Wystawa Tsai. Wystawa osobista chińskiego artysty Shu Conga (Shu Cong) „Atrakcja

W ciągu ostatnich trzydziestu lat art Cai Guoqiang- jeden z najsłynniejszych chińskich artystów na świecie, prezentowany był na niemal wszystkich ważniejszych wystawach międzynarodowych, a wyliczanie wszystkich jego nagród zajęłoby zbyt dużo czasu. Dość powiedzieć, że w 1999 roku został nagrodzony „Złotym Lwem” Biennale w Wenecji, w Metropolitan Museum w Nowym Jorku wykonał projekt poświęcony rocznicy 11 września, a w Chinach powiększył Wielki Mur Chiński o 10 km i był artystą zajmującym się efektami specjalnymi na Igrzyskach Olimpijskich w Pekinie. Cai Guoqiang, z wykształcenia scenograf, starannie buduje dramaturgię swoich dzieł, łącząc rozrywkę z filozofią Wschodu.

Instalacja „Jesień”

Wystawa „Cai Guoqiang. Październik” w Muzeum Puszkina im. Muzeum Puszkina już od ponad miesiąca przyjmuje licznych zwiedzających – na schodach muzeum każdego, kto wejdzie, wita gigantyczna instalacja „Jesień” – część wystawy, którą sam artysta nazywa „pomnikiem kolektywu utopia." Brzozy posadzone latem podczas instalacji stopniowo żółkną, co również wpisuje się w zamysł artysty, który w swoim wielkoformatowym dziele wyraził bieg historii, zmianę pór roku, narodziny i śmierć wszystkich żyjące stworzenia.

Cai Guoqiang podczas instalacji instalacji. Zdjęcie: Raul Skrylev.

Aleksandra Daniłowa, kuratorka projektu „Cai Guoqiang. Październik” przez prawie dwa lata, na różnych etapach przygotowań do wystawy, współpracowała z artystą i jego zespołem – w tym czasie Cai Guoqiang trzykrotnie przyjeżdżał do Rosji, jeszcze przed otwarciem. O tym, dlaczego projekt stał się punktem zwrotnym dla muzeum i samego artysty, jak przebiega proces twórczy w pracowni Tsai Guoqiang i jak rosyjscy widzowie wzbogacili koncepcję artystyczną Aleksandry Danilovej, powiedziała Elena Rubinova, felietonistka serwisu.

O wyjątkowości projektu

Drugą zasadniczą nowością tej wystawy było to, że do ostatniej chwili pracowaliśmy z dziełami nieistniejącymi – z Nowego Jorku przywieziono jedynie 8 obiektów, w tym eksponat" Ziemia"- część centralnej instalacji w Sali Białej muzeum. Cała reszta powstała tu, w Moskwie, i tak naprawdę do ostatnich dni przed otwarciem nikt nie do końca rozumiał, jak to ostatecznie będzie wyglądać.

Cai Guoqiang jest artystą zajmującym się instalacjami totalnymi i oczywiście myśli w kategoriach muzeów sztuki współczesnej, przestrzeni globalnej, co wymagało od nas, jako muzeum klasycznego, pewnej elastyczności.

Dla Cai Guoqianga obecny projekt również stał się przełomowy, nie tylko dlatego, że jest to jego pierwsza wystawa w Rosji. Współpraca z nami w pewnym sensie wyznaczyła nowy kierunek w twórczości Tsai, a mianowicie interakcję z bardziej klasycznymi instytucjami muzealnymi, a nie tylko znanymi mu muzeami sztuki współczesnej. Zaraz po nas otwiera wystawę w Muzeum Prado i tam otrzyma nawet prawo do tworzenia swoich dzieł z gatunku malarstwa prochowego w murach muzeum. Teraz przygotowuje wystawę w Galerii Uffizi. Muszę powiedzieć, że miał już wystawę w Metropolitan Museum, ale tam główny obiekt znajdował się na dachu, a obecna wystawa i kolejne instytucje europejskie wiążą się z wykorzystaniem przestrzeni muzealnej.

O teatralności projektu

Faktem jest, że z wykształcenia Cai Guoqiang jest artystą teatralnym (ukończył wydział scenografii Akademii Sztuk Pięknych w Szanghaju), a jego wystawy to performansy rozgrywane przed publicznością, które powinny wywoływać w niej różnorodne uczucia widz.

Ogromna góra, zbudowana z łóżek, wózków i kołysek, blokująca wejście do muzeum, to właśnie ta bardzo bezpośrednia i pełna metaforycznych znaczeń wypowiedź. Związek człowieka z korzeniami i historią uosabiają wózki dziecięce i łóżeczka, po których pną się w górę rosyjskie brzozy. Z drugiej strony dla Tsai ważne było, aby były to przedmioty, które nie zostały wczoraj wyprodukowane w fabryce, ale były już używane przez ludzi i przeszły pewien cykl życia rzeczy. Nawiasem mówiąc, w tym sensie muzeum otrzymało także nowe doświadczenie w postaci kampanii crowdfundingowej na rzecz kolekcji wózków i łóżeczek. Każdy taki podarowany wózek czy łóżeczko ma już pewną historię, np. wymiar antropomorficzny. I to też było istotne dla zamysłu artysty. Historia w ogóle, w rozumieniu Tsai, jest procesem wieloelementowym, a historię XX wieku tworzą ludzkie życia, a każde wydarzenie ma wielorakie skojarzenia i inne doświadczenie tego czy innego momentu.

Są też podteksty, które wnosi publiczność, a o których artysta w pierwszej chwili nawet nie pomyślał. Na przykład rosyjska publiczność zareagowała jednoznacznie na tę górę – wózek – stopień – Siergiej Eisenstein« Pancernik Potiomkin. Trudno sobie wyobrazić, co dla rosyjskiej publiczności mogłoby być jeszcze bardziej związane z rewolucją. Początkowo Tsai jakoś próbował z tą lekturą walczyć, ale kiedy sam wciągnął na górę najstraszniejszy wózek z oderwanym kołem, zdałem sobie sprawę, że pogodził się z tą metaforą, a nawet świadomie próbował wzmocnić to skojarzenie.

Montaż instalacji przy wejściu do budynku głównego. Zdjęcie: Raul Skrylev.

Dalej widza wita kontynuacja instalacji - świetliste teatralne niebo na białym chińskim jedwabiu rozciągniętym nad schodami, a na nim spalona prochem linia Międzynarodówki w języku rosyjskim - „nikt nie da nam wybawienia, ani Bóg , ani car, ani bohater…”. Na koniec cytatu Tsai stawia elipsę, wracając widza do problemu liczby pojedynczej i mnogiej, problemu pamięci – zbiorowej, która zawsze budzi kontrowersje, i osobistego.

Instalacja „Ludzie”

Obiekt jest kompozytowy, został wykonany w 2012

Koncepcja wystawy poświęcona jest historii Rosji, a do obrazu „Rzeka życia”, który „pasuje” na sto lat z lat 1917-2017, Tsai wybiera sto fotografii wykonanych w Rosji i przedstawiających różne fragmenty rosyjskiego życia. Co więcej, należy zauważyć, że prawie nie ma znaczących wydarzeń, ale w zasadzie widzimy codzienne fotografie i ludzi różnych klas i narodów. Widz odnajduje tu rozpoznawalne archetypy, które nie mają nawet sztywnego odniesienia czasowego – kaukaską rodzinę, bezdomne dzieci, robotników fabrycznych, studentów przy biurkach, żołnierzy w tunikach, sztandary i tłum na ulicy. Tsai odnosi się do doświadczenia, które widz może postrzegać jako własne, a to, co ogólne, również staje się częścią życia. W końcowej części płótna „Rzeka życia” Tsai umieszcza także swój portret – fotografię z lat 90., kiedy przebywał w Moskwie w celach turystycznych. To jego zdjęcie w Galerii Trietiakowskiej na tle jego ulubionego obrazu I. Kramskoja „Nieznajomy”, który on sam, początkujący artysta, dużo kopiował w swoim czasie, naśladując tradycje sztuki rosyjskiej, co zawsze oznaczało wiele dla niego. I ciekawe, że jego obecny stosunek do sztuki rosyjskiej – dojrzałego współczesnego artysty o światowej renomie – jest wciąż ambiwalentny: w tym podejściu współistnieją żywe wspomnienia z dzieciństwa i trzeźwe, profesjonalne spojrzenie na artystę. Tak więc, odwiedzając Petersburg i dzieląc się ze mną swoimi wrażeniami, Tsai powiedział, że z punktu widzenia sztuki najciekawszy dla niego artysta- Michaił Wrubel. Nie mniej ekscytujące, powiedział Tsai, było dla niego prześledzenie wpływu impresjonizmu na wczesnego Kustodiewa, ale jednocześnie spędził godzinę przed „Dziewiątą falą” Aiwazowskiego, a kanoniczny Szyszkin budzi dla niego nie mniejszy podziw. Dla niego, który dorastał w latach rewolucji kulturalnej w Chinach, Rosji, a wcześniej w ZSRR, był pod wieloma względami krajem marzeń. I to też znajduje odzwierciedlenie w pracach.

Jeśli Cai Guoqiang instalację przed wejściem do muzeum nazywa „pomnikiem utopii zbiorowej”, to obraz „Ogród marzeń” jest ogrodem utopii publicznej, a wcześniej- ogród ideologii. Każdy w takim czy innym stopniu żyje w świecie utopii, ale artysta mówi o konieczności odsunięcia się na bok, aby nie popaść w iluzję. Rozmawiając z Tsaiem, zdałem sobie sprawę, że pozwala on na kolejne odczytanie, w którym krzyżuje się to, co publiczne i prywatne, to, co ogólne i to, co indywidualne. Każdy z nas ma też mały ogródek, a to też jest ludzka własność, żeby żyć marzeniami i ideałami.

Cai Guoqiang jest jedynym na świecie artystą malującym proch. Proch, jak wiadomo, został wynaleziony w starożytnych Chinach, jednak chińskie postrzeganie prochu nie pokrywa się z europejskim, w którym kojarzy się on głównie z bronią i śmiercią, natomiast w Chinach jest to coś radosnego, a przede wszystkim – fajerwerki , wakacje.

Proces tworzenia malowania proszkowego. Zdjęcie: Raul Skrylev.

O studiu Cai Guoqiang

O losach wystawy

Materiał przygotowała: Elena Rubinova

W materiale wykorzystano fotografie Raula Skrylewa,

oraz służba prasowa Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkin.

O wyjątkowości projektu

Dla Muzeum Puszkina projekt ten okazał się wyjątkowy pod wieloma względami, ale także dlatego, że do tej pory nigdy nie pracowaliśmy w systemie prowizyjnym, który zakłada, że projekt zlecany jest artyście wyłącznie na potrzeby naszego muzeum. Projekt oczywiście zostanie udokumentowany i zachowany, ale zgodnie z przepisami, nawet jeśli artysta wystawi część prac prezentowanych na wystawie, zawsze zaznaczy, że powstała ona dla Muzeum Puszkina.

Drugą zasadniczą nowością tej wystawy było to, że do ostatniej chwili pracowaliśmy z dziełami nieistniejącymi – z Nowego Jorku przywieziono jedynie 8 obiektów, w tym eksponat „Ziemia” – będący częścią centralnej instalacji w Sali Białej muzeum. Cała reszta powstała tu, w Moskwie, i tak naprawdę do ostatnich dni przed otwarciem nikt nie do końca rozumiał, jak to ostatecznie będzie wyglądać. Cai Guoqiang jest artystą zajmującym się instalacjami totalnymi i oczywiście myśli w kategoriach muzeów sztuki współczesnej, przestrzeni globalnej, co wymagało od nas, jako muzeum klasycznego, pewnej elastyczności.

Ta wystawa jest dla Tsai bardzo osobista. Choć nie deklaruje tego otwarcie, mam wrażenie, że zadedykował ją swojemu ojcu, artyście i kaligrafowi, który wywarł na niego ogromny wpływ, a kameralna część wystawy to tradycyjne chińskie malarstwo tuszem na małych pudełkach, na których kiedyś był zmuszony do pisania przez swojego ojca.

O teatralności projektu

Wystawę można warunkowo podzielić na segmenty, ale raczej jest to jedno wielkie dzieło, rozpoczynające się od głównego wejścia, niejako wdzierające się i kontynuowane we wnętrzu muzeum. Pracując dużo przez ostatni rok z tym artystą i zastanawiając się nad jego priorytetami, zdałem sobie sprawę, że praca z przestrzenią nie jest dla niego tak ważna, jak praca z widzem. Faktem jest, że z wykształcenia Cai Guoqiang jest artystą teatralnym (ukończył wydział scenografii Akademii Sztuk Pięknych w Szanghaju), a jego wystawy to performansy rozgrywane przed publicznością, które powinny wywoływać w niej różnorodne uczucia widz. Ogromna góra, zbudowana z łóżek, wózków i kołysek, blokująca wejście do muzeum, to właśnie ta bardzo bezpośrednia i pełna metaforycznych znaczeń wypowiedź. Związek człowieka z korzeniami i historią uosabiają wózki dziecięce i łóżeczka, po których pną się w górę rosyjskie brzozy. Z drugiej strony dla Tsai ważne było, aby były to przedmioty, które nie zostały wczoraj wyprodukowane w fabryce, ale były już używane przez ludzi i przeszły pewien cykl życia rzeczy. Nawiasem mówiąc, w tym sensie muzeum otrzymało także nowe doświadczenie w postaci kampanii crowdfundingowej na rzecz kolekcji wózków i łóżeczek. Każdy taki podarowany wózek czy łóżeczko ma już pewną historię, np. wymiar antropomorficzny. I to też było istotne dla zamysłu artysty. Historia w ogóle, w rozumieniu Tsai, jest procesem wieloelementowym, a historię XX wieku tworzą ludzkie życia, a każde wydarzenie ma wielorakie skojarzenia i odmienne doświadczenie tego czy innego momentu.

Są też podteksty, które wnosi publiczność, a o których artysta w pierwszej chwili nawet nie pomyślał. I tak np. rosyjska publiczność zareagowała jednoznacznie na tę górę – wózek – stopień – „Pancernik Potiomkin” Siergieja Eisensteina. Trudno sobie wyobrazić, co dla rosyjskiej publiczności mogłoby być jeszcze bardziej związane z rewolucją. Początkowo Tsai jakoś próbował z tą lekturą walczyć, ale kiedy sam wciągnął na górę najstraszniejszy wózek z oderwanym kołem, zdałem sobie sprawę, że pogodził się z tą metaforą, a nawet świadomie próbował wzmocnić to skojarzenie.

Rosyjska publiczność, zwłaszcza osoby starsze, wniosła kolejne ciekawe zrozumienie, którego artysta nie położył. Często mówią, że widzą motyw cmentarza – płoty, brzozy, a właściwie kontynuowali nawet metaforę artysty – życie od narodzin do śmierci, co wiąże się z jednym z głównych wątków artysty na tej wystawie – to jest temat „Ja i my”, temat „Człowiek i historia”. Dalej widza wita kontynuacja instalacji - świetliste teatralne niebo na białym chińskim jedwabiu rozciągniętym nad schodami, a na nim spalona prochem linia Międzynarodówki w języku rosyjskim - „nikt nie da nam wybawienia, ani Bóg , ani car, ani bohater…”. Na koniec cytatu Tsai stawia elipsę, przywracając widza problemowi liczby pojedynczej i mnogiej, problemowi pamięci – zbiorowej, która zawsze budzi kontrowersje, i osobowej.

O polu, rzece życia i ogrodzie marzeń

Zwieńczeniem wystawy jest Sala Biała, gdzie znajduje się dzieło, które autorka nazwała „Narodem”, świadomie, idąc za wytycznymi Międzynarodówki, nawiązując do komunistycznej terminologii. Praca składa się z czterech części – pola, które symbolizuje rosyjską żyzną ziemię, rzeki życia, ogrodu marzeń oraz unoszącego się na samym końcu latawca. Obiekt Ziemia był jedynym obiektem przywiezionym do Moskwy i po raz pierwszy skorzystaliśmy z transportu morskiego – muzeum nigdy wcześniej tego nie robiło. Obiekt jest kompozytowy, został wykonany w 2012 rok dla cyklu Art for Aliens w Los Angeles, a na tym żyznym polu pojawiły się zupełnie inne znaki, a na suficie. Tutaj na polu pojawiły się obrazy sierpu i młota, co najlepiej widać właśnie w odbiciu na lustrzanym suficie-niebie. Ale odbicie oczywiście nie jest tożsame z rzeczywistością. Samo pole jest obiektem dość wyjątkowym, składa się z 2 milionów źdźbeł trawy, każde z nich jest suszone i przetwarzane, a w każde wsuwany jest drut, a w drewnianych panelach znajdują się 2 miliony otworów, w które wbija się źdźbło trawy ręcznie obniżony. Co prawda wkradła się tu różnica międzykulturowa, bo w naszym rozumieniu złotym polem zboża jest pszenica lub w skrajnych przypadkach żyto, ale ostatecznie okazało się, że na polu rośnie proso. Ale jako obraz, szczególnie z daleka, to działa. Po lewej stronie znajduje się obraz „Rzeka Życia”, a po prawej „Ogród Marzeń”, jeden wykonany czarno-białym malowaniem prochowym tradycyjnym dla Cai Guoqiang, drugi w kolorze.

O Rosji prawdziwej i fikcyjnej

Koncepcja wystawy poświęcona jest historii Rosji, a do obrazu „Rzeka życia”, który „pasuje” na sto lat z lat 1917-2017, Tsai wybiera sto fotografii wykonanych w Rosji i przedstawiających różne fragmenty rosyjskiego życia. Co więcej, należy zauważyć, że prawie nie ma znaczących wydarzeń, ale w zasadzie widzimy codzienne fotografie i ludzi różnych klas i narodów. Widz odnajduje tu rozpoznawalne archetypy, które nie mają nawet sztywnego odniesienia czasowego – kaukaską rodzinę, bezdomne dzieci, robotników fabrycznych, studentów przy biurkach, żołnierzy w tunikach, sztandary i tłum na ulicy. Tsai odnosi się do doświadczenia, które widz może postrzegać jako własne, a to, co ogólne, również staje się częścią życia. W końcowej części płótna „Rzeka życia” Tsai umieszcza także swój portret – fotografię z lat 90., kiedy przebywał w Moskwie w celach turystycznych. To jego zdjęcie w Galerii Trietiakowskiej na tle jego ulubionego obrazu I. Kramskoja „Nieznajomy”, który on sam, początkujący artysta, dużo kopiował w swoim czasie, naśladując tradycje sztuki rosyjskiej, co zawsze oznaczało wiele dla niego. I ciekawe, że jego obecny stosunek do sztuki rosyjskiej – dojrzałego współczesnego artysty o światowej renomie – jest wciąż ambiwalentny: w tym podejściu współistnieją żywe wspomnienia z dzieciństwa i trzeźwe, profesjonalne spojrzenie na artystę. Tak więc, po wizycie w Petersburgu i podzieleniu się ze mną swoimi wrażeniami, Tsai powiedział, że z punktu widzenia sztuki najciekawszym dla niego artystą jest Michaił Vrubel. Nie mniej ekscytujące, powiedział Tsai, było dla niego prześledzenie wpływu impresjonizmu na wczesnego Kustodiewa, ale jednocześnie spędził godzinę przed „Dziewiątą falą” Aiwazowskiego, a kanoniczny Szyszkin budzi dla niego nie mniejszy podziw. Dla niego, który dorastał w latach rewolucji kulturalnej w Chinach, Rosji, a wcześniej w ZSRR, był pod wieloma względami krajem marzeń. I to też znajduje odzwierciedlenie w pracach.

Jeśli Cai Guoqiang instalację przed wejściem do muzeum nazywa „pomnikiem utopii zbiorowej”, to obraz „Ogród marzeń” jest ogrodem utopii społecznej, a wcześniej był ogrodem ideologii. Każdy w takim czy innym stopniu żyje w świecie utopii, ale artysta mówi o konieczności odsunięcia się na bok, aby nie popaść w iluzję. Rozmawiając z Tsaiem, zdałem sobie sprawę, że pozwala on na kolejne odczytanie, w którym krzyżuje się to, co publiczne i prywatne, to, co ogólne i to, co indywidualne. Każdy z nas ma też mały ogródek, a to też jest ludzka własność, żeby żyć marzeniami i ideałami.

O kaligrafii prochowej i technice malowania prochowego

Cai Guoqiang jest jedynym na świecie artystą malującym proch. Jak wiadomo, proch został wynaleziony w starożytnych Chinach, ale chińskie postrzeganie prochu nie pokrywa się z europejskim, w którym

kojarzy się głównie z bronią i śmiercią, podczas gdy w Chinach jest to coś radosnego, a przede wszystkim fajerwerki, święto.Dla Tsai malowanie prochowe jest połączeniem tradycyjnej chińskiej kultury i sztuki współczesnej, do której należy ten artysta.

Malowanie proszkowe jest jednocześnie bardzo proste i bardzo trudne. Część ekspozycji pokazuje, w jaki sposób powstają prace metodą malowania proszkowego. Cai Guoqiang po raz pierwszy daje widzom wgląd w proces powstawania swoich dzieł – oglądamy testy prochowe. Proch zachowuje się inaczej i jest to niezbędny krok przygotowawczy. Następnie Tsai wykonuje wstępne rysunki, z których wycinane są szablony, które nakłada się na zagruntowane płótno, tworząc obraz figuratywny. W przypadku skomplikowanych plakatów jest to cięcie laserowe. Następnie wsypuje się proch, przykrywa niepalną tkaniną lub grubą tekturą, aby ograniczyć dostęp tlenu, do środka wkłada się sznur i podpala. główną technologią jest zapobieganie otwartemu ogniowi. Tworzenie nawet dzieł o dużej skali zajmuje sekundy, ale sam autor nie wie, co się ostatecznie zakończy. Podczas tworzenia obrazu, w odległości jednego metra od siebie, mieliśmy ochotników z mokrymi ręcznikami na wypadek pożaru. Jak napisał artysta w jednym ze swoich artykułów, najważniejsze jest nie zapalać, ale z czasem zgasić.

O studiu Cai Guoqiang

Zespół i pracownia Cai Guoqianga funkcjonują jak jedna wielka rodzina, zaczynając od wspólnego obiadu przy dużym stole (Tsai nawet gotuje), a kończąc na takich gestach, jak zaproszenie i opłacenie wizyty bliskich kuratora z pracowni aż po wernisaż wystawa w Moskwie. Relacja członków zespołu Tsai jest bardzo ludzka, mimo że czasami każdy włamuje się do 24-godzinnego harmonogramu pracy i rozumie, że Tsai jest artystą o niesamowitych zdolnościach do pracy. A bez zrozumienia i wsparcia w zespole wiele byłoby niemożliwych.

O losach wystawy

Co prawda wystawa powstała dla muzeum i na nasze zamówienie, ale wszystkie eksponaty są uważane za własność pracowni i wrócą do Nowego Jorku. Mamy jednak nadzieję, że możliwe jest, że część dzieł pozostanie w Moskwie i oczywiście zaczęliśmy rozmawiać o tym, że po zakończeniu wystawy chętnie przyjmiemy część prac Tsai do kolekcji muzeum,jednak decyzję o przekazaniu czegokolwiek podejmuje nie sam artysta, ale cała załoga pracowni.

CHIŃSKI TURYSTYKA O REWOLUCJI ROSYJSKIEJ
Na placu przed słynnym portykiem Muzeum Cwietajewej pomniejszona kopia cmentarza w Menton (Lazurowe Wybrzeże). Tym, których tam nie było, mówię: to skała nad morzem, która stała się cmentarzem rosyjskiej emigracji rewolucyjnej: słynnych rodzin szlacheckich. Instalacja-góra składa się ze szkieletów szopek imitujących płoty cmentarne, przez które rośnie rosyjska brzoza. Dopóki całkowicie nie wyschnie, trzeba odwiedzić wystawę!

Tę imponującą metaforę uzupełnia druga instalacja pomysłowo wpisana w bryłę słynnej Sali Białej muzeum. Łączy je sztandar z baldachimem wykonany z najdelikatniejszego białego jedwabiu nad frontową klatką schodową z linią z „Międzynarodówki”: NIKT NIE DA NAM DOSTAWY: ANI BÓG, ANI KRÓL ANI BOHATER. Podłoga Sali Białej to gigantyczny dywan z pionowo przyciętych łodyg jakiejś zwiędłej trawy, dosłownie jak na polu. Każde źdźbło trawy wkłada się do osobistego otworu w arkuszu sklejki, którym pokryta jest podłoga. Takich pędów są MILIONY. To jest ZIEMIA (tak jest napisane na ścianie). Na trawiastym dywanie „utkane” są dwa gigantyczne „sierpy i młoty” otoczone pięcioramiennymi gwiazdami. Co więcej, są one tkane w taki sposób, że w gigantycznym wiszącym lustrze, które tworzy sufit sali, dywan ten odbija się dokładnie tak, jak odbicie lustrzane: coś, co wygląda jak wypukłe, wytłoczone w lustrzanym odbiciu na suficie, na A właściwie „Ziemia”. jest „wypukły” – to metafora tego, jak dzisiaj widzimy wydarzenia sprzed stu lat. Są i inne metafory: ciąg wydarzeń stuletniej historii reprezentuje czarno-biały strumień archiwalnych negatywów-pozytywów – to „Rzeka”, a na przeciwległej ścianie kolorowy „Ogród” marzenia i nadzieje.
Wreszcie w nawie Sali Białej unosi się w strumieniu powietrza biały latawiec, zbierając wszystkie strumienie metafor tej wystawy w jeden punkt Epilogu. Ale to, jak się okazuje, nie jest kropką, DOTS ...

Jak widać, wszystko jest proste.
I jest to kontemplowane przy dźwiękach strzałów/wybuchów, dysonansujących z „Październikiem” z P.I. Czajkowski

I
najważniejsze: AUTOR, jego nieśmiertelne „ja” artysty, które jako jedyne zasługuje na życie wieczne w sztuce – o tym wideo narracje na panelach plazmowych i projekcjach wideo + Plac Czerwony + Kreml i fajerwerki – te obrazy są dla nas jasne, chociaż z chińskim akcentem. Trzeba jednak przyznać autorowi, że wolał język artystyczny od niemal nieuniknionych abstrakcji socjologicznych i politycznych w takim temacie.

Podsumowując, mogę powiedzieć, że patrzyłem na to wszystko ze szczerym zainteresowaniem i nie miałem żadnych wewnętrznych protestów. Kiedy jednak przeszedłem przez amfiladę starego malarstwa niderlandzko-niemieckiego, zdałem sobie sprawę, że nigdy wcześniej nie doświadczyłem z niego tak ostrej przyjemności.

A jednak „TSAI GOQIANG. PAŹDZIERNIK” – najważniejsze oświadczenie wygłoszone w Moskwie w tym roku na temat rewolucji rosyjskiej 1917 r

Już na dwa tygodnie przed otwarciem wystawy na placu przy głównym wejściu do muzeum o stuletniej historii można było obserwować powstawanie instalacji „Jesień”: 16-metrowej góry, zbudowanej z setek wózki dziecięce, łóżeczka i kołyski, wzniesiono zamykające schody, portyk i kolumnadę. Przez trzy dni dźwig podnosił specjalnie wyhodowane brzozy na wysokość od 3 do 4 metrów każda, umieszczając je w łóżeczkach lub wózkach, a młode pędy w kołyskach samochodowych. Duże drzewa przykrywały mniejsze, zamieniając całą kompozycję w zielony gaj brzozowy. Podczas montażu instalacji drzewa zaczęły już żółknąć w oczekiwaniu na nadchodzącą jesień; a podczas wystawy żółte liście całkowicie zastąpią zielone listowie, eksponując pnie białej brzozy, a także samą strukturę instalacji, przypominającą twórczość artystów konstruktywistycznych.

Widzowie, wobec zamkniętego wejścia głównego, zmuszeni są ominąć Jesień, aby dostać się do środka, gdzie od razu rozpoczynają podróż po wystawie z nieznanymi mu wrażeniami wizualnymi. Wewnątrz odkrywają, że artysta odmienił całą przestrzeń: nad głównymi Różowymi Schodami zawieszona jest praca „Dźwięk” – jedwabne płótno o długości 20 metrów z kaligrafią prochową dzieli przestronną przestrzeń na pół. Dwuwymiarowe płótno zostało przekształcone za pomocą sztuki kaligrafii i malarstwa w obszerną, pełną energii instalację poetycką. Widzowie wspinają się na Różane Schody pod tkaniną „Dźwięk” i odrzucając głowy do tyłu, czytają na białym jedwabiu ostrzeżenia Międzynarodówki: „Nikt nie da nam wybawienia ani Bóg, ani król, ani bohater!”. Kiedy wydaje im się, że są już pod sufitem jak najbliżej tych słów, znajdują się niedaleko wejścia do Sali Białej.

Tutaj zwykły sufit zastępuje się lustrzanym, który podwaja i tak już przestronną przestrzeń. Artystka sprawia, że w każdej nowej przestrzeni muzealnej zmieniają się uczucia widza. Na przeciwległych do siebie ścianach wiszą dwa obrazy prochowe, każdy o długości 20 metrów, „Rzeka” i „Ogród”, stanowiące oprawę instalacji „Ziemia” zlokalizowanej w centrum Sali Białej. Tworząc swoją „Ziemię”, która miała symbolizować rosyjskie pole, Tsai miał nadzieję odtworzyć poczucie tajemnicy, które towarzyszyło mu w dzieciństwie podczas oglądania radzieckich filmów i sztuki radzieckiej – światło słoneczne przebijało się przez chmury i oświetlało pole, demonstrując romantyczne idee Tsai dotyczące wolności i piękno życia w młodym wieku. Dopiero w odbiciu w lustrze sufitu widz może dostrzec symbole „ukryte” na polu. Zwiedzający widzą także w odbiciu liczne wizerunki ludzi, których portrety są częścią burzliwej „Rzeki”, maków, goździków i sowieckich plakatów, a także siebie. Artysta tworzy iluzję, która skłania widza do zastanowienia się nad własną relacją z jego dziełami.

Zwieńczeniem wystawy jest projekt wideo „Październik. Fajerwerki w ciągu dnia na Placu Czerwonym. Zgodnie z planem artysty z Placu Czerwonego i brzegów rzeki Moskwy w ciągu dnia wystrzeliwane są jeden po drugim fajerwerki, eksplodując w niebie w rytm muzyki P.I. Czajkowski w aranżacji orkiestrowej. Występ kończy się 100-sekundową kanonadą ogłuszających eksplozji, pozostawiających po sobie olśniewający biały błysk...

Od 4 września Tsai, przy wsparciu lokalnych wolontariuszy, pracuje nad powstaniem prochowych obrazów „Rzeka”, „Dźwięk” i „Ogród” na terenie pawilonu nr 22 na WOGN. Wolontariusze rozłożyli wielkoformatowe płótno z setek historycznych fotografii przedstawiających życie zwykłych ludzi. Pomagali Tsai, wyjaśniając poprawną pisownię cyrylicy, wycinali ogromne szablony z wizerunkami kwiatów, a po podpaleniu każdego z dzieł Tsai pośpieszyli, aby ugasić drobne iskry, które mogły pozostać i tlić się na płótnie. Wolontariusze wraz z artystką przeżyli emocjonujące chwile przed eksplozją i obserwowali powstawanie nowego dzieła.

Na wystawę przygotowywany jest dwujęzyczny rosyjsko-angielski katalog, którego premiera planowana jest na początek października. Oprócz licznych ilustracji opowiadających o procesie powstawania wystawy i pracach znajdujących się na wystawie, w katalogu znajdują się artykuły naukowe oraz nowatorski esej Tsai „Październik chłopca”. Publikacja porusza główne tematy i idee wystawy, rozpatrywane w aspekcie osobistym, historycznym, artystycznym i politycznym.

W ramach wystawy w listopadzie zaprezentowany zostanie film dokumentalny pod tym samym tytułem w reżyserii Shanshan Xia. Film opowiada nie tylko o powstaniu wystawy – analizując twórczość Tsai Guoqianga, a także radzieckiego malarza i nauczyciela K.M. Maksimowa, który wywarł niezwykły wpływ na rozwój chińskiej kultury artystycznej XX wieku, reżyser filmu przedstawi historię relacji artystów chińskich i rosyjskich ostatnich dziesięcioleci. Będzie to zatem szczera opowieść o twórczym dziedzictwie i zmianie podejścia twórczego mistrzów na przełomie epok.

Projekt Tsai Guoqianga w Rosji stanowi kontynuację historii wspólnych projektów Muzeum Puszkina. JAK. Puszkin i Sbierbank. W listopadzie 2016 roku otwarto wystawę „Widzieć niewidzialne”. Unikalny projekt Muzeum Puszkina i Sbierbanku to pierwsza w Rosji ekspozycja obrazów dotykowych, odtwarzająca słynne płótna z kolekcji muzeum, wykonane przy użyciu innowacyjnej technologii specjalnie dla osób niewidomych i niedowidzących. Od lutego 2017 roku wystawa rozpoczęła tournée po Rosji – wystawę odwiedzili już mieszkańcy Kazania, Wołgogradu, Woroneża, Jekaterynburga i Omska.

Kuratorką wystawy jest Alexandra Danilova, zastępca kierownika Katedry Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX-XX wieku. Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkina (Moskwa).

Program edukacyjny wystawy
Zwiedzanie grupowe wystawy
Wycieczki mediatorów „Otwartego Laboratorium” Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkin
Zwiedzanie z przewodnikiem w języku migowym

Aleksandra Daniłowa

Kuratorka wystawy „Cai Guoqiang. Październik”, zastępca kierownika Działu Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX–XX w. Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina

W Moskwie nigdy nie było wystawy na taką skalę

Cai Guoqiang to jeden z najsłynniejszych artystów naszych czasów, którego zasług nie da się długo wymieniać – wystarczy powiedzieć, że przedłużył Wielki Mur Chiński o 10 kilometrów, otrzymał Złotego Lwa na Biennale w Wenecji oraz wykonał projekt poświęcony do rocznicy 11 września w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku (był to wybuch prochu w postaci czarnej chmury).

Wystawa „Październik” nie może się powtórzyć

Wystawa została pomyślana jako jedna przestrzeń artystyczna, która zaczyna się od montażu szopek przed fasadą i trwa wewnątrz muzeum: praca „Dźwięk” zamontowana jest nad główną klatką schodową, w Sali Białej wiszą prochowe obrazy o długości 20 metrów - „Rzeka” i „Ogród”, w centrum sali - instalacja „Ziemia”. Cai Guoqiang wymyślił ten projekt specjalnie na wielkość Muzeum Puszkina - wysokość i szerokość portyku muzeum podyktowały mu, jak wysoka powinna być instalacja, która wita zwiedzających, oraz dzieła znajdujące się w muzeum.

Obrazy i instalacje powstały specjalnie dla Muzeum Puszkina i nigdy wcześniej nie były wystawiane.

Prawie wszystkie prace zostały przygotowane specjalnie dla Muzeum Puszkina – na wystawie będzie tylko 7 starych dzieł, które pozwolą stwierdzić, kim jest Cai Guoqiang. Pozostałe prace powstały na 2 tygodnie przed otwarciem wystawy. Dla Muzeum Puszkina Guoqiang specjalnie stworzył 20-metrowe płótna z prochu, ogromną instalację wózków dziecięcych, łóżeczek i kołysek na podwórzu oraz wiele innych prac.

Cai Guoqiang nauczył się pisać po rosyjsku

I to nie tylko kaligrafia, ale kaligrafia rosyjskimi literami. Aby tworzyć napisy w języku rosyjskim, Guoqiang musiał szczegółowo nauczyć się rosyjskiego alfabetu. Okazało się, że język rosyjski do kaligrafii jest bardzo trudny: w przeciwieństwie do Chin, gdzie obowiązują surowe zasady pisania hieroglifów, litery A i D w alfabecie rosyjskim można pisać na różne sposoby, z których każdy będzie poprawny.

Cai Guoqiang stworzył największy obraz w technice kolorowego malowania proszkowego

Kolorowe malowanie proszkowe to dla Tsai nowa technika, z którą pracuje dopiero od dwóch lat. Przed wystawą w Moskwie jego największe prace miały wysokość pięciu metrów. Jego absolutnym rekordem jest 20-metrowy obraz „Rzeka”, który można zobaczyć w Muzeum Puszkina. Stworzył go w dwa dni, bo praca w takiej technice wymaga sprawności - niebezpiecznie jest zostawiać rozsypany proch w pawilonie nawet na jedną noc. Możesz układać szablony tyle, ile chcesz, ale proces nakładania prochu powinien mieścić się w godzinach dziennych.

Nad wystawą pracował ogromny zespół

W Moskwie z artystą współpracowało 100 osób w jednym zespole: ochotnicy układali płótno ze zdjęć historycznych, uczyli Tsai cyrylicy, wycinali szablony i gasili iskry tlące się na płótnie. Osoby te również stały się częścią dzieła – podobnie jak dziesięciu rzeźbiarzy zaproszonych do projektu na Biennale w Wenecji w 1999 roku, za który artysta otrzymał Złotego Lwa. W Wenecji reprodukowano 108 dzieł z socrealistycznej kompozycji rzeźbiarskiej „Sąd poborcy podatkowego”. Z innych projektów Tsai można przypomnieć, jak dzieci w Egipcie i Rio wspólnie z artystą robiły latawce, a w Iwaki (miasto w regionie Fukushima) mieszkańcy na jego prośbę wyłączyli światła w swoich domach o godz. o tym samym czasie.

Widzowie po raz pierwszy mogą zobaczyć „szkice” dzieł Guoqianga

Po raz pierwszy Cai Guoqiang pozwala widzom wejść do kuchni swojego procesu artystycznego. Pokazuje zarówno próbne testy prochu, jak i szkice, które wykonał specjalnie na potrzeby tego projektu. Cai Guoqiang nigdy w życiu nie wystawiał szablonów, a na wystawie w Muzeum Puszkina można zobaczyć szablony obrazu „Rzeka” ze śladami prochu pozostałego po eksplozji.

Część tego projektu miała znajdować się na Placu Czerwonym

Cai Guoqiang jako jedyny potrafi w ciągu dnia robić kolorowe i kolorowe fajerwerki. Nazywa te fajerwerki oryginalnymi występami - marzeniem Tsai były fajerwerki na Placu Czerwonym. Chciał zebrać wszystkie obrazy z wystawy na placu: białe brzozy, muzykę Czajkowskiego, tryptyk Malewicza.

Ten projekt jest dla artysty bardzo osobisty.

Projekt Tsai poświęcony jest nie tyle Rewolucji Październikowej, co rewolucji w ogóle i odczuciom osoby, która ją przeżywa. To nie przypadek, że Tsai umieścił na wystawie ogromną liczbę dzieł – wspomnień z dzieciństwa. Ten gest to zaufanie naszej publiczności, w której Tsai ma nadzieję znaleźć rozmówcę. Rosjanie, którzy przeżyli podobne wydarzenia, rozumieją, co się dzieje w niuansach - dlaczego nauczyciele, z którymi dokuczał Tsai, w tajemniczy sposób zniknęli, dlaczego musieli w tajemnicy przed wszystkimi chodzić do kościoła, a wieczorami niszczyć książki z ojcem.

Wystawa w Moskwie – stare marzenie Tsai

Cai Guoqiang traktuje wystawę w Rosji jako prezent na swoją rocznicę – w tym roku artysta kończy 60 lat. W przeciwieństwie do wielu współczesnych artystów, Cai Guoqiang żyje czystą sztuką i nie utożsamia się z rynkiem (nie ma nawet własnej galerii). Mimo że jego prace są wiele warte, w imię wielkiego pomysłu jest gotowy na ustępstwa – Cai Guoqiang przez dwa lata pracował za darmo nad wystawą w Moskwie.

Sale wystawowe
(Money Lane, 32/35, stacja metra Smolenskaja)

Wystawa
"Atrakcja"
Wystawa osobista chińskiego artysty Shu Conga.

Czas wystawy:
od 22 września do 28 października 2018 r

Shu Tsun kształcił się artystycznie w Petersburgu w Instytucie Malarstwa, Rzeźby i Architektury im. I.E. Repina (1999-2005). Jego nauczycielami byli Honorowi Artyści Rosji S.D. Kiczko i V.V. Padok. Artysta w swojej twórczości połączył pozornie nieprzystającą do siebie sztukę Wschodu i Zachodu, zasady chińskiej szkoły narodowej z klasycznym, realistycznym systemem artystycznym malarstwa rosyjskiego.

Dziś Shu Cong starannie przechowuje i przekazuje system wiedzy akademickiej nowemu pokoleniu, wykładając w Instytucie Sztuk Pięknych Uniwersytetu Pedagogicznego Środkowych Chin (Wuhan). Członek Petersburskiego Związku Artystów.

W sztukach wizualnych, podobnie jak w muzyce czy literaturze, obowiązują pewne prawa, aby osiągnąć pewne wyżyny, trzeba je zrozumieć i wnieść własne, nowe. Dlatego też chiński artysta Shu Tsun poszedł tą ścieżką, zdobywając podstawowe wykształcenie artystyczne w murach Instytutu Malarstwa, Rzeźby i Architektury im. I.E. Repina w Petersburgu. Pod kierunkiem Honorowych Artystów Rosji S.D. Kiczko i V.V. Zagonek opanował tajniki malarstwa.

Bazując na wiedzy zdobytej w Instytucie Shu Tsun, wracając do ojczyzny, zwrócił się do źródeł swojej kultury narodowej. W swojej twórczości łączył to, co pozornie nie do pogodzenia – sztukę Wschodu i Zachodu. Artysta umiejętnie łączy w swoich płótnach założenia chińskiej szkoły narodowej z klasycznym, realistycznym systemem artystycznym malarstwa rosyjskiego.

Pokazane na wystawie prace chińskiego malarza Shu Tsonga pozwalają wyobrazić sobie, jak różnorodne mogą być ścieżki twórczych poszukiwań artysty, który przeszedł od studenta Akademii Sztuk Pięknych w Repin do nauczyciela malarstwa w Akademii Sztuk Pięknych Centralnego Uniwersytetu Pedagogicznego w Chinach, który dziesięć lat później wrócił do Rosji, aby zapoznać moskiewskiego widza ze swoją sztuką.