Malarstwo holenderskie. Zaczynają czarne, złoto zdobywa Zespół Muzeów Głównych, Nowy Ermitaż

3. Kolekcja malarstwa holenderskiego w Ermitażu

Malarstwo holenderskie, gatunek codzienny

Państwowy Ermitaż posiada jedną z największych na świecie kolekcji malarstwa holenderskiego. Pierwsze eksponaty pojawiły się nad brzegami Newy w 1716 roku, na długo przed założeniem muzeum. W tym roku Osip Sołowjow kupił dla Piotra I w Holandii sto dwadzieścia jeden obrazów, a następnie Jurij Kołograw kupił kolejne sto siedemnaście obrazów w Brukseli i Antwerpii. Nieco później do kolekcji tej dołączono sto dziewiętnaście dzieł, przysłanych królowi przez angielskich kupców Zwana i Elseya. Dominowało tu malarstwo holenderskie, a także flamandzkie: według biografa Piotra I Jakowa Sztelina ulubionymi artystami cara byli Rubens, van Dyck, Rembrandt, Steen, Wouwerman, Bruegel, van der Werf i van Ostade, a jego ulubionym tematami były sceny z życia „Holendrzy i kobiety”. To przywiązanie do wszystkiego, co holenderskie, nie powinno być postrzegane jedynie jako przejaw osobistego gustu „Skipper Peter”, jak nazywano Petera podczas jego pobytu w Holandii. Holenderska demokracja mieszczańska, która znalazła żywy wyraz w malarstwie narodowym, była szczególnie bliska naturze przemian demokratycznych w ówczesnej Rosji w dziedzinie kultury i życia. Ale oczywiście nie tylko zainteresowanie artystyczne wzbudziły w rosyjskim widzu obrazy malarzy holenderskich. Dzieła takich mistrzów, jak ulubiony malarz cara Adam Silo, zaspokajały przede wszystkim zainteresowanie edukacyjne młodego narodu rosyjskiego wchodzącego do morza. W kolekcji Holendrów Piotra znalazły się już takie arcydzieła jak „Dawid i Jonatan” Rembrandta – pierwsze dzieło genialnego malarza, które przybyło do Rosji.

W drugiej połowie XVIII w. do Petersburga wyemigrowało wiele znaczących dzieł malarstwa holenderskiego. W ramach kolekcji G. Brühla, nabytej w Dreźnie (w 1769 r.), Ermitaż otrzymał cztery portrety Rembrandta, cztery pejzaże J. Ruisdaela, obrazy G. Terborcha, F. Mirisa, A. van Ostade, A. Wouwermana i innych. Kolekcja Crozata do Paryża, która przybyła w 1772 roku, przywiozła do muzeum takie arcydzieła Rembrandta, jak Danaë i Święta Rodzina.

Kolekcję holenderskiego Ermitażu dodatkowo wzbogaciły zbiory Baudouina (Paryż), Walpole'a (Anglia) i pierwszej żony Napoleona I, cesarzowej Józefiny, zakupione dla Ermitażu na przełomie XVIII i XIX wieku. Ermitaż mógł wówczas włączyć do swojej wystawy „Ofiara Abrahama”, „Zejście z krzyża” i kilkanaście innych płócien Rembrandta, modnych w XVIII wieku G. Dou, trzy z najlepszych obrazy P. Pottera (wśród nich arcydzieło mistrza – „Farma”), „Kieliszek lemoniady” G. Terborcha, „Śniadanie” G. Metsu, dwie niezwykle delikatne realizacje kwiatowych martwych natur autorstwa J. van Huysum i wiele innych równie znaczących dzieł.

Zabawna fabuła, niewielkie rozmiary i stosunkowo niskie ceny sprawiły, że obrazy holenderskie stały się dostępne dla szerokiego kręgu rosyjskich kolekcjonerów. Nabywali je nie tylko członkowie domu panującego i najwyższa szlachta petersburska, ale także przedstawiciele bardziej demokratycznych kręgów ludności. Zbiory te staną się następnie głównym źródłem uzupełnienia kolekcji Ermitażu. W ten sposób w 1915 roku muzeum otrzymało ogromną kolekcję „małych Holendrów”, nabytą w 1910 roku przez słynnego rosyjskiego naukowca i podróżnika P. P. Semenova-Tyana-Szanskiego, który zgromadził siedemset dziewiętnaście obrazów trzystu czterdziestu autorów. Wraz z tą kolekcją w katalogu muzeum pojawiło się sto dziewięćdziesiąt nowych nazwisk. Tak więc, jeśli wcześniej holenderska kolekcja Ermitażu wyróżniała się na tle innych muzeów świata pod względem liczby arcydzieł, teraz zajmuje jedno z pierwszych miejsc pod względem liczby reprezentowanych w niej nazwisk, w tym tych najrzadszych.

Witraż gotycki

Ze względu na cel, charakter wykonania, charakter obrazów wyróżnia się następujące rodzaje malarstwa: - malarstwo monumentalne i dekoracyjne (malowidła ścienne, mozaiki, witraże, sgraffito, abażury, panele)...

Impresjonizm w malarstwie, muzyce i literaturze

Wiosną 1874 roku grupa młodych malarzy, w skład której wchodzili Monet, Renoir, Pizarro, Sisley, Degas, Cezanne i Berthe Morisot, zaniedbała oficjalny Salon i zorganizowała własną wystawę...

Historia rozwoju martwej natury

Harmonia kolorów Istnieją trzy podstawowe kolory - czerwony, żółty, niebieski. Aby uzyskać kolory pokrewne, miesza się kolory podstawowe, tj. uzupełnij jeden kolor drugim. Uzupełniać znaczy wzmacniać się nawzajem...

Kultura i sztuka starożytnego Babilonu

Nie da się uzyskać pełnego obrazu Babilonu bez scharakteryzowania jego życia kulturalnego. Ale niestety dotarło do nas tylko kilka dowodów rozkwitu sztuki w tym mieście-państwie...

Emalie z Limoges z XII-XIV wieku

Malowane emalie Limoges to jedna z najbardziej uderzających kart w historii francuskiej sztuki użytkowej renesansu. W Ermitażu znajduje się ponad 150 przykładów emalii malowanych w Limoges...

Martwa natura „Cienie”

martwa natura malarstwo farba olejna Słowo „malarstwo” pochodzi od słów „żyć” i „pisać”. „Malowanie, wyjaśnia Dahl, oznacza dokładne i żywe przedstawianie pędzlem lub słowami, piórem”. Historia malarstwa olejnego sięga kilku wieków wstecz...

Martwa natura „Cienie”

Flamandzki sposób malowania farbami olejnymi. Flamandzki sposób malowania farbami olejnymi sprowadzał się w zasadzie do: na białym...

Martwa natura jako gatunek malarstwa

Kolor jest podstawą malarstwa; malarstwo nie istnieje bez koloru. Kolor jest życiem malarstwa. Najważniejszą funkcją koloru w malarstwie jest doprowadzenie do granic zmysłowej autentyczności obrazu...

Krajobraz w sztukach wizualnych

Najważniejszym i najstarszym typem krajobrazu jest obraz dziewiczej przyrody i krajobrazu. Takie jest pierwotne znaczenie francuskiego słowa „paysage” i niemieckiego „Landschaft” (obraz wsi, obraz ziemi)…

Rokoko w różnych rodzajach sztuki

Malarstwo francuskie ewoluowało w tym samym kierunku co architektura: tradycja ceremonialnego, ściśle akademickiego stylu stopniowo traciła na znaczeniu. Do Akademii wkroczyły nowe trendy. Od końca XVII w....

przestudiować stylizację kompozycji dekoracyjnej; zidentyfikować główne etapy pracy; opracować zalecenia dotyczące stosowania malarstwa dekoracyjnego przy tworzeniu paneli. Nowość i praktyczne znaczenie pracy...

Tworzenie paneli dekoracyjnych do przedstawień scenicznych

Pragnienie twórczego rozwoju osobistego po raz pierwszy odkryto w europejskiej tradycji duchowej epoki hellenistycznej. W tym okresie kreatywność i rzemiosło zawodowe uznawano za tożsame w swej naturze rodzaje działalności...

Kolor w malarstwie

Istnieją różne rodzaje kolorowej konstrukcji obrazu, które mają rozwiązać problem podobieństwa zjawisk naturalnych i kolorów obrazu...

Zmysłowe powiązania w codziennym gatunku malarstwa holenderskiego XVII wieku

Można śmiało powiedzieć, że w żadnym innym kraju malarstwo nie przeżyło wcześniej tak szybkiego i intensywnego rozwoju, nie miało tak wyjątkowego rozprzestrzenienia się, tak zdumiewającej popularności…

Malarstwo holenderskie w kolekcji Pałacu w Pawłowsku stanowi jeden z jego głównych elementów i zajmuje znaczące miejsce zarówno pod względem kompozycji, jak i jakości obrazów. Kolekcja obejmuje ponad 80 dzieł.

Cechą szczególną kolekcji jest to, że pejzaż jest reprezentowany lepiej niż inne gatunki, a także tzw. pejzaż „włoski”. Trend ten zrodził się i rozwinął dzięki holenderskim artystom, którzy odwiedzili Włochy. Zdjęcia jasnej, bujnej przyrody południowego kraju stały się impulsem do powstania dzieł zupełnie odmiennych od „narodowego” pejzażu. Przykładem początkowej fazy rozwoju pejzażu „italiaizującego”, zwanego „arkadyjskim”, jest obraz B. Brenberga „Tobiusz i anioł”. Bartholomeus Brenberg (1599/1600-1657) i otaczający go mistrzowie, pracujący we Włoszech w latach dwudziestych XVII wieku, tworzyli obrazy konwencjonalnego włoskiego krajobrazu, zawsze zapełniając go postaciami mitologicznymi lub biblijnymi. Italianizujący gatunek pejzażu osiągnął swój szczyt w połowie XVII wieku w twórczości Jana Botha (1610-1652). Pawłowsk ma dwa charakterystyczne dzieła tego mistrza - obrazy „Włoski krajobraz” i „Widok na Ponte Lucano pod Rzymem”. Artysta nie tylko z największą autentycznością odwzorowuje konkretne zakątki włoskiego krajobrazu, ale także stara się oddać stan określonej pory dnia wraz z charakterystycznym dla niego światłem słonecznym. Młodszym rówieśnikiem J. Botha był Adrian van Emont (ok. 1627-1662), właściciel „Krajobrazu Południowego”, charakteryzującego się efektem oświetlenia słonecznego: złoty blask zachodzącego słońca tworzy urokliwy obraz spokojnej Italii wieczór.

W sztuce holenderskiej wizerunki wiejskich posiadłości i parków stały się modne od połowy XVII wieku. To „Krajobraz parkowy” autorstwa Frederica de Moucherona (1633-1686), w którym panie i panowie zostali umieszczeni na tle kamiennego muru z ozdobnymi wazonami. Syn Moucherona, Izaak Moucheron, również specjalizował się w gatunku pejzaży parkowych i był nieco gorszy od ojca w umiejętnościach malarskich. W zbiorach muzeum znajdują się trzy jego pejzaże parkowe.

Charakterystyczną cechą sztuki holenderskiej jest wąska specjalizacja mistrzów w tym czy innym gatunku. Wśród „włoskich” pejzażystek byli artyści, którzy woleli malować porty południowe, jak np. Thomas Wake (ok. 1616-1677). Znajdujący się w zbiorach muzeum „Port włoski” zachwyca jasnością barw i łatwością przedstawienia tłumu na nabrzeżu. Inny mistrz, Karel Dujardin (ok. 1622-1678), wolał wizerunek pasterzy i pasterzy z bydłem przy wodopoju - „Wodopoju”. W późniejszym okresie rozwoju krajobrazu włoskiego, czyli na przełomie XVII i XVIII w., w mistrzach zaczęło rozwijać się pragnienie krajobrazów komponowanych. Są to niekończące się „porty południowe” z wymyśloną architekturą pomostów, ze wspaniałymi żaglowcami i kolorową załogą, czy „włoskie krajobrazy” z obowiązkowymi fragmentami starożytnych antyków. Do tego typu dzieł należą „Krajobraz z fontanną” i „Przystań morska” Jana Gryffira Starszego (1645-1718). Są pięknie wykonane i charakteryzują się wyrazistymi efektami dekoracyjnymi.

W drugiej połowie XVII wieku mistrzowie holenderscy odnieśli duży sukces w rozwoju gatunku pejzażu miejskiego. Jednym z wybitnych rzemieślników, którzy tam pracowali, był Gerrit Adriens Berkheide (1638-1698). „Jarmark Konny” w zbiorach muzealnych jest sygnowany i datowany na rok 1682, tj. odnosi się do dojrzałego okresu jego twórczości. Ulica przedstawiona na zdjęciu jest na tyle typowa dla Holandii, że trudno mówić o konkretnej lokalizacji. Większość holenderskich mistrzów zajmujących się pejzażem miejskim charakteryzuje się konkretnością obrazu. Autor „Rynek” Ludolf de Jong (1616-1679) przedstawił zwyczajną zabudowę urbanistyczną, jednak po lewej stronie umieścił pomnik Erazma z Rotterdamu, ustawiony na Wielkim Rynku w Rotterdamie w 1622 roku. Z nielicznych przykładów holenderskiej martwej natury w zbiorach muzeum warto zwrócić uwagę na dwa sparowane obrazy Otto Marceusa van Scriecka (1620–1678) – „Wąż atakujący jaszczurkę” i „Wąż atakujący susła”. Reprezentują unikalny rodzaj martwej natury, który miał miejsce być może tylko w sztuce niemieckiej - jest to obraz owadów i gadów w ich naturalnym środowisku. W odniesieniu do takich dzieł pojęciem nie jest „martwa natura” (nature morte), ale „spokojne życie” (stil ożywiony). Współcześni Van Skrykowi zeznają, że artysta miał pod Amsterdamem własną szkółkę z różnymi żywymi stworzeniami, gdzie obserwował życie zwierząt.

Gatunek holenderski i tzw. malarstwo historyczne są w Pawłowsku reprezentowane znacznie słabiej niż malarstwo pejzażowe. Do pierwszej zalicza się obraz „Palacz” przypisywany Willemowi Cornelisowi Deusterowi (ok. 1599-1635). Pośrednie miejsce między portretem a malarstwem gatunkowym zajmuje obraz „Chłopiec z ptakiem”, namalowany w latach trzydziestych XVII wieku przez jednego z wybitnych uczniów Rembrandta, Jakoba Adriensa Bakkera (1608-1651). Bujne włosy dziecka ozdobione są sznurem pereł, a jego uszy ozdobione są kolczykami. W „czystym” portrecie znajduje się dzieło przypisywane Cornelisowi van Wortowi (1576-1624). Pokoleniowy wizerunek młodego mężczyzny w skromnym ciemnym ubraniu z bufiastym kołnierzem jest typowy dla wczesnego rozwoju portretu w Holandii. Z napisu znajdującego się w prawym górnym rogu obrazu wiadomo, że portret powstał w 1622 roku. Głównym wymaganiem, jakie postawiono wówczas artyście, była najwyższa autentyczność. Dlatego główną uwagę zwrócono na indywidualne cechy twarzy, która została przedstawiona zgodnie z prawdą, bez upiększeń. Wyjątkowym dziełem holenderskiego gatunku historycznego jest obraz „Św. Franciszek Ksawery wśród chorych” Jana de Bray (1627-1697). Obraz przedstawia prawdziwą postać historyczną – Franciszka Ksawerego, który żył w pierwszej połowie XVI wieku i był najbliższym sojusznikiem Ignacego Loyoli, założyciela zakonu jezuitów. Za swoją pracę misyjną w Indiach i na Dalekim Wschodzie został kanonizowany w 1622 roku. Według legendy święty miał dar uzdrawiania.

Holland XVII dał światu konstelację wielkich artystów niespotykaną w historii świata. To nigdy wcześniej się nie wydarzyło. To nie wydarzyło się PO. Niesamowicie genialny Rembrandt. Jest pierwszym z rzędu holenderskim artystą, także ze względu na swoją supertechnikę, supermalarstwowość. Aby to zrobić, warto zajrzeć do londyńskiej „Kobiety w kąpieli” czy „Flory” Ermitażu (nie dotykam tu tematu najbardziej chrześcijańskiego humanizmu, najbardziej subtelnego psychologizmu, oszałamiającej inwencji, najgłębszej autorefleksji, doświadczenie siebie jako kogoś innego). Z mojego punktu widzenia i ogólnie obiektywnie Rembrandt jest artystą numer jeden w historii ludzkości. Vermeer ze swoim plenerem, czystym kolorem, mistyczną ciszą. F. Hals ze swoim szaleństwem koronek i uśmiechem. Terborkh z klimatem, fakturą tkanin i zmierzchem. Metsyu ze swoją wiecznie nieprzywiązaną, ale wybuchającą i głupią, absolutną malowniczością wszędzie. Gobbema ze swoim specyficznym rytmem, szczególnym włączeniem człowieka w naturę. J. Ruisdael ze swoją naiwną monumentalnością, szczególną umiejętnością rozpoznawania miejsca jako areny bitwy, bardzo dziwnym upodobaniem do zdobnictwa. Pottera z jego fotograficzną autentycznością i zawsze nieistotnymi szczegółami fizjologicznymi. Hoch (przedarystokrata) ze swoimi idolami i lalkami oraz dziwacznymi eksperymentami z geometrią przedmiotów domowych. Mogę wymienić wielu innych artystów o nie mniejszym znaczeniu i umiejętnościach - Ner, Berchem, Peinaker, Miris, Kalf, Beyeren, Heda, Ast, Witte, Dow, Fabricius, Mas, Hoogstraten, Gelder, Flink, Wauwerman, Goyen, Steen, Helst i itp. itd. Ale nawet w tej „małej” serii jest bardzo mała liczba artystów. Ja osobiście nazywam je „cichymi”. Wszyscy byli pod wpływem Pietera de Hoocha. Malowali ciszę. Byli bardzo utalentowani. Nie wszyscy znajdują się w Ermitażu. Ale ich dzieła Ermitażu można uznać za jedne z najważniejszych. Słuchaj ich.
Jakub Vrel
Pustelnia

Z innych muzeów












Izajasza Bursa
Pustelnia

(249) swoją nazwę wzięła od niezwykłego kasetonowego sufitu pokrytego malowidłami w pastelowych kolorach. Salę wypełniają sceny rodzajowe autorstwa malarzy holenderskich XVII wieku: Fransa Halsa, Jana Steena, Salomona Ruisdaela i innych.

Malarstwo Jana Brueghela w Ermitażu

Kolejny pokój (248) również ma piękny wystrój. Kolumny ze sztucznego marmuru podtrzymują sufit ozdobiony wspaniałymi obrazami. Ośmiokątny żyrandol przypomina miniaturowe piszczałki organowe. Wśród wielu obrazów znajduje się kilka małych płócien autorstwa Jana Brueghela, syna wielkiego Pietera Bruegla Starszego. Jan Brueghel uwielbiał malować pejzaże i sceny rodzajowe.

Obrazy Rubensa i Van Dycka w Ermitażu

Obrazy Rubensa z czasów jego świetności (1610–1620) zajmują salę 247. Znajduje się tam Zejście z Krzyża, słynny ołtarz namalowany dla klasztoru kapucynów w Lira koło Antwerpii. W Rembrandtowskiej wersji tego tematu dominowała realność ludzkiego cierpienia i użycia światła, a Rubens podkreśla kontrast pomiędzy ubiorem ludu a śmiertelnie bladym ciałem Zbawiciela.
„Bachus” powstał w ostatnim roku życia artysty. Mistrz porzucił tradycyjny wizerunek młodego Bachusa, uczestnika hulanek, i przedstawił tego starożytnego rzymskiego boga jako wesołego, leniwego grubaska pokrytego fałdami tłuszczu. Kiedy Rubens miał wiele zamówień, część prac powierzył swoim uczniom, w szczególności Van Dyckowi. Ten młody artysta wprowadził do obrazu „Święto Szymona faryzeusza” całkowicie świecką interpretację tematu biblijnego. Van Dyck został później nadwornym malarzem angielskiego króla Karola I i został przez niego pasowany na rycerza. Na dworze angielskim Van Dyck namalował kilka portretów uznawanych za najlepsze: portret Thomasa Whartona, króla Karola I i królowej Henrietty Marii. Wszystkie te obrazy znajdują się w sali 246. Są też prace wcześniejsze, w tym wspaniały autoportret artysty.

Jeśli przejdziesz przez pokój 248, znajdziesz się w korytarzu (258), gdzie zobaczysz flamandzkie krajobrazy i zimowe sceny. Z korytarza tego wychodzą dwie amfilady, górujące nad Wiszącym Ogrodem: Galeria Pietrowska (255–257) i Galeria Romanowska (261–263). Galeria Petrovskaya prezentuje malarstwo holenderskie z XVII wieku, a Galeria Romanovskaya prezentuje przykłady malarstwa średniowiecznego i wczesnego malarstwa flamandzkiego. Spójrzcie na obraz „Święty Łukasz malujący Madonnę” Rogiera van der Weydena. Zakupiono dwie połówki tej pracy Pustelnia osobno. Dopiero później eksperci zdali sobie sprawę, że były to części tej samej kompozycji. Perłami kolekcji są także dyptyk Roberta Campina „Trójca” i „Madonna z Dzieciątkiem”, „Uzdrowienie niewidomego” Lucasa van Leydena oraz wspaniały portret grupowy Amsterdam Riflemen Corporation autorstwa Dirka Jacobsa.

Biuro Quarenghiego w Ermitażu

Na końcu Galerii Petrovskaya znajduje się małe biuro Quarenghi (205). Niewielki gabinet do dziś nosi imię architekta, który go stworzył w 1806 roku. A. I. Stackenschneider podczas całkowitej przebudowy pawilonu w latach 1850–1858 dokonał znaczących zmian w projekcie szafy. Ścisła i przejrzysta harmonia biura ustąpiła miejsca bardziej eleganckim technikom dekoracji. Jest to jedyne pomieszczenie, w którym zachował się oryginalny wystrój z XVIII wieku. Ściany sali są jaskrawoczerwone, sufity są biało-złote, a kolumny wykonane są z żółtego sztucznego marmuru.

20.Rembrandt i Holender

Malarstwo z XVII wieku

w zbiorach Ermitażu.

Kolekcja obrazów Rembrandta przechowywana w Ermitażu jest znana na całym świecie. Znajdują się w nim dzieła z różnych okresów: najwcześniejsze z nich datowane są na rok 1631, najnowsze – na schyłek życia artysty. Są to portrety, obrazy o tematyce biblijnej i sceny z mitologii starożytnej. Wiele z nich to uznane arcydzieła wielkiego Holendra.

W muzeum wydzielono osobną salę dla obrazów Rembrandta. Znajdują się tu także prace jego holenderskich uczniów.

„Portret naukowca” to najwcześniejszy z obrazów Rembrandta znajdujących się w Ermitażu. Jest to gatunek portretu, który zajmuje niezwykle ważne miejsce w twórczości wielkiego mistrza.

„Portret naukowca” to tradycyjna nazwa obrazu, ale nie wiadomo, kim właściwie była osoba przedstawiona na płótnie. Leżąca przed nim książka i pióro w dłoni wskazują być może na zajęcia akademickie.

Flora"– jedno z najsłynniejszych dzieł w kolekcji Ermitażu. Utwór został wykonany przez Rembrandta w roku jego ślubu z Saskią van Uylenburch. Przez długi czas wierzono, że artysta schwytał tu swoją młodą żonę.

Zejście z krzyża

Rembrandt Harmensz van Rijn (1606–1669), Holandia, 1634

„Ofiara Abrahama”- arcydzieło dynamicznego, wyrazistego stylu barokowego w twórczości Rembrandta. O gwałtownym ruchu obrazu decyduje uchwycony na nim moment: szybko pojawia się anioł, przedstawiony jest spadający nóż, który upuścił zszokowany Abraham, a dłoń ojca miłosiernie zakrywa twarz syna.

„Portret Barthiera Martensa” Przez długi czas błędnie uważano, że jest to przedstawienie matki artysty. Dopiero na początku XX wieku. ustalono, że wzorem mistrza była Barthier Martens (1596–1678), żona Hermana Domera, stolarza i stwórcy ram. Jeden z synów Barthiera i Hermana, Lambert Daumer, był uczniem Rembrandta, a później stał się sławnym pejzażystą. Rembrandt, najdroższy malarz w Amsterdamie tamtego okresu, namalował pary portretów małżonków, co Barthier najwyraźniej bardzo cenił. Zapisała je Lambertowi pod warunkiem, że wykona ich kopie dla swoich braci i sióstr.

Obraz „Pożegnanie Dawida z Jonatanem” reprezentuje epizod ze Starego Testamentu (1 Samuela 20:41, 42). Król Saul, podejrzewając swego dowódcę Dawida o chęć przejęcia tronu, postanowił go zabić. Syn Saula, książę Jonatan, który kochał Dawida „jak własną duszę”, poinformował go o planie ojca. Rembrandt przedstawił spotkanie przyjaciół przed ucieczką Dawida, kiedy „oboje płakali razem, ale Dawid płakał bardziej”.

"Święta Rodzina"- jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta na ten temat, do którego mistrz wielokrotnie się zwracał. Scena przedstawiona przez artystę wydaje się być zwyczajnym epizodem z życia skromnej rodziny, kryje jednak w sobie głębokie znaczenie symboliczne.

W późnym okresie swojej twórczości mistrz najczęściej malował osoby w podeszłym wieku. Często pozowali mu mieszkańcy getta, dzielnicy Amsterdamu zamieszkanej przez Żydów.

Portrety osób starszych charakteryzują się kompozycją z postaciami przedstawionymi od klatki piersiowej do pasa. Z reguły portretowani siedzą w nieruchomych pozach, z rękami spokojnie złożonymi przed sobą. Tło tych obrazów jest neutralne, detali niewiele, a w kolorystyce dominują odcienie brązu i czerwieni. Twarze i dłonie modelek uwydatnione są jasnym światłem. Stopniowo blaknąc, migocze w kolorach odzwierciedlających ciemne ubrania bohaterów i tła portretów.

Portret starego Żyda

Rembrandt Harmens van Rijn (1606–1669), Holandia, 1654

Czasami Rembrandt malował ten sam model kilka razy. Tym samym starsza kobieta ukazana w „Portrecie starszej damy” pozowała mistrzowi do innych jego prac.

Obraz trafił do Ermitażu jako „Portret matki Rembrandta” nie przez przypadek: w XVIII i XIX wieku. wiele prac artysty uznawano za wizerunki jego bliskich.

Strój starszej kobiety z nietypowym nakryciem głowy przypomina fikcyjne stroje tzw. tronierów.

Twarz ze zmarszczkami starczymi, dłonie o guzkowatych stawach oddane są charakterystycznymi dla późnej maniery artysty gęstymi, energicznymi pociągnięciami pędzla.

Starcze twarze na portretach Rembrandta charakteryzują się zwykle wyrazem głębokiego duchowego smutku. Obrazy zaabsorbowanych sobą starszych ludzi ucieleśniają zarówno mądrość, jak i smutek, który pojawia się wraz z upływem lat życia.

Jednakże „Portret starca w czerwieni” reprezentuje osobę, w której twarzy i postawie można wyczuć godność i siłę charakteru.

Młoda kobieta przymierza kolczyki" to niewielki obraz, który uwiecznia epizod z życia codziennego. Jednak w sztuce XVII w. Takie historie miały znaczenie alegoryczne. Zatem postać podziwiająca swoje odbicie w lustrze służyła jako przypomnienie takich ludzkich wad, jak próżność i próżność.

Jednocześnie artystka stworzyła uroczy kobiecy wizerunek, trafnie oddając zrelaksowany gest bohaterki, jej naturalny wdzięk i żywy uśmiech. Zwykła scena malowana jest delikatnym nastrojem. Dużą rolę w jej powstaniu odgrywa kolor, na który składają się jasne odcienie czerwieni i brązu, przesiąknięte światłem.

„Haman odkrywa swój los”(„Dawid i Uriasz”?) – obraz gatunku historycznego. Jej fabuła sięga Starego Testamentu, jednak istnieją dwie opinie na temat tego, który epizod biblijny jest tu przedstawiony (stąd dwie nazwy).

Wersja historii o królu Dawidzie i jego wodzu Uriaszu powstała w XX wieku. Zakochawszy się w Batszebie, żonie Uriasza, Dawid wysłał jej męża na wojnę z listem do dowódcy wojskowego – rozkazem wysłania Uriasza na pewną śmierć (2 Samuela 11:14). W tym przypadku na pierwszym planie obrazu przedstawiony jest Uriasz, postacie w tle to król Dawid w koronie i prorok Natan. Jednak tej interpretacji zaprzecza brak litery w dłoni głównej

Wśród arcydzieł gatunku portretu w późnej twórczości artysty znajduje się „Portret poety Jeremiasa de Dekkera”.

Utwór powstał w ostatnim roku życia Dekkera (1606–1666), przyjaciela i wielbiciela Rembrandta.

Artysta przedstawił bliską mu osobę nie w fikcyjnym stroju, ale w surowym czarnym garniturze z płaskim białym kołnierzykiem. Poeta ukazany jest jako głęboko pogrążony w sobie. Przezroczysty cień z ronda wysokiego kapelusza potęguje nastrój smutnego dystansu, który można odczytać na twarzy modelki (technika charakterystyczna dla Rembrandta).

„Powrót syna marnotrawnego”– jeden ze szczytów twórczości Rembrandta.

Fabuła obrazu jest zapożyczona z ewangelicznej przypowieści o synu marnotrawnym (Łk 15,11-32). Pewien młodzieniec, otrzymawszy od ojca swoją część dziedzictwa, „udał się w odległe miejsce i tam roztrwonił swój majątek, żyjąc rozpustnie. A gdy już wszystko przeżył, nastał w owej krainie wielki głód i zaczął odczuwać niedostatek”. Pasał świnie, żebrał i cierpiał głód. Potrzeba zmusiła nieszczęśnika do powrotu do domu ojca.

„Dana”- Uznane arcydzieło Rembrandta. Na płótnie widnieje data 1636. Wiadomo jednak, że około 1643 roku artysta powrócił do pracy nad dziełem, w znacznym stopniu zmieniając jego koncepcję i rozwiązanie obrazowe. W historii „Danae” kryje się wiele tajemnic. Prawdopodobnie w 1656 r. przebywała w domu Rembrandta, a w 1660 r. nie opuściła jeszcze Holandii. W 1755 r. „Danae” pojawia się w zbiorze Crozata, który zawierał co najmniej sześć dzieł różnych autorów o tej samej tematyce. Obraz Rembrandta umieszczono w Galerii Crozat naprzeciw obrazu Tycjana „Danae odbierająca Jowisza jako złoty deszcz”.

Historia kolekcji obrazów Rembrandta w Ermitażu rozpoczęła się znacznie wcześniej, niż powstało samo muzeum.

Pierwszym z obrazów mistrza sprowadzonych do Rosji jest „Pożegnanie Dawida z Jonatanem”. Dzieło zostało zakupione na zlecenie cesarza Piotra I w Amsterdamie na wyprzedaży słynnej kolekcji Jana van Beuningena w Holandii, zorganizowanej w 1717 roku, zanim jego właściciel wyjechał do Ameryki Południowej (jako władca wyspy Curacao, wówczas Holender kolonia).

Początkowo obraz zdobił jedno z wnętrz pałacu Monplaisir w Peterhofie, a w 1882 roku trafił do Ermitażu.

Zasadnicza część kolekcji powstała za panowania Katarzyny II. Cesarzowa, która rządziła w epoce Oświecenia i przyjęła jej ducha, patronowała sztuce. Postanowiła stworzyć galerię sztuki, która będzie znana w Europie.

Szczęśliwy traf sprawił, że cesarzowa rosyjska otrzymała w 1764 roku obrazy zebrane przez berlińskiego kupca Gotzkowsky'ego dla króla Prus Fryderyka II. Wydatki wojenne zmusiły monarchę do odmowy zakupu dzieł malarskich, a kupiec zaproponował, że pokryje nimi swój dług wobec dworu rosyjskiego. Za datę założenia Ermitażu uważa się rok tego przejęcia. W tym samym czasie rozpoczęto budowę Małego Ermitażu – budynku, w którym znajdowały się obrazy.

Malarstwo holenderskie

Żadna narodowa szkoła malarstwa nie widziała tak szybkiego rozkwitu martwej natury. Dopiero umiejętność holenderskiego mistrza dostrzeżenia cząstki istnienia w najmniejszych rzeczach wyniosła ten gatunek do poziomu wiodących.

Wyrażając nowe artystyczne poglądy społeczeństwa i służąc szerszemu niż dotychczas konsumentowi – zwykłemu obywatelowi pierwszej burżuazyjnej republiki w Europie Zachodniej, holenderscy malarze odnaleźli zrozumiały, żywy język artystyczny.

Dokonania artystów holenderskich wyznaczyły nowy ważny etap w postępowym rozwoju realizmu, znacząco wzbogacając i pogłębiając jego treść i metodę twórczą. Wywarli ogromny wpływ na sztukę współczesną i przyszłą. Wszyscy postępowi artyści XVIII-XIX wieku zwrócili się ku najlepszym przykładom malarstwa holenderskiego. Do dziś śmiałe osiągnięcia szkoły holenderskiej pozostają w arsenale artystów realistów, a jej obrazy, nasycone uczuciem afirmującym życie, nadal sprawiają widzowi prawdziwą artystyczną przyjemność.

Szkoła holenderska dała ludzkości galaktykę wybitnych mistrzów na czele z Halsem, Rembrandtem, Ruisdaelem i Vermeerem z Delft. Ich dzieła na zawsze weszły do ​​światowej skarbnicy sztuki i jako największe przejawy ludzkiego geniuszu są pieczołowicie przechowywane w muzeach i galeriach sztuki.

Państwowy Ermitaż posiada jedną z największych na świecie kolekcji malarstwa holenderskiego. Pierwsze eksponaty pojawiły się nad brzegami Newy w 1716 roku, na długo przed założeniem muzeum. W tym roku Osip Sołowjow kupił dla Piotra I w Holandii sto dwadzieścia jeden obrazów, a następnie Jurij Kołograw kupił kolejne sto siedemnaście obrazów w Brukseli i Antwerpii. Nieco później do kolekcji tej dołączono sto dziewiętnaście dzieł, przysłanych królowi przez angielskich kupców Zwana i Elseya. Przeważało tu malarstwo holenderskie, a także flamandzkie: według biografa Piotra I Jakowa Sztelina ulubionymi artystami cara byli Rubens, van Dyck, Rembrandt, Steen, Wouwerman, Bruegel, van der Werff i van Ostade, a jego ulubionym tematami były sceny z życia „Holendrzy i kobiety”. To przywiązanie do wszystkiego, co holenderskie, nie powinno być postrzegane jedynie jako przejaw osobistego gustu „Skipper Peter”, jak nazywano Petera podczas jego pobytu w Holandii. Holenderska demokracja mieszczańska, która znalazła żywy wyraz w malarstwie narodowym, była szczególnie bliska naturze przemian demokratycznych w ówczesnej Rosji w obszarze kultury i życia codziennego. Ale oczywiście nie tylko zainteresowanie artystyczne wzbudziły w rosyjskim widzu obrazy malarzy holenderskich.

W drugiej połowie XVIII w. do Petersburga wyemigrowało wiele znaczących dzieł malarstwa holenderskiego. W ramach kolekcji G. Brühla, nabytej w Dreźnie (w 1769 r.), Ermitaż otrzymał cztery portrety Rembrandta, cztery pejzaże J. Reisdahla, obrazy G. Terborcha, F. Mirisa, A. van Ostade, A. Wouwermana i innych. Kolekcja Crozata do Paryża, która przybyła w 1772 roku, przywiozła do muzeum takie arcydzieła Rembrandta, jak Danaë i Święta Rodzina.

Kolekcję holenderskiego Ermitażu dodatkowo wzbogaciły zbiory Baudouina (Paryż), Walpole'a (Anglia) i pierwszej żony Napoleona I, cesarzowej Józefiny, zakupione dla Ermitażu na przełomie XVIII i XIX wieku. Ermitaż mógł wówczas włączyć do swojej wystawy „Ofiara Abrahama”, „Zejście z krzyża” i kilkanaście innych płócien Rembrandta, modnych w XVIII wieku G. Dou, trzy z najlepszych obrazy P. Pottera (wśród nich arcydzieło mistrza – „Farma”), „Kieliszek lemoniady” G. Terborcha, „Śniadanie” G. Metsu, dwie niezwykle delikatnie wykonane martwe natury kwiatowe J. van Hey- suma i wiele innych równie znaczących dzieł.

Zabawna fabuła, niewielkie rozmiary i stosunkowo niskie ceny sprawiły, że obrazy holenderskie stały się dostępne dla szerokiego kręgu rosyjskich kolekcjonerów. Nabywali je nie tylko członkowie domu panującego i najwyższa szlachta petersburska, ale także przedstawiciele bardziej demokratycznych kręgów ludności. Zbiory te staną się następnie głównym źródłem uzupełnienia kolekcji Ermitażu. W ten sposób w 1915 roku muzeum otrzymało ogromną kolekcję „małych Holendrów”, nabytą w 1910 roku przez słynnego rosyjskiego naukowca i podróżnika P. P. Semenova-Tyana-Szanskiego, który zebrał siedemset dziewiętnaście obrazów trzystu czterdziestu autorów. Wraz z tą kolekcją w katalogu muzeum pojawiło się sto dziewięćdziesiąt nowych nazwisk. Tak więc, jeśli wcześniej holenderska kolekcja Ermitażu wyróżniała się na tle innych muzeów świata pod względem liczby arcydzieł, teraz zajmuje jedno z pierwszych miejsc pod względem liczby reprezentowanych w niej nazwisk, w tym tych najrzadszych.

Kolekcja malarstwa holenderskiego Ermitażu liczy ponad 1000 obrazów i plasuje się na pierwszym miejscu na świecie pod względem liczby arcydzieł i nazw, w tym tych najrzadszych. Malarstwo artystów holenderskich zajmuje sześć sal Nowego Ermitażu, z których największą jest Hala Namiotowa, w której mieści się główna wystawa malarstwa tzw. Małego Holendra. Prezentowane są dzieła czołowych mistrzów różnych gatunków, które rozpowszechniły się w sztuce holenderskiej w XVII wieku: malarzy pejzażu Jana van Goyena i Jacoba Ruisdaela, mistrzów gatunku codziennego Jana Steena, Gerarda Terborcha, Pietera de Hoocha, Andriana i Isaka van Ostade, malarz zwierząt Paul Potter, być może największy przedstawiciel tego gatunku w całej jego historii, mistrzowie martwej natury Willem Klass Heda i Willem Kalf.

Jeden z najwybitniejszych i najodważniejszych holenderskich malarzy tego okresu, Frans Hals, jest reprezentowany przez dwa wspaniałe dzieła - „Portret młodego mężczyzny z rękawiczką w dłoni” (ok. 1659 r.) i „Portret mężczyzny” (przed 1660 r. ).