Come disegnare in stile cinese. Il paesaggio nella pittura cinese
In questa lezione vedremo come disegnare un drago d'acqua e come disegnare un drago cinese orientale con una matita passo dopo passo, osservando il loro scheletro e la struttura corporea.
Questi due draghi sono simili, solo uno vive nell'acqua, mentre l'altro è un drago del cielo. Il loro corpo è a forma di serpente con una testa piccola, zampe corte e una lunga coda.
1. Di seguito sono riportate 3 immagini con lo scheletro, i muscoli e l'aspetto generale dei due draghi a confronto. Il drago cinese (orientale) ha zampe molto piccole rispetto al suo corpo, possiede una magia che gli conferisce la capacità di volare senza la necessaria struttura fisiologica del corpo. Clicca sull'immagine per ingrandirla.
2. Confronto tra le teste dei draghi acquatici e quelle cinesi.
Il drago d'acqua ha denti disposti su due file a forma di aghi; ha mascelle retrattili progettate per mordere; i denti su di esse sono molto forti. Il drago d'acqua ha anche un paio di zanne con veleno paralizzante. Per proteggere gli occhi vengono utilizzate palpebre trasparenti; il drago è ricoperto di scaglie ruvide e muco.
Una caratteristica del drago cinese sono le sue narici pronunciate, dalle quali emette fuoco. I suoi denti sono disposti in una fila. Gli occhi guardano avanti, come quelli di una persona.
3. Vengono forniti esempi di costruzione delle zampe posteriori e anteriori.
4. Disegniamo un drago d'acqua. Disegniamo la base del corpo con una linea, usando i cerchi evidenziamo i punti della testa, del torace e delle aree posteriori. Le immagini vengono ingrandite.
Disegna la testa, il corpo, le pinne e la coda.
Cancelliamo le linee ausiliarie e disegniamo i contorni del drago d'acqua, aggiungiamo dettagli e realizziamo ombreggiature.
I rami nodosi con bellissimi fiori rosa sono un motivo tradizionale nella pittura orientale. È un piacere offrirti una master class basata sulla mia esperienza nella pittura Guohua.
In Giappone dipingono i sakura, i ciliegi selvatici. In Cina: prugna selvatica.
Lo ammetto, ho difficoltà a distinguere il primo dal secondo. Anche in senso botanico.
E non è nemmeno così facile per me distinguere la pittura cinese di Guo Hua dal sumi-e giapponese. Spero di venire di nuovo a questa conoscenza.
Masterclass di pittura orientale:
Per ora, la differenza che osservo è che la pittura cinese è più satura di elementi, tutto in essa è “luminoso e abbondante”. Proprio come nella vita.
L'arte giapponese è più convenzionale, piena di significati simbolici. Spesso è minimalista. Un ramo, diversi germogli: composizioni molto semplici in contrasto con lo sfarzo e il lusso cinesi.
Tuttavia, questa opzione, che ho preso da un manuale cinese su come disegnare una prugna selvatica, è abbastanza semplice e simile alla trama giapponese con l'immagine di sakura.
Questo libro è scritto in cinese, quindi mi scuso con i suoi creatori di non poter indicare gli autori.
Pittura Guohua: pittura prugna mei
1. Disegna il ramo principale.
Il movimento della mano è veloce, con fermate alle svolte del ramo. Il pennello viene premuto contro la carta con tutta la sua superficie, muovendosi con l'estremità. 
2. Aggiungi rami sottili.
I rami sottili vengono disegnati con la punta del pennello. Movimento dal ramo principale. "Coltiviamo" ogni piccolo ramo da quello principale, ad es. la spazzola viene posta vicino ad un grosso ramo e si sposta lateralmente con pressione decrescente. Pertanto, il ramo diventa più sottile verso la sua estremità. Qua e là lasciamo uno spazio tra le righe per inserire dei fiori. 
3. Aggiungi fiori.
La loro logica è che alla base del ramo i fiori sono più grandi, sbocciano, poi semisbocciano, quindi i punti sono boccioli. 
Analisi più dettagliata dei colori.
Per prima cosa vengono disegnati i petali rosa. Quando si asciugano compaiono gli stami e i sepali. 
4. Disegnare fiori.
Gli stami, le spine sui rami e le cornici dei fiori sono disegnati con inchiostro nero. 
5. La parte finale è la calligrafia e la stampa.
Nella pittura tradizionale dell'Estremo Oriente, la calligrafia è apprezzata più della pittura.
Alla fine viene aggiunta una firma, una linea poetica o una dichiarazione.
Il sigillo dell'autore completa l'opera. 
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Gli artisti cinesi hanno avuto un'enorme influenza sull'arte mondiale e le loro straordinarie opere realizzate su carta di riso e seta sono state ammirate per diversi secoli con il loro linguaggio artistico laconico.
I canoni estetici del patrimonio vivente, risalenti a migliaia di anni fa, si sono formati sotto l'influenza delle tradizioni filosofiche del taoismo, del buddismo e del confucianesimo. Si ritiene che la natura insegni alle persone a vedere la bellezza, ed è questa verità il tema principale della pittura tradizionale in Cina. Capolavori unici creati da maestri di epoche diverse sono un contributo importante alle belle arti mondiali.
Pittura tradizionale della Cina
Guohua è un dipinto cinese che differisce dalla pittura occidentale nella tecnica del disegno: un'immagine viene applicata su seta o carta sottile speciale utilizzando un pennello. Gli artisti utilizzano inchiostro nero minerale, a base vegetale, e le loro opere sono spesso sotto forma di pergamene orizzontali o verticali.
Occupando un posto centrale tra i vari movimenti artistici del Celeste Impero, il guohua (pittura cinese) nacque nel VII-VIII secolo aC e dalla fine del XIX secolo lo stile ricevette un secondo vento.
"Quattro tesori"
Per dipingere dipinti tradizionali, gli autori utilizzano una serie limitata di strumenti: inchiostro nero (o acquerello), un pennello cinese fatto di lana naturale, carta e un dispositivo per strofinare la vernice. Molti artisti danno ancora la preferenza, credendo che ciò “rivelerà l’essenza della natura”.
Molta attenzione nel paese è prestata alla qualità della carcassa e per il lavoro vengono utilizzate piastrelle con una lucentezza laccata nera. Gli artigiani li macinano con acqua, ottenendo la consistenza desiderata e creando una varietà di sfumature. Come ammettono gli artisti cinesi, a causa della scarsa qualità dell’inchiostro europeo è impossibile ottenere gli effetti desiderati.
Per la pittura viene utilizzata una speciale carta suan (riso) con una trama specifica. A volte i disegni sono realizzati su tessuto di seta o cotone.
Le carcasse sono molto apprezzate e molte vengono tramandate di generazione in generazione. Questi dispositivi, a volte riccamente decorati, sono fatti di giada o argilla cotta.
Linea di disegno
Se guardi le tele europee dipinte ad acquerello, potresti non notare la linea in quanto tale. Nella pittura cinese, tutte le immagini vengono create attraverso il disegno lineare. Questo è ciò che distingue lo stile tradizionale Guohua, che ricorda fortemente la calligrafia, che si sta sviluppando con successo nel Paese, elementi di cui gli artisti introducono necessariamente nelle loro opere.
È impossibile non notare l'eccellente tecnica dell'uso del pennello, migliorata nel corso di diversi secoli. Utilizzando linee sottili o spesse, gli artisti che utilizzano gli stessi strumenti dei calligrafi trasmettono spazio, volume e movimento senza utilizzare le consuete tecniche del chiaroscuro. La bellezza della pittura cinese sta nella padronanza di una tecnica speciale chiamata bi-mo, il cui nome si traduce come "inchiostro a pennello". La vernice nera applicata sulla carta di riso viene immediatamente assorbita e un movimento goffo o una linea sbagliata possono cambiare l'atmosfera generale dell'immagine, distorcendo la verità della vita. Ogni tratto deve essere preciso e chiaro, perché l'autore non potrà più cancellare o correggere il disegno.
Tecnica di pittura con le dita
È curioso che i dipinti cinesi che utilizzano la tecnica Guohua non siano sempre dipinti con un pennello. Gli artisti spesso usano le mani per tracciare linee e sfumare la vernice. I pittori applicano le linee di contorno con le unghie e fanno ampi tratti con il polpastrello del pollice.
Iscrizione poetica
La pittura tradizionale cinese differisce dalla pittura europea in quanto il disegno contiene un'iscrizione poetica realizzata in stile calligrafico. È così che i maestri hanno espresso il loro atteggiamento nei confronti dell'opera e i geroglifici ne hanno completato il contenuto figurativo. Il famoso calligrafo, scrittore e artista Su Shi, vissuto nell'XI secolo, lottò affinché la poesia fosse presente nella pittura. Tali iscrizioni riflettono l'opinione dell'autore e diventano la sua calligrafia.
Pergamene
Guohua è un dipinto cinese in cui è presente un tipo insolito di pittura. Vengono arrotolati su un bastoncino in una pergamena e conservati in custodie oblunghe. Le opere sono scritte su carta speciale non solo con inchiostro, ma anche con colori a base di materiali minerali e vegetali. I dipinti in rotoli, non destinati al pubblico di massa, sono stati conservati per più di mille anni, senza perdere la loro luminosità e ricchezza di sfumature. E oggi puoi ammirare capolavori dipinti diversi secoli fa da famosi maestri.
Allegorico
Dipingere con idropitture e inchiostro è laconico e un tale linguaggio di simboli è comprensibile a un vero intenditore dell'arte cinese. Ad esempio, piante e versi raffigurano le stagioni, mentre la luna o una candela accesa indicano la notte.
Vuoti non riempiti nei dipinti
Un'altra caratteristica che distingue la pittura cinese da quella occidentale è che gli autori lasciano aree vuote nelle opere, che possono essere mascherate da immagini di una nuvola leggera o di nebbia biancastra. A volte viene lasciato uno spazio vuoto in modo che lo spettatore abbia libertà di immaginazione, perché i dipinti cinesi sono una forma d'arte straordinaria che è impossibile senza l'unità dell'autore e dello spettatore.
Timbro obbligatorio
Secondo la tradizione i maestri devono apporre un bollino rosso sulle loro opere, comprovandone così l'identità.
Considerando le caratteristiche del tradizionale, possiamo dire che Guohua è un dipinto cinese che combina armoniosamente poesia, calligrafia e abilità di incisione manifestate nell'impressione del sigillo.
Generi di pittura
Esistono diversi generi nella pittura tradizionale cinese. Il primo è shanshui (paesaggio). Nel paese si è diffuso un concetto filosofico secondo il quale le persone e la natura sono una cosa sola e non ci sono barriere tra loro. Un'opera paesaggistica evoca nello spettatore uno stato d'animo corrispondente.
Il secondo genere è huangyao (rappresentazione di flora e fauna). I maestri cinesi scrutano le forme perfette di animali, pietre, piante e trasmettono la loro vera essenza, che non può essere espressa a parole.
Il terzo genere è zhenwu (ritratto). Anche nei tempi antichi, gli artisti che lavoravano con le persone conoscevano una regola immutabile: insieme alla somiglianza esterna, il creatore deve trasmettere lo stato mentale e il carattere di una persona, sottolineando la bellezza del suo mondo interiore. Tutti i pittori hanno seguito rigorosamente questo principio e, anche nella fase iniziale dello sviluppo dell'arte cinese, la padronanza del genere del ritratto ha raggiunto un livello incredibilmente alto.
Stili Guohua
Si conoscono due stili tradizionali: gunbi, che predominava nelle fasi iniziali, e se-yi, che si diffuse diffusamente alla fine del XIX secolo. Diamo un'occhiata alle caratteristiche di queste aree.
Lo stile gongbi cinese è uno stile di pittura specifico in cui la vernice (compresa la vernice colorata) viene applicata con cura e vengono registrati i più piccoli dettagli. L’obiettivo principale dell’artista è rappresentare accuratamente la realtà, e questa idea di naturalismo è strettamente correlata all’influenza del Taoismo. Gunbi è considerato pittura accademica ufficiale. Gli artigiani che decorarono gli interni del palazzo imperiale lavorarono secondo uno stile dalle linee chiare.
Tuttavia, dopo la diffusione del buddismo in tutto il paese, gli artisti ripensarono questa idea e apparve un nuovo stile cinese, Xie-yi, caratterizzato da uno stile di pittura libero. I creatori non descrivono la somiglianza esterna di un oggetto o di un oggetto, ma si preoccupano di trasmettere l'atmosfera. Si sforzano di mostrare emozioni sincere usando le immagini. Si ritiene che sei sia la pittura di filosofi e poeti e che i creatori lavorino in questo stile sotto l'influenza dell'umore momentaneo.
Una variante di se-i è shuimo (per dipingere viene utilizzato solo inchiostro nero).
Molti artisti cinesi combinano con successo tecniche dell'uno e dell'altro stile nelle loro opere, utilizzando tecniche miste. Li Keran, Qi Baishi, Fu Baoshi, Yang Yifeng, Huang Binhong, Pan Tianshou e altri maestri sono stati in grado di ottenere effetti espressivi nelle loro opere, trasmettendo immagini della natura e catturando anche i dettagli più insignificanti.
Dipinti "Lettura".
La pittura nazionale con acquerelli è caratterizzata da un linguaggio figurativo elegante e gli artisti inseriscono un certo sottotesto nelle loro opere. Se gli europei guardano i dipinti, i cinesi li leggono. I dipinti sono pieni di un atteggiamento positivo e trasmettono buon umore al proprietario.
Le opere cinesi sono piene di simbolismo e allegorie. Ad esempio, le montagne rappresentano il principio maschile della luce e l'acqua il principio femminile oscuro. Il pittore trasmette stati d'animo ed esperienze lirici che sorgono dopo aver comunicato con la natura e non cerca il naturalismo o la somiglianza esterna.
Sullo sfondo di paesaggi maestosi, figure in miniatura di persone simboleggiano che l'uomo è un anello insignificante nell'Universo, che è completamente subordinato al suo potere. Ma nell'arte europea, le persone sono sempre state raffigurate come una forza potente capace di controllare gli elementi, e con tali idee sull'uomo, la pittura cinese è radicalmente diversa da quella occidentale.
I fiori sono un argomento separato per la conversazione. C’è un dipinto chiamato “i quattro nobili”:
- orchidea, che simboleggia la purezza;
- crisantemo, che incarna la modestia e la castità;
- Meihua di prugna selvatica: durabilità e inflessibilità;
- il bambù è un simbolo del carattere umano.
Spesso gli artisti raffigurano il salice, che incarna bellezza e raffinata raffinatezza. Personifica la primavera e la grazia femminile. Ma il pino è l'idea dell'eterna giovinezza e della moderazione confuciana.
Questo linguaggio di simboli è molto chiaro ai cinesi, ma per coloro che non sanno svelare le allegorie è incredibilmente difficile comprendere la pittura nazionale.
Maestri Guohua
Xu Bei-hong aveva un'eccellente padronanza delle competenze di base dell'arte europea e le combinava con le tradizioni cinesi nel suo lavoro. I suoi magnifici ritratti, in cui il pittore rivela abilmente i tratti psicologici delle persone, sono considerati capolavori dell'arte cinese.
Yang Yifeng, vincitore di numerosi premi nazionali, continua degnamente le tradizioni sviluppate nel corso dei secoli.
Gu Yingzhi, che ha ricevuto il titolo di "Regina dei gatti", lavora nello stile Xie-yi. Descrive abilmente animali domestici e gli ambasciatori cinesi regalano i suoi dipinti agli ospiti stranieri.
Qi Bai-shi è uno dei rappresentanti più importanti dello stile. Un creatore attento, capace di coglierne le caratteristiche principali, crea dipinti originali, unendo l'elevata abilità con l'arte della calligrafia e l'espressività delle linee.
Formazione sulla pittura
Molte persone vogliono padroneggiare i segreti del guohua, ma imparare a creare usando questa tecnica non è così facile. Gli artisti fanno molta pratica prima di iniziare il lavoro, che viene svolto in una volta sola, per evitare errori.
I cinesi apprezzano non solo la bellezza esteriore dei dipinti, ma anche la bellezza interiore, la loro forza ed energia. Molti negozi in tutto il paese vendono album da colorare speciali che mostrano la sequenza del disegno. Questo tipo di formazione pittorica dà i suoi frutti e quasi chiunque può dipingere quadri nello stile tradizionale. Così si infonde il buon gusto e si coltiva l'amore per l'arte.
La poesia prende forma
Va detto che ora Guohua segue i tempi. È emerso molto tempo fa dal quadro ristretto delle tradizioni nazionali cinesi. Nelle arti visive compaiono soggetti su temi moderni e tali dipinti sono pieni di nuovi contenuti. Siamo d’accordo con il classico che osservava che “la pittura è poesia che ha preso forma”.
L'artista e fotografo cinese Dong Hong-Oai è nato nel 1929 ed è morto nel 2004 all'età di 75 anni. Ha lasciato opere incredibili create nello stile del pittorialismo: fotografie straordinarie simili alle opere della pittura tradizionale cinese. Di seguito troverete una piccola raccolta di queste straordinarie fotografie.
(Totale 25 foto)
1. Dong Hong-Oai è nato nel 1929 nella città di Guangzhou, provincia del Guangdong, Cina. Ha lasciato il paese all'età di sette anni dopo la morte inaspettata dei suoi genitori.
2. Essendo il più giovane di 24 figli, Dong andò a vivere nella comunità cinese di Saigon, in Vietnam. Successivamente visitò più volte la Cina, ma non visse mai più in quel paese.
3. Una volta arrivato a Saigon, Dong divenne apprendista in uno studio fotografico di immigrati cinesi. Lì ha imparato le basi della fotografia. Si innamorò anche della fotografia della natura, cosa che faceva spesso utilizzando una delle macchine fotografiche dello studio. Nel 1950, all'età di 21 anni, entrò alla Vietnam National University of Arts.
4. Nel 1979 si aprì un confine sanguinoso tra la Repubblica socialista del Vietnam e la Repubblica popolare cinese. Il governo vietnamita ha avviato una politica repressiva contro l'etnia cinese che vive nel paese. Di conseguenza, Dong divenne uno dei milioni di "boat people" fuggiti dal Vietnam tra la fine degli anni '70 e l'inizio degli anni '80.
5. All'età di 50 anni, non conoscendo l'inglese e non avendo famiglia o amici negli Stati Uniti, Dong arrivò a San Francisco. Riuscì persino ad acquistare una piccola stanza per lo sviluppo delle fotografie.
6. Vendendo le sue fotografie alle fiere di strada locali, Dong è riuscito a guadagnare abbastanza soldi per tornare periodicamente in Cina per scattare fotografie.
7. Inoltre, ha avuto l'opportunità di studiare per qualche tempo sotto la guida di Long Chin-San a Taiwan.
8. Long Chin-San, morto nel 1995 all'età di 104 anni, sviluppò uno stile fotografico basato sulle rappresentazioni tradizionali cinesi della natura.
9. Per secoli, gli artisti cinesi hanno creato maestosi paesaggi monocromatici utilizzando semplici pennelli e inchiostro.
10. Questi dipinti non dovevano rappresentare esattamente la natura, dovevano trasmettere l'atmosfera emotiva della natura. Negli ultimi anni dell'Impero Song e all'inizio dell'Impero Yuan, gli artisti iniziarono a combinare tre diverse forme d'arte su un'unica tela: poesia, calligrafia e pittura.
11. Si credeva che questa sintesi di forme permettesse all'artista di esprimersi pienamente.
12. Long Chin-San, nato nel 1891, studiò proprio questa tradizione classica nella pittura. Ad un certo punto della sua lunga carriera, Luhn iniziò a sperimentare il trasferimento dello stile artistico impressionista nella fotografia.
13. Pur mantenendo un approccio stratificato alla scala, ha sviluppato un metodo di stratificazione dei negativi che corrispondeva a tre livelli di distanza. Lung insegnò questo metodo a Dong.
14. Nel tentativo di imitare ancora più fedelmente lo stile tradizionale cinese, Dong ha aggiunto la calligrafia alle fotografie.
15. Le nuove opere di Dong, basate su antichi dipinti cinesi, iniziarono ad attirare l'attenzione della critica negli anni '90.
16. Non doveva più vendere le sue fotografie alle fiere di strada; ora era rappresentato da un agente e il suo lavoro cominciò ad essere venduto nelle gallerie degli Stati Uniti, dell'Europa e dell'Asia.
17. Non doveva più dipendere dai singoli clienti; il suo lavoro era ora ricercato non solo dai collezionisti d'arte privati, ma anche da acquirenti aziendali e musei. Aveva circa 60 anni quando raggiunse per la prima volta nella sua vita un certo livello di successo finanziario.
18. Il pittorialismo è un movimento fotografico emerso intorno al 1885 dopo l'ampia presentazione del processo fotografico su lastre di stampa umide. Il movimento raggiunse il suo apice proprio all’inizio del XX secolo, e il periodo di declino si verificò nel 1914, dopo l’emergere e la diffusione del modernismo.
19. I termini “pittorialismo” e “pittorialista” divennero di uso comune dopo il 1900.
20. Il pittorialismo riguarda l'idea che la fotografia artistica dovrebbe imitare la pittura e l'incisione di quel secolo.
21. La maggior parte di queste fotografie erano in bianco e nero o nei toni seppia. Tra le tecniche utilizzate c'erano: messa a fuoco instabile, filtri speciali e rivestimento delle lenti, nonché processi di stampa esotici.
23. Lo scopo di tali tecniche era quello di raggiungere “l’espressione personale dell’autore”.
24. Nonostante questo obiettivo di auto-espressione, la migliore di queste fotografie correva parallela allo stile impressionista piuttosto che al passo con la pittura moderna.
25. Guardando indietro, si può anche vedere uno stretto parallelo tra la composizione e il soggetto pittorico dei dipinti e delle fotografie di genere pittorialista.
Ciao compagni!
Disegniamo un drago cinese. Ma prima di metterti al lavoro, leggi le discussioni sul "Drago cinese": ci sono molte informazioni utili e divertenti sull'argomento.
Ora, dopo aver letto l'articolo, mettiamoci al lavoro. Abbiamo un'immagine: un drago, che abbiamo chiamato S. Disegniamolo prima. Posiziona il foglio rettangolare in verticale. Prima disegna con una matita e poi, passo dopo passo, con un pennarello.
La cosa più importante con cui iniziare è delineare la linea di torsione del corpo del mostro. Questo è il torso, ricordiamo, non . Cioè, presuppone l'assenza di una pancia pronunciata e uno spessore uguale su quasi tutta la lunghezza, nonché la capacità di arricciarsi e piegarsi in anelli. È auspicabile che la composizione appaia vantaggiosa e raffiguri il drago nella dinamica del volo, curvo e attorcigliato in 2-3 punti. Allo stesso tempo, dovresti lasciare spazio sul lenzuolo per le zampe e la testa: ricordalo. Abbiamo raffigurato il drago in questa posa. Ridisegnare è fantastico, ma sceglierne uno tuo, anche se un po' meno complesso, è cento volte meglio. Ancora una volta: ricorda che lo spessore del drago è più o meno lo stesso ovunque, si restringe solo verso la coda. Ora segniamo la testa e le zampe. La testa è grande e più larga del collo, ma ciò è dovuto principalmente ai baffi e alle pinne a forma di fiamma. Non abbiate fretta di evidenziare troppo il collo: è più stretto del corpo, ma non di molto.
La bocca sarà aperta, il che aggiungerà fascino all'immagine. Ora occupiamoci delle gambe. Le gambe del mostro sono spesse e corte, muscolose, affusolate coniche verso la zampa. La zampa è grande e ricorda quella di un uccello: ossea, con lunghe dita e artigli. Ci sono cinque dita, una contro quattro, come negli esseri umani. Nota: nella zona della coscia le zampe del drago sono molto spesse, spesse quasi quanto il corpo. È già stato detto abbastanza nell'introduzione sulla posizione di queste gambe sul corpo. In generale, ricorda che non puoi fare a meno delle zampe, ma come crescono o si attaccano è una questione secondaria per il cosiddetto drago “cinese”. È importante posizionare le gambe nel modo più spettacolare possibile. E notiamo che le zampe stesse sono solitamente dirette verso l'esterno, lontano dal corpo, come si potrebbe dire, deliberatamente rivolte verso l'esterno. La coda è affusolata e, come il corpo, si arriccia liberamente in anelli. Adesso chiariamo i dettagli. Percorreremo una cresta infuocata lungo la cresta. Il nostro drago si è attorcigliato lungo l'asse di simmetria, quasi come un nastro di Möbius. Chi può dovrebbe sicuramente cercare di trasmettere questo movimento tipicamente rettiliano, ma in generale se ne può fare a meno. Alla fine della coda aggiungeremo lampi di fiamma, che ricordano un po' il piumaggio.
Chiariamo le zampe, disegniamo le singole dita su cui spiccano le falangi e gli artigli affilati che escono dalle estremità grottescamente ispessite delle dita. Nota: da sotto le zampe escono piccole fiammelle, qui assomigliano a petali di fiori. Ora la testa. Di per sé non è molto grande e assomiglia un po' alla molletta da bucato di un bambino.
È allungato, con un cranio piccolo e mascelle lunghe e larghe. Apriamo la bocca e mostriamo la nostra lunga lingua. Guarda le escrescenze che incoronano questa testa: anche loro svolgono un ruolo significativo. La testa è circondata da una corolla infuocata. I baffi, ricurvi come un serpente, sporgono da (sotto) il naso. Dopo aver terminato l'aspetto principale, passa ai dettagli secondari: disegna le squame, disegna gli artigli, separa le fiamme e assicurati di concentrarti sulla testa. E ora appare davanti a noi su un pezzo di carta: potente e incontaminato come migliaia di anni fa. Dicono anche che non ci sono draghi o che sono estinti. Esistono, eccone uno per esempio. Un drago eccellente e quanto è bello librarsi e intrecciarsi tra le nuvole, come un delfino nel suo elemento nativo.
