Меню
ГлавнаяЗдоровье

Понятие «искусство». Виды и жанры искусства

Понятие «искусство» известно каждому. Оно окружает нас на протяжении всей жизни. Искусство играет большую роль в развитии человечества. Оно появилось еще задолго до создания письменности. Из нашей статьи вы можете узнать о роли и задачах.

Что такое искусство? Общая информация

Понятие «искусство» достаточно многогранно. Обычно под ним подразумевают отрасль человеческой деятельности, которая может удовлетворить одну духовную потребность, а именно любовь к прекрасному. Искусство - это особая форма общественного сознания. Именно оно представляет собой художественное отражение человеческой жизни. Благодаря ему можно выяснить, как жили люди в то иной временной промежуток.

Самым первым автором, который раскрыл понятие «искусство», был Шарль Батё. Он создал целый трактат, в котором классифицировал данную отрасль человеческой деятельности. Его книга «Изящные искусства, сведенные к одному принципу» была опубликована в 1746 году. Шарль Батё считает, что их можно определить по нескольким критериям. Автор уверен, что искусство приносит удовольствие, а также оно имеет духовный, а не телесный характер.

Понятие «искусство» включает в себя живопись, музыку, поэзию, архитектуру и многое другое, с чем мы сталкиваемся ежедневно. Любой вид художественной деятельности отличается определенными положительными качествами. Каждая сфера искусства имеет особый способ воспроизведения действительности и художественные задачи. Все виды художественной деятельности подразделяются на роды и жанры.
Обычно искусство делят на три группы:

Существуют разнообразные виды искусства:

  • пространственное, в котором благодаря построению раскрывается видимый образ (скульптура, архитектура);
  • временное, в котором значение приобретает развертывающаяся в реальном времени композиция (поэзия, музыка);
  • пространственно-временное - зрелищное искусство (цирковое представление, кино, хореография).

Графика

Искусство графики - это вид, который включает в себя рисунок и печатную графику изображений (гравюра, минотопия и другое). Ее выразительные средства - контур, штрих, фон и пятно. Известно, что это наиболее популярный вид изобразительного искусства. По своему содержанию и форме графика имеет много общего с живописью.

Гравюра - это вид графики, в котором рисунок является печатным оттиском. Наносят его специальным гравером. Гравюра может быть изображена на металле, дереве и линолеуме.

Еще один популярный вид графики - особый способ плоской печати, при которой печатной формой служит поверхность камня. Данный вид изобретен в 1798 году. Изображение на камень наносят с помощью специальной туши или карандаша.

Искусство графики - самое древнее из всех существующих. Первые изображения существуют со времен неолита и бронзового века. Наши предки выцарапывали рисунок на стенах пещер и скалах. Спустя некоторое время изображения наносились на оружие и предметы быта. После того как появилась письменность, графика использовалась при оформлении писем, книг и грамот.

Способы копирования рисунков на протяжении многих лет были неизвестны. Именно поэтому все изображения создавались в единственном экземпляре. Не секрет, что сегодня такие графические рисунки востребованы у коллекционеров.

В середине 20-го столетия специалисты начали разрабатывать технику черно-белой графики. Было создано более 20 вариантов графической фактуры. Были изданы обучающие пособия. Сегодня графика занимает ведущее место в искусстве.

Бэнто

Бэнто - это необычное искусство для детей и взрослых. Не секрет, что многие родители не знают, как приучить свое чадо к здоровому питанию. Сегодня на прилавках магазинов присутствует большой выбор вредной и даже опасной пищи. На помощь может прийти новый вид искусства - бэнто. Появилось оно в Китае. Таким термином китайцы называют еду, которую они запаковывают в специальные коробочки и берут с собой на учебу или работу. Бэнто - это произведение искусства, которое можно съесть. Талантливые домохозяйки и повара создают из еды фигурки и небольшие картины. Главное отличие такой еды - это сбалансированность и наличие большого количества витаминов. Китайцы создают съедобное произведение искусства только из полезной пищи.

Бэнто - это искусство для детей и взрослых, благодаря которому ребенок с удовольствием будет употреблять полезные продукты. У нас оно еще не так популярно, но уже известно несколько мастеров, которые освоили данную технику.

Влияние искусства на сознание и жизнь ребенка. Как объяснить ребенку современные произведения художественной деятельности?

Искусство играет важную роль в жизни ребенка и развитии его личности. Сегодня абсолютно каждый человек должен иметь хотя бы базовые познания о той или иной сфере деятельности. Общество стремительно развивается, и поэтому каждая личность должна быть многогранной. Многие современные родители стараются как можно раньше привить своему чаду любовь к искусству. Для этого разработано немалое количество методик воспитания, которые можно использовать с первых месяцев жизни ребенка.

Понятие о видах искусства ребенок получает еще в школе. Обычно родители, преподаватели и воспитатели уделяют много внимания письму, чтению, счету и другим предметам, за которые отвечает левое полушарие мозга. Для развития правого понадобится заниматься музыкой, танцами и другими видами искусств. Важно развивать оба полушария мозга, для того чтобы в дальнейшем стать полностью сформировавшейся личностью.

Благодаря осваиванию искусства у ребенка:

  • формируется личность;
  • повышается уровень интеллектуального потенциала;
  • формируются нравственные ориентиры;
  • развивается способность творческого мышления;
  • появляется уверенность в себе и повышается самооценка;
  • развивается память и внимание;
  • расширяется кругозор.

Для того чтобы познакомить ребенка с искусством, важно в первую очередь организовать зону, в которой будут храниться все материалы, необходимые для творческой деятельности. Понадобится иметь дома несколько книг об искусстве. С раннего детства ребенку необходимо читать их. Важно обсуждать все изученное. Для знакомства с искусством понадобится хотя бы раз в месяц посещать с ребенком музеи, галереи, театры и выставки. Ни в коем случае нельзя выбрасывать рисунки, аппликации и поделки, созданные руками детей. Благодаря им можно увидеть творческий рост ребенка. Важно также как можно раньше записать его в тематический кружок, занятия в котором будут ему по душе.

Некоторые произведения современного искусства вызывают недоумение со стороны не только детей, но и взрослых. Нередко тот или иной ребенок не понимает архитектуру, которая была спроектирована модернистами. Важно объяснить школьнику, что любое произведение искусства - важный этап в развитии человечества.

Множество вопросов у детей вызывают абстрактные картины. Существует немалое количество специальных изданий, благодаря которым родители могут показать ребенку, как тяжело создать подобное художественное произведение. Одно из них - «Сам себе Кандинский».

Нередко детей интересует, можно ли сравнить современное и первобытное искусство. Это и многое другое вы можете выяснить в нашей статье.

Изобразительное искусство. История его развития в России

Известно большое количество разнообразных видов искусств. Каждый из них имеет свои особенности и преимущества. Что такое изобразительное искусство, знает почти каждый. С ним знакомят детей еще в раннем возрасте.

Это вид художественной деятельности, благодаря которому мастер может с помощью специальных средств может воспроизвести окружающий мир. Его история в России делится на два периода, границу которых обозначили Петровские реформы. В была тесно связана с иконопочитанием. Иконы имели свой своеобразный художественный стиль. Цель таких произведений искусств - показать молитвенную собранность и умиротворенность в общении с Богом. Именно это объясняет наличие в иконах присутствие некоторых художественных средств. Со временем мастера освоили открываются школы иконописания. Наиболее известной работой считается «Троица» А. Рублева. Иконы 15-16-го веков отличаются гармонией красок.

В 17-м веке популярны были иконы «фряжского письма». Они характеризуются элементами западноевропейской живописи, а именно масляными красками, подобием светотеневой моделировки, точнымизображением людей и природы. Интерес к иконе как к произведению искусства возникает только в 19-м веке.

Древнерусская скульптура существовала в виде резьбы по камню и дереву. Наиболее часто мастера изображали образы святых. Особое внимание уделяли лику. В 18-19-м веках востребованы были скульпторы и живописцы из других стран. Спустя некоторое время стали популярными отечественные мастера.

В 18-м веке наиболее популярным становится Он характеризуется строгостью рисунка, условностью колорита и использованием сюжетов из Библии и мифологии. Так, постепенно зарождалось национальное искусство.

В 1860-1880 годах открываются первые галереи, а отечественные мастера становятся известными во всем мире. Постепенно возникают новые направления. Каждое из них заняло важное место в формировании культурного наследия. В 18-19-м веках человечество не только знало, что такое изобразительное искусство, но и активно его использовало.

Темы, раскрываемые в искусстве

Удивительно, но все темы и проблемы, которые раскрывают мастера в своих художественных произведениях, актуальны на протяжении многих веков. Древние римляне утверждали, что искусство, в отличие от человеческой жизни, вечно. Это неслучайно. Темы в искусстве освещают общественные проблемы, которые нередко встречаются и сегодня. Именно поэтому они составляют огромную ценность для человечества. Мастера нередко раскрывают в своих произведениях тему любви, природы и дружбы.

Со временем меняются направления в искусстве и появляются новые мастера, но темы и образы остаются неизменными. Именно поэтому любое произведение остается актуальным на протяжении многих лет.

Искусство и его роль

Роль искусства в жизни общества неоценима. В его основе лежит художественно-образное отражение действительности. Искусство формирует духовный вид людей, их чувства, мысли и мировоззрение. Образное воссоздание действительности создает нашу личность. Искусство помогает развиваться и самосовершенствоваться. А также познавать окружающий мир и самого себя.

Искусство - это культурное наследие. Благодаря художественным произведениям можно выяснить, как жили люди в то или иное время. В последнее время особую популярность имеют различные арт-методики. Благодаря искусству можно научиться контролировать себя. Создавая художественный объект, можно забыть о проблемах и избавиться от депрессии.

Искусство и его задачи

Максим Горький считал, что задачи искусства заключаются в нравственной и эстетической оценке всех существенных явлений. Писатель говорил, что благодаря этому можно научиться понимать себя, бороться с пошлостью, уметь понимать людей и находить в них что-либо хорошее. Сегодня известны три функции художественной деятельности. Задачи искусства заключаются в исследовании, публицистике и просвещении. Мастера считают, что функция художественной деятельности - нести прекрасное в души и сердца людей. Николай Васильевич Гоголь утверждал, что задача искусства заключается в изображении действительности.

Современное и первобытное искусство

Многих интересует, На первый взгляд, это невозможно. Однако это не так. Если воспринимать искусство как способ самовыражения личности, то и современное, и первобытное находится в одной плоскости. Сравнивая их, можно понять, как изменилось восприятие человека.

Человеческое мышление стало более абстрактным. Это указывает на активное развитие интеллекта. Со временем человек изменил приоритеты и сегодня воспринимает жизнь не так, как первобытные предки. Раньше мастеров интересовал облик предмета и его формы, а сейчас главную роль в произведениях занимают эмоции. Такое отличие существует с конца 19-го века.

Подводим итоги

Важно с раннего возраста развивать не только левое, но и правое полушарие мозга. Для этого необходимо заниматься искусством. Особенно важно уделять должное внимание творческому развитию ребенка. Настоятельно рекомендуем делать это с первых лет его жизни. Далеко не каждый понимает роль, задачи и виды искусства. Кратко описанная информация в нашей статье позволяет получить базовые знания о различных художественных сферах деятельности.

Искусство в системе культуры

«Искусство – форма культуры, связанная со способностью субъекта к эстетическому освоению жизненного мира, его воспроизведению в образно-символическом ключе при опоре на ресурсы творческого воображения» .

Но можно ли сказать, что этого определения достаточно, чтобы представить все многообразие смыслов, содержащихся в искусстве, чтобы уловить неповторимую специфику этого явления… Безусловно, ответ будет отрицательным. Никакое определение не сможет всех удовлетворить, в принципе, так как каждый человек имеет собственное представление об искусстве, его ценности и назначении. Любая попытка рассказать о том, что есть искусство, будет выражением предельно субъективной точки зрения. И в этом одно из самых существенных отличий искусства от других феноменов культуры. Искусство, несмотря на кажущуюся неопределенность и субъективность восприятия, однажды вошло в жизнь человека и уже не покидает его. Из века в век, несмотря на возрастающий прагматизм человека, все еще волнует бескорыстная красота живописи или музыки.

Сегодня невозможно однозначно ответить на вопрос, для чего человеку нужно искусство. Одни утверждают, что искусство существует для украшения жизни – эти люди упорно стремятся к открытию Красоты как вечного закона бытия. Действительно, Красота волновала человека: он пытался уловить ее в природе, в окружающих людях, выявить какие-либо критерии, а затем зафиксировать ее. В истории искусства можно найти миллиарды «свидетелей» (картин, скульптур, миниатюр, стихотворений, песен) таких встреч с Красотой. Другие считают, что искусство должно воспитывать человека – они ищут в произведениях Добро, Пользу, Справедливость. А третьи убеждены, что искусство является способом познания мира, поэтому их цель в искусстве – открытие и фиксация Истины. Так получается, что искусство способно удовлетворить весьма разнообразные интересы.

В чем же отличие искусства от других феноменов культуры, которые также предоставляют человеку возможность реализовать свои потребности? Ответ на этот вопрос следует искать в неразрывной связи искусства с реальностью. Жизнь человека полна изменчивости: человек оказывается втянутым в это вечное изменение внешней действительности и внутреннего мира. Человек может искать способы приспособления или преодоления этой изменчивости: накапливая и применяя знания, он выстраивает вокруг себя мир культуры, защищающий его от непредсказуемости природы. Так деятельность человека превращается в борьбу за выживание. Но человек открыл для себя иной способ существования – не приспосабливаться и бороться с окружающей реальностью, но играть с ней. Умение играть, присущее даже животным, человек начинает использовать не только как способ научения чему-то или передачи знания и т.д., но как универсальный способ сосуществования человека с миром и другими людьми.

Искусство является универсальной формой мировосприятия, которая присуща только человеку. Поэтому, можно сказать, что искусство является уникальным способом выражения именно человеческого бытия. В чем специфика такого способа реализации человека мы и попытаемся выяснить.

Критерии определения искусства различны: они зависят от специфики культуры, в рамках которой творит художник, от места и времени создания и восприятия произведения.

В самом широком смысле понятие «искусство» употребляется в двух значениях:

1. Искусство – это искусность, мастерство, умение, ловкость, высокая оценка способности выполнять какую-либо работу. Часто так оценивают человека, который не просто профессионально выполняет свою работу, но делает это красиво, легко или как-то особенно вдохновенно. Поэтому и дворник, разметающий листья, может сам себя чувствовать или восприниматься другими как поэт.

2. Искусство – это творческая деятельность, направленная на создание художественных произведений, эстетически выразительных форм.

Если соединить эти два значения, то получится следующее определение:

Искусство – это художественная деятельность, основанная на мастерстве и умении.

Традиция понимания искусства как мастерства и умения сложилась уже в Античности, когда были сформулированы такие фундаментальные понятия как Poesis, Mimesis, Techne.

Первое понятие, Poesis, означает акт творческого действия, основанный на вдохновении. Важнейшим условием создания или восприятия произведения искусства является особое состояние. Не случайно в мировой художественной культуре так распространен сюжет посещения поэта или художника Музой, символическим образом вдохновения:

Прилежно я внимал урокам девы тайной;

И, радуя меня наградою случайной,

Откинув локоны от милого чела,

Сама из рук моих свирель она брала:

Тростник был оживлен божественным дыханьем

И сердце наполнял святым очарованьем.

А. С. Пушкин «Муза» Таким образом, состояние вдохновения, переживаемое как появление «из ниоткуда» чего-то нового, характеризуется особой открытостью по отношению к миру и готовностью к творческому диалогу, как с реальностью, так и со своим ощущением этой реальности.

Диалогичность искусства нашла выражение и во втором понятии. Mimesis означает «подражание природе». По мнению древних греков, человек не может придумать ничего, чего не было бы в природе, поэтому в искусстве он только и может подражать ей.

Третье понятие, Techne – это ремесло, наука, ловкость, сделанность, завершенность. Идея находит выраженность, воплощенность, только когда мастер воплотил ее в материале, приложил к созданию произведения искусства физические усилия.

Таким образом, искусство воспринимается как постоянный возврат к природе, диалог с миром, в котором живет художник:

Позднее под искусством стали понимать творческую деятельность, направленную на постижение и преобразование окружающего мира по законам красоты. Вот слова «по законам красоты», казалось бы, и отличает искусство от других видов творчества: например, в науке творчество происходит по законам логики и разума. Но в различных культурных традициях понятие красоты определяется по-разному: то что казалось красивым человеку 17 века, современному человеку кажется уродливым. К тому же все чаще художники намеренно обращаются не к чему-то «прекрасному», но выражают свое отношение к миру через «безобразное». Поэтому, если воспринимать искусство как средство фиксации именно красоты, искусство лишается какого-либо смысла.

Невозможно также определить искусство только как выражение индивидуально-личностного отношения художника. Ведь были эпохи, когда художник был выразителем не личного, но общественного миропонимания: достаточно вспомнить прекрасные, построенные по определенным канонам средневековые храмы, иконы, которые писались и пишутся до сих пор по иконографическим канонам, или типичные древнеегипетские «портреты» фараонов. Такое искусство – это в первую очередь искусство традиции, а во вторую очередь, искусство индивидуальной творческой инициативы. Все методы и приемы древнерусского или древнеегипетского искусства призваны выражать вечность и неизменность происходящего и изображаемого. Это были эпохи великих канонов! Эпохи, которые не донесли до нас практически ни одного имени художника или архитектора. Архитектор, размещающий свое имя где-нибудь на крыше собора, рисковал оказаться на инквизиционном костре. Времена изменились, сегодня за подпись никто не отправит художника на костер. Однако и сегодня сохраняется эта традиция: мы не сможем узнать на имя, ни время создания иконы, вышедшей из иконописной мастерской Новотихвинского монастыря в Екатеринбурге или любого другого монастыря России – ведь икону создает не человек, но Бог руками человеческими. Каноны, пропущенные через индивидуальное осмысление, не сдерживают, но направляют художника по пути выражения всеобщего идеала или вечного знания, представления о мире и человеке.

Вследствие эффективности такого способа трансляции идей как искусство в разное время кто-нибудь да стремился поставить искусство на службу себе, использовать его. Очень долго искусство доказывало свое право на самостоятельность от политики, морали, литературы и так далее. Однако полностью подчинить искусство себе не могла ни одно из перечисленных явлений культуры: сама природа искусства не позволяет использовать его язык для передачи уже готовых философских, религиозных или политических идей. Эти идеи все равно, так или иначе, преобразуются в сфере искусства, проходят интерпретацию, эмоционально окрашиваются в зависимости от художника.

Итак, единственным всеобщим критерием, определяющим специфику искусство как формы культуры, является то, что любая идея вне зависимости от своего содержания выражается через художественный образ и посредством художественных средств. Именно за счет этого искусство оказывается специфической деятельностью, отличной от других форм культурной деятельности.

Искусство, кем и где бы оно ни создавалось или воспринималось, создает особое пространство. Действительно, одной из самых распространенных версий появления и существования искусства является версия искусства как украшения жизни: серая обыденная реальность меняется как только мы слышим любимую песню, а не менее серый бетонный забор радует глаз, когда вместо мата на нем появляется настоящая живопись граффити. Книга Льюиса Кэрролла «Приключения Алисы в стране чудес» является своеобразным подтверждением этой версии: в чудесный мир, где предметы меняют свои обычные размеры и функции, героиня попадает через кроличью нору, преодолев какую-то границу, разделяющую две реальности.

Художественное пространство пронизано различными границами: это может быть театральная рампа, рама картины, телевизионный экран, первая страница книги и так далее – все это разные варианты границы вымышленного и реального мира. Поэтому можно говорить о наличии нескольких значений понятия «отграничения» места, в котором существует искусство. Рассмотрим эти границы на примере театра как особого пространства, в котором переплетается максимально возможное количество границ.

Первое – «отграничение» реальное: театр как здание, как совокупность сценографических объектов, служебных помещений и зала, является местом, имеющим реальные границы, отделяющие это место от других.

Второе – «отграничение» культурное: человек приходит в театр, воспринимая его как культурное учреждение, в котором действуют определенные законы, стереотипы поведения, традиции. Все эти нормы и стереотипы поведения призваны защитить художественную реальность от реальности «невоспитанного» зрительного зала, от зрителя, разговаривающего по телефону, шуршащего фантиками от конфет, комментирующего происходящее и так далее. Театр в данном случае выступает как особое замкнутое культурное пространство с действующей в нем системой правил поведения. В процессе воспитания человек научается корректировать свое поведение в зависимости от того, где он находится на рок концерте или эстрадном шоу, в цирке или в театре.

Третье – «отграничение» художественное: театр как место, в котором «зарождается жизнь» в виде спектакля, на время спектакля оказывается «отграниченным от остального мира» за счет переживания зрителями и актерами художественных образов в художественном пространстве. Таким образом, отграничение в театре позволяет ему функционировать одновременно и как реальное архитектурное пространство, и как иерархически выстроенное пространство культуры, и как художественное пространство – а в целом как пространство, структурирующее человеческое бытие в культуре.

Все существующие границы, которые преодолевает человек до встречи с произведением искусства (будь то спектакль, картина, архитектурное сооружение или книга), призваны не только выделить художественную практику человека как отдельную от его повседневной деятельности, но и подготовить его к этому особому виду деятельности. Но если прийти в театр и соблюдать все правила нахождения в нем не так уж и трудно для человека с достаточным опытом посещения театра, то проникновение в «реальность» спектакля, да и вообще любого произведения искусства – самое сложное для человека вне зависимости от его возраста или опытности. Зачастую многолетний опыт может даже мешать, когда человек не способен непосредственно, как ребенок, воспринимать то или иное произведение искусства, что влияет на объем получаемого удовольствия.

Способность преодолеть эту границу между своим восприятием мира и восприятием художника напрямую связана с подвижностью внутреннего мира человека, с его способностью реагировать на внешние воздействия и меняться. Меняться не только по отношению к какому-либо произведению, автору или стилю, но и по отношению к культуре в целом. Поэтому «отграничение» тесно связано с процессом преодоления границ: человек, попадая в пространство существования искусства, вносит изменения в свои повседневные духовные и физические практики, что совершенно необходимо для освоения новых областей и уровней культуры, а, следовательно, для совершенствования личности.

Однако, граница, разделяющая вымышленный и реальный мир, не может преодолеваться полностью, иначе это приводит к нарушению художественного пространства и исчезновению искусства. Очень важно для потребителя продукта художественной культуры понимать, что этот продукт – не реальность, а лишь авторское видение реальности. Зритель, не умеющий работать с этой границей, может принимать игру за реальность и неадекватно реагировать на искусство: например, кинуть чем-нибудь в актера, играющего отрицательного персонажа или плеснуть в картину кислотой.

Способность грамотной работы со всеми типами описанных границ является показателем уровня художественной культуры личности, ее способности вступать в художественный диалог. А это очень важный аспект данной темы, так как искусство коммуникативно по своей природе; созданные произведения всегда адресованы человеку, зрителю. И хотя художник могут намеренно встать в позу «мне публика не нужна, я творю для себя» надежда на то, что их произведения увидят свет, есть всегда. Поэтому такая поза – ни что иное, как лукавство. Произведение искусства, которое не видит человек – мертвое.

Восприятие произведения искусства – это всегда диалог, а не коммуникация. Если в процессе коммуникации информация движется однонаправлено от автора к зрителю, а в диалоге обе стороны участвуют в обмене идеями.

Художественный диалог – отношения, возникающие между участниками в процессе художественного сотворчества и художественного восприятия, своеобразный диалог, в котором передается художественная информация. При этом произведение искусства становится посредником между автором и зрителем, одновременно являющимся соавтором.

Художественное общение может быть «непосредственным»: когда автор и зритель «общаются» напрямую, а время создания и восприятия произведения совпадают. Например, театр является искусством, которое творится только на глазах зрителя, которое ежесекундно зависит от настроения актеров и сиюминутной реакции зрителей, что и обеспечивает «непосредственность» художественного общения. Между актером и зрителем может быть только рампа и несколько рядов впереди сидящих людей; а в условиях театра на малой сцене рампа уничтожается, и зритель получает возможность максимально приблизиться к художественной реальности спектакля и даже оказаться внутри нее. Время создания и восприятия произведения объединены также в цирке, на концерте, на различного рода перформансах, когда зрители непосредственно присутствуют в момент рождения чего-то нового и могут повлиять на процесс.

Но также художественное общение может быть более опосредованно: автора и зрителя разделяет время и пространство. Например, как бы нам, живущим в XXI веке, ни хотелось пообщаться с великим безумцем Винсентом Ван Гогом – это невозможно!

Как можно заметить, художественное общение определяется не только временем и пространством, но и спецификой различных видов искусства, каждый из которых подразумевает свой язык, свой способ организации диалога и пространства.

В рамках таких видов искусства как архитектура, скульптура, кинематограф, живопись художественный образ жестко фиксируется в материале. И здесь можно наблюдать как плюсы, так и минусы такой привязанности к материалу. С одной стороны, чем более произведение искусства зависит от материала, тем менее оно изменяется. Невозможно предложить режиссеру Андрею Тарковскому изменить что-то в его фильме, поспорить с ним не только потому, что этого режиссера уже нет в живых, но и потому, что фильм уже был смонтирован и озвучен. Также мы не можем потребовать изменить пропорции фигуры Венеры Милосской «в связи с изменившимися эталонами красоты женского тела» – это было бы абсурдно. Но с другой стороны, разрушение материала приводит к гибели и самого художественного образа. Сколько мировая культура насчитывает невозвратных потерь: картин, погибших в военных конфликтах и от рук психически ненормальных людей, разрушенных храмов, уничтоженных скульптур. В этом смысле фраза «Рукописи не горят!» становится очень условной.

Есть произведения искусства, у которых привязанность к конкретному материалу практически сведена до минимума, они могут меняться в зависимости от зрителя. Но и они оказываются беззащитными перед временем. Так, например, вложить новый смысл в пьесу «Гамлета» Шекспира возможно: и, как правило, каждый режиссер, когда-либо бравшийся за постановку этой пьесы, выражал современные и актуальные для него, его времени и страны идеи. Он мог переодевать Гамлета в джинсы, заставлять его играть на саксофоне, но при этом ни одна строчка шекспировского текста им не менялась. Как пьеса «Гамлет» может существовать в виде письменного или устного текста, который может быть воплощенным в спектакле или фильме.

Одним из самых «нематериальных» видов искусств является музыка. Звук – прозвучал, и его уже нет! Поэтому музыка, не переложенная на ноты, может и не сохраняться во времени. Но у музыки есть и преимущества по сравнению с той же скульптурой. Так скульптор в материале «раз и навсегда» фиксирует собственную трактовку образа. Зритель, созерцающий эту скульптуру, сталкивается с готовым зримым образом и его фантазия оказывается подчиненной видению скульптора. В одном и том же музыкальном произведении два слушателя могут услышать совершенно разные идеи или настроения, их фантазия ограничивается только их же личностью. Поэтому абстрактная музыка зачастую более трогает человека, чем готовый зримый скульптурный образ. Можно привести и такой пример: человек отправляется в кинотеатр на экранизацию прочитанной недавно книги и понимает, что он совершенно все не так представлял. Дело в том, что чем больше произведение искусства дает возможность додумать зрителю, тем большее удовольствие зритель получит.

Однако вернемся к рассмотрению специфики художественного диалога. Схематично его можно представить следующим образом:

Художественный образ, запечатленный в произведении, является как бы авторским высказыванием, предназначенным для зрителя. Поэтому проблема понимания языка является одной из самых важных. В межличностном общении зачастую возникает проблема непонимания Другого: хотя люди находятся рядом и имеют благоприятные условия для того, чтобы понять друг друга понимание все таки может и не возникнуть. В условиях художественного диалога Зритель может попробовать понять Автора только через оставленное им произведение, поэтому путь к пониманию усложняется. Человек, обладающий небольшим опытом общения с искусством, при столкновении с каким-то новым художественным языком начинает воспринимать произведение как своего противника. Неприятие чего-то неизвестного – естественная психологическая реакция. «Защищаясь» человек начинает «бороться» с произведением, занимая позицию «непонимания и нежелания понять». Кроме фактора неопытности зрителя есть еще и фактор привыкания к определенному художественному языку. Так, например, в 60-70-е гг. XIX века появляются художники, которых уже не устраивает реалистический язык, они вырабатывают свою манеру и получают название «импрессионисты» - К. Моне, П. Ренуар, П. Синьяк, Э. Дега и другие. Однако, публика еще не привыкла к их живописи, критика обрушивается на их выставки. Пройдет несколько лет, и импрессионисты будут успешно продавать свои работы, а место «отверженных» займут новые художники: В. Ван Гог, Ж. Сёра, П. Гоген, А. Тулуз-Лотрек и другие.

Итак, индивидуальное авторское видение может не совпадать с нашим видением мира, тем привлекательнее для нас искусство. В свою очередь художественная культура как раз и помогает человеку научится понимать различные языки искусства. Накапливая опыт общения с искусством, человек постепенно овладевает языком цвета, линий, музыки, жестов и так далее, что помогает ему глубже воспринимать новые произведения искусства. Поэтому можно научится музыкальному языку и языку абстрактной живописи, можно научиться процессу восприятия любого авторского языка. Овладевая художественными языками, человек выходит на путь взаимопонимания, а не отгораживания от других людей, а, следовательно, его бытие в культуре становится разнообразнее, а самореализация многограннее.

В рамках художественной культуры человек овладевает различными приемами художественного общения. И одновременно у него формируются:

1. Потребность в художественном общении, своеобразная привычка, которая формирует мотив общения. Мотивом может быть желание пережить какие-либо эмоции: в результате реализации этого желания у человека появляются «привязанности», предпочтения в искусстве, человек собирает в домашнюю видеотеку любимые фильмы или коллекционирует музыкальные записи любимой группы и отправляется на каждый новый концерт этой группы. Мотивом может быть не только желание получить что-то (эмоции, новые идеи), но и желание выразить себя, создав какой-либо художественный объект с воплощенным в нем идеи или чувства, и таким образом зафиксировать себя в культуре. Оба описанных мотива являются актуализирующими творческий потенциал, заложенный в каждой личности;

2. Установку на общение, которая складывается до начала художественного контакта. В процессе художественного диалога установка может сыграть положительную роль, настроив зрителя на определенный художественный язык и способ общения, но может и помешать. Достаточно представить такую условную ситуацию: пожилая любительница классической музыки отправляется на концерт, в программе которого обещано исполнение сочинений Вагнера. Но случайно она попадает на концерт группы «Неприкасаемые». Возможно, если бы она была подготовлена к такому изменению, то смогла бы воспринять и эту музыку, но из-за определенной установки на Вагнера наша героиня, скорее всего, будет шокирована;

3. Коммуникативные навыки, которые основываются на овладении языками искусства: умении использовать язык в зависимости от жанра и вида искусства + понимание авторской мотивировки;

4. Гибкость сознания и художественная память;

5. Формирование ценностно-смыслового отношения к произведению искусства;

6. Способность установить общность своего духовного мира и мира автора.

Таким образом, чем выше уровень художественной культуры, тем более личность оказывается способной к творческой и сотворческой деятельности, тем более становится открытой для диалогического контакта с миром другого человека, выраженного в художественном произведении, и тем более разнообразной становится жизнь человека. На основе вышеизложенного необходимо определить функции искусства в жизни человека и процессе существования культуры в целом.

Искусство на протяжении всей истории мировой культуры является специфической системой накопления

и передачи опыта в особой языковой системе, использующей в качестве инструментов цвет, ритм,

формы, объемы, звуки и т.д. Информация хранится в образах, знаках, символах, в текстах и вещах

и т.д. Существуют институты, занимающиеся накоплением и сохранением культурной информации:

музей, галерея, театр. То есть художественная культура – естественная память общества человека,

коллективная память и индивидуальные впечатления.

Во-первых, за счет приобщения человека к этой памяти реализуется и воспитательная функция. Воспитание в искусстве происходит опосредованно, так как воспитание – это не цель искусства, оно менее важно, чем процесс. Художественное воспитание и образование являются подсистемами художественной культуры.

Во-вторых, функция накопления и передачи опыта, включает в себя и объединяющую функцию, которая подразумевает интеграцию общества посредством искусства.

И, в-третьих, кроме накопления и передачи опыта искусство выполняет и его обновление. Это связано с тем, что искусство всегда имеет авторскую природу (даже если автор намеренно выступает как анонимное лицо). Каждый раз художник открывает мир заново, постоянно обновляя действительность. Новаторство и новизна выступают здесь как особый способ самоутверждения. За счет использования средств искусства предлагаемая художником модель реальности оказывается представленной в ярких, эмоциональных образах, что достаточно сильно воздействует на зрителя. Поэтому производитель всегда несет ответственность за то, что он создал, какие идеи выразил, и как его создание повлияло на людей.

Специфика искусства как способа трансляции информации заключается в том, что искусство

диалогично. Поэтому диалогическая функция является одной из центральных. Если рассматривать искусство

как средство общения, то можно сказать, что в нем закрепляется связь между человеком и культурой;

благодаря искусству человек может не только вступать в диалог со своими современниками, но и переноситься

в другие эпохи и страны, общаться с другими поколениями, людьми (даже вымышленными).

Однако диалогическая функция напрямую связана с функцией обновления культуры. Искусство – есть диалог автора и зрителя как соавторов, в результате которого появляется нечто новое (эмоция, ценность, идея, объект). Таким образом, каждая встреча с искусством потенциально является своеобразным экспериментом:

«Эксперимент – опыт, попытка осуществить что-нибудь каким-либо способом» . Дополнением к данному определению должны быть смыслы, воспринимаемые как неотъемлемые составляющие понятия эксперимента: «поиск», «попытка», «открытие», «новизна», «изменение традиций», «ломка стереотипов» и так далее.

«Эксперимент предполагает готовность искусства к поиску, даже к ошибкам ради того, что еще не существует» .

Именно диалог определяет направленность эксперимента: для качественного изменения художественной культуры (ее содержания и функций) эксперимент должен распространяться на всех участников, а не только на зрителей. Художник, будучи инициатором и координатором эксперимента, направляет все усилия в первую очередь на себя – ставит себя в ситуацию постоянного самоопределения – и только после этого обращается к зрителям. Следовательно, организация ситуации диалога – особая задача искусства, которую необходимо решить для успешного протекания художественного эксперимента.

Художественный эксперимент – опыт создания определенных условий обновления приемов искусства, изменения участников и системы ценностей культуры в целом, что осуществляется за счет формирования единого смыслового художественного (игрового) пространства.

Почему эта картина (книжка, здание, кино) считается шедевром, а вон та - ширпотребом, безвкусицей и отстоем?
Только недавно мне наконец пришел в голову неплохой объективный критерий.

Раньше я считал что слово «качество» к произведениям искусства вообще неприменимо, что это дело вкуса, моды, маркетинговой раскрутки и т.п. Я думал что в этой области нет и не может быть объективных показателей.

Сами ценители искусства поддерживали это мое заблуждение своими разговорами типа: «надо просто много смотреть, изучать, сравнивать - и понимание и вкус к хорошему искусству сами прийдут, со временем».

А я технарь, мне такое непонятно вообще. Это звучит как - «надо много любоваться на формулы и тогда само собой будет ясно зачем они и как ими пользоваться, понимание физических законов само придет».

В технике обычно есть четкие критерии (их комбинация), которые позволяют измерить качество вещи цифрами. Скажем, двигатель оценивается по удельной мощности, КПД и моторесурсу. А как быть со статуей?

Искусствоведы же ничем подобным вообще не оперируют.

Ну разве что есть аукционная цена, но это тоже во многих областях малоприменимо или неприменимо вообще.

Как вы определите цену здания, как предмета искусства, например? Или оперы?

К сожалению, сколько бы я этот вопрос не обсуждал с разными людьми из искусства, никто не мог мне сформулировать, как отличить высокое искусство от фигни. То есть люди понимают что Рафаэль писал шедевры, а Глазунов - нелепую мазню, но как это объяснить на пальцах? В конце концов есть же такое широкораспространенное выражение - «хороший вкус». Это автоматически означает что его можно объективизировать, измерить его качество. Но как, черт побери???

Мне нравится думать, что существует истина как в науке, так и в искусстве. А мы, жалкие людишки, пока вселенная не перегорит к чертям собачьим, пытаемся к этой истине асимптотически приближаться с большим или меньшим успехом. Более того, эта истина объективна. Вся эта пурга про то, что кому-то Укупник лучше Фредди Меркьюри, а значит оба молодцы, примерно то же самое, что рассуждения о том, что для Васи дважды пять, а для Пети четыре, а значит считаем каждый раз по-разному.
Безусловно, в восприятии искусства есть доля субъективизма, но(!) не стоит забывать об объективности, которая, в частности, заключается в том, что Януш Леон Вишневский говнюк, а Томас Манн талантливый писатель (даже если кому-то кажется наоборот). Каждый имеет право при этом любить Вишневского, но мы договоримся считать, что в таком случае у человека не развит литературный вкус.


Там в комментах я пытался предложить такой критерий крутизны искусства как техническая сложность. Но нет, все же это не работает. Шедевр не обязательно должен быть сложным. Бонни предложила что главное - создать что-то новое, чего до тебя никто не делал. Вроде теплее, но тоже не то. Несложно создать абсолютно оригинальную херь.

И недавно мне пришла в голову такая идея:

шедевральность предмета искусства определяется его цитируемостью.

Похожий критерий используется для оценки ученых - индекс цитирования. Чем больше на твои работы/статьи ссылаются другие ученые, тем ты лучше как ученый. Конечно тут тоже возможны всякие искажения и накрутки, но в общем и целом это удобный и общеприменямый критерий.В искусстве можно использовать тоже самое!

Шедевры ведь часто цитируются другими деятелями искусства.

Причем такое цитирование наблюдается как внутрипредметно, скажем архитектор цитирует архитектора - так и между видами искусств.

Художники пишут картины со зданиями. Здания навевают мысли композиторам. Архитекторы создают здания под впечатлением от симфоний. Поэты слышат красивую музыку и сочиняют под нее стихи. И так далее.

На самом деле совершенно разные области искусства пронизаны миллионом цитат, аллюзий и заимствований.

Отсюда стнаовится очевидным, почему нужно много наблюдать, много видеть и слышать произведений искусства и как этот опыт может помочь в их оценке - ты просто со временем сможешь видеть эти взаимные связи, видеть кто у кого что слямзил и чем вдохновился. И отсюда уже будет очевидно кто создал шедевр, а кто попугайщик.

Кто создал эпоху, тренд, а кто просто плетется в тренде.

Итак, чем шедевральнее предмет искусства, тем больше можно обнаружить его следов в его и других областях искусства.

Выявление этих следов поможет как раз объективизировать всю эту на первый взгляд сугубо субъективную сферу.

Кстати, я не претендую на оригинальность этой идеи, просто рад тому, что удалось все это прочувствовать и наконец сформулировать для самого себя эти вещи.

Чем отличается искусство от ремесла? Можно ли научиться быть художником? Почему иная картина, вроде и красивая, безупречно написанная, не привлекает внимания искусствоведов, а небрежный этюд становится шедевром на века? Споры об этом будут продолжаться, наверное, столько, сколько будет существовать искусство.

Интересно поговорить об этом и с самими художниками. Тем более с теми, кто воспитывает будущих мастеров. Член Белорусского союза художников Алесь Кветковский работает старшим преподавателем кафедры рисунка, акварели и скульптуры БНТУ, а в искусстве постоянно экспериментирует. То в картинах преображаются стихи белорусских поэтов и белорусская мифология, то в проекте «Песнi дрыгвы», посвященной болоту, причудливо соединяются стихии и очертания человеческой фигуры... В проекте «Медовый Спас» художник говорит через образы пчел, сот, меда. В этом году отмечалось 35 лет педагогической и творческой деятельности Алеся Кветковского.

Правда ли, что можно научить рисовать всякого?

Можно. Как говорит один мой учитель, просто к каждому ученику нужно найти ухват. А вот быть художником - это уже другое. Никто не может понять до конца, как живописец события этого мира преображает в образы.

Как это происходит у тебя?

Новый этап моего творчества начался, когда умер поэт Анатоль Сыс, часто бывавший в моей мастерской. Помню, как все знакомые ездили отмечать девять дней по нему, сорок дней... А я сел в мастерской и переносил на полотно все, что чувствовал, о его стихах, его личности. Получился цикл картин «Пан Лес» - у меня в голове тогда звучало стихотворение Анатоля «Пан Лес», и я писал поэта в виде лесного бога. В художественной школе я на какое–то время забросил живопись, увлекся футболом, играл сразу за пять команд. А потом случилась экскурсия в Ленинград. После увиденного уехал в деревню Подсвилье к тетке, рисовал не отрываясь и сделал выбор профессии.

- В своей статье о дизайне ты приводишь слова Андрея Вознесенского: «Когда красота входит в быт, ее излучение убивает микробы низости». Но всегда ли современное искусство - красота?

Так должно быть. Но не всегда есть. К тому же красота заменяется красивостью. Сегодня время высокопрофессиональной халтуры. Посмотрите на вернисажи... Почти все там вторично, ориентировано на вкус покупателя, которому надо еще расти до понимания высокого искусства. Основную массу на рынке составляют произведения ремесленные. В этом, кстати, ничего стыдного нет. Иконы - это ведь тоже работа ремесленников–иконописцев. Но бывают авторы, которые сознательно изгоняют из своих творений красоту и чувство, воспринимают их как слабость, сентиментальность. Шокируют зрителя, чтобы продать то, что раньше и не могло называться искусством.

Ты против искусства шока?

Современный масскульт ориентирует нас на интеллектуальный примитивизм. Уже не надо быть талантливым, достаточно быть коммуникабельным. Не нужно думать самому - достаточно посидеть в интернете. Студенты разучиваются рисовать, чертить от руки - зачем, если есть компьютерная программа? Знаю известных художников, которые маленькую зарисовку переводят на холст с помощью проектора, остается разрисовать. Но когда у мультипликатора Норштейна, автора «Ежика в тумане», спросили, почему он не прибегает к помощи компьютера, Юрий Борисович ответил, что руки - от бога, а компьютер - от лукавого.

Французский примитивист Анри Руссо еще в XIX веке переводил на холсты с помощью проектора, например, рисунки тигра из журнала - потому что не владел рисунком и не мог изобразить зверя достоверно сам. И тем не менее он остается великим художником.

- И все же профессиональная подготовка необходима! Некоторых моих студентов нанимают расписывать стены. Просто потому, что заказчик платит им меньше, чем, если бы нанял маэстро. А ведь даже чтобы «прочитать» картину, нужны подготовленность и интуиция.

С одной стороны, искусство должно вписываться в наш быт. Но есть значительные произведения, представить которые в жилом интерьере невозможно. Как можно есть или спать рядом с «Герникой» Пикассо или с потрясающими душу картинами Савицкого?

Конечно, интерьерное искусство и музейное сильно отличаются. Но и вкусы у заказчиков разные. Кто–то хочет на стену своей огромной ванной комнаты копию «Леды и лебедя» Дали из мозаики с позолотой. И тут же вспоминаю случай, как одна дама узнала, где и когда в 1930–х расстреляли в Куропатах ее деда, и заказала картину, где бы рассказывалось об этом трагическом событии. Опять же эта работа не висит в квартире на стене постоянно. Ее достают где–то раз в год, когда собирается вся семья вспомнить погибшего предка.

Но у нас и нет такой традиции - украшать интерьеры хорошими картинами. Кому это по карману? В лучшем случае средний потребитель купит репродукцию, гобелен в рамочке.

Мой друг, который в 90–х ездил в Польшу, рассказывал, что каждый зажиточный поляк считает делом престижа повесить на стену картину, понимает он ее или нет. Любимые сюжеты были - болотце с кувшинками, осенний парк. Мода... У нас такой до сих пор нет. Хотя художник Лансере утверждал, что человек, выросший среди хорошей живописи, будет сильно отличаться от того, в чьем доме имелись только телевизор и табурет. Авторское произведение - это дорого. И пусть картина будет стоять у меня в мастерской, но за 100 долларов я ее не продам. Приведу горькие слова Михаила Савицкого: «У общества нет уважения к искусству. Общество отреклось от художника, интеллектуально обессилило его, уничтожило культурную потребность в нем, его социальную и просветительскую функции, оставив ему утилитарную, прикладную».

Ты утверждаешь, что классическое искусство - искусство честных людей, а причины авангарда в том, что художник хочет заигрывать со зрителем и как–то понравиться. Но ведь и то, что ты пишешь, - никак не реализм...

Но и не то, что можно назвать «делать козу». Я пишу о том, что чувствую. Цикл о болоте родился из стихотворения Виктора Шнипа «Болото». Иногда вижу воплощение болотной стихии, глины, воды, трясины в женском торсе. Узнал, что на Полесье есть поверье, что души мужчин живут в дубах, а женщин - в диких грушах. Нарисовалась картина с дикой грушей.

Но у тебя есть и портреты реальных персонажей.

Да, например, знаменитых людей Воложинщины, где прошло мое детство. Мечтаю, что в Воложине появится картинная галерея. Нарисовал для нее портреты поэтов Старога Власа и Констанции Буйло, Владиславы Станкевич, жены Янки Купалы, портрет президента Израиля Шимона Переса, который родился в Вишнево возле Воложина. Когда писал портрет Переса, специально поехал на место его родного дома, нашел старый колодец. Так и изобразил: пожилой человек у колодца, на фоне озера. Задумал большое полотно «Вишневская трагедия», посвященное двум тысячам замученных в Вишнево в 1942 году евреев.

А случалось создавать картины со сложной энергетикой?

У меня в картине должно быть немножко катастрофы. Даже в натюрморте, пейзаже. Однажды рядом с букетом осенних цветов я нарисовал рюмку водки, накрытую хлебом, и оказалось, что это картина памяти моего отца. Назвал ее «Память цветка».

А кто твои учителя в профессии?

Легендарный Сергей Петрович Катков. Мама привела меня к нему в студию в пятилетнем возрасте, потом он учил меня в художественной школе. Катков воспитывал в нас понимание, что настоящая живопись - это катарсис, свобода. Допустим, чудесный осенний день... Он говорит: все занятия отменяются. Мы садимся в школьный автобусик и едем в Раубичи - рисовать, наслаждаться красками осени. Могу назвать среди учителей и историка Кастуся Тарасова. Он давал мне, студенту, ключ от своей квартиры, где была замечательная библиотека: иди и читай что хочешь. И своих студентов я хочу видеть прежде всего думающими людьми.

Справка «СБ»

Алесь Кветковский - известный живописец, монументалист, график. Окончив в 1975 году государственный театрально–художественный институт, кафедру монументальной живописи, художник работал реставратором, иконописцем. Более 35 лет занимается педагогической деятельностью, а в свободное время творит. Произведения мастера находятся в музеях и частных коллекциях Беларуси, Франции, Швейцарии, Германии, Ирландии, США и др. стран.

Здесь мы обратимся к статье Маршии Итон «Искусство и неискусство».
Она начинает с того, что ей удалось пережить в Копенгагене в 1971 г., когда она занималась проблемами эстетики. В том году имела место выставка в Лаузианском музее искусств, получившая большой резонанс. Несколько художников, если их можно так назвать, разрезали лошадь на куски, разложили по банкам и выставили это в музее. Многие видевшие это были оскорблены, что нашло отражение в средствах массовой коммуникации.
В то время М. Итон находилась под влиянием идей Л. Витгенштейна и считала определение философских понятий пустой тратой времени. Но произошедшее в музее сильно изменило ее точку зрения. Она решила определить, что такое искусство и чем оно отличается от неискусства.
Разумеется, сказать, что все, сделанное человеком, - искусство, будет неправильным. Только те объекты будут предметами искусства, которые попадают в «художественный мир». Этот термин означает наличие таких институтов, как музеи, выставки, фондовые агентства, наличие профессионалов и любителей, потребляющих произведения искусства, и т. д. Итон приводит интересный пример, объясняющий, как предмет становится произведением искусства. А точно так же, говорит Итон, как человек становится рыцарем, женой или преступником. В рыцари посвящают. Жену венчают. Преступника осуждают. Иными словами, нужен некий институт, который договаривается с обществом о статусе какого-либо человека или вещи. Такой подход к делу издревле называется конвенционализмом (от слова «конвенция» - договор). Итон утверждает, что это касается и произведения искусства.
Разумеется, недостаточно, чтобы кто-то, пусть даже авторитетный человек, сказал: вот это - произведение искусства. Необходимо также, чтоб он привел аргументы для такой точки зрения. Люди говорят об искусстве. Они дают ему определения. Так как же можно определить искусство? Каковы необходимые и достаточные условия, отделяющие искусство от неискусства?
Вряд ли кому-нибудь приходит в голову заботиться о цвете швабры. Но колорит картины имеет громадное значение для ее восприятия. С другой стороны, зная, что мы рассматриваем картину в художественном музее, мы не будем обращать внимание на изнанку полотна. Глыба камня в центре города может мешать проезду или проходу и будет тем самым раздражать обывателя. Одним словом, продолжает Итон, мы должны настроиться на восприятие художественного произведения, вникнуть в его сущность. Это не означает, что раздражение исчезнет. Я помню, как Булат Окуджава иронично говорил по поводу дискуссии о сносе Старого Арбата примерно следующее: «Если снести Кремль, как удобно будет машинам проезжать по центру Москвы». Стало быть, полагаю, в произведении искусства должно быть что-то возвышенное, даже священное, что заставляет относиться к нему с трепетом и преклонением.
Итон дает следующее определение произведению искусства: 1) X есть артефакт; 2) X обсуждается таким образом, что история его создания заслуживает внимания и признания со стороны критики. Как видно, Итон в чем- то идет вслед за Дики.
Быть артефактом означает быть чем-то, сделанным человеком. Например, человек поднимает кусок бревна, спиливает его, приносит домой и вешает на стену. Итон пишет, что произведение искусства есть с необходимостью результат человеческой деятельности или манипуляций. С другой стороны, произведение искусства, в отличие от продукта природы, не может быть создано случайно и быть естественным. Оно создано специально и является искусственным.
Однако не все артефакты - произведения искусства. «В эстетическом опыте», - пишет Итон, - мы заинтересованы во внутренних свойствах объекта, который мы созерцаем. Свойства эти могут быть как приятными, так и неприятными, как чувственными, так и интеллектуальными. Например, хорошо исполненное произведение Баха вызовет приятное чувственное переживание. А плохая книга - неприятное интеллектуальное переживание. Иногда необходима специальная квалификация, чтобы отделить высокое произведение искусства от неудачного. Однако человек с адекватными чувствами и мышлением может и без образования отличить высокое произведение искусства от плохого. Здесь важно, чтобы был эстетический объект, иначе не будет и отклика. «Чтобы восприятие было возможным, произведение должно быть доступным». Артефакт должен привлечь к себе внимание, заинтересовать. При этом надо иметь в виду тенденцию, в которой создано художественное произведение. Итон вводит термин «традиция», которую понимает как «особую форму жизни» (термин Л. Витгенштейна - С. С.), меняющуюся в зависимости от обстоятельств. Традиции определяют значимость тех или иных вещей, а также что важно оценивать и учитывать в оценке произведения искусства, а что - нет. Нельзя замыкаться только на собственных традициях, надо знать и чужие, чтобы не обеднять свои.
Традиция определяет условия критики: что можно оценить как высокое произведение искусства, а что - как низкое. Кроме того, важно, какой культуре принадлежит традиция: в одной культуре артефакт считается гениальным, в другой - нет.
Итон приводит интересный пример: понятие «шедевр» существовало не всегда. Оно возникло в XIII в. и означало, что создавший его человек достиг искусства мастера. Шедевр мог быть вещью, как, например, картина или стол; или событием, как, например, бритье бороды. Сейчас мы вкладываем в слово «шедевр» другой смысл: это кульминация в творчестве творца. И мы можем сказать, что перед нами шедевр, если он является артефактом, достойным критики.
Чем же отличается хорошее произведение от плохого? Поп-музыка или «мыльные оперы» не являются шедеврами, потому что в ходе их восприятия «притупляются чувства и ум». «Великое искусство обогащает», вознаграждая за восприятие.
Вернемся к лошади, разбитой на куски и помещенной в сосуд. Безусловно, это - артефакт. Но как быть со вторым условием - шедевральностью? Критика обращала в данном случае внимание на внешние качества и смысл артефакта: этично ли поедание мяса? Итон относит этические вопросы в внешним проблемам произведения искусства. Если бы речь шла о форме, цвете и композиции, то обсуждались бы эстетические, т. е. внутренние, свойства.
Если же мы обратимся к самим эстетическим свойствам данного артефакта, возникнет вопрос: высокие они или низкие? Сопоставимы ли они с картинами Рембрандта, фугами Баха, пьесами Шекспира? Итон однозначно отвечает: нет. Ибо произведение рассчитано на то, чтобы вызвать шок. Но шок быстро проходит, а с ним проходит и эстетическая эмоция. С другой стороны, внимание зрителя не только не вознаграждается, но не учитывается вовсе. Перед нами объект, не обладающий никакой ценностью вообще. Только артефакт, вызывающий богатое переживание, является подлинным произведением искусства.