Obrazy Fridy Kahlo. Frida Kahlo Kahlo, Frida Tragedia w życiu wielkiego artysty

Obrazy meksykańskiej artystki Fridy Kahlo znane są na całym świecie. W naszej dzisiejszej recenzji - pięć jej autoportretów. Artystka alegorycznie przedstawiła na nich swoje wewnętrzne uczucia, ból, przez który musiała przejść, przeżywając dwa trudne wydarzenia - wypadek samochodowy i rozwód z ukochanym mężem Diego Riverą.

Wśród głównych tematów twórczości Fridy Kahlo krytycy sztuki wymieniają: zainteresowanie przodkami i tym, jakim dziedzictwem Frida może pozostawić przyszłym pokoleniom, a także odzwierciedlenie walki z niepłodnością i własną kobiecością. W autoportretach, które rozważymy w naszej recenzji, Frida na nowo zastanawia się nad dwoma kluczowymi wydarzeniami ze swojej biografii: wypadkiem, który przydarzył jej się w młodości i zerwaniem z Diego Riverą.

Autoportret z naszyjnikiem z cierni i kolibrów, 1940 rok

W ciągu swojego życia Frida namalowała 55 autoportretów, z których najbardziej znany to „Autoportret z naszyjnikiem z cierni i kolibrów”. Frida ukończyła ten portret w 1940 roku, dokładnie rok po bolesnym zerwaniu relacji z kochankiem, meksykańskim artystą Diego Riverą. Na obrazie artystka przedstawiła siebie z panterą i małpą. Wybór tych zwierząt wynika między innymi z faktu, że w życiu rodzinnym Frida i Diego trzymali w domu małpy jako zwierzęta domowe. Złe języki powiedziały, że w ten sposób rekompensują nieobecność dzieci.

W centrum uwagi znajduje się ozdoba wykonana z martwej tarniny. Zwiędłe gałęzie owijają się wokół szyi Fridy, powodując jej cierpienie, przebijając jej skórę cierniami. W rzeczywistości Frida wytrwale znosiła proces rozwodowy, więc wybrała taki symbol, aby przekazać wewnętrzne emocje i doświadczenia.

Dwie Fridy, 1939

„Dwie Fridy” to kolejny autoportret namalowany w okresie rozstania z Diego. Wewnętrzny dualizm, doświadczenia znajdują odzwierciedlenie w dwóch zupełnie różnych obrazach kobiet. Po lewej stronie znajduje się dziewczyna o złamanym sercu, ubrana w europejski styl. Po prawej jej antypod: serce ma całe i bije, a ona sama ubrana jest w tradycyjny meksykański strój (Frida wolała takie ubrania po ślubie z Diego).

Zdjęcie pokazuje połączenie dziewcząt: trzymają się za ręce, a także łączy je krwawiąca tętnica. Po lewej stronie Frida zacisnęła naczynie kleszczami medycznymi, po prawej tętnica połączona jest z maleńkim medalionem, na którym przedstawiony jest portret Diego (wielu widzów przeocza ten ważny szczegół).
Ten autoportret jest ilustracją wewnętrznej walki Fridy, ciężkich myśli, które poprzedzały zaakceptowanie rozwodu, pogodzenie się z sytuacją. „Nigdy nie piszę snów ani koszmarów. Piszę własną rzeczywistość” – powiedziała.

Autoportret z obciętymi włosami, 1940

Męski obraz jest podyktowany tymi samymi doświadczeniami miłosnymi. Frida siedzi na żółtym krześle z nożyczkami w rękach, ma krótką fryzurę i ubrana jest w męski garnitur. Wokół niej są ścięte loki. Nad jej wizerunkiem widnieją wersety z meksykańskiej piosenki, które w tłumaczeniu oznaczają: „Spójrz, nawet gdybym cię kochał, to za twoje włosy. Teraz ich nie ma i już cię nie kocham.”

Kahlo, którą jesteśmy przyzwyczajeni do widoku z długimi włosami, latającymi sukienkami i dużą biżuterią, nagle wybrała dla siebie androgyniczny wizerunek. Zdarzyło jej się to już wcześniej, w prawdziwym, a nie fikcyjnym życiu. W młodości Frida często nosiła męskie garnitury, na wczesnych zdjęciach można ją zobaczyć w męskich garniturach, nawet gdy krewni i przyjaciele nosili kobiece sukienki.

Złamana kolumna, 1944

Porównując dwa tragiczne wydarzenia w swoim życiu, Frida przyznała, że ​​rozwód z Diego okazał się czymś gorszym niż katastrofa. W 1925 roku, mając 18 lat, uległa wypadkowi samochodowemu i doznała poważnego urazu kręgosłupa, przez co na długi czas była przykuta do łóżka. Złamana kolumna jest obrazem jej własnego połamanego ciała.

Autoportret był odzwierciedleniem trudów, jakich doświadczyła podczas leczenia. Pęta i metalowa oprawa nawiązują do gorsetu, który trzeba było nosić, do złamanego kręgosłupa. Nagie ciało to także nawiązanie do „szpitalnej przeszłości”, ciągłych badań lekarzy. Frida tworzy wizerunek męczennika, w którego ciało wbija się dziesiątki gwoździ, jest to wyraźne nawiązanie do tradycji malowania ikon i wizerunku ukrzyżowanego Chrystusa.

W 1929 roku Kahlo maluje obraz „Autobus”. To wspomnienia tego, co widziała sekundę przed incydentem. Pamięć artysty zachowała ten ekscytujący moment.

Ranny jeleń, 1946

Autoportret, w którym Frida przedstawiła się jako jeleń, którego ciało przebijają strzały, tematycznie jest zbliżony do płótna „Złamana kolumna”. Jest to refleksja nad doświadczanym bólem emocjonalnym i fizycznym, który towarzyszył procesowi długotrwałej rehabilitacji.

Wybór zwierzęcia wynika z faktu, że Frida miała jelenia o imieniu Graniso. Na pierwszym planie obrazu widać złamaną gałąź, obraz powracający w meksykańskim dyskursie pogrzebowym. Oczywiście jeleń na zdjęciu jest skazany na śmierć. W tym okresie stan zdrowia Fridy znacznie się pogorszył, wdała się w nią gangrena, konieczna była amputacja, stale odczuwała ból w całym ciele.

Obydwa obrazy – zarówno „Ranny jeleń”, jak i „Złamana kolumna” – zostały namalowane w tradycji chrześcijańskiego malarstwa ikonowego. Według Biblii św. Sebastian został postrzelony strzałami, a historia jego męczeństwa na przestrzeni wieków inspirowała wielu artystów.

Frida Kahlo zmarła w 1954 r. Ku pamięci niej powstały obrazy, które do dziś zachowują jej przeżycia, niewypowiedziany ból, odkrywają przed nami wewnętrzny świat tej nieskończenie utalentowanej artystki.

Historia miłosna jest niesamowitym przykładem tego, jak kochająca osoba, nawet cierpiąca z powodu bólu fizycznego, wie, jak na pierwszym planie postawić nie własne doświadczenia, ale uczucia do drugiej osoby.

« Surrealizm jest magiczną niespodzianką, kiedy
Na pewno znajdziesz go w szafie
koszule, a tam znajdziesz lwa.»

Frida Kahlo to bodaj najbardziej kontrowersyjna i ikoniczna postać w Meksyku, której obrazy są do dziś kochane i wysoko cenione. Jako zagorzała komunistka, zawzięcie przeklinająca i ekscentryczna artystka, która uwielbiała palić, pić tequilę i zachować pogodę ducha, Kahlo była i będzie przykładem silnej kobiety. Dziś symulakry jej obrazów sprzedają się w milionach egzemplarzy, a każdy wielbiciel jej twórczości stara się zawładnąć choć jednym autoportretem, aby z dumą powiesić go na ścianie i zachwycać oczy przenikliwym pięknem.

Frida Kahlo, uznana przez André Bretona za najwybitniejszych surrealistów swoich czasów, zdobyła uznanie i miłość innych artystów. Umiejętnie wcieliła swoją fascynującą biografię, której towarzyszy śmierć, na białe płótno innego, fikcyjnego życia. Być artystą wydarzeń swojego życia oznacza być odważnym obserwatorem, który nie może płakać, pisarzem, który pisze z siebie bohatera wyśmiewanego przez naturę, a w końcu tylko obcego przedmiotu w jego oczach, pełnego życia. Frida Kahlo bez cienia wątpliwości była taką osobą. Artystka ze spojrzeniem pełnym autentycznej walki i pozbawiona strachu często spoglądała na swoje odbicie w pochmurnym lustrze, a następnie pociągnięciem pędzla odtwarzała samotność i cierpienie ukryte w głębi duszy. Białe płótno płótna to nie tylko narzędzie do malowania, to rodzaj klatki, w której Frida uwięziła swój nieznośny ból straty, wieczną utratę zdrowia, miłości i sił, pozbywając się jej raz na zawsze, jak znudzone dziecko. Choć nie, nie na zawsze, ale tylko na jakiś czas... Aż do zamkniętych drzwi jej domu zapukał nowy kłopot.

Przeglądając krótką biografię tej kobiety, oblicze śmierci przebija pory radości i śmiechu. Niestety za dostojną postacią Fridy Kahlo niezmiennie piętrzył się wyblakły cień nieszczęścia. Czasem śmierć wydawała dźwięki swoimi ognistymi krakersami, by zastraszyć, czasem uśmiechała się szeroko, czując swoje zwycięstwo, a czasem nawet zakrywała oczy kościstymi dłońmi, obiecując szybki koniec. Nic dziwnego, że nurtujące artystkę tematy bólu, rozdzierającej agonii, a nawet kultu śmierci znajdują odzwierciedlenie w jej wczesnych i późniejszych pracach.

A skoro echo tego tematu jest wszechobecne w obrazach Kahlo, to na własne ryzyko i ryzyko, w obawie przed zarażeniem się trującymi oparami, dotkniemy bolesnej sztuki, zawsze prowokowanej smutnymi wydarzeniami, które niegdyś przerwały życie Meksykanina artysta o „do” i „po”.

Zaczynając z daleka

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderon urodziła się 6 lipca 1907 roku w małym miasteczku Coyocan, wówczas na dawnych przedmieściach Meksyku, i była trzecią z czterech córek Matyldy i Gilmero Kahlo. Matka artystki była pochodzenia meksykańskiego, w jej przodkach można było dostrzec indyjskie echa. Ojciec był Żydem o niemieckich korzeniach. Przez większość życia pracował jako fotograf, wykonując zdjęcia do różnych publikacji i magazynów. Namiętnie kochając swoje córki i nie pozbawiając żadnej uwagi, ostatecznie Gilmero przede wszystkim wpłynął na kształtowanie się gustów i postawy Fridy, której los był znacznie gorszy niż pozostałych sióstr.

« Pamiętam, że miałem cztery lata, gdy wydarzyło się „tragiczne dziesięć dni”. Widziałem na własne oczy bitwę chłopów z Zapaty z Carrancimi.»

Tymi słowami przyszła artystka opisała w swoim osobistym pamiętniku swoje pierwsze wspomnienie o Decenie Tragica („tragiczne dziesięć dni”). Dziewczynka miała zaledwie cztery lata, gdy wokół jej dzieciństwa wybuchła rewolucja, która z łatwością pochłonęła dziesiątki tysięcy istnień ludzkich. Świadomość Fridy mocno wchłonęła krwawego ducha rewolucyjnego ducha, z którym później przeżyła swoje życie, a zapach śmierci przesiąknął wszystko na wskroś, odbierając dziewczynie jakąś dziecinną, dziecinną beztroskę.

Kiedy Frida kończy sześć lat, pierwsze nieszczęście wpływa bezpośrednio na jej los. Choruje na polio, które bezlitośnie więdnie jej prawą nogę, barbarzyńsko przykutą do łóżka. Pozbawiona możliwości zabaw i igraszek z resztą dzieci na podwórku, Frida przeżywa pierwszą traumę psychiczną i liczne kompleksy. Po ciężkim przebiegu choroby, która stawiała pod znakiem zapytania dalsze życie dziewczynki, prawa noga pozostała cieńsza od lewej, pojawił się chromian, który nigdzie nie zniknął aż do końca jej dni. Dopiero później Kahlo nauczyła się ukrywać swoją małą wadę pod długim rąbkiem spódnicy.

W 1922 roku wśród trzydziestu pięciu dziewcząt z dwóch tysięcy uczennic Frida Kahlo uczęszcza do Państwowej Szkoły Przygotowawczej, zamierzając w przyszłości studiować na uniwersytecie medycynę. W tym okresie podziwia Diego Riverę, który pewnego dnia zostanie jej mężem i będzie katalizatorem wielu kryzysów psychicznych i cierpień fizycznych.

Wypadek

Nieprzyjemne wydarzenia, które miały miejsce w przeszłości, jak się okazało, były jedynie łatwym przygotowaniem do trudniejszych prób, jakie spotkały kruchą dziewczynę.

17 września 1925 roku, wracając ze szkoły, Frida Kahlo i jej przyjaciel Alejandro Gomez Arias wsiedli do autobusu jadącego do Coyocan. Pojazd stał się symbolem definiującym. Jakiś czas po odjeździe doszło do strasznego wypadku: autobus zderzył się z tramwajem, kilka osób zginęło na miejscu. Frida doznała wielu obrażeń na całym ciele, tak poważnych, że lekarze wątpili, czy dziewczynka przeżyje i czy będzie mogła w przyszłości prowadzić normalne, zdrowe życie. Najgorszym rokowaniem była śmierć. Najbardziej optymistyczny przewidywał – wyzdrowieje, ale nie będzie mogła chodzić. Tym razem śmierć nie bawiła się już w chowanego, lecz stanęła nad wezgłowiem szpitalnego łóżka, trzymając w dłoniach czarny całun zakrywający głowę zmarłego. Ale zahartowana chorobami z dzieciństwa Frida Kahlo przeżyła. Wbrew wszystkiemu. I znów stanęła na nogi.

To właśnie to fatalne wydarzenie stało się w przyszłości podatnym gruntem do pierwszych dyskusji na temat śmierci i interpretacji jej obrazu w obrazach Fridy.

Zaledwie rok później Frida wykonuje szkic ołówkiem, nazywając go „Wypadkiem” (1926), w którym krótko szkicuje katastrofę. Zapominając o perspektywie, Kahlo w sposób rozproszony maluje scenę zderzenia autobusu w najwyższym narożniku. Linie rozmazują się, tracą równowagę, przypominając kałuże krwi, bo rysunek jest czarno-biały. Zmarli są przedstawiani jedynie z sylwetki, nie mają już twarzy. Na pierwszym planie, na noszach Czerwonego Krzyża, leży zabandażowane ciało dziewczynki. Jej własna twarz unosi się nad nim i patrzy na to, co się dzieje, z wyrazem zaniepokojenia.

W tym szkicu, który nie jest jeszcze podobny do żadnego ze znanych nam dzieł, śmierć nie zyskuje pełni, obrazu wygenerowanego przez świadomość Fridy. Daje się to odczuć jedynie poprzez unoszącą się w powietrzu, zasmuconą twarz ducha, jakby wyznaczającą granicę między życiem a śmiercią.

Ten rysunek jest jedynym wizualnym dowodem tego wypadku. Po przeżyciu tego tematu artystka już nigdy nie podejmowała tego tematu w swoich późniejszych pracach.

Na przykład

21 sierpnia 1929 roku Frida Kahlo i wspomniany już muralista Diego Rivera pobierają się. W 1930 roku Frida przeżywa straszliwą stratę, która zmienia jej podejście do życia: jej pierwszą ciążę przerywa poronienie. Po urazach kręgosłupa i miednicy podczas wypadku dziewczynie trudno jest urodzić dziecko. W tym czasie Rivera otrzymuje zlecenia pracy w Stanach Zjednoczonych, a w listopadzie para przeprowadza się do San Francisco.

Reszta szczegółów życia towarzyskiego dwóch wybitnych artystów już nas raczej nie interesuje, przejdźmy więc do czasu, kiedy na płótnach Fridy znów z okrucieństwem rozkwitają motywy bólu i rozpaczy.

latające łóżko

W 1932 roku Frida i Diego jadą do Detroit. Kahlo z radością przyszłej matki odkrywa, że ​​jest w ciąży i ma oczywiście nadzieję na jak najlepsze rozwiązanie jej sytuacji. Daje się odczuć strach przed pierwszym nieudanym łożyskiem. Niestety los zdecydował inaczej. 4 lipca tego samego roku Frida poroniła. Lekarze stwierdzają, że dziecko zmarło w łonie matki i konieczna jest aborcja.

Tonąc we łzach i przygnębieniu, leżąc na szpitalnym łóżku, Frida maluje obraz przypominający obrazy wotywne. Artystka wykazuje niesamowitą umiejętność łączenia faktów biograficznych ze swojego życia i fantazji. Rzeczywistość jest przekazywana nie tak, jak wielu ją widzi, ale inną, modyfikowaną przez zmysły percepcji. Świat zewnętrzny zostaje zredukowany do najistotniejszych elementów.

Na obrazie widzimy małą, bezbronną postać Fridy, leżącą na ogromnym łóżku pośrodku rozległej równiny. Łóżko jakby zaczyna poruszać się w pustej przestrzeni, chcąc oderwać się od ziemi i zabrać bohaterkę do innego świata, gdzie nie ma już bolesnych prób męstwa. Frida jest na skraju śmierci, pod jej kroczem widoczna jest duża plama ciemnobrązowej krwi, a jej oczy zachodzą łzami. I znowu, gdyby nie lekarze, Frida mogłaby umrzeć. Równina stwarza poczucie samotności i bezradności, tylko wzmagając chęć wcześniejszej śmierci. Ukazany w oddali pejzaż o charakterze przemysłowym potęguje obraz opuszczenia, zimna, zagubienia i obojętności ludzi z zewnątrz.

Dłoń Fridy jakby niechętnie trzyma skrzep czerwonych nitek, przypominający żyły lub tętnice. Każdy koniec nici jest przywiązany wolnym węzłem do przedmiotu, który ma określone znaczenie. W prawym dolnym rogu znajdują się delikatne kości miednicy - przyczyna nieudanej ciąży i aborcji. Następny jest blaknący kwiat jasnofioletowego koloru. Jak wiadomo, w niektórych kulturach fiolet jest kolorem śmierci. W tym przypadku może symbolizować wyczerpanie życia, jego matowe kolory i rzadkie przebłyski szczęścia. Z dolnego rzędu wyróżnia się jedynie metalowy przedmiot przypominający silnik. Najprawdopodobniej służy jako kotwica utrzymująca łóżko w stanie stacjonarnym. Płód jest przedstawiony w górnej środkowej części. Ma zamknięte oczy – nie żyje. Nogi są złożone w pozycji lotosu. Po prawej stronie zdjęcia znajduje się ślimak, który ma uosabiać powolność czasu, jego długość i cykliczność. Po lewej stronie manekin przedstawiający ludzki tors na stojaku, ilustrujący podobnie jak miednica uszkodzone kości kręgosłupa, które nie pozwalają matce prowadzić pełni życia.

W ogólnym nastroju pracy panuje chęć pozbycia się cierpienia spowodowanego czasem i życiem. Wygląda na to, że Frida uwolni się od tych cienkich nitek i jej łóżko powoli odleci do innych światów, unoszone coraz dalej przez sam wiatr.

Co ciekawe, w przyszłości nad łóżkiem Fridy wisi więcej niż jeden meksykański szkielet – co będzie przypomnieniem o śmiertelności każdego człowieka. Pamiętaj o śmierci.

Tylko kilka zastrzyków

W 1935 roku Frida tworzy tylko dwie prace, z których „Tylko kilka ukłuć” szczególnie szokuje widza swoim krwawym okrucieństwem.

Obraz jest wizualną paralelą do doniesienia prasowego o kobiecie zamordowanej przez męża w przypływie zazdrości.

Podobnie jak większość prac Fridy Kahlo, tę pracę należy postrzegać w świetle osobistych okoliczności. W przeddzień artysty amputowano kilka palców u nóg. Relacje z Riverą w tym okresie były trudne i zagmatwane, więc Frida bez wątpienia mogła znaleźć ulgę jedynie w symbolice własnego obrazu.

Rivera, który od ślubu pozostawał w stosunkach seksualnych z niezliczoną liczbą dziewcząt, tym razem zainteresował się siostrą Fridy, Christiną.

Głęboko zraniona tym stanem rzeczy Frida Kahlo opuściła dom rodzinny.

Obraz „Tylko kilka zastrzyków” można rozumieć jako sposób myślenia artysty. Ciało, ponownie leżące na łóżku, od dawna zostało zabite zimnym narzędziem – nożem. Cała podłoga pokoju jest zalana krwią, ramię kobiety jest bezradnie odrzucone do tyłu. Należy założyć, że Frida na wzór głównej bohaterki ucieleśniała śmierć własnego złamanego ducha, który nie chce już walczyć ze zdradami rozwiązłego męża. Rama, w którą ubrane jest płótno, również jest pomalowana „kroplami” krwi.

To jeden z nielicznych obrazów, na którym śmierć ukazana jest w jej bezpośrednim znaczeniu, bez ukrywania się pod warstwą obrazów i symboli.

Samobójstwo Dorothy Hale

W 1933 roku para przeniosła się do Nowego Jorku, gdzie Rivera namalował swój monumentalny panel w Rockefeller Center. W 1938 roku Claire Booth Lucy, wydawca magazynu o modzie Vanity Fair, zamówiła obraz u Fridy Kahlo. Zmarła jej przyjaciółka Dorothy Hale, którą Frida również znała
z nim w październiku tego samego roku.

Oto jak sama Claire wspomina ten ciąg wydarzeń:

« Niedługo potem poszłam do galerii na wystawę malarstwa Fridy Kahlo. Sama wystawa była pełna ludzi. Kahlo przeszła do mnie przez tłum i od razu zaczęła opowiadać o samobójstwie Dorothy. Nie tracąc czasu, Kahlo zaproponowała, że ​​zrobi portret Doroty. Nie mówiłem wystarczająco dobrze po hiszpańsku, aby zrozumieć, co oznacza słowo recuerdo (pamięć - w przybliżeniu). Myślałam, że Kahlo namaluje portret Doroty podobny do jej autoportretu (dedykowanego Trockiemu), który kupiłem w Meksyku. I nagle pomyślałam, że portret Doroty, stworzony przez znajomą sławną artystkę, mogłaby chcieć mieć jej biedna matka. Tak powiedziałem i Kahlo pomyślała to samo. Zapytałem o cenę, Kahlo podała cenę i powiedziałem: „Wyślij mi portret, kiedy skończysz. Potem wyślę to matce Dorothy.»

Tak więc pojawił się obraz „Samobójstwo Dorothy Hale”. Jest to odtworzenie prawdziwego wydarzenia w formie starego obrazu wotywnego. Dorothy Hale wyskoczyła z okna swojego mieszkania. Podobnie jak fotografia poklatkowa, Frida Kahlo rejestruje różne pozycje ciała jesienią, a samo zwłoki, już martwe, umieszczone są poniżej, na pierwszym planie. Historię wydarzenia ujęto krwistoczerwonymi literami w poniższym napisie:

« W Nowym Jorku 21 października 1938 roku o szóstej rano pani Dorothy Hale popełniła samobójstwo rzucając się przez okno. Na jej pamiątkę Frida Kahlo stworzyła to retablo».

W przeddzień samobójstwa nieudana aktorka, zmuszona żyć dzięki hojności przyjaciół, zaprosiła przyjaciół do siebie, ogłaszając, że wybiera się w długą, ciekawą podróż i z tej okazji urządza przyjęcie pożegnalne .

Zainspirowana tą historią Frida po mistrzowsku poradziła sobie ze swoim zadaniem, ponieważ najwyraźniej poczuła w tym kulminacyjnym akcie echo czegoś rodzimego. To prawda, że ​​​​klientowi nie podobała się interpretacja portretu swojej dziewczyny. Claire Booth Lucy powiedziała, kiedy otrzymała gotowe dzieło w swoje ręce: „Nie nakazałabym, aby nawet zaprzysiężony wróg był tak zakrwawiony, a tym bardziej moja nieszczęsna dziewczyna”.

Sen lub łóżko

W 1940 roku Frida leczy się u doktora Eloessera w San Francisco. W tym samym roku artysta ponownie wychodzi za mąż za Diego Riverę.

Zmęczona bólami pleców, miednicy i nogi Frida Kahlo coraz częściej zwraca się w malarstwie do motywów własnego zniknięcia. Potwierdzeniem jest kolorowy obrazek zatytułowany „Sen, czyli łóżko”.

Postać leżąca na baldachimie łóżka to wizerunek Judasza. Takie postacie są zwykle wysadzane w powietrze na meksykańskich ulicach w sobotę wielkanocną, ponieważ wierzy się, że zdrajca znajdzie zbawienie przez samobójstwo.

Uważając się za zdrajczynię własnego życia, Frida przedstawia swoje ciało jako ponownie śpiące. Ale jej twarzy nie zniekształca grymas cierpienia. Emanuje spokojem i wyciszeniem – czymś, czego tak bardzo brakuje w codziennym życiu meksykańskiego artysty. Przykryta żółtym kocem, jej głowa z luźnymi włosami jest spleciona z arabeską roślin. Unosząc się w chmurach, ten Judasz pewnego dnia eksploduje i wtedy nadejdzie koniec wszystkiego, co ciężkie i śmiertelne, dokona się akt czystości – upragnione samobójstwo.

Myślenie o śmierci

W 1943 roku Frida Kahlo została mianowana profesorem w szkole artystycznej „La Esmeralda”. Niestety po kilku miesiącach ze względów zdrowotnych zmuszona jest prowadzić zajęcia w domu w rodzinnym Koyokanie.

Według wielu to właśnie to wydarzenie skłoniło artystę do namalowania autoportretu „Myśląc o śmierci”. Nie chcąc siedzieć zamknięta w domu, jak to miało miejsce wcześniej, gdy Frida była bardzo chora, Kahlo często nawiedzają myśli o śmierci.

Według starożytnych meksykańskich wierzeń śmierć oznacza jednocześnie nowe życie i narodziny, czyli dokładnie to, czego Fridzie już brakowało. Na tym autoportrecie śmierć ukazana jest na szczegółowym ogólnym tle złożonym z ciernistych gałęzi. Kahlo zapożycza ten symbol z mitologii przedhiszpańskiej, poprzez którą wskazuje na odrodzenie po śmierci. Bo śmierć jest drogą do innego życia.

Viva la Vida

W 1950 roku Frida przechodzi 7 operacji kręgosłupa. Całe dziewięć miesięcy spędziła w szpitalnym łóżku, co stało się już codziennością. Nie było wyboru – artysta pozostał na wózku inwalidzkim. Los nadal prezentował swoje podstępne dary. Na rok przed śmiercią, w 1953 roku, amputowano jej prawą nogę, aby zapobiec rozwojowi gangreny. W tym samym czasie w Meksyku, w jej ojczyźnie, otwarto pierwszą indywidualną wystawę, która wchłonęła wszystkie owoce bólu.
i testy. Frida nie mogła dotrzeć na otwarcie, opierając się na własnych siłach, pod wejście zawiozła ją karetka. Jak zawsze pozostała pogodna, artystka w jednej ręce trzymała papierosa, w drugiej kieliszek ulubionej tequili.

Tydzień przed śmiercią Frida Kahlo namalowała swój ostatni obraz „Niech żyje życie”. Jasna martwa natura odzwierciedlająca stosunek Fridy do życia i śmierci. I pomimo bólu, nawet w godzinie śmierci, Kahlo wybrała życie.

Frida Kahlo zmarła w domu, w którym się urodziła, w wieku 47 lat.

Oczywiście w powyższym opisie nie wszystkie obrazy i panele, w ten czy inny sposób nawiązujące do tematu śmierci, zwracają uwagę widza. To tylko niewielka część tego, co zostało napisane. Ale nawet dzięki sześciu opisanym tutaj obrazom można pokrótce zorientować się w osobowości i życiu wspaniałej meksykańskiej artystki Fridy Kahlo, która niosła na ramionach ból i odwagę, z odwagą wspięła się na Kalwarię życia .

W muzeum „niebieski dom”. Frida Kahlo w Meksyku można zobaczyć jej miejsce pracy: stół, pędzle, farby, lustro. „Wszystkie jej obrazy to selfie” – żartują turyści, ponieważ większość prac to autoportrety.

Praca Kahlo to pamiętnik, w którym artystka bez wahania praktycznie wywraca swoją duszę na lewą stronę.

W autoportretach Fridy – nieustanny ból kręgosłupa, zdrada męża, słynnego artysty Diego Rivery(która nie tylko bez przerwy zdradzała Fridę, ale nawet udało jej się zdradzić ją z własną siostrą), niemożność zostania matką (ze względu na zły stan zdrowia wszystkie jej ciąże kończyły się poronieniami lub aborcjami), utratę nogi i poczucie bliskości śmierci. Niemniej jednak ludzie, którzy znają Fridę, pamiętają: osoby bardziej zakochanej w życiu trzeba było szukać na świecie.

W wieku 6 lat Frida zachorowała na polio, w wyniku czego jedna noga stała się krótsza od drugiej, pojawiła się kulawizna. Ale Kahlo była zdeterminowana udowodnić, że nie jest gorsza od innych: pomimo ciągłego bólu zajmowała się boksem, piłką nożną i pływaniem. Na co dzień chowała nogi w długich spódnicach.

Źródło: domena publiczna

W wieku 15 lat została wybrana do jednej z najlepszych szkół w Meksyku, z zamiarem studiowania medycyny. W tym samym czasie zaczęła malować, poznała artystę Diego Riverę, który malował ściany szkoły. Rivera stała się główną miłością jej życia. Brzydki, pulchny mężczyzna, 20 lat starszy od Fridy, miał jakiś hipnotyczny urok i po prostu doprowadzał kobiety do szaleństwa: Kahlo nie mogła się oprzeć. Zdecydowanie zdecydowała, że ​​​​zostanie jego żoną. Dla Diego była kolejną zakochaną w nim uczennicą.

17 września 1925 roku życie Fridy zmieniło się raz na zawsze. W typowy dzień wsiadła wraz z koleżanką do zwykłego meksykańskiego autobusu (bardzo „cienkiego”, z drewnianymi ścianami) i poszła załatwiać swoje sprawy. Autobus zderzył się z trolejbusem. Z pasażerów najbardziej ucierpiała Frida: jedna z poręczy praktycznie przebiła dziewczynę na wskroś, uszkodziła kręgosłup, przebiła kość miednicy i złamała jej nogi w kilku miejscach.

Źródło: domena publiczna

Lekarze ze szpitala, do którego przywieziono kaleką Fridę, byli pewni, że nie pożyje długo. Ale Frida jest przyzwyczajona do walki od dzieciństwa. Nie umarła, a nawet powoli wracała do zdrowia. Unieruchomiona, gdyż większość jej ciała była spętana gipsem, mogła poruszać ramionami, a wtedy rodzice przynieśli jej farby, pędzle i płótno. Oraz lustro. Frida namalowała własny gips, a następnie namalowała swój pierwszy autoportret. Dlaczego się przedstawiła? Bo w tamtym momencie jej świat zawęził się do szpitalnego łóżka i własnego ciała. „Jestem tematem, który znam najlepiej” – powie później artysta.

Frida stopniowo zaczyna znów chodzić, dużo rysuje. Lubi ideologię komunistyczną – w tamtych latach w Meksyku ten trend był niezwykle modny. Na jednej z imprez Frida ponownie spotkała Diego Riverę, tego samego artystę, którego obiecała poślubić jeszcze przed wypadkiem. Diego był pijany, skandaliczny i czarujący. Poza tym zagorzały komunista – Rivera był wówczas sekretarzem Meksykańskiej Partii Komunistycznej. Frida robiła wszystko, żeby zwrócić na siebie uwagę. I wkrótce została jego kochanką, a potem żoną. Nazwała tę miłość jedną z dwóch katastrof w swoim życiu. Pierwsza to ten sam wypadek.

Źródło: domena publiczna

Małżeństwo Rivery i Kahlo nie było łatwe – Diego nieustannie oszukiwał, choć przysięgał żonie miłość. Nawet na weselu Frida była zmuszona znosić obecność kilku swoich byłych kochanek. Artysta nigdy nie ukrywał swoich zdrad i nigdy za nie nie przepraszał.

Komunistyczny Rivera zostaje zaproszony do pracy w USA, a Frida jedzie z nim. Kilka lat spędzonych w kraju kapitalistycznym tylko ugruntowało jej pasję do komunizmu. A Frida coraz głębiej zanurza się w kulturę narodową – pisała w sposób bliski sztuce ludowej Meksyku, a życie za granicą jeszcze bardziej przybliżało ją do tradycji narodowych.

Źródło: domena publiczna

Frida zaczyna zbierać zabytki starożytnej kultury meksykańskiej. A długa spódnica z narodowym motywem od dawna stała się jej znakiem rozpoznawczym. Przecież tak dobrze ukrywała obrażenia odniesione przez artystkę.

Źródło: domena publiczna

Krytycy docenili przemianę Kahlo – o Fridzie zaczęli rozmawiać na całym świecie.

W 1937 roku, kiedy Frida i Diego wrócili już do Meksyku, udzielili schronienia zhańbionym Leon Trocki. Obaj podziwiali „trybuna rewolucji rosyjskiej”. Według plotek wybuchł nawet romans między Kahlo i Trockim, ale praktycznie nie ma dowodów na tę historię. Nie ma bowiem dowodów na udział Fridy w śmierci Trockiego – ale takie pogłoski pojawiały się okresowo.

Frida wiedziała, jak oczarować: według wspomnień jej współczesnych, pomimo niemal ciągłego bólu i nowych i nowych operacji niezbędnych do utrzymania zdrowia, uwielbiała żartować, bawić się, śmiać się aż do wyczerpania, urządzać imprezy , piłem, paliłem i wcale nie starałem się stosować do zaleceń lekarzy. Smutek, tęsknota, niespełnione nadzieje – to wszystko pozostawiła swoim obrazom.

Źródło: domena publiczna

Kahlo marzyła o dziecku, ale zły stan zdrowia nie pozwolił jej przetrwać i urodzić. Frida pisze o sobie w szpitalnym łóżku, a na zewnątrz – latające, ale połączone z nią pępowiną – znajdują się nienarodzony zarodek, połamane kości miednicy, zwiędły kwiat i inne przedmioty symbolizujące dla niej niemożność macierzyństwa.

Autoportrety.
Dlatego umieszczając tutaj wszystkie autoportrety Kahlo z mojej kolekcji reprodukcji, po prostu „kropkuję” przebiegnę jej życie, przytaczając te fakty i wersety dotyczące samych autoportretów, które uznałem za interesujące.

Frida Kahlo
Frida Kahlo
Pełne imię i nazwisko - Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderon

Frida Kahlo (zdjęcie)

Meksykańska artystka, żona malarza Diego Rivery.
Styl Fridy Kahlo łączy w sobie elementy surrealizmu i meksykańskiej sztuki ludowej.
W wieku osiemnastu lat, 17 września 1925 roku uległa wypadkowi samochodowemu: jej autobus zderzył się z tramwajem, a złamany żelazny pręt odbieraka prądu tramwajowego utkwił jej w brzuchu i wyszedł w pachwinie, miażdżąc biodro kość. Dziewczyna doznała licznych obrażeń i złamań, musiała spędzić około roku w szpitalu.

Autoportret Fridy Kahlo, 1922

Frieda nudziła się w szpitalu i poprosiła ojca, aby przyniósł pędzel i farby. Dla Fridy wykonano specjalne nosze, dzięki którym mogła pisać na leżąco. Pod baldachimem łóżka przymocowano duże lustro, aby Frida mogła się widzieć. Zaczęła od autoportretów, które stały się głównym tematem jej twórczości.
Frida na licznych autoportretach przedstawiała swoje cierpienia fizyczne i przeżycia emocjonalne (jedną z przyczyn była niemożność posiadania dzieci).

Na styl pierwszych portretów (np. „Autoportret w aksamitnej sukience”, 1926) wpłynął portret meksykański XIX wieku, wywodzący się z europejskiej sztuki pięknej.

Frida Kahlo Autoportret w aksamitnej sukni 1926 Alejandro Gomez Aries, kolekcja Meksyk, miasto

Lata 30. XX wieku

Kahlo namalowała w swoim życiu 142 obrazy, w tym 55 autoportretów.
Sama artystka tłumaczyła to tak: „Maluję siebie, bo dużo czasu spędzam sama i dlatego, że jestem tematem, który znam najlepiej”.
Mówiła o sobie jako o kobiecie, która „sama urodziła”.
W ciągu następnych trzydziestu lat Frida przeszła 32 operacje, a problemy zdrowotne pozostały z nią do końca życia.

W 1928 roku pokazała swoje prace czcigodnemu już artyście Diego Riverze.
„Było dla mnie oczywiste, że ta dziewczyna jest urodzoną artystką” – powie czcigodna artystka.
Pobrali się w następnym roku. Małżeństwo nie było bezchmurne: oboje byli porywczy, z gorącym południowym temperamentem.
Para spędziła 4 lata w USA, gdzie Diego wykonał polecenie, a Frida miała kilka nieudanych ciąż.
Po drugim poronieniu namalowała „Szpital Henry'ego Forda” (1932).

Szpital Fridy Kahlo Henry'ego Forda, 1932 r

Ślimak unosi się nad wezgłowiem łóżka. Jest to symbol powolnego przebiegu nieudanej ciąży. Fioletowa orchidea, przedstawiona pośrodku pod łóżkiem, została przyniesiona Friedzie przez Diego w szpitalu. Choć motywy obrazu zostały przedstawione starannie i szczegółowo, kompozycja jako całość unika realistycznego podobieństwa do rzeczywistości.
Dla Fridy o wiele ważniejsze jest przekazanie stanu emocjonalnego niż uchwycenie prawdziwej sytuacji. Przedstawiała rzeczywistość nie taką, jaką ją widziała, ale taką, jaką ją czuła.

Autoportrety służyły Fridzie jako sposób wyrażania emocji, przeżyć i bólu – zarówno fizycznego, jak i psychicznego.
Te bardzo osobiste obrazy odzwierciedlają stan jej umysłu i świat wewnętrzny.
Na autoportretach Kahlo często pojawia się z tej samej perspektywy. Jej twarz z grubymi ciemnymi brwiami często przypomina maskę. Ponadto malowała siebie zarówno w pełnym rozwoju, jak i w fikcyjnym, surrealistycznym otoczeniu.

Autoportret Fridy Kahlo, 1930, Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie
Frida Kahlo Frida i Diego Rivera 1931 Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco
Frida Kahlo Autoportret na granicy Meksyku i Stanów Zjednoczonych 1932 Kolekcja Manuela Reyero Nowy Jork

W „Autoportrecie na granicy Meksyku i Stanów Zjednoczonych” (1932) Frida wyraziła swoje poglądy i przemyślenia z tego okresu, swój stosunek do Ameryki, ukazała izolację od ojczyzny.
Stoi jak posąg na piedestale, na granicy dwóch różnych światów.
Po lewej stronie krajobraz starożytnego Meksyku, gdzie rządzą siły natury i naturalne cykle życia. Po prawej stronie widzimy krajobraz Ameryki Północnej, gdzie króluje technologia.
Frida w jednej ręce trzyma meksykańską flagę, a w drugiej papierosa. Chmury na meksykańskim niebie odbijają się echem kłębów dymu unoszącego się z kominów fabryk Forda, a bujna roślinność po lewej stronie ustępuje miejsca wzorom urządzeń elektrycznych po prawej, których przewody zamieniają się w korzenie wysysające energię z ziemi. A Frida jest rozdarta pomiędzy tymi dwoma przeciwieństwami.

Frida Kahlo Frida na sali operacyjnej, 1932 rok
Frida Kahlo Moja pielęgniarka i ja, 1937
Wspomnienie Fridy Kahlo 1937

Autoportrety Fridy Kahlo pomogły jej w wyrobieniu sobie wyobrażenia o sobie, znalezieniu drogi do samowiedzy. Twarz artysty prawie zawsze nie wyraża uczuć i nastroju. Jej prace należy traktować jako metaforyczne podsumowania konkretnych doświadczeń. Swoje techniki czerpie z meksykańskiej sztuki ludowej i kultury prekolumbijskiej.

Autoportret Fridy Kahlo z koralikami, 1933, kolekcja Gelman, Meksyk
Autoportret Fridy Kahlo z Kamą 1937, kolekcja Gelman, USA
Frida Kahlo Autoportret w liście do Leona Trockiego 1937 Muzeum Narodowe Kobieta w sztuce USA

Frida Kahlo na żadnym autoportrecie się nie uśmiecha: twarz poważna, wręcz żałobna, zrośnięte, gęste brwi, lekko zauważalny wąsik nad mocno zaciśniętymi zmysłowymi ustami.
Idee jej obrazów są zaszyfrowane w szczegółach, tle, postaciach pojawiających się obok Fridy. Symbolika Kahlo opiera się na tradycjach narodowych i jest ściśle związana z mitologią indyjską okresu przedhiszpańskiego, gdyż Frida doskonale znała historię swojej ojczyzny.

Frida Kahlo Autoportret z małpą 1938 Albrecht Knox de Buffalo Gallery Nowy Jork
Frida Kahlo Autoportret 1938 Narodowe Muzeum Sztuki Nowoczesnej Centrum Georges Pompidou Paryż
Autoportret Fridy Kahlo z psem, 1938, kolekcja prywatna

Po powrocie do Meksyku pod koniec 1933 roku między Kahlo i Riverą doszło do poważnego konfliktu dotyczącego licznych romansów tego ostatniego.
Frida istniała na skrzyżowaniu ras, płci i seksualności. Urodziła się dla białego ojca – węgierskiego Żyda pochodzącego z Niemiec i Meksykanina mieszanej krwi, w tym Hindusa. Frida określiła siebie jako rasową i seksualną „metyzę” – mestiza.
W 1935 roku Kahlo opuściła wspólny dom. W 1938 roku rozwiodła się z Riverą.
Jeden z jej autoportretów nazywa się „Dwie Fridy”: meksykańskie i europejskie Fridy na nim są połączone jednym sercem dla dwojga.
Obraz powstał w 1939 roku, po rozwodzie z Diego, w autoportrecie artystka ukazuje swoje przeżycia, stan umysłu opuszczonej kobiety.

Autoportret Fridy Kahlo. Dwie Fridy. 1939 Muzeum Sztuki Współczesnej Meksyk, USA

Tak zdjęcie jest opisane na stronie lookatme.ru(Zauważam, że opisy wielu obrazów pochodzą stąd):

„Ta część jej istoty, którą Diego Rivera szanował i kochał, Meksykańska Frida w tehuańskiej sukience, trzyma medalion z portretem jej męża z dzieciństwa. Obok niej siedzi jej alter ego, Europejka Frida w koronkowej białej sukience. Na wystawie znajdują się serca dwóch kobiet, które łączy tylko jedna cienka tętnica. Wraz ze stratą kochanka Europejka Frida straciła część siebie. Krew kapie ze świeżo przeciętej tętnicy, utrzymywanej w miejscu jedynie zaciskiem chirurgicznym. Istnieje niebezpieczeństwo, że odrzucona Frida wykrwawi się na śmierć.”

Lata 40

W 1939 roku André Breton i Marcel Duchamp zorganizowali w Paryżu wystawę prac Fridy.
Odbyła się w znanej galerii Renu i Colleta, jednak w Europie pachniało już wojną, więc wystawa nie odniosła finansowego sukcesu. Z tego powodu Frida odwołała kolejną wystawę w Galerii Guggenheima w Londynie. Niemniej jednak Autoportret Fridy „Rama” (1937) był pierwszym dziełem meksykańskiego artysty XX wieku zdobytym w Luwrze.
Eksperci uważają, że lata czterdzieste to okres rozkwitu artystki, czas jej najciekawszych i najbardziej dojrzałych dzieł.

Frida Kahlo Son, kolekcja prywatna z 1940 r., Nowy Jork

Frida często malowała się z męską surową miną i przesadnymi wąsami – a jednocześnie w kobiecym stroju i pozie. W młodości ubierała się w męskie ubrania i w tej formie została uwieczniona na kilku portretach rodzinnych. Później zabawę w przebieranki powtórzono podczas rozwodu z Riverą, na obrazie „Autoportret z przyciętymi włosami” (1940), na którym Frida przedstawiła się w męskim garniturze i ze ściętymi włosami, ale w damskich butach i kolczykach, jakby łącząc pierwiastki kobiece i męskie, służąc jako pomost między piętrami.
W „Autoportrecie z przyciętymi włosami” Frida pokazała swoją niezależność, uzyskaną po rozwodzie.

Frida Kahlo Autoportret z obciętymi włosami 1940 Muzeum sztuki nowoczesnej. Nowy Jork
Autoportret Fridy Kahlo z 1940 r., kolekcja Gelmana, USA
Autoportret Fridy Kahlo, 1940
Frida Kahlo Autoportret z listem do doktora Elossera 1940, zbiory prywatne

Frida postanowiła zanurzyć się w pracy. W ciągu następnych kilku lat pojawiło się wiele autoportretów, różniących się jedynie atrybutami, tłem, kolorystyką, poprzez którą wyrażany jest nastrój artysty.

Autoportret Fridy Kahlo z kolibrem, 1940, Muzeum Uniwersytetu Teksasu, USA
Autoportret Fridy Kahlo z warkoczami, 1941, kolekcja Natashy Gelman, Meksyk
Autoportret Fridy Kahlo z moimi papugami, 1941, kolekcja prywatna, Nowy Orlean
Autoportret Fridy Kahlo z 1941 r., kolekcja Gelmana, USA

Autoportret „Korzenie” został namalowany przez Fridę Kahlo w oleju na blasze w 1943 roku, po jej ponownym ślubie z Diego Riverą. W 2006 roku na aukcji Sotheby's w Nowym Jorku obraz został sprzedany za 5,5 miliona dolarów.

Kolekcja Marilyn Lubetkin Frida Kahlo Roots 1943

Autoportret Fridy Kahlo z 1943 r., kolekcja prywatna
Autoportret Fridy Kahlo z małpami, 1943, kolekcja Gelmana, Meksyk
Frida Kahlo Autoportret zamyślonego Diego 1943 Kolekcja Jacoba i Natashy Gelmanów Meksyk
Autoportret Fridy Kahlo. Broken Column 1944 Kolekcja Dolores Olmedo Meksyk

Od 1943 roku Frida rozpoczęła naukę w Szkole Malarstwa i Rzeźby, jednak po kilku miesiącach ze względu na zły stan zdrowia musiała nosić stalowy gorset i prowadzić zajęcia w domu.
Gorset ten stał się centralnym punktem jej autoportretu „Złamana kolumna” (1944).
Krytycy sztuki podają następujący opis przedstawionych:
Ramiączka gorsetu wydają się być jedyną rzeczą, która utrzymuje przełamane na pół części ciała w pozycji pionowej. Kolumna jonowa, rozbita na kilka części, zastępuje uszkodzony kręgosłup. W martwym, popękanym krajobrazie odbija się echem pęknięcie w ciele, które staje się symbolem jej bólu i samotności. Gwoździe wbite w twarz i ciało nawiązują do obrazów męczeństwa św. Sebastiana przeszytego strzałami. Biała tkanina owinięta wokół bioder przypomina Całun Chrystusa. Zapożycza elementy ikonografii chrześcijańskiej, aby nadać swojemu bólowi i cierpieniu szczególnie dramatyczny wyraz.

Frida Kahlo Mała łania. Autoportret. Kolekcja Carolina Farb z 1946 r., Houston, USA

W 1946 roku Kahlo przeszła operację w Nowym Jorku, ale to nie pomogło. Po nieudanej próbie uzdrowienia Kahlo namalowała obraz przedstawiający siebie w postaci jelenia śmiertelnie zranionego strzałami („Ranny jeleń”, 1946).

Autoportret Fridy Kahlo z 1946 r., kolekcja prywatna, Meksyk
Autoportret Fridy Kahlo z luźnymi włosami, 1947, kolekcja prywatna
Frida Kahlo Autoportret 1948 Ze zbiorów prywatnych
Frida Kahlo Diego i ja 1949 Marie Anna Martin Gallery Nowy Jork

Meksykańska artystka Frida Kahlo znana jest nawet tym, którzy są daleko od świata malarstwa. Mało kto jednak zna fabułę jej obrazów i historię ich powstania. Naprawiamy ten błąd publikując materiał o słynnych obrazach artysty.

autoportrety

W dzieciństwie i okresie dojrzewania Frida borykała się z poważnymi problemami zdrowotnymi. W wieku 6 lat zachorowała na polio, a 12 lat później uległa wypadkowi, w wyniku którego długo leżała w łóżku. Wymuszona samotność i wrodzony talent artysty zostały ucieleśnione na wielu płótnach, na których Frida się przedstawiała.

W twórczym dziedzictwie Fridy Kahlo dominują autoportrety. Sama artystka tłumaczyła ten fakt tym, że najlepiej zna siebie i swoje stany, zwłaszcza że będąc sam na sam ze sobą, chcąc nie chcąc, będziesz badał swój wewnętrzny i zewnętrzny świat w najdrobniejszych szczegółach.

Na autoportretach twarz Fridy zawsze ma ten sam zamyślony i poważny wyraz: nie można na niej odczytać żadnych oczywistych oznak emocji i uczuć. Ale głębię przeżyć emocjonalnych zawsze zdradza wygląd kobiety.

Szpital Henry'ego Forda, 1932

W 1929 roku Frida wyszła za mąż za malarza Diego Riverę. Po wyjeździe nowożeńców do Stanów Zjednoczonych Kahlo była w ciąży więcej niż raz. Ale za każdym razem, gdy kobieta traciła dziecko w wyniku wcześniejszych traum, których doświadczyła w młodości. Artystka przekazała swoje cierpienie i upadek emocjonalny na płótnie „Szpital Henry'ego Forda”. Obraz przedstawia łkającą kobietę na zakrwawionym łóżku, otoczoną symbolicznymi elementami: ślimakiem, płód, różowym modelem anatomicznym kobiecego siedziska oraz fioletową orchideą.

Autoportret na granicy Meksyku i Stanów Zjednoczonych, 1932

Kahlo, przedstawiając siebie w centrum płótna, stojącą na granicy Meksyku i Stanów Zjednoczonych, oddała swój zamęt i oderwanie od rzeczywistości. Bohaterka obrazu jest podzielona pomiędzy technologicznym światem Ameryki a naturalną witalnością właściwą Meksykowi.

Lewa i prawa część obrazu to kontrastowa kombinacja: dym z kominów przemysłowych gigantów i jasne, czyste chmury, sprzęt elektryczny i bujna roślinność.

Autoportret „Rama”, 1937

Pierwsza praca artysty, nabyta przez Luwr, po udanej wystawie Fridy Kahlo w Paryżu. Atrakcyjna uroda Meksykaniny, spokojna, zamyślona twarz otoczona wzorem ptaków i kwiatów, różnorodna kolorystyka - kompozycja tego płótna uważana jest za jedną z najbardziej harmonijnych i oryginalnych w całym twórczym dziedzictwie artysty.

Dwie Fridy, 1939

Obraz, namalowany przez artystkę po rozwodzie z mężem Diego Riverą, odzwierciedla stan wewnętrzny kobiety po rozstaniu z ukochanym. Płótno przedstawia dwie esencje artystki: meksykańską Fridę z medalionem i fotografią męża oraz nową, europejską Fridę w białej koronce. Serca obu kobiet łączy tętnica, jednak europejskie alter ego artystki cierpi na utratę krwi: wraz ze stratą bliskiej osoby kobieta traci część siebie. Gdyby nie zacisk chirurgiczny w ramieniu Fridy, kobieta prawdopodobnie wykrwawiłaby się na śmierć.

Złamana kolumna, 1944

W 1944 roku stan zdrowia artysty gwałtownie się pogorszył. Lekcje malarstwa, które Frida udzielała w Szkole Malarstwa i Rzeźby, teraz uczy tylko w domu. Ponadto lekarze zalecają noszenie stalowego gorsetu.

Na obrazie „Złamana kolumna” artystka przedstawia swoje ciało przełamane na pół. Jedynym podparciem pomagającym jej utrzymać pozycję stojącą jest stalowy gorset z paskami. Twarz i ciało kobiety są podziurawione gwoździami, a uda owinięte białym całunem – elementy te są symbolami męczeństwa i cierpienia.