Mała bajka Analiza Maykapar pracy. A teraz oferuję wam, drodzy czytelnicy, cykl dziecięcy „Spillkins” S. Maykapara w formie bajki

Scenariusz wykładu-koncertu „Musical Lounge” poświęconego 150. rocznicy urodzin kompozytora S.M. Maykapara

« SM Maikapar

i jego cykl fortepianowy „Spillkins”.

Miejsce wykonania: MKU DOD „Dziecięca Szkoła Artystyczna w Niżnegorsku”

21.12.2017 w holu Zespołu Szkół Plastycznych

Cel: zapoznanie uczniów z życiem i twórczością kompozytora S.M. Maykapara.

Wyposażenie: Komputer,

Projektor multimedialny,

Prezentacja, fortepian.

Wstęp

Samuil Moiseevich Maikapar (1867-1938) znany jest szerokiemu gronu muzyków przede wszystkim jako kompozytor radziecki, który całą swoją twórczość poświęcił tworzeniu muzyki wyłącznie dla dzieci i młodzieży. Jest także wybitnym sowieckim pedagogiem, pianistą, autorem prac pedagogicznych i metodycznych, który wniósł ogromny wkład w rozwój edukacji muzycznej dzieci i młodzieży. Podstawową zasadą całej twórczości S. Maikapary, którą ucieleśniał przez całe swoje twórcze życie, jest to, że „wymagania małych artystów są takie same jak wymagania dorosłych wykonawców” i że „trzeba pisać dla dzieci w ten sam sposób jeśli chodzi o dorosłych, tylko lepiej.”

S. Maykapar starała się pielęgnować i rozwijać wysoki gust artystyczny u dzieci i stawiać niezwykle przystępne wymagania dotyczące ich występów. Cechami charakterystycznymi dla S. Maykapara jako kompozytora dla dzieci są witalność i obrazowość, prostota i lakoniczność, kompletność formy, organiczne połączenie z instrumentem. Odnalazł muzyczne obrazy i intonacje bliskie dziecku; Poprzez obrazowość swoich sztuk uczył początkujących kochać muzykę. Zdecydowana większość sztuk S. Maykapara to dzieła programowe. Dzięki walorom artystycznym, zrozumieniu psychologii dziecka i uwzględnieniu specyfiki dziecięcego aparatu do zabawy, sztuki S. Maikapary na stałe zadomowiły się w repertuarze małych pianistów. Wartość metodologiczna jego zabaw polega na konsekwentnym zapoznawaniu dziecka z narastającymi trudnościami technicznymi. Dzieci uczące się gry na pianinie chętnie wykonują jego utwory, które wyróżniają się prostotą, obrazowością i barwnością.

Dzieci uwielbiają jego pełne wyobraźni, a jednocześnie proste w fakturze dzieła i nie będzie przesadą stwierdzenie, że nie ma ani jednego młodego pianisty, który nie grał lub przynajmniej nie słyszał, jak jego towarzysze wykonują utwór S. Maikapara.

1. „Kartka z albumu” – w wykonaniu Chmyza Nastyi – klasa III.

Ścieżka twórcza S.M. Maykapara

Samuil Moiseevich Maikapar urodzony w 1867 roku w mieście Chersoniu. Lata dzieciństwa spędził w Taganrogu. Oprócz niego w rodzinie były 4 siostry i wszystkie studiowały muzykę, odziedziczyły zdolności muzyczne po matce, która bardzo dobrze grała na pianinie. Mały Samuel rozpoczął naukę muzyki w wieku 5 lat. W wieku 11 lat sam zaczął komponować muzykę i założył zeszyt, w którym spisywał wszystkie swoje utwory. Ale rodzina zdecydowała, że Samuel zostanie prawnikiem.

W 1885 roku, po ukończeniu szkoły średniej, Maykapar wyjechał do Petersburga, gdzie wstąpił na wydział prawa uniwersytetu i jednocześnie wstąpił do konserwatorium, gdzie rozpoczął naukę w klasie fortepianu, a później zaczął uczęszczać na kompozycję zajęcia teoretyczne. Po ukończeniu studiów na Wydziale Prawa tej uczelni przez krótki czas próbował wykonywać zawód prawnika, jednak szybko przekonał się, że nie da się połączyć studiów muzycznych z prawem. Po ukończeniu konserwatorium Maikapar za radą Antona Rubinsteina udał się do Wiednia, aby się doskonalić, gdzie rozpoczął naukę u słynnego nauczyciela-pianisty Theodora Leschetizky'ego, którego studia szczegółowo opisał później w swojej książce „Lata studiów. ”
W 1901 roku Maikapar przeniósł się do Moskwy i otworzył szkołę muzyczną w Twerze. Wtedy przyszedł mu do głowy pomysł, aby napisać prace dla dzieci, które same dzieci mogłyby wykonać.

Od tego czasu wieloaspektowa działalność Maikapara jako kompozytora, wykonawcy, nauczyciela i badacza została już ustalona. W tym okresie skomponował i opublikował kilka romansów i utworów fortepianowych, z których na szczególną uwagę zasługują „Małe powieści” opus 8, które później stały się powszechnie znane jako cenne sztuki w repertuarze pedagogicznym.

2. „W kuźni” – w wykonaniu Khmyz Lisa – klasa III.

Koncerty Maykapara z powodzeniem odbywają się w Moskwie, wydawana jest jego książka „Ucho muzyczne, jego znaczenie, natura, cechy i metoda prawidłowego rozwoju”, w której jako pierwszy w rosyjskiej muzycznej literaturze pedagogicznej poruszył kwestię słuchu wewnętrznego jako podstawy do nauki gry na instrumentach muzycznych.

Jednak życie w Twerze i praca pedagogiczna w tym prowincjonalnym mieście nie zadowalały młodego kompozytora i pianisty. A Maykapar ponownie jedzie do Berlina i Lipska. Życie muzyczne w Berlinie kwitło, w mieście mieszkali najwięksi muzycy, a Lipsk był interesującym ośrodkiem naukowej myśli muzycznej. Mieszkając w tych dwóch miastach, Maikapar uczęszczał na koncerty, studiował literaturę i spotykał kompozytorów, muzykologów i wykonawców. W tym samym czasie odbywały się jego własne występy koncertowe, a jego praca pedagogiczna przebiegała pomyślnie, choć skromnie.

3. „Anxious Minute” – w wykonaniu Kuzmicha Veniamina – klasa II.

W 1910 r. S.M. Maykapar otrzymał telegram podpisany przez A.K. Głazunowa, w którym zaprosił go do pracy w Konserwatorium w Petersburgu. A jesienią Maikapar już rozpoczął zajęcia. Rozpoczynając pracę pedagogiczną, dwa lata później został zatwierdzony na stanowisko starszego nauczyciela, a w 1915 r. – na stanowisko profesora fortepianu specjalnego.

Przez prawie dwadzieścia lat S. Maikapar prowadził pracę pedagogiczną w Petersburgu, następnie w Konserwatorium w Leningradzie, jednocześnie koncertując, komponując muzykę i prowadząc pracę naukową. Najważniejszym osiągnięciem wykonawczym S. Maykapara było wykonanie w 1925 roku cyklu siedmiu koncertów, podczas których wykonał wszystkie sonaty fortepianowe Beethovena. Performance, który zawsze kochał S. Maikapar, pozostał dla niego podstawą wszystkich innych rodzajów działalności - kompozycji, pedagogiki, pracy naukowej.

Wśród dzieł S. Maykapara powstałych w czasach przedrewolucyjnych dużym zainteresowaniem cieszą się miniatury fortepianowe - „Suita pasterska” składająca się z sześciu numerów, „12 arkuszy albumów”, „Teatr lalek” z siedmiu numerów. Jednak prawdziwy triumf S. Maikapara jako kompozytor dla dzieci „Spilkins”- cykl sztuk powstałych po rewolucji.
Podczas swojej pracy pedagogicznej w Konserwatorium Leningradzkim S. Maikapar ukończył ponad czterdziestu pianistów, którzy następnie wykonywali głównie pracę pedagogiczną w muzycznych instytucjach edukacyjnych w Leningradzie i innych regionach. W swojej pracy pedagogicznej S. Maikapar był kontynuatorem szkoły wybitnego nauczyciela-pianisty Teodora Leszetskiego. Najbardziej charakterystyczne cechy szkoły Leszetyckiego, którą podążał Maykapar:

kultura melodyjnego dźwięku;

jasna dynamika plastyczna;

zasada frazowania;

dobrze rozwinięta wirtuozowska technika palców, która otrzymała nowe możliwości w związku z wprowadzeniem technik nadgarstka „sprężynowego”.

klarowność, zwięzłość, zrównoważona harmonia prezentacji.

Po doprowadzeniu do matury ostatnich uczniów S. Maykapar w 1929 roku odszedł z pracy w konserwatorium. Pozostałe siły poświęcił twórczości muzycznej i twórczości literackiej.
W 1934 r. w Leningradzie zorganizowano konkurs młodych talentów, w którym uczestniczyły dziecięce muzycy w wieku od siedmiu do szesnastu lat. S. Maykapar zasiadał w jury konkursu i słuchając młodych pianistów, mógł osobiście przekonać się o popularności jego kompozycji. Ponad połowa występujących dzieci grała jego utwory na fortepianie.

4. „Etiuda” – w wykonaniu Rity Sytnik – klasa III.

W ostatnich latach życia S. Maykapar szczególnie dużo poświęcił pracy metodologicznej. Jego artykuły „Twórczość i praca wykonawcy muzycznego w oparciu o doświadczenie i w świetle nauki”, „Dziecięcy zespół instrumentalny i jego znaczenie w systemie edukacji muzycznej”, wykłady „Jak grać na pianinie” są nadal cenne.

S. Maykapar, spędzając całe życie przy fortepianie i przy biurku, nie zmęczył się pracą do końca swoich dni i zmarł 8 maja 1938 r., w przededniu publikacji swojej książki „Dlaczego i jak zostałem Muzyk”, zatytułowanej w momencie publikacji „Lat studiów”.

Obejrzyj wideo: Prezentacja

Cykl utworów fortepianowych „Spillkins”

Jednym z cykli miniatur fortepianowych S. M. Maikapary, tworzonych z myślą o dzieciach i takich, których dzieci mogły nie tylko słuchać, ale także samodzielnie wykonywać, i to już od pierwszych lat nauki, jest cykl utworów fortepianowych „Spilkins”.

Miniaturami można nazwać różnorodne drobne utwory kompozytora przeznaczone dla małych, dopiero początkujących wykonawców. One, niczym fotografie w albumie, łączą się w cykle. Jeden z tych cykli Maikapara nazywa się „Spilkins”.

Cykl utworów fortepianowych dla dzieci Samuela Maykapara „Spilkins” należą do klasycznych dzieł repertuaru pedagogicznego i dorównują takim zbiorom jak „Notatnik Anny Magdaleny Bach” (1725) J. S. Bacha, „Album dziecięcy” P. Czajkowskiego, „Album dla młodzieży” R. Schumanna.

Powstał w latach 1925-1926. cykl „Spilkins” Od prawie 90 lat jest to nieustanna miłość zarówno młodych muzyków, jak i pedagogów. Spektakle znajdujące się w kolekcji wyróżnia wszystko to, co wyróżnia prawdziwe arcydzieła – inspiracja, idealna harmonia formy, doskonałe wykończenie detali.

W dzisiejszych czasach niewiele osób wie, czym są przelewki. Kiedyś była to ulubiona zabawa dzieci. Na stół wysypała się sterta bardzo małych zabawek – rozsypek. Najczęściej były to kubki, dzbanki, patyczki i inne przedmioty kuchenne rzeźbione z drewna. Rozsypki trzeba było wyjmować małym haczykiem, jeden po drugim, nie ruszając pozostałych. Małe zabawy S. Maykapara przypominają te właśnie rozrzutniki ze starożytnej gry.

Co można znaleźć wśród S. Maykapara? Są wśród nich portrety muzyczne, szkice natury, obrazy baśniowe i utwory taneczne. Muzykę tych spektakli cechuje wyrazista obrazowość, uduchowiony liryzm i wysoka duchowość. Są bardzo ekscytujące, wyraziste i piękne. S. Maykapar potrafiła bardzo subtelnie oddać nastrój dziecka, różne zjawiska naturalne, rozmaite obrazy z życia dziecka – gry, zabawy, przygody.

Według swojej formy „Spilkins” to suita składająca się z 26 różnych utworów na fortepian o zróżnicowanej treści, połączonych celami artystycznymi i metodologicznymi. Dla wygody podzielono je na 6 zeszytów po 4 sztuki każdy (ostatni zeszyt ma 6 sztuk).

Wszystkie spektakle cyklu mają tytuły – programowe lub gatunkowe. Każdą pracę wyróżnia kompletność tematyczna, integralność obrazu i przejrzystość prezentacji. Tytuły spektakli przybliżają nam treść miniatury, pomagając rozwijać twórczą wyobraźnię. Każdy utwór ukazuje jeden konkretny obraz muzyczny. Tematy zazwyczaj nie są rozbudowane, ale bardzo jasne i melodyjne. Za pomocą prostych i zwięzłych środków kompozytorowi udaje się osiągnąć niemal wizualny efekt i głęboką figuratywną ekspresję.

Warto powiedzieć kilka słów o niektórych cechach tekstu autora. S. Maykapar podaje szczegółowe instrukcje:

*) najróżniejszymi pociągnięciami,

*) poprzez palcowanie,

*) ze względu na charakter przedstawienia, np. reżyserię wykonania „Walca” z zeszytu 2 „dolce grazioso” lub „Jeźdźca w lesie” (zeszyt 6) – „Allegro con fuoco e marcato”,

*) według tempa (metrom jest wypisany w każdym utworze),

*) przy użyciu pedału.

Prace Maikapar wyróżniają się lekkością, wygodą i możliwością dopasowania do dziecięcej dłoni. Tym samym gładkość linii melodycznej łączy się w jego utworach dla początkujących z ułożeniem ręki w jednej pozycji, gdzie sąsiadujące ze sobą palce grają sąsiednie nuty. Doskonałymi tego przykładami są spektakle: „Pasterz”, „W przedszkolu”, gdzie skokowy ruch w jednej pozycji jest wspaniałą techniką rozwijającą umiejętności techniczne.

Cykl „Spillkins” S. Maykapara to wyjątkowy cykl spektakli dla dzieci: wprowadza młodych pianistów we wszystkie tonacje, niczym „HTK” Bacha, ale jednocześnie przemawia do nich romantycznym językiem muzycznym.

Maykapar starannie przemyślał nazwy spektakli, starając się rozbudzić wyobraźnię dzieci za pomocą jasnych tytułów, które najpełniej oddają treść spektakli.Jego zabawy można warunkowo podzielić na:

obrazy i szkice przyrodnicze: „Jesienią”, „Unoszące się chmury”, „Ćma”, „Wiosna”;

spektakle onomatopeiczne: „Echo w górach”, „Pozytywka”;

spektakle figuratywne: „Kołysanka”, „W przedszkolu”;

portrety muzyczne: „Sierota”, „Pasterz”, „Mały dowódca”;

zabawy nastrojami i uczuciami: „Przelotna wizja”, „Niespokojna minuta”;

utwory taneczne: „Polka”, „Walc”, „Minuet”, „Gavotte”;

muzyka narracyjna: „Bajka”, „Romans”, „Legenda”;

8) utwory polifoniczne: „Pieśń marynarzy” (kanon), „Preludium i Fughetta”.

Oczywiście taka klasyfikacja tematyczna jest warunkowa, w jednym dziele można mieszać różne kierunki.

Kompozytor przedstawił nam zupełnie odmienne, odmienne portrety i obrazy. W każdym z nich widać nie dorosłego, ale dziecko. A o każdym z nich opowiada wspaniała muzyka. Są to „Pasterz”, „Mały dowódca”, „Sierota”.

Oto mały "Pastuszek" W pogodny, słoneczny dzień wyszedł na letnią kwitnącą łąkę w pobliżu rzeki. Aby uniknąć nudy, gra na małej fajce. Nad łąkami rozbrzmiewa jasna, radosna melodia.

Stosowanie rejestrów w sztukach Maykapara to jedna z najskuteczniejszych technik fortepianowej ekspresji, która nie była tak często stosowana przez żadnego innego kompozytora. W tym utworze Maikapar umiejętnie wykorzystuje rejestry instrumentu. Aby melodia brzmiała pełniej i donośniej, kompozytor gra ją w oktawach, w odległości czterech oktaw. A uczeń uczy się swobodnego poruszania ramionami i ciałem w całym zakresie gry na instrumencie. Zabawa toczy się w dość płynnym tempie, łatwo i beztrosko. Czyste i wyraźne brzmienie szesnastek imituje dźwięk piszczałki. Warto zwrócić uwagę na zmianę nastroju w środkowej części spektaklu. Jest tu miejsce na wyobraźnię, dlatego też wiąże się to ze zmianą trybu na minor. Być może na czystym niebie pojawiły się chmury, zaczął padać deszcz, być może sam pasterz o czymś myślał, wspominając smutne chwile swojego życia.

5. „Pasterz” – w wykonaniu Julii Seredkiny – klasa 6.

6. „Mały dowódca” – w wykonaniu Roma Kalistratov – klasa V.

Jeden ze szkiców obrazu przyrody – sztuka teatralna "Motyl". Jego pierwotna nazwa brzmiała „Elf”. Łatwo sobie wyobrazić lekkie, delikatne ćmy fruwające lekko nad kwiatami. Wysoki rejestr i przejrzystość prezentacji trafnie oddaje charakter małej ćmy lecącej z kwiatka na kwiatek.

Napotykamy tu technikę charakterystyczną dla Maykapara – naprzemienność rąk, kiedy dźwięki lub grupy dźwięków pobierane oddzielnie przez każdą rękę są łączone w jedną całość. Muzyka brzmi albo gwałtownie, albo płynnie. Ale płynne ruchy są bardzo krótkie, przerywane są gwałtownymi. Tworzy to drżący, nieśmiały charakter i pokazuje bezbronność ćmy.

Albo staje się niewidzialny, chowając się na kwiatku jak pod koniec środkowej części, albo szybko wzlatując w górę i odlatując (pod koniec przedstawienia).

7. „Ćma” - w wykonaniu Reany Soyukovej - 4. klasa.

Podobny nastrój - baw się „Przelotna wizja”. Jaki obraz chciał tu uchwycić kompozytor? Czy chciałeś porozmawiać o pięknej, delikatnej ćmie fruwającej lekko nad kwiatami na leśnej polanie, o ptaku, magicznie świecącym świetliku lub bajkowym elfie? Co usłyszy tutaj uczeń? To zależy od jego wyobraźni.

Muzyka jest lekka, zwiewna, delikatna i taneczna, jakby ktoś trzepotał lub latał. Na przemian pojawiają się nagłe, lekkie dźwięki i wirujące, trzepoczące, gładkie melodie. Muzyka brzmi delikatnie, wysoko, gwałtownie, bardzo cicho. Zawiera te same intonacje, przypominające krążenie lub trzepotanie lekkich skrzydeł.

W środkowej części melodia przechodzi z górnego rejestru do dolnego, ciemniejszego. Muzyka staje się ostrożna, niepokojąca, tajemnicza i enigmatyczna, brzmi z przerwami, ostrożnie, niepewnie, pytająco.

Nagle ruch się zatrzymuje, rozbrzmiewa tajemnicza pauza – wizja zniknęła. Ale potem znowu pojawia się znajoma, migocząca intonacja. Melodia wznosi się do wysokiego rejestru i całkowicie zanika.

8. „Fleeting Vision” - w wykonaniu Katyi Andropowej - klasa 4.

Utwory taneczne, które kompozytor S. M. Maikapar umieścił w swoim cyklu fortepianowym, sprawiają wrażenie muzyki „zabawkowej” i przywołują na myśl bal, ale niezwykły, ale lalkowy. Tańce prezentowane w cyklu: Polka, Walc, Minuet, Gavotte – nadają się na taki bal jak żadne inne.

Na przykład, "Polka"- aktywny taniec ze skokami. Słowo „polka” oznacza pół kroku. Muzyka „Polki” Maikapara jest żywa, wesoła i lekka. Ponieważ brzmi w bardzo wysokim rejestrze, daje poczucie „lalkarstwa”.

9. „Polka” – w wykonaniu Sofii Pavlovej – klasa VI.

W odróżnieniu od Polki "Walc"- taniec płynniejszy i bardziej liryczny. Słowo „walc” oznacza „rotacyjny” i rzeczywiście w tańcu dominują wirujące, pełne gracji ruchy.

10. „Walc” – w wykonaniu Sofii Shavrovej – klasa III.

Wszystkie dzieci uwielbiają bajki - zabawne, miłe, pełne cudów i przygód. Muzyka też potrafi opowiadać bajki, ale nie słowami, a dźwiękami – czułymi, życzliwymi lub tajemniczymi, niepokojącymi. Jeśli prześledzimy, jak zmienia się barwa muzyki i jej nastrój, stanie się jasne, co kryje się w bajce opowiadanej przez muzykę...

11. „Legenda” - w wykonaniu Nastyi Bolesowej, 3. klasa.

Miniatura bardzo wyrazista i głęboka "Romans" Wyrażane są tu różne uczucia. Melodia piosenki samego romansu jest przemyślana, marzycielska i smutna. Brzmi wolniej niż wstęp, a każdą frazę kończy intonacją pytającą skierowaną w górę. Akompaniament przypomina dźwięk gitary.

W środku utworu melodia brzmi z podniecenia i niepokoju. Pojawiający się początkowy fragment akordu zmienia kolor, teraz brzmi w tonacji molowej. Początkowa melodia romansu staje się władcza i zdecydowana, ale stopniowo mięknie. Podsumowując, znów powraca pogodny nastrój, zapada spokój i słychać lekkie, oświecone westchnienia.

12. „Romans” - w wykonaniu Yusupova Zora - 6. klasa.

Twórczość Maikapara jest efektem licznych testów i starannego doboru intonacji, każdy tytuł spektaklu nie jest przypadkowo wklejoną etykietą, ale określeniem treści, która daje szansę na rozwinięcie twórczej wyobraźni młodego performera. Zdając sobie sprawę, jak ważne dla małych muzyków są obrazy, S. Maikapar bardzo poważnie potraktował poszukiwania możliwie najjaśniejszych tytułów do spektakli. Nie zawsze te słowa przychodziły na myśl jako pierwsze. Tak więc w oryginalnej wersji „Niespokojna minuta” nazywała się „Zmartwienie”, „Ćma” - „Elf”, „Legenda” - „Sny”, „Wiosna” - „Dziecko”. Zamiast „Gavotte” początkowo powstała sztuka „Moonlight”.

Niezwykle interesujące jest zapoznanie się z szkicami Biryulka. Wymownie świadczą o tym, jak narodził się i dojrzewał cykl. Kompozytorowi zależało na wszystkim – od ułożenia instrukcji wykonawczych po wygląd publikacji (dożywotnie wydania Biryulka ukazały się, zgodnie z zamysłem autora, w sześciu odrębnych zeszytach, z jednym projektem artystycznym).

Niektóre sztuki ukazały się, jak wskazują szkice, od razu w gotowej formie, inne natomiast były poprawiane i poprawiane. Tak więc „Mały dowódca” nie pojawił się od razu: narodziła się pierwsza „Praca ciągła”. To był melodyjny zalążek „Little Commander”. Miniatura f-moll – obecnie „Buty Siedmioligowe” – według pierwotnego planu miała zupełnie inny pomysł.

Szczególną uwagę chcę zwrócić na fakt, że zbiór „Spillies” to cykl przedstawień różnych postaci, tj. całość ma znaczenie artystyczne. I choć oczywiście trudno oczekiwać od młodych muzyków wykonania go w całości, podobnie jak „Wynalazki” i „Symfonie” Bacha czy jego „HTK” nieczęsto wykonuje się w całości, lecz zgodnie z pierwotnym planem, „Spillkins” pomyślano jako jedno dzieło. Łatwo to sprawdzić, jeśli rozumiesz cechy konstrukcyjne cyklu (plan tonalny), o których szczegółowo mówiliśmy powyżej, i odtwarzasz utwory po kolei: pojawienie się każdego kolejnego brzmi jak niespodzianka, a nie dysonans z Poprzedni. Cecha ta ponownie przywodzi na myśl „Wynalazki” i „Symfonie” Bacha, w których każdy utwór jest zarówno samodzielnym utworem, jak i ogniwem wspólnego łańcucha. Jest rzeczą oczywistą, że tylko wielki mistrz, jakim był radziecki kompozytor S.M. Maikapar, potrafił stworzyć harmonijną suitę składającą się z 26 utworów, taką jak cykl „Spillkins”.

Obejrzyj wideo: „Prezentacja”

Nazwisko kompozytora jest powszechnie znane w Rosji i za granicą

dzieci i młodzież. Dzięki zasługom artystycznym, zrozumieniu

psychologia dziecka i biorąc pod uwagę cechy aparatury zabawowej dla dzieci, zabawy

Maikapara na stałe wpisała się w repertuar młodych pianistów. Dzieci to uwielbiają

jasne, pomysłowe prace. Możemy śmiało powiedzieć, że nie

jeden młody muzyk, który nie grał ani nie słyszał występów

towarzysze jakiejś sztuki Maikapara.

1867 w mieście Chersoniu. Dzieciństwo i młodość kojarzą się z morzem

miasto na południu - Taganrog.

Poczesne miejsce w życiu kulturalnym miasta zajmowało domowe muzykowanie.

Tak jak grali muzykę w rodzinie Czechowów, spędzali dużo czasu

muzyki oraz w rodzinie Maikapara. Matka Samuela dobrze grała na pianinie

Moiseevich, która w młodości studiowała w Odessie. Grał na pianinie przez trzy osoby

siostry, czwarta nauczyła się grać na skrzypcach.

Taganrog uznawany był za miasto muzyczne. Od szkoły muzycznej w

Taganrog został otwarty dopiero w 1885 roku, wówczas do tego czasu studiowano

muzykę można było uzyskać wyłącznie od prywatnych nauczycieli. Nauczanie dzieci zabawy

jakiś instrument muzyczny był niemal obowiązkowy w każdym

inteligentna rodzina Taganrogów. Ojciec Maykapara ma dość

zamożnej osoby, która dałaby dzieciom wykształcenie nie tylko średnie, ale i wyższe

Edukacja.

Samuel uczył się w tym samym gimnazjum, które ukończył osiem lat wcześniej

wielki rosyjski pisarz A.P. Czechow. W 1885 Maykapar ukończył szkołę

gimnazjum ze srebrnym medalem.

Gimnazjum A.P. Czechowa i S.M. Maikapary dzisiaj.

.
Już w tym czasie muzyka stała się jego prawdziwą pasją i celem w życiu.

Dość wcześnie Maikapar postanowił zostać muzykiem. I jeśli o to chodzi

jego rodzice i, oczywiście, jego pierwszy nauczyciel odegrali pozytywną rolę

muzyka, włoski Gaetano Molla. Maykapar scharakteryzował go jako

utalentowany, pełen temperamentu i pracowity muzyk, który go uczył

rozumieć i kochać muzykę.

Maykapar miał siedem lat, kiedy zaczął uczyć się gry na pianinie.

Zdolności muzyczne odziedziczył po matce, a miłość do muzyki po niej

ojciec, który choć nie grał na żadnym instrumencie muzycznym,

Zawsze byłem gotowy słuchać muzyki i czułem to głęboko. Systematyczny

lekcje gry na fortepianie, gra w zespole, zwiedzanie muzyki kameralnej i inne

Koncerty kultywowały gust Maikapara, zapoznawały ich z musicalem

literatura. W wieku piętnastu lat znał już główne dzieła

muzyki symfonicznej i kameralnej, po wielu grach na cztery ręce z moją siostrą

Symfonie i kwartety. Grał prawie wszystkie sonaty Beethovena i to całkiem płynnie

czytać z widzenia. W tym czasie Maikapar był uważany za najlepszego akompaniatora w

Taganrogu i występował nie tylko z lokalnymi amatorami, ale także z gośćmi

profesjonalni muzycy.

Aby zdobyć wyższe wykształcenie, Maikapar udał się do Petersburga, gdzie

była najstarszą oranżerią w kraju, cieszącą się ogromną popularnością

najwybitniejsi muzycy, którzy tam nauczali. Aby kontynuować generał

wykształcenia, zamierzał studiować na uniwersytecie.

Maykapar, jako absolwent gimnazjum z medalem, może wstąpić na uniwersytet

Zostało zapewnione. Wybrał Wydział Prawa, gdyż nie wymagał

studenci spędzają dużo czasu na systematycznej nauce. Już czas

było konieczne dla Maikapara, bo gdyby wszedł do oranżerii

Musiałem codziennie i dużo ćwiczyć grę na pianinie. Młody człowiek był

przyjęty do młodszej klasy warunkowo, na rok, od chwili technicznej

przygotowanie pozostawiało wiele do życzenia.

Samuil Moiseevich wszedł do klasy starszego nauczyciela V. Demyansky'ego,

który w ciągu dwóch lat skorygował wady ułożenia dłoni, uczył

uważna praca nad utworem muzycznym, znacznie poprawiona

Technika. Pomyślnie zdał egzamin techniczny, aby przejść do klasy maturalnej

konserwatorium Maikapar przeniósł się do klasy włoskiego pianisty Veniamina

Cesi, który właśnie został zaproszony jako profesor do Petersburga

konserwatorium.

Przez cztery lata Maikapar uczył się u Chesi, przy pomocy którego on

udało się dokładnie zapoznać z muzyką fortepianową Bacha, Haendla i

Inni starożytni mistrzowie. Po czterech latach pracy w konserwatorium Cesi

Ciężko zachorował i wyjechał do ojczyzny we Włoszech.

Weissa, ucznia Liszta. Nauczanie Weissa było chaotyczne i

brak jakiegokolwiek systemu. Maykapar był uważany bardziej za jego ucznia niż

pracował z nim. Maikapar samodzielnie przygotowywał się do egzaminu końcowego,

ponieważ na krótko przed egzaminem zachorowałem. Dobrze zagrał w programie i tak było

powołany do przemawiania na akcie konserwatorskim, który został nagrodzony najlepszym

ukończył.

Kiedy Maikapar minął ostatni z pomocniczych musicali

z przedmiotów teoretycznych, na egzaminie obecny był A. Rubinstein.

Po zapoznaniu się z doświadczeniem Maykapara w komponowaniu muzyki doradził mu

zacznij studiować teorię kompozycji. W ten sposób Maikapar znalazł się w klasie

Profesor N. Sołowjow, dochodząc do końca konserwatorium nie tylko jako

pianista, ale także jako kompozytor.

Lata, które Maikapar spędził w oranżerii, okazały się bardzo

ważne ze względu na środowisko w jakim się znalazł. Będąc na służbie

dyrektor konserwatorium A. Rubinstein wziął sobie do serca nie tylko

interesów uczelni, ale także losu każdego studenta. Na zawsze zapamiętane

Świetne występy Maykapara i Rubinsteina na scenie.

A.G. Rubinstein.

Konserwatorium w Petersburgu.

Ukończył Uniwersytet Maykapar dwa lata wcześniej niż Konserwatorium. On

przez krótki czas próbował praktykować prawo, ale szybko się o tym przekonał

Nie da się połączyć studiów muzycznych z prawem. Ale podczas nauki w

Uniwersytecie Maikapar uzyskał pewną szerokość poglądów,

zdyscyplinował swoje myślenie, nauczył się argumentować i jasno wyrażać

Twoje myśli. To pozwoliło mu później wyjść poza wąskie

specjalizację muzyczną i zostać wybitnym naukowcem

dziedzina muzyki.

Nawet po otrzymaniu wykształcenia konserwatorium Maikapar nie był

zadowolony z osiągniętych wyników. On, krytycznie nastawiony do swoich

zdolności pianistyczne, wyjeżdża do Wiednia na studia u sławnych

Teodor Leszetycki (1830-1915). Ten wybitny nauczyciel kształcił ponad

tysiące pianistów, z których wielu z sukcesem koncertowało

sceny z niemal całego XX wieku. Wśród nich są Anna Esipova, Wasilij

Safonow, Arthur Schnabel.

Teodor Leshetizky

Maikapar charakteryzował się wytrwałością, co zmusiło go, gdy zabrał się do pracy,

zagłębiaj się w najdrobniejsze szczegóły, aż problem zostanie w pełni zbadany.

Taką wyjątkową sumiennością Maikapar wykazał się we wszystkich

obszary. A. Rubinsteina, który kilka razy słyszał u ucznia Maikaparę

koncertów, zwróciła się do niego z propozycją: „Wystarczy ci studiować! Już to zrobiłeś

teraz gotowy pianista. Zróbmy koncerty, a scena nauczy cię tego, czego nie ma

żaden profesor na świecie nie może uczyć.” Jednak dopiero po siedmiu latach

Po tej rozmowie Maykapar zdecydował się wystąpić z niezależnym przedstawicielem

koncert, który dał w Berlinie zaraz po zakończeniu zajęć

Leszetecki.

występuj na koncertach tak często, jak to możliwe. Z wielką starannością Maykapar

przygotowując się do występów, myśląc o programach koncertowych, niezależnie od tego

niezależnie od tego, czy jest to występ solowy, gra w zespole, czy działalność charytatywna

koncert. Bardzo szczegółowo zamieszcza własne prace

ostrożnie i w minimalnych ilościach.

Zastanawiając się nad rozwojem mojej pianistyki, słuchając gry innych muzyków,

jego główna praca badawcza „Muzyczne ucho” ukazuje się drukiem.

jego znaczenie, charakter, cechy i sposób prawidłowego rozwoju.” To

Twórczość Maikapara dała się poznać jako wybitny naukowiec, muzyk,

nie tylko zawodnik, ale także myśliciel teoretyczny. Szczególna uwaga była

całkowicie zależny od zewnątrz. Podkreślił: „Im więcej pracujemy

nad wyraźnym, wyraźnym postrzeganiem wrażeń zewnętrznych, tym są one bogatsze

kolory i bardziej zróżnicowany charakter, słuch wewnętrzny będzie...

otrzymywać coraz więcej materiału do swojego rozwoju i wzbogacenia.”

Maikapar bierze czynny udział w

Moskiewskie „Koło Naukowo-Muzyczne”, kierowane najpierw przez S. Tanejewa, i

późniejszy profesor fizjologii A. Samoilov. Członkowie koła byli

wybitni moskiewscy muzycy i naukowcy zainteresowani muzyką.

Maikapar został sekretarzem koła i organizatorem wszystkich raportów.

Maikapar musiał przyjeżdżać na spotkania koła z Tweru, gdzie w 1901 r

roku otworzył własną szkołę muzyczną. Trwało trzy

roku. Naturalnie, w tak krótkim czasie Maikapar nie mógł widzieć

znaczące rezultaty swojej pracy pedagogicznej mają natomiast zajęcia z

dzieci skłoniły Maykapara do stworzenia licznych zabaw dla dzieci

na fortepian, który spotkał się z przychylnym przyjęciem w prasie. Z numeru

dzieła Maikapara, powstałe w czasach przedrewolucyjnych, cieszą się dużym zainteresowaniem

obecne miniatury fortepianowe: „12 arkuszy albumów”, „Teatr

marionetki” siedmiu liczb. Jednak prawdziwy triumf Maykapar as

kompozytora dla dzieci są „Spillkins” – cykl sztuk teatralnych powstałych po

rewolucja.

Jedną z trudności była trudność prowadzenia prac naukowych w dziedzinie muzyki w Rosji

powody, które skłoniły Maykapar do ponownego wyjazdu za granicę. Berlinie w tym

przez pewien czas był ośrodkiem przyciągającym największych muzyków w Europie.

Jako główne miejsce zamieszkania Maikapar wybrał Lipsk, a nie Berlin.

który był dla niego interesujący jako ośrodek naukowej myśli muzycznej.

Będąc w tych dwóch miastach, Maykapar uczęszczał na koncerty, studiował literaturę,

poznaliśmy kompozytorów, muzykologów i wykonawców. Jego własny

występy koncertowe odbywały się w małych salach. Wielki sukces

za występ z żoną Sofią Maikapar. Jej kolorowy sopran

otrzymał wielkie pochwały.

Sofia Maikapar (1883-1956)

Maykapar planuje stworzyć podręcznik, w którym na podstawie

dane naukowe, najważniejsze zagadnienia nauczania gry

fortepian. Jakby kontynuacją opublikowanej książki o uchu muzycznym,

poszczególne części powinny być opatrzone nagłówkami: „Rytm”, „Technika”, „Czytanie z

arkusz”, „Pedalizacja”, „Występ publiczny” itp. Ta praca była

Maykaparom się zaczął, trwał wiele lat, wiele już zrobiono, ale

nie do końca ukończony. Problem okazał się zbyt trudny do rozwiązania

przez jedną osobę, z zachowaniem wyjątkowej uczciwości

Mieszkając za granicą, Maikapar nie traci kontaktu z Rosją. Mieszkał tutaj

krewnych, przyjeżdżał tu latem na relaks. Kiedy w 1910 r

przebywał w Berlinie, otrzymał następujący list od dyrektora St.

Konserwatorium w Petersburgu A. Głazunow:

„Drogi Samuilu Moiseevichu! Chciałbym Cię o tym poinformować

Wy jako kandydaci na nauczycieli gry na fortepianie, zarówno niższych, jak i wyższych

kurs. Rada upoważniła mnie do powiadomienia Państwa o tym. Wybory muszą

nastąpić w najbliższej przyszłości oraz wynik wyborów, które,

Mam nadzieję, że będzie korzystna, powiadomię Cię telegramem. Z poważaniem

szacunek i oddanie A. Głazunowowi.”

Perspektywa nauczania w konserwatorium, gdzie sam studiował,

wydawała się uwodzicielska dla Maikapara. Konserwatorium w Petersburgu

cieszyła się opinią jednej z najlepszych uczelni muzycznych w kraju

świat. Za pracę pedagogiczną Maikapary, sytuację w konserwatorium

wszystko szło bardzo dobrze. Katedra fortepianu konserwatorium

kierował A. Esipova, uczennica Leshetitsky'ego. Podobało jej się

chwała.

Anna Nikołajewna Esipowa (1851-1914)

Kiedy w konserwatorium pojawiło się pytanie o zaproszenie nowego nauczyciela

klasie fortepianu, wówczas kandydatura Maikapary nikogo nie ekscytowała

zastrzeżenia. Był uczniem Konserwatorium w Petersburgu,

należał do szkoły Leshetitsky'ego, koncertował i uczył pedagogiki

Praca za granicą. Ponadto posiadał wykształcenie wyższe, m.in.

co nie jest tak powszechne wśród profesjonalnych muzyków. Słynny

Ważne było to, że ukończył konserwatorium z dwójką

specjalności i wyrobił sobie już sławę jako kompozytor i autor

cenna muzyczna książka teoretyczna na temat ucha muzycznego.

Wkrótce Maykapar otrzymał telegram informujący go o tym

korzystny wynik kandydowania do Rady Artystycznej Konserwatorium.

Zaczął naukę już jesienią. Rozpoczynając pracę jako nauczyciel,

dwa lata później został zatwierdzony na stanowisko starszego nauczyciela, a w 1915 nim został

profesor specjalnej klasy fortepianu.

Przez prawie dwadzieścia lat Maikapar prowadził pracę pedagogiczną w Petersburgu -

Konserwatorium Leningradzkie, jednocześnie koncertowało, komponowało

muzyki i zajmował się pracą naukową. Jego występy koncertowe

głównie w Małej Sali Konserwatorium przyciągała ich kultura

wykonanie. Najbardziej znaczące osiągnięcie wykonawcze

W 1925 roku Maykapara zorganizowała cykl siedmiu koncertów, podczas których

wykonał wszystkie sonaty fortepianowe Beethovena. Wydajność to

Maikapar zawsze kochał, pozostał dla niego podstawą wszystkich innych typów

działalność - kompozycja, pedagogika, praca naukowa.

Podczas swojej pracy w Konserwatorium Leningradzkim Maikapar zwolnił się

ponad czterdziestu pianistów. W swojej pracy pedagogicznej Maikapar był

zwolennik szkoły Leszetickiego nie pozostał jednak naśladowcą

technik swojego nauczyciela i przez całe życie był nauczycielem poszukującym.

Okazał się szczególnie aktywny jako naukowiec i osoba publiczna

Maykapar po dwudziestce. Brał udział w reformowaniu oświaty

plany konserwatorium, brał udział w pracach różnych komisji, rozmawiał

sprawozdania metodyczne na zebraniach wydziału fortepianu. W tych

lat, jego praca „Naukowa organizacja pracy w zastosowaniu

dzieło koncertującego muzyka.” W 1927 roku ukazała się książka „Znaczenie

Twórczość Beethovena dla naszych czasów” z długą przedmową

AV Łunaczarski

Pod koniec lat dwudziestych powstała trudna sytuacja w konserwatorium w

powiązania z walką różnych szkół i kierunków w obrębie fortepianu

Wydział. Wszystko to wymagało od Maykapara wytężenia sił. Rozpoczął

rozchorować się. Po sprowadzeniu ostatnich uczniów na studia Samuil Yakovlevich w 1929 r

porzucił pracę w konserwatorium. Resztę sił oddał muzyce

twórczość i twórczość literacka.

Prawie ukończył dzieło „Twórczość i twórczość muzyczna

performer oparty na doświadczeniu i w świetle nauki.” Praca Maykapara

w rękopisie pozostały natomiast jego przemyślenia na temat techniki pracy nad musicalem

twórczość znalazła odzwierciedlenie w wykładach, które wygłosił wiosną 1935 r

Dom edukacji artystycznej dla dzieci w Leningradzie. Zwołano wykłady

„Jak grać na pianinie” i przeznaczone były dla dzieci w wieku szkolnym.

W tym samym 1935 roku Maikapar napisał artykuł „Instrument dziecięcy

zespół i jego znaczenie w systemie edukacji muzycznej.”

W 1934 roku w Leningradzie zorganizowano konkurs młodych talentów,

w którym uczestniczyli muzycy-dzieci w wieku od siedmiu do szesnastu lat

lata. Maykapar był członkiem jury konkursu. Więcej niż połowa

wykonawcy zagrali jego utwory na fortepian. W uchwale

pokaz i promocja edukacji artystycznej dzieci w powiązaniu z

konkurs młodych talentów, który ma ogromne znaczenie kulturowe, oraz

zatwierdza decyzję komisji konkursowej w sprawie premii

Maikapara SM”

W ostatnich latach życia oprócz komponowania utworów na instrumenty

zespołu oraz pozostały niedokończony cykl lekkich preludiów i fug dla

fortepianie, Maikapar nadal przywiązywał dużą wagę do metodologii

praca. Maikapar, który spędził całe życie przy pianinie i biurku, tego nie zrobił

w świetle jego książki „Lata studiów”. Został pochowany na Mostach Literackich

Cmentarz Wołkowski w Leningradzie.

Cały zbiór opublikowanych prac Maykapara może być zawarty w jednym

tom. Choć ich liczba jest bardzo duża (ponad 200 tytułów), to większość

z nich to miniatury fortepianów, które mieszczą się na jednej lub dwóch stronach.

Prace Maikapara ukazywały się w Niemczech, Austrii, Anglii, Francji,

Ameryce, ale nie wynika z tego, że za życia autora z nich korzystano

powszechna dystrybucja. Na początku, kiedy Maykapar nie był znany jako

kompozytor, jego pierwsze dzieła (romanse i utwory fortepianowe) były

drukowano za granicą w małych nakładach i, jak to było wówczas w zwyczaju, kosztem

uznania, wyprodukowano je w ilościach, które nie zaspokajały już popytu.

wielokrotne przedruki.

Pisanie muzyki dla dzieci to bardzo potrzebne, zaszczytne, ale niełatwe zadanie. "Tak,

„Do wykształcenia pisarza dla dzieci potrzeba wielu, wielu warunków” – zauważył

Belinsky, - potrzebujemy łaskawej, kochającej, cichej, dziecięcej duszy

prostolinijny; wzniosły, wykształcony umysł, pogląd na temat

oświecony i nie tylko żywą wyobraźnią, ale także żywą poetyką

fantazja zdolna do przedstawienia wszystkiego w animowanych, tęczowych obrazach.” Te

słowa te w jeszcze większym stopniu można przypisać dziecięcemu kompozytorowi.

(Podstawą tej pracy był artykuł na stronie internetowej Petersburskiego Towarzystwa Karaimskiego)

Cel: Zapoznanie dzieci z twórczym dziedzictwem kompozytora S.M. Maikapara.

Zadania:

Naucz dzieci rozróżniać figuratywność muzyki, środki wyrazu muzycznego i formę dzieł muzycznych.
Rozwijaj poczucie rytmu, umiejętność przekazywania charakteru muzyki poprzez ruch.
Rozwijaj wrażliwość emocjonalną i miłość do muzyki.

Dekoracja sali : Portret SM Maikapara, pozytywka, małe zabawki dla dzieci, księga bajek, fotografie Konserwatorium w Petersburgu.

Postęp wydarzenia

„Walc” S. Maykapara brzmi cicho. Dzieci wchodzą do sali i siadają.

Dyrektor muzyczny: Witajcie drodzy słuchacze! Dziś zebraliśmy się z Wami w sali muzycznej, aby posłuchać muzyki dedykowanej Wam, dzieciom. Został napisany przez kompozytora Samuila Moiseevicha Maikapara.

(Pokazuje portret. Rysunek 1.)

Obrazek 1

Samuel Maykapar urodził się ponad sto czterdzieści lat temu. Dzieci w rodzinie – Samuel i jego cztery siostry – związani są z muzyką od dzieciństwa. Jego matka bardzo dobrze grała na pianinie. Chłopiec rozpoczął naukę muzyki w wieku sześciu lat, a od dziewiątego roku życia Maikapar brał udział w koncertach.

Kiedy dorósł, wstąpił na studia do Konserwatorium w Petersburgu. (Ryc. 2. Ryc. 3.) Zacząłem pisać i komponować muzykę, także dla dzieci. Bardzo znany jest jego cykl fortepianowy dla dzieci „Spillkins”. Posłuchaj samego dźwięku tego słowa - jest czuły, delikatny, muzykalny. Dawno, dawno temu ulubioną grą dzieci była „Spillkins”. Na stół wysypywano w kupie bardzo drobne rzeczy: kubki, dzbanki, chochle i inne sprzęty gospodarstwa domowego. Rozsypki trzeba było wyjmować ze stosu za pomocą małego haczyka, jeden po drugim, nie ruszając reszty.

Rysunek 2

Rysunek 3

Gra „Spillkins” w nowoczesnej wersji

Dyrektor muzyczny: Małe zabawy Maikapara przypominają te same gry ze starożytnej gry. Posłuchaj jednego z nich „The Shepherd Boy”

(Wykonanie.)

Pasterzem jest mały chłopiec, który w jasny, słoneczny dzień wyszedł na letnią, kwitnącą łąkę nad rzeką. Aby nie nudzić się wypasaniem swojej trzody, uciął sobie trzcinę i zrobił z niej małą fajkę. Nad łąkami rozbrzmiewa jasna, radosna melodia piszczałek. W środku miniatury melodia brzmi podekscytowana, niepokojąca, a potem znowu słoneczna i radosna. Zorganizujmy ten utwór: gdy muzyka zabrzmi jasno i radośnie, będą jej towarzyszyć dźwięczne trójkąty. A jeśli usłyszysz niepokojące, podekscytowane nuty, będzie im towarzyszyć tremolo tamburynów, marakasów i tamburynów.

Orkiestracja spektaklu „Chłopiec Pasterz”

Samuel Maykapar napisał także muzykę poświęconą naturze i porom roku. Wszyscy doskonale wiecie, co to jest „krajobraz” (odpowiedzi dzieci) Teraz zostanie dla Was wystawione przedstawienie „Na wiosnę”. Słychać w nim głosy natury budzącej się z zimowego snu. Obejmuje to dźwięk strumieni i żywe ptasie tryle. Muzyka jest lekka, delikatna, przejrzysta, jak świeże wiosenne powietrze.

Wysłuchanie spektaklu „Na wiosnę”

A może ktoś z Was zna wiersz o wiośnie i nam go przeczyta?

Czytanie wiersza o wiośnie.

Dyrektor muzyczny: Kochani, czy lubicie zagadki? (Odpowiedzi dzieci.) Spróbuj odgadnąć tę zagadkę:

Rano koraliki błyszczały
Pokryli sobą całą trawę.
I poszliśmy ich szukać w ciągu dnia -
Szukamy i szukamy, ale nie znajdziemy!
(Rosa, krople rosy)

Samuel Maykapar ma sztukę o tym samym tytule „Krople rosy”. Spróbujmy oddać lekkość i przejrzystość tych drobnych kropelek w ruchu.

Ćwiczenie muzyczno-rytmiczne „Easy running” do muzyki S. Maikapara „Rosinki”

Teraz czeka nas fascynująca podróż do świata baśni. Jednak żeby się tam dostać musisz rzucić jakieś zaklęcie lub otworzyć małą magiczną pozytywkę. Wprowadzi nas w świat baśni.

Grana jest sztuka „Pozytywka”.

Co możesz powiedzieć o tej muzyce? (Odpowiedzi dzieci.) To jest jak zabawka. Jego dźwięki są bardzo wysokie, lekkie, dzwoniące. Przypominają grę maleńkich dzwoneczków zapraszających do baśni. A w baśniach jest wiele różnych cudów i magii. Na przykład „Buty siedmioligowe”. Jak przedstawia je kompozytor? Są to duże skoki poszczególnych dźwięków z akcentem, odmierzone i ciężkie, jak gigantyczne kroki giganta pokonującego ogromne odległości.

Słuchanie spektaklu „Buty siedmioligowe”

Kompozytor nazwał kolejny utwór „Bajką”. Czy masz swoje ulubione bajki? (Odpowiedzi dzieci.) Tak, bajki są inne. Posłuchaj „Bajki”. Jakimi słowami można opisać graną muzykę? (Odpowiedzi dzieci.) Melodyjna melodia brzmi cicho, trochę smutno.
Tworzy się nastrój lekkiej zamyślenia. A może ktoś, słuchając tego spektaklu, wyobrażał sobie ich fabułę? (Odpowiedzi dzieci.)

Dziecięca szkoła artystyczna nr 3, Iżewsk

RAPORT

SM Maikapar

i jego cykl fortepianowy

„Spilkins”

Nauczyciel

Zverchukova I.M.

SM Maikapar

i jego cykl fortepianowy „Spillkins”

Wstęp

Ścieżka twórcza S.M. Maykapara

Wśród dzieł S. Maykapara powstałych w czasach przedrewolucyjnych dużym zainteresowaniem cieszą się miniatury fortepianowe - „Suita pasterska” składająca się z sześciu numerów, „12 arkuszy albumów”, „Teatr lalek” z siedmiu numerów. Jednak prawdziwy triumf S. Maikapara jako kompozytor dla dzieci „Spilkins”- cykl sztuk powstałych po rewolucji.
Podczas swojej pracy pedagogicznej w Konserwatorium Leningradzkim S. Maikapar ukończył ponad czterdziestu pianistów, którzy następnie wykonywali głównie pracę pedagogiczną w muzycznych instytucjach edukacyjnych w Leningradzie i innych regionach. W swojej pracy pedagogicznej S. Maikapar był kontynuatorem szkoły wybitnego nauczyciela-pianisty Teodora Leszetskiego. Lata dwudzieste XX wieku to okres upadku wielu zasad pedagogicznych konserwatorium. Opór wobec radykalnych reform stworzył reputację S. Maikaparu jako konserwatysty, ale tak naprawdę za tym konserwatyzmem krył się ból i zapał do wysokiego profesjonalizmu. Najbardziej charakterystyczne cechy szkoły Leszetyckiego, którą podążał Maykapar:

kultura melodyjnego dźwięku;

jasna dynamika plastyczna;

zasada frazowania;

dobrze rozwinięta wirtuozowska technika palców, która otrzymała nowe możliwości w związku z wprowadzeniem technik nadgarstka „sprężynowego”.

klarowność, zwięzłość, zrównoważona harmonia prezentacji.

Cykl utworów fortepianowych „Spillkins”

W „Spillikins” nie ma skomplikowanych rozwinięć tematycznych. Przeważa w nich ekspozycyjny typ prezentacji, ich zaleta leży w samym materiale tematycznym, a nie w jego rozwinięciu. Różnorodność powtórzeń tematów osiąga się poprzez zmianę tła harmonicznego, zmianę rejestru, tonacji czy faktury. Przykładem mogą być przedstawienia: „W przedszkolu”, „Pasterz”. I tylko czasami S. Maykapar ucieka się do kontrastujących porównań.

Harmoniczna treść spektakli jest niezwykle prosta, ale nawet w tej prostocie S. M. Maykapar osiąga niesamowitą świeżość brzmienia i wykazuje niewyczerpaną wyobraźnię. Wystarczy spojrzeć na wszystkie końcowe kadencje - z tą samą funkcją harmoniczną (D-T) dla wszystkich - są one rozwiązywane bardzo różnie.

Prezentację polifoniczną wykorzystano w wielu sztukach („Pieśń marynarzy”, „Na wiosnę”), ale najwyraźniej przejawiła się ona w jego fuguetach, w których można znaleźć zarówno temat powiększony, jak i w obiegu – wszystko jest jak w prawdziwym fugi, tylko w miniaturze.

Warto powiedzieć kilka słów o niektórych cechach tekstu autora. S. Maykapar podaje szczegółowe instrukcje:

*) najróżniejszymi pociągnięciami,

*) poprzez palcowanie,

*) ze względu na charakter przedstawienia, np. reżyserię wykonania „Walca” z zeszytu 2 „dolce grazioso” lub „Jeźdźca w lesie” (zeszyt 6) – „Allegro con fuoco e marcato”,

*) według tempa (metrom jest wypisany w każdym utworze),

*) przy użyciu pedału.

Szczególnie chciałbym zwrócić uwagę na uwagę, jaką S. Maykapar przykładał do palcowania. Czasem wydaje się, że dzieło S. Maykapara jest zbyt szczegółowe, a także niepotrzebne z punktu widzenia tradycyjnego zapisu muzycznego, wskazującego „przypadkowe” znaki. Ale te instrukcje, zbędne dla dojrzałych muzyków, jak pokazuje doświadczenie praktykujących nauczycieli, są absolutnie niezbędne młodym pianistom, którym trudno jest za każdym razem zapamiętać palcowanie ustalone dopiero podczas pierwszego wykonania tego materiału muzycznego. Ponadto w wielu przypadkach palcowanie autora jest bardziej dalekowzroczne pod względem pianistycznym – wprowadza techniki, które będą niezbędne w przyszłości, gdy w repertuarze młodego pianisty pojawią się dzieła prawdziwie wirtuozowskie. Jedną z takich technik, często spotykaną u S. Maykapara i ignorowaną przez redaktorów, jest zmiana palców na powtarzającym się klawiszu.

Dokładność zapisów wykonawczych w sztukach S. Maikapara jest jedną z przyczyn ich popularności wśród nauczycieli, zwalnia ich bowiem z konieczności dokonywania jakichkolwiek uzupełnień do drukowanych notatek, a jednocześnie przyzwyczaja uczniów do uważnego czytania tekstu nutowego z całym zespołem jego zapisów, symboli literowych i graficznych.

Wszystkie utwory dostosowane są do poziomu wyszkolenia początkującego pianisty i napisane są według zasady stosowanej już przez wielu kompozytorów (J. S. Bach w „HTK”, F. Chopin w „Preludiach” i „Etiudach”, D. Szostakowicz w „ Preludia i fugi”), co daje wykonawcy możliwość zapoznania się ze wszystkimi istniejącymi tonacjami, z ostrymi i płaskimi znakami.

Jednak konstruktywna zasada konstruowania Biryulka jest nieco inna. Jeśli w „KhTK” w ruchu od utworu do utworu wzdłuż skali chromatycznej pojawia się nowa tonacja, a co za tym idzie naprzemienne tonacje lekkie i trudne, to w „Spillikins” plan tonalny całego cyklu jest inny. S. Maykapar podał kilka poziomów podziału cyklu. Po pierwsze, cały cykl podzielony jest na trzy serie, a po drugie, jak już wspomniano, na sześć zeszytów. Niestety, redakcja ignoruje podział na serie we współczesnych wydaniach Biryulka. Tak więc seria I (zeszyty 1 i 2) daje gry z klawiszy bez znaków do gier z trzema ostrymi klawiszami; w serii II (notatniki 3 i 4) następuje takie samo przejście od kluczy bez znaków klawiszowych do kluczy tym razem z trzema spłaszczeniami, wreszcie seria III (notebooki 5 i 6) obejmuje sztuki w kluczach z 4, 5, 6 znakami . Ponadto w ostatniej parze utworów miniatura w tonacji fis-dur (nr 25) odpowiada utworowi es-moll (nr 26) jako tonację enharmonicznie równą cis-moll, tj. równolegle do Fis-dur. Ta decyzja kompozytora ponownie przypomina technikę Bacha z pierwszego tomu „HTC”, gdzie po Preludium es-moll następuje fuga w harmonijnie równym cis-moll.

Tak więc, mimo że wszystkich klawiszy jest 24, w zbiorze znajduje się 26 sztuk, gdyż klawisze C-dur i a-moll jako punkty wyjścia ruchu na ostre i płaskie boki powtarzają się dwukrotnie. Należy zaznaczyć, że wszystkie wydania Biryulka składają się z 6 zeszytów – każdy po 4 części, a ostatni po 6. Jednak według pierwotnego planu dwa ostatnie przedstawienia, ukazujące możliwości enharmonizmu, stanowiły odrębny zeszyt siódmy .

„Spillkins” S. Maykapara zajął szczególne miejsce w repertuarze pedagogiki fortepianowej nie tylko ze względu na niezwykłe walory artystyczne utworów znajdujących się w zbiorze, ale także ze względu na ich duże walory metodologiczne. Wartość miniatur fortepianów Maikapara polega również na łatwości i wygodzie sterowania głosem oraz możliwości dostosowania ich do małego rozmiaru dłoni dziecka. Nigdzie w jego dziecięcych przedstawieniach nie znajdziemy oktaw granych jedną ręką, ani akordów granych w szerokim układzie. Twórczość Maikapara wyróżnia się przejrzystością i prostotą prezentacji materiału muzycznego. Zwięzłość i kompletność fraz muzycznych z łatwością pozwala uczniowi zrozumieć, w jaki sposób motywy układają się w frazy, frazy w zdania, zdania w kropki, kropki w części.

obrazy i szkice przyrodnicze: „Jesienią”, „Unoszące się chmury”, „Ćma”, „Wiosna”;

spektakle onomatopeiczne: „Echo w górach”, „Pozytywka”;

spektakle figuratywne: „Kołysanka”, „W przedszkolu”;

portrety muzyczne: „Sierota”, „Pasterz”, „Mały dowódca”;

zabawy nastrojami i uczuciami: „Przelotna wizja”, „Niespokojna minuta”;

utwory taneczne: „Polka”, „Walc”, „Minuet”, „Gavotte”;

muzyka narracyjna: „Bajka”, „Romans”, „Legenda”;

8) utwory polifoniczne: „Pieśń marynarzy” (kanon), „Preludium i Fughetta”.

Oczywiście taka klasyfikacja tematyczna jest warunkowa, w jednym dziele można mieszać różne kierunki.

Kolejnym szkicem portretowym jest sztuka „Mały dowódca”. Jest bardzo bojowy, odważny i odważny. Donośnym głosem energicznie wydaje jasne i pewne polecenia, podkreślając każde słowo. Nie wiemy dla kogo są przeznaczone – cynowych żołnierzyków, pluszowych zabawek czy dziecięcych przyjaciół takich jak on. Muzyka utwierdza nas w przekonaniu, że każdy rozkaz takiego dowódcy zostanie wykonany bez zastrzeżeń, gdyż on sam jest pełen stanowczości i determinacji. Utwór ma długość ¾ metra i jest w tonacji C-dur. Dzieci pracują nad zabawą ze szczególną przyjemnością, gdyż charakter zabawy jest im bliski. Początkowym zadaniem jest dokładny, wyrzeźbiony rytm, który oddaje charakter „małego dowódcy”. Podczas grania nuty nie taktowanej wymagana jest uwaga rytmiczna, ponieważ podczas gdy intonacja melodyczna pozostaje niezmieniona, czas trwania jest różny. Czasami uczniowie popełniają nieścisłości. Technicznie trudno jest pracować na wyraźnym staccato. Uderzenie powinno brzmieć gwałtownie, ostro i krótko, a palce powinny być możliwie najwytrwalsze.

I kolejny portret: muzyka jest tutaj bardzo smutna, żałobna, cicha i żałosna. Słuchając tego, chce się współczuć osobie, o której jest napisane, a nawet płakać. Wydaje się, że dziecko mówi coś ze smutkiem, narzeka na swój los, swoje trudne życie. Spektakl nazywa się "Sierota." Muzyka brzmi smutno, jakby śpiewał samotny, samotny głos.

To zupełnie inne, odmienne portrety – obrazy, które przedstawił nam kompozytor. W każdym z nich widać nie dorosłego, ale dziecko. A o każdym z nich opowiada wspaniała muzyka.

Muzyczne pejzaże S. Maikapara są dedykowane wszystkim porom roku.

W grze "Na wiosnę" słychać głosy budzącej się przyrody: szum strumieni, skoczne ptasie tryle. Muzyka jest lekka, delikatna, jak świeże wiosenne powietrze. Wiosna to szczególna pora roku. Czas budzenia się natury z zimowego snu, kiedy wszystko budzi się do życia, kwitnie i raduje się nadchodzącym ciepłem. Wczesną wiosną zima wciąż daje o sobie znać – zsyła wiatry i śnieżyce, ale ostatecznie wiosna i tak zwycięża. Małe srebrzyste strumienie płyną i mienią się w słońcu. Pod koniec melodia wznosi się coraz wyżej, jakby słońce świeciło coraz jaśniej, oświetlając i ogrzewając wszystko wokół. Ta muzyka wieje jak wiosenny wiatr. Jest entuzjastyczna, świeża, jakby obmyta wiosennymi strumieniami.

W „Spillies” S. Maykapara nie ma spektaklu „Lato”, ale na niektórych jego miniaturach tę porę roku można łatwo rozpoznać. Na przykład, „W przedszkolu”. Słuchając tego, wyraźnie wyobrażasz sobie ciepły letni dzień i plac zabaw dla dzieci w zacienionym ogrodzie. Muzyka oddaje wesoły charakter dziecięcych zabaw.

Po lecie nadchodzi "Jesień". Muzyka oddaje smutny obraz późnej jesieni, kiedy drzewa zrzuciły już swój luksusowy złoty strój, a ptaki wędrowne dawno opuściły swoje rodzinne strony. Cała przyroda zamilkła w oczekiwaniu na zimę. Stłumione, wolne akordy bardzo dokładnie oddają uczucie ograniczenia i odrętwienia. Dopiero cichy, mżący deszcz powoduje ledwo zauważalny ruch.

A potem spadł śnieg i nadeszła zima. Przyniosła ze sobą swoją zabawę zimową zabawę, o którą właśnie chodzi w spektaklu. „Na lodowisku”. Znów widzimy niemal żywy obraz życia dziecka. Słyszymy krótkie, powtarzające się frazy, takie jak kroki biegowe, po których następuje długi ślizg na lodzie. I znowu bieganie i ślizganie się. W ten sposób zwykle poruszają się początkujący łyżwiarze. Muzyka ponownie sugeruje, że nie jest to dorosły łyżwiarz figurowy, ale dziecko. Wszystkie pory roku są ukazane w muzyce Maikapara w bardzo różnorodny i kolorowy sposób.

Wszystkie pory roku są ukazane w muzyce Maikapara w bardzo różnorodny i kolorowy sposób.

Albo staje się niewidzialny, chowając się na kwiatku jak pod koniec środkowej części, albo szybko wzlatując w górę i odlatując (pod koniec przedstawienia).

Wśród sztuk onomatopeicznych – grać „Echa w górach” Muzyka przedstawia echa. Początek brzmi wesoło, głośno, uroczyście. Jak reaguje echo? Brzmi tajemniczo, skryto, bajecznie, w niskim rejestrze, bardzo cicho. Dźwięki echa dokładnie powtarzają melodię, ale dochodzą z daleka, ledwo słyszalne.

Druga fraza muzyczna brzmi nieco inaczej, z nieco innym zakończeniem rytmicznym i jeszcze bardziej uroczystym. A echo dokładnie odzwierciedla tę melodię, znów ją „naśladuje”.

Jeśli w górach słychać przez dłuższy czas głośne dźwięki, to echo pojawia się, gdy ucichną, na końcu. Aby usłyszeć echo, potrzebujesz ciszy, musisz być cicho.

W środkowej części spektaklu „Echa w górach” bez przerwy gra głośna, wściekła muzyka, bez echa. Przychodzi, gdy cichnie głośna melodia, odbija się echem jedynie jej zakończenie.

Potem melodia często się urywa, a echo ponownie odbija echem każdy swój dźwięk, tajemniczo, magicznie, enigmatycznie. Pod sam koniec spektaklu głośna, wesoła melodia znów długo nie cichnie, a echo odbija się echem jedynie po jej zakończeniu. W tajemniczy sposób kończy się to przedstawienie.

Otwórzmy to "Pozytywka." Jego dźwięki są bardzo wysokie, lekkie, dźwięczne, przypominające grę maleńkich dzwoneczków. Małe i magiczne, przenoszą nas w baśniowy świat. Jeśli otworzymy wieko pozytywki, usłyszymy melodię - lekką, magiczną, jakby mała laleczka tańczyła do tej muzyki!

Melodia brzmi wysoko, cicho, przestronnie, zabawnie. Powtarza się to cały czas i przypomina dźwięki mechanicznej zabawki. Utwór zaczyna się łatwo, wdzięcznie, melodia magicznie dzwoni i dzwoni, jak kropelki świecące w słońcu. Pod koniec utworu w akompaniamencie pojawiają się szybsze, płynniejsze dźwięki, jakby w mechanizmie zabawki słychać było jakiś dźwięk.

W odróżnieniu od Polki "Walc"- taniec płynniejszy i bardziej liryczny. Słowo „walc” oznacza „rotacyjny” i rzeczywiście w tańcu dominują wirujące, pełne gracji ruchy.

Następny taniec "Menuet", znacznie starszy od polki i walca. Ma co najmniej 300 lat i pochodzi z Francji. Tańczyli go na balach panowie i panie w pudrowanych perukach i eleganckich strojach przypominających kremowe ciasta. Sam taniec wykonywany był małymi, spokojnymi krokami i bardziej przypominał ceremonię składania sobie pokłonów. Panowie szarmancko przestępowali nogami, a panie dygnęły w uroczym ukłonie. „Minuet” z cyklu „Rozlewy” brzmi w powściągliwym tempie, z małymi przerwami pomiędzy muzycznymi frazami, jakby tańczące lalki zastygały na chwilę w pięknych pozach.

"Gawot"- współczesny menueta. Ten sam wykwintny i uroczysty taniec dworski. Francuzi żartobliwie nazwali jeden ze swoich ruchów „krzywymi nogami żurawia”: tak proste nogi z wdziękiem skrzyżowały się w tańcu, przypominając pozę ptaka . Muzyka „Gavotte” Maykapara jest lekka, prostolinijna, a jednocześnie elegancka i pełna wdzięku. „Gavotte”, podobnie jak inne tańce z cyklu „Spiliki”, sprawia wrażenie muzyki „zabawkowej”.

W grze "Bajka" być może jest to opowieść o księżniczce marniejącej w królestwie Kościeja, o Alyonuszce opłakującej brata Iwanuszki, porwanego przez Gęsi-Łabędzie, lub o czymś innym smutnym.

Zaczyna się czule, początkowo przypomina kołysankę – niespieszną i spokojną, jakby mama czy babcia kołysała kołyską i opowiadała bajkę – trochę smutną, życzliwą.

Melodyjna melodia brzmi powściągliwie, delikatnie, tajemniczo, spokojnie - wszystko w bajce dopiero nadejdzie. Rozpoczyna się monofonicznie, spokojnie. Tworzy się nastrój lekkiej zamyślenia i spokojnej pogody ducha. Wprowadzenie drugiego głosu ożywia obraz. Spokojne tempo, cichy dźwięk, wyważone, delikatne intonacje melodii tworzą spokojny, łagodny charakter muzyki.

Wtedy melodia wznosi się wyżej, staje się bardziej niepokojąca i jasna. Kolejna melodia zdaje się uspokajać pierwszą.

W środkowej części muzyka brzmi albo podstępnie, tajemniczo, jakby zadawała pytanie, albo odważniej, bardziej uporczywie, jakby odpowiadała. To tak, jakby bohater „Baśni” musiał się na coś zdecydować, coś wybrać, jest na rozdrożu… Główny klucz, który pojawia się na chwilę, jest jak wyłaniające się słońce, jak wgląd, jak wskazówka do główny bohater na przyszłej ścieżce.

A „Opowieść” kończy się niskim rejestrem, ponurym, tajemniczym, niepokojącym i nagle przerwanym przez nagłe niskie dźwięki. Wygląda na to, że ta historia pozostała niewypowiedziana...

Często w baśniach bohaterom pomagają różne magiczne rzeczy: latający dywan, buty do chodzenia, piłka wskazująca drogę, samodzielnie złożony obrus, niewidzialny kapelusz... Buty do chodzenia można znaleźć w różnych bajkach, zwłaszcza u Charlesa Perraulta. Na przykład bajka „Tom Kciuk” opowiada, jak siedmioligowe buty pomogły dzieciom uciec przed Ogrem…

W grze „Buty siedmioligowe” kompozytor stosuje duże skoki poszczególnych dźwięków akcentowanych, odmierzone i ciężkie, niczym gigantyczne kroki olbrzyma pokonującego ogromne odległości. Melodia skacze, skacze, leci cały czas. Muzyka bardzo wyraźnie przedstawia siedmioligowe buty - jest zamaszysta, szeroka, ciężka, składa się z ogromnych podskoków i podskoków, jest w niej wiele akcentów. Niektóre dźwięki są gwałtowne, inne płynne, jakby chodzik chodził inaczej – czasem kroczy, czasem leci.

Jeśli na początku spektaklu muzyka jest lotna, ciężka, przypominająca ogromne kroki, wyczuwalny jest w niej nastrój niepokoju, to w środku muzyka staje się gładsza, jakby chodzik stawiał kroki, a potem skakał. Krótkie, latające intonacje muzyczne, przypominające ogromne skoki, w środkowej części utworu zostają zastąpione dłuższymi, gładszymi, przypominającymi podskoki w powietrzu.

Ciekawostką jest skrócony zapis wielu sztuk w szkicach: zamiast w pełni spisanych powtórek niektórych epizodów kompozytor używa znaków repryzy. W tym przypadku tekst muzyczny jest czasami redukowany o połowę, a nawet więcej. Uczeń powinien zwrócić na to uwagę, ponieważ ta metoda znacznie ułatwia naukę utworów na pamięć: psychologicznie łatwiej jest zapamiętać, gdzie są powtórzenia, niż uczyć się całego tekstu jako nowego materiału.

Niestety „Spillies” S. Maykapara spotkał zwykły los dzieła popularnego: wielokrotnie wznawiano je zarówno w naszym kraju (prawie co roku), jak i za granicą – w USA, Polsce, Niemczech, Anglii, Austrii, Czechach i na Słowacji , w innych krajach. Jednocześnie autorskie instrukcje wykonawcze i metodyczne – palcowanie, frazowanie, pedałizacja – zostały zaprezentowane w zniekształconej formie. Każdy redaktor uważał za możliwe zastąpienie szczegółowych instrukcji wykonawczych autora własnymi, dokonanie do nich uzupełnień, mimo że autograf przechowywany w archiwum rodzinnym nie był nikomu znany, a publikacje dożywotnie od dawna stały się bibliograficzną rzadkością .

LITERATURA:

Wolman B.L. Samuil Moiseevich Maikapar. Eseje o życiu i twórczości. – L., kompozytor radziecki, 1963

Maykapar A. Mój dziadek to Samuel Maykapar. „Życie Muzyczne”, nr 12, 1994

Maykapar S.M. Wykonawstwo muzyczne i pedagogika. Z prac niepublikowanych. Wydawnictwo „MRU”, 2006.

Maikapar S.M. „Dyrektor muzyczny”, nr 3, 2007

Stukolkina G.A. CM. Majkapar. Droga do doskonałości. SP, Kompozytor, 2007, s. 25. 32-35.

Muzyczny słownik encyklopedyczny. Ch. redaktor – G. V. Keldysh. wyd. „Encyklopedia radziecka”, Moskwa, 1991.

Tajemnice mistrzostwa fortepianu, przemyślenia i aforyzmy wybitnych

muzycy, M., 2001.

9. Zasoby internetowe:

*) www. Wikipedia.org/wiki

Szkoła muzyczna dla dzieci NGMBOUDOD im. Nieftiejugansk.

RAPORT METODOLOGICZNY

"Z. Maikapar i jego cykl fortepianowy „Spillkins”

Opracowany przez:

nauczyciel

wydział fortepianów

S. Maikapar i jego cykle fortepianowe.

Cykl „Spillkins”

S. Maikapar urodził się w Chersoniu w 1867 r., lata dzieciństwa spędził w Taganrogu, następnie Maikapar wstąpił na Wydział Prawa Uniwersytetu w Petersburgu, który ukończył w 1891 r. i jednocześnie w Konserwatorium w Petersburgu, gdzie studiował na dwóch specjalnościach: kompozycji i fortepianu. Po ukończeniu konserwatorium i za radą Antona Rubinsteina Maikapar wyjeżdża do Wiednia, aby doskonalić się pod okiem słynnego pianisty, profesora Theodora Leschetizky'ego. Od 1903 do 1910 Maykapar mieszkał w Niemczech. Dużo koncertuje, komponuje i zajmuje się działalnością naukową. W 1910 r. Majkapar otrzymał zaproszenie od A. Głazunowa do nauczania w Konserwatorium w Petersburgu. W 1930 roku Maikapar opuścił konserwatorium i poświęcił się całkowicie pracy twórczej – kompozycji, wykonawstwa i pracy naukowej. Maykapar zmarł 8 maja 1938 r.

Cały zbiór Maikapara można zawrzeć w jednym tomie. Choć ich liczba jest bardzo duża (ponad 200 tytułów), większość z nich to miniatury fortepianowe mieszczące się na jednej lub dwóch stronach. Sztuki Maykapara ukazały się w Niemczech, Austrii, Anglii, Francji i Ameryce. Katalog dzieł Maikapary zawiera utwory fortepianowe, romanse i dzieła na zespół kameralny.

Maykapar zaczął komponować w wieku 14-15 lat i kontynuował to przez całe życie. I to właśnie w dziedzinie muzyki dziecięcej nazwisko S. Maikapara stało się szeroko znane w kraju. Odnalazł muzyczne obrazy i intonacje bliskie dziecku; Za pomocą swoich spektakli dla początkujących uczy dzieci miłości do muzyki, otwierając przed nimi szerokie możliwości własnej twórczości i drogę do poznania pięknej sztuki dźwięków.

Na próżno szukać jasnych cech stylistycznych w sztukach dziecięcych Maikapara. Ich wartość nie polega na jakichś unikalnych indywidualnych cechach melodii, harmonii itp., ale na połączeniu wszystkich elementów, z których każdy może nie być tak znaczący. Jasne poczucie celu, spontaniczność ekspresji w połączeniu z bogatym doświadczeniem wykonawczym i pedagogicznym pomogły Maikaparowi stać się jednym z założycieli rosyjskiej literatury fortepianowej dla dzieci. Opracował kompleksowy system rozwoju technologii fortepianowej. Jego cykle utworów fortepianowych, adresowane do młodych pianistów, budowane są według ściśle określonego planu, obejmującego taki czy inny dział techniki fortepianowej czy rodzaj trudności pianistycznych. Jednocześnie ściśle przestrzegana jest zasada „od prostego do złożonego”. Według tego planu powstał cykl 12 preludiów nadgarstkowych op-14, dwuoktawowych intermezzo op-13, preludiów staccato op-31. Zadania w zbiorze utworów zespołowych „Pierwsze kroki op-29 na fortepian na 4 ręce” są ściśle sekwencyjnie skomplikowane. Czytelny plan pedagogiczny widoczny jest w słynnym cyklu „spillie” (wiąże się to z zapoznawaniem ucznia ze wszystkimi 24 tonacjami).

Jeśli potraktować całokształt twórczości Maykapara z zakresu małych form, to Grieg okazuje się mu najbliższy formą, a po części także duchem. Komponując sztuki dla dzieci, Maikapar wychodził z przekonania, że ogólne wymagania małych artystów są takie same, „jak wymagania dorosłych wykonawców; to wymóg obrazowości, barwności, potem prostoty i prostoty kompozycji. Dałem tej witrynie całą moją kreatywność.”

Cechy charakterystyczne dla Maykapara jako kompozytora „dziecięcego”: witalność i obrazowość treści (brak sztuczności, pretensjonalności, naciągania), szczerość i emocjonalność, prostota i lakonizm, kompletność formy, organiczne połączenie z instrumentem.

Oto jak Maykapar rozprowadzał sztuki według ich treści:

Zdjęcia natury:„rano” op.15 nr 1, „wieczór”, „noc”, „jesień”, „echo w górach”, „wiosna”, „pływają chmury” op.23 nr 24, „ nad morzem nocą”, „we mgle”, „krople rosy”, „cichy poranek”, „burzliwy potok”, „gwiaździsta noc” op. 33 nr 19.

Odtwórz onomatopeiczne:„fajka”, „w kuźni”, „klaun muzyczny” op.16 nr 6, „na wojnie”, „pozytywka”, „praca zespołowa”, „nadchodzi kawaleria”, „harfa eolska” op.33.

Sztuki figuratywne:„Kołysanka” op.8, „Włoska serenada” op.8, „Syrenka”, „taniec klauna” op.21, „łapanie motyli”, „w przedszkolu”, „sierota”, „pasterka”, „przelotne widzenie” , „Ćma”, „Kołysanka”, „Pieśń marynarzy”, „Buty siedmioligowe”, „Na lodowisku”, „Jeździec w lesie”, „Motyl” op. 33 nr 8.

Gra nastrojów i uczuć:„smutny nastrój”, „skarga” op.15, „sen” op.16, „w separacji”, „pamięć”, „pieśń trubadurów”, „chwila niepokoju”, „marsz żałobny”, „medytacja”, „długa podróż ” , „pieśń wzywająca”, „elegia” op.33, „zabawa” op.33, „fragment dramatyczny”.

Taniec:„gawot” op.6, „tarantella”, „walc”, „menuet” op.16, „polka”, „mazurek” op.33.

Muzyka narracyjna:„Bajka” op.3, „romans”, „dialog” op.15, „pasierbica i macocha” op.21, „kołysanki” op.24 z nr 1-6, „legenda”, „straszna historia”, „Historia marynarza” op.33.

Tytuły muzyczne: „zabawa dla dzieci”, „preludium i fugetta”, „operetka”, „melodia” op. 8, „karta z albumu”, „nokturn” op. 8, „scherzino” op. 8, „małe rondo”, „ preludium” „op. 16”, „Wariacje na temat rosyjski”, „Fugetta” op. 8, „Sonata” op. 27 itd.

Zdecydowana większość utworów fortepianowych Maykapara to dzieła programowe, tłumaczy się to chęcią rozbudzenia wyobraźni dzieci za pomocą ich charakterystycznych imion, czyli poprzez skojarzeniowe porównywanie obrazów dźwiękowych ze zjawiskami i emocjami dobrze znanymi dzieciom . Maikapar precyzował treść przedstawień, zdawał sobie sprawę ze szczególnej potrzeby tworzenia spektakli dziecięcych dla początkujących, co udało się z wyjątkowym sukcesem zrealizować w cyklu „spillie”.

„Spilkins”.

Cykl utworów fortepianowych dla dzieci S. Maykapara „Spills” należy do klasycznych dzieł repertuaru pedagogicznego i dorównuje takim zbiorom jak „Notatnik muzyczny Anny Magdaleny Bach”, „Album dla dzieci”, „Album dla młodzieży” przez F. Schumanna. Powstały w latach 1925-1926 cykl „Spillies” cieszy się nieustanną miłością zarówno wśród młodych muzyków, jak i ich nauczycieli. Przedstawienia znajdujące się w kolekcji wyróżnia wszystko to, co jest charakterystyczne dla prawdziwych arcydzieł – niezależnie od tego, czy jest to dzieło monumentalne, czy miniaturowe – inspiracja, idealna harmonia formy, doskonałe wykończenie detali. W dzisiejszych czasach niewiele osób wie, czym są przelewki. Była to niegdyś bardzo popularna zabawa wśród dzieci: garść posiekanych słomek układa się na stole w stos; Gracze wyciągają je na zmianę, pojedynczo, nie potrząsając stertą. „Spillkins” to suita zawierająca utwory fortepianowe o różnej treści. Składa się z sześciu zeszytów po cztery sztuki każdy (ostatni zeszyt ma 6 sztuk). Ciekawe jest porównanie tej kolekcji z cyklami, jak „H. T.K. Bacha „Spillkins” gra we wszystkich 24 klawiszach. Jednak konstruktywna zasada konstruowania „spille” jest nieco inna: Seria I (notatnik 1 i 2) z C do 3 ostrych punktów; w serii II (zeszyt 3 i 4) od C-dur do 3 bemolów; Notesy 5 i 6 okładki w kluczach ze znakami 4,5,6. I tak mimo, że łącznie jest 24 klawiszy i 26 zagrań, to bowiem klawisze C i A-moll jako punkty wyjścia ruchu na ostre i płaskie boki powtarzają się dwukrotnie. Zdając sobie sprawę, jak ważne dla małych muzyków są obrazy, Maikapar bardzo poważnie potraktował poszukiwania najjaśniejszych możliwych tytułów sztuk teatralnych; Nie zawsze były to tytuły zabaw, które jako pierwsze przychodziły na myśl. Tak więc w oryginalnej wersji „niepokój” nazywano „zmartwieniem”, „ćmą” - „elfem”, „legendą” - „snami”, „wiosną” - „dzieckiem”. Zamiast „gawota” pomyślano początkowo o spektaklu „Światło księżyca”, choć muzyka tego spektaklu nie daje podstaw do takiej iluzji. Niektóre sztuki ukazały się, jak wskazują szkice, od razu w gotowej formie, inne zaś podlegały rewizji i rewizji. Nie trzeba było długo czekać na pojawienie się „małego dowódcy”. Najpierw narodziła się „praca ciągła”. Była melodyjnym nasieniem „małego dowódcy”. „Miniatura f-moll to teraz „buty siedmioligowe” - zgodnie z pierwotnym planem miała zupełnie inny pomysł muzyczny.

Tematyka sztuk Maykapara jest zawsze bardzo wyrazista. Charakteryzują się jasną, zapadającą w pamięć melodią, zwykle krótką. „Pieśń marynarzy” jest energetyczna, brzdąkanie w „pasterce” jest techniczne. Każda sztuka jest wyjątkowa. Jej nazwa nie jest przypadkową etykietą, ale określeniem treści, która daje szansę na rozwinięcie twórczej wyobraźni młodego performera. Wartość spektakli leży w samym materiale tematycznym, a mniej w jego rozwinięciu. Stosuje kontrastowe porównania, a jeśli nie są one potrzebne, różnicuje powtarzane frazy, zmieniając tło harmoniczne, figurę akompaniamentu i zmieniając rejestr. Harmonie w utworach są niezwykle proste.

Maikapar bardzo często sięga po polifonię i jeśli na początku swojej twórczości posługiwał się technikami pisania polifonicznego raczej intuicyjnie, to później doszedł do przekonania, że polifonia jest warunkiem koniecznym do stworzenia dzieła prawdziwie fortepianowego.

Maikapar nie zapomniał o niewielkich rozmiarach dziecięcej dłoni. Nigdzie w jego dziecięcych przedstawieniach nie znajdziemy oktaw granych jedną ręką czy akordów granych w szerokim układzie. Podwojenia oktaw spotykane w jego twórczości zawsze wykonywane są dwiema rękami. Szerokie zastosowanie rejestrów fortepianowych, związane z zamaszystością, pełną swobodą ruchu ręki, a nawet ciała, w całym zakresie instrumentu. Maikapar bardzo często i umiejętnie ucieka się do tej techniki. Już bezpośrednie użycie tego lub innego rejestru daje odpowiedni efekt artystyczny (wysoki rejestr - „ćma”, „krople rosy”; średnio melodyjny „romans”, „medytacja”; niski „marsz żałobny” itp.). Przeniesienie dowolnego fragmentu, frazy lub nawet oddzielnego akordu z jednego rejestru do drugiego w obrębie jednego utworu nadaje dźwiękowi inną kolorystykę. Łącząc przeniesienie z pauzami, zachowaniem czasu trwania dźwięku, subtelnymi zmianami uderzeń, dynamicznymi odcieniami itp. Maikapar dąży do uwypuklenia znaczenia semantycznego poszczególnych „utworów”, podkreśla zmiany nastroju itp. Stosowanie rejestracji w swoich sztukach to jedna z najskuteczniejszych technik ekspresji fortepianowej. Jego sztukom zawsze towarzyszy wyraźne oznaczenie tempa wykonania, często poparte oznaczeniem metronomu. Kompozytor przywiązywał dużą wagę do instrukcji tempa, słusznie uznając, że dają one wyobrażenie nie tylko o szybkości ruchu, ale także o jego charakterze. Kreski, dynamiczne odcienie i inne symbole pojawiały się w nierozerwalnym związku z tekstem muzycznym. Utrwalając nuty na papierze, kompozytor ucieleśniał jednocześnie koncepcję wykonawstwa, zapewniając dokładność jej realizacji. Wykonawcy sztuk Maikapary pozostaje jedynie postępować zgodnie z jego instrukcjami. W tym przypadku w maksymalnym stopniu przyczynią się do kunsztu przedstawienia. Maykapar zawsze wskazuje legato i staccato (lekkie i ciężkie), portamento, znaki przedłużenia nad nutą, akcenty itp. Umieszczone ligi dokładnie wskazują początek i koniec frazy, a oznaczenia dynamiczne wskazują oznaki przyspieszania i zwalniania ruchu ( używając terminologii włoskiej) zawsze umieszczane dokładnie tam, gdzie powinny się zaczynać i kończyć. Nie sposób nie zauważyć osobliwości oznaczeń palcowania, jakie Maikapar wprowadza w swoich sztukach, nadając mu i właściwemu podejściu do niego ogromne znaczenie. Maikapar trzymał się wyjątkowej precyzji w wyznaczaniu pedałowania, uznając je za skuteczny środek artystycznego wykonania. Użycie pedału w jego sztukach jest bardzo różnorodne i zawsze uzasadnione celami artystycznymi. Niestety. Nawet nauczyciele nie poświęcają wystarczającej uwagi zagadnieniom i określeniom pedałowania w sztukach Maykapara i nie przywiązują do nich takiej wagi, jaką nadał im kompozytor.

Szczególną uwagę chcę zwrócić na fakt, że zbiór „Spillies” jest cyklem przedstawień różnych postaci, czyli jako całość ma znaczenie artystyczne. I choć oczywiście trudno oczekiwać, że młodzi muzycy wykonają go w całości, tak jak nieczęsto zdarza się, aby cykle wynalazków i symfonii Bacha były wykonywane w całości, KhTK, zgodnie z pierwotnym planem, „ rozlewis” został pomyślany jako jedno dzieło. Każdy może się o tym łatwo przekonać, jeśli zrozumie cechy konstrukcyjne cyklu (plan tonalny) i zagra utwory jeden po drugim: pojawienie się każdego kolejnego brzmi jak niespodzianka, a nie dysonans z poprzednim. Jest rzeczą oczywistą, że tylko wielki mistrz potrafił stworzyć harmonijny zestaw 26 utworów.

Pisanie muzyki dla dzieci to bardzo potrzebne, zaszczytne, ale niełatwe zadanie. Bieliński napisał: „potrzebujemy łaskawej, kochającej, cichej, melodyjnej i prostodusznej duszy; wzniosły, wykształcony umysł, żywa wyobraźnia, żywa fantazja poetycka, zdolna wyobrazić sobie wszystko w animowanych, tęczowych obrazach.

Literatura.

1. Samuel Maikapar i jego cykle fortepianowe. „Klasyka” 2009

2. Portrety pianistów. D. Rabinowicz. M., 1963

3. Początkowy okres nauki gry na fortepianie. , 1989