचना लिखना) को शानदार ढंग से उत्तीर्ण करने के बाद, चौदह वर्षीय मोजार्ट को, एक विशेष अपवाद के रूप में, बोलोग्ना फिलहारमोनिक अकादमी का सदस्य चुना गया। और चार्टर के अनुसार, केवल संगीतकार जो बीस वर्ष की आयु तक पहुँच चुके थे और इस आधिकारिक संस्थान में पिछला अनुभव रखते थे, उन्हें इसमें अनुमति दी गई थी। रोम में, वेटिकन सिटी (पोप निवास) 29 में सिस्टिन चैपल का दौरा करते हुए, मोजार्ट ने एक बार 17वीं शताब्दी के इतालवी संगीतकार ग्रेगोरियो एलेग्री द्वारा दो गायकों के लिए एक बड़े पॉलीफोनिक आध्यात्मिक कार्य को सुना। इस कार्य को पोप की संपत्ति माना जाता था और इसे दोबारा लिखने या वितरित करने की अनुमति नहीं थी। लेकिन मोजार्ट ने पूरे जटिल कोरल स्कोर को स्मृति से लिख लिया, और पोप गाना बजानेवालों के सदस्य ने रिकॉर्डिंग की सटीकता की पुष्टि की। इटली, जो न केवल संगीत का, बल्कि ललित कलाओं और वास्तुकला का भी एक महान देश है, ने मोजार्ट को प्रचुर मात्रा में कलात्मक छापें दीं। वह विशेष रूप से ओपेरा हाउसों में जाकर आकर्षित हुए। युवक ने इतालवी ओपेरा शैली में इतनी महारत हासिल कर ली कि कुछ ही समय में उसने तीन ओपेरा लिखे, जिनका बाद में मिलान में बड़ी सफलता के साथ मंचन किया गया। ये दो ओपेरा श्रृंखला हैं - "मिथ्रिडेट्स, पोंटस के राजा" और "लुसियस सुल्ला" - और एक पौराणिक कथानक पर एक देहाती ओपेरा "अल्बा में एस्केनियो"30। वियना, म्यूनिख, मैनहेम, पेरिस की यात्राएँ। अपनी शानदार रचनात्मक और संगीत कार्यक्रम की सफलताओं के बावजूद, वोल्फगैंग अमाडेस इतालवी राज्यों के किसी भी शासक के दरबार में सेवा प्राप्त करने में विफल रहा। मुझे साल्ज़बर्ग लौटना पड़ा। यहां, मृत आर्चबिशप के स्थान पर, एक नए, अधिक निरंकुश और असभ्य शासक ने शासन किया। मोज़ार्ट पिता और पुत्र, जो उनकी सेवा में थे, के लिए नई यात्राओं के लिए छुट्टी पाना और भी कठिन हो गया। लेकिन जिस ओपेरा हाउस के लिए मोजार्ट रचना करना चाहता था वह साल्ज़बर्ग में उपलब्ध नहीं था, और संगीत गतिविधि के अन्य अवसर सीमित थे। दोनों संगीतकारों की वियना यात्रा केवल इसलिए हो सकी क्योंकि साल्ज़बर्ग आर्कबिशप स्वयं ऑस्ट्रिया की राजधानी का दौरा करना चाहते थे। अनिच्छा से, उन्होंने मोज़ार्ट को यात्रा करने की अनुमति भी दी; म्यूनिख, जहां युवा संगीतकार के नए ओपेरा बफ़ा का मंचन किया गया। और अगली यात्रा के लिए केवल वोल्फगैंग अमाडेस ही बड़ी कठिनाई से अनुमति प्राप्त करने में सफल रहा। उनके पिता को साल्ज़बर्ग में रहने के लिए मजबूर किया गया, और उनकी माँ अपने बेटे के साथ चली गईं। पहला लंबा पड़ाव जर्मन शहर मैनहेम में हुआ। यहां तत्कालीन प्रसिद्ध सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के नेताओं में से एक, प्री-क्लासिकल मैनहेम स्कूल ऑफ़ कंपोज़िशन के एक प्रतिनिधि, वोल्फगैंग अमाडेस और अन्ना मारिया का उनके घर में गर्मजोशी से स्वागत किया गया। मैनहेम में, मोजार्ट की रचना माइकल एंजेलो सहित इतालवी कलाकारों ने की। 30 पोंटस साम्राज्य काला सागर पर एक प्राचीन राज्य है, मुख्य रूप से वर्तमान तुर्की तट ("पोंट एक्सिन", यानी, "मेहमाननवाज समुद्र", काला सागर का प्राचीन ग्रीक नाम)। लूसियस सुल्ला एक प्राचीन यूनानी सैन्य और राजनीतिक व्यक्ति हैं। पास्टोरल (इतालवी शब्द "पादरी" से - "चरवाहा") एक कथानक के साथ एक काम है जो प्रकृति की गोद में जीवन को आदर्श बनाता है। सिस्टिन चैपल वेटिकन में पोप का घरेलू चर्च है; इसे 15वीं शताब्दी में पोप सिक्सटस IV के तहत बनाया गया था। चैपल की दीवारों और छत को महान 29 37 www.classon.ru से चित्रित किया गया है, रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा के लिए कई काम किए गए हैं, जिनमें से अधिकांश वाद्ययंत्र हैं, जो पहले से ही परिपक्व संगीत शैली द्वारा चिह्नित हैं। लेकिन वोल्फगैंग अमाडेस के लिए यहां भी कोई स्थाई नौकरी की वैकेंसी नहीं थी. 1778 के वसंत में, मोजार्ट और उसकी माँ पेरिस पहुंचे। हालाँकि, वहाँ वास्तविक पहचान पाने और प्रमुख स्थान हासिल करने की उम्मीदें पूरी नहीं हुईं। फ्रांस की राजधानी में, वे पहले से ही चमत्कारिक बच्चे, इस प्रतीत होने वाले जीवित खिलौने के बारे में भूल गए थे, और युवा संगीतकार की खिलती प्रतिभा को पहचानने में असफल रहे। मोज़ार्ट को संगीत कार्यक्रमों की व्यवस्था करने या ओपेरा के लिए ऑर्डर प्राप्त करने में कोई भाग्य नहीं था। वह पाठों से प्राप्त अल्प आय पर जीवन यापन करता था; थिएटर के लिए वह केवल छोटे बैले "ट्रिंकेट" के लिए संगीत लिख सकता था। उनकी कलम से नई अद्भुत रचनाएँ निकलीं, लेकिन तब उन्होंने गंभीरता से ध्यान आकर्षित नहीं किया। और गर्मियों में, वोल्फगैंग अमाडेस को गंभीर दुःख का सामना करना पड़ा: उसकी माँ बीमार पड़ गई और मर गई। अगले वर्ष की शुरुआत में, मोजार्ट साल्ज़बर्ग लौट आया। ओपेरा "आइडोमेनियो"। आर्चबिशप से नाता तोड़ो और वियना चले जाओ। मोजार्ट के लिए अगले कुछ वर्षों की सबसे महत्वपूर्ण घटनाएँ म्यूनिख में ओपेरा "इडोमेनियो, किंग ऑफ़ क्रेते" का निर्माण और उत्पादन थीं, जो इसकी बड़ी सफलता थी। यहां इतालवी ओपेरा सेरिया के सर्वोत्तम गुणों को ग्लुक के ऑपरेटिव सुधार के सिद्धांतों के साथ जोड़ा गया था। इसने मोजार्ट की शानदार मौलिक ओपेरा कृतियों के उद्भव के लिए रास्ता तैयार किया। ...साल था 1781. मोजार्ट 25 वर्ष का हो गया। वे नये रचनात्मक विचारों से परिपूर्ण साढ़े तीन सौ कृतियों के लेखक हैं। और साल्ज़बर्ग के आर्कबिशप के लिए, वह केवल एक संगीत सेवक है, जिस पर अहंकारी और निरंकुश मालिक तेजी से अत्याचार करता है और अपमानित करता है, उसे लोगों के कमरे में "रसोइयों के ऊपर, लेकिन पैदल चलने वालों के नीचे" मेज पर बैठने के लिए मजबूर करता है, और ऐसा नहीं करता है। उसे बिना अनुमति के कहीं भी जाने या कहीं भी प्रदर्शन करने की अनुमति दें। मोजार्ट के लिए यह सब असहनीय हो गया और उसने अपना इस्तीफा सौंप दिया। आर्चबिशप ने दो बार उसे शाप और अपमान देकर मना कर दिया और उसके करीबी सहयोगी ने संगीतकार को बेरहमी से दरवाजे से बाहर निकाल दिया। लेकिन मानसिक आघात झेलने के बाद भी वह अपने निर्णय पर अटल रहे। मोजार्ट एक दरबारी संगीतकार की आर्थिक रूप से सुरक्षित लेकिन आश्रित स्थिति को गर्व से तोड़ने वाले पहले महान संगीतकार बने। वियना: पिछला दशक। मोजार्ट वियना में बस गये। केवल कभी-कभार ही उन्होंने ऑस्ट्रियाई राजधानी को थोड़े समय के लिए छोड़ा, उदाहरण के लिए, प्राग में अपने ओपेरा डॉन जियोवानी के पहले उत्पादन के सिलसिले में या जर्मनी में दो संगीत कार्यक्रमों के दौरान। 1782 में, उन्होंने कॉन्स्टेंस वेबर से शादी की, जो अपने हंसमुख स्वभाव और संगीतमयता से प्रतिष्ठित थीं। एक के बाद एक, बच्चे पैदा हुए (लेकिन छह में से चार की शिशु के रूप में ही मृत्यु हो गई)। अपने शानदार संगीत के कलाकार के रूप में संगीत कार्यक्रम के प्रदर्शन से, प्रकाशन कार्यों और ओपेरा के मंचन से मोजार्ट की कमाई अनियमित थी। इसके अलावा, मोजार्ट, एक दयालु, भरोसेमंद और अव्यवहारिक व्यक्ति होने के कारण, यह नहीं जानता था कि पैसे के मामलों को विवेकपूर्ण तरीके से कैसे प्रबंधित किया जाए। 1787 के अंत में कोर्ट चैंबर संगीतकार के अल्प वेतन वाले पद पर नियुक्ति, जिसे केवल नृत्य संगीत की रचना करने का काम सौंपा गया था, ने उसे पैसे की अक्सर अनुभव होने वाली आवश्यकता से नहीं बचाया। इन सबके साथ, दस विनीज़ वर्षों में, मोजार्ट ने ढाई सौ से अधिक नई रचनाएँ बनाईं। उनमें से कई शैलियों में उनकी सबसे शानदार कलात्मक उपलब्धियाँ चमकीं। मोजार्ट की शादी के वर्ष में, उनके शानदार सिंगस्पील "द एब्डक्शन फ्रॉम द सेराग्लियो" का वियना में बड़ी सफलता के साथ मंचन किया गया था; हास्य31. और ओपेरा बफ़ा "द मैरिज ऑफ फिगारो", मूल; "मजाकिया नाटक" की शैली में "डॉन जुआन" और ओपेरा कथा "द मैजिक फ्लूट", जो पिछले विनीज़ वर्षों में उत्पन्न हुई, अपने पूरे इतिहास में संगीत थिएटर द्वारा प्राप्त उच्चतम शिखरों में से हैं! उसकी कहानी। मोजार्ट ने अपनी तीन सर्वश्रेष्ठ सिम्फनी लिखीं, जो उनकी आखिरी सिम्फनी साबित हुईं, जिसमें 1788 की गर्मियों में जी माइनर (नंबर 40) भी शामिल थी। उसी दशक में, संगीतकार की कई अन्य वाद्य रचनाएँ सामने आईं - चार-भाग वाला ऑर्केस्ट्रा "लिटिल नाइट सेरेनेड", कई पियानो कॉन्सर्टो, सोनाटा और विभिन्न चैम्बर पहनावा। मोजार्ट ने अपनी छह स्ट्रिंग चौकड़ी हेडन को समर्पित की, जिनके साथ उन्होंने मधुर और मैत्रीपूर्ण संबंध विकसित किए। इन वर्षों के दौरान, मोजार्ट ने बाख और हैंडेल के कार्यों का बहुत रुचि से अध्ययन किया। मोजार्ट का सबसे हालिया काम रिक्विम है, जो गाना बजानेवालों, एकल कलाकारों और ऑर्केस्ट्रा32 के लिए एक अंतिम संस्कार है। जुलाई 1791 में, इसे संगीतकार से एक ऐसे व्यक्ति द्वारा बनवाया गया था जो अपना नाम नहीं बताना चाहता था। यह रहस्यमय लग रहा था और निराशाजनक पूर्वाभास को जन्म दे सकता था। कुछ साल बाद ही यह स्पष्ट हो गया कि यह ऑर्डर एक विनीज़ काउंट से आया था जो किसी और का काम खरीदना चाहता था और उसे अपना बताना चाहता था। गंभीर रूप से बीमार होने के कारण, मोजार्ट रिक्विम को पूरी तरह से पूरा करने में असमर्थ था। इसे संगीतकार के एक छात्र द्वारा ड्राफ्ट से पूरा किया गया था। एक कहानी है कि 5 दिसंबर, 1791 की रात को हुई महान संगीतकार की मृत्यु की पूर्व संध्या पर, दोस्तों ने उनके साथ अधूरे काम के कुछ हिस्से गाए। रिक्विम में शोकपूर्ण अवधारणा के अनुसार, मोजार्ट के संगीत की प्रेरित गीतात्मक और नाटकीय अभिव्यक्ति ने एक विशेष उदात्तता और गंभीरता हासिल कर ली। धन की कमी के कारण, मोजार्ट को 31 32 सेराग्लियो - अमीर पूर्वी रईसों के घरों में आधी महिला - के लिए एक आम कब्र में दफनाया गया था। लैटिन शब्द "requiem" का अर्थ है "आराम।" 38 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा ख़राब है, और उनके दफ़नाने का सही स्थान अज्ञात है। सुज़ैन के लिए उसकी पोशाक एक काउंटेस की तरह थी। अपनी पत्नी से शर्मिंदा होकर, अल्माविवा को फिगारो और सुज़ैन को अपनी शादी का जश्न मनाने से रोकने के लिए मजबूर होना पड़ता है, जो सभी प्रकार की अप्रत्याशित घटनाओं से भरा एक "पागल दिन" एक हर्षित और खुशहाल तरीके से समाप्त होता है। ओपेरा की शुरुआत एक ओवरचर से होती है, जिसने काफी लोकप्रियता हासिल की है और इसे अक्सर सिम्फनी कॉन्सर्ट में प्रदर्शित किया जाता है। 34 कई अन्य ओवरचर के विपरीत, यह ओवरचर ओपेरा में पाए जाने वाले विषयों का उपयोग नहीं करता है। बाद की कार्रवाई की सामान्य मनोदशा, इसकी आकर्षक तेज़ी और उत्साहपूर्ण प्रसन्नता को यहां स्पष्ट रूप से व्यक्त किया गया है। ओवरचर सोनाटा रूप में लिखा गया है, लेकिन विकास के बिना, जिसे प्रदर्शनी और पुनरावृत्ति के बीच एक संक्षिप्त संबंध द्वारा प्रतिस्थापित किया गया है। एक ही समय में, पाँच विषय स्पष्ट रूप से सामने आते हैं, तेज़ी से एक दूसरे की जगह लेते हैं। उनमें से पहला और दूसरा मुख्य बैच बनाते हैं, तीसरा और चौथा - साइड बैच, पांचवां - अंतिम बैच। वे सभी ऊर्जावान हैं, लेकिन साथ ही प्रत्येक का अपना विशेष चरित्र है। मुख्य भाग का पहला विषय, तार वाले वाद्ययंत्रों और बेसूनों द्वारा एक स्वर में प्रस्तुत किया गया, शरारती चपलता के साथ तेजी से आगे बढ़ता है: प्रश्न और कार्य 1। मोजार्ट के संगीत और हेडन के संगीत में क्या समानता है? इन दो विनीज़ क्लासिक्स की कलात्मक रुचियों के बीच क्या अंतर है? 2. वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट के परिवार और प्रारंभिक बचपन के बारे में बताएं। 3. मोजार्ट ने एक छोटे लड़के के रूप में किन देशों और शहरों में प्रदर्शन किया? ये प्रदर्शन कैसा था? 4. मोजार्ट ने अपना पहला ओपेरा बफ़ा किस उम्र में लिखा था? इसे क्या कहा जाता था और इसे कहाँ स्थापित किया गया था? 5. हमें युवा मोजार्ट की इटली यात्राओं के बारे में बताएं। 6. मोजार्ट ने बाद में किन शहरों का दौरा किया? क्या उनकी पेरिस यात्रा सफल रही? 7. साल्ज़बर्ग के आर्कबिशप के साथ मोजार्ट के संबंध विच्छेद के बारे में बताएं। 8. मोजार्ट के जीवन और कार्य के अंतिम दशक का वर्णन करें। इस अवधि के दौरान उनके द्वारा बनाए गए मुख्य कार्यों के नाम बताइए। ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो" मोजार्ट के ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो" का प्रीमियर 1786 में वियना में हुआ था। पहले दो प्रदर्शन संगीतकार द्वारा स्वयं हार्पसीकोर्ड पर आयोजित किए गए थे। सफलता बहुत बड़ी थी, कई संख्याएँ दोहराई गईं। चार कृत्यों में इस ओपेरा का लिब्रेटो (मौखिक पाठ) लोरेंजो दा पोंटे द्वारा इतालवी में लिखा गया था, जो फ्रांसीसी लेखक ब्यूमरैचिस की कॉमेडी "क्रेज़ी डे, या द मैरिज ऑफ फिगारो" पर आधारित था। 1875 में, पी. आई. त्चिकोवस्की ने इस लिब्रेटो का रूसी में अनुवाद किया, और उनके अनुवाद में ओपेरा का प्रदर्शन हमारे देश में किया जाता है। मोजार्ट ने द मैरिज ऑफ फिगारो को ओपेरा बफा कहा। लेकिन यह केवल मज़ेदार स्थितियों वाली मनोरंजक कॉमेडी नहीं है। मुख्य पात्रों को संगीत में विभिन्न प्रकार के जीवित मानवीय पात्रों के रूप में दर्शाया गया है। और ब्यूमरैचिस के नाटक का मुख्य विचार मोजार्ट के करीब था। क्योंकि यह इस तथ्य में निहित है कि काउंट अल्माविवा के नौकर फिगारो और उसकी दुल्हन, नौकरानी सुज़ैन, अपने शीर्षक वाले मालिक की तुलना में अधिक चतुर और सभ्य हैं, जिनकी साज़िशों को वे चतुराई से प्रकट करते हैं। काउंट को खुद सुजैन पसंद आ गई है और वह उसकी शादी टालने की कोशिश कर रहा है। लेकिन फिगारो और सुज़ाना ने काउंट की पत्नी और युवा पेज चेरुबिनो 33 को अपनी ओर आकर्षित करते हुए, उत्पन्न होने वाली सभी बाधाओं को कुशलता से पार कर लिया। अंत में, वे चीजों की व्यवस्था करते हैं ताकि शाम को बगीचे में काउंट दूसरे, धूमधाम से स्वीप को स्वीकार कर सके: पेज के बाद - एक कुलीन मूल का लड़का या युवा, एक महान व्यक्ति की सेवा में सेवारत। मुख्य भाग और भरे हुए भाग का कनेक्टिंग थीम मुख्य रूप से भिन्न होता है। याद रखें कि "ओवरचर" शब्द फ्रांसीसी क्रिया "उवरिर" से लिया गया है, जिसका अर्थ है "खोलना", "शुरू करना"। 33 34 39 www.classon.ru बोल्ड रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा स्केल-समान मार्ग में, पार्श्व भाग का पहला विषय प्रकट होता है, जिसकी धुन वायलिन द्वारा बजाई जाती है। थीम में लयबद्ध रूप से सनकी, थोड़ा मनमौजी, लेकिन लगातार चरित्र है: मुखर संख्याएं। इस प्रकार, फिगारो के हिस्से में पहला एकल नंबर (यह बैरिटोन को सौंपा गया है) - एक छोटा एरिया (कैवेटिना) - सुज़ैन द्वारा अपने मंगेतर को सूचित करने के तुरंत बाद लगता है कि गिनती ने अपने अग्रिमों के साथ उसका पीछा करना शुरू कर दिया है। इस संबंध में, फिगारो मजाक में मिनुएट की गति में राग गुनगुनाता है - एक वीरतापूर्ण उच्च-समाज नृत्य (कैवेटिना के तीन-भाग वाले पुनरावर्ती रूप के चरम खंड): पार्श्व भाग का दूसरा विषय निर्णायक विस्मयादिबोधक जैसा दिखता है: और अंतिम भाग का विषय सबसे संतुलित है, जैसे कि सब कुछ व्यवस्थित हो रहा हो: रीप्राइज़ में, साइड और फ़ाइनल भागों को डी मेजर की मुख्य कुंजी में दोहराया जाता है। उनके साथ एक कोडा भी है जो ओवरचर के हर्षित और जीवंत चरित्र पर और जोर देता है। मोजार्ट के इस ओपेरा में, एक बड़े स्थान पर मुखर कलाकारों का कब्जा है, मुख्य रूप से युगल (दो पात्रों के लिए) और टेर्ज़ेटोस (तीन पात्रों के लिए)। वे वीणावादन के साथ सस्वर गायन द्वारा अलग किए जाते हैं। और दूसरा, तीसरा और अंतिम, चौथा, कार्य समापन के साथ समाप्त होता है - छह से ग्यारह पात्रों की भागीदारी के साथ बड़े समूह। एकल को अलग-अलग तरीकों से क्रिया के गतिशील विकास में शामिल किया जाता है। और कैवटीना के मध्य भाग में, संयमित गति को तीव्र गति से बदल दिया जाता है, सुंदर तीन-बीट राग को एक मुखर दो-बीट राग से बदल दिया जाता है। यहां फिगारो पहले से ही अपने मालिक की कपटी योजनाओं को हर कीमत पर रोकने के इरादे को दृढ़ता से व्यक्त करता है: 40 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा फिगारो की भूमिका में सबसे प्रसिद्ध नंबर उसका एरिया है "एक डरावना लड़का" , घुंघराले, प्यार में। यह युवा पेज चेरुबिनो को संबोधित है। उसने गलती से काउंट को सुज़ैन से अपने प्यार का इज़हार करने की कोशिश करते हुए सुन लिया, और ऐसे अवांछित गवाह को सैन्य सेवा में जाने का आदेश दिया गया। अपने अरिया में, फिगारो प्रसन्नतापूर्वक और चतुराई से वर्तमान स्थिति का मजाक उड़ाता है, अदालती जीवन से लाड़-प्यार करने वाले युवक के लिए कठोर सैन्य जीवन की तस्वीरें चित्रित करता है। यह संगीत में "उग्रवादी" धूमधाम वाली चालों के साथ जीवंत नृत्यशीलता के कुशल संयोजन द्वारा परिलक्षित होता है। यह रोन्डो के रूप में तीन बार बजने वाला शब्द है: दूसरा गीत प्रकृति का एक छोटा अरिया है, "हृदय गर्म खून से उत्तेजित होता है।" यह कोमल भावनाओं की अधिक संयमित स्वीकारोक्ति है, जिसे स्वयं काउंटेस को डरपोक रूप से संबोधित किया गया है: सुजैन (सोप्रानो) को कई समूहों में ऊर्जावान, निपुण और साधन संपन्न के रूप में जाना जाता है, जो फिगारो से कमतर नहीं है। साथ ही, चौथे अंक की उज्ज्वल, स्वप्निल अरिया में उनकी छवि को सूक्ष्मता से काव्यात्मक रूप दिया गया है। इसमें, सुजैन मानसिक रूप से फिगारो से एक सौम्य अपील करती है: जहां तक ​​खुद चेरुबिनो की बात है (उनकी भूमिका एक धीमी महिला आवाज - मेज़ो-सोप्रानो द्वारा निभाई गई है), उन्हें दो एरिया में एक उत्साही युवा व्यक्ति के रूप में चित्रित किया गया है, जो अभी भी अपने आप को समझने में असमर्थ है। भावनाएँ, हर कदम पर प्यार में पड़ने को तैयार। उनमें से एक हर्षित और श्रद्धेय दोनों अरिया है "मैं बता नहीं सकता, मैं समझा नहीं सकता।" इसमें मधुरता लय के साथ संयुक्त है, मानो रुक-रुक कर उत्साह से स्पंदित हो रही हो: 41 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा प्रश्न और कार्य 1. मोजार्ट के ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो" का प्रीमियर कब और कहाँ हुआ था? 2. इसका लिब्रेटो किस कॉमेडी पर आधारित है? 3. इस कार्य का मुख्य विचार क्या है? 4. ओपेरा का ओवरचर कैसे बनाया जाता है? 5. फिगारो की भूमिका में दो एकल नंबरों की विशेषताओं के बारे में बताएं। 6. चेरुबिनो की पार्टी को कौन सी आवाज़ सौंपी गई है? उसकी अरिआस की धुन गाओ। 7. सुज़ैन को पहनावे में कैसे चित्रित किया गया है और चौथे अधिनियम से अरिया में कैसे चित्रित किया गया है? इसके विपरीत, चौथा बदलाव (बाएं हाथ को दाहिनी ओर फेंककर) अधिक साहसपूर्वक स्वीपिंग है। पाँचवाँ रूपांतर, जहाँ एंडांटे ग्राज़ियोसो की प्रारंभिक इत्मीनान की गति बहुत धीमी गति से बदल जाती है - एडैगियो, एक मधुर वाद्य अरिया है, जो कलरटुरस द्वारा रंगा हुआ है। और फिर गति का तीव्र गति (एलेग्रो) में परिवर्तन अंतिम, छठे संस्करण के हर्षित नृत्य चरित्र से मेल खाता है। सोनाटा का दूसरा भाग मिनुएट है। हमेशा की तरह, इसका निर्माण तीन-भाग वाले रीप्राइज़ रूप में किया गया है, जिसमें रीप्राइज़ में पहले आंदोलन के संगीत की सटीक पुनरावृत्ति होती है। उनके बीच मध्य भाग (त्रिकोणीय) 35 है। मिनुएट के सभी भागों में, मर्दाना, निर्णायक और शक्तिशाली व्यापक स्वरों की तुलना स्त्री स्वरों के साथ की जाती है, कोमल और चिकनी, अभिव्यंजक गीतात्मक विस्मयादिबोधक और अपील के समान। क्लेवियर के लिए ए मेजर में सोनाटा मोजार्ट का ए मेजर में व्यापक रूप से जाना जाने वाला सोनाटा, जिसे आमतौर पर "तुर्की मार्च के साथ सोनाटा" कहा जाता है, एक असामान्य रूप से निर्मित चक्र है। यहां पहला आंदोलन सोनाटा रूपक नहीं है, बल्कि हल्के और शांत, मासूम रूप से सुंदर विषय पर छह विविधताएं हैं। ऐसा लगता है कि यह एक गाना है जिसे विनीज़ संगीतमय जीवन में अच्छे, शांतिपूर्ण मूड में गाया जा सकता है। इसकी धीरे-धीरे लहराती लय सिसिलियाना की गति के समान है - एक प्राचीन इतालवी नृत्य या नृत्य गीत: संगीतकार ने सोनाटा (अंतिम) के तीसरे भाग को "ए11ए तुरका" - "तुर्की शैली में" कहा। बाद में, इस समापन समारोह को "तुर्की मार्च" नाम दिया गया। यहां तुर्की लोक और पेशेवर संगीत की स्वर-संरचना में कोई समानता नहीं है, जो यूरोपीय कानों के लिए असामान्य है। लेकिन 18वीं शताब्दी में, यूरोपीय, मुख्य रूप से नाट्य संगीत में, मार्च के लिए एक फैशन उभरा, जिसे पारंपरिक रूप से "तुर्की" कहा जाता था। वे "जनिसरी" ऑर्केस्ट्रा के समयबद्ध रंग का उपयोग करते हैं, जिसमें हवा और ताल वाद्ययंत्रों का प्रभुत्व था - बड़े और छोटे ड्रम, झांझ, त्रिकोण। जनिसरीज़ तुर्की सेना की पैदल सेना इकाइयों में सैनिकों को दिया गया नाम था। उनके मार्च के संगीत को यूरोपीय लोग जंगली, शोरगुल वाला और "बर्बर" मानते थे। विविधताओं के बीच कोई तीव्र विरोधाभास नहीं है, लेकिन उन सभी का चरित्र अलग-अलग है। पहले बदलाव में, सुंदर, सनकी मधुर गति प्रबल होती है, दूसरे में, सुंदर चंचलता को एक विनोदी स्पर्श के साथ जोड़ा जाता है (बाएं हाथ के हिस्से में "शरारती" अनुग्रह नोट उल्लेखनीय हैं)। तीसरी विविधता - एकमात्र जो ए मेजर में नहीं, बल्कि ए माइनर में लिखी गई है - थोड़ी उदास मधुर आकृतियों से भरी हुई है, समान रूप से चलती है, जैसे कि कोमल शर्म के साथ: तिकड़ी के अंत में पदनाम "मिनुएटो दा कैपो" है। . इतालवी - "सिर से", "शुरुआत से"। 35 "दा कैपो" 42 www.classon.ru से अनुवादित रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा समापन एक असामान्य रूप में लिखा गया है। इसे कोरस (एक प्रमुख में) के साथ तीन-भाग वाले गीत के रूप में परिभाषित किया जा सकता है। कोरस को बार-बार पकड़ने से समापन की संरचना में रोन्डो36 की विशेषताएं मिलती हैं। पहला भाग - आसानी से "घूमने" वाले रूपांकनों (एक माइनर) के साथ - और मध्य भाग - एक मधुर मार्ग आंदोलन (एफ-शार्प माइनर) के साथ - स्वाभाविक रूप से एक स्पष्ट मार्चिंग चाल के साथ सुंदर नृत्यशीलता को जोड़ता है: लंबे समय से यह माना जाता था कि मोजार्ट ने पेरिस में 1778 वर्ष की गर्मियों में ए मेजर में सोनाटा की रचना की। लेकिन फिर उन्हें जानकारी मिली कि ऐसा कई साल बाद वियना में हुआ था। ऐसी जानकारी और भी अधिक प्रशंसनीय है क्योंकि मोजार्ट के सिंगस्पिल "द एब्डक्शन फ्रॉम द सेराग्लियो" का प्रीमियर 1782 में वहां हुआ था। इसमें, कार्रवाई तुर्की में होती है, और ओवरचर के संगीत में, और दो मार्चिंग कोरस में, "जनिसरी" संगीत की उल्लेखनीय नकल होती है। इसके अलावा, यह शोर है; मोजार्ट ने 1784 में, काम प्रकाशित करते समय, सीनेट के समापन समारोह में ए मेजर में फोर्जिंग "जेनिसरी" कोडा को जोड़ा। यह भी उल्लेखनीय है कि सोनाटा में, जैसा कि "द एबडक्शन फ्रॉम द सेराग्लियो" में, एक बड़ी भूमिका गीत और मार्च की शैलियों की है। इस सब में, वाद्य संगीत और नाट्य संगीत, जो मोज़ार्ट की बहुत विशेषता है, के बीच संबंध का पता चला। प्रश्न एवं कार्य 1. ए मेजर में मोजार्ट के सोनाटा में चक्र के बारे में क्या असामान्य है? इस कार्य के पहले भाग में विषय की प्रकृति और उस पर छह विविधताओं की व्याख्या करें। 2. सोनाटा के दूसरे भाग में किस नृत्य शैली का प्रयोग किया गया है? 3. बताएं कि ए मेजर में सोनाटा के समापन को "तुर्की मार्च" क्यों कहा जाता है। इसके निर्माण में क्या है खास? इसके मुख्य विषय गाएँ। 4. मोजार्ट के किस संगीत और नाट्य कार्य की गूंज उनके "तुर्की मार्च" के संगीत से मिलती है? जी माइनर में सिम्फनी 1788 में वियना में लिखी गई, जी माइनर में सिम्फनी! (नंबर 40) महान संगीतकार की सबसे प्रेरित कृतियों में से एक है। सिम्फनी का पहला आंदोलन बहुत तेज़ गति से सोनाटा रूपक है। इसकी शुरुआत मुख्य भाग के विषय से होती है, जो तुरंत एक गोपनीय, ईमानदार गीतात्मक स्वीकारोक्ति के रूप में आकर्षित करती है। इसे वायलिन द्वारा अन्य तार वाले वाद्ययंत्रों की धीरे-धीरे लहराती संगत में गाया जाता है। इसके माधुर्य में कोई उसी उत्साहित लय को पहचान सकता है जो ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो" से चेरुबिनो के पहले अरिया की शुरुआत में थी (उदाहरण 37 देखें)। लेकिन अब ये अधिक "वयस्क", गंभीर और साहसी गीत हैं: कोरस (एक प्रमुख में) तीन बार लगता है, यह एक प्रकार के "जनिसरी शोर कोरस" के समान है, बाएं हाथ के हिस्से में एक की नकल सुनी जा सकती है ड्रम रोल: इस संबंध में, "तुर्की मार्च" को कभी-कभी "तुर्की शैली में रोंडो" ("रोंडो अल्ला तुर्का") कहा जाता है। 36 43 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा एक छोटा सा विकास)। लेकिन इसमें कोई विरोधाभास नहीं है, सब कुछ सामान्य उज्ज्वल मनोदशा का पालन करता है, जो शुरुआत से ही मुख्य भाग में निर्धारित होता है, जो स्ट्रिंग उपकरणों द्वारा बजता है: चरित्र की मर्दानगी कनेक्टिंग भाग में तीव्र होती है, जिसमें मुख्य भाग विकसित होता है। समानांतर जी माइनर बी-फ्लैट मेजर में एक मॉड्यूलेशन है - साइड भाग की टोनलिटी। इसका विषय मुख्य विषय की तुलना में हल्का, अधिक सुंदर और स्त्रियोचित है। यह रंगीन स्वरों के साथ-साथ तार और वुडविंड उपकरणों के वैकल्पिक समय से रंगीन होता है: सातवें माप में, दो बत्तीस सेकंड के नोटों की हल्की "फड़फड़ाती" आकृति यहां दिखाई देती है। इसके बाद, यह या तो सभी विषयों की मधुर रेखाओं को भेदता है, या उनके चारों ओर लपेटता हुआ प्रतीत होता है, विभिन्न उपकरणों के लिए अलग-अलग रजिस्टरों में दिखाई देता है। ये शांतिपूर्ण प्रकृति की आवाज़ों की गूँज की तरह हैं। केवल कभी-कभी थोड़ा चिंतित होने पर ही उन्हें निकट या दूर से सुना जा सकता है। स्थापित परंपरा के अनुसार, सिम्फनी का तीसरा भाग मिनुएट है। लेकिन इसमें केवल मध्य भाग - तिकड़ी - स्पष्ट रूप से पारंपरिक है। अपनी सहज गति, आवाज़ों की मधुरता और जी प्रमुख कुंजी के साथ, तिकड़ी इस मीनू के जी माइनर मुख्य, चरम खंडों को स्थापित करती है, जो आम तौर पर इसके गीतात्मक और नाटकीय तनाव में असामान्य है। ऐसा लगता है कि एंडांटे में समाहित प्रकृति के शांत चिंतन के बाद, अब हमें आध्यात्मिक चिंताओं और अशांति की दुनिया में लौटना होगा जो सिम्फनी के पहले भाग पर हावी थी। यह सिम्फनी की मुख्य टोन की वापसी से मेल खाता है - जी माइनर: अंतिम भाग में ऊर्जा का एक नया उछाल होता है। यहां अग्रणी भूमिका मुख्य भाग के विषय के पहले - तीन-स्वर - मकसद के बार-बार और लगातार विकास की है। एक अजीब विकास की शुरुआत के साथ, बादल चिंताजनक रूप से इकट्ठा होते दिख रहे हैं। चमकीले बी-फ्लैट मेजर से एफ-शार्प माइनर की उदास, दूर की कुंजी में एक तीव्र मोड़ आता है। मुख्य भाग का विषय विकास में नाटकीय रूप से विकसित होता है। यह कई स्वरों से होकर गुजरता है, अलग-अलग वाक्यांशों और उद्देश्यों में विभाजित होता है, और अक्सर ऑर्केस्ट्रा की विभिन्न आवाज़ों में उनकी नकल की जाती है। इस विषय का पहला उद्देश्य बहुत तीव्रता से स्पंदित होता है। लेकिन आख़िरकार उसकी धड़कन कमज़ोर हो जाती है, उसकी छटपटाहट रुक जाती है और एक आश्चर्य शुरू हो जाता है। हालाँकि, विकास में प्राप्त उच्च नाटकीय तीव्रता का प्रभाव पहले भाग के इस खंड में भी महसूस किया जाता है। यहां कनेक्टिंग भाग की लंबाई काफी बढ़ जाती है, इससे पार्श्व और अंतिम भागों की प्रस्तुति प्रमुख में नहीं, बल्कि जी माइनर की मुख्य कुंजी में हो जाती है, जिससे उनकी ध्वनि अधिक नाटकीय हो जाती है। सिम्फनी का दूसरा आंदोलन ई-फ्लैट मेजर में एंडांटे है। यह गेय-नाटकीय पहले भाग को अपनी कोमल और कोमल शांति से अलग करता है। एंडांटे रूप भी सोनाटा है (जी माइनर सिम्फनी के चौथे आंदोलन की मुख्य कुंजी है - समापन, जो बहुत तेज गति से चलता है। समापन सोनाटा रूप में लिखा गया है। सिम्फनी के इस भाग में अग्रणी विषय मुख्य भाग का विषय है। पहले आंदोलन के मुख्य भाग के विषय के साथ, यह सबसे उज्ज्वल मोजार्ट वाद्य विषयों से संबंधित है। लेकिन अगर पहले भाग में विषय एक कोमल और श्रद्धापूर्ण गीतात्मक स्वीकारोक्ति की तरह लगता है, तो समापन का विषय एक भावुक गीतात्मक-नाटकीय अपील है, जो साहस से भरा है और हम 44 www.classon.ru बच्चों की शिक्षा के क्षेत्र में निर्णय लेंगे। रूस में कला 2. सिम्फनी के पहले भाग के मुख्य विषयों और उनके विकास के बारे में बताएं। 3. सिम्फनी की दूसरी और तीसरी गति में संगीत की प्रकृति क्या है? 4. सिम्फनी के समापन में प्रमुख विषय क्या है? इसका चरित्र पहले भाग के मुख्य भाग की विषयवस्तु के चरित्र से किस प्रकार भिन्न है? 5. फाइनल के मुख्य खेल का विषय कैसा है? विकास किस पर आधारित है? मुख्य कार्य यह उग्र पुकार रागों की ध्वनि के साथ राग के तेजी से बढ़ने से उत्पन्न होती है; इसके आवेग का उत्तर एक ध्वनि के चारों ओर चक्कर लगाने वाली ऊर्जावान मधुर आकृतियों द्वारा दिया जाता है। सिम्फनी के पहले आंदोलन की तरह, समापन के पार्श्व भाग का सुंदर विषय प्रदर्शनी में विशेष रूप से उज्ज्वल लगता है जब इसे बी-फ्लैट प्रमुख में प्रदर्शित किया जाता है: 19 ओपेरा रेक्विम लगभग 50 सिम्फनी, क्लैवियर और ऑर्केस्ट्रा के लिए 27 संगीत कार्यक्रम, 5 संगीत कार्यक्रम वायलिन और ऑर्केस्ट्रा ऑर्केस्ट्रा संगत के साथ कॉन्सर्टो बांसुरी, शहनाई, अलगोजा, सींग, बांसुरी और वीणा स्ट्रिंग चौकड़ी (20 से अधिक) और पंचक क्लैवियर, वायलिन और क्लैवियर के लिए सोनटास क्लैवियर के लिए विविधताएं, कल्पनाएं, रोंडो, मिनुएट्स अंतिम भाग पर आधारित है मुख्य भाग के विषय का दूसरा तत्व। समापन के विकास में, मुख्य भाग के विषय का पहला, आह्वान तत्व विशेष रूप से गहनता से विकसित किया गया है। उच्च नाटकीय तनाव हार्मोनिक और पॉलीफोनिक विकास तकनीकों की एकाग्रता द्वारा प्राप्त किया जाता है - कई कुंजियों में संचालन और रोल कॉल की नकल करना। पुनः आश्चर्य में, जी माइनर की मुख्य कुंजी में पार्श्व भाग का संचालन थोड़ा उदासी से छाया हुआ है। और मुख्य भाग के विषय का दूसरा तत्व (सकारात्मक, ऊर्जावान आंकड़े), जैसा कि प्रदर्शनी में है, पुनरावृत्ति में अंतिम भाग के आधार पर लगता है। नतीजतन, इस शानदार मजार्टियन रचना का समापन संपूर्ण सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र का एक उज्ज्वल गीतात्मक-नाटकीय शिखर बनाता है, जो अंत-से-अंत आलंकारिक विकास की उद्देश्यपूर्णता में अभूतपूर्व है। लुडविग वान बीथोवेन 1770-1827 महान जर्मन संगीतकार लुडविग वान बीथोवेन उन तीन प्रतिभाशाली संगीतकारों में सबसे कम उम्र के हैं जिन्हें विनीज़ क्लासिक्स कहा जाता है। बीथोवेन को 17वीं और 19वीं शताब्दी के अंत में जबरदस्त सामाजिक परिवर्तनों और उथल-पुथल के युग में जीने और सृजन करने का अवसर मिला। उनकी युवावस्था समय के साथ मेल खाती थी, प्रश्न और कार्य 1। मोजार्ट ने जी माइनर में सिम्फनी नंबर 40 कब और कहाँ बनाया? 45 www.classon.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा

संकलनकर्ताओं से
यह पुस्तक उस ऐतिहासिक काल के संगीत साहित्य पर एक पाठ्यपुस्तक है, जिसकी शुरुआत 19वीं शताब्दी के अंतिम दशकों से होती है। यह पहली बार है कि ऐसी पाठ्यपुस्तक सामने आई है: पाँचवाँ संस्करण, जैसा कि ज्ञात है, के-डेब्यूसी और एम. रवेल के कार्यों के साथ समाप्त होता है।
पुस्तक में विभिन्न राष्ट्रीय संगीत विद्यालयों की विशेषताएं शामिल हैं, जिन्होंने इसकी समग्र संरचना निर्धारित की। पहला खंड उन सामान्य प्रक्रियाओं का वर्णन करता है जिन्हें विभिन्न देशों की संगीत कला में और विभिन्न व्यक्तियों के संगीतकारों के काम में अपने तरीके से लागू किया गया था। प्रत्येक बाद के अनुभाग में किसी दिए गए देश की संगीत संस्कृति का अवलोकन होता है, साथ ही इस स्कूल के सबसे महत्वपूर्ण संगीतकारों के काम के लिए समर्पित एक मोनोग्राफिक अनुभाग भी शामिल होता है। केवल आई. स्ट्राविंस्की के काम के लिए समर्पित अनुभाग इसकी संरचना में भिन्न है: इसमें कोई परिचयात्मक सिंहावलोकन नहीं है। और यह समझने योग्य है: आखिरकार, विशेष परिस्थितियों के कारण अपना अधिकांश जीवन रूस के बाहर बिताने के बाद, स्ट्राविंस्की एक रूसी मास्टर बने रहे और किसी भी विदेशी स्कूल से संबंधित नहीं थे। हमारी सदी के लगभग सभी प्रमुख संगीतकारों पर उनके रचनात्मक सिद्धांतों का निर्णायक प्रभाव स्ट्राविंस्की को 20 वीं सदी की संगीत कला के विकास की सामान्य तस्वीर से हटाने की अनुमति नहीं देता है। विदेशी संगीत साहित्य पर पाठ्यपुस्तक में इस मोनोग्राफिक अध्याय का समावेश स्कूल में शैक्षिक कार्यक्रमों की ख़ासियत के कारण भी है: जब तक उन्होंने 20वीं शताब्दी के विदेशी संगीत का अध्ययन किया, तब तक छात्र किसी भी व्यक्तित्व से परिचित नहीं थे। या आई. स्ट्राविंस्की का संगीत। वे केवल IV पाठ्यक्रम के अंत में संगीत कला के इस पृष्ठ की ओर रुख करेंगे, जहां संगीतकार के काम की केवल पहली, रूसी अवधि पर विचार किया जाता है।

पाठ्यपुस्तक के संकलनकर्ताओं और लेखकों का ध्यान विचाराधीन अवधि की सामान्य संगीत और ऐतिहासिक प्रक्रियाओं को दिखाने और सबसे उत्कृष्ट कार्यों का विश्लेषण करने पर केंद्रित है जो हमारी सदी के क्लासिक्स बन गए हैं। 20वीं सदी की संगीत कला की घटनाओं की असाधारण जटिलता, उनकी विरोधाभासी प्रकृति, आपसी प्रतिच्छेदन और उनके तीव्र परिवर्तन के कारण, समीक्षा अध्यायों ने पिछले संस्करणों की तुलना में इस पुस्तक में बहुत बड़ा स्थान ले लिया है। फिर भी, विषय के पद्धतिगत सिद्धांतों के अनुसार, संकलनकर्ताओं ने संगीत कार्यों के विश्लेषण पर ध्यान केंद्रित करने की मांग की, जिसका उद्देश्य इस मामले में रचनात्मक तरीकों, सोचने के तरीकों, विभिन्न शैलीगत समाधानों और विविधता की विविधता को प्रकट करना है। हमारी सदी के उस्तादों की रचना संबंधी तकनीकें।

इस तथ्य के कारण कि पुस्तक संगीत कला का एक विस्तृत चित्रमाला प्रदान करती है, और विश्लेषण कई मामलों में बहुत जटिल है (जो काफी हद तक सामग्री द्वारा पूर्व निर्धारित है), संकलनकर्ता इस पाठ्यपुस्तक को न केवल प्रदर्शन करने वाले छात्रों को संबोधित करना संभव मानते हैं , बल्कि संगीत विद्यालयों के सैद्धांतिक विभागों का भी। पुस्तक की सामग्री शैक्षिक प्रक्रिया में इसके लिए एक चयनात्मक दृष्टिकोण की अनुमति देती है; अध्यायों के अध्ययन की गहराई और विवरण स्वयं शिक्षकों द्वारा निर्धारित किया जाता है, जो छात्रों की तैयारी के स्तर, संगीत के नोट्स और रिकॉर्डिंग के साथ शैक्षिक प्रक्रिया के भौतिक उपकरण और पाठ्यक्रम द्वारा आवंटित घंटों की संख्या पर निर्भर करता है। पाठ्यक्रम का यह भाग.
इस पुस्तक पर लेखकों की एक बड़ी टीम ने काम किया। इसलिए सामग्री प्रस्तुत करने के विभिन्न तरीकों की अनिवार्यता; साथ ही, इसके दृष्टिकोण में ही, संकलकों ने समान कार्यप्रणाली सिद्धांतों को संरक्षित करने की मांग की।

सामग्री
संकलकों से
20वीं सदी की विदेशी संगीत कला के विकास के तरीके।
ऑस्ट्रिया की संगीत संस्कृति
गुस्ताव महलर
स्वर रचनात्मकता. "भटकते प्रशिक्षु के गीत"
सिम्फोनिक रचनात्मकता. पहली सिम्फनी
अर्नोल्ड शॉनबर्ग
जीवन और रचनात्मक पथ
"वारसॉ से उत्तरजीवी"
एल्बन बर्ग
जीवन और रचनात्मक पथ
संगीत नाटक "वोज़ेक"
वायलिन और ऑर्केस्ट्रा के लिए कॉन्सर्टो
एंटोन वेबरन.
जीवन और रचनात्मक पथ
जर्मनी की संगीत संस्कृति
रिचर्ड स्ट्रॉस
जीवन और रचनात्मक पथ
सिम्फोनिक रचनात्मकता. सिम्फोनिक कविताएँ "डॉन जुआन" और "टिल यूलेन्सपीगेल"
पॉल हिंडेमिथ
जीवन और रचनात्मक पथ
सिम्फोनिक रचनात्मकता. सिम्फनी "द आर्टिस्ट मैथिस"।
कार्ल ओआरएफ
जीवन और रचनात्मक पथ
कार्ल ऑर्फ़ के काम की मुख्य शैलियाँ और उनकी विशेषताएँ।
ओपेरा "चतुर लड़की"
"कारमिना बुराना"
इगोर स्ट्राविंस्की
जीवन और रचनात्मक पथ
"भजन की सिम्फनी"
ओपेरा "ओडिपस रेक्स"
फ्रांस की संगीत संस्कृति।
आर्थर होनेगर
जीवन और रचनात्मक पथ
नाट्य और वक्तृत्व रचनात्मकता। ओरटोरियो "जोन ऑफ आर्क दांव पर"
सिम्फोनिक रचनात्मकता. तीसरी सिम्फनी ("लिटर्जिकल")
डेरियस मिलो
जीवन और रचनात्मक पथ
स्वर-वाद्य, रचनात्मकता। "अग्नि महल"
फ़्रांसिस पोलेन्क
जीवन और रचनात्मक पथ
ओपेरा "द ह्यूमन वॉइस"
स्पेन की संगीत संस्कृति
मैनुएल डी फ़ला
जीवन और रचनात्मक पथ
बैले "लव द जादूगरनी"
ओपेरा "ए शॉर्ट लाइफ"

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शीर्षक: विदेशों का संगीत साहित्य

आई. ए. प्रोखोरोव की पुस्तक "म्यूजिकल लिटरेचर ऑफ फॉरेन कंट्रीज" के बारे में

आई. प्रोखोरोवा द्वारा संकलित "विदेशी देशों का संगीत साहित्य" नामक पाठ्यपुस्तक स्वतंत्र अध्ययन के लिए है। यह सामग्री की प्रस्तुति की संक्षिप्तता और पहुंच की व्याख्या करता है।

पुस्तक "म्यूजिकल लिटरेचर ऑफ फॉरेन कंट्रीज" छात्रों को प्रसिद्ध संगीतकारों की लघु जीवनियों और सर्वोत्तम कृतियों से परिचित कराएगी। बच्चे आई.एस. जैसी प्रतिभाओं के जीवन और कार्य के बारे में जान सकेंगे। बाख, जे. हेडन, डब्ल्यू.ए. मोजार्ट, एल. बीथोवेन, एफ. शुबर्ट और एफ. चोपिन। आई. प्रोखोरोवा ने प्रतिभाशाली संगीतकारों की कहानियों का बहुत अधिक विस्तार से वर्णन नहीं किया है; पाठ्यपुस्तक में आपको जीवन की मुख्य तिथियां, उत्पत्ति, पद और उपाधियाँ, गतिविधि का क्षेत्र, पेशे की पसंद को प्रभावित करने वाली स्थितियाँ मिलेंगी। पुस्तक संगीतकारों के जीवन और कार्य के मुख्य चरणों, उनके सामाजिक-राजनीतिक विचारों के बारे में बताएगी।

"म्यूजिकल लिटरेचर ऑफ फॉरेन कंट्रीज" का प्रकाशन संगीत विद्यालयों के छात्रों के लिए है, हालांकि, हर कोई जो शास्त्रीय कार्यों के प्रति पक्षपाती है, उसे इस पुस्तक में अपने लिए कुछ दिलचस्प मिलेगा। I. प्रोखोरोव का पाठ कुछ संगीत और अतिरिक्त-संगीत अवधारणाओं की व्याख्या से समृद्ध था, जो इसे कम अकादमिक बनाता है। संगीतकारों के जीवन का वर्णन करने वाला भाग उस काल के यूरोपीय देशों के ऐतिहासिक और सांस्कृतिक जीवन के संदर्भ में प्रस्तुत किया गया है। इससे छात्रों को उन परिस्थितियों की गहरी और व्यापक समझ हासिल करने का अवसर मिलता है जिनमें महान संगीतकार रहते थे और काम करते थे।

चूंकि पुस्तक "म्यूजिकल लिटरेचर ऑफ फॉरेन कंट्रीज" घर पर पढ़ने के लिए है, इसमें मौजूद सभी सिम्फोनिक कार्यों को चार-हाथ की व्यवस्था में पेश किया गया है। यह ध्यान देने योग्य है कि बाख के काम के बारे में कहानी, जो कार्यक्रम के अनुसार, वर्ष के अंत में अध्ययन की जाती है, शुरुआत में रखी गई है। प्रस्तुति के कालक्रम को बनाए रखने के लिए लेखक ने यह कदम उठाया।

इस पुस्तक के संकलनकर्ता को विश्वास है कि पाठ्यपुस्तक के नियमित उपयोग से छात्रों में लोकप्रिय और वैज्ञानिक संगीत साहित्य से स्वतंत्र रूप से परिचित होने की रुचि जागृत होगी। इसके अलावा, बच्चे दृष्टि से संगीत कार्यों को पढ़ने के कौशल को विकसित और मजबूत करने में सक्षम होंगे, और चार हाथों से खेलने की आदत भी डालेंगे।
प्रसिद्ध कार्यों की स्वतंत्र शिक्षा आपको पाठ के दौरान अन्य बच्चों की उपस्थिति में उनका प्रदर्शन करने की अनुमति देगी, जिससे सामूहिक कक्षाएं अधिक सक्रिय हो जाएंगी और शास्त्रीय संगीत की धारणा में काफी सुधार होगा।

किताबों के बारे में हमारी वेबसाइट lifeinbooks.net पर आप बिना पंजीकरण के मुफ्त में डाउनलोड कर सकते हैं या आई. ए. प्रोखोरोव की किताब "म्यूजिकल लिटरेचर ऑफ फॉरेन कंट्रीज" को आईपैड, आईफोन, एंड्रॉइड और किंडल के लिए ईपीयूबी, एफबी2, टीएक्सटी, आरटीएफ, पीडीएफ फॉर्मेट में ऑनलाइन पढ़ सकते हैं। पुस्तक आपको ढेर सारे सुखद क्षण और पढ़ने का वास्तविक आनंद देगी। आप हमारे साझेदार से पूर्ण संस्करण खरीद सकते हैं। साथ ही, यहां आपको साहित्य जगत की ताजा खबरें मिलेंगी, अपने पसंदीदा लेखकों की जीवनी जानें। शुरुआती लेखकों के लिए, उपयोगी टिप्स और ट्रिक्स, दिलचस्प लेखों के साथ एक अलग अनुभाग है, जिसकी बदौलत आप स्वयं साहित्यिक शिल्प में अपना हाथ आज़मा सकते हैं।