الفنانون اليابانيون المعاصرون ولوحاتهم. الرسم الياباني هو أقدم أشكال الفن

والذي يغطي العديد من التقنيات والأساليب. لقد خضعت طوال تاريخ وجودها عدد كبيرالتغييرات. تمت إضافة تقاليد وأنواع جديدة، وبقيت المبادئ اليابانية الأصلية. جنبا إلى جنب مع قصة مذهلةالرسم الياباني جاهز أيضًا لتقديم العديد من الحقائق الفريدة والمثيرة للاهتمام.

اليابان القديمة

تظهر الأنماط الأولى في الأقدم الفترة التاريخيةالبلدان، حتى قبل الميلاد. ه. ثم كان الفن بدائيًا تمامًا. أولا، في 300 قبل الميلاد. ه، مختلف الأشكال الهندسيةوالتي تم تنفيذها على الفخار باستخدام العصي. يعود اكتشاف علماء الآثار مثل الزخرفة على الأجراس البرونزية إلى وقت لاحق.

وبعد ذلك بقليل، بالفعل في 300 م. ه، تظهر اللوحات الصخريةوالتي هي أكثر تنوعًا من الأنماط الهندسية. هذه بالفعل صور كاملة مع الصور. تم العثور عليها داخل الخبايا، وربما تم دفن الأشخاص الذين تم رسمهم عليها في هذه المقابر.

في القرن السابع الميلادي ه. تتبنى اليابان الكتابة القادمة من الصين. وفي نفس الوقت تقريبًا، جاءت اللوحات الأولى من هناك. ثم تظهر اللوحة كمجال فني منفصل.

ايدو

إيدو ليست اللوحة الأولى وليست الأخيرة، لكنها جلبت الكثير من الأشياء الجديدة إلى الثقافة. أولاً، تمت إضافة السطوع والألوان إلى التقنية المعتادة التي يتم إجراؤها باللون الأسود و نغمات رمادية. معظم فنان متميزيعتبر هذا النمط سوتاسو. لقد خلق اللوحات الكلاسيكيةلكن شخصياته كانت ملونة للغاية. تحول لاحقًا إلى الطبيعة، وتم رسم معظم مناظره الطبيعية على خلفيات مذهبة.

ثانيًا، خلال فترة إيدو، ظهرت الغرابة، نوع النامبان. واستخدمت التقنيات الأوروبية والصينية الحديثة التي كانت متشابكة مع الأساليب اليابانية التقليدية.

وثالثا، تظهر مدرسة نانجا. في ذلك، يقوم الفنانون أولاً بتقليد الأعمال بالكامل أو حتى نسخها سادة صينيون. ثم يظهر فرع جديد يسمى بونجينج.

فترة التحديث

فترة إيدو تفسح المجال لميجي، والآن اللوحة اليابانية مجبرة على ذلك مرحلة جديدةتطوير. في هذا الوقت، أصبحت الأنواع مثل الغربية وما شابه ذلك شائعة في جميع أنحاء العالم، لذلك أصبح تحديث الفن حالة مشتركة. ومع ذلك، في اليابان، البلد الذي يقدس فيه جميع الناس التقاليد، وقت معينكان الوضع مختلفًا بشكل كبير عما كان يحدث في البلدان الأخرى. المنافسة بين الفنيين الأوروبيين والمحليين شرسة هنا.

تعطي الحكومة في هذه المرحلة الأفضلية للفنانين الشباب الذين يقدمون آمال كبيرةلتحسين المهارات في الأساليب الغربية. لذلك يرسلونهم إلى المدارس في أوروبا وأمريكا.

لكن هذا كان فقط في بداية الفترة. النقطة هي أن النقاد المشهورينانتقد إلى حد كبير الفن الغربي. ولتفادي حدوث ضجة كبيرة حول هذا الموضوع، الأنماط الأوروبيةوبدأ حظر هذه التقنيات في المعارض، وتوقف عرضها، وكذلك شعبيتها.

ظهور الأنماط الأوروبية

بعد ذلك تأتي فترة تايشو. في هذا الوقت، كان الفنانون الشباب الذين كانوا يغادرون للدراسة فيها المدارس الأجنبية، يعودون إلى وطنهم. وبطبيعة الحال، يجلبون معهم أنماطًا جديدة من الرسم الياباني، والتي تشبه إلى حد كبير الأنماط الأوروبية. تظهر الانطباعية وما بعد الانطباعية.

وفي هذه المرحلة يتم تشكيل العديد من المدارس التي يتم فيها إحياء الأساليب اليابانية القديمة. لكن من المستحيل التخلص تماما من الميول الغربية. لذلك، يتعين علينا الجمع بين العديد من التقنيات من أجل إرضاء محبي الكلاسيكيات ومحبي الرسم الأوروبي الحديث.

يتم تمويل بعض المدارس من قبل الدولة، والتي بفضلها يمكن الحفاظ على العديد من التقاليد الوطنية. يضطر أصحاب القطاع الخاص إلى اتباع خطى المستهلكين الذين يريدون شيئًا جديدًا، لقد سئموا من الكلاسيكيات.

لوحة من الحرب العالمية الثانية

بعد بداية الحرب، ظلت اللوحة اليابانية بمعزل عن الأحداث لبعض الوقت. تم تطويره بشكل منفصل ومستقل. لكن هذا لا يمكن أن يستمر إلى الأبد.

مع مرور الوقت، عندما يصبح الوضع السياسي في البلاد أسوأ، تجتذب الشخصيات الرفيعة والمحترمة العديد من الفنانين. بدأ بعضهم في الإبداع بأساليب وطنية حتى في بداية الحرب. أما الباقون فيبدأون هذه العملية فقط بناءً على أوامر من السلطات.

وبناءً على ذلك، لم تتمكن الفنون الجميلة اليابانية من التطور بشكل خاص خلال الحرب العالمية الثانية. لذلك، للرسم يمكن أن يسمى الراكدة.

سويبوكوجا الأبدية

اللوحة اليابانية Sumi-e، أو suibokuga، تعني حرفيًا "الرسم بالحبر". هذا يحدد الأسلوب والتقنية من هذا الفن. لقد جاءت من الصين، لكن اليابانيين قرروا أن يطلقوا عليها اسمهم. وفي البداية لم يكن لهذه التقنية أي جانب جمالي. تم استخدامه من قبل الرهبان لتحسين الذات أثناء دراسة الزن. علاوة على ذلك، قاموا أولاً برسم الصور ثم قاموا بعد ذلك بتدريب تركيزهم أثناء مشاهدتها. يعتقد الرهبان أن الخطوط الصارمة والألوان غير الواضحة والظلال - كل ما يسمى أحادية اللون - تساعد على التحسن.

الرسم بالحبر الياباني على الرغم من ذلك تنوع كبيراللوحات والتقنيات ليست معقدة كما قد تبدو للوهلة الأولى. يعتمد على 4 قطع أرض فقط:

1. أقحوان.
2. الأوركيد.
3. فرع البرقوق.
4. الخيزران.

عدد قليل من المؤامرات لا يجعل إتقان هذه التقنية سريعًا. يعتقد بعض الأساتذة أن التعلم يستمر مدى الحياة.

على الرغم من ظهور Sumi-e منذ وقت طويل، إلا أنه مطلوب دائمًا. علاوة على ذلك، اليوم يمكنك مقابلة أساتذة هذه المدرسة ليس فقط في اليابان، فهي منتشرة على نطاق واسع خارج حدودها.

الفترة الحديثة

بعد نهاية الحرب العالمية الثانية، ازدهر الفن في اليابان فقط في المدن الكبرىوالقرويين و القرويينما يكفي من المخاوف. حاول الفنانون في الغالب الابتعاد عن خسائر زمن الحرب وتصوير الحياة الحديثة على القماش. حياة المدينةبكل زخارفه ومميزاته. لقد تم تبني الأفكار الأوروبية والأمريكية بنجاح، لكن هذا الوضع لم يدم طويلا. بدأ العديد من الأساتذة بالابتعاد تدريجياً عنهم نحو المدارس اليابانية.

ظلت دائما عصرية. لذلك، يمكن أن تختلف اللوحة اليابانية الحديثة فقط في تقنية التنفيذ أو المواد المستخدمة في العملية. لكن معظم الفنانين لا يدركون الابتكارات المختلفة بشكل جيد.

من المستحيل عدم ذكر الموضة الثقافات الفرعية الحديثةمثل الرسوم المتحركة والأساليب المشابهة. يحاول العديد من الفنانين طمس الخط الفاصل بين الكلاسيكيات وما هو مطلوب اليوم. ويعود هذا الوضع في معظمه إلى التجارة. لا يتم شراء الكلاسيكيات والأنواع التقليدية عمليًا، لذلك فإن العمل كفنان في النوع المفضل لديك غير مربح، فأنت بحاجة إلى التكيف مع الموضة.

خاتمة

مما لا شك فيه أن الرسم الياباني هو كنز ثمين الفنون الجميلة. ربما كانت الدولة المعنية هي الدولة الوحيدة التي لم تتبع الاتجاهات الغربية ولم تتكيف مع الموضة. على الرغم من الضربات العديدة أثناء ظهور تقنيات جديدة، إلا أن الفنانين اليابانيين ما زالوا قادرين على الدفاع التقاليد الوطنيةفي العديد من الأنواع. ربما هذا هو السبب في أن اللوحات المصنوعة بالأنماط الكلاسيكية تحظى بتقدير كبير في المعارض اليوم.

تعتبر اللوحة اليابانية حركة فريدة تمامًا في الفن العالمي. لقد كانت موجودة منذ العصور القديمة، لكنها كتقليد لم تفقد شعبيتها وقدرتها على المفاجأة.

الاهتمام بالتقاليد

الشرق ليس فقط المناظر الطبيعية والجبال و شروق الشمس. هؤلاء هم أيضًا الأشخاص الذين خلقوا قصته. هؤلاء الأشخاص هم الذين دعموا تقليد الرسم الياباني لعدة قرون وقاموا بتطوير وتعزيز فنهم. أولئك الذين قدموا مساهمة كبيرة في التاريخ هم الفنانون اليابانيون. بفضلهم، احتفظت الحديثة بجميع شرائع اللوحة اليابانية التقليدية.

طريقة تنفيذ اللوحات

على عكس أوروبا، فضل الفنانون اليابانيون الرسم بشكل أقرب إلى الرسومات منه إلى الرسم. في مثل هذه اللوحات، لن تجد ضربات زيتية خشنة وغير مبالية، وهي سمة مميزة للانطباعيين. ما هي الطبيعة الرسومية لفن مثل الأشجار والصخور والحيوانات والطيور اليابانية - كل شيء في هذه اللوحات مرسوم بأكبر قدر ممكن من الوضوح، بخطوط حبر قوية وواثقة. يجب أن يكون لجميع الكائنات الموجودة في التكوين مخطط تفصيلي. عادةً ما يتم ملء المخطط التفصيلي باستخدام الألوان المائية. يتم غسل اللون وإضافة ظلال أخرى ويترك لون الورقة في مكان ما. الديكور هو بالضبط ما يميز اللوحات اليابانية عن الفن العالمي.

التناقضات في الرسم

التباين هو أسلوب مميز آخر يستخدمه الفنانون اليابانيون. قد يكون هذا اختلافًا في اللون أو اللون أو التباين بين الظلال الدافئة والباردة.

يلجأ الفنان إلى هذه التقنية عندما يريد تسليط الضوء على عنصر ما من الموضوع. يمكن أن يكون هذا وريدًا على نبات، أو بتلة منفصلة، ​​أو جذع شجرة مقابل السماء. ثم يتم تصوير الجزء الفاتح والمضيء من الكائن والظل الموجود تحته (أو العكس).

التحولات وحلول الألوان

عند رسم اللوحات اليابانية، غالبا ما تستخدم التحولات. يمكن أن تكون مختلفة: على سبيل المثال، من لون إلى آخر. على بتلات زنابق الماء والفاوانيا يمكنك ملاحظة الانتقال من الظل الخفيفإلى لون غني ومشرق.

تُستخدم التحولات أيضًا في صورة سطح الماء والسماء. يبدو الانتقال السلس من غروب الشمس إلى الشفق المظلم المتعمق جميلًا جدًا. عند رسم السحب، يتم استخدام التحولات من ظلال وردود الفعل المختلفة.

الدوافع الأساسية للرسم الياباني

في الفن، كل شيء مترابط الحياة الحقيقية، بمشاعر وعواطف المنخرطين فيه. كما هو الحال في الأدب والموسيقى وغيرها من مظاهر الإبداع، في الرسم هناك العديد منها المواضيع الأبدية. هذا مواضيع تاريخيةوصور الناس والطبيعة.

المناظر الطبيعية اليابانية تأتي في العديد من الأصناف. غالبًا ما توجد في اللوحات صور للبرك - وهي قطعة أثاث مفضلة لدى اليابانيين. بركة مزخرفة والعديد من زنابق الماء والخيزران القريبة - هكذا تبدو صورة عاديةالقرون السابع عشر والثامن عشر.

الحيوانات في الرسم الياباني

تعد الحيوانات أيضًا عنصرًا متكررًا في الرسم الآسيوي. تقليديا هو نمر رابض أو قطة منزلية. بشكل عام، الآسيويون مغرمون جدًا بالفن الشرقي، وبالتالي فإن ممثليهم موجودون في جميع أشكال الفن الشرقي.

عالم الحيوانات هو موضوع آخر تتبعه اللوحة اليابانية. الطيور - الرافعات، الببغاوات المزخرفة، الطاووس الفاخر، السنونو، العصافير غير الواضحة وحتى الديوك - كلها موجودة في رسومات السادة الشرقيين.

الحوت هو موضوع ذو أهمية متساوية للفنانين اليابانيين. الكارب كوي هي النسخة اليابانية من السمكة الذهبية. تعيش هذه المخلوقات في آسيا في جميع البرك، حتى في المتنزهات والحدائق الصغيرة. يعتبر سمك شبوط كوي نوعًا من التقاليد التي تنتمي إلى اليابان على وجه التحديد. ترمز هذه الأسماك إلى النضال والتصميم وتحقيق هدفك. ليس من قبيل الصدفة أن يتم تصويرهم وهم يطفوون مع التدفق، دائمًا مع قمم الأمواج المزخرفة.

اللوحات اليابانية: تصوير الناس

الناس في الرسم الياباني هم موضوع خاص. يصور الفنانون الجيشا والأباطرة والمحاربين والشيوخ.

يتم تصوير الجيشا محاطًا بالزهور، ويرتدي دائمًا أردية متقنة ذات طيات وعناصر عديدة.

يتم تصوير الحكماء وهم جالسون أو يشرحون شيئًا ما لطلابهم. صورة العالم القديم هي رمز لتاريخ وثقافة وفلسفة آسيا.

تم تصوير المحارب على أنه هائل، ومرعب في بعض الأحيان. تم رسم تلك الطويلة بالتفصيل وتبدو وكأنها سلك.

عادة يتم توضيح كافة تفاصيل الدرع باستخدام الحبر. غالبًا ما يتم تزيين المحاربين العراة بالوشم التنين الشرقي. إنه رمز القوة و القوة العسكريةاليابان.

تم تصوير الحكام ل العائلات الإمبراطورية. الجلباب الجميلوالزخارف في شعر الرجال هي ما تكثر فيه مثل هذه الأعمال الفنية.

المناظر الطبيعية

المناظر الطبيعية اليابانية التقليدية - الجبال. نجح الرسامون الآسيويون في تصوير مجموعة متنوعة من المناظر الطبيعية: يمكنهم تصوير نفس الذروة فيها ألوان مختلفة، بأجواء مختلفة. الشيء الوحيد الذي يبقى دون تغيير هو الوجود الإلزامي للزهور. عادة، جنبا إلى جنب مع الجبال، يصور الفنان نوعا من النبات في المقدمة ويرسمه بالتفصيل. الجبال و أزهار الكرز. وإذا رسموا بتلات متساقطة، فإن الصورة تثير الإعجاب بجمالها الحزين. يعد التباين في أجواء الصورة صفة رائعة أخرى للثقافة اليابانية.

الهيروغليفية

غالبًا ما يتم الجمع بين تكوين الصورة في الرسم الياباني والكتابة. تم ترتيب الحروف الهيروغليفية بحيث تبدو جميلة من الناحية التركيبية. وعادة ما يتم رسمها على يسار أو يمين اللوحة. يمكن أن تمثل الهيروغليفية ما هو مصور في اللوحة أو عنوانها أو اسم الفنان.

اليابان هي واحدة من أغنى الدول في التاريخ والثقافة. في جميع أنحاء العالم، يُعتبر اليابانيون عمومًا أشخاصًا متحذلقين يجدون الجماليات في جميع مظاهر الحياة تمامًا. لذلك، فإن اللوحات اليابانية دائما متناغمة للغاية في اللون والنغمة: إذا كانت هناك بقع من بعض الألوان الزاهية، فهي فقط في المراكز الدلالية. باستخدام لوحات الفنانين الآسيويين كمثال، يمكنك دراسة نظرية الألوان، والتمثيل الصحيح للشكل باستخدام الرسومات، والتركيب. تقنية الأداء لوحات يابانيةعالية جدًا بحيث يمكن أن تكون بمثابة مثال للعمل باستخدام الألوان المائية وأداء "غسل" الأعمال الرسومية.

تعد اللوحة أحادية اللون في اليابان إحدى الظواهر الفريدة للفن الشرقي. لقد تم تخصيص الكثير من العمل والأبحاث لها، ولكن غالبًا ما يُنظر إليها على أنها شيء تقليدي جدًا، وأحيانًا زخرفي. العالم الروحي ليس كذلك الفنان اليابانيغني جدًا، ولا يهتم كثيرًا بالعنصر الجمالي بقدر اهتمامه بالعنصر الروحي.

فن الشرق هو مزيج من الخارجي والداخلي، الصريح والضمني.

في هذا المنشور أود أن أنتبه ليس إلى تاريخ الرسم الأحادي اللون، بل إلى جوهره. وهذا ما سنتحدث عنه.

شاشة "بينس" هاسيغاوا توهاكو، 1593

ما نراه في اللوحات الأحادية اللون هو نتيجة تفاعل الفنان مع الثالوث الأساسي: الورق، الفرشاة، الحبر. لذلك، من أجل فهم العمل بشكل صحيح، عليك أن تفهم الفنان نفسه وموقفه.

"المناظر الطبيعية" سيشو، 1398ورق بالنسبة للسيد الياباني، الأمر ليس بالأمر السهلمواد مرتجلة الذي يخضعه لأهواءه، بل على العكس من ذلك - هذا "أخ"، وبالتالي تطور الموقف تجاهها وفقًا لذلك. الورق جزءالطبيعة المحيطة التي عاملها اليابانيون دائمًا باحترام وحاولوا عدم إخضاعها بل التعايش معها بسلام. الورق في الماضي عبارة عن شجرة وقفت في منطقة معينة،وقت معين "رأت" شيئًا من حولها، وهي تحتفظ به كله. هذه هي الطريقة التي ينظر بها الفنان الياباني إلى المادة. في كثير من الأحيان، قبل بدء العمل، بحث الحرفيون لفترة طويلة(فكروا في ذلك) وعندها فقط بدأوا الرسم. وحتى الآن، فإن الفنانين اليابانيين المعاصرين الذين يمارسون تقنية نيهون جا (الرسم الياباني التقليدي) يختارون الورق بعناية. يشترونه للطلب من مصانع الورق. يتمتع كل فنان بسمك معين ونفاذية للرطوبة وملمس (حتى أن العديد من الفنانين أبرموا اتفاقية مع مالك المصنع لعدم بيع هذه الورقة لفنانين آخرين) - لذلك يُنظر إلى كل لوحة على أنها شيء فريد وحيوي.

"القراءة في بستان الخيزران" زوبون، 1446.

وبالحديث عن أهمية هذه المادة تجدر الإشارة إلى ما يلي الآثار الشهيرةالأدب الياباني مثل "ملاحظات على جانب السرير" لسي شوناجون و"جينجي مونوجوتاري" لموراساكي شيكيبو: في كل من "ملاحظات" و"جينجي" يمكنك العثور على حبكات عندما يتبادل رجال الحاشية أو العشاق الرسائل. وكان الورق الذي كتبت عليه هذه الرسائل مناسبًا للوقت المناسب من السنة، والظل، وطريقة كتابة النص تتوافق مع نسيجه.

"موراساكي شيكيبو في ضريح إيشياما" كيوسين

فرشاة- المكون الثاني هو استمرار يد السيد (مرة أخرى، هذا هو مادة طبيعية). لذلك، تم تصنيع الفرش أيضًا حسب الطلب، ولكن في أغلب الأحيان بواسطة الفنان نفسه. اختار الشعر بالطول المطلوب، واختار حجم الفرشاة والمقبض الأكثر راحة. السيد يرسم فقط بفرشاة خاصة به وليس بفرشاة أخرى. (من تجربة شخصية: حضر فئة رئيسية الفنان الصينيجيانغ شيلون، طلب منه الجمهور إظهار ما يمكن أن يفعله طلابه الذين كانوا حاضرين في الفصل الرئيسي، وقال كل منهم، الذي التقط فرشاة الماجستير، إن النتيجة لن تكون كما توقعوا، لأن الفرشاة لم تكن لهم ، لم يعتادوا عليه ولا يعرفون كيفية استخدامه بشكل صحيح).

رسم بالحبر "فوجي" لكاتسوشيكا هوكوساي

ماسكارا- ثالث عنصر مهم. يحدث الماسكارا أنواع مختلفة: يمكن أن يعطي تأثيرًا لامعًا أو غير لامع بعد التجفيف، ربما مع مزيج من ظلال الفضة أو المغرة الاختيار الصحيحالماسكارا ليست غير مهمة أيضًا.

ياماموتو بايتسو, أواخر الثامن عشر- القرن التاسع عشر.

المواضيع الرئيسية للرسم أحادي اللون هي المناظر الطبيعية. لماذا لا توجد ألوان فيها؟

الشاشة المقترنة "بينس"، هاسيغاوا توهاكو

أولاً، لا يهتم الفنان الياباني بالشيء نفسه، بل بجوهره، وهو مكون معين مشترك بين جميع الكائنات الحية ويؤدي إلى الانسجام بين الإنسان والطبيعة. ولذلك فإن الصورة دائمًا هي تلميح، وهي موجهة إلى حواسنا، وليس إلى الرؤية. إن التقليل هو حافز للحوار، وبالتالي الاتصال. الخطوط والبقع مهمة في الصورة، فهي تتشكل لغة فنية. هذه ليست حرية السيد الذي ترك بصمة جريئة حيث أراد، ولكن في مكان آخر، على العكس من ذلك، تم رسمها - كل شيء في الصورة له معناه ومعنى خاص به، وليس عشوائيًا.

ثانيا، يحمل اللون دائما نوعا من الدلالة العاطفية وينظر إليه بشكل مختلف أشخاص مختلفينلذلك، في الحالات المختلفة، يسمح الحياد العاطفي للمشاهد بالدخول بشكل ملائم في الحوار، ووضعه في موضع الإدراك والتأمل والفكر.

ثالثا، هذا هو تفاعل الين واليانغ؛ أي لوحة أحادية اللون متناغمة من وجهة نظر نسبة الحبر إلى مساحة الورق التي لم تمسها.

لماذا معظم مساحة الورق غير مستخدمة؟

"المناظر الطبيعية" Xubun، منتصف القرن الخامس عشر.

أولاً، المساحة الفارغة تغمر المشاهد في الصورة؛ ثانيا، يتم إنشاء الصورة كما لو كانت تطفو على السطح للحظة وعلى وشك الاختفاء - وهذا مرتبط بالنظرة العالمية والنظرة العالمية؛ ثالثًا، في تلك المناطق التي لا يوجد فيها حبر، يظهر نسيج الورق وظله في المقدمة (وهذا لا يظهر دائمًا في النسخ، ولكنه في الواقع يكون دائمًا تفاعل مادتين - الورق والحبر).

سيشو، 1446

لماذا المناظر الطبيعية؟

"التأمل في الشلال" غايامي، 1478

وبحسب النظرة اليابانية للعالم فإن الطبيعة أكمل من الإنسان، لذا يجب عليه أن يتعلم منها، ويحميها بكل الطرق الممكنة، ولا يدمرها أو يستعبدها.

لذلك، في العديد من المناظر الطبيعية، يمكنك رؤية صور صغيرة للأشخاص، لكنها دائمًا غير ذات أهمية، أو صغيرة بالنسبة للمناظر الطبيعية نفسها، أو صور الأكواخ التي تتناسب مع المساحة المحيطة بها وليست ملحوظة دائمًا - فهذه كلها رموز نظرة للعالم.

"المواسم: الخريف والشتاء" سيشو. "المناظر الطبيعية" سيشو، 1481

في الختام، أريد أن أقول إن اللوحة اليابانية أحادية اللون ليست حبرًا متناثرًا بشكل فوضوي، فهي ليست نزوة من الأنا الداخلية للفنان - إنها نظام كامل من الصور والرموز، إنها مستودع للفكر الفلسفي، والأهم من ذلك، وسيلة للتواصل والمواءمة بين الذات والعالم من حولنا.

أعتقد أن هذه هي الإجابات على الأسئلة الرئيسية التي تطرح لدى المشاهد عندما يواجه لوحة يابانية أحادية اللون. آمل أن يساعدوك على فهم ذلك بشكل صحيح وإدراكه عندما تقابلهم. كل دولة لها أبطالهاالفن المعاصر

، وأسماؤه معروفة، وتجتذب معارضه حشودًا من المعجبين والفضوليين، وتباع أعماله في مجموعات خاصة. في هذه المقالة سوف نقدم لك الأكثر شعبيةالفنانين المعاصرين

اليابان.

ولدت كيكو في كيوتو، وحققت العديد من الانتصارات عندما كانت طفلة. مسابقات فنية، لكن التعليم العاليلم أحصل عليه في مجال الفن على الإطلاق. عملت في قسم العلاقات الدولية في منظمة التجارة البلدية اليابانية في طوكيو، وفي شركة محاماة كبيرة في سان فرانسيسكو وشركة استشارية خاصة في سان دييغو، وسافرت كثيرًا. ابتداءً من عام 2003، تركت وظيفتها، وبعد أن درست أساسيات الرسم بالألوان المائية في سان دييغو، كرست نفسها حصريًا للفن.

إيكيناجا ياسوناري

الفنان الياباني إيكيناجا ياسوناري يرسم صورًا شخصية المرأة الحديثةفي القديم التقليد اليابانيالرسم باستخدام فرشاة مينسو والأصباغ المعدنية وأسود الكربون والحبر والكتان كقاعدة. شخصياتها من نساء عصرنا، ولكن بفضل أسلوب نيهونغا، ينتابك الشعور بأنهم أتوا إلينا منذ زمن سحيق.

آبي توشيوكي

آبي توشيوكي هو فنان واقعي أتقن تقنية الألوان المائية. يمكن تسمية آبي بالفنان الفيلسوف: فهو في الأساس لا يرسم المعالم الشهيرة، بل يفضل ذلك التراكيب الذاتية، يعكس الدول الداخليةالشخص الذي يراقبهم.

هيروكو ساكاي

بدأت مسيرة الفنانة هيروكو ساكاي في أوائل التسعينيات في مدينة فوكوكا. بعد تخرجها من جامعة سينان جاكوين ومدرسة نيهون الفرنسية للتصميم الداخلي في التصميم والتصور، أسست شركة Atelier Yume-Tsumugi Ltd. وأدار هذا الاستوديو بنجاح لمدة 5 سنوات. تزين العديد من أعمالها ردهات ومكاتب المستشفيات. الشركات الكبيرةوبعض المباني البلدية في اليابان. بعد انتقالها إلى الولايات المتحدة، بدأت هيروكو في الرسم بالزيوت.

ريوسوكي فوكاهوري

تشبه أعمال ريوسوكي فوكاهوري ثلاثية الأبعاد الصور المجسمة. لقد تم ذلك طلاء أكريليك، يتم تطبيقه في عدة طبقات، وسائل راتينج شفاف - كل هذا، دون استبعاد الطرق التقليدية مثل رسم الظلال، وتنعيم الحواف، والتحكم في الشفافية، يسمح لريوسوكي بإنشاء اللوحة النحتيةويعطي العمل العمق والواقعية.

ناتسوكي أوتاني

ناتسوكي أوتاني رسام ياباني موهوب يعيش ويعمل في إنجلترا.

ماكوتو موراماتسو

اختار ماكوتو موراماتسو كأساس لإبداعه موضوعًا مربحًا للجانبين - فهو يرسم القطط. تحظى صوره بشعبية كبيرة في جميع أنحاء العالم، وخاصة في شكل الألغاز.

تيتسويا ميشيما

معظم اللوحات حديثة الفنان اليابانيميشيما مصنوع في الزيت. لقد كانت ترسم بشكل احترافي منذ التسعينيات ولديها العديد من اللوحات المعارض الشخصيةوعدد كبير من المعارض الجماعية اليابانية والأجنبية.

إذا كنت تعتقد أن كل الفنانين العظماء هم من الماضي، فليس لديك أدنى فكرة عن مدى خطأك. في هذه المقالة سوف تتعرف على أشهر وأشهر الفنانين الموهوبينالحداثة. وصدقوني، أعمالهم ستبقى في ذاكرتك بعمق لا يقل عن أعمال المايسترو من العصور الماضية.

فويتسيك بابسكي

فويتشخ بابسكي هو فنان بولندي معاصر. أكمل دراسته في معهد سيليزيا للفنون التطبيقية، لكنه ارتبط به. في مؤخرايجذب النساء بشكل رئيسي. يركز على التعبير عن المشاعر، ويسعى جاهداً للحصول على أكبر تأثير ممكن باستخدام وسائل بسيطة.

يحب الألوان، لكنه غالبًا ما يستخدم ظلال اللون الأسود والرمادي لتحقيقه أفضل تجربة. لا تخاف من تجربة تقنيات جديدة مختلفة. في الآونة الأخيرة، اكتسب شعبية متزايدة في الخارج، وخاصة في المملكة المتحدة، حيث نجح في بيع أعماله، والتي يمكن العثور عليها بالفعل في العديد من المجموعات الخاصة. بالإضافة إلى الفن، فهو مهتم بعلم الكونيات والفلسفة. يستمع إلى موسيقى الجاز. يعيش ويعمل حاليا في كاتوفيتشي.

وارن تشانغ

وارن تشانغ - حديث فنان أمريكي. ولد عام 1957 ونشأ في مونتيري، كاليفورنيا، وتخرج بمرتبة الشرف من كلية مركز الفنون للتصميم في باسادينا عام 1981، حيث حصل على بكالوريوس الفنون الجميلة. على مدى العقدين التاليين عمل كرسام لـ شركات مختلفةفي كاليفورنيا ونيويورك قبل الشروع في مهنة كفنان محترف في عام 2009.

يمكن تقسيم لوحاته الواقعية إلى فئتين رئيسيتين: اللوحات الداخلية للسيرة الذاتية واللوحات التي تصور الأشخاص أثناء العمل. يعود اهتمامه بهذا النمط من الرسم إلى أعمال الفنان يوهانس فيرمير في القرن السادس عشر، ويمتد إلى الموضوعات والصور الشخصية وصور أفراد الأسرة والأصدقاء والطلاب والديكورات الداخلية للاستوديو والفصول الدراسية والمنازل. هدفها هو لوحات واقعيةخلق الحالة المزاجية والعاطفة من خلال التلاعب بالضوء واستخدام الألوان الصامتة.

أصبح تشانغ مشهورًا بعد تحوله إلى الفنون الجميلة التقليدية. على مدى السنوات الـ 12 الماضية، حصل على العديد من الجوائز والأوسمة، وأهمها التوقيع الرئيسي من الرسامين الزيتيين في أمريكا، وهو أكبر مجتمع للرسم الزيتي في الولايات المتحدة. يُمنح شخص واحد فقط من بين 50 شخصًا فرصة الحصول على هذه الجائزة. يعيش وارن حاليًا في مونتيري ويعمل في الاستوديو الخاص به، كما يقوم بالتدريس (المعروف باسم المعلم الموهوب) في أكاديمية سان فرانسيسكو للفنون.

أوريليو بروني

أوريليو بروني – فنان ايطالي. ولد في بلير، 15 أكتوبر 1955. حصل على دبلوم في السينوغرافيا من معهد الفنون في سبوليتو. كفنان، فهو علم نفسه بنفسه، حيث قام بشكل مستقل "ببناء بيت المعرفة" على الأساس الذي وضعته المدرسة. بدأ الرسم بالزيوت في سن التاسعة عشرة. يعيش ويعمل حاليا في أومبريا.

لوحات بروني المبكرة متجذرة في السريالية، ولكن مع مرور الوقت بدأ في التركيز على القرب من الرومانسية الغنائية والرمزية، مما عزز هذا المزيج من خلال التطور الرائع ونقاء شخصياته. تكتسب الأشياء المتحركة وغير الحية كرامة متساوية وتبدو شبه واقعية للغاية، لكنها في نفس الوقت لا تختبئ خلف الستار، ولكنها تسمح لك برؤية جوهر روحك. إن التنوع والرقي، والشهوانية والوحدة، والتفكير والإثمار هي روح أوريليو بروني، التي تغذيها روعة الفن وتناغم الموسيقى.

ألكسندر بالوس

ألكساندر بالوس هو فنان بولندي معاصر متخصص في الرسم الزيتي. ولد عام 1970 في جليفيتش، بولندا، ولكن منذ عام 1989 يعيش ويعمل في الولايات المتحدة الأمريكية، في شاستا، كاليفورنيا.

عندما كان طفلاً، درس الفن تحت إشراف والده جان، وهو فنان ونحات علم نفسه بنفسه، لذلك كان سن مبكرة, النشاط الفنيتلقى الدعم الكامل من كلا الوالدين. في عام 1989، عندما كان في الثامنة عشرة من عمره، غادر بالوس بولندا إلى الولايات المتحدة، حيث كان معلم المدرسةوشجعت الفنانة غير المتفرغة كاتي جاجلياردي الكاساندر على التسجيل مدرسة فنية. ثم حصل بالوس على منحة دراسية كاملة إلى جامعة ميلووكي، ويسكونسن، حيث درس الرسم مع أستاذ الفلسفة هاري روزين.

بعد تخرجه عام 1995 بدرجة البكالوريوس، انتقل بالوس إلى شيكاغو للالتحاق بمدرسة الفنون الجميلة التي تعتمد أساليبها على الإبداع. جاك لويس ديفيد. الواقعية التصويرية و بورتريهكان معظمأعمال بالوس في التسعينيات وأوائل القرن الحادي والعشرين. يستخدم اليوم بالوس شخصية بشريةمن أجل إبراز الميزات وإظهار أوجه القصور الوجود الإنسانيدون تقديم أي حلول.

تهدف التركيبات الموضوعية للوحاته إلى تفسيرها بشكل مستقل من قبل المشاهد، وعندها فقط ستكتسب اللوحات معناها الزمني والذاتي الحقيقي. في عام 2005، انتقل الفنان إلى شمال كاليفورنيا، ومنذ ذلك الحين توسع موضوع عمله بشكل كبير ويتضمن الآن أساليب رسم أكثر حرية، بما في ذلك التجريد وأنماط الوسائط المتعددة المختلفة التي تساعد في التعبير عن الأفكار والمثل العليا للوجود من خلال الرسم.

أليسا مونكس

أليسا مونكس – حديث فنان أمريكي. ولد عام 1977 في ريدجوود، نيوجيرسي. بدأت الاهتمام بالرسم عندما كنت طفلاً. درس في المدرسة الجديدة في نيويورك و جامعة الولايةمونتكلير وتخرج من كلية بوسطن عام 1999 بدرجة البكالوريوس. وفي الوقت نفسه، درست الرسم في أكاديمية لورينزو دي ميديشي في فلورنسا.

ثم واصلت دراستها في برنامج الماجستير في أكاديمية نيويورك للفنون، قسم الفن التشكيلي، وتخرجت عام 2001. تخرجت من كلية فوليرتون في عام 2006. لبعض الوقت ألقت محاضرات في الجامعات و المؤسسات التعليميةفي جميع أنحاء البلاد، قامت بتدريس الرسم في أكاديمية نيويورك للفنون، وكذلك جامعة ولاية مونتكلير وأكاديمية لايم للفنون.

"باستخدام المرشحات مثل الزجاج والفينيل والماء والبخار، أقوم بالتشويه جسم الإنسان. تسمح لك هذه المرشحات بإنشاء مساحات كبيرة من التصميم التجريدي، مع جزر من الألوان تظهر من خلالها - أجزاء من جسم الإنسان.

لوحاتي تتغير نظرة حديثةإلى الأوضاع والإيماءات التقليدية الراسخة بالفعل لنساء الاستحمام. يمكنهم إخبار المشاهد اليقظ بالكثير عن أشياء تبدو بديهية مثل فوائد السباحة والرقص وما إلى ذلك. تضغط شخصياتي على زجاج نافذة الدش، لتشوه أجسادها، مدركة أنها تؤثر بذلك على نظرة الرجل سيئة السمعة إلى امرأة عارية. يتم خلط طبقات الطلاء السميكة لتقليد الزجاج والبخار والماء واللحم من بعيد. ومع ذلك، عن قرب، مذهلة الخصائص الفيزيائية طلاء زيتي. ومن خلال تجربة طبقات الطلاء والألوان، وجدت نقطة تصبح فيها ضربات الفرشاة المجردة شيئًا آخر.

عندما بدأت رسم الجسم البشري لأول مرة، انبهرت على الفور، بل وأصبحت مهووسة به، واعتقدت أنه يجب علي أن أجعل لوحاتي واقعية قدر الإمكان. لقد "أعلنت" الواقعية حتى بدأت تتفكك وتكشف التناقضات في ذاتها. أنا الآن أستكشف إمكانيات وإمكانات أسلوب الرسم الذي يلتقي فيه الرسم التمثيلي والتجريد – إذا كان كلا الأسلوبين يمكن أن يتعايشا في نفس اللحظة من الزمن، فسوف أفعل ذلك.

أنطونيو فينيلي

الفنان الإيطالي – “ مراقب الوقت" - ولد أنطونيو فينيلي في 23 فبراير 1985. يعيش ويعمل حاليًا في إيطاليا بين روما وكامبوباسو. عُرضت أعماله في العديد من المعارض الفنية في إيطاليا وخارجها: روما، فلورنسا، نوفارا، جنوة، باليرمو، إسطنبول، أنقرة، نيويورك، ويمكن العثور عليها أيضًا في مجموعات خاصة وعامة.

رسومات بالقلم الرصاص" مراقب الوقت"يأخذنا أنطونيو فينيللي في رحلة أبدية عبر العالم العالم الداخليالزمانية البشرية وما يرتبط بها من تحليل دقيق لهذا العالم، والذي عنصره الأساسي هو المرور عبر الزمن وما يتركه من آثار على الجلد.

يرسم فينيللي صورًا لأشخاص من أي عمر وجنس وجنسية، تشير تعابير وجوههم إلى المرور عبر الزمن، ويأمل الفنان أيضًا في العثور على دليل على قسوة الزمن على أجساد شخصياته. يحدد أنطونيو أعماله بشيء واحد، الاسم الشائع: "بورتريه ذاتي" لأنه في رسوماته بالقلم الرصاص لا يصور الشخص فحسب، بل يسمح للمشاهد بالتأمل نتائج حقيقيةمرور الوقت داخل الشخص.

فلامينيا كارلوني

فلامينيا كارلوني فنانة إيطالية تبلغ من العمر 37 عامًا، وهي ابنة دبلوماسي. لديها ثلاثة أطفال. وعاشت في روما اثنتي عشرة سنة، وثلاث سنوات في إنجلترا وفرنسا. حصلت على شهادة في تاريخ الفن من مدرسة BD للفنون. ثم حصلت على دبلوم مرمم فني. قبل أن تجد مهنتها وتكرس نفسها بالكامل للرسم، عملت كصحفية وملونة ومصممة وممثلة.

نشأ شغف فلامينيا بالرسم في مرحلة الطفولة. وسيلتها الرئيسية هي الزيت لأنها تحب "تصفيف الشعر" واللعب أيضًا بالمواد. تعرفت على تقنية مماثلة في أعمال الفنان باسكال توروا. فلامينيا مستوحاة من كبار أساتذة الرسم مثل بالتوس وهوبر وفرانسوا ليجراند، بالإضافة إلى الحركات الفنية المختلفة: فن الشارع، والواقعية الصينية، والسريالية، وواقعية عصر النهضة. المفضلة لها الفنان كارافاجيو. حلمها هو اكتشاف القوة العلاجية للفن.

دينيس تشيرنوف

دينيس تشيرنوف - موهوب الفنان الأوكراني، من مواليد عام 1978 في سامبير، منطقة لفيف، أوكرانيا. بعد التخرج من خاركوف مدرسة فنيةوفي عام 1998 أقام في خاركوف، حيث يعيش ويعمل حاليًا. كما درس في خاركوف أكاديمية الدولةالتصميم والفنون، قسم الجرافيك، خريج عام 2004.

ويشارك بانتظام في المعارض الفنية، على في اللحظةتم عقد أكثر من ستين منهم، سواء في أوكرانيا أو في الخارج. يتم الاحتفاظ بمعظم أعمال دينيس تشيرنوف في مجموعات خاصة في أوكرانيا وروسيا وإيطاليا وإنجلترا وإسبانيا واليونان وفرنسا والولايات المتحدة الأمريكية وكندا واليابان. تم بيع بعض الأعمال في صالة كريستي.

يعمل دينيس في مجموعة واسعة من تقنيات الرسم والرسم. تعد الرسومات بالقلم الرصاص من أكثر أساليب الرسم المفضلة لديه، وهي قائمة بموضوعاته رسومات بالقلم الرصاصكما أنه متنوع للغاية، فهو يرسم المناظر الطبيعية، والصور الشخصية، والعراة، والتركيبات النوعية، الرسوم التوضيحية الكتابوالأدبية و إعادة البناء التاريخيةوالأوهام.