Najlepsi francuscy artyści. Sztuka Francji Artyści Francji: powstawanie malarstwa francuskiego

Strona główna » Artyści zagraniczni

Wielcy artyści zagraniczni

XIV (XIV wiek) XV (XV wiek) XVI (XVI wiek) XVII (XVII wiek) XVIII (XVIII wiek) XIX (XIX wiek) XX (XX wiek)

Artyści zagraniczni

Lorenzettiego Ambrogio
(1319-1348)
Kraj: Włochy

Malarstwo Lorenzettiego harmonijnie łączyło tradycje malarstwa sieneńskiego z jego liryzmem i uogólnieniem form oraz charakterystyczną dla sztuki Giotta perspektywowością konstrukcji przestrzennej. Choć artysta sięga po tematykę religijną i alegoryczną, w obrazach wyraźnie widać cechy współczesnego życia. Pejzaż warunkowy, charakterystyczny dla malarstwa mistrzów XIV wieku, Lorenzetti zastępuje rozpoznawalnymi pejzażami toskańskimi. Bardzo realistyczny, pisze winnice, pola, jeziora, porty morskie, otoczone skałami nie do zdobycia.

Eika Wanga
Kraj: Holandia

Ojczyzną braci Van Eyck jest miasto Maaseik. Niewiele zachowało się informacji na temat starszego brata Huberta. Wiadomo, że to on rozpoczął prace nad słynnym ołtarzem gandawskim w kościele św. Bawona w Gandawie. Prawdopodobnie do niego należał projekt kompozycyjny ołtarza. Sądząc po zachowanych archaicznych partiach ołtarza - „Kult Baranka”, figury Boga Ojca, Maryi i Jana Chrzciciela, - Huberta można nazwać mistrzem przejścia. Jego twórczość była znacznie bliższa tradycjom późnego gotyku (abstrakcyjno-mistyczna interpretacja tematu, umowność w przekazywaniu przestrzeni, niewielkie zainteresowanie wizerunkiem osoby).

Artyści zagraniczni

Albrechta Dürera
(1471-1528)
Kraj: Niemcy

Albrecht Dürer, wielki niemiecki artysta, największy przedstawiciel kultury renesansowej w Niemczech. Urodzony w Norymberdze w rodzinie złotnika pochodzącego z Węgier. Początkowo uczył się u ojca, następnie u norymberskiego malarza M. Wohlgemuta (1486-89). W latach studiów i wędrówkach po południowych Niemczech (1490-94), podczas podróży do Wenecji (1494-95) wchłonął dziedzictwo XV wieku, ale jego głównym nauczycielem stała się przyroda.

Bosch Hieronim
(1450-1516)
Kraj: Niemcy

Hieronim Bosch, wielki malarz holenderski. Urodzony w Herzogenbosch. Jego dziadek, brat dziadka i wszystkich pięciu wujków byli artystami. W 1478 roku Bosch poślubił bogatego patrycjusza Aleida van Merwerme, którego rodzina należała do najwyższej arystokracji. Z tego małżeństwa nie było dzieci i nie był szczególnie szczęśliwy. Niemniej jednak zapewnił artyście dobrobyt materialny, a Bosch, nie będąc jeszcze wystarczająco sławnym, mógł sobie pozwolić na malowanie tak, jak chciał.

Botticellego Sandro
(1445-1510)
Kraj: Włochy

Prawdziwe imię - Alessandro da Mariano di Vanni di Amedeo Filipepi, wielkiego włoskiego malarza renesansu. Urodzony we Florencji w rodzinie garbarza. Początkowo został wysłany na studia do niejakiego Botticellego, złotnika, od którego nazwisko wziął Alessandro Filipepi. Jednak chęć malowania zmusiła go w latach 1459-65 do studiowania u słynnego florenckiego artysty Fra Philippe Lippi. Wczesne dzieła Botticellego ( Pokłon Trzech Króli, Judyty i Holofernesa a zwłaszcza madonny - Corsini Madonna, Madonna z różą, Madonna z dwoma aniołami) powstały pod wpływem tego ostatniego.

Verrocchio Andrea
(1435-1488)
Kraj: Włochy

Prawdziwe nazwisko - Andrea di Michele di Francesco Choni, wybitny włoski rzeźbiarz. Urodzony we Florencji. Był znanym rzeźbiarzem, malarzem, rysownikiem, architektem, jubilerem i muzykiem. W każdym gatunku dał się poznać jako mistrz innowator, nie powtarzając tego, co zrobili jego poprzednicy.

Carpaccio Vittore
(ok. 1455/1465 - ok. 1526)
Kraj: Włochy

Carpaccio Vittore (ok. 1455/1465 - ok. 1526) – malarz włoski. Urodzony w Wenecji. Studiował u Gentile Belliniego, pozostawał pod silnym wpływem Giovanniego Belliniego i częściowo Giorgione. Uważnie obserwując wydarzenia współczesnego życia, artysta potrafił nasycić swoje kompozycje religijne żywą narracją i wieloma szczegółami gatunkowymi. W rzeczywistości stworzył encyklopedię życia i zwyczajów Wenecji w XV wieku. Mówią o Carpaccio, że ten mistrz „jest jeszcze w domu, w Wenecji”. I już sama idea Wenecji nierozerwalnie wiąże się ze wspomnieniem zielonkawych, jakby widocznych przez morską wodę obrazów genialnego rysownika i kolorysty.

Leonardo da Vinci
(1452 - 1519)
Kraj: Włochy

Jeden z najwybitniejszych artystów włoskiego renesansu, Leonardo da Vinci, był także wybitnym naukowcem, myślicielem i inżynierem. Przez całe życie obserwował i badał przyrodę - ciała niebieskie i prawa ich ruchu, góry i tajemnice ich pochodzenia, wodę i wiatry, światło słońca i życie roślin. Za część natury Leonardo uważał także osobę, której ciało podlega prawom fizycznym i jednocześnie służy jako „zwierciadło duszy”. We wszystkim okazywał swoją dociekliwą, aktywną i niespokojną miłość do natury. To ona pomogła mu odkryć prawa natury, oddała swoje siły na służbę człowieka, to ona uczyniła z Leonarda największego artysty, z równą uwagą uchwycając kwitnący kwiat, wyrazisty gest osoby i mglistą mgłę, która otacza odległe góry.

Michał Anioł Buonarroti
(1475 - 1564)
Kraj: Włochy

„Nie narodził się jeszcze człowiek, który tak jak ja byłby tak skłonny kochać ludzi” – pisał o sobie wielki włoski rzeźbiarz, malarz, architekt i poeta Michał Anioł. Tworzył dzieła genialne, tytaniczne i marzył o stworzeniu jeszcze bardziej znaczących. Pewnego dnia, gdy artysta pracował nad marmurową zabudową w Carrarze, postanowił wyrzeźbić posąg z całej góry.

Rafał Santi
(1483 - 1520)
Kraj: Włochy

Raphael Santi, wielki włoski malarz i architekt renesansu. Urodzony w Urbino w rodzinie J. Santiego – nadwornego malarza i poety księcia Urbino. Pierwsze lekcje malarstwa pobierał u ojca. Po jego śmierci Rafael przeniósł się do pracowni T. Vitiego. W 1500 roku przeniósł się do Perugio i wstąpił do warsztatu w Perugino, najpierw jako uczeń, a następnie jako asystent. Tutaj poznał najlepsze cechy stylu umbryjskiej szkoły malarskiej: chęć wyrazistej interpretacji fabuły i szlachetność form. Wkrótce doprowadził swoje umiejętności do tego stopnia, że ​​odróżnienie kopii od oryginału stało się niemożliwe.

Tycjan Vecellio
(1488- 1576)
Kraj: Włochy

Urodzony w Pieve di Cadoro – małym miasteczku na granicy posiadłości weneckich w Alpach. Pochodził z bardzo wpływowej w mieście rodziny Vecelli. W czasie wojny Wenecji z cesarzem Maksymilianem ojciec artysty zasłużył się Rzeczypospolitej Św. Marka.

Artyści zagraniczni

Rubensa Petera Paula
(1577 - 1640)
Kraj: Niemcy

Rubens Peter Paul, wielki malarz flamandzki. „Król malarzy i malarz królów” nazywany był współczesnymi Flemingowi Rubensowi. W jednym z najpiękniejszych zakątków Antwerpii do dziś mieści się Rubens Hughes – zbudowany według własnego projektu dom artysty i pracownia. Wyszło stąd około trzech tysięcy obrazów i wielu wspaniałych rysunków.

Goyena Jana Wanga
(1596-1656)
Kraj: Holandia

Goyen Jan van jest holenderskim malarzem. Pasja do malarstwa objawiła się bardzo wcześnie. W wieku dziesięciu lat Goyen rozpoczął naukę rysunku u artystów z Lejdy, I. Swanenburga i K. Schilperorta. Ojciec chciał, aby jego syn został malarzem na szkle, ale sam Goyen marzył o byciu malarzem pejzażu i został przydzielony do nauki u przeciętnego malarza krajobrazu Willema Gerritsa w mieście Goorn.

Seger Herkules
(1589/1590 - ok. 1638)
Kraj: Holandia

Seghers Hercules to holenderski malarz pejzażysta i grafik. Studiował w Amsterdamie u G. van Coninxloo. W latach 1612-1629 mieszkał w Amsterdamie, gdzie został przyjęty do cechu artystów. Odwiedził Flandrię (ok. 1629-1630). Od 1631 mieszkał i pracował w Utrechcie, a od 1633 – w Hadze.

Fransa Halsa
(ok. 1580-1666)
Kraj: Holandia

Decydującą rolę w kształtowaniu się sztuki narodowej na wczesnym etapie rozwoju holenderskiej szkoły artystycznej odegrała twórczość Fransa Halsa, jej pierwszego wielkiego mistrza. Był niemal wyłącznie portrecistą, ale jego sztuka miała ogromne znaczenie nie tylko dla portretu Holandii, ale także dla kształtowania się innych gatunków. W twórczości Halsa można wyróżnić trzy rodzaje kompozycji portretowych: portret zbiorowy, portret indywidualny zamawiany oraz szczególny rodzaj obrazów portretowych, nawiązujący w swej istocie do malarstwa gatunkowego, uprawianego przez niego głównie w latach 20. i na początku lat 30. XX wieku.

Velasqueza Diego de Silvy
(1559-1660)
Kraj: Hiszpania

Urodzony w Sewilli, jednym z największych ośrodków sztuki w Hiszpanii na przełomie XVI i XVII wieku. Ojciec artysty pochodził z portugalskiej rodziny, która przeniosła się do Andaluzji. Chciał, aby jego syn został prawnikiem lub pisarzem, ale nie przeszkodził Velazquezowi w malowaniu. Jego pierwszym nauczycielem był ks. Herrera Starszego, a następnie – F. Pacheco. Córka Pacheco została żoną Velazqueza. W warsztacie Pacheco Velasquez zajmował się malowaniem głów z natury. W wieku siedemnastu lat Velasquez otrzymał tytuł mistrza. Kariera młodego malarza rozwijała się pomyślnie.

Kraj: Hiszpania

El Greco
(1541-1614)
Kraj: Hiszpania

El Greco, prawdziwe nazwisko - Domenico Theotokopuli, wielkiego hiszpańskiego malarza. Urodził się w biednej, ale oświeconej rodzinie w Candia na Krecie. Kreta w tym czasie była własnością Wenecji. Najprawdopodobniej uczył się u lokalnych malarzy ikon, którzy nadal kultywowali tradycje średniowiecznej sztuki bizantyjskiej. Około 1566 roku przeniósł się do Wenecji, gdzie wstąpił do warsztatu Tycjana.

Caravaggio Michelangelo Merisi
(1573-1610)
Kraj: Włochy

Caravaggio Michelangelo Merisi, wybitny malarz włoski. Pojawienie się i rozkwit nurtu realistycznego w malarstwie włoskim przełomu XVI i XVII wieku wiąże się z nazwiskiem Caravaggia. Twórczość tego niezwykłego mistrza odegrała ogromną rolę w życiu artystycznym nie tylko Włoch, ale także innych krajów europejskich. Sztuka Caravaggia urzeka nas dużą ekspresją artystyczną, głęboką prawdomównością i humanizmem.

Carracci
Kraj: Włochy

Carracci, rodzina włoskich malarzy pochodzących z Bolonii na początku XVII wieku, założycieli akademizmu w malarstwie europejskim. Na przełomie XVI i XVII wieku we Włoszech, w reakcji na manieryzm, ukształtował się akademicki nurt w malarstwie. Jej główne zasady ustanowili bracia Carracci – Lodovico (1555-1619), Agostino (1557-1602) i Annibale (1560-1609).

Brueghela Piotra Starszego
(między 1525 a 1530-1569)
Kraj: Holandia

Każdy, kto czytał wspaniałą powieść Charlesa de Costera „Legenda Thiela Ulenspiegela”, wie, że cały naród brał udział w rewolucji holenderskiej, w walce z Hiszpanami o niepodległość, walce okrutnej i bezlitosnej. Świadkiem i uczestnikiem tych wydarzeń, podobnie jak Ulenspiegel, był Peter Bruegel Starszy, największy holenderski artysta, rysownik i rytownik, jeden z twórców realistycznej sztuki holenderskiej i flamandzkiej.

Van Dycka Anthony’ego
(1599- 1641)
Kraj: Holandia

Van Dyck Anthony, wybitny malarz flamandzki. Urodzony w Antwerpii w rodzinie zamożnego biznesmena. Początkowo studiował u malarza z Antwerpii Hendricka van Balena. W 1618 wstąpił do warsztatu Rubensa. Swoją twórczość rozpoczął od kopiowania swoich obrazów. Wkrótce został głównym asystentem Rubensa przy realizacji dużych zamówień. Otrzymał tytuł mistrza cechu św. Łukasza w Antwerpii (1618).

Poussin Nicolas
(1594-1665)
Kraj: Francja

Nicolas Poussin (1594-1665), wybitny malarz francuski, czołowy przedstawiciel klasycyzmu. Urodzony we wsi Andely w Normandii w rodzinie małego właściciela ziemskiego. Początkowo uczył się w swojej ojczyźnie u mało znanego, ale raczej utalentowanego i kompetentnego wędrownego artysty K. Varena. W 1612 r. Poussin udał się do Paryża, gdzie jego nauczycielem został J. Aalleman. W Paryżu zaprzyjaźnił się z włoskim poetą Marine.

XVII (XVII wiek)

Artyści zagraniczni

Przylądek Alberta Gerritsa
(1620-1691)
Kraj: Holandia

Cape Albert Gerrits był holenderskim malarzem i rytownikiem.

Studiował u swojego ojca, artysty J. Keipa. Na jego styl artystyczny wpłynęło malarstwo J. van Goyena i S. van Ruysdaela. Pracował w Dordrechcie. Wczesne prace Cuypa, bliskie malarstwu J. van Goyena, są monochromatyczne. Maluje pagórkowate pejzaże, wiejskie drogi biegnące w oddali, biedne chaty chłopskie. Obrazy są najczęściej wykonane w jednym żółtawym odcieniu.

Ruisdael Jacob van
(1628/1629-1682)
Kraj: Holandia

Ruisdal Jacob van (1628/1629-1682) – holenderski malarz pejzażysta, rysownik, rytownik. Prawdopodobnie uczył się u swojego wuja, malarza Salomona van Ruysdaela. Odwiedził Niemcy (1640-1650). Mieszkał i pracował w Haarlemie, w 1648 roku został członkiem cechu malarzy. Od 1656 mieszkał w Amsterdamie, w 1676 uzyskał stopień doktora medycyny w skarbcu i wpisany na listę lekarzy amsterdamskich.

Rembrandta Harmenszoona van Rijna
(1606-1669)
Kraj: Holandia

Urodzony w Lejdzie w rodzinie młynarza. Sprawy ojca w tym okresie układały się dobrze i był w stanie zapewnić synowi lepsze wykształcenie niż inne dzieci. Rembrandt wstąpił do szkoły łacińskiej. Słabo się uczył i chciał malować. Mimo to ukończył szkołę i wstąpił na uniwersytet w Lejdzie. Rok później zaczął brać lekcje malarstwa. Jego pierwszym nauczycielem był J. van Swanenburg. Po ponad trzech latach pobytu w swojej pracowni Rembrandt udał się do Amsterdamu do malarza historycznego P. Lastmana. Wywarł silny wpływ na Rembrandta i nauczył go sztuki grawerowania. Sześć miesięcy później (1623) Rembrandt wrócił do Lejdy i otworzył własny warsztat.

Terborcha Gerarda
(1617-1681)
Kraj: Holandia

Terborch Gerard (1617-1681), słynny malarz holenderski. Urodzony w Zwolle w zamożnej rodzinie mieszczańskiej. Jego ojciec, brat i siostra byli artystami. Pierwszymi nauczycielami Terborcha byli jego ojciec i Hendrik Averkamp. Ojciec kazał mu dużo kopiować. Swoje pierwsze dzieło stworzył już w wieku dziewięciu lat. W wieku piętnastu lat Terborch wyjechał do Amsterdamu, a następnie do Haarlemu, gdzie znalazł się pod silnym wpływem ks. Chalsa. Już wówczas zasłynął jako mistrz gatunku codziennego, najchętniej malował sceny z życia wojska – tzw. „stróże”.

Canalletto (Canale) Giovanni Antonio
(1697-1768)
Kraj: Włochy

Pierwszym nauczycielem Canaletta był jego ojciec, dekorator teatralny B. Canale, któremu pomagał projektować przedstawienia w teatrach w Wenecji. Działał w Rzymie (1717-1720, początek lat 40. XVIII w.), Wenecji (od 1723 r.), Londynie (1746-1750, 1751-1756), gdzie wykonywał dzieła stanowiące podstawę jego twórczości. Malował weduty – pejzaże miejskie, przedstawiał ulice, budynki, kanały, łodzie sunące po falach morskich.

Manyasco Alessandro
(1667-1749)
Kraj: Włochy

Alessandro Magnasco (1667-1749) był włoskim malarzem, malarzem gatunkowym i pejzażowym. Studiował u swojego ojca, artysty S. Magnasco, następnie u mediolańskiego malarza F. Abbiatiego. Jego styl ukształtował się pod wpływem mistrzów genueńskiej szkoły malarstwa, S. Rosy i J. Callo. Mieszkał i pracował w Mediolanie, Florencji, Genui.

Watteau Antoine’a
(1684-1721)
Kraj: Francja

Watteau Antoine, wybitny malarz francuski, którego twórczość wiąże się z jednym z znaczących etapów rozwoju malarstwa codziennego we Francji. Los Watteau jest niezwykły. Ani we Francji, ani w krajach sąsiednich nie było tam w latach, gdy pisał swoje najlepsze rzeczy, ani jednego artysty, który byłby w stanie z nim konkurować. Tytani XVII wieku nie dożyli epoki Watteau; ci, którzy po nim sławili wiek XVIII, poznali świat dopiero po jego śmierci. Tak naprawdę Fragonard, Quentin de La Tour, Perronneau, Chardin, David we Francji, Tiepolo i Longhi we Włoszech, Hogarth, Reynolds, Gainsborough w Anglii, Goya w Hiszpanii – to wszystko jest środek, a nawet koniec XVIII wieku .

Lorrain Claude
(1600-1682)
Kraj: Francja

Lorrain Claude (1600-1682) – malarz francuski, który już w młodym wieku pracował w Rzymie jako służący u A. Tassiego, następnie został jego uczniem. Artysta zaczął otrzymywać duże zamówienia w latach trzydziestych XVII wieku, jego klientami byli papież Urban VIII i kardynał Bentivoglio. Od tego czasu Lorrain stała się popularna wśród koneserów sztuki rzymskiej i francuskiej.

XVIII (XVIII wiek)

Artyści zagraniczni

Gainsborough Thomas
(1727- 1788)
Kraj: Anglia

Gainsborough Thomas, wybitny malarz angielski, twórca portretu narodowego. Urodzony w Sudbury w Suffolk jako syn handlarza suknem. Malownicze okolice miasteczka, położonego nad rzeką Stour, przyciągały Gainsborougha od dzieciństwa, nieustannie ukazując je w swoich dziecięcych szkicach. Pasja chłopca do rysowania była tak wielka, że ​​ojciec bez wahania przez długi czas wysłał trzynastoletniego syna na studia do Londynu, który w tamtym czasie stał się już centrum życia artystycznego.

Turnera Josepha Mallorda Williama
(1775-1851)
Kraj: Anglia

Turner Joseph Mallord William – angielski pejzażysta, malarz, rysownik i rytownik. W latach 1789-1793 pobierał lekcje malarstwa u T. Moltona (ok. 1789). studiował w Royal Academy w Londynie. W 1802 r. Turner był akademikiem, a w 1809 r. profesorem zajęć akademickich. Artysta dużo podróżował po Anglii i Walii, odwiedził Francję i Szwajcarię (1802), Holandię, Belgię i Niemcy (1817), Włochy (1819, 1828). Jego styl artystyczny ukształtował się pod wpływem K. Lorraina, R. Wilsona i holenderskich malarzy morskich.

Jana Vermeera z Delft
(1632-1675)
Kraj: Holandia

Jan Vermeer z Delft jest wielkim holenderskim artystą. O artyście nie ma prawie żadnych informacji. Urodzony w Delft w rodzinie mieszczanina, który był właścicielem hotelu. Zajmował się także wyrobem jedwabiu i handlem obrazami. Być może dlatego chłopiec wcześnie zainteresował się malarstwem. Jego mentorem został mistrz Karel Fabricius. Vermeer wkrótce poślubił Katarzynę Bolney, córkę zamożnego mieszczanina, a już w 1653 roku został przyjęty do cechu św. Łukasza.

Goya i Lucientes Francisco Hosse
(1746-1828)
Kraj: Hiszpania

Pewnego dnia mały Francisco, syn biednego złotnika ołtarzowego z wioski niedaleko hiszpańskiego miasta Saragossa, namalował świnię na ścianie swojego domu. Przechodzący nieznajomy dostrzegł prawdziwy talent w rysowaniu dziecka i poradził chłopcu, aby się uczył. Ta legenda o Goi jest podobna do tej, którą opowiada się o innych mistrzach renesansu, gdy prawdziwe fakty z ich biografii nie są znane.

Guardiego Francesco Lazzaro
(1712-1793)
Kraj: Włochy

Guardi Francesco Lazzaro – włoski malarz i rysownik, przedstawiciel weneckiej szkoły malarstwa. Studiował u swojego starszego brata, malarza Giovanniego Antonio, w którego pracowni pracował z młodszym bratem Niccolò. Malował pejzaże, obrazy o tematyce religijnej i mitologicznej, kompozycje historyczne. Pracował przy tworzeniu dekoracji dekoracyjnych do wnętrz teatrów Manin i Fenice w Wenecji (1780-1790).

Vernet Claude Joseph
(1714-1789)
Kraj: Francja

Claude Joseph Vernet jest malarzem francuskim. Studiował najpierw u ojca A. Verneta, następnie u L. R. Vialiego w Aix i B. Fergioniego, od 1731 r. – w Awinionie u F. Sovana, a później we Włoszech u Manglara, Panniniego i Locatellego. W latach 1734-1753. pracował w Rzymie. W okresie rzymskim wiele czasu poświęcał pracy z naturą w Tivoli w Neapolu, nad brzegiem Tybru. Malował pejzaże i widoki na morze („Wybrzeże w pobliżu Anzio”, 1743; „Widok na most i zamek św. Anioła”, „Ponte Rotto w Rzymie”, 1745 - oba w Luwrze w Paryżu; „Wodospad w Tivoli”, 1747; „Poranek w Castellammare”, 1747, Ermitaż w Petersburgu; „Willa Pamphili”, 1749, Muzeum Puszkina w Moskwie; „Port włoski”, „Wybrzeże morskie ze skałami”, 1751; „Skały blisko morza”, 1753 - wszystko w Ermitażu w Sankt Petersburgu). Prace te zadziwiają wirtuozerią w przekazywaniu światła i powietrza z otoczenia oraz oświetleniem, niezawodnością i doskonałą obserwacją.

Verneta Horacego
(1789-1863)
Kraj: Francja

Vernet Horace to francuski malarz i grafik. Studiował pod kierunkiem swojego ojca, Carla Verneta. Pisząc w epoce rozkwitu sztuki romantyzmu, artysta wykorzystuje w swoich pracach środki właściwe romantykowi. Interesuje go człowiek w mocy żywiołów naturalnych, w sytuacjach ekstremalnych. Vernet przedstawia wojowników walczących zaciekle w bitwach, huraganach i wrakach statków („Bitwa na morzu”, 1825, Ermitaż, St. Petersburg).

Delacroix Eugeniusz
(1798 - 186)
Kraj: Francja

Urodzony w Charenton w rodzinie prefekta. Otrzymał doskonałe wykształcenie. Malarstwa uczył się najpierw w Szkole Sztuk Pięknych w Paryżu, następnie w pracowni P. Guerina (1816-22), którego zimny kunszt wywarł na niego mniejszy wpływ niż namiętna sztuka romantyka T. Gericaulta, z którym związał się blisko Szkoły. Decydującą rolę w kształtowaniu się stylu malarskiego Delacroix odegrało kopiowanie dzieł dawnych mistrzów, zwłaszcza Rubensa, Veronese'a i D. Velasqueza. W 1822 roku zadebiutował w Szponie obrazem „Wieża Dante”(„Dante i Wergiliusz”) na podstawie fabuły pierwszej pieśni „Piekło” („Boska Komedia”).

Gericault Teodor
(1791-1824)
Kraj: Francja

Urodzony w Rouen w zamożnej rodzinie. Studiował w Paryżu w Liceum Cesarskim (1806-1808). Jego nauczycielami byli K. J. Berne i P.N. Guerina. Nie wpłynęły one jednak na kształtowanie się jego stylu artystycznego – w malarstwie Gericaulta prześledzone są tendencje w sztuce A. J. Grosa i J. L. Davida. Artysta odwiedził Luwr, gdzie wykonał kopie dzieł dawnych mistrzów, szczególnie podziwiał jego malarstwo Rubensa.

Galeria Sztuki Art Vedia to biografia współczesnych artystów. Kupuj, sprzedawaj współczesne obrazy artystów z różnych krajów.

Hiroshige Ando
(1797-1858)
Kraj: Japonia

Urodzony w Edo (obecnie Tokio) w rodzinie drobnego samuraja Ando Genemona. Jego ojciec był naczelnikiem miejskiej straży pożarnej, a życie rodziny było w miarę bezpieczne. Dzięki wczesnej edukacji szybko nauczył się rozumieć właściwości papieru, pędzla i tuszu. Ogólny poziom edukacji w tym czasie był dość wysoki. Teatry, grafiki, ikeba-fa były częścią codziennego życia.

Hokusai Katsushika
(1760-1849)
Kraj: Japonia

Hokusai Katsushika to japoński malarz i rysownik, mistrz kolorowego drzeworytu, pisarz i poeta. Studiował u grawera Nakayamy Tetsusona. Był pod wpływem artysty Shunsho, w którego pracowni pracował. Malował pejzaże, w których życie przyrody, jej piękno jest ściśle związane z życiem i działalnością człowieka. W poszukiwaniu nowych doświadczeń Hokusai dużo podróżował po kraju, robiąc szkice wszystkiego, co zobaczył. Artysta starał się w swojej twórczości odzwierciedlić problem relacji człowieka z otaczającą go przyrodą. Jego twórczość przesiąknięta jest patosem piękna świata i świadomością uduchowionej zasady wprowadzanej przez człowieka we wszystko, z czym się styka.

Artyści zagraniczni

Boningtona Richarda Parkesa
(1802-1828)
Kraj: Anglia

Bonington Richard Parkes to angielski malarz i grafik. Od 1817 mieszkał we Francji. Malarstwa uczył się w Calais u L. Franci, od 1820 uczęszczał do Szkoły Sztuk Pięknych w Paryżu, gdzie jego nauczycielem był A. J. Gros. Od 1822 zaczął wystawiać swoje obrazy na Salonach Paryskich, a od 1827 brał udział w wystawach Towarzystwa Artystów Wielkiej Brytanii i Królewskiej Akademii Sztuk w Londynie.

Ensora Jamesa
(1860-1949)
Kraj: Belgia

Ensor James (1860-1949) Belgijski malarz i grafik. Artysta urodził się i wychował w portowym mieście Ostenda, gdzie spędził niemal całe życie. Obraz tego nadmorskiego miasteczka z wąskimi uliczkami zamieszkałymi przez rybaków i żeglarzy, z corocznymi karnawałowymi karnawałami i niepowtarzalną morską atmosferą często pojawia się na wielu jego obrazach.

Vincenta Van Gogha
(1853- 1890)
Kraj: Holandia

Van Gogh Vincent, wielki malarz holenderski, przedstawiciel postimpresjonizmu. Urodzony w brabanckiej wiosce Groot Zundert w rodzinie pastora. Od szesnastego roku życia pracował w Firmie Malarskiej, a następnie jako asystent nauczyciela w prywatnej szkole w Anglii. W 1878 roku dostał pracę jako kaznodzieja na terenie górniczym w południowej Belgii.

Ankera Mikaela
(1849-1927)
Kraj: Dania

Anker Mikael to duński artysta. Studiował w Akademii Sztuk Pięknych w Kopenhadze (1871-1875), a także w pracowni duńskiego artysty P. Kreyera. Później w Paryżu studiował w pracowni Puvisa de Cha-vannesa, jednak okres ten nie znalazł odzwierciedlenia w jego twórczości.Wraz z żoną Anną pracował w Skagen, w małych wioskach rybackich. W jego pracach morze nierozerwalnie łączy się z wizerunkami rybaków jutlandzkich. Artysta ukazuje ludzi w chwilach ich ciężkiej i niebezpiecznej pracy.

Modiglianiego Amedeo
(1884-1920)
Kraj: Włochy

Jak subtelnie i elegancko Anna Achmatowa mówiła o Amedeo Modiglianim! A jednak – była poetką! Amedeo miał szczęście: poznali się w 1911 roku w Paryżu, zakochali się w sobie, a uczucia te stały się własnością świata sztuki, co znalazło wyraz w jego rysunkach i jej wierszach.

Eakins Thomas
(1844-1916)
Kraj: USA

Studiował w Akademii Sztuk Pięknych w Filadelfii (Pensylwania) i w Szkole Sztuk Pięknych w Paryżu (1866-1869). Na ukształtowanie się jego stylu artystycznego duży wpływ miała twórczość dawnych mistrzów hiszpańskich, którą studiował w Madrycie. Od 1870 roku malarz mieszkał w swojej ojczyźnie, w Filadelfii, gdzie zajmował się działalnością pedagogiczną. Już w swoich pierwszych niezależnych pracach Eakins dał się poznać jako realista (Max Schmitt w łodzi, 1871, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork; Na żaglówce, 1874; Żaglówki na Delaware, 1874).

Kenta Rockwella
(1882-1971)
Kraj: USA

Kent Rockwell to amerykański malarz krajobrazu, rysownik, grafik i pisarz. Studiował u przedstawiciela szkoły plenerowej artysty Williama Merritta Chase’a w Shinnecock na Long Island, następnie u Roberta Henry’ego w School of Art w Nowym Jorku, gdzie uczęszczał także na zajęcia Kennetha Millera.

Homera Winslowa
(1836-1910)
Kraj: USA

Homer Winslow to amerykański malarz i rysownik. Nie otrzymał systematycznego wykształcenia, w młodości opanował jedynie rzemiosło litografa. W latach 1859-1861. uczęszczał do wieczorowej szkoły rysunku w National Academy of Arts w Nowym Jorku. Od 1857 wykonywał rysunki do czasopism, w czasie wojny secesyjnej (1861-1865) współpracował z ilustrowanym tygodnikiem Harpers Weekly, dla którego wykonywał realistyczne rysunki ze scenami batalistycznymi, wyróżniające się wyrazistymi i surowymi formami. W 1865 roku został członkiem Narodowej Akademii Sztuk.

Bonnarda Pierre’a
(1867-1947)
Kraj: Francja

Bonnard Pierre – francuski malarz, rysownik, litograf. Urodzony w okolicach Paryża. W młodości studiował prawo, jednocześnie rysując i malując w École des Beaux-Arts i Académie Julian. Lubił japońskie grawerowanie. Razem z artystami E. Vuillardem, M. Denisem, P. Serusierem tworzyli trzon grupy, która nazywała siebie „Nabi” – od hebrajskiego słowa „prorok”. Członkowie grupy byli zwolennikami symboliki mniej złożonej i literackiej niż symbolika Gauguina i jego zwolenników.

Małżeństwo Jerzego
(1882-1963)
Kraj: Francja

Małżeństwo Georges – francuski malarz, rytownik, rzeźbiarz. W latach 1897-1899. studiował w École des Beaux-Arts w Le Havre, następnie w Academy of Ember i École des Beaux-Arts w Paryżu (1902-1903). Jego wczesna twórczość odznacza się wpływem fowistów, zwłaszcza A. Deraina i A. Matisse'a. To właśnie w tym okresie artysta najczęściej sięga po gatunek pejzażu: maluje porty, zatoki morskie z łodziami, budynki przybrzeżne.

Gauguin Paweł
(1848-1903)
Kraj: Francja

Gauguin Paul (1848-1903), wybitny malarz francuski. przedstawiciel impresjonizmu. Urodzony w Paryżu. Jego ojciec był pracownikiem gazety „Nacional” o umiarkowanych przekonaniach republikańskich. Zmiana kursu politycznego zmusiła go do opuszczenia ojczyzny w 1849 roku. Na statku płynącym do Ameryki Południowej zmarł nagle. Gauguin spędził pierwsze cztery lata swojego życia w Limie (Peru) u krewnych swojej matki. W wieku 17-23 lat służył jako marynarz, palacz, sternik w handlu i marynarce wojennej, pływał do Rio de Janeiro i innych odległych miast.

Degasa Edgara
(1834-1917)
Kraj: Francja

Edgar Degas był na pierwszy rzut oka osobą sprzeczną i dziwną. Urodzony w rodzinie bankiera w Paryżu. Potomek rodziny arystokratycznej (jego prawdziwe nazwisko brzmiało de Ha), z młodości porzucił przedrostek szlachecki. Już jako dziecko wykazywał zainteresowanie rysunkiem. Otrzymał dobre wykształcenie. W 1853 roku zdał egzaminy licencjackie i rozpoczął studia prawnicze. Ale już w tym czasie studiował u malarza Barriasa, a następnie u Louisa Lamothe. Podobnie jak Édouard Manet przygotowywał go do błyskotliwej kariery, ale porzucił studia prawnicze i przeniósł się do Szkoły Sztuk Pięknych.

Derena Andre
(1880-1954)
Kraj: Francja

Derain Andre – francuski malarz, ilustrator książek, rytownik, rzeźbiarz, jeden z twórców fowizmu. Zaczął malować w Shatu w 1895 roku, jego nauczycielem był miejscowy artysta. W latach 1898-1900. studiował w Paryżu w Akademii Kariery, gdzie poznał A. Matisse’a, J. Puya i A. Marqueta. Wkrótce Deren opuścił akademię i zaczął uczyć się samodzielnie.

Daubigny’ego Charlesa Francois
(1817-1878)
Kraj: Francja

Daubigny Charles Francois – francuski pejzażysta, grafik, przedstawiciel szkoły barbizonskiej. Studiował u swojego ojca, artysty E. F. Daubigny'ego, następnie u P. Delaroche'a. Pod wpływem Rembrandta. W Luwrze kopiował obrazy mistrzów holenderskich, szczególnie atrakcyjne były jego dzieła J. Ruisdala i Hobbemy. W latach 1835-1836. Daubigny odwiedził Włochy, a w 1866 roku udał się do Holandii, Wielkiej Brytanii i Hiszpanii. Ale te podróże praktycznie nie znalazły odzwierciedlenia w twórczości artysty, prawie wszystkie jego prace poświęcone są francuskim krajobrazom.

Dufy’ego Raoula
(1877-1953)
Kraj: Francja

Dufy Raoul – francuski malarz i grafik. Studiował w Le Havre, w klasach wieczorowych Miejskiej Szkoły Artystycznej, gdzie uczył Luye (1892-1897). Tutaj Dufy poznał OJ Braque i O. Friesza. W tym okresie malował portrety członków swojej rodziny, a także pejzaże na wzór E. Boudina.

Isabey Louis Gabriel Jean
(1803-1886)
Kraj: Francja

Isabey Louis Gabriel Jean (1803-1886) – francuska malarka romantyczna, akwarelistka, litografka. Studiował u swojego ojca, miniaturzysty J.-B. Izaba. Był pod wpływem malarstwa angielskich malarzy morskich i małoholenderskich z XVII wieku. Pracował w Paryżu. W poszukiwaniu nowych doświadczeń Isabey odwiedziła Normandię, Owernię, Bretanię, południową Francję, Holandię, Anglię i jako artystka towarzyszyła wyprawie do Algierii.

Courbeta Gustawa
(1819-1877)
Kraj: Francja

Courbet Gustave to wybitny francuski malarz, wspaniały mistrz realistycznego portretu. „…nigdy nie należał do żadnej szkoły, żadnego kościoła… do żadnego reżimu, a jedynie do reżimu wolności”.

Maneta Edouarda
(1832-1883)
Kraj: Francja

Edouard MANET (1832-1883), wybitny francuski artysta, który na nowo przemyśleł tradycje narracyjnego malarstwa realistycznego. „Zwięzłość w sztuce jest zarówno koniecznością, jak i elegancją. Osoba, która wypowiada się krótko, zmusza do myślenia; gadatliwa osoba nudzi się.

Marche Albert
(1875-1947)
Kraj: Francja

Marquet Albert (1875-1947) – francuski malarz i grafik. W latach 1890-1895. studiował w Paryżu w Szkole Sztuk Zdobniczych, a od 1895 do 1898 - w Szkole Sztuk Pięknych w pracowni G. Moreau. Malował portrety, wnętrza, martwe natury, pejzaże, wśród których znajdują się widoki na morze, wizerunki portów i portów. W pejzażach stworzonych przez artystę na przełomie lat 90. XIX i XX wieku. zauważalnie silny wpływ impresjonistów, zwłaszcza A. Sisleya („Drzewa w Billancourt”, ok. 1898, Musée des Arts, Bordeaux).

Moneta-Claude'a
(1840-1926)
Kraj: Francja

Monet Claude, malarz francuski, twórca impresjonizmu. „To, co piszę, to chwila”. Urodzony w Paryżu w rodzinie kupca spożywczego. Dzieciństwo spędził w Le Havre. W Le Havre zaczął tworzyć kreskówki, sprzedając je w sklepie papierniczym. Zwrócił na nie uwagę E. Boudin i udzielił Monetowi pierwszych lekcji malarstwa plenerowego. W 1859 roku Monet wstąpił do paryskiej Szkoły Sztuk Pięknych, a następnie do pracowni Gleyera. Po dwuletnim pobycie w Algierii w służbie wojskowej (1860-61) wrócił do Le Havre i spotkał Jonkinda. Pełne światła i powietrza krajobrazy Ionkind wywarły na nim głębokie wrażenie.

Pierre'a Augusta Renoira
(1841-1919)
Kraj: Francja

Pierre Auguste Renoir urodził się w wielodzietnej rodzinie biednego krawca i od najmłodszych lat uczył się „żyć w koniczynie”, nawet gdy w domu nie było ani kawałka chleba. Już w wieku trzynastu lat opanował już to rzemiosło - malował filiżanki i spodki w fabryce porcelany. Poplamiona farbą bluza robocza miała na sobie jeszcze, gdy przyszedł do Szkoły Sztuk Pięknych. W pracowni Gleyre'a zebrał puste tubki po farbie rzucone przez innych uczniów. Wyciskając je do ostatniej kropli, mruczał pod nosem coś beztrosko wesołego.

Redona Odilona
(1840-1916)
Kraj: Francja

Redon Odilon – francuski malarz, rysownik i dekorator. W Paryżu studiował architekturę, ale jej nie ukończył. Przez pewien czas uczęszczał do Szkoły Rzeźby w Bordeaux, następnie studiował w Paryżu w pracowni Hieronima. Jako malarz kształtował się pod wpływem sztuki Leonarda da Vinci, J. F. Corota, E. Delacroix i F. Goi. Botanik Armand Claveau odegrał ważną rolę w jego życiu. Posiadając bogatą bibliotekę, zapoznał młodego artystę z twórczością Baudelaire'a, Flauberta, Poego, a także z poezją indyjską i filozofią niemiecką. Razem z Clavo Redonem studiowali świat roślin i mikroorganizmów, co znalazło później odzwierciedlenie w jego rycinach.

Cezanne'a Paula
(1839-1906)
Kraj: Francja

Do tej pory w cieniu pozostawał jeden z uczestników pierwszej wystawy na Boulevard des Capucines, najcichszy z gości kawiarni Gerbois, Paul Cezanne. Pora przybliżyć się do jego obrazów. Zacznijmy od autoportretów. Przyjrzyjmy się bliżej twarzy tego brodatego mężczyzny o wysokich kośćch policzkowych, który wygląda jak wieśniak (kiedy ma na sobie czapkę), a potem jak mądry pisarz (kiedy widać jego strome, mocne czoło). Cezanne był jednym i drugim, łącząc upartą pracowitość chłopa z dociekliwym umysłem naukowca.

Toulouse Lautrec Henri Marie Raymond de
(1864-1901)
Kraj: Francja

Toulouse Lautrec Henri Marie Raymond de, wybitny francuski artysta. Urodzony w Albi na południu Francji w rodzinie należącej do największej rodziny arystokratycznej, która niegdyś przewodziła wyprawom krzyżowym. Od dzieciństwa wykazywał talent artystyczny. Malowaniem zajął się jednak po upadku z konia (w wieku czternastu lat), w wyniku czego stał się kaleką. Wkrótce po tym, jak ojciec przedstawił go Prensto, Henri zaczął stale przychodzić do studia przy Rue Faubourg Saint-Honoré. Godzinami mógł patrzeć, jak artysta rysuje lub maluje.

Artyści zagraniczni

Dali Salvador
(1904-1989)
Kraj: Hiszpania

Dali Salvador, wielki hiszpański artysta, największy przedstawiciel surrealizmu. Urodzony w Figueres (Katalonia) w rodzinie słynnego prawnika. W wieku szesnastu lat Dali został wysłany do katolickiej uczelni w Figueres. Na ukształtowanie się jego osobowości ogromny wpływ miała rodzina Pichotów. Wszyscy członkowie rodziny posiadali instrumenty muzyczne, organizowali koncerty. Ramon Pichot jest malarzem pracującym w Paryżu i znającym blisko P. Picassa. W domu Pichotowa Dali zajmował się rysowaniem. W 1918 roku w Fegueras odbyła się jego pierwsza wystawa, która została pozytywnie oceniona przez krytykę.

Kalninsh Eduardas
(1904-1988)
Kraj: Łotwa

Kalninsh Eduardas – łotewski malarz morski. Urodzony w Rydze w rodzinie prostego rzemieślnika, wcześnie zaczął rysować. Pierwszym nauczycielem Kalnina był artysta Jewgienij Moszkiewicz, który otworzył w Tomsku, gdzie rodzina chłopca przeniosła się na początku I wojny światowej, pracownię dla początkujących malarzy. Po 1920 Kalniņš wrócił z rodzicami do Rygi i w 1922 wstąpił do Łotewskiej Akademii Sztuk Pięknych. Jego nauczycielem został Vilhelme Purvitis, uczeń AI Kuindzhi.

M. Prokofiewa, Yu Kolpinsky

W latach 80. XIX wieku w sztukach wizualnych Francji, zwłaszcza w malarstwie, rozpoczęło się odejście od impresjonizmu. Jak wspomniano wcześniej (patrz tom V), już w twórczości wielu impresjonistów można było dostrzec tendencje do odchodzenia od realistycznego pleneru lat 70. XIX w. na rzecz bardziej dekoracyjnego sposobu wykonania. Proces ten ze szczególną siłą dał się odczuć w latach 90. XIX wieku. w twórczości tak typowego mistrza impresjonizmu jak C. Monet.

Większe znaczenie miały jednak nie zmiany w późniejszej twórczości samych impresjonistów, lecz wysunięcie na czoło życia artystycznego grupy nowych nazwisk. Mistrzowie tej nowej generacji artystycznej nie są bynajmniej zjednoczeni, różnie przyjmują swoje zadanie artystyczne i rozwiązują je na różne sposoby. W niektórych przypadkach artyści dążyli do dalszej modyfikacji impresjonizmu, w innych, chcąc przezwyciężyć ograniczone strony impresjonizmu lub to, co wydawało im się jego ograniczonymi stronami, przeciwstawiali mu się swoim rozumieniem natury malarstwa i roli sztuki .

Dlatego też twórczość twórców dywizjonizmu, Seurata i Signaca, malarstwo dekoracyjne i symboliczne Gauguina, intensywna twórczość Cezanne’a, współczesnego impresjonizmu, ale ściśle powiązanego jednak z nowymi problemami lat 80. i 90. XIX w. namiętne poszukiwania Van Gogha, nerwowo ostra sztuka Toulouse - Lautreca można tylko warunkowo połączyć z koncepcją „postimpresjonizmu”, która zakorzeniła się w literaturze (od łacińskiego post - po).

Oczywiście sam rozwój rzeczywistości społecznej Francji stawiał przed sztuką szereg wspólnych zadań, jednak artyści ci realizowali je i rozwiązywali na różne sposoby. Zasadniczo sztuka francuska tamtych lat stanęła przed zadaniem znalezienia nowych form realizmu, zdolnych do estetycznego opanowania i artystycznego prawdziwego wyrażenia nowych aspektów życia społeczeństwa kapitalistycznego, tych zmian w świadomości publicznej, w ustawieniu sił klasowych, które były związane z początek jego przejścia do jakościowo nowego, imperialistycznego etapu rozwoju.

Konieczność odzwierciedlenia z jednej strony ostrych dysonansów życia wielkiego miasta, postępującej dehumanizacji warunków życia społecznego i osobistego człowieka, a z drugiej strony ożywienia aktywności politycznej społeczeństwa klasy robotniczej Francji po klęsce Komuny Paryskiej, stawały się coraz pilniejsze.

Jednocześnie wzmocnienie reakcyjnego charakteru panującej ideologii burżuazyjnej i absolutyzacja formalno-zawodowej strony wszelkiego rodzaju działalności społecznej, charakterystycznej dla społeczeństwa burżuazyjnego, w tym twórczości artystycznej, nie mogło nie wywrzeć ograniczającego wpływu w poszukiwaniu artystów lat 80. i 90. XIX w. Stąd złożona niespójność i dwoistość wyników intensywnych poszukiwań innowacyjnych, tak charakterystyczna dla sztuki francuskiej od końca XIX wieku.

Zwiększone zainteresowanie wrażeniami czysto optycznymi, tendencja do rozwiązań dekoracyjnych, które wyróżniają późny okres twórczości najkonsekwentniejszego przedstawiciela impresjonizmu – Claude’a Moneta, rozwijają się i wyczerpują w drugiej połowie lat osiemdziesiątych XIX wieku. w sztuce Georgesa Seurata (1859-1891) i Paula Signaca (1863-1935). Twórczość tych mistrzów jest pod wieloma względami bliska impresjonizmowi: cechuje ich także zamiłowanie do gatunku pejzażowego i scen współczesnego życia, skłonność do rozwijania właściwych problemów malarskich. Ta ostatnia jednak, w przeciwieństwie do bezpośredniej świeżości percepcji wzrokowej występującej w najlepszych dziełach impresjonistów, świadomie i metodycznie opierała się na formalnym i racjonalnym zastosowaniu do sztuki współczesnych odkryć naukowych z zakresu optyki (prace E- Chevreil, G. Helmholtz, D. Maxwell, O.N. Ore).

Według Seurata artysta musi kierować się prawem analizy spektralnej, za pomocą którego można rozłożyć kolor i jego składowe oraz ustalić dokładne granice interakcji tonów. Stąd jedną z nazw tego nurtu jest dywizjonizm (od francuskiego podziału – podział). Kategorycznie wykluczono mieszanie kolorów na palecie, dopuszczone w praktyce przez impresjonistów, ustępując jedynie optycznemu efektowi czystych kolorów na siatkówce oka. Pożądany efekt można było uzyskać jedynie w wyniku pociągnięcia malarskiego o określonej formie. Od tej jednolitej ((kropkowanej) maniery wzięła się nazwa nowej szkoły – pointylizm (z francuskiego punkt – punkt).

Tak rygorystyczne regulacje miały oczywiście w pewnym stopniu zrównać dorobek dość licznych artystów skupionych wokół Seurata i Signaca (Albert Dubois-Pillet, Theo van Reiselberge, Henri~)dmond Cross i in.). Jednak najwięksi z nich – tacy jak Seurat, Signac, Camille Pissarro (którzy na jakiś czas przyłączyli się do tego kierunku) – mieli na tyle charakterystyczne i uderzające cechy swojej twórczej maniery i talentu, że dosłownie podążali za własną doktryną.

Jednym z najbardziej typowych dzieł Seurata jest „Niedzielny spacer po wyspie Grande Jatte” (1884-1886; Chicago, Institute of Art). Przedstawiający grupy ludzi na tle zielonego brzegu rzeki, mistrz przede wszystkim poszukiwany rozwiązać problem interakcji postaci ludzkich w środowisku o jasnym powietrzu. Obraz podzielony jest na dwie wyraźne strefy: oświetloną, w której artysta zgodnie ze swoją teorią pracuje czystą, ciepłą barwą, oraz zacienioną, w której dominują zimne, czyste tony. Pomimo subtelności zestawień kolorystycznych i udanego przepuszczania światła słonecznego, kropki kresek, przypominające mozaikowe koraliki rozsiane po płótnie, sprawiają wrażenie pewnej suchości i nienaturalności. Skłonność do ostro lokalnego dekoryzmu staje się jeszcze bardziej widoczna w takich pracach Seurata z przełomu lat 80. i 90. XIX wieku, jak „Parade” (Nowy Jork, kolekcja Clarka), „Modele” ((Niedziela w Port-en-Bessen ”(Otterlo , Muzeum Kroller-Mullsr), „Cyrk” (Luwr). Jednocześnie w tych pracach, zwłaszcza w Cyrku, Seurat stara się ożywić zasady pełnej kompozycji dekoracyjnej i monumentalnej, próbując przezwyciężyć pewną fragmentację, jak to chwilowa, losowa kompozycja impresjonistów. Tendencja ta była charakterystyczna nie tylko dla Seurata, ale także dla szeregu artystów pokolenia następującego po impresjonistach. Jednak ogólny formalno-dekoracyjny charakter poszukiwań Seurata w istocie nie przyczynił się do naprawdę owocne rozwiązanie tego ważnego problemu.

Sztuka Paula Signaca różniła się nieco od zimnego intelektualizmu Seurata, który w swoich pejzażach osiągnął stosunkowo dużą emocjonalność w przekazywaniu kolorowych zestawień (na przykład „Sandy Seashore”, 1890; Moskwa, Muzeum Puszkina), „Zamek papieski w Awinion” (1900; Paryż, Muzeum Sztuki Współczesnej). Zwiększone zainteresowanie wyrazistością barwnego dźwięku obrazu sprawia, że ​​Signac daje szereg pejzaży morskich z lat osiemdziesiątych XIX wieku. nazwy temp muzycznych - „Larghetto”, „Adagio”, „Scherzo” itp.

Problem odrodzenia plastycznej materialności malarstwa, powrotu na nowych podstawach do stabilnej konstrukcji kompozycyjnej obrazu postawił czołowy przedstawiciel malarstwa francuskiego końca XIX wieku. Paula Cezanne’a (1839–1906). Cezanne, będący w tym samym wieku co Monet, Renoir i Sisley, pracuje chronologicznie równolegle z tymi mistrzami. Ale jego sztuka w swojej oryginalności kształtuje się właśnie w latach osiemdziesiątych XIX wieku. i należy do postimpresjonizmu.

Wczesne dzieła Cezanne’a, napisane w latach sześćdziesiątych XIX wieku. w Paryżu, naznaczony wpływem Daumiera i Courbeta („Portret mnicha”, 1865-1867, Nowy Jork, zbiór Frick; „Pastoral”, 1870, Paryż, zbiór Pellerina; „Morderstwo”, 1867-1870, Nowy Jork , galeria Wildensteina).

U Daumiera wczesny Cezanne uchwycił te romantyczne momenty, które wskazywały na ekspresję form i dynamikę konstrukcji kompozycyjnej, które jednak w niektórych jego obrazach ostatnich lat są nieco odmienne. Jednocześnie Cezanne dążył do maksymalnej materialności w przedstawianiu przedmiotów. To nie przypadek, że podobnie jak Courbet często preferował pędzle szpatułkowe. Jednak w przeciwieństwie do Courbeta namacalną gęstość malarstwa Cezanne osiąga nie tyle poprzez modelowanie światłocienia, ile poprzez kontrasty kolorystyczne. Ta tendencja do przekazywania materialności świata za pomocą środków czysto obrazowych wkrótce stanie się wiodącą w twórczości artysty.

Rady Pissarro, którego Cezanne poznał w Academy of Suisse, pomogły artyście przezwyciężyć zamierzoną ciężkość jego manier: pociągnięcia stają się lżejsze, bardziej przejrzyste; paleta jest podświetlona (np. „Dom wisielca, Auvers-sur-Oise”, 1873; Luwr).

Jednak bliskie zapoznanie się z metodą impresjonistów wkrótce powoduje twórczy protest mistrza. Nie zaprzeczając kolorystycznym osiągnięciom szkoły C. Moneta, Cezanne sprzeciwia się samemu pragnieniu naprawienia świata w jego nieskończonej zmienności. Dla kontrastu proponuje pewne ogólne, niezmienne wyobrażenia o rzeczywistości, które zdaniem artysty opierają się na ukazaniu wewnętrznej struktury geometrycznej form naturalnych.

Kontemplacja jest nieodłącznym elementem sztuki Cezanne’a. Rodzi to poczucie epickiego spokoju, wewnętrznego skupienia, intelektualnej refleksji nad wszechświatem, które charakteryzuje twórczość malarza okresu dojrzałego. Stąd ciągłe niezadowolenie z tego, co powstało, chęć wielokrotnego przerabiania namalowanego obrazu, niezwykła wytrwałość artysty. Nie bez powodu przyjaciel i biograf Cezanne’a Ambroise Vollard nazwał proces swojej twórczości „myśleniem z pędzlem w ręku”. Malarz marzył o „powrocie do klasycyzmu poprzez naturę”. Cezanne z uwagą i wnikliwością studiuje naturę. „Pisanie nie oznacza niewolniczego kopiowania przedmiotu” – stwierdził artysta, „to uchwycenie harmonii pomiędzy licznymi relacjami, to przełożenie ich na swój własny zasięg…”.

Aby oddać obiektywny świat, w którym dla Cezanne’a najcenniejszymi cechami były plastyczność, struktura, posługiwał się metodą opartą na środkach czysto obrazowych. Modelowanie wolumetryczne i przestrzeń malarstwa sztalugowego budował nie za pomocą światłocienia i środków liniowo-graficznych, ale za pomocą koloru. Jednak w przeciwieństwie do impresjonistów kolor dla Cezanne’a nie był elementem zależnym od oświetlenia. Malarz posłużył się proporcjami kolorów, aby rozpuścić w nich zawarte w nich odcienie i bez uciekania się do modelowania wyrzeźbić wolumeny „modulacji”) samego koloru. „Nie ma linii, nie ma światłocienia, są tylko kontrasty kolorów. Modelowanie obiektów wynika z prawidłowego stosunku tonów” – stwierdził artysta.

Takie zasady można by zastosować z największym skutkiem tam, gdzie dominowałyby obiekty nieożywione i nieruchome. Dlatego Cezanne wolał pracować głównie w gatunku pejzażu i martwej natury, co pozwoliło mu skoncentrować swoją uwagę na przenoszeniu plastycznie widocznych form. Z drugiej strony taka formalnie kontemplacyjna metoda w swej istocie natychmiast ograniczała jego możliwości twórcze. Specyficzna tragedia twórczości Cezanne’a polega na tym, że walcząc o rehabilitację utraconego przez impresjonistów całościowo syntetyzującego spojrzenia na świat, wykluczył z pola widzenia całą tę realną niespójność rzeczywistości, całe bogactwo ludzkich działań, emocji i doświadczeń, które stanowią prawdziwą treść życia.

Nawet nieskończona różnorodność form życia była często przemyślana przez mistrza pod kątem zredukowania ich do jasno zorganizowanych konstruktywnych schematów. Nie oznacza to oczywiście, że artysta raz na zawsze dążył do zredukowania wszelkich form naturalnych do pewnej liczby najprostszych elementów stereometrycznych. Ale taka tendencja czasami krępowała twórczą wyobraźnię artysty i, co najważniejsze, w wyniku tego pojawiła się ta statyczna cecha sztuki Cezanne'a, którą można prześledzić w obrazie niemal każdego motywu. Jest to szczególnie uderzające, gdy malarz nawiązuje do wizerunku osoby. Jednak w najlepszych obrazach poświęconych wizerunkowi człowieka, gdzie Cezanne nie stara się zbyt wyraźnie stosować swojej doktryny artystycznej, osiąga dużą artystyczną perswazję. Poetycki i bardzo realistyczny portret żony artysty z kolekcji Kresslera w Nowym Jorku (1372-1877). W Palaczu (pomiędzy 1895 a 1900; Ermitaż) przekazuje poczucie spokojnie powściągliwej zamyślenia i wewnętrznej koncentracji. Cezanne tworzy jednak także szereg dzieł zimniejszych, w których zaczyna być odczuwalne swoiste, wyalienowane kontemplacyjnie, że tak powiem, „martwe życie” podejścia do człowieka.

To nie przypadek, że właśnie w dziedzinie pejzażu, a zwłaszcza martwej natury, osiągnięcia Cezanne'a są jeśli nie najważniejsze, to w każdym razie najbardziej bezwarunkowe. „Pejzaż parkowy” (1888-1890; Monachium, zbiory Rebera) może służyć jako typowy przykład dojrzałego krajobrazu Cezanne’a. Wyraźna horyzontalność mostu otoczonego pionowymi kępami drzew wychylających się nad wodą, przemyślana równoległość planów bliska jest równowadze klasycznej kompozycji scenicznej. W spokojnej powierzchni rzeki odbijają się kontury gęstej roślinności, dom na brzegu, niebo z rzadkimi chmurami oświetlonymi przez słońce. W przeciwieństwie do barwy i nastrojowej wibracji impresjonistycznego pejzażu Cezanne zagęszcza barwę, starając się oddać materialność ziemi i wody. Grube pociągnięcia na płótno nakładane są farbami niebieskimi, szmaragdowymi i żółtymi, które są postrzegane jako bardzo złożone pod względem przejść i gradacji, ale masy kolorów zredukowane do jednego tonu. Ciężkie gałęzie i lustro wodne są traktowane w sposób wolumetryczny i uogólniony.

Krajobrazy Cezanne’a z przełomu lat 70. i 90. XIX w. zawsze monumentalny: każdy z nich przepojony jest epicką wielkością, poczuciem stabilności, celowym porządkiem, wiecznością natury („Brzegi Marny”, 1888, Muzeum Puszkina, „Zakręt”, 1879–1882, Boston, Muzeum Sztuk Pięknych; „Mały Most”, 1879, Luwr; „Widok na Zatokę Marsylijską z Estac”, 1883-1885, Nowy Jork, Metropolitan Museum of Art).

Wyrazistość plastyczności przedmiotów, którą Cezanne przekazuje w swoich licznych martwych naturach z okresu dojrzałego („Martwa natura z koszem owoców”, 1888–1890, Luwr; „Niebieski wazon”, 1885–1887, Luwr; „Garnek z pelargoniami” i owoce”, 1890-1894, Nowy Jork, Metropolitan Museum of Art). Dąży tu do kontrastowego zestawienia form i zestawień kolorystycznych, co w ogóle stwarza wrażenie przemyślanej harmonii kompozycji.

W obrazie „Brzoskwinie i gruszki” (1888–1890; Muzeum Puszkina) dobór obiektów jest ściśle przemyślany: poziom stołu podkreśla pomarszczenie obrusu, na którym umieszczane są jasne owoce, oraz fasetowany wzorzysty dzbanek a w pobliżu wznosi się okrągła cukiernica. Ciemnoczerwone brzoskwinie, różowo-złoto-zielonkawe gruszki kontrastują z zimną gamą, w którą wpisany jest biały obrus z niebiesko-niebieskimi przejściami. Czerwona granica, przerwana fałdami materii i otoczona jej zimnymi refleksami, nawiązuje do stłumionego echa barwnego nasycenia ciepłych tonów.

Aby podkreślić wolumen obiektów, artysta upraszcza ich strukturę, ujawnia ich główne oblicza. W ten sposób zwykłe, codzienne formy stają się monumentalne: okrągłe brzoskwinie ciężko leżą na talerzu, wykrochmalone fałdy materii stają się rzeźbiarskie, bryły gruszek wydają się zwarte. Artysta świadomie monumentalizując naturę pragnie w większym stopniu oddać jej ciężar i plastyczność niż charakterystyczne, niepowtarzalne właściwości tego przedmiotu. Zakorzeniona w sztuce Cezanne’a tendencja do upraszczania form będzie dalej rozwijana przez jego następców, tzw. Cezannesa, którzy celowo posługują się nią jednostronnie i przekształcają ją w schemat formalistyczny wyabstrahowany z różnorodności walorów betonu życie.

Prace portretowe artysty łączy ogólny nastrój powściągliwej zamyślenia i wewnętrznej koncentracji: z reguły nie charakteryzują się one podkreśloną psychologiczną ostrością stanów. Epicki spokój, który przyciąga Cezanne'a w naturze, charakteryzuje także wizerunek człowieka, który na swoich płótnach jest zawsze pełen majestatycznej godności. W takich portretach jak „Portret Choqueta” (1876-1877; Cambridge, zbiory V. Rothschilda), „Mme Cezanne na żółtym krześle” (1890-1894; Saint-Germain-sur-Oise, zbiory prywatne), „Chłopiec w czerwonej kamizelce” (1890-1895, warianty w różnych zbiorach) malarz osiąga nie tylko bogactwo i kompletność malarstwa, ale także większą subtelność cech psychologicznych obrazów w porównaniu z innymi jego dziełami.

Rzeźbiarska klarowność form, plastyczna ekspresja cechowały wielofigurowe kompozycje fabularne artysty. W wielu wersjach Graczy w karty Cezanne organizuje grupy składające się z dwóch, czterech lub pięciu postaci. Najbardziej wyraziste dzieło znajduje się w Luwrze (1890-1892), gdzie podniecenie impulsywnym stanem jednego z siedzących przy stole podkreśla spokojną refleksję jego metodycznego partnera.

Obraz „Pierrot i arlekin” (1888, Muzeum Puszkina; druga nazwa obrazu to „Mardi-grass”, czyli „Ostatni dzień karnawału”) może służyć jako przykład malarskich umiejętności artysty.

Ubrany w niezdarną szatę, zgarbiony Pierrot, luźno poruszający się powolnym krokiem, wyraźnie wpisuje się w zamkniętą piramidalną kompozycję. Ta niemal zamrożona, bezwładna masa jawi się jeszcze bardziej kontrastowo w porównaniu z harmonią chodzącego Arlekina. Wyraźnie wyczuwalny ciężar brył i rytmiczne relacje między nimi podkreśla wzór i forma draperii; fragment zasłony po prawej stronie przypomina swą ciężkością postać Pierrota, którego gest prawej ręki powtarza się rytmicznie w zakrzywionej linii tkaniny; materia opadająca z lewej strony w dużych fałdach przypomina jakby ruch Arlekina. Ukośna linia podłogi, równoległa do obrysu draperii w prawym górnym rogu, podkreśla powolność kroku przedstawionych postaci. Ogólna struktura kolorystyczna obrazu również opiera się na naprzemienności kontrastujących zestawień. Czarno-czerwony trykot, obcisły Arlekin, zostaje nagle przecięty białą laską, co stanowi naturalne przejście do swobodnie opadających ubrań Pierrota, napisanych na biało z ołowianymi niebieskimi cieniami. Pewne ponure ogólne brzmienie obrazu powstaje z powodu matowości niebieskawego tła i zielono-żółtych zasłon.

W tym dziele Cezanne osiąga niesamowitą kompletność obrazową. Ale integralność postrzegania żywych postaci ludzkich, ich relacji zostaje zastąpiona mistrzostwem konstrukcji obrazu. Utkwione spojrzenie Arlekina i niewidzące oczy Pierrota niemal zamieniają twarze tych ludzi w zamarznięte maski.

Wśród ostatnich dzieł Cezanne’a znajduje się wiele pejzaży przedstawiających Górę Św. Victoria, nad którą pracował przez wiele lat (opcje w Muzeum Puszkina, Ermitażu i innych zbiorach).

W tym samym okresie artysta ponownie powraca do tematu „Kąpiących się” i „Kąpiących się”, który rozwinął na samym początku swojej kariery. Równowaga form w przestrzeni, harmonia i rytm zarówno kompozycyjny, jak i niezwykle pięknie odnaleziona konstrukcja kolorystyczna Wielkich kąpiących się (1898-1905; Filadelfia, Muzeum Sztuki) świadczą o ciekawych poszukiwaniach Cezanne'a w dziedzinie malarstwa monumentalnego. Zainteresowanie Cezanne’a malarstwem monumentalnym nie mogło jednak znaleźć zastosowania w ówczesnych warunkach.

Pewien wpływ impresjonistów doświadczył Paul Gauguin (1848-1903), który wkrótce zajął wobec nich ostro negatywne stanowisko. Artysta buntuje się przeciwko charakterystycznej dla impresjonizmu biernej lojalności wobec wizualnych wrażeń iluzjonistycznych. Zamiast tego wysuwa żądanie podążania za „tajemniczymi głębinami myśli”, nawiązując w tym do programu pisarzy symbolistycznych. Jednak w odróżnieniu od Niemiec i Anglii nurt symboliki nie zdobył dominującej pozycji w ojczyźnie Gauguina, a samej treści dzieła Gauguina nie można sprowadzić do symboliki czy nowoczesności.

Człowiek o burzliwej i złożonej biografii, były marynarz i makler giełdowy, Gauguin w wieku dorosłym stał się artystą. Mając trzydzieści osiem lat, trafia do Bretanii, malowniczej wioski Pont-Aven, która zakochała się w kilku pejzażystach. Część z tych artystów, podążając drogą postimpresjonizmu, w tym Gauguin, zjednoczyła się w szkole Pont-Aven. Zagorzały przeciwnik „koszarowej cywilizacji europejskiej”, marzy o szukaniu źródeł inspiracji w zabytkach narodowego średniowiecza.

Fabuła płótna „Żółty Chrystus. Pont Aven Le Pouldu” (1889; Buffalo, Albright Gallery) sugeruje stary drewniany posąg widziany przez artystę w jednej z tutejszych kaplic. Ogromny romański krucyfiks i siedzące obok niego wieśniaczki w pobożnie skupionych pozach odtwarzają atmosferę posłusznego przesądu bretońskich mieszkańców, który tak urzekał wówczas mistrza.

Pejzaż, będący tłem, artysta zdecydował się na zdecydowanie dekoracyjny: na złotożółtych polach rozsiane są lśniące fioletem drzewa, za wzgórzami pas odległego lasu zmienia kolor na niebieski. Dekoracyjny efekt potęgują wykrochmalone białe szale, ciemnoniebieskie i czarne suknie przedstawionych na pierwszym planie kobiet oraz jasnopomarańczowy fartuch jednej z nich. Intensywność koloru podkreśla ciemny kontur oprawiający kolorowe plamy. Przypomina to technikę emalii cloisonne, jedynie rolę metalowych przegród pełnią tutaj linie rysunku, pomiędzy którymi rozmieszczone są plamy czystego koloru. Termin „kloisonizm” (od francuskiego cloison – partycja) jest dość często używany do scharakteryzowania twórczości Gauguina z tego okresu. Poszukiwanie liniowej wyrazistości również zajmuje ważne miejsce w twórczości artysty. A to „z reguły prowadzi go do zamierzonej płaskości obrazu. Sztuczność treści obrazu „Żółty Chrystus”, świadcząca o religijnych i mistycznych nastrojach Gauguina, łączy się z nieco modernistyczną manierą jego artystycznego rozwiązania.

Poszukiwanie linearnej wyrazistości, świadome upraszczanie form i wzorów, kontrasty plam barwnych charakteryzują także płótna „Walka Jakuba z aniołem” (1888; Edynburg, National Gallery), „Piękna Angela” (1889; Luwr ), „Ukrzyżowanie bretońskie” (1889; Bruksela, Muzeum) itp.

Już w tym okresie pragnienie Gauguina przełamania drobnej anegdotyzmu malarstwa salonowego, swoistej mieszanki płaskiego naturalizmu i wulgarnej urody, realizuje się przez niego na ścieżkach świadomej archaizacji i warunkowej stylizacji form. Stanowi to zarówno o sile jego umiejętności zdobniczych i warunkowych, jak i o swoistych ograniczeniach twórczości. Odejście Gauguina od prozaizmu dominującego sposobu życia w „dostatniej” burżuazyjnej Francji nie skłoniło go do pragnienia ukazania prawdziwie dramatycznych, znaczących estetycznie aspektów i problemów współczesnego społeczeństwa. Dlatego jego barwna i abstrakcyjno-kontemplacyjna twórczość, daleka zarówno od bezpośredniego odzwierciedlenia życia społecznego, jak i złożonego i bogatego świata duchowego współczesnego człowieka, po bezwładności oporu ze strony panujących gustów społeczeństwa, została przyjęta i, że tak powiem, , estetycznie opanowany przez tak zwaną „oświeconą” elitę tego samego społeczeństwa burżuazyjnego, którego estetyczne odrzucenie posłużyło jako jeden z początkowych impulsów, które z góry wyznaczyły kierunek twórczych poszukiwań Gauguina.

W 1891 roku Gauguin postanawia rozstać się z prozaicznym, kupieckim, obłudnie zakłamanym społeczeństwem burżuazyjnym, które – jak był głęboko przekonany Gauguin – jest wrogie naturze prawdziwej twórczości. Artysta wyjeżdża na wyspę Tahiti. Z dala od ojczyzny ma nadzieję znaleźć pierwotny spokój i pogodną egzystencję właściwą „złotemu wiekowi” dzieciństwa ludzkości, który, jak sądził, zachował się wśród tubylców odległych wysp. Gauguin do ostatniego dnia życia zachował w swojej sztuce naiwne złudzenia tego marzenia, choć prawdziwa kolonialna rzeczywistość rażąco temu zaprzeczała.

W 1893 roku Gauguin maluje obraz „Kobieta trzymająca owoc” (Ermitaż). Formy postaci ludzkich są majestatyczne i statyczne, podobnie jak leniwie nieruchomy tropikalny krajobraz, na tle którego są ukazane. Artysta postrzega człowieka w nierozerwalnym związku z otaczającym go światem. Człowiek jest dla niego doskonałym tworem natury, niczym kwiaty, owoce czy drzewa. Pracując nad obrazem sztalugowym, Gauguin zawsze starał się rozwiązać go dekoracyjnie: gładkie kontury, wzory tkanin, dziwaczny wzór gałęzi i roślin tworzą wrażenie uroczystej dekoracji. Prawdziwa natura Tahiti została przekształcona w jasny, kolorowy wzór.

Gauguin rozumie kolor w sposób uogólniony dekoracyjny: widząc ciepłe cienie na piaszczystej ziemi, maluje go na różowo; zwiększając intensywność odbić, zamienia je w lokalne cienie. Nie stosuje modelowania światła i cienia, ale nakładając kolor na nawet jasne płaszczyzny, kontrastuje je, zwiększając w ten sposób siłę barwnego brzmienia obrazu („Bukiet kwiatów. Kwiaty Francji”, 1891; „Czy jesteś zazdrosny? ”, 1892, il. 17; oba - Muzeum Puszkina). Pewne matowe blaknięcie koloru dzieł Gauguina wynika z wad podkładu, który później miał na nie szkodliwy wpływ.

Gauguinowi wydaje się, że ludzie zamieszkujący tę niesamowitą krainę są równie egzotyczni jak przyroda Tahiti. Ich życie, pokryte wspomnieniami starożytnych legend i tradycji, wydaje mu się pełne szczególnego znaczenia. Zamiłowanie do obrazów folkloru, tajemniczej tajemnicy starożytnych bogów znajduje swego rodzaju załamanie w wielu późniejszych dziełach mistrza („Nazywa się Vairaumati”, 1892; Muzeum Puszkina; „Żona króla”, 1896, Muzeum Puszkina , il. 16; „Skąd przyszliśmy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897, Boston, Muzeum itp.) „W ostatnich latach ciężko chory artysta walczył o zachowanie rodzimej kultury, próbował chronić miejscową ludność przed uciskiem administracji francuskiej zwanym „Domem Radości”.

Twórcze poszukiwania Vincenta van Gogha (1853-1890) rozwinęły się w zupełnie innym kierunku niż poszukiwania Cezanne’a i Gauguina. Jeśli Cezanne starał się ukazać najogólniejsze wzorce świata materialnego, jeśli Gauguina, niezależnie od jego osobistych nastrojów, cechowała abstrakcja od specyficznych sprzeczności życia współczesnej Francji, to sztukę Van Gogha charakteryzuje chęć ucieleśnienia złożoną niespójność i zamęt w duchowym świecie współczesnego mu człowieka.

Sztuka Van Gogha jest mocno psychologiczna i głęboka, czasem szaleńczo dramatyczna. Przezwyciężenie ograniczeń impresjonizmu pojmował jako powrót sztuki do palących problemów życia moralnego i duchowego człowieka. W sztuce Van Gogha kryzys humanizmu końca XIX wieku znalazł swój pierwszy otwarty wyraz w bolesnym i beznadziejnym poszukiwaniu prawdziwej drogi przez jego najuczciwszych przedstawicieli. To determinowało zarówno głębokie człowieczeństwo, szczerość twórczości Van Gogha, a jednocześnie cechy bolesnej nerwowości, subiektywnej ekspresji, często ujawniające się w jego sztuce.

Jeśli jednostronna interpretacja, a w istocie zafałszowanie dziedzictwa Cezanne’a, stała się podstawą do powstania zimnoracjonalistycznych, abstrakcyjno-formalnych nurtów w sztuce mieszczańskiej XX wieku, to jednostronna, wypaczona interpretacja niektórych nurtów w twórczości Van Gogha charakterystyczne są dla nurtów ekspresjonistycznych i ogólnie subiektywno-pesymistycznych Zachodnioeuropejska sztuka burżuazyjna XX wieku. Dla nas decydujące znaczenie mają cechy twórczości Van Gogha, które nie zostały przejęte przez formalizm, ale cała jego twórczość jest sztuką uczciwego i szczerego artysty, który ucieleśniał tragedię humanizmu w dobie rozpoczynającego się kryzysu kultury burżuazyjnej .

Van Gogh urodził się w Holandii w biednej rodzinie prowincjonalnego pastora. Bardzo wcześnie powstała rozłam pomiędzy młodym Vincentem, boleśnie poszukującym sensu życia, a drobnomieszczańską samozadowoleniem atmosfery jego rodzinnego środowiska.

Van Gogh wyjeżdża do Belgii w poszukiwaniu rozwiązań swoich obaw w pracy misjonarskiej. W latach 1878-1879. głosi ewangelię w kopalniach węgla w Borinage. Wkrótce jednak władze kościelne odmawiają usług osobie pozbawionej niezbędnych cech oratorskich, a ponadto zbyt mocno zaniepokojonej „światowymi” trudnościami swojej biednej trzody.

Przygnębiony porażką Van Gogh w wieku dwudziestu siedmiu lat po raz pierwszy zwrócił się ku językowi sztuki, wierząc w jego wielką skuteczność. Ma więc nadzieję, że będzie przydatny dla ludzi. Od jesieni 1880 r. do wiosny 1881 r. przyszły malarz uczęszczał do brukselskiej Akademii Sztuk Pięknych. Wkrótce przerywa edukację artystyczną i wraca do ojczyzny. W przyszłości Van Gogh pędzi między domem swojego ojczyma, Hagą i innymi miastami Holandii i Belgii. Zajmuje się różnymi sprawami, równie bezskutecznie, jednocześnie ciężko pracując jako artysta.

Pierwsze pięć lat twórczości Van Gogha (1880-1885) określa się zwykle jako okres holenderski, choć trafniej byłoby nazwać go holendersko-belgijskim: bieda i ciężka praca górników, rzemieślników, chłopów. Godne uwagi jest to, że początkujący artysta zwraca się do przykładu Milleta, kopiując swojego „Angelusa”, a w 1881 r. swojego „Siewca” (van Gogh powróci do tego obrazu w przyszłości).

Nie mniej naturalne jest, że Van Gogh, który przez ponad rok mieszkał w kraju kopalń, przy całej swojej głębokiej, szczerej demokracji, okazał się obcy twórczemu doświadczeniu Meuniera, artysty, który nie był tak współczujący biedny, ale który potwierdzał surowe piękno i wielkość człowieka pracy przemysłowej. Słynne „Ziemniaczanie” (1885; Laren, kolekcja Van Gogha) utrzymane są w ponurych, ciemnych barwach i przesiąknięte duchem ponurej depresji, niemal zwierzęcego poddania się losowi. Jednocześnie w twórczości wczesnego okresu stopniowo ujawnia się zdolność artysty do przekazywania ze szczególną intensywnością i przekonującą intensywnością zarówno emocjonalnej intensywności jego światopoglądu, jak i zamętu wewnętrznego świata przedstawianych przez niego ludzi.

Van Gogh zaczyna przezwyciężać niedoskonałości zawodowe (szorstkość w przekazywaniu kątów i proporcji, słaba znajomość anatomii itp.), które pojawiają się na takich rysunkach jak Zamiatacz ulic (1880-1881; Otterlo, Kroller-Muller Museum). Coraz bardziej opanowuje umiejętność przekazywania charakterystycznego i ekspresyjno-ekspresyjnego. I tak w litografii „Rozpacz” (1882) z bezlitosną prawdomównością przekazuje brzydotę ciała uschniętej kobiety, a jednocześnie z głębokim współczuciem odsłania głęboką i gorzką beznadziejność, jaką ta brzydka, żałosna, cierpiąca osoba zostaje zajęty.

Dramatyczne podniecenie, bolesną, niemal bolesną wrażliwość na cierpienie Van Gogh przekazuje także w pracach poświęconych światu przyrody, przedmiotom nieożywionym (rysunek „Drzewo”, 1882, Otterlo, Muzeum Kroller-Müller i „Ogród zimowy”, 1884, Laren, kolekcja Van Gogha). W nich Van Goghowi udało się spełnić swoje pragnienie „włożenia w krajobraz tego samego uczucia, co w postać ludzką… Jest to szczególna zdolność rośliny do konwulsyjnego i namiętnego przylegania do ziemi; a jednak okazuje się, że została z niej wyrwana przez burzę ”(z listu do brata). Taka „humanizacja”, ostra dramatyzacja świata rzeczy i natury to jedna z najbardziej charakterystycznych cech twórczości Van Gogha.

Około 1886 roku w pełni ujawnił się ogólny kierunek poszukiwań twórczych Van Gogha. Przeprowadzka artysty do Francji ostatecznie determinuje jego rozwój artystyczny. Znajomość impresjonistów, blask światła słonecznego południa (Van Gogh przeniósł się z Paryża do Arles w 1888 r.) pomaga mu pozbyć się resztek czerni koloru i ujawnić żywe wyczucie kontrastów kolorów, tę emocjonalną elastyczność wyrazistość pociągnięć pędzla, które powstały już w twórczy sposób Vana -Goga.

W ciągu ostatnich czterech lat życia obsesyjnie pracujący Van Gogh stworzył ogromną serię obrazów, które określiły jego miejsce w historii współczesnej sztuki europejskiej. To prawda, że ​​napady choroby psychicznej, czasem gorączkowy pośpiech w pracy wpływają na nierówną wartość jego dzieł. Ale najważniejsze z nich, wraz z malarstwem Cezanne'a, wywarły ogromny wpływ na cały dalszy rozwój malarstwa zachodnioeuropejskiego.

Francuski okres w twórczości artysty charakteryzuje się bezwarunkowym wykorzystaniem doświadczeń impresjonistów, zasadniczo odmiennym w porównaniu z nimi rozumieniem zadań sztuki. Tak więc w jego obrazie „Droga do Auvers po deszczu” (1890; Muzeum Puszkina) uderza nie tylko subtelne, dokładne oddanie natury obmytej świeżością, rozświetlonej słońcem i wciąż mieniącej się wilgocią z deszczu co właśnie minęło, ale także żywe wyczucie jego rytmicznego życia: rzędy biegną po grzbietach ogrodów, kędzierzawe drzewa, kłęby dymu pędzącego pociągu kłębią się, blask słońca świeci i igra na mokrej trawie – wszystko to łączy się w holistyczny obraz radosnego, letniego świata pełnego życia.

Poszukiwanie nowej realistycznej wyrazistości objawia się wyraźnie w jego „Łodziach w Sainte-Marie” (1888; zbiory prywatne). Dźwięczna intensywność koloru, estetycznie podkreślona i lakonicznie uogólniona, oddaje charakter natury i iluminację śródziemnomorskiego południa. Ostry rytm krzyżujących się masztów i rejów, szybko zakrzywione sylwetki łodzi wyciąganych na brzeg zdają się zachować wrażenie światła biegnącego po falach.

Jednocześnie Van Gogh tworzy także dzieła, w których początek subiektywnej ekspresji, zasada autoekspresji własnego stanu, ma pierwszeństwo przed zadaniem refleksji i oceny świata. Takie odosobnienie można w pewnym stopniu odczuć w jego Czerwonych winnicach w Arles (1888; Muzeum Puszkina). Wyrazisty w kolorystyce obraz zawiera sprzeczność między idyllicznym motywem (zachód słońca na bezchmurnym niebie, spokojne i spokojne żniwa w porośniętej już więdnięciem winnicy) a dramatycznym nastrojem obrazu. W ten sposób niespokojne uderzenia zamieniają winnicę w tępy płonący strumień płomieni, błękitne gałęzie drzew przebija niespokojny impuls, akord bolesnych pomarańczowych odcieni nieba i ciężki, niebieskawo-biały dysk słońca wywołują uczucie niejasnego niepokoju i zamieszania.

Wizjonerski charakter mają także takie pejzaże jak Gwiaździsta Noc. Saint-Remy” (1889; Nowy Jork, Muzeum Sztuki Nowoczesnej). Czarnoniebieski płomień wierzchołka cyprysu na pierwszym planie kontrastuje z iglicą odległej dzwonnicy, czającej się w błękitnej mgle wioski. Teraz złote, teraz srebrno-niebieskie, połyskujące spirale światła wirują po niebie. Wszystko to zmienia obraz spokojnej letniej nocy w niemal apokaliptyczną wizję.

Niewątpliwie poczucie straszliwej wrogości świata oderwanego od człowieka, jego ponurego i niebezpiecznego piękna wyrażało estetycznie pozycję, w jakiej znajduje się samotny, cierpiący „mały człowiek”, niezwiązany z klasą, która nauczyła się praw rozwoju historia. Dlatego takie dzieła Van Gogha są głęboko szczere, a ich pojawienie się było historycznie nieuniknione. Ale jednocześnie były artystycznym wyrazem duchowego świata tych warstw społecznych, które cierpiąc na deformacje współczesnej rzeczywistości, nie widziały realnych sposobów przezwyciężenia tych deformacji i absolutyzowały swój subiektywny stan, poczucie tragicznej rozpaczy . To właśnie tę stronę twórczości Van Gogha podejmą ekspresjonizm i podobne kierunki artystyczne w sztuce XX wieku.

Błędem byłoby jednak widzieć tylko tę stronę w twórczości Van Gogha, wielkiego i uczciwego artysty. Jego „Droga do Auvers po deszczu”, uderzający w swój portret psychologiczny prawdziwość „Sypialnia artysty w Arles” (1888; Laren, kolekcja Van Gogha), „Krzesło i fajka” (1888-1889; Londyn, Tate Gallery) i wiele innych inne prace pobudzają realistyczną siłę obrazu, prawdziwość uczuć. W niektórych tego typu pracach uderza nie tylko prawdziwość jego tak emocjonalnego języka artystycznego, ale także poczucie nieco podekscytowanej pogody, duże postrzeganie życia natury, co pokazuje, że Van Gogh był wrażliwy na piękno i harmonia życia. Dramatyczne, załamanie nerwowe, tak charakterystyczne dla wielu dzieł Van Gogha, nie jest wynikiem jego boleśnie uprzedzonej tęsknoty za tym, co brzydkie i obrzydliwe, za ich przewrotnym smakowaniem (co było charakterystyczne dla niektórych dekadenckich mistrzów kultury tamtych czasów), ale owocem jego wzmożona wrażliwość na brzydotę i dysonanse, jakie niesie ze sobą rzeczywistość społeczna („Spacer więźniów”, 1890; Muzeum Puszkina).

Wrażliwość na wrogie zasady ludzkie, zawsze czyhające w życiu społeczeństwa, w którym żył Van Gogh, i ukryte pod skorupą codzienności, znalazła wyraz w jego Night Cafe w Arles (1888; Nowy Jork, zbiory Clarka). Melancholia i beznadzieja samotności ludzkiej duszy ogarniętej bolesną rozpaczą oddane są w przyćmionym, śmiercionośnym świetle na wpół pustej kawiarni; są one wyrażone w nudnych postaciach rzadkich gości, jakby oszołomionych winem i ich wyobcowaniem ze świata. Ten stan umysłu wyraża się także w ostrych dysonansach kolorów – zielonym suknem bilarda, różowożółtej podłodze, czerwonych ścianach, żółtych kręgach światła wokół płonących lamp – a zwłaszcza w samotności, bezradności, ponurości, przypomina fantoshową postać, kelner stoi zamrożony z opuszczonymi rękami.

"Próbowałem.. . w tej atmosferze piekielnego pieca i blado płonącej siarki, aby ucieleśnić całą moc ciemności i atmosferę wojen. A przecież chciałem to wszystko odsłonić pod przykrywką japońskiej lekkości i samozadowolenia Tartarina” (z listu do brata).

To samo ogromne wewnętrzne napięcie przeżyć ujawnia się w jego portretach i autoportretach. Zatem jego „Autoportret poświęcony Paulowi Gauguinowi” (1888; Cambridge, Muzea Sztuki Uniwersytetu Harvarda) charakteryzuje się uczuciem ciężkiej i nieco żałobnej koncentracji oraz ukrytej obsesji, która pozwala rozpoznać w tym portrecie artystę Van Gogh ze swoją wyjątkową wizją artystyczną.pokój. Taki jest jego pełen nerwowej energii i ostrożnego napięcia Autoportret z zabandażowanym uchem (1889; Chicago, zbiór Block).

Na obrazie „Kobieta w kawiarni Tambourine” (1887; Laren, kolekcja Van Gogha), w żałośnie zmęczonej twarzy kobiety siedzącej przy stoliku w pustej kawiarni, w nerwowo niespokojnej fakturze pociągnięć, ten motyw wyniszczonej melancholii i samotność, która po raz pierwszy zabrzmiała tak jasno i zdecydowanie w Absyncie Degasa. Ale tutaj motyw ten wyrażony jest z mniejszą powściągliwością niż u Degasa, z większą namiętną goryczą.

W ostatnich latach Van Gogh cierpiał na ataki ciężkiej choroby psychicznej. Niektórzy uczeni mieli pokusę, aby przypisać charakter sztuki Van Gogha jego chorobie psychicznej. Ale nie jest. Jeśli sztuka Van Gogha była symptomem choroby, to śmiertelnej choroby samego społeczeństwa – rozpoczętego nieuleczalnego kryzysu burżuazyjnego humanizmu.

Współczesnym Cezanne’owi, Van Goghowi i Gauguinowi był Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901). Jego twórczość zaliczana jest także do postimpresjonizmu.

Twórczość Toulouse-Lautreca jako całość charakteryzuje się swoistym rozwojem i modyfikacją tradycji artystycznych Degasa, a częściowo E. Maneta w kierunku coraz większego akcentowania momentów ekspresji obrazu, sięgających niemal groteski nerwowa dynamika formy. W prześcieradłach artysty, w pstrokatej kolejności, przed widzem szybko przechodzą niejasne midiettes i słynni śpiewacy nocnych kawiarni; znakomici przedstawiciele artystycznej i literackiej bohemy Paryża oraz uciskani bywalcy burdeli; przechodzą, teraz opętani gorączkowo konwulsyjną zabawą, teraz ogarnięci melancholią samotności.

Niezwykłe, czasem tragiczne wydarzenia z biografii, oryginalność środowiska, w którym minęło życie artysty, odegrały pewną rolę w ukształtowaniu się twórczych skłonności Toulouse-Lautreca. Należał do tych artystów francuskich końca XIX wieku, w których twórczości motyw zaburzeń społecznych i psychicznych, choć w bardzo tradycyjnej i wąskiej sferze tematycznej, znalazł bezpośredni wyraz.

Toulouse-Lautrec pochodził ze starożytnej dziedzicznej rodziny wicehrabiów południowej Francji. Jako dziecko złamał obie nogi i pozostał kaleką na zawsze. Jego fizyczna brzydota uczyniła go pariasem w oczach szanowanej arystokracji.

Modelami pierwszych obrazów artysty są najczęściej jego bliscy i krewni. Portrety „Hrabina Toulouse-Lautrec na śniadaniu w Malrome” (1883), „Hrabina Adele de Toulouse-Lautrec” (1887; oba - Albi, Muzeum Toulouse-Lautrec) są naznaczone wpływem techniki impresjonistycznej, ale dążeniem do maksimum indywidualizacja cech, wyjątkowa, czasem bezlitosna, czasem głęboko smutna czujność obserwacji świadczy o zasadniczo odmiennym rozumieniu wizerunku osoby. Są to „Młoda kobieta siedząca przy stole” (1889; Laren, kolekcja Van Gogha), „Praczka” (1889; Paryż, kolekcja Dortyu) i inne dzieła.

Dalsza ewolucja twórczości Toulouse-Lautreca naznaczona była kontynuacją poszukiwań psychologicznej wyrazistości, rozwijającą się równolegle z zainteresowaniem oddaniem specyficznego, niepowtarzalnego wyglądu przedstawianych postaci. Płótno „W kawiarni” (1891; Boston, Muzeum Sztuk Pięknych) jest bliskie treściowo znanemu, wspomnianemu już dziełu Degasa „Absinthe”. Ale w interpretacji Toulouse-Lautreca obraz dwóch opuszczonych pijaków, głupio zamrożonych przy brudnym stole, nabiera jeszcze bardziej dramatycznego koloru.

Stanowisko Toulouse-Lautreca to ironiczne stanowisko satyryka, który stale stosuje metodę groteskowej przesady. Podobną cechę przejawiały się wyraźnie w takich obrazach jak „Wejście La Goulue do Moulin Rouge” (1892; Paryż, zbiory Bernheim de Ville), „Taniec w Moulin Rouge” (1890; Filadelfia, zbiory prywatne). Chęć przekazania jasnej oryginalności ruchów, gestów, póz jest szczególnie wyraźnie widoczna na obrazie nary tańczącej w głębi sali. Groteskowa sylwetka mężczyzny wykonującego niezwykłą entrechę na giętkich nogach oraz ostre ruchy jego rudowłosej partnerki w czerwonych pończochach tworzą ostry i lakoniczny obraz, posiadający cechy zbliżające go do wyrazistości plakatu.

Rola rysunku w sztuce mistrza jest niezwykle duża. Ostrość, wyrazistość, bogactwo i różnorodność stylu graficznego Toulouse-Lautreca czynią go wybitnym rysownikiem XIX wieku. Znaczącą część jego dorobku twórczego stanowi grafika (liczne grafiki, pastele, litografie, rysunki). Szczególne miejsce zajmują słynne plakaty. To właśnie w tych latach ukształtowała się specyfika plakatu jako szczególnej formy sztuki. Plakat we współczesnym znaczeniu tego słowa wywodzi się z twórczości Toulouse-Lautreca i częściowo Steinlena.

Za jeden z najlepszych plakatów w historii uważa się jego kolorową litografię „Divan japonais” (1892), reklamującą mały koncert kawiarniany. Wysunięta nagle na pierwszy plan ostra sylwetka kobiety w modnej obcisłej sukience i dziwacznym kapeluszu oraz nerwowo wijąca się linia zarysowująca sylwetkę siedzącego z tyłu mężczyzny, tworzą trzon kompozycyjny prześcieradła. Postać głównej bohaterki śpiewającej na scenie celowo osadzona jest w głębi, tak aby widoczna była jedynie jej suknia i dłonie okryte długimi ciemnymi rękawiczkami, a jej głowa została odcięta ramą prześcieradła. W rezultacie patrząc na plakat, jakby sam znalazł się w atmosferze audytorium, na scenie którego występuje piosenkarka Yvette Gilber.

Wizerunek Yvette Guilbert Lautrec był wielokrotnie poruszany. W 1894 roku wykonał cały album litografii, w którym uchwycił charakterystyczne ruchy i subtelne odcienie nastroju, mimikę gwiazdy Montmartre. Jedna z przygotowawczych wersji portretu Yvette Gilbert, wykonana w tym samym roku z wielobarwnej esencji olejnej, przechowywana jest w Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina.

Na niektórych portretach z lat 90. XIX w. wraz z upodobaniem do ostro groteskowego, czasem karykaturalnego przedstawiania wizerunku osoby, można prześledzić inne tendencje. Na portrecie doktora Gabriela Tapiera de Saleirana (1894; Albi, Muzeum Toulouse-Lautrec) postać wolno idącego eleganckiego mężczyzny, za którym roją się dziwni ludzie o twarzach przypominających koszmarne maski, staje się niemal symbolem beznadziejnej rozpaczy i samotność. Ten sam motyw można prześledzić w obrazie Jeanne Avril opuszczająca Moulin Rouge (1892; Hertford, Wadsworth Athenaeum). Nuta smutnego liryzmu brzmi w samotnej, zmęczonej postaci kobiety, w jej wymarłej, smutnej twarzy.

Twórczość Toulouse-Lautreca odegrała dużą rolę w rozwoju grafiki francuskiej końca ubiegłego wieku. Felix Vallotton (1865-1925) kontynuuje dalsze poszukiwania wyrazistości techniki graficznej, rozumianej nieco bardziej formalnie. Szwajcar z urodzenia, Vallotton większość życia spędził w Paryżu i powszechnie uważany jest za przedstawiciela szkoły francuskiej. Vallotton dużo pracował także jako malarz. Zainteresowanie abstrakcyjno-zimną objętością w interpretacji postaci ludzkich czyni go jednym z pierwszych przedstawicieli neoklasycznej wersji secesji w malarstwie. Jednak grafika Vallottona wniosła największy wkład w historię sztuki. To właśnie ten artysta miał pierwszeństwo w wypracowywaniu nowych możliwości dla mało praktykowanego wówczas drzeworytu.

Ilustrując Księgę masek (1895) Remy'ego de Gourmonta, Vallotton tworzy serię portretów znanych pisarzy tamtych czasów. Nie rezygnując z indywidualizacji wizerunków portretowych, osiąga znaczne uogólnienia w charakterystyce swoich modeli. Szczególnie interesujący jest portret F. M. Dostojewskiego (drzeworyt), którego tragiczną złożoność natury autor domyślił się. Biała plama twarzy o napiętym, ciekawskim spojrzeniu uważnych oczu wyraźnie wyróżnia się na gładkim czarnym tle. Ostro zarysowane linie przedstawiają po prostu kształt nosa, brwi, kontury włosów i zmarszczek.

Drzeworyt „Pokaz” (1893) jest interesujący ze względu na dynamikę. Vallotton ukazuje scenę rozproszenia demonstracji w ostrym skrócie perspektywicznym z góry na dół, jakby widziana z okna piętra. Niespokojne migotanie czarnych postaci mistrz postrzega jak z pozycji artystycznie dokładnego obserwatora zewnętrznego.

Szczególne miejsce w rozwoju grafiki francuskiej przełomu XIX i XX wieku. zajmuje się dziełem Teofila Steinlena (1859-1923). Steinlen kontynuuje w nowych warunkach tradycję demokratycznej grafiki magazynów bojowych we Francji. Artystce nie są obce odkrycia takich mistrzów lat 1860-1870 jak E. Manet, E. Degas, którzy stworzyli język pełen wyrazistej dynamiki, ostro i trafnie oddający charakterystyczne momenty z nieustannego życia wielkiego miasta . Jednak Steinlen wyróżnia się nie tyle błyskotliwością artyzmu w rozwiązaniu tego czy innego motywu, ale społeczną i etyczną orientacją rozwiązania figuratywnego.

Jako dokładny i bystry obserwator życia towarzyskiego Paryża jest bliższy tradycji Degasa niż E. Manet czy C. Monet, nie dochodząc jednak do artystycznej wypukłości i lakonicznej dokładności swego starszego współczesnego. Mocną stroną twórczości Steinlena jest dążenie do społecznej efektywności sztuki, demokracji bezpośredniej, powiązania z życiem nie na ogół „paryskiej ulicy”. ale ze światem uczuć, myśli, aspiracji ludu pracującego wielkiego miasta. W tym sensie jest raczej spadkobiercą Charleta i Daumiera, przedstawicielem demokratycznej, społecznie zaostrzonej linii francuskiej kultury realistycznej.

Odnosząc się nie tylko do obrazu mas pracującego, klasy robotniczej, ale próbując wyrazić jej uczucia i ideały, Steinlen jest bliski przejścia od realizmu burżuazyjno-demokratycznego do realizmu kojarzonego z ideałami demokracji socjalistycznej. To prawda, że ​​​​te ideały Steinlena wciąż pojawiają się w niejasno nieokreślonej formie i pod tym względem artysta podziela siłę i słabość spontanicznie socjalistycznej orientacji poglądów i uczuć mas pracujących Francji tamtych lat.

Wiele, zwłaszcza wczesne dzieła Steinlena (1880-1890), to ilustracje do popularnych pieśni paryskiego przedmieścia, publikowane w odrębnych zbiorach lub na łamach czasopism demokratycznych. Są to ruchy pełne, czasem przebiegłe, czasem smutne, a czasem sentymentalne i wrażliwe w duchu „okrutnego romansu”, jakby podglądane sceny na ulicy: „Zima” (lata 90. XIX w.; rysunek do wiersza R. Ponchona dla magazyn „Ilustracja Gillesa Bdaza”), „Młodzi robotnicy” – żarliwe przedrzeźniacze wybierające się po pracy na randkę; „Stary włóczęga” to nieco sentymentalna kompozycja przedstawiająca samotnego starca dzielącego swój skromny posiłek ze swoim jedynym przyjacielem – kudłatym, chudym psem.

Szczególne miejsce w twórczości mistrza zajmują pełne humanizmu i smutnego humoru ilustracje, wykonane w 1901 roku dla Crainquebila A. Fransa, tak wysoko cenionego przez autora opowiadania.

Społeczna, antyimperialistyczna orientacja jest szczególnie widoczna w ilustracji Steinlena do piosenki, która opowiada o ciężkim losie żołnierza wysłanego do wojska kolonialnego. Antymilitaryzm i antykolonializm to charakterystyczna cecha twórczości Steinlena, dziennikarza, stałego współpracownika takich lewicowych gazet jak Assiet o Ber, Shambar Socialist i innych. Takie są na przykład rysunki potępiające „cywilizacyjną” działalność francuskich i belgijskich kolonizatorów w Kongo.

Duże znaczenie mają litografie Steinlena poświęcone walce francuskiej klasy robotniczej.Jego „strajk” (1898), pozbawiony zewnętrznego patosu, wyraziście oddaje groźny spokój strajkujących zgromadzonych u bram fabryki strzeżonej przez żołnierzy. Galeria postaci tych robotników, wysokich mieszkańców północy Francji, o twarzach pełnych surowego umysłu i upartej ludowej energii, zarysowana jest ostro i oszczędnie. Są one dokładnie skontrastowane z tak typowym wyglądem krępych chłopów o „czarnych twarzach” ubranych w żołnierskie mundury, wypędzonych tu z wiejskich obszarów południowej Francji, do obcego kraju kopalń i fabryk z nieznanymi i niezrozumiałymi ludźmi.

Jego kolorowa litografia Zbrodnia w Pas de Calais (1893) z jej lakoniczną siłą społeczną i dramatyzmem zapowiada przyszłe rewolucyjne plakaty XX wieku. Patos „Zbrodni w Pas de Calais” to patos goryczy i gniewu. Ta ilustracja-plakat magazynu poświęcona jest faktowi: osiemset rodzin strajkujących górników zostało wypędzonych przez żandarmów na mróz z chat należących do firmy. Obraz pogrążonego w żałobie potężnego górnika z dzieckiem na ramieniu, idącego na czele pogrążonej w smutku rodziny i groźnie ściskającego górniczy kilof, wyrasta na symbol nieugiętej woli, nieprzejednanego rewolucyjnego gniewu klasy robotniczej Francja.

Sztuka Steinlena rozwinęła się w drugiej połowie lat osiemdziesiątych XIX wieku i do lat dziewięćdziesiątych XIX wieku. i jest ściśle związany z przebudzeniem klasy robotniczej i sił demokratycznych we Francji w ogóle po okresie dominacji reakcji, który nastąpił po zniesieniu Komuny Paryskiej w 1871 roku. I choć na wydarzenia I wojny światowej odpowiedział ciekawym cyklem Uchodźcy (1916), który swoim humanizmem przeciwstawia się szowinistycznej propagandzie tamtych lat, to jednak zapisze się w historii kultury francuskiej jako mistrz kojarzony przede wszystkim z okresem demokratycznym i socjalistyczne tendencje w sztuce francuskiej lat 80. XIX w. - początek XX w

Ogólnie rzecz biorąc, w tych latach we Francji, w twórczości jej największych mistrzów, postawiono problemy przejścia do nowych form realizmu, przezwyciężenia rozproszonej formy i nieuchwytnej chwilowej percepcji impresjonistów. Jednakże w warunkach narastających pierwszych oznak ogólnego kryzysu kultury kapitalizmu, która wkroczyła w końcową fazę jej rozwoju, nie udało się rozwiązać problemu przejścia sztuki na wyższy poziom, pozostając w granicach światopogląd i idee estetyczne starego społeczeństwa. Stąd dwoistość i niekonsekwencja poszukiwań tak wielkich mistrzów jak Cezanne i Van Gogh. Ta niespójność umożliwiła jednostronną interpretację ich dziedzictwa przez sztukę formalistyczną XX wieku.

„Nowy świat narodził się, gdy namalowali go impresjoniści”

Henriego Kahnweilera

XIX wiek. Francja. W malarstwie wydarzyło się coś nie do pomyślenia. Grupa młodych artystów postanowiła wstrząsnąć 500-letnią tradycją. Zamiast wyraźnego rysunku zastosowali szerokie, „niechlujne” pociągnięcie pędzla.

I całkowicie porzucili zwykłe obrazy, przedstawiające wszystkich z rzędu. Oraz damy łatwej cnoty i panowie o wątpliwej reputacji.

Opinia publiczna nie była gotowa na malarstwo impresjonistyczne. Wyśmiewano ich i karcono. A co najważniejsze, nic od nich nie kupili.

Ale opór został przełamany. A niektórzy impresjoniści dożyli swego triumfu. To prawda, że ​​​​byli już po 40. roku życia. Jak Claude Monet czy Auguste Renoir. Inni na uznanie czekali dopiero u schyłku życia, jak Camille Pissarro. Ktoś nie sprostał temu zadaniu, jak Alfred Sisley.

Jaki rewolucjonista zrobił każdy z nich? Dlaczego społeczeństwo tak długo ich nie akceptowało? Oto 7 najsłynniejszych francuskich impresjonistów na świecie.

1. Edouard Manet (1832-1883)

Edwarda Mane’a. Autoportret z paletą. 1878 Zbiory prywatne

Manet był starszy niż większość impresjonistów. Był ich główną inspiracją.

Sam Manet nie twierdził, że jest przywódcą rewolucjonistów. Był człowiekiem światowym. Marzyłem o oficjalnych nagrodach.

Ale na uznanie czekał bardzo długo. Publiczność chciała zobaczyć greckie boginie lub w najgorszym przypadku martwe natury, aby pięknie wyglądały w jadalni. Manet chciał malować współczesne życie. Na przykład kurtyzany.

Rezultatem było „Śniadanie na trawie”. Dwóch dandysów odpoczywa w towarzystwie dam o łatwych cnotach. Jeden z nich, jakby nic się nie stało, siedzi obok ubranych mężczyzn.

Edwarda Mane’a. Śniadanie na trawie. 1863, Paryż

Porównaj jego „Śniadanie na trawie” z „Rzymianami u schyłku” Thomasa Couture. Obraz Couture wywołał furorę. Artysta natychmiast zyskał sławę.

„Śniadanie na trawie” zostało oskarżone o wulgaryzmy. Absolutnie nie zalecano kobietom w ciąży patrzenia na nią.

Thomasa Couture. Rzymianie w upadku. 1847 Musée d'Orsay w Paryżu. artchive.ru

W malarstwie Couture widzimy wszystkie atrybuty akademizmu (tradycyjne malarstwo XVI-XIX w.). Kolumny i posągi. Ludzie apollińscy. Tradycyjne stonowane kolory. Manieryzm postaw i gestów. Fabuła z odległego życia zupełnie innych ludzi.

Innym formatem jest „Śniadanie na trawie” Maneta. Przed nim nikt tak łatwo nie portretował kurtyzan. Blisko szanowanych obywateli. Chociaż wielu mężczyzn tamtych czasów spędzało w ten sposób swój wolny czas. To było prawdziwe życie prawdziwych ludzi.

Kiedyś wcielił się w szanowaną damę. Brzydki. Nie mógł jej schlebiać pędzlem. Pani była zawiedziona. Zostawiła go we łzach.

Edwarda Mane’a. Angelina. 1860 Musée d'Orsay w Paryżu. wikimedia.commons.org

Kontynuował więc eksperymenty. Na przykład z kolorem. Nie starał się przedstawiać tzw. naturalnego koloru. Jeśli postrzegał szarobrązową wodę jako jasnoniebieską, to przedstawiał ją jako jasnoniebieską.

To oczywiście zirytowało opinię publiczną. „W końcu nawet Morze Śródziemne nie może pochwalić się tak błękitnym kolorem jak woda w Manecie” – żartowali.

Edwarda Mane’a. Argenteuil. 1874 Muzeum Sztuk Pięknych w Tournai, Belgia. wikipedia.org

Ale fakt pozostaje. Manet zasadniczo zmienił cel malarstwa. Obraz stał się ucieleśnieniem indywidualności artysty, który pisze, jak mu się podoba. Zapomnij o wzorach i tradycjach.

Innowacje długo mu nie wybaczały. Uznanie czekało dopiero u kresu życia. Ale on już tego nie potrzebował. Ciężko umierał na nieuleczalną chorobę.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Autoportret w berecie. 1886 Zbiory prywatne

Claude'a Moneta można nazwać podręcznikowym impresjonistą. Ponieważ był wierny temu kierunkowi przez całe swoje życie.

Malował nie przedmioty i ludzi, ale jednobarwną konstrukcję świateł i plam. Oddzielne pociągnięcia. Drżenie powietrza.

Claude Monet. Brodzik dla dzieci. 1869 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Metmuseum.org

Monet malował nie tylko przyrodę. Dobrze radził sobie także z pejzażami miejskimi. Jeden z najbardziej sławnych - .

Na tym obrazie jest dużo fotografii. Na przykład ruch jest przekazywany za pomocą rozmytego obrazu.

Zwróć uwagę: odległe drzewa i postacie wydają się być we mgle.

Claude Monet. Boulevard des Capucines w Paryżu. 1873 (Galeria Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX-XX w.), Moskwa

Przed nami zatrzymany moment tętniącego życiem Paryża. Żadnej inscenizacji. Nikt nie pozuje. Ludzie są przedstawiani jako zbiór pociągnięć. Taka bezmyślność i efekt „zamrożonej klatki” to główna cecha impresjonizmu.

W połowie lat 80. artyści rozczarowali się impresjonizmem. Estetyka jest oczywiście dobra. Ale bezmyślność wielu uciskanych.

Tylko Monet nadal upierał się, przesadzając impresjonizm. To rozwinęło się w serię obrazów.

Dziesiątki razy przedstawiał ten sam krajobraz. O różnych porach dnia. W różnych porach roku. Aby pokazać, jak bardzo temperatura i światło mogą zmienić ten sam widok nie do poznania.

Stogów siana było więc niezliczona ilość.

Obrazy Claude'a Moneta w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie. Po lewej: Stogi siana o zachodzie słońca w Giverny, 1891 Po prawej: Stogi siana (efekt śniegu), 1891

Należy pamiętać, że cienie na tych obrazach są kolorowe. I nie szary ani czarny, jak to było w zwyczaju przed impresjonistami. To kolejny z ich wynalazków.

Monetowi udało się cieszyć sukcesem i dobrobytem materialnym. Po 40. zapomniał już o biedzie. Mam dom i piękny ogród. I robił to dla swojej przyjemności przez wiele lat.

O najbardziej kultowym obrazie mistrza przeczytacie w artykule

3. August Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Autoportret. 1875 Sterling i Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinteresta

Impresjonizm to najbardziej pozytywne malarstwo. A najbardziej pozytywnym wśród impresjonistów był Renoir.

W jego obrazach nie znajdziesz dramatu. Nawet nie użył czarnej farby. Tylko radość bycia. Nawet najbardziej banalny Renoir wygląda pięknie.

W przeciwieństwie do Moneta Renoir częściej malował ludzi. Krajobrazy były dla niego mniej istotne. Na obrazach jego przyjaciele i znajomi odpoczywają i cieszą się życiem.

Pierre-Auguste Renoir. Śniadanie wioślarzy. 1880-1881 Kolekcja Phillipsa, Waszyngton, USA. wikimedia.commons.org

U Renoira nie znajdziesz zamyślenia. Bardzo się cieszył, że dołączył do impresjonistów, którzy całkowicie odmówili tematów.

Jak sam powiedział, nareszcie ma okazję malować kwiaty i nazywać je po prostu „Kwiatami”. I nie wymyślaj żadnych historii na ich temat.

Pierre-Auguste Renoir. Kobieta z parasolką w ogrodzie. 1875 Muzeum Thyssen-Bormenis w Madrycie. arteuam.com

Renoir najlepiej czuł się w towarzystwie kobiet. Poprosił swoje pokojówki, aby śpiewały i żartowały. Im głupsza i naiwniejsza była ta piosenka, tym lepiej dla niego. Męczyła go męska rozmowa. Nic dziwnego, że Renoir słynie z aktów.

Modelka z obrazu „Akt w słońcu” zdaje się pojawiać na kolorowym, abstrakcyjnym tle. Bo dla Renoira nie ma nic wtórnego. Oko modelki lub obszar tła są równoważne.

Pierre-Auguste Renoir. Nago w słońcu. 1876 ​​Musée d'Orsay w Paryżu. wikimedia.commons.org

Renoir żył długo. I nigdy nie odkładaj pędzla i palety. Nawet gdy jego ręce były całkowicie spętane przez reumatyzm, przywiązywał szczotkę do ramienia liną. I malował.

Podobnie jak Monet czekał na uznanie po 40 latach. A moje obrazy widziałem w Luwrze, obok dzieł znanych mistrzów.

Przeczytaj o jednym z najbardziej urokliwych portretów Renoira w artykule

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgara Degasa. Autoportret. 1863 Muzeum Calouste Gulbenkiana w Lizbonie, Portugalia. Cultured.com

Degas nie był klasycznym impresjonistą. Nie lubił pracować na świeżym powietrzu (na świeżym powietrzu). Nie znajdziesz u niego celowo rozjaśnionej palety.

Wręcz przeciwnie, lubił jasną linię. Ma mnóstwo czerni. I pracował wyłącznie w studiu.

Ale nadal jest zawsze stawiany na równi z innymi wielkimi impresjonistami. Bo był impresjonistą gestu.

Nieoczekiwane kąty. Asymetria w rozmieszczeniu obiektów. Postacie zaskoczone. Oto główne atrybuty jego obrazów.

Zatrzymywał momenty życia, nie pozwalając bohaterom opamiętać się. Spójrzcie przynajmniej na jego „Orkiestrę Operową”.

Edgara Degasa. Orkiestra Opery. 1870 Musée d'Orsay w Paryżu. commons.wikimedia.org

Na pierwszym planie oparcie krzesła. Muzyk jest do nas odwrócony tyłem. A w tle baletnice na scenie nie mieściły się w „ramie”. Ich głowy są bezlitośnie „odcinane” krawędzią obrazu.

Dlatego jego ulubieni tancerze nie zawsze są przedstawiani w pięknych pozach. Czasami po prostu się rozciągają.

Ale taka improwizacja jest wyimaginowana. Oczywiście Degas dokładnie przemyślał kompozycję. To jest po prostu efekt stop-klatki, a nie prawdziwy stop-klatki.

Edgara Degasa. Dwóch tancerzy baletowych. 1879 Muzeum Shelburne, Wermouth, USA

Edgar Degas uwielbiał malować kobiety. Jednak choroba lub cechy ciała nie pozwalały mu na fizyczny kontakt z nimi. Nigdy się nie ożenił. Nikt nigdy nie widział go z kobietą.

Brak prawdziwych wątków w jego życiu osobistym dodawał jego obrazom subtelnego i intensywnego erotyzmu.

Edgara Degasa. Gwiazda baletu. 1876-1878 Musee d'Orsay w Paryżu. wikimedia.comons.org

Należy pamiętać, że na zdjęciu „Gwiazda baletu” narysowana jest tylko sama baletnica. Jej kolegów zza kulis trudno rozpoznać. Tylko kilka nóg.

Nie oznacza to, że Degas nie dokończył obrazu. Taki jest odbiór. Koncentruj się tylko na najważniejszych rzeczach. Niech reszta zniknie, stanie się nieczytelna.

O innych obrazach mistrza przeczytacie w artykule.

5. Berthe Morisot (1841-1895)

Edwarda Mane’a. Portret Berthe Morisot. 1873 Muzeum Marmottana Moneta w Paryżu.

Bertha Morisot rzadko stawiana jest w czołówce wielkich impresjonistów. Jestem pewien, że to niezasłużone. Właśnie w niej znajdziesz wszystkie główne cechy i techniki impresjonizmu. A jeśli podoba Ci się ten styl, pokochasz jej twórczość całym sercem.

Morisot pracowała szybko i energicznie, przenosząc swoje wrażenia na płótno. Wygląda na to, że postacie zaraz rozpłyną się w przestrzeni.

Berthe Morisot. Lato. 1880 Muzeum Fabre'a, Montpellier, Francja.

Podobnie jak Degas często pozostawiała pewne szczegóły niedokończone. A nawet części ciała modelu. Dłoni dziewczyny na obrazie „Lato” nie możemy rozróżnić.

Droga Morisota do wyrażania siebie była trudna. Nie tylko zajmowała się „niechlujnym” malarstwem. Nadal była kobietą. W tamtych czasach kobieta miała marzyć o małżeństwie. Potem zapomniano o jakimkolwiek hobby.

Dlatego Bertha przez długi czas odmawiała zawarcia małżeństwa. Dopóki nie znalazła mężczyzny, który z szacunkiem traktował jej zawód. Eugene Manet był bratem malarza Edouarda Maneta. Posłusznie niósł dla żony sztalugi i farby.

Berthe Morisot. Eugene Manet z córką w Bougival. 1881 Muzeum Marmottana Moneta w Paryżu.

Ale to było jeszcze w XIX wieku. Nie, Morisot nie nosił spodni. Ale nie mogła sobie pozwolić na pełną swobodę ruchu.

Nie mogła sama iść do parku do pracy, bez towarzystwa bliskiej jej osoby. Nie mogłam siedzieć sama w kawiarni. Dlatego jej obrazy to ludzie z kręgu rodzinnego. Mąż, córka, bliscy, nianie.

Berthe Morisot. Kobieta z dzieckiem w ogrodzie w Bougival. 1881 Walijskie Muzeum Narodowe w Cardiff.

Morisot nie czekał na uznanie. Zmarła w wieku 54 lat na zapalenie płuc, nie sprzedając prawie żadnej swojej pracy w ciągu swojego życia. W akcie zgonu w rubryce „zawód” widniała myślnik. Nie do pomyślenia było, aby kobietę nazywano artystką. Nawet jeśli naprawdę nią była.

Przeczytaj o obrazach mistrza w artykule

6. Kamil Pissarro (1830 - 1903)

Kamila Pissarro. Autoportret. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu. wikipedia.org

Kamila Pissarro. Bezkonfliktowy, rozsądny. Wielu uważało go za nauczyciela. Nawet najbardziej temperamentni koledzy nie wypowiadali się źle o Pissarro.

Był wiernym zwolennikiem impresjonizmu. Będąc w wielkiej potrzebie, mając żonę i pięcioro dzieci, nadal ciężko pracował w swoim ulubionym stylu. I nigdy nie przerzuciłem się na malowanie salonów, aby stać się bardziej popularnym. Nie wiadomo, skąd wziął siłę, by w pełni uwierzyć w siebie.

Aby wcale nie umrzeć z głodu, Pissarro malował wachlarze, które były chętnie wyprzedane. A prawdziwe uznanie przyszło mu po 60 latach! Wreszcie mógł zapomnieć o potrzebie.

Kamila Pissarro. Dyliżans w Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay w Paryżu

Powietrze na obrazach Pissarro jest gęste i gęste. Niezwykłe połączenie koloru i objętości.

Artysta nie bał się malować najbardziej zmiennych zjawisk natury, które pojawiają się na chwilę i znikają. Pierwszy śnieg, mroźne słońce, długie cienie.

Kamila Pissarro. Mróz. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu

Jego najbardziej znanymi dziełami są widoki Paryża. Z szerokimi bulwarami, próżnym, pstrokatym tłumem. W nocy, w ciągu dnia, przy różnej pogodzie. W pewnym sensie nawiązują do serii obrazów Claude'a Moneta.

Od czasów starożytnych malarstwo, podobnie jak inne formy sztuki, było domeną mężczyzn. Wszyscy znają nazwiska wielkich artystów od renesansu po słynnych modernistów i artystów abstrakcjonistów XX wieku, którzy w historii sztuki światowej zapisali swoje nazwiska wielkimi literami. Czego nie można powiedzieć o nie mniej utalentowanym artystki. Niewiele osób o nich wie. Tak się historycznie złożyło, że przez wieki utalentowane kobiety musiały zdobywać miejsce pod słońcem od mężczyzn.

Po raz pierwszy płótna sygnowane imionami żeńskimi zaczęły pojawiać się dopiero w epoce renesansu. Ale osiągnięcie pełnej równości i uznania w sztukach wizualnych zajęło kolejne pięćset lat. Dopiero na początku XIX wieku kobiety przy sztalugach zajęły godne miejsce w historii sztuki światowej.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0005.jpg" alt="Autoportret.

Sofonisba Anguissola (1532-1625)

Sofonisba Anguissola była malarką hiszpańską, nadworną malarką króla Hiszpanii. Namalowała wiele portretów członków rodziny królewskiej i arystokratów. Jej dwie siostry również były artystkami.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0039.jpg" alt="Autoportret ze spinetem.

Artemizja Gentileschi (1593-1653)

Imię Artemisia Gentileschi jest symbolem walki kobiety o prawo do bycia artystką we Włoszech. W XVII wieku jako pierwsza kobieta została przyjęta do najstarszej w Europie Akademii Sztuk Pięknych we Florencji.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0022.jpg" alt="Autoportret. (1671). Autorka: Maria van Oosterwijk." title="Autoportret. (1671).

Anna Vaser (1678–1714)

Anna Waser to szwajcarska artystka i grafik.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/219415937.jpg" alt="Autoportret z portretem siostry. (1715) Autor: Rosalba Carrera." title="Autoportret z portretem siostry. (1715)

Angelika Kaufman (1741-1807)

Niemiecka artystka, córka malarki Angeliki Kathariny Kauffmann, była jedną z założycielek Brytyjskiej Królewskiej Akademii Sztuk i przez następne półtora wieku ona i Mary Moser, artystka ze Szwajcarii, były jedynymi kobietami, które otrzymały członkostwo w tym.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0014.jpg" alt="Angelika Kaufmann - Autoportret 1787 Galeria Uffiza." title="Angelika Kaufmann - Autoportret 1787 Galeria Uffiza." border="0" vspace="5">!}

Elżbieta Vigée-Lebrun (1755-1842)

Elisabeth-Louise Vigee-Le Brun to francuska artystka, mistrzyni gatunku portretu, przedstawicielka nurtu sentymentalnego w klasycyzmie.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0009.jpg" alt="Autoportret 1790. Autor: Elisabeth Vigée-Lebrun." title="Autoportret 1790.

Gatunek sentymentalny pozwolił artyście portretować portretowanych w bardzo korzystnych pozach i eleganckich strojach, dlatego Louise Vigée-Lebrun była kochana przez francuską arystokrację i członków rodzin królewskich.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0006.jpg" alt="Artysta malujący portret muzyka. (1803). Autorka: Marguerite Gerard." title="Artysta malujący portret muzyka. (1803).

Maria Baszkirtsewa (1858-1884)

Bashkirtseva Maria Konstantinovna, pochodząca ze wsi Gavrontsy w prowincji Połtawa, która przez większość czasu mieszkała we Francji, uważała się za rosyjską pisarkę i artystkę. Zmarła w wieku 26 lat na gruźlicę.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0012.jpg" alt="Autoportret.

Maria Gabriel Capet (1761–1818)

Marie-Gabrielle Capet ukończyła Królewską Akademię Sztuk Pięknych w Paryżu w czasie, gdy w tej szkole mogły studiować tylko cztery kobiety. Była utalentowaną portrecistką, umiejętnie malującą akwarelą, olejem i pastelą. Brała udział w wystawach i salonach sztuki.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0015.jpg" alt="Autoportret z dwoma modelami. (1785) Autor: Adelaide Labille-Giard." title="Autoportret z dwoma modelami. (1785)

Anna Vallaye-Coster (1744-1818).

Anna Vallayer-Coster to francuska artystka, córka królewskiego jubilera, ulubienica królowej Marii Antoniny.

Autoportret.

Listę tę można kontynuować i wymieniać dalej nazwiska i osiągnięcia światowej sławy artystów, którzy żyli i tworzyli w XX wieku. To Tamara Łempicki ze swoimi spektakularnymi dziełami, Frida Kahlo ze przejmującymi obrazami. A także zainspirować się, doświadczywszy prawdziwego zachwytu, widokiem dzieł rosyjskich artystów Zinaidy Serebryakowej i Alexandry Exter.

Jednak artyści-mężczyźni nadal mają tendencję do bagatelizowania roli kobiet w historii sztuki i utrwalania mitu, że są złymi artystami: "Даже если в занятиях живописью в художественной академии более 90 процентов составляют женщины, это факт, что очень немногим из них удастся стать по-настоящему мощными художниками",- !} powiedział Georg Baselitz – znany niemiecki artysta.

Utalentowane, oświecone kobiety przez cały czas miały trudności. Wielu, pozostając, musiało porzucić więzi rodzinne na rzecz swojej kreatywności

Impresjonizm.

Edouard Manet (fr. Édouard Manet, 23 stycznia 1832, Paryż - 30 kwietnia 1883, Paryż) – francuski artysta, jeden z twórców impresjonizmu.

Zamiłowanie do malarstwa dawnego stało się przyczyną licznych podróży Maneta. Wielokrotnie odwiedzał holenderskie muzea, gdzie podziwiał malarstwo Fransa Halsa. W 1853 odbył tradycyjną podróż artystów francuskich do Włoch, gdzie odwiedził Wenecję i Florencję. Wtedy zaczęto wskazywać na wpływ malarstwa mistrzów wczesnego i wysokiego renesansu na młodego artystę. Jednym z artystów, który wywarł największy wpływ na Maneta, jest Velázquez. Być może to jego późniejsze dzieła, zwłaszcza słynne bodegony, wywarły ogromny wpływ na ukształtowanie się ruchu impresjonistycznego. Droga powrotna do Francji była długa – Manet dużo podróżował po Europie Środkowej, odwiedzając muzea w Dreźnie, Pradze, Wiedniu i Monachium.

W latach 1863 i 1864 Manet wystawiał zarówno w Salonie Nędzników, jak i w oficjalnym salonie, gdzie jego nowe obrazy, zwłaszcza Obiad na trawie, wzbudziły silne oburzenie krytyków. Szczyt odrzucenia przypada na rok 1865, kiedy Manet wystawił w salonie swoją (obecnie słynną) Olimpię - obraz uznany przez współczesnych za wyjątkowo obsceniczny i wulgarny i wywołał wówczas ogromny skandal.

Podczas oblężenia Paryża w 1870 r. Manet, jako zagorzały republikanin, pozostał w stolicy. Po wojnie francusko-pruskiej i Komunie Paryskiej artysta jeszcze bardziej związał się z młodymi impresjonistami. Świadczą o tym chociażby liczne obrazy namalowane w plenerze, obok Claude’a Moneta w Argenteuil w 1874 roku. Manet nie chciał jednak brać udziału w wystawach grup impresjonistów. Wolał za wszelką cenę zdobyć uznanie jury oficjalnych Salonów. Kolejny szum wokół jego nazwiska powstał w 1874 roku. „Kolej” ponownie wywołał ostrą niechęć jury. I dopiero w 1879 roku Salon docenił wytrwałość artysty: płótna Maneta „W szklarni” i „W łodzi” zostały przyjęte bardzo ciepło.

Pijący absynt, 1858-1859, New Carlsberg Glyptothek

„Muzyka w Tuileries”, 1862, National Gallery, Londyn

„Olimpia”, 1863, Musée d'Orsay w Paryżu

Hiszpański muzyk (Guitarrero). 1860 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.

Egzekucja cesarza Maksymiliana Meksyku. 1867, Kunsthalle, Mannheim.

Edgar-Germain-Hilaire de Gas, czyli Edgar Degas (fr. Edgar Degas) (19 lipca 1834, Paryż – 27 września 1917) – malarz francuski, jeden z najwybitniejszych i oryginalnych przedstawicieli ruchu impresjonistycznego.

W wieku 20 lat (1854) Degas wstąpił jako praktykant do pracowni słynnego artysty Lamothe, który z kolei był uczniem wielkiego Ingresa. W znanej rodzinie Degas spotkał Ingresa i przez długi czas zachował swój wygląd, a do końca życia zachował miłość do melodyjnej linii Ingresa i wyraźnej formy. Degas kochał także innych wielkich rysowników – Nicolasa Poussina, Hansa Holbeina – a ich prace kopiował w Luwrze z taką pieczołowitością i kunsztem, że trudno było odróżnić kopię od oryginału.

Prace Degasa, ze swoją ściśle dopasowaną, a jednocześnie dynamiczną, często asymetryczną kompozycją, dokładnym, elastycznym rysunkiem, nieoczekiwanymi kątami, aktywną interakcją figury i przestrzeni, łączą pozorną bezstronność i przypadkowość motywu i architektury obrazu ze staranną przemyśleniem i obliczenie. „Nie było sztuki mniej bezpośredniej niż moja” – tak sam artysta ocenia swoją twórczość. Każde jego dzieło jest efektem wieloletnich obserwacji i ciężkiej, żmudnej pracy nad przekształceniem ich w obraz artystyczny. W pracy mistrza nie ma nic improwizowanego. Kompletność i przemyślaność jego kompozycji czasami przywołuje na myśl obrazy Poussina. Ale w rezultacie na płótnie pojawiają się obrazy, które nie będzie przesadą nazwać personifikacją tego, co chwilowe i przypadkowe. W sztuce francuskiej końca XIX w. twórczość Degasa stanowi pod tym względem diametralne przeciwieństwo twórczości Cezanne’a. U Cezanne’a obraz niesie ze sobą całą niezmienność porządku świata i wygląda jak całkowicie wypełniony mikrokosmos. W Degas zawiera jedynie część potężnego strumienia życia odciętego kadrem. Obrazy Degasa są pełne dynamiki, ucieleśniają przyspieszone rytmy epoki współczesnej artyście. To pasja przekazywania ruchu – to według Degasa określiło jego ulubione tematy: obrazy galopujących koni, baletnic na próbach, praczek i prasownic w pracy, kobiet ubierających się lub czesających włosy.

Edgara Degasa. Konie wyścigowe przed trybunami. 1869-1872 Luwr, Paryż.

Niebiescy tancerze. Muzeum. Puszkin, Moskwa.

Biuro handlowe bawełny w Nowym Orleanie. 1873

Zmywanie. 1886 Hill Stand Museum, Farmington, Connecticut, USA.

Absynt, 1876, Musee d'Orsay, Paryż

Przed startem, 1862-1880, Musée d'Orsay, Paryż

Przedstawienie baletowe - Widok sceny z loży, 1885, Muzeum Sztuki w Filadelfii

Szkoła baletowa.

Panna Lala w cyrku Fernando.

Praczki z pościelą.

U fashionistki.

Prasownice

Pierre Auguste Renoir (fr. Pierre-Auguste Renoir; 25 lutego 1841, Limoges – 2 grudnia 1919, Cagnes-sur-Mer) – francuski malarz, grafik i rzeźbiarz, jeden z głównych przedstawicieli impresjonizmu. Renoir dał się poznać przede wszystkim jako mistrz portretu świeckiego, niepozbawionego sentymentalizmu; był pierwszym z impresjonistów, któremu udało się pozyskać bogatych paryżan. W połowie lat 80. XIX w. właściwie zerwał z impresjonizmem, powracając do linearności klasycyzmu, do engrizmu. Ojciec słynnego reżysera.

„Wiosenny bukiet” (1866). Muzeum Uniwersytetu Harvarda

„Bal w Le Moulin de la Galette” (1876). Muzea Orsay

„Wielcy kąpiący się” (1887). Muzeum Sztuki w Filadelfii.

„Dziewczyny przy fortepianie” (1892). Musée d'Orsay.

„Gabriel w czerwonej bluzce” (1910). Ze zbiorów M. Wertem, Nowy Jork.

Oscar Claude Monet (fr. Oscar-Claude Monet, 1840-1926) – malarz francuski, jeden z twórców impresjonizmu.

Kiedy chłopiec miał pięć lat, rodzina przeniosła się do Normandii, do Le Havre. Na wybrzeżu Normandii Monet spotkał Eugene'a Boudina, słynnego malarza pejzażu i jednego z prekursorów impresjonizmu. Boudin pokazał młodemu artyście kilka technik malowania z natury

Nad brzegiem Sekwany (Bennecourt, 1868) to wczesny przykład impresjonizmu plenerowego, w którym umiejętne i pomysłowe użycie olejów zostało przedstawione jako gotowe dzieło sztuki.

Rozczarowany tradycyjną sztuką nauczaną w szkołach artystycznych, Monet wstąpił w 1862 roku na Uniwersytet Charlesa Gleyre w Paryżu, gdzie poznał Pierre-Auguste Renoira, Frédérica Bazille'a i Alfreda Sisleya. Dzielili się ze sobą nowym podejściem do sztuki, sztuką przedstawiania efektów świetlnych w plenerze z przerwami kolorystycznymi i szybkimi pociągnięciami pędzla, co później stało się znane jako impresjonizm. Obraz Camille'a Moneta, czyli „Kobieta w zielonej sukni” (La femme a la robe verte), napisany w 1866 roku, przyniósł mu uznanie i był jednym z wielu dzieł przedstawiających jego przyszłą żonę Camille Donsieu; rok później pozowała do obrazów „Kobiety w ogrodzie” i „Nad brzegiem Sekwany” (Bennecourt, 1868).

Po wybuchu wojny francusko-pruskiej (19 lipca 1870) Monet schronił się we wrześniu 1870 w Anglii, gdzie studiował twórczość Johna Constable'a i Josepha Mallorda Williama Turnera, których pejzaże stały się inspiracją dla innowacji Moneta w nauka koloru.

"Wrażenie. Wschodzące słońce, 1872, Muzeum Marmottan Monet w Paryżu

Bulwar des Capucines, 1873

"Port"

Lily Pond, 1899, Galeria Narodowa, Londyn

„Regaty w Arzhatey”, 1872, Musée d'Orsay, Paryż

„Żaba”, 1869, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork, USA

„Kobiety w ogrodzie”, 1866-1867, Musée d'Orsay, Paryż, Francja

Plaża w Pourwil, 1882, Muzeum Narodowe w Poznaniu, Polska

„Lilie wodne”, 1915

Jacob Abraham Camille Pissarro (Francuz Jacob Abraham Camille Pissarro, 10 lipca 1830, Wyspa św. Tomasza - 12 listopada 1903, Paryż) - malarz francuski, jeden z pierwszych i najbardziej konsekwentnych przedstawicieli impresjonizmu.

Pizarro zaczynał jako uczeń Camille’a Corot. W tym wyborze nauczyciela wpłynęła już wrodzona miłość artysty do malarstwa pejzażowego. Ale na początku swojej kariery Camille Pizarro nie mniej uwagi poświęcał rysowaniu. Już w swoich wczesnych pracach artysta zwracał szczególną uwagę na przedstawienie oświetlonych obiektów w powietrzu. Od tego czasu światło i powietrze stały się wiodącym tematem twórczości Pizarro.

Stopniowo Pizarro zaczął uwalniać się spod wpływu Corota, dojrzewał jego własny styl. Od 1866 roku paleta artysty stała się jaśniejsza, przestrzeń przesiąknięta słońcem i lekkim powietrzem stała się dominującą w jego fabule, a charakterystyczne dla Corota zniknęły neutralne tony.

Dzieła, które rozsławiły Pizarro, to połączenie tradycyjnych scen pejzażowych i niezwykłej techniki rysowania obiektów świetlnych i iluminowanych. Obrazy dojrzałego Pizarro są malowane gęstymi pociągnięciami i wypełnione fizycznym wrażeniem światła, które chciał wyrazić.

Pissarro wywarł silny wpływ na impresjonistów, niezależnie rozwijając wiele zasad, które stanowiły podstawę ich stylu malarstwa. Zaprzyjaźnił się z takimi artystami jak Degas, Cezanne i Gauguin. Pizarro jest jedynym uczestnikiem wszystkich ośmiu wystaw impresjonistów.

Bulwar Montmartre. Popołudnie, słoneczne. 1897

Autoportret, 1873

Neoimpresjonizm.

Paul Signac (fr. Paul Signac, 11 listopada 1863, Paryż - 15 sierpnia 1935, Paryż) – francuski malarz postimpresjonistyczny, przedstawiciel kierunku pointylizmu.

W 1882 roku w Paryżu i Bretanii zaczął malować pod wpływem impresjonistów, głównie Moneta. W 1884 brał udział w tworzeniu „Towarzystwa Artystów Niezależnych”, gdzie poznał Georgesa Seurata, z którym w 1889 rozwinął malarską technikę pointylizmu, choć już na ostatniej wystawie impresjonistów jego obrazy odzwierciedlały estetykę dywizjonizmu .

Artysta już za życia był uznanym klasykiem. W 1911 roku został odznaczony Orderem Legii Honorowej.

Les Andelys (1886)

Femme lisant (1887), Musee d'Orsay, Paryż. olej, drewno

Château de Comblat (1887), Muzeum Liège, Belgia

La bouée rouge (1895) Musee d'Orsay

L'orage, (1895) Musée de l „Annonciade”,

Le phare d'Antibes (1909)

Postimpresjonizm.

Paul Cezanne (fr. Paul Cézanne) to francuski artysta, wybitny przedstawiciel postimpresjonizmu.

Paul Cezanne urodził się 19 stycznia 1839 roku we Francji w Aix-en-Provence w zamożnej rodzinie mieszczańskiej. W Bourbon College, gdzie studiował, Paul zaprzyjaźnił się z przyszłym słynnym pisarzem Emilem Zolą. Paul studiował prawo na Uniwersytecie w Aix, jednak ich nie ukończył, decydując się całkowicie poświęcić malarstwu.

Po krótkich studiach w Szkole Sztuk Pięknych w Aix-en-Provence Cezanne wyjechał do Paryża, gdzie poznał Camille'a Pissarro, Pierre-Auguste'a Renoira, Claude'a Moneta i Alfreda Sisleya. Razem z nimi brał udział w pierwszej wystawie impresjonistów w 1874 roku w pracowni fotograficznej Nadara w Paryżu.

Prace Cezanne’a noszą piętno wewnętrznego życia artysty. Są wypełnione wewnętrzną energią przyciągania i odpychania. Sprzeczności były pierwotnie charakterystyczne zarówno dla świata mentalnego artysty, jak i jego dążeń artystycznych. Południowy temperament łączył się w codziennym życiu Cezanne'a z odosobnieniem i ascezą, pobożnością - z próbami uwolnienia się od krępujących temperament tradycji religijnych. Pewny swego geniuszu, Cezanne od zawsze miał obsesję na punkcie strachu, że nie znajdzie dokładnego środka, aby wyrazić za pomocą malarstwa to, co widział i chciał wyrazić na obrazie. Zawsze mówił o niemożności „zrealizowania” własnej wizji, cały czas wątpił, czy da radę, a każdy nowy obraz stawał się zarówno zaprzeczeniem, jak i potwierdzeniem tego.

Dziewczyna przy fortepianie (Uwertura do Tannhausera). OK. 1868. Ermitaż w Petersburgu

Bukiet kwiatów w niebieskim wazonie. 1873-1875. Ermitaż w Petersburgu

Most na Marnie w Créteil (Brzegi Marny). 1888-1894. Muzeum Puszkina im. A. S. Puszkin, Moskwa

Palący. 1890-1892. Ermitaż w Petersburgu

Góra Św. Wiktoria. 1897-1898. Ermitaż w Petersburgu

Vincent Willem van Gogh (holenderski. Vincent Willem van Gogh, 30 marca 1853, Grotto-Zundert, niedaleko Bredy, Holandia - 29 lipca 1890, Auvers-sur-Oise, Francja) to światowej sławy holenderski artysta postimpresjonistyczny .

XIX wieku Van Gogh zwrócił się w stronę sztuki, uczęszczał do Akademii Sztuk Pięknych w Brukseli (1880-1881) i Antwerpii (1885-1886), korzystał z rad malarza A. Mauve w Hadze i z entuzjazmem malował górników, chłopów i rzemieślników. W serii obrazów i studiów z połowy lat 80. XIX w. („Chłopka”, 1885, Muzeum Kröller-Müller, Otterlo; „Jedzący ziemniaki”, 1885, Państwowe Muzeum Vincenta Van Gogha, Amsterdam), malowany w ciemnych barwach malarskich, naznaczony boleśnie ostrym postrzeganiem ludzkiego cierpienia i uczuciami przygnębienia artysta odtworzył przytłaczającą atmosferę napięcia psychicznego.

W latach 1886-1888 Van Gogh mieszkał w Paryżu, odwiedził prestiżową prywatną pracownię artystyczną słynnego nauczyciela P. Cormona w całej Europie, studiował malarstwo impresjonistyczne, rytownictwo japońskie i dzieła syntetyczne Paula Gauguina. W tym okresie paleta Van Gogha stała się jasna, zniknął ziemisty odcień farby, pojawiły się czyste błękity, złocistożółte, czerwone odcienie, jego charakterystyczna dynamika, jakby płynne pociągnięcie pędzlem („Most na Sekwanie”, 1887, Państwowe Muzeum Vincenta Van Gogha , Amsterdam; „Papa Tanguy”, 1887, Musée Rodin, Paryż).

W 1888 roku Van Gogh przeniósł się do Arles, gdzie ostatecznie ustalono oryginalność jego sposobu twórczego. Ognisty temperament artystyczny, bolesny impuls w stronę harmonii, piękna i szczęścia, a jednocześnie strach przed siłami wrogimi człowiekowi, ucieleśniają pejzaże mieniące się słonecznymi kolorami południa („Harvest. La Crot Valley”, 1888, Państwowe Muzeum Vincenta Van Gogha, Amsterdam), potem w złowieszczych, koszmarnych obrazach („Nocna kawiarnia”, 1888, Kröller-Müller Museum, Otterlo); dynamika koloru i kreski wypełnia duchowym życiem i ruchem nie tylko przyrodę i zamieszkujących ją ludzi („Czerwone winnice w Arles”, 1888, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina w Moskwie), ale także przedmioty nieożywione („Sypialnia Van Gogha w Arles, 1888, Państwowe Muzeum Vincenta van Gogha, Amsterdam). W ostatnim tygodniu swojego życia Van Gogh maluje swój ostatni i słynny obraz: Pole zbóż z wronami. Była dowodem tragicznej śmierci artysty.

Eugene Henri Paul Gauguin (7 czerwca 1848 - 8 maja 1903) był francuskim malarzem, rzeźbiarzem ceramicznym i grafikiem.

Wraz z Cezanne’em i Van Goghiem był największym przedstawicielem postimpresjonizmu.

Na początku lat 70. XIX wieku zaczął malować amatorsko. Wczesny okres twórczości (pod wpływem Pissarro) związany jest z impresjonizmem. Od 1880 brał udział w wystawach impresjonistów. Od 1883 roku był artystą zawodowym.

Doświadczając od dzieciństwa spędzonego w Peru (w ojczyźnie matki) pragnienia egzotycznych miejsc i uznając cywilizację za „chorobę”, Gauguin, pragnąc „złączyć się z naturą”, w 1891 roku wyjeżdża na Tahiti, gdzie mieszkał w Papeete i gdzie w 1892 roku napisał aż 80 obrazów. Po krótkim (1893-1895) powrocie do Francji, z powodu choroby i braku środków finansowych, wyjeżdża na zawsze do Oceanii – najpierw na Tahiti, a od 1901 na wyspę Hiva-Oa (Markizy), gdzie poślubia młodą Tahitianka pracuje pełną parą: pisze pejzaże, opowiadania, pracuje jako dziennikarka. Na tej wyspie umiera. Pomimo choroby, biedy i depresji, które doprowadziły go do próby samobójczej, Gauguin napisał tam swoje najlepsze dzieła. Obserwacja prawdziwego życia i sposobu życia ludów Oceanii przeplata się w nich z lokalnymi mitami.

Szyjąca kobieta (1880)

Żółty Chrystus (1889)

Kobieta z kwiatem (1891)

Duch zmarłych nie śpi (1892)

Czy jesteś zazdrosny? (1892)

Zabawa złego ducha (1894)

Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy? (1897-1898)

Nigdy więcej (1897)

Francois Auguste Rene Rodin (francuski François-Auguste-René Rodin) (12 listopada 1840 - 17 listopada 1917) - słynny francuski rzeźbiarz, jeden z twórców impresjonizmu w rzeźbie.

Auguste Rodin urodził się w Paryżu. Studiował w paryskiej Szkole Rysunku i Matematyki, do której wstąpił wbrew woli ojca, oraz u Antoine'a Bari w Muzeum Historii Naturalnej.

W 1864 roku pierwsza praca Rodina, Człowiek ze złamanym nosem, została odrzucona na Salonie Paryskim, ponieważ kwestionowała akademickie kanony piękna. Rodina również nie przyjęto do Szkoły Sztuk Pięknych i od 1864 do 1870 roku pracował w warsztacie A. Carrier-Belleuse w manufakturze w Sevres, zarabiając na tworzeniu rzeźb dekoracyjnych.

rzeźba „Myśliciel”

„Obywatele Calais”. Muzeum Rodina w Filadelfii

Pomnik Honore de Balzaca. Muzeum Rodina w Filadelfii

Muzeum Rodina „Bramy piekła” w Filadelfii

Mężczyzna ze złamanym nosem. Muzeum Rodina w Filadelfii

Theophile-Alexandre Steinlen (fr. Théophile-Alexandre Steinlen; 10 listopada 1859, Lozanna - 14 grudnia 1923, Paryż) był francuskim i szwajcarskim artystą, grafikiem i ilustratorem, tworzącym zarówno w stylu realistycznym, jak i modernistycznym.

T.-A. Steinlen zasłynął ze swoich paryskich plakatów około 1900 roku, scen z życia nocnego na Montmartre i oczywiście obrazów i grafik z kotami, które przyniosły mu sławę. Mniej znane są inne strony talentu artysty: malarstwo, rzeźba i grafika poświęcona wydarzeniom I wojny światowej, zwłaszcza wydarzeniom w Serbii i Belgii. Steinlen był samoukiem, a jednocześnie spadkobiercą bogatej tradycji artystycznej. W jego twórczości wyczuwalny jest wpływ twórczości Delacroix, Daumiera, Dore'a i Maneta. Rozpowszechnienie i popularność, jaką twórczość Steinlena cieszyła się w Paryżu w okresie Belle Epoque, uczyniły z artysty centralną postać sztuki europejskiej początku XX wieku; stały się źródłem inspiracji dla wielu mistrzów awangardy, w tym Picassa

Aristide Bruant: À la Villette

Anatole Francja

Zuzanna Valadon

Georges Courtelaine: Une canaille

Uratuj Serbię!

Pij gotowane mleko!

Okładka książki Eugenie Buffet „Moje życie, moja miłość, moje przygody” autorstwa Steinlena

Ilustracja autorstwa Steinlena dla gazety Le Gil Blas