Kim jest wybitny artysta włoskiego renesansu. Wielcy włoscy artyści
Malarstwo renesansowe
Za początek malarstwa renesansowego uważa się epokę Ducenta, czyli tzw. XIII wiek. Protorenesans jest nadal ściśle powiązany ze średniowiecznymi tradycjami romańskimi, gotyckimi i bizantyjskimi. Artyści końca XIII - początków XIV wieku. Daleko im jeszcze do naukowego badania otaczającej rzeczywistości. Wyrażają swoje wyobrażenia na ten temat, posługując się także konwencjonalnymi obrazami bizantyjskiego systemu obrazowego – skalistymi wzgórzami, symbolicznymi drzewami, konwencjonalnymi wieżyczkami. Ale czasami wygląd konstrukcji architektonicznych jest tak dokładnie odtwarzany, że wskazuje to na istnienie szkiców z życia. Tradycyjne postacie religijne zaczynają być przedstawiane w świecie obdarzonym właściwościami rzeczywistości - objętością, głębią przestrzenną, substancją materialną. Rozpoczyna się poszukiwanie metod transmisji na płaszczyźnie objętości i przestrzeni trójwymiarowej. Mistrzowie tego czasu wskrzesili znaną od starożytności zasadę modelowania form światłem i cieniem. Dzięki niemu figury i budynki nabierają gęstości i objętości.
Podobno pierwszym, który zastosował perspektywę starożytną, był florencki Cenni di Pepo (informacja z lat 1272–1302), nazywany Cimabue. Niestety, jego najważniejsze dzieło – cykl obrazów o tematyce Apokalipsy, życia Maryi i apostoła Piotra w kościele San Francesco w Asyżu dotarło do nas w stanie niemal zniszczonym. Lepiej zachowały się jego kompozycje ołtarzowe, które znajdują się we Florencji i w Luwrze. Również nawiązują do bizantyjskich pierwowzorów, jednak wyraźnie wykazują cechy nowego podejścia do malarstwa religijnego. Cimabue powraca z malarstwa włoskiego
XIII w., który przyjął tradycje bizantyjskie do ich bezpośrednich korzeni. Poczuł w nich to, co dla współczesnych było niedostępne – harmonijny początek wzniosłego helleńskiego piękna obrazów.
Sztywność i schematyzm ustępują muzycznej gładkości linii. Postać Madonny nie wydaje się już eteryczna. W malarstwie średniowiecznym anioły interpretowano jako znaki, jako atrybuty Matki Bożej, przedstawiano je jako małe, symboliczne postacie. W Cimabue nabierają zupełnie nowego znaczenia, zostają wpisane w scenę, to piękne młode stworzenia, oczekujące tych pełnych wdzięku aniołów, które pojawią się wśród mistrzów XV wieku.
Twórczość Cimabue była punktem wyjścia tych nowych procesów, które zdeterminowały dalszy rozwój malarstwa. Ale historii sztuki nie można wyjaśniać wyłącznie w kategoriach ewolucyjnych. Czasami zdarzają się w nim ostre skoki. Wielcy artyści jawią się jako odważni innowatorzy, którzy odrzucają tradycyjny system. Za takiego reformatora malarstwa włoskiego XIV wieku należy uznać Giotto di Bondone (1266-1337). To geniusz, który wznosi się wysoko ponad swoich współczesnych i wielu swoich naśladowców.
Z urodzenia Florentczyk, pracował w wielu miastach Włoch. Najbardziej znanym z dzieł Giotta, jaki do nas dotarł, jest cykl obrazów w kaplicy Arena w Padwie, poświęcony ewangelicznym opowieściom o życiu Chrystusa. Ten wyjątkowy zespół obrazów jest jednym z przełomowych dzieł w historii sztuki europejskiej. Zamiast odmiennych poszczególnych scen i postaci charakterystycznych dla malarstwa średniowiecznego, Giotto stworzył jeden epicki cykl. 38 scen z życia Chrystusa i Maryi („Spotkanie Marii i Elżbiety”, „Pocałunek Judasza”, „Lamentacja” itp.) łączy się w jedną narrację posługującą się językiem malarstwa. Zamiast zwykłego złotego bizantyjskiego tła, Giotto wprowadza tło krajobrazowe. Postacie nie unoszą się już w przestrzeni, lecz znajdują pod stopami stały grunt. I choć nadal nieaktywne, wykazują chęć oddania anatomii ludzkiego ciała i naturalności ruchu. Giotto nadaje formom niemal rzeźbiarską namacalność, ciężkość i gęstość. Modeluje relief, stopniowo rozjaśniając główne kolorowe tło. Ta zasada modelowania światłocieniowego, która umożliwiała pracę z czystymi, jasnymi kolorami bez ciemnych cieni, dominowała w malarstwie włoskim aż do XVI wieku.
Reforma przeprowadzona w malarstwie Giotta wywarła głębokie wrażenie na wszystkich jego współczesnych.
Wpływ Giotta nabrał siły i owocności dopiero sto lat później. Artyści Quattrocento zrealizowali zadania postawione przez Giotta. Etap wczesnego renesansu nazywany jest okresem triumfalnym w historii sztuki. Hojność i zakres twórczości artystycznej we Włoszech XV wieku stwarza wrażenie niespotykanej dotąd aktywności twórczej rzeźbiarzy i malarzy.
Sława twórcy malarstwa Quattrocento należy do florenckiego artysty Masaccio, który zmarł bardzo młodo (1401-1428). Na jego freskach postacie namalowane zgodnie z prawami anatomii łączą się ze sobą i z krajobrazem. Jego wzgórza i drzewa rozciągają się w oddali, tworząc naturalne środowisko powietrzne. Życie ludzi i przyrody łączą się w spójną całość, w jedną dramatyczną akcję. To nowe słowo w światowej sztuce malarstwa.
Szkoła florencka przez długi czas pozostawała liderem w sztuce włoskiej. Istniał w nim także ruch bardziej konserwatywny. Artystami tego ruchu byli mnisi, dlatego w historii sztuki nazywano ich zakonnymi. Jednym z najbardziej znanych był brat Giovanniego Beato, Angelico da Fiesole (1387-1455).
Cechą charakterystyczną późnego malarstwa Quattrocento jest różnorodność szkół i kierunków. W tym czasie ukształtowały się szkoły florencka, umbijska (Piero della Francesca, Pinturicchio, Perugino), północnowłoska (Mantegni), wenecka (Giovanni Bellini).
Jeden z najwybitniejszych artystów Quattrocento – Sandro Botticelli (1445-1510) – przedstawiciel ideałów estetycznych dworu słynnego tyrana, polityka, filantropa, poety i filozofa Lorenza Medici, zwanego Wspaniałym. Dwór tego niekoronowanego władcy był ośrodkiem kultury artystycznej, zrzeszającym znanych filozofów, naukowców i artystów.
W sztuce Botticellego istnieje swoista synteza średniowiecznego mistycyzmu z tradycją starożytną, ideałami gotyku i renesansu. W jego mitologicznych obrazach następuje odrodzenie symboliki. Przedstawia piękne starożytne boginie nie w zmysłowych formach ziemskiego piękna, ale w romantycznych, uduchowionych, wzniosłych obrazach. Obraz, który uczynił go sławnym, to „Narodziny Wenus”. Widzimy tu wyjątkowy kobiecy wizerunek Botticellego, którego nie można pomylić z dziełami innych artystów. Botticelli w zadziwiający sposób połączył pogańską zmysłowość i wzmożoną duchowość, rzeźbiarską kobiecość i delikatną kruchość, wyrafinowanie, linearną precyzję i emocjonalność, zmienność. Jest jednym z najbardziej poetyckich artystów w historii sztuki. Preferuje tematykę symboliczną, alegoryczną, lubi marzyć i wyrażać się za pomocą podpowiedzi.
Wczesny renesans trwał około stu lat. Kończy się wraz z okresem Wysokiego Renesansu, który trwa zaledwie około 30 lat. Głównym ośrodkiem życia artystycznego w tym czasie stał się Rzym.
Jeśli sztuka Quattrocento to analiza, poszukiwania, odkrycia, świeżość młodzieńczego światopoglądu, to sztuka Wysokiego Renesansu jest wynikiem, syntezą, mądrą dojrzałością. Poszukiwanie ideału artystycznego w okresie Quattrocento doprowadziło sztukę do uogólnień, do odkrycia ogólnych wzorców. Główna różnica między sztuką Wysokiego Renesansu polega na tym, że porzuca szczegóły, szczegóły, szczegóły w imię uogólnionego obrazu. Całe doświadczenie, wszystkie poszukiwania poprzedników są kompresowane przez wielkich mistrzów Cinquecento w imponującym uogólnieniu.
Główną treścią sztuki tamtych czasów jest wizerunek pięknej osoby o silnej woli. W odróżnieniu od sztuki XV wieku cechuje ją chęć zrozumienia i ucieleśnienia ogólnego schematu zjawisk życiowych.
Była to era tytanów renesansu, która dała kulturze światowej dzieła Leonarda, Rafaela i Michała Anioła. W historii kultury światowej ci trzej geniusze, pomimo całej swojej odmienności, twórczej indywidualności, uosabiają główną wartość włoskiego renesansu - harmonię piękna, mocy i inteligencji. Ich życie jest dowodem charakterystycznej dla renesansu zmiany stosunku społeczeństwa do osobowości twórczej artysty. Mistrzowie sztuki stali się zauważalnymi i wartościowymi postaciami w społeczeństwie, słusznie uważano ich za najlepiej wykształconych ludzi swoich czasów.
Ta cecha, być może bardziej niż inne postacie renesansu, dotyczy Leonarda da Vinci (1452 - 1519). Łączył geniusz artystyczny i naukowy. Leonardo był naukowcem, który badał przyrodę nie dla sztuki, ale dla nauki. Dlatego tak niewiele ukończonych dzieł Leonarda dotarło do nas. Zaczął malować i porzucił je, gdy tylko problem wydał mu się jasno sformułowany. Wiele jego obserwacji antycypuje rozwój europejskiej nauki i malarstwa na całe stulecia. Współczesne odkrycia naukowe wzbudzają zainteresowanie jego rysunkami inżynieryjnymi science-fiction.
Jego Madonna w Grocie jest pierwszym monumentalnym ołtarzem wysokiego renesansu. Jest to duży obraz w formacie powszechnym w malarstwie renesansowym, który przypomina okno, zaokrąglone u góry.
Nowym etapem w sztuce było malowanie ściany refektarza klasztoru Santa Maria del Grazie na podstawie fabuły Ostatniej Wieczerzy, którą malowało wielu artystów Quattrocento. „Ostatnia wieczerza” jest kamieniem węgielnym sztuki klasycznej, realizowała program wysokiego renesansu. Leonardo pracował nad tym dziełem przez 16 lat. Ogromny fresk, na którym namalowano postacie półtorakrotnie większe od naturalnej wielkości, stał się przykładem mądrego zrozumienia praw malarstwa monumentalnego, związanych z rzeczywistą przestrzenią wnętrza. Ucieleśniało badania naukowe artysty w dziedzinie fizyki, optyki, matematyki i anatomii, niezbędne do rozwiązywania problemów proporcji i perspektywy w rozległej przestrzeni obrazowej. Co najważniejsze, genialne dzieło Leonarda ma ogromną siłę psychologiczną. Żaden z artystów przedstawiających Ostatnią Wieczerzę przed Leonardem nie postawił sobie tak trudnego zadania – ukazania jednolitego znaczenia tej wielkiej chwili poprzez reakcje różnych ludzi, osobowości, temperamentów i reakcji emocjonalnych. 12 apostołów, 12 różnych postaci objawia się na różne sposoby w momencie emocjonalnego szoku. Poprzez ich reakcje emocjonalne, wyrażone w ruchu, ujawniają się odwieczne pytania człowieka: o miłość i nienawiść, oddanie i zdradę, szlachetność i podłość.
Jednym z najsłynniejszych obrazów na świecie było dzieło Leonarda „La Gioconda”. Ten portret żony kupca del Giocondo od wieków przyciąga uwagę, napisano o nim setki stron komentarzy, był kradziony, fałszowany, kopiowany, przypisywano mu czarodziejską moc. Nieuchwytny wyraz twarzy Giocondy wymyka się dokładnemu opisowi i reprodukcji. Portret ten stał się arcydziełem sztuki renesansu.
Po raz pierwszy w historii sztuki światowej gatunek portretu zrównał się z kompozycjami o tematyce religijnej.
Idee monumentalnej sztuki renesansu znalazły żywy wyraz w twórczości Rafaela Santiego (1483-1520). Leonardo stworzył styl klasyczny, Rafael go zatwierdził i spopularyzował. Sztukę Rafaela często określa się mianem „złotego środka”.
Twórczość Rafaela wyróżnia się klasycznymi walorami - przejrzystością, szlachetną prostotą, harmonią. Całość związana jest z kulturą duchową renesansu. Był o 30 lat młodszy od Leonarda i zmarł niemal równocześnie z nim, dokonując tak wiele w historii sztuki, że trudno sobie wyobrazić, aby tego wszystkiego dokonała jedna osoba. Wszechstronny artysta, architekt, monumentalista, mistrz portretu i kompozycji wielopostaciowych, utalentowany dekorator, był centralną postacią życia artystycznego Rzymu. Szczytem jego kunsztu była „Madonna Sykstyńska”, namalowana w 1516 roku dla klasztoru benedyktynów w Piacenzy (obecnie obraz znajduje się w Dreźnie). Dla wielu jest miarą tego, co najpiękniejsze, co sztuka może stworzyć.
Ta kompozycja ołtarzowa od wieków postrzegana jest jako formuła piękna i harmonii. Z zadziwiająco duchowych twarzy Madonny i Dzieciątka Boga emanuje tragiczne uczucie, które daje na odpokutowanie za ludzkie grzechy. Wzrok Madonny skierowany jest jakby przez widza, pełen żałobnej dalekowzroczności. Obraz ten ucieleśnia syntezę starożytnego ideału piękna z duchowością ideału chrześcijańskiego.
Historyczną zasługą sztuki Rafaela jest to, że połączył dwa światy w jeden - świat chrześcijański i świat pogański. Od tego czasu nowy ideał artystyczny mocno ugruntował się w sztuce sakralnej Europy Zachodniej.
Rzeźba renesansowa
Bystry geniusz Raphaela był daleki od psychologicznej głębi wewnętrznego świata człowieka, jak Leonardo, ale jeszcze bardziej obcy tragicznemu światopoglądowi Michała Anioła. Michelangelo Buonarroti (1475-1564) miał długie, trudne i bohaterskie życie. Jego geniusz objawił się w architekturze, malarstwie, poezji, ale najwyraźniej w rzeźbie. Postrzegał świat plastycznie, we wszystkich dziedzinach sztuki był przede wszystkim rzeźbiarzem. Najbardziej godnym obiektem przedstawienia wydaje mu się ciało ludzkie. Ale to jest człowiek wyjątkowej, potężnej i bohaterskiej rasy. Sztuka Michała Anioła poświęcona jest gloryfikacji ludzkiego wojownika, jego bohaterskich działań i cierpienia. Jego sztukę cechuje gigantomania, tytaniczny początek. To sztuka placów, budynków użyteczności publicznej, a nie sal pałacowych, sztuka dla ludu, a nie dla dworskich arystokratów.
Wiek XV był okresem rozkwitu rzeźby monumentalnej we Włoszech. Wychodzi z wnętrz na fasady kościołów i budynków cywilnych, na plac miejski, stając się częścią zespołu miejskiego.
Jednym z najwcześniejszych i najbardziej znanych dzieł Michała Anioła jest pięciometrowy posąg Dawida na placu we Florencji, symbolizujący zwycięstwo młodego Dawida nad gigantem Goliatem. Otwarcie pomnika przerodziło się w ludową uroczystość, gdyż Florentczycy widzieli w Dawidzie bliskiego im bohatera, obywatela i obrońcę republiki.
Rzeźbiarze renesansowi zwrócili się nie tylko do tradycyjnych obrazów chrześcijańskich, ale także do żywych ludzi, współczesnych. Rozwój gatunku portretu rzeźbiarskiego, pomnika nagrobnego, medalu portretowego i pomnika konnego wiąże się z chęcią utrwalenia wizerunku prawdziwego współczesności. Rzeźby te zdobiły place miejskie, zmieniając ich wygląd.
Rzeźba renesansowa powraca do starożytnych tradycji rzeźbiarskich. Obiektem badań stają się zabytki rzeźby antycznej, przykład języka plastycznego. Rzeźba, wcześniej niż malarstwo, odchodzi od średniowiecznych kanonów i wkracza na nową drogę rozwoju. Być może tłumaczy się to miejscem, jakie zajmowała w średniowiecznych kościołach. Podczas budowy dużych katedr powstały warsztaty, w których kształcili się rzeźbiarze dekoratorzy, którzy przeszli tu dobre szkolenie. Warsztaty rzeźbiarskie były wiodącymi ośrodkami życia artystycznego i odgrywały ważną rolę w badaniach nad starożytnością i anatomią ciała ludzkiego. Osiągnięcia rzeźby wczesnego renesansu wywarły ogromny wpływ na malarzy, którzy postrzegali żywą osobę przez pryzmat plastyczności. Rzeźbiarze renesansu osiągają pełny sens ludzkiego ciała, uwalniają je spod masy ubiorów, w których kryły się postacie średniowiecznego gotyku. Ścieżkę, którą Hellas przemierzała przez trzy stulecia, ukończyły trzy pokolenia mistrzów w okresie renesansu.
To nie przypadek, że wielu nawigatorów i naukowców, którzy zdobyli światową sławę w epoce Wielkich Odkryć Geograficznych - P. Toscanelli, X. Columbus, J. Cabot, A. Vespucci - było Włochami. Włochy, rozdrobnione politycznie, były wówczas krajem o najbardziej rozwiniętej gospodarce i kulturze w Europie. W czasach nowożytnych wkroczyła w okres wielkiej rewolucji kulturalnej, zwanej renesansem, lub po francusku renesansem, ponieważ pierwotnie oznaczało to odrodzenie starożytnego dziedzictwa. Renesans był jednak kontynuacją średniowiecza, a nie powrotem do starożytności, zrodził się na bazie wysoko rozwiniętej, wyrafinowanej i złożonej kultury średniowiecza.
Pojęcie renesansu. Humanizm
Obok pojęcia „renesansu” powszechnie stosowane jest pojęcie „humanizmu”, wywodzące się z łac. humanis – człowiek. Jest ono ściśle powiązane z pojęciem „renesansu”, jednak nie jest z nim równoznaczne. Terminem „renesans” określa się cały zespół zjawisk kulturowych charakterystycznych dla danej epoki historycznej. „Humanizm” to system poglądów ukształtowany w epoce renesansu, zgodnie z którym uznawana jest wysoka godność osoby ludzkiej, jej prawo do swobodnego rozwoju i uzewnętrzniania zdolności twórczych.
W okresie renesansu pojęcie „humanizmu” oznaczało także zespół wiedzy o człowieku, jego miejscu w przyrodzie i społeczeństwie. Osobną kwestią jest stosunek humanistów do religii. Humanizm dobrze współistniał z chrześcijaństwem, czego najbardziej uderzającym dowodem był aktywny udział duchowieństwa w ruchu humanistycznym, a zwłaszcza patronat papieży. W okresie renesansu religia przestała być przedmiotem ślepej wiary i stała się przedmiotem wątpliwości, refleksji, badań naukowych, a nawet krytyki. Mimo to Włochy jako całość pozostały krajem religijnym, w przeważającej mierze katolickim. We włoskim społeczeństwie nadal panowały wszelkiego rodzaju przesądy, a astrologia i inne pseudonauki kwitły.
Odrodzenie miało kilka etapów. Wczesny renesans (XIV i większość XV wieku) charakteryzuje się pojawieniem się literatury renesansowej i pokrewnych nauk humanistycznych oraz rozkwitem humanizmu w ogóle. W okresie B Wysoki renesans (koniec XV - pierwsza tercja XVI wieku) Nastąpił bezprecedensowy rozkwit sztuk pięknych, ale nastąpił już wyraźny kryzys humanistycznego światopoglądu. W ciągu tych dziesięcioleci renesans rozszerzył się poza Włochy. Późny renesans (większość XVI wieku)- okres, w którym jego rozwój przebiegał równolegle z reformacją religijną w Europie.
Stolicą włoskiego renesansu była główne miasto Toskanii – Florencja, gdzie rozwinął się wyjątkowy splot okoliczności, który przyczynił się do szybkiego rozwoju kultury. U szczytu wysokiego renesansu centrum sztuki renesansowej przeniosło się do Rzymu. Papieże Juliusz II (1503-1513) i Leon X (1513-1521) poczynili wówczas wielkie wysiłki, aby przywrócić dawną świetność Wiecznemu Miastu, dzięki czemu rzeczywiście przekształciło się ono w centrum sztuki światowej. Trzecim co do wielkości ośrodkiem włoskiego renesansu była Wenecja, gdzie sztuka renesansu nabrała wyjątkowej kolorystyki ze względu na lokalne cechy.
Sztuka włoskiego renesansu
Rozwój kulturowy, który miał miejsce we Włoszech w okresie renesansu. najwyraźniej przejawia się w sztukach pięknych i architekturze. Ze szczególną siłą i wyrazistością odzwierciedlili wielki punkt zwrotny epoki, który wyznaczył drogę dalszego rozwoju sztuki światowej.
Jedną z najwybitniejszych postaci włoskiego renesansu był Leonardo da Vinci (1452-1519), który połączył wiele talentów - malarz, rzeźbiarz, architekt, inżynier, oryginalny myśliciel. Prowadził burzliwe i twórcze życie, tworząc swoje arcydzieła w służbie Republiki Florenckiej, dla księcia Mediolanu, Pana Rzymu i króla Francji. Fresk Leonarda „Ostatnia wieczerza” przedstawia jeden ze szczytów rozwoju całej sztuki europejskiej, a „La Gioconda” jest jedną z jej największych tajemnic.
Malarstwo było dla Leonarda uniwersalnym środkiem nie tylko odzwierciedlania świata, ale także jego zrozumienia. Według jego własnej definicji jest to „niesamowita umiejętność, wszystko składa się z najsubtelniejszych spekulacji”. Swoimi eksperymentalnymi obserwacjami ten genialny artysta wzbogacił niemal wszystkie dziedziny nauki swoich czasów. A jego wynalazki techniczne obejmowały na przykład projekt spadochronu.
Nie mniej wielki artysta Michelangelo Buonarroti (1475-1564) rywalizował z geniuszem Leonarda., którego gwiazda zaczęła wschodzić na przełomie wieków. Trudno było sobie wyobrazić tak różnych ludzi: Leonardo - towarzyski, nieobcy świeckim obyczajom, zawsze poszukujący, o szerokim spektrum często zmieniających się zainteresowań; Michał Anioł jest powściągliwy, surowy, pogrążony w swojej twórczości, skupiony na każdym swoim nowym dziele. Michał Anioł zasłynął jako rzeźbiarz i architekt, malarz i poeta. Do jego pierwszych arcydzieł należy grupa rzeźbiarska „Opłakiwanie Chrystusa”. W 1504 roku mieszkańcy Florencji nieśli w triumfalnej procesji kolosalną postać Dawida, będącą arcydziełem tego mistrza. Został on uroczyście zainstalowany przed budynkiem Urzędu Miejskiego. Jeszcze większą sławę przyniosły mu freski Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie, gdzie Michał Anioł w ciągu czterech lat namalował 600 metrów kwadratowych. m sceny ze Starego Testamentu. Później w tej samej kaplicy pojawił się jego słynny fresk „Sąd Ostateczny”.
Nie mniej imponujące sukcesy w architekturze osiągnął Michał Anioł. Od 1547 roku do końca życia kierował budową katedry św. Piotra, która miała stać się głównym kościołem katolickim na świecie. Michał Anioł radykalnie zmienił pierwotny projekt tej wspaniałej budowli. Według jego genialnego projektu powstała kopuła, która do dziś nie ma sobie równych ani pod względem wielkości, ani wielkości. Ta rzymska katedra jest jednym z najwspanialszych dzieł światowej architektury.
Jako urbanista Michał Anioł wyraził całą moc swojego talentu, tworząc zespół architektoniczny na Placu Kapitolu. Stworzył on właściwie nowy obraz Rzymu, który odtąd nierozerwalnie łączy się z jego imieniem. Malarstwo włoskiego renesansu osiągnęło swój szczyt w twórczości Rafaela Santiego (1483-1520). Brał udział w budowie katedry św. Piotra, a w 1516 roku został mianowany głównym nadzorcą wszystkich rzymskich starożytności. Rafael dał się jednak poznać przede wszystkim jako artysta, w którego twórczości dopełniły się kanony malarskie Wysokiego Renesansu. Do artystycznych osiągnięć Rafaela należy malowanie sal reprezentacyjnych Pałacu Watykańskiego. Malował portrety Juliusza II i Leona X, dzięki czemu Rzym stał się stolicą sztuki renesansu. Ulubionym wizerunkiem artystki zawsze była Matka Boża, symbol matczynej miłości. To nie przypadek, że jego największym arcydziełem jest oszałamiająca Madonna Sykstyńska.
Zaszczytne miejsce w historii sztuki renesansu zajmuje wenecka szkoła malarstwa, której założycielem był Giorgione (1476/77-1510). Jego arcydzieła, takie jak „Judyta” i „Śpiąca Wenus”, zyskały uznanie na całym świecie. . Najwybitniejszym artystą Wenecji był Tycjan (1470/80-1576). Tycjan doprowadził do perfekcji wszystko, czego nauczył się od Giorgione i innych mistrzów, a stworzony przez niego swobodny styl malarstwa wywarł ogromny wpływ na dalszy rozwój malarstwa światowego.
Do wczesnych arcydzieł Tycjana należy obraz „Miłość ziemska i miłość niebiańska”, który miał oryginalną koncepcję. Wenecki artysta stał się powszechnie znany jako niezrównany portrecista. Zarówno rzymscy arcykapłani, jak i koronowane głowy uważali pozowanie dla niego za zaszczyt.
Architektura i rzeźba
Założycielami nowego stylu architektonicznego byli wybitni mistrzowie Florencji, przede wszystkim Filippo Brunelleschi, który stworzył monumentalną kopułę katedry Santa Maria del Fiore. Ale głównym typem budowli architektonicznej w tym okresie nie był już budynek kościelny, ale budynek świecki - palazzo (pałac). Styl renesansowy charakteryzuje się monumentalnością, stwarzającą wrażenie majestatu, podkreślającą prostotę fasad i wygodę przestronnych wnętrz. Złożona konstrukcja gotyckich budynków, która przytłaczała ludzi swoją wielkością, została skontrastowana z nową architekturą, która stworzyła zasadniczo nowe środowisko życia, bardziej spójne z potrzebami człowieka.
W okresie renesansu rzeźba oddzielona od architektury, wolnostojące pomniki pojawiły się jako samodzielny element krajobrazu miejskiego, a sztuka portretu rzeźbiarskiego szybko się rozwinęła. Gatunek portretu, szeroko rozpowszechniony w malarstwie, rzeźbie i grafice, odpowiadał humanistycznemu duchowi kultury renesansu.
Literatura, teatr, muzyka
Literatura renesansowa, która pierwotnie powstawała w języku łacińskim, stopniowo ustąpiła miejsca literaturze narodowej, włoskiej. Do połowy XVI wieku. Dominuje język włoski, oparty na dialekcie toskańskim. Był to pierwszy narodowy język literacki w Europie, którego przejście przyczyniło się do powszechnego upowszechnienia się edukacji renesansowej.
Przez cały XVI w. We Włoszech powstał teatr narodowy we współczesnym znaczeniu tego słowa. Włoskie komedie ludowe jako pierwsze w Europie pisane były prozą i miały charakter realistyczny, czyli odpowiadały rzeczywistości.
Pasja do muzyki zawsze była we Włoszech bardziej rozpowszechniona niż w jakimkolwiek innym kraju europejskim. Było powszechne i stanowiło integralny element codziennego życia najszerszych warstw ludności. Renesans przyniósł wielkie zmiany w tym obszarze. Szczególnie popularne są orkiestry. Tworzą się nowe rodzaje instrumentów muzycznych, a wśród instrumentów smyczkowych pierwsze miejsce zajmują skrzypce.
Nowe rozumienie historii i narodziny nauk politycznych
Myśliciele renesansu rozwinęli oryginalne spojrzenie na historię i stworzyli zasadniczo nową periodyzację procesu historycznego, która radykalnie różniła się od mitycznego schematu zapożyczonego z Biblii. Świadomość nadejścia nowej epoki historycznej stała się najbardziej oryginalną cechą włoskiego renesansu. W przeciwieństwie do średniowiecza humaniści zwrócili się do mistrzów starożytnego świata jako do swoich bezpośrednich poprzedników, a tysiąclecie między ich „nowożytnością” a starożytnością nazwali bezimiennym „średniowieczem”. W ten sposób narodziło się zupełnie nowe podejście do periodyzacji historii, które jest akceptowane do dziś.
Największym myślicielem włoskiego renesansu, który wniósł nieoceniony wkład w rozwój myśli historycznej i politycznej, był Niccolo Machiavelli (1469-1527). Pochodzący z Florencji, piastował wysokie stanowiska w rządzie i wykonywał ważne zadania dyplomatyczne w latach, gdy Włochy stały się areną zaciętej rywalizacji międzynarodowej. To właśnie w tej katastrofalnej dla swojego kraju epoce myśliciel florencki próbował odpowiedzieć na najbardziej palące problemy naszych czasów. Dla niego historia reprezentowała polityczne doświadczenie przeszłości, a polityka reprezentowała historię nowożytną.
Głównymi troskami Machiavellego były „dobro wspólne” ludu i „interes państwa”. To ich ochrona, a nie prywatne interesy, jego zdaniem powinna determinować postępowanie władcy. „Dowodem mojej uczciwości i wierności jest moje ubóstwo” – napisał Machiavelli na poparcie swoich wniosków. Jego politycznym testamentem były słowa: „nie odstępować od dobra, jeśli to możliwe, ale umieć wejść na drogę zła, jeśli to konieczne”. Wezwanie to jest często postrzegane jako uzasadnienie niemoralnej polityki, która nie gardzi żadnymi środkami do osiągnięcia swoich celów, dla której wymyślono nawet koncepcję „makiawelizmu”.
Z książki „Książę” N. Machiavellego
„Moim zamiarem jest napisanie czegoś pożytecznego dla kogoś, kto to zrozumie, dlatego też wydało mi się bardziej słuszne szukać prawdziwej, a nie wyimaginowanej prawdy rzeczy”. Przecież „odległość od tego, jak faktycznie toczy się życie, jest tak wielka, jak należy żyć”.
„Zarówno ugruntowane państwa, jak i mądrzy książęta szczególnie starali się nie rozgoryczyć szlachty, a jednocześnie zadowolić lud, uszczęśliwić go, bo to jest jedna z najważniejszych spraw księcia”. A „ci, w których rękach oddawana jest władza, nie powinni nigdy myśleć o sobie”.
Władca „musi sprawiać wrażenie miłosiernego, wiernego, ludzkiego, szczerego, pobożnego; tak powinno być, ale musisz wzmocnić swojego ducha w taki sposób, abyś w razie potrzeby stał się inny... zamienił się w przeciwieństwo. „W końcu każdy, kto zawsze będzie chciał wyznawać wiarę w dobroć, nieuchronnie zginie wśród tak wielu ludzi obcych dobroci”.
Bibliografia:
V.V. Noskov, T.P. Andreevskaya / Historia od końca XV do końca XVIII wieku
W okresie renesansu następuje wiele zmian i odkryć. Eksplorowane są nowe kontynenty, rozwija się handel, powstają ważne rzeczy, takie jak papier, kompas morski, proch strzelniczy i wiele innych. Duże znaczenie miały także zmiany w malarstwie. Malarstwo renesansowe zyskało ogromną popularność.
Główne style i nurty w twórczości mistrzów
Okres ten był jednym z najbardziej owocnych w historii sztuki. Arcydzieła ogromnej liczby wybitnych mistrzów można dziś znaleźć w różnych centrach sztuki. Innowatorzy pojawili się we Florencji w pierwszej połowie XV wieku. Ich renesansowe obrazy zapoczątkowały nową erę w historii sztuki.
W tym czasie nauka i sztuka stają się bardzo blisko powiązane. Artyści i naukowcy starali się opanować świat fizyczny. Malarze próbowali skorzystać z dokładniejszych pomysłów na temat ludzkiego ciała. Wielu artystów dążyło do realizmu. Styl rozpoczyna się od obrazu Leonarda da Vinci „Ostatnia wieczerza”, który malował przez prawie cztery lata.
Jedno z najbardziej znanych dzieł
Został namalowany w 1490 roku dla refektarza klasztoru Santa Maria delle Grazie w Mediolanie. Obraz przedstawia ostatni posiłek Jezusa z uczniami, zanim został schwytany i zabity. Współcześni obserwujący twórczość artysty w tym okresie zauważyli, jak potrafił malować od rana do wieczora, nawet nie przerywając jedzenia. A potem mógł na kilka dni porzucić swoje malarstwo i w ogóle do niego nie podchodzić.
Artysta był bardzo zaniepokojony wizerunkiem samego Chrystusa i zdrajcy Judasza. Kiedy obraz został ostatecznie ukończony, słusznie uznano go za arcydzieło. „Ostatnia wieczerza” wciąż pozostaje jedną z najpopularniejszych. Reprodukcje renesansowe zawsze cieszyły się dużym zainteresowaniem, ale to arcydzieło charakteryzuje się niezliczoną liczbą kopii.
Uznane arcydzieło, czyli tajemniczy uśmiech kobiety
Wśród dzieł stworzonych przez Leonarda w XVI wieku znajduje się portret zwany Mona Lisą, czyli La Gioconda. W czasach nowożytnych jest to prawdopodobnie najsłynniejszy obraz na świecie. Popularność zyskała głównie dzięki nieuchwytnemu uśmiechowi na twarzy ukazanej na płótnie kobiety. Co doprowadziło do takiej tajemnicy? Umiejętna praca mistrza, umiejętność tak umiejętnego cieniowania kącików oczu i ust? Do dziś nie udało się ustalić dokładnego charakteru tego uśmiechu.
Inne szczegóły tego zdjęcia są poza konkurencją. Warto zwrócić uwagę na dłonie i oczy kobiety: z jaką precyzją artysta malując płótno potraktował najmniejsze detale. Nie mniej interesujący jest dramatyczny pejzaż w tle obrazu, świat, w którym wszystko zdaje się płynąć.
Kolejny znany przedstawiciel malarstwa
Równie znanym przedstawicielem renesansu jest Sandro Botticelli. To wielki włoski malarz. Jego renesansowe obrazy cieszą się także ogromnym zainteresowaniem szerokiego grona odbiorców. „Pokłon Trzech Króli”, „Madonna z Dzieciątkiem na tronie”, „Zwiastowanie” - te dzieła Botticellego poświęcone tematyce religijnej stały się ogromnymi osiągnięciami artysty.
Kolejnym znanym dziełem mistrza jest „Madonna Magnificat”. Zasłynęła za życia Sandro, o czym świadczą liczne reprodukcje. Podobne płótna w kształcie koła były dość poszukiwane w XV-wiecznej Florencji.
Nowy zwrot w twórczości artysty
Począwszy od 1490 roku Sandro zmienił swój styl. Staje się bardziej ascetyczny, zestawienie kolorów jest teraz znacznie bardziej powściągliwe, często dominują ciemne tony. Nowe podejście twórcy do pisania swoich dzieł jest wyraźnie widoczne w „Koronacji Marii”, „Opłakiwaniu Chrystusa” i innych obrazach przedstawiających Madonnę z Dzieciątkiem.
Arcydzieła namalowane wówczas przez Sandro Botticellego, jak na przykład portret Dantego, pozbawione są tła pejzażowego i wewnętrznego. Jedną z równie znaczących realizacji artysty są „Mistyczne Święta Bożego Narodzenia”. Obraz powstał pod wpływem zamieszek, jakie miały miejsce pod koniec 1500 roku we Włoszech. Wiele obrazów artystów renesansu nie tylko zyskało popularność, ale stało się przykładem dla kolejnych pokoleń malarzy.
Artysta, którego płótna otacza aura zachwytu
Rafael Santi da Urbino był nie tylko architektem. Jego renesansowe obrazy cenione są za klarowność formy, prostotę kompozycji i wizualne osiągnięcie ideału wielkości człowieka. Wraz z Michałem Aniołem i Leonardem da Vinci należy do tradycyjnej trójcy największych mistrzów tego okresu.
Żył stosunkowo krótko, miał zaledwie 37 lat. Ale w tym czasie stworzył ogromną liczbę swoich arcydzieł. Niektóre z jego dzieł znajdują się w Pałacu Watykańskim w Rzymie. Nie każdy widz może na własne oczy zobaczyć obrazy artystów renesansu. Zdjęcia tych arcydzieł są dostępne dla każdego (niektóre z nich przedstawiono w tym artykule).
Najsłynniejsze dzieła Rafaela
W latach 1504–1507 Rafael stworzył całą serię Madonn. Obrazy wyróżniają się urzekającym pięknem, mądrością i jednocześnie pewnym oświeconym smutkiem. Jego najsłynniejszym obrazem była Madonna Sykstyńska. Przedstawiana jest jako unosząca się w powietrzu i płynnie opadająca w stronę ludzi z Dzieciątkiem w ramionach. To właśnie ten ruch artysta był w stanie bardzo umiejętnie przedstawić.
Dzieło to zostało wysoko ocenione przez wielu znanych krytyków i wszyscy doszli do tego samego wniosku, że jest ono naprawdę rzadkie i niezwykłe. Wszystkie obrazy artystów renesansu mają długą historię. Ale największą popularność zyskała dzięki niekończącym się wędrówkom, począwszy od momentu jej stworzenia. Po licznych próbach ostatecznie zajął należne mu miejsce wśród ekspozycji Muzeum Drezdeńskiego.
Malowidła renesansowe. Zdjęcia znanych obrazów
Kolejnym znanym włoskim malarzem, rzeźbiarzem i architektem, który wywarł ogromny wpływ na rozwój sztuki zachodniej, jest Michelangelo di Simoni. Pomimo tego, że znany jest głównie jako rzeźbiarz, znajdują się tu także piękne dzieła jego malarstwa. A najważniejszym z nich jest sufit Kaplicy Sykstyńskiej.
Prace te prowadzono przez cztery lata. Przestrzeń zajmuje około pięciuset metrów kwadratowych i zawiera ponad trzysta figurek. W samym centrum znajduje się dziewięć epizodów z Księgi Rodzaju, podzielonych na kilka grup. Stworzenie ziemi, stworzenie człowieka i jego upadek. Do najsłynniejszych obrazów na suficie należą „Stworzenie Adama” oraz „Adam i Ewa”.
Jego równie znanym dziełem jest „Sąd Ostateczny”. Wykonano go na ścianie ołtarza Kaplicy Sykstyńskiej. Fresk przedstawia drugie przyjście Jezusa Chrystusa. Tutaj Michał Anioł ignoruje standardowe konwencje artystyczne w malowaniu Jezusa. Przedstawił go z masywną, muskularną budową ciała, młodego i pozbawionego brody.
Znaczenie religii, czyli sztuka renesansu
Malarstwo włoskie renesansu stało się podstawą rozwoju sztuki zachodniej. Wiele popularnych dzieł tego pokolenia twórców wywarło ogromny wpływ na artystów, który trwa do dziś. Wielcy przedstawiciele sztuki tego okresu skupiali swoją uwagę na tematyce religijnej, pracując często na zlecenie zamożnych mecenasów, w tym samego papieża.
Religia dosłownie przeniknęła do codziennego życia ludzi tej epoki i głęboko zakorzeniła się w umysłach artystów. Prawie wszystkie obrazy religijne znajdują się w muzeach i repozytoriach sztuki, ale reprodukcje obrazów renesansowych, związanych nie tylko z tą tematyką, można znaleźć w wielu instytucjach, a nawet zwykłych domach. Ludzie będą bez końca podziwiać dzieła słynnych mistrzów tamtego okresu.
Pierwsze zwiastuny sztuki renesansowej pojawiły się we Włoszech w XIV wieku. Artyści tamtych czasów, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) i (przede wszystkim) Giotto
(1267-1337) tworząc obrazy o tradycyjnej tematyce religijnej, zaczęli stosować nowe techniki artystyczne: budowanie trójwymiarowej kompozycji, wykorzystywanie pejzażu w tle, co pozwalało im na urealnienie i ożywienie obrazów. To wyraźnie oddzieliło ich twórczość od dotychczasowej tradycji ikonograficznej, pełnej konwencji obrazu.
Termin używany do określenia ich kreatywności Protorenesans (1300 - „Trecento”)
.
Giotto di Bondone
(ok. 1267-1337) – włoski artysta i architekt epoki prarenesansowej. Jedna z kluczowych postaci w historii sztuki zachodniej. Pokonawszy tradycję bizantyjskiego malowania ikon, stał się prawdziwym założycielem włoskiej szkoły malarstwa i wypracował zupełnie nowe podejście do przedstawiania przestrzeni. Prace Giotta inspirowane były twórczością Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła.
Wczesny renesans (XV w. – Quattrocento).
Na początku XV wieku Filippo Brunelleschiego
(1377-1446), florencki naukowiec i architekt.
Brunelleschi chciał, aby postrzeganie zrekonstruowanych przez niego łaźni i teatrów było bardziej wizualne i próbował stworzyć obrazy z geometryczną perspektywą na podstawie swoich planów z określonego punktu widzenia. W trakcie tych poszukiwań odkryto bezpośrednia perspektywa.
Pozwoliło to artystom uzyskać doskonałe obrazy trójwymiarowej przestrzeni na płaskim płótnie malarskim.
_________Kolejnym ważnym krokiem na drodze do renesansu było pojawienie się sztuki niereligijnej, świeckiej. Portret i krajobraz stały się niezależnymi gatunkami. Nawet tematy religijne zyskały inną interpretację - artyści renesansu zaczęli postrzegać swoje postacie jako bohaterów o wyraźnych cechach indywidualnych i ludzkiej motywacji do działania.
Najbardziej znani artyści tego okresu to Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanniego Belliniego (1430-1516), Antonello z Messyny (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticellego (1447-1515).
Masaccio
(1401-1428) – słynny malarz włoski, największy mistrz szkoły florenckiej, reformator malarstwa epoki Quattrocento.
 |
| Fresk. Cud ze statrem. |
 |
| Obraz. Ukrzyżowanie. |
 |
| Fresk. Historia królowej Saby. Kościół San Francesco w Arezzo |
Sandro Botticellego(1445-1510) – wielki malarz włoski, przedstawiciel szkoły malarstwa florenckiego.
 |
| Wiosna. |
 |
| Narodziny Wenus. |
Wysoki renesans („Cinquecento”).
Nastąpił największy rozkwit sztuki renesansowej dla pierwszej ćwierci XVI w.
Pracuje Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafał Santi (1483-1520), Michał Anioł Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), tycjanowski (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) stanowią złoty fundusz sztuki europejskiej.
Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florencja) (1452-1519) – włoski artysta (malarz, rzeźbiarz, architekt) i naukowiec (anatom, przyrodnik), wynalazca, pisarz.
 |
| Autoportret |
 |
| Dama z gronostajem. 1490. Muzeum Czartoryskich, Kraków |
 |
| Mona Lisa (1503-1505/1506) |
 |
| Madonna Litta. 1490-1491. Ermitaż. |
 |
| Madonna Benois (Madonna z kwiatem). 1478-1480 |
 |
| Madonna z goździkiem. 1478 |
W ciągu swojego życia Leonardo da Vinci sporządził tysiące notatek i rysunków na temat anatomii, ale swojej pracy nie opublikował. Dokonując sekcji ciał ludzi i zwierząt, dokładnie oddał budowę szkieletu i narządów wewnętrznych, z uwzględnieniem drobnych szczegółów. Według profesora anatomii klinicznej Petera Abramsa prace naukowe da Vinci wyprzedzały swoje czasy o 300 lat i pod wieloma względami przewyższały słynną „Anatomię Graya”.
Lista wynalazków, zarówno rzeczywistych, jak i przypisywanych mu:
Spadochron, doZamek Olessovo, wrower, tanka, llekkie mosty przenośne dla wojska, sprojektor, doatakult, roba, DTeleskop Vuhlensa.
Następnie opracowano te innowacje Rafał Santi (1483-1520) – wielki malarz, grafik i architekt, przedstawiciel szkoły umbryjskiej.
| Autoportret. 1483 |
Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) – włoski rzeźbiarz, artysta, architekt, poeta, myśliciel.
Obrazy i rzeźby Michała Anioła Buonarottiego są pełne heroicznego patosu, a zarazem tragicznego poczucia kryzysu humanizmu. Jego obrazy gloryfikują siłę i moc człowieka, piękno jego ciała, podkreślając jednocześnie jego samotność w świecie.
Geniusz Michała Anioła odcisnął piętno nie tylko na sztuce renesansu, ale także na całej późniejszej kulturze światowej. Jego działalność związana jest głównie z dwoma włoskimi miastami – Florencją i Rzymem.
Jednak najbardziej ambitne plany artysta mógł zrealizować właśnie w malarstwie, gdzie dał się poznać jako prawdziwy innowator koloru i formy.
Na zlecenie papieża Juliusza II namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej (1508-1512), przedstawiający biblijną historię od stworzenia świata do potopu i zawierający ponad 300 postaci. W latach 1534-1541 w tej samej Kaplicy Sykstyńskiej namalował okazały, dramatyczny fresk „Sąd Ostateczny” dla papieża Pawła III.
Kaplica Sykstyńska 3D.
Twórczość Giorgione i Tycjana wyróżnia zainteresowanie pejzażem i poetyka fabuły. Obaj artyści osiągnęli wielkie mistrzostwo w sztuce portretu, za pomocą którego oddali charakter i bogaty świat wewnętrzny swoich bohaterów.
Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) – artysta włoski, przedstawiciel weneckiej szkoły malarstwa.
 |
||||
| Śpiąca Wenus. 1510 |
 |
| Judyta. 1504g |
Tycjan malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, zasłynął także jako portrecista. Otrzymywał rozkazy od królów i papieży, kardynałów, książąt i książąt. Tycjan nie miał nawet trzydziestu lat, kiedy został uznany za najlepszego malarza Wenecji.
 |
| Autoportret. 1567 |
 |
| Wenus z Urbino. 1538 |
 |
| Portret Tommaso Mostiego. 1520 |
Późny renesans.
Po splądrowaniu Rzymu przez siły cesarskie w 1527 r. włoski renesans wszedł w okres kryzysu. Już w twórczości zmarłego Rafaela zarysowała się nowa linia artystyczna, tzw manieryzm.
Epokę tę charakteryzują nadmuchane i przerywane linie, wydłużone lub nawet zdeformowane postacie, często nagie, napięte i nienaturalne pozy, niezwykłe lub dziwaczne efekty związane z rozmiarem, oświetleniem lub perspektywą, stosowaniem żrącej gamy chromatycznej, przeładowaną kompozycją itp. pierwsi mistrzowie manieryzmu Parmigianino
, Pontormo
, Bronzino-
mieszkał i pracował na dworze książąt Medyceuszy we Florencji. Moda manierystyczna rozprzestrzeniła się później w całych Włoszech i poza nimi.
Girolamo Francesco Maria Mazzola
(Parmigianino
- „mieszkaniec Parmy”) (1503-1540) Włoski artysta i rytownik, przedstawiciel manieryzmu.
 |
| Autoportret. 1540 |
 |
| Portret kobiety. 1530. |
Pontormo (1494-1557) – malarz włoski, przedstawiciel szkoły florenckiej, jeden z twórców manieryzmu.
W latach dziewięćdziesiątych XVI wieku sztuka zastąpiła manieryzm barokowy (dane przejściowe - Tintoretto I El Greco ).
Jacopo Robusti, lepiej znany jako Tintoretto (1518 lub 1519-1594) - malarz szkoły weneckiej późnego renesansu.
 |
| Ostatnia Wieczerza. 1592-1594. Kościół San Giorgio Maggiore w Wenecji. |
El Greco ("Grecki" Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) – artysta hiszpański. Z pochodzenia - Grek, pochodzący z Krety.
El Greco nie miał współczesnych naśladowców, a jego geniusz odkryto na nowo prawie 300 lat po jego śmierci.
El Greco uczył się w pracowni Tycjana, jednak jego technika malarska znacznie różni się od techniki jego nauczyciela. Prace El Greco charakteryzują się szybkością i wyrazistością wykonania, co zbliża je do malarstwa współczesnego.
 |
| Chrystus na krzyżu. OK. 1577. Zbiory prywatne. |
 |
| Trójca. 1579 Prado. |
Z klasyczną kompletnością renesans zrealizował się we Włoszech, w kulturze renesansu, w której występują okresy: protorenesans lub czasy zjawisk przedrenesansowych („era Dantego i Giotta”, około 1260–1320), częściowo zbiega się z okresem Ducento (XIII w.), a także Trecento (XIV w.), Quattrocento (XV w.) i Cinquecento (XVI w.). Bardziej ogólne okresy to wczesny renesans (14-15 wieków), kiedy nowe trendy aktywnie współdziałają z gotykiem, pokonując go i twórczo przekształcając.
A także wysoki i późny renesans, którego szczególną fazą był manieryzm. W epoce Quattrocento w centrum uwagi znalazła się szkoła florencka, architekci (Filippo Brunelleschi, Leona Battista Alberti, Bernardo Rossellino i inni), rzeźbiarze (Lorenzo Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Antonio Rossellino, Desiderio da Settignano), malarze (Masaccio) innowacji we wszystkich rodzajach sztuki, Filippo Lippi, Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico, Sandro Botticelli), którzy stworzyli plastycznie integralną koncepcję świata z wewnętrzną jednością, która stopniowo rozprzestrzeniła się po całych Włoszech (dzieło Piero della Francesca w Urbino, Vittore Carpaccio, Francesco Cossa w Ferrarze, Andrea Mantegna w Mantui, Antonello da Messina oraz bracia Gentile i Giovanni Bellini w Wenecji).
Jest rzeczą naturalną, że czas, który przywiązywał centralne znaczenie do „boskiej” twórczości ludzkiej, wyłonił w sztuce osobowości, które przy całym bogactwie ówczesnych talentów stały się uosobieniem całych epok kultury narodowej (osobiste „tytani”, jak je później romantycznie nazywano). Giotto stał się uosobieniem Protorenesansu; przeciwne aspekty Quattrocento – konstruktywna surowość i uduchowiony liryzm – wyrażali odpowiednio Masaccio, Angelico i Botticelli. „Tytani” średniego (lub „wysokiego”) renesansu Leonardo da Vinci, Rafael i Michał Anioł to artyści – symbole wielkiego przełomu New Age jako takiego. Najważniejsze etapy architektury włoskiego renesansu - wczesny, średni i późny - są monumentalnie ucieleśnione w dziełach F. Brunelleschiego, D. Bramante i A. Palladia.
W okresie renesansu średniowieczną anonimowość zastąpiła indywidualna, autorska twórczość. Duże znaczenie praktyczne ma teoria perspektywy liniowej i powietrznej, proporcji, zagadnień anatomii oraz modelowania światła i cienia. Centrum renesansowych innowacji, artystyczne „zwierciadło epoki”, stanowiło iluzoryczne, realistyczne malarstwo, w sztuce sakralnej zastępuje ikonę, w sztuce świeckiej daje początek niezależnym gatunkom pejzażu, malarstwa codziennego i portretu (tzw. ten ostatni odegrał pierwszorzędną rolę w wizualnej afirmacji ideałów humanistycznego virtu). Sztuka grawerowania w drewnie i metalu, która w okresie reformacji stała się prawdziwie rozpowszechniona, zyskuje ostateczną, samoistną wartość. Czerpanie z roboczego szkicu zamienia się w odrębny rodzaj kreatywności; indywidualny styl kreski, kreski, a także faktura i efekt niekompletności (non-finito) zaczynają być cenione jako niezależne efekty artystyczne. Malarstwo monumentalne także staje się malownicze, iluzoryczne i trójwymiarowe, zyskując większą wizualną niezależność od masy muru. Wszystkie rodzaje sztuk pięknych w taki czy inny sposób naruszają monolityczną średniowieczną syntezę (gdzie dominowała architektura), uzyskując względną niezależność. Powstają rodzaje posągów absolutnie okrągłych, pomników jeździeckich i popiersi portretowych (pod wieloma względami wskrzeszających tradycję starożytną), wyłania się zupełnie nowy typ uroczystych nagrobków rzeźbiarskich i architektonicznych.
W okresie Wysokiego Renesansu, kiedy walka o humanistyczne ideały renesansu nabrała intensywnego i heroicznego charakteru, architekturę i sztuki piękne cechowała szerokość dźwięku społecznego, syntetyczna ogólność i siła obrazów pełnych duchowej i fizycznej aktywności. W budynkach Donato Bramante, Raphaela, Antonio da Sangallo idealna harmonia, monumentalność i wyraźna proporcjonalność osiągnęły apogeum; humanistyczna pełnia, śmiały lot wyobraźni artystycznej, szerokość rzeczywistości są charakterystyczne dla twórczości największych mistrzów sztuk pięknych tej epoki - Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła, Giorgione, Tycjana. Od drugiej ćwierci XVI wieku, kiedy Włochy weszły w czas kryzysu politycznego i rozczarowania ideami humanizmu, twórczość wielu mistrzów nabrała złożonego i dramatycznego charakteru. W architekturze późnego renesansu (Giacomo da Vignola, Michał Anioł, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi) wzrosło zainteresowanie przestrzennym zagospodarowaniem kompozycji i podporządkowaniem budowli szerokiemu planowi urbanistycznemu; w bogato i kompleksowo zagospodarowanych budynkach użyteczności publicznej, świątyniach, willach i pałacach wyraźną tektonikę wczesnego renesansu zastąpił intensywny konflikt sił tektonicznych (budowle Jacopo Sansovino, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Andrea Palladio). Malarstwo i rzeźba późnego renesansu wzbogaciły się o zrozumienie sprzeczności natury świata, zainteresowanie ukazywaniem dramatycznych akcji masowych, dynamiką przestrzenną (Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Jacopo Bassano); Psychologiczne cechy obrazów w późniejszych dziełach Michała Anioła i Tycjana osiągnęły niespotykaną dotąd głębię, złożoność i wewnętrzną tragedię.
Szkoła w Wenecji
Szkoła Wenecka, jedna z głównych szkół malarskich we Włoszech, mająca swój ośrodek w Wenecji (częściowo także w małych miasteczkach Terraferma – terenach kontynentu sąsiadujących z Wenecją). Szkołę wenecką charakteryzuje dominacja zasady obrazowości, szczególne zainteresowanie problematyką koloru oraz chęć ucieleśnienia zmysłowej pełni i barwności życia. Ściśle związana z krajami Europy Zachodniej i Wschodu Wenecja czerpała z obcej kultury wszystko, co mogło ją ozdobić: elegancję i złoty blask bizantyjskich mozaik, kamienne otoczenie mauretańskich budowli, fantastyczny charakter gotyckich świątyń. Jednocześnie wykształcił swój własny, oryginalny styl w sztuce, skłaniający się ku ceremonialnej barwności. Szkołę wenecką cechuje świecka, afirmująca życie zasada, poetyckie postrzeganie świata, człowieka i natury oraz subtelna kolorystyka.
Szkoła wenecka swój największy rozkwit osiągnęła w epoce wczesnego i wysokiego renesansu, w twórczości Antonello da Messina, który otworzył przed współczesnymi ekspresyjne możliwości malarstwa olejnego, twórców idealnie harmonijnych wizerunków Giovanniego Belliniego i Giorgione, największy kolorysta Tycjan, który ucieleśniał w swoich płótnach radość i barwność właściwą bogactwu malarstwa weneckiego. W twórczości mistrzów szkoły weneckiej drugiej połowy XVI wieku wirtuozja w oddaniu wielobarwnego świata, zamiłowanie do odświętnych widowiska i różnorodnej publiczności współistnieją z jawnym i ukrytym dramatem, niepokojącym wyczuciem dynamiki i nieskończoności wszechświat (obrazy Paolo Veronese i Jacopo Tintoretto). W XVII wieku tradycyjne zainteresowanie problematyką koloru dla szkoły weneckiej w twórczości Domenico Fettiego, Bernardo Strozziego i innych artystów współistniało z technikami malarstwa barokowego, a także nurtami realistycznymi w duchu karawagizmu. Malarstwo weneckie XVIII wieku charakteryzuje się rozkwitem malarstwa monumentalnego i dekoracyjnego (Giovanni Battista Tiepolo), gatunku codziennego (Giovanni Battista Piazzetta, Pietro Longhi), dokumentalnego pejzażu architektonicznego - vedata (Giovan Antonio Canaletto, Bernardo Belotto) i liryczny, subtelnie oddający poetycką atmosferę codziennego życia Wenecji (Francesco Guardi).
Szkoła florencka
Szkoła Florencka, jedna z wiodących włoskich szkół artystycznych renesansu, z siedzibą we Florencji. Powstaniu szkoły florenckiej, która ostatecznie ukształtowała się w XV wieku, sprzyjał rozkwit myśli humanistycznej (Francesco Petrarch, Giovanni Boccaccio, Lico della Mirandola i in.), która zwróciła się w stronę dziedzictwa antyku. Założycielem szkoły florenckiej w okresie protorenesansu był Giotto, który nadał swoim kompozycjom plastyczną siłę przekonywania i żywą autentyczność.
W XV wieku założycielami sztuki renesansu we Florencji byli architekt Filippo Brunelleschi, rzeźbiarz Donatello, malarz Masaccio, a następnie architekt Leon Battista Alberti, rzeźbiarze Lorenzo Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano, Benedetto da Maiano i inni mistrzowie. W architekturze szkoły florenckiej w XV wieku powstał nowy typ renesansowego pałacu i rozpoczęto poszukiwania idealnego typu budowli świątynnej, odpowiadającej humanistycznym ideałom epoki.
Sztukę piękną szkoły florenckiej XV wieku cechuje fascynacja problematyką perspektywy, dążenie do plastycznej klarownej konstrukcji postaci ludzkiej (dzieła Andrei del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno), a dla wielu swoich mistrzów – szczególna duchowość i intymna kontemplacja liryczna (malarstwo Benozzo Gozzoli, Sandro Botticellego, Fra Angelico, Filippo Lippiego). W XVII wieku szkoła florencka popadła w ruinę.
Dane referencyjne i biograficzne „Small Bay Planet Art Gallery” przygotowano na podstawie materiałów z „Historii sztuki zagranicznej” (pod redakcją M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), „Encyklopedii sztuki zagranicznej sztuki klasycznej”, „Wielkiej Rosji Encyklopedia".
