Obrazy Hirst z kropkami. Damien Hirst w Wenecji zaprasza do podziwiania luksusowych skarbów „Niesamowitego

Damiena Hirsta(angielski: Damien Hirst, ur. 7 czerwca 1965) to współczesny artysta angielski. Jeden z najwybitniejszych przedstawicieli grupy Young British Artists. Laureat Nagrody Turnera 1995. Szacunki na rok 2010: najbogatszy artysta świata.

Biografia i twórczość

Damiena Hirsta urodzony w 1965 roku w Bristolu (Anglia). Dorastał w Leeds. Jego ojciec opuścił rodzinę, gdy Hearst miał 12 lat, a matka nie była w stanie kontrolować syna. W młodości był dwukrotnie aresztowany za kradzieże w sklepach.

Studiował w szkole artystycznej w Leeds, a następnie (po dwuletniej przerwie) w Goldsmiths College (1986-1989), który wówczas uznawany był za innowacyjny i oferował eksperymentalny program kształcenia, który przyciągał wielu utalentowanych uczniów i nauczycieli. W tym czasie był bardzo zainteresowany twórczością Francisa Bacona, co znalazło odzwierciedlenie w jego przyszłych dziełach. Jeszcze przed ukończeniem studiów, w lipcu 1988 roku, był kuratorem wystawy "Zamrażać", na którym znalazły się m.in. jego własne instalacje. Należy zauważyć, że sama wystawa była pod wieloma względami projektem 23-letniego Hirsta i zapoczątkowała zarówno jego własną karierę, jak i karierę wielu innych artystów, z których wielu było także absolwentami Goldsmiths. Tutaj Hirst po raz pierwszy zauważył milioner i kolekcjoner dzieł sztuki Charles Saatchi, który był pod wielkim wrażeniem twórczości artysty. Rok później na drugiej wystawie Hirsta kupił jego dzieło „Tysiąc lat” i zaoferował pomoc finansową w powstaniu przyszłych dzieł.

Instalacja "Tysiąc lat" był swego rodzaju systemem ilustrującym takie globalne procesy, jak życie i śmierć. Temat śmierci – kluczowy dla Hirsta – zajmuje już w tym dziele pozycję dominującą. Instalacja składała się z pojemnika z jajami much, gnijącej głowy krowy oraz elektrycznej łapki na muchy. Z jaj wykluwają się larwy, czołgają się w stronę pożywienia (głowy krowy), zamieniają się w muchy i giną po zetknięciu z łapką na muchy. Z czasem instalacja się zmieniała – głowa stawała się coraz mniejsza, trupów much było coraz więcej, a widz, wracając na wystawę, cały opisany powyżej proces widział w dynamice, obserwując nie tylko ścieżkę życia muchy, ale także wynik tego procesu.

Za pieniądze Saatchiego Hirst stworzył dzieło pt „Fizyczna niemożność śmierci w świadomości żywego człowieka”. Ta praca to martwy czterometrowy rekin w formaldehydzie. Położył podwaliny pod szereg podobnych instalacji, z których jedna jest „Matka i dziecko w separacji”(dosłownie z angielskiego) "Matka i dziecko. Podzielony") – została zaprezentowana na Biennale w Wenecji i przyniosła Hirstowi międzynarodową sławę. Widz widzi tu istoty „zamrożone śmiercią”, coś przerażającego i odrażającego, coś, co już nie żyje, a mimo to zachowuje swój łatwo rozpoznawalny wygląd. I tak np. przed konwencjonalnym widzem instalacji „Fizyczna niemożliwość…” nie ma rekina, on już zdechł, pozostała tylko jego skorupa. Ale „martwe” jest postrzegane przez widza jedynie jako „nieożywione”. Widzi „dawniej żywego”, interpretując nowy obiekt przez pryzmat tego, czym był kiedyś, a nie kieruje się tym, czym jest teraz.

Temat śmierci, który czasami zamienia się w temat przemijania życia, niczym czerwona nić przewija się przez całą twórczość Damiena Hirsta. W 2007 roku stworzył pracę pt „Na miłość Pana!”, co czasami jest nazywane „Diamentowa czaszka Damiena Hirsta” i który stał się znany jako najdroższe dzieło sztukiżyjący autor. Ten egzemplarz sam w sobie jest kopią czaszki 35-letniego Europejczyka, wykonaną z platyny i całkowicie inkrustowaną diamentami. Na środku czoła czaszki znajduje się różowy diament. Stworzenie tego dzieła kosztowało Hirsta 14 milionów funtów szterlingów.

Pomimo koncepcyjnych założeń twórczości Hirsta, trudno odmówić wielu pracom artysty celowo skandalicznego charakteru. Podążając za martwymi zwierzętami w formaldehydzie i najdroższym dziełem sztuki świata, nie sposób nie wspomnieć o instalacji "W miłości i poza nią" lub w tym przypadku „Miłość wewnątrz i na zewnątrz”). Do płócien na ścianach przyczepione były poczwarki, z których wyłaniały się motyle. Wchodząc do sali, widzowie znajdowali się wśród tych owadów, które przelatywały wokół nich, lądując zarówno na samych widzach, jak i na pojemnikach z owocami ustawionych w tym samym pomieszczeniu. Wystawa odbyła się w galerii Tate Modern i trwała 5 miesięcy. W tym czasie odwiedziło ją ponad 460 000 zwiedzających i stała się najczęściej odwiedzaną wystawą indywidualną w historii galerii. Później pojawiła się informacja, że ​​podczas wystawy zginęło 9 tysięcy motyli, co wywołało protesty wielu organizacji ekologicznych.

Obrazy Damiena Hirsta można zaliczyć do abstrakcjonizmu geometrycznego (przykład: cykle „Malarstwo punktowe”) i (przykład: seria „Obróć obrazy”)). Cykl „Plamki” to obrazy przedstawiające koła tej samej wielkości, ale różniące się kolorem (kolor nigdy nie jest taki sam), ułożonymi w kształt kratki. Cykl Obroty to obrazy, które powstały poprzez wylanie farby na obracające się płótno. Hirst jest także autorem szeregu obrazów, które powracają do tematu motyli: cykl Butterfly Color Paintings składa się z prac, w których martwe motyle przyczepiane są do jeszcze wyschniętej farby, która staje się podstawą kompozycji.

Istnieje opinia, że ​​artysta może być albo wyjątkowo bogaty, albo skrajnie biedny. Można to zastosować do osoby, która zostanie omówiona w tym artykule. Nazywa się i jest jednym z najbogatszych żyjących artystów.

Jeśli wierzyć „Sunday Times”, to według ich szacunków artysta ten był w 2010 roku najbogatszym na świecie, a jego majątek oszacowano na 215 milionów funtów szterlingów.

Twórczość Damiena Hirsta

W sztuce współczesnej osoba ta pełni rolę „twarzy śmierci”. Po części wynika to z faktu, że do tworzenia dzieł sztuki wykorzystuje materiały, do których nie jest przyzwyczajony. Wśród nich warto zwrócić uwagę na obrazy przedstawiające martwe owady, części martwych zwierząt w formaldehydzie, czaszkę z prawdziwymi zębami itp.

Jego prace budzą w ludziach jednocześnie szok, odrazę i zachwyt. Kolekcjonerzy z całego świata są gotowi zapłacić za to ogromne sumy pieniędzy.

Artysta urodził się w 1965 roku w mieście Bristol. Jego ojciec był mechanikiem i opuścił rodzinę, gdy syn miał 12 lat. Matka Damiana pracowała w biurze konsultingowym i była artystką amatorką.

Przyszła „twarz śmierci” w sztuce współczesnej prowadziła aspołeczny tryb życia. Dwukrotnie był aresztowany za kradzieże w sklepach. Ale mimo to młody twórca studiował w Leeds School of Art, a następnie wstąpił do londyńskiej uczelni Goldsmith College.

Zakład ten był nieco innowacyjny. Różnica od innych polegała na tym, że inne szkoły po prostu przyjmowały uczniów, którzy nie mieli wystarczających umiejętności, aby dostać się na prawdziwą uczelnię, ale Goldsmiths College skupiał wielu utalentowanych uczniów i nauczycieli. Mieli swój własny program, do którego nie trzeba było umieć rysować. Ostatnio ta forma treningu dopiero zyskała na popularności.

W czasach studenckich uwielbiał odwiedzać kostnicę i robić tam szkice. To miejsce położyło podwaliny pod przyszłe tematy jego twórczości.

W latach 1990-2000 Damien Hirst miał problemy z narkotykami i alkoholem. W tym czasie udało mu się popełnić wiele różnych psikusów po pijanemu.

Drabina kariery artysty

Hirst po raz pierwszy zainteresował się publicznością wystawą „Freeze”, która odbyła się w 1988 roku. Na tej wystawie Charles Saatchi zwrócił uwagę na twórczość tego artysty. Ten człowiek był sławnym potentatem, ale w dodatku był zagorzałym miłośnikiem sztuki i ją kolekcjonował. Kolekcjoner w ciągu roku nabył dwa dzieła Hirsta. Następnie Saatchi często kupował dzieła sztuki od Damiena. Można naliczyć około 50 prac, które kupiła ta osoba.

Już w 1991 roku wspomniany artysta zdecydował się na zorganizowanie własnej wystawy zatytułowanej In and Out of Love. Na tym nie poprzestał i zorganizował kilka kolejnych wystaw, z których jedna odbyła się w

W tym samym roku powstało jego najsłynniejsze dzieło zatytułowane „Fizyczna niemożliwość śmierci w umyśle żywych”. Powstał kosztem Saatchiego. Praca wykonana przez Damiena Hirsta, której zdjęcie znajduje się nieco niżej, to pojemnik z dużym pojemnikiem zanurzonym w formaldehydzie.

Na zdjęciu może się wydawać, że rekin jest dość krótki, ale w rzeczywistości miał 4,3 metra.

Skandale

W 1994 roku na wystawie, której kuratorem był Damien Hirst, doszło do skandalu z artystą nazwiskiem Mark Bridger. Do zdarzenia doszło za sprawą jednej z prac zatytułowanych „Strayed from the Herd”, która przedstawia owcę zanurzoną w formaldehydzie.

Marek przyszedł na wystawę, na której prezentowane było to dzieło sztuki i jednym ruchem nalał do pojemnika puszkę atramentu oraz ogłosił nową nazwę tego dzieła – „Czarna Owca”. Damien Hirst pozwał go o wandalizm. Na rozprawie Mark próbował wyjaśnić ławie przysięgłych, że chciał po prostu uzupełnić pracę Hirsta, ale sąd go nie zrozumiał i uznał za winnego. Nie mógł zapłacić grzywny, ponieważ był wówczas w złym stanie, dlatego dostał tylko 2 lata zawieszenia. Po pewnym czasie stworzył własną „Czarną Owcę”.

Osiągnięcia Damiena

W 1995 roku w życiu artysty nastąpiła ważna data – został nominowany do Nagrody Turnera. Praca zatytułowana „Matka i dziecko w separacji” była powodem, dla którego Damien Hirst został laureatem tej nagrody. Artysta połączył w tej pracy 2 pojemniki. W jednym z nich znajdowała się krowa w formaldehydzie, a w drugim cielę.

Ostatnia „głośna” praca

Najnowsze dzieło, które wywołało poruszenie, to takie, na które Damien Hirst wydał spore pieniądze. Damien Hirst nigdy nie miał dzieła, którego zdjęcie pokazuje już cały jego wysoki koszt.

Tytuł tej instalacji brzmi „Z miłości do Boga”. Przedstawia ludzką czaszkę pokrytą diamentami. Do stworzenia tego dzieła wykorzystano 8601 diamentów. Całkowita wielkość kamieni wynosi 1100 karatów. Rzeźba ta jest najdroższą ze wszystkich dzieł artysty. Jego cena wynosi 50 milionów funtów szterlingów. Następnie rzucił nową czaszkę. Tym razem była to czaszka dziecka, którą nazwano „Na litość boską”. Zastosowanym materiałem była platyna i diamenty.

W 2009 roku, po wystawie „Requiem” Damiana Hirsta, która wywołała burzliwą falę niezadowolenia krytyków, ogłosił, że rezygnuje z instalacji i odtąd ponownie zajmie się zwykłym malarstwem.

Pogląd na życie

Z wywiadu wynika, że ​​artysta określa siebie jako punka. Mówi, że boi się śmierci, bo prawdziwa śmierć jest naprawdę straszna. Według niego to nie śmierć dobrze się sprzedaje, a jedynie strach przed śmiercią. Jego poglądy na temat religii są sceptyczne.

13812

Damien Hirst (1965, Bristol, Wielka Brytania) to jeden z najcenniejszych żyjących artystów i najwybitniejsza postać w grupie Young British Artists.

Jego ojciec był mechanikiem i sprzedawcą samochodów, który opuścił rodzinę, gdy Damien miał 12 lat. Jego matka była katoliczką, która pracowała w biurze konsultingowym i była artystką amatorką. Szybko straciła kontrolę nad synem, który był dwukrotnie aresztowany za kradzieże w sklepach. Damien Hirst uczęszczał do szkoły artystycznej w Leeds i studiował sztukę na uniwersytecie w Londynie.

Hirst miał poważne problemy z narkotykami i alkoholem przez dziesięć lat, począwszy od wczesnych lat dziewięćdziesiątych.

Śmierć jest głównym tematem jego twórczości. Najsłynniejszym cyklem artysty są martwe zwierzęta w formaldehydzie (rekin, owca, krowa...)

Jedną z jego pierwszych prac była instalacja „Tysiąc lat” - wizualna demonstracja życia i śmierci. W szklanej gablocie z jaj wyszły larwy much, które przedostały się za szklaną przegrodą do pożywienia – gnijącej krowiej głowy. Z larw wylęgały się muchy, które następnie ginęły na odsłoniętych przewodach „elektronicznej łapki na muchy”. Zwiedzający mógł dzisiaj obejrzeć „Tysiąc lat”, a kilka dni później przyjść ponownie i zobaczyć, jak przez ten czas skurczyła się krowia głowa i urosła sterta martwych much.

Czterdziestoletni Hirst był „warty” 100 milionów funtów, czyli więcej niż Picasso, Warhol i Dali w tym wieku razem wzięci

W 1991 Hirst stworzył „Fizyczną niemożliwość śmierci w umyśle żywych” (rekin tygrysi w akwarium z formaldehydem)
„Lubię, gdy przedmiot symbolizuje uczucie. Rekin jest przerażający, jest większy od ciebie i znajduje się w nieznanym ci środowisku. Martwy wygląda, jakby był żywy, a żywy, wygląda, jakby był martwy”. Sprzedany za 12 milionów dolarów

Konserwy baranie krojone wzdłuż. Stworzenie „zamarznięte na śmierć”. Wyraża „radość życia i nieuchronność śmierci”. Sprzedany za 2,1 miliona funtów

„Matka i dziecko w separacji”. Można chodzić pomiędzy nimi. W 1995 roku Hirst otrzymał za nią Nagrodę Turnera. W 1999 roku odrzucił zaproszenie do reprezentowania Wielkiej Brytanii na Biennale w Wenecji.

Hirst miał dużą serię „medyczną”. Na targach w Meksyku prezes firmy produkującej witaminy zapłacił 3 miliony dolarów za „Krew Chrystusa” – instalację tabletek paracetamolu w apteczce. „Spring Lullaby” – szafka z 6136 tabletkami ułożonymi na żyletkach sprzedana w Christie's za 19,1 miliona dolarów

LSD
Trzecią ważną serią Hirsta są „obrazy kropkowe” – kolorowe kółka na białym tle. Mistrz wskazał, jakich farb użyć, ale sam nie dotknął płótna. W 2003 roku jego wzór kropek wykorzystano do skalibrowania instrumentu na brytyjskim statku kosmicznym Beagle wystrzelonym na Marsa.

Czwarta seria – obrazy rotacyjne – powstaje na obracającym się kole garncarskim. Hirst staje na drabinie i rzuca farbę na obrotową podstawę - płótno lub deskę. Czasami wydaje asystentowi polecenie: „Więcej czerwieni” lub „Terpentyna”
Obrazy „są wizualną reprezentacją energii przypadkowości”

Kolaż tysięcy pojedynczych skrzydeł motyla tropikalnego tworzony jest przez techników w oddzielnym studiu

Ciekawa historia przydarzyła się jednemu reporterowi, który miał wiszący stary portret Stalina, który kiedyś kupił za 200 funtów. W 2007 roku zwrócił się do Christie's z propozycją wystawienia go na aukcji. Dom aukcyjny odmówił, twierdząc, że nie sprzedaje ani Stalina, ani Hitlera.
- A co by było, gdyby autorem był Hirst lub Warhol?
- No cóż, chętnie go zabierzemy.
Reporter zadzwonił do Hearsta i poprosił go, aby narysował Stalinowi czerwony nos. Uczynił to i dodał swój podpis.
Christie sprzedał dzieło za 140 000 funtów

Dominujący na scenie artystycznej od lat 90-tych.

W latach 80. Goldsmith College uznawano za innowacyjne: w przeciwieństwie do innych szkół, które przyjmowały uczniów, którzy nie mogli dostać się na prawdziwą uczelnię, Goldsmith School przyciągała wielu utalentowanych uczniów i pomysłowych nauczycieli. Goldsmith wprowadził innowacyjny program, który nie wymagał od uczniów rysowania ani malowania. W ciągu ostatnich 30 lat ten model edukacji rozpowszechnił się na całym świecie.

Jako uczeń szkoły Hirst regularnie odwiedzał kostnicę. Później zauważył, że wiele tematów jego twórczości ma tam swoje korzenie.

Kariera

W lipcu 1988 Hirst był kuratorem uznanej wystawy Freeze w pustym budynku władz portu londyńskiego w London Docks; Na wystawie zaprezentowano prace 17 uczniów szkoły oraz twórczość własną – kompozycję z kartonowych pudeł malowanych farbami lateksowymi. Sama wystawa Zamrażać był także owocem twórczości Hirsta. Sam wybrał prace, zamówił katalog i zaplanował uroczystość otwarcia.

Zamrażać stał się punktem wyjścia dla kilku artystów stowarzyszenia YBA; Ponadto uwagę na Hirsta zwrócił słynny kolekcjoner i mecenas sztuki Charles Saatchi.

Hirst ukończył Goldsmiths College w 1989 roku. W 1990 roku wraz ze swoim przyjacielem Karlem Friedmanem zorganizował kolejną wystawę pt. Hazard, w hangarze, w pustym budynku fabryki Bermondsey. Saatchi odwiedził tę wystawę: Friedman pamięta, jak stał z otwartymi ustami przed instalacją Hirsta zatytułowaną Tysiąc lat – wizualną demonstracją życia i śmierci. Saatchi kupił to dzieło i zaoferował Hirstowi pieniądze na stworzenie przyszłych dzieł.

I tak za pieniądze Saatchiego w 1991 roku powstało Fizyczne Niemożliwość Śmierci w Świadomości Żywego Człowieka, czyli akwarium z rekinem tygrysim, którego długość sięgała 4,3 metra. Praca kosztowała Saatchiego 50 000 funtów. Rekin został złowiony przez upoważnionego rybaka w Australii, a jego cena wynosiła 6000 funtów. W rezultacie Hirst został nominowany do nagrody Turnera, którą przyznano Greenville Daveyowi. Sam rekin został sprzedany w grudniu 2004 roku kolekcjonerowi Steve’owi Cohenowi za 12 milionów dolarów (6,5 miliona funtów).

Pierwsze międzynarodowe uznanie Hirsta spotkało artystę w 1993 roku na Biennale w Wenecji. Jego praca „Podzielona matka i dziecko” przedstawiała części krowy i cielęcia umieszczone w oddzielnych akwariach zawierających formaldehyd. W 1997 roku ukazała się autobiografia artysty „Chcę spędzić resztę życia wszędzie, ze wszystkimi, jeden do jednego, zawsze, na zawsze, teraz”.

Najnowszym projektem Hirsta, który wywołał sporo szumu, jest naturalnej wielkości obraz ludzkiej czaszki; sama czaszka jest kopią czaszki Europejczyka w wieku około 35 lat, który zmarł między 1720 a 1910 rokiem; w czaszce wszczepiane są prawdziwe zęby. Dzieło inkrustowane jest 8601 diamentami przemysłowymi o łącznej masie 1100 karatów; pokrywają go całkowicie, jak chodnik. Pośrodku czoła czaszki znajduje się duży bladoróżowy diament o standardowym szlifie brylantowym o masie 52,4 karata. Rzeźba nosi tytuł For the Love of God i jest najdroższą rzeźbą żyjącego autora – 50 milionów funtów.

W 2011 roku Hirst zaprojektował okładkę albumu Red Hot Chili Peppers „I’m with you”.

Pracuje

Dziś w dziale „Sztuka w pięć minut” porozmawiamy o najsłynniejszym artyście naszych czasów - Damienie Stephenie Hirście. Zmierzymy się z rekinem w formaldehydzie za pomocą wstęgi Mobiusa, przekonamy się, jak sztuka średniowieczna rezonuje z diamentową czaszką i wyruszymy w transgresję, by przekonać się, czy w śmierci istnieje życie.

Odniesienie: Damien Hirst to angielski artysta, przedsiębiorca, kolekcjoner sztuki i najbardziej znana postać grupy Young British Artists, dominującej na scenie artystycznej od lat 90. XX wieku. Urodzony 7 czerwca 1965 w Bristolu w Wielkiej Brytanii.

Co jest głównym tematem dzieł Hirsta?

Krótki:Śmierć.

Więcej szczegółów: Zasadnicza konfrontacja pomiędzy zaprzeczeniem śmierci a świadomością jej nieuchronności jest tematem przewodnim artysty. Hirst nie chodzi dookoła, on wchodzi w samą śmierć. Aby dokładnie zgłębić temat, artysta w młodości uczęszczał do teatru anatomicznego, aby wykonywać szkice i pracował na pół etatu w kostnicy.

Ponieważ Hirst ma na swoim koncie wiele prac związanych ze śmiercią, przyjrzymy się konkretnej instalacji „Tysiąc lat” z 1990 roku – jednej z najważniejszych prac autora. Jest to podwójna skrzynka kombinowana: w pierwszej obudowie znajduje się głowa krowy i elektryczna łapka na muchy, w drugiej larwy i muchy. W przegrodzie pomiędzy tymi kostkami wycięto 4 otwory. Muchy wlatując do pierwszej kostki natychmiast podzieliły się na 2 różne grupy: pierwsza poleciała prosto do lamp i dotknąwszy ich natychmiast ginęła, a druga część much próbowała zająć miejsce na głowie zdechłej krowy.

Artysta tak o tym opowiada: „Pamiętam, jak pewnego razu, gdy pracowałem nad tą instalacją, siedziałem z Garym Hume’em i zapytał: "Nad czym teraz pracujesz?" Odpowiedziałem: „No cóż, mam szklane pudełko, krowią głowę, robaki i muchy. Jedyne, co muszę zrobić, to znaleźć łapkę na muchy, która ich wszystkich zabije”. Spojrzał na mnie jak na wariata. A ja pomyślałem: „Świetnie. To świetny sposób, aby wyjaśnić to jako coś szalonego – wystarczy to komuś wytłumaczyć, aby miał już opinię. I dzieje się tak pomimo tego, że nie ma pojęcia, o co tak naprawdę chodzi, więc że nie mogą być przygotowani na to, co zobaczą.”

Instalacja ta nawiązuje do Donalda Judda, ojca minimalizmu. Artystka rezygnuje z tradycyjnego piękna, figuratywności i wszelkich treści sentymentalnych.
W tej jednej pracy Hirst uchwycił cykl życia, pokazał, jak uporządkowany jest chaos życia i śmierci.

Trzeba powiedzieć, że czasami Hirst daje się ponieść: Brytyjczyk nazwał kiedyś ataki terrorystyczne w Nowym Jorku z 11 września 2001 r. dziełem sztuki, za co później musiał przepraszać.

Umrę – a chcę żyć wiecznie. Nie mogę uciec od śmierci i nie mogę uciec od pragnienia życia. Chcę chociaż przez chwilę zobaczyć, jak to jest umrzeć.

Hirst najbogatszym artystą świata?

W skrócie: D A.

Czytaj więcej: P przynajmniej tak mówią wszystkie zachodnie publikacje. Całkowity majątek artysty szacuje się na miliard dolarów. Hirst sprzedał całą kolekcję „Beautiful Inside My Head Forever” w Sotheby's za 111 milionów funtów (198 milionów dolarów), bijąc rekord aukcji jednego artysty. Na liście najbogatszych artystów znajdują się także Takashi Murakami, Jeff Koons, Jasper Johns. Nawiasem mówiąc, przybliżona pensja asystentów Hirsta wynosi 32 000 dolarów.

Jak nazywa się styl, w którym pracuje artysta?

Krótki: Neokonceptualizm.

Więcej szczegółów: Neokonceptualizm lub postkonceptualizm to ruch reprezentujący współczesny etap rozwoju konceptualizmu lat 60. i 70. XX wieku. Neokonceptualizm pojawił się w Stanach Zjednoczonych i Europie pod koniec lat siedemdziesiątych. Neokonceptualizm, podobnie jak sztuka konceptualna, jest przede wszystkim sztuką pytań. Sztuka konceptualna współcześnie wciąż stawia fundamentalne pytania nie tylko o definicję samej sztuki, ale także o politykę, media i społeczeństwo. Neokonceptualizm kojarzony jest przede wszystkim z działalnością Młodych Artystów Brytyjskich, którzy głośno deklarowali się w latach 90.

Główne wydarzenia

1991: Charles Saatchi finansuje Damiena Hirsta, a rok później w Galerii Saatchi wystawiana jest jego praca „Fizyczna niemożność śmierci w umyśle kogoś żyjącego” – rekin w formaldehydzie.

1993: Vanessa Beecroft ma swój pierwszy występ w Mediolanie.

1999: Tracey Emin została nominowana do Nagrody Turnera. Częścią jej wystawy jest instalacja „Moje łóżko”.

2001: Martin Creed zdobywa nagrodę Turnera za „The Lights Going On and Off”, pusty pokój, w którym włączają się i wyłączają światła.

2005: Simon Starling zdobywa nagrodę Turnera za Shedboatshed, drewnianą konstrukcję, którą pływał po Renie.

Czy Hirst ma obrazy?

Krótki: Tak.

Więcej szczegółów: Hirst nigdy nie skupiał się na malarstwie, nawet na początku swojej kariery uczęszczał do pionierskiego Goldsmiths College w latach 80. W przeciwieństwie do innych szkół, które przyciągały uczniów, którzy nie mogli dostać się na prawdziwą uczelnię, Goldsmith School przyciągała wielu utalentowanych uczniów i pomysłowych nauczycieli. Goldsmith wprowadził innowacyjny program, który nie wymagał od uczniów rysowania ani malowania.
Ale Hirst nadal ma trzy zastosowania farby.
Pierwszy- to obrazy punktowe, kolorowe kółka, które wyrastają z Jeffa Koonsa. Projekt ten jest nadal realizowany. Pewnego dnia artysta otworzył dokładnie te same wystawy w kilku miastach na całym świecie, których całą przestrzeń obwieszono obrazami z wielobarwnymi kółkami.
Drugi- jest to malowanie wirowe, które polega na obracaniu się koła, na które wylewa się farbę, dzięki czemu farba sama maluje dynamiczne płótno. Najbardziej znaną kreacją w tym stylu był cały Stadion Olimpijski. Hirstowi zlecono udekorowanie areny i wylanie farby w kształcie brytyjskiej flagi, aby uczcić otwarcie igrzysk olimpijskich. Ale jak widzimy, ani jedno, ani drugie nie jest malowaniem, jest to użycie farb bez rysowania.

Osoby krytykujące sztukę współczesną zapominają, że wszelka sztuka była kiedyś nowoczesna.

Trzeci- są to dzieła w stylu Francisa Bacona. Zaczynając od samego Hirsta, mówił, że nie będzie malował, bo jego obrazy będą absolutnie drugorzędne, miał świadomość własnego epigonizmu. Ale z jakiegoś powodu zmienił zdanie i przyniósł swój obraz na osobistą wystawę „Requiem”, która została pokazana tutaj w Pinchuk Art Center w 2009 roku. Oprócz starych prac artysta pokazał nowy cykl malarski zatytułowany „Obrazy Czaszek”. Stali się głównym celem sarkastycznych obelg ze strony krytyków. „Ma się wrażenie, że widz widzi stylizację Bacona wykonaną przez studentkę”– zauważył jeden z nich. Wielu krytyków sztuki współczesnej uważa, że ​​niegdyś, na początku lat 90., Hirst był niekwestionowanym liderem Nowej Sztuki Brytyjskiej i ogólnie stał w czołówce sztuki współczesnej, jednak te czasy już dawno minęły, a dziś wczorajszy artysta awangardowy zamienił się w dostawca ultradrogiego kiczu – w sam raz na gust i umysł oligarchów z Europy Wschodniej i Azji, a obrazy Hirsta są po prostu bezradne.

Hirst ma także obraz „Dla mamy”. Przedstawia owoce i kwiaty, bez aluzji, wspomnień i zagadek. Tylko owoce i kwiaty. Bo odkąd został artystą, matka zawsze mu zarzucała, że ​​syn nie potrafi narysować niczego „normalnego”. Więc napisał, naprawdę, co może być bardziej normalnego niż owoce i kwiaty?

Niedawno wyszło na jaw, że Hirst zamyka się w swojej szopie ogrodowej i potajemnie tam maluje. „Zwierzęta w formaldehydzie nie szokują już widzów; są znacznie bardziej zaskoczone, gdy weźmiesz pędzle i płótno i wrócisz do podstaw”.– komentował swoje działania, haniebne dla współczesnego artysty.

Geniusz czy fikcja?

W skrócie: K Jak powiedziano w Piśmie Świętym: „jeśli umrze, dowiemy się”.

Więcej szczegółów: Hirst jest niewyobrażalnie bogaty i odnoszący sukcesy, a przy tym jest współczesny – to idealna formuła, która wywołuje wiele dyskusji wokół twórczości Brytyjczyka.

Niektórzy krytycy uważają artystę za sztucznie stworzone zjawisko z workiem pieniędzy zamiast głowy. Inni, jak już powiedzieliśmy, piętnują jego malarstwo, wskazując na naśladownictwo Bacona. Najdalej jednak poszedł Julian Spalding, uważa Hirsta za fikcję i po prostu nie-artystę, ironicznie nazywając go oszustem, co z jednej strony świadczy o oszustwie, bo „con” po angielsku oznacza „oszukać”, a z drugiej z drugiej strony jest to skrót od słowa „konceptualizm”, co jest zabawne. Nawiasem mówiąc, „con” w języku angielskim oznacza inne nieprzyzwoite znaczenie, coś w rodzaju „członek”, tak nazywano Billa Gatesa w szkole, więc jeśli spróbujesz utworzyć na pulpicie folder o tej nazwie, nie odniesiesz sukcesu. Spróbuj teraz.
Krytycy z wybrzeża, gdzie trawa jest bardziej zielona, ​​uważają Hirsta za geniusza, który przy pomocy pomysłowości i zaawansowanej technologii wydobywa czystego ducha sztuki z mazi codzienności. Argumentów za tym jest wiele, z których najważniejszym (odnoszącym się do dyskursu historycznego) jest to, że udało mu się stworzyć zupełnie nową sztukę z najstarszego tematu „śmierci”. Z drugiej strony, podczas retrospektywnej wystawy Hirsta w MOMA frekwencja wzrosła o 20 procent. Jakich jeszcze argumentów potrzeba?

Brytyjczyk jest na tyle popularny i kontrowersyjny, że inni artyści tworzą z niego sztukę. Hiszpański rzeźbiarz Eugenio Merino wykonał obiekt przedstawiający samobójstwo Damiena Hirsta: w szklanym pudełku lalka podobna do brytyjskiego artysty klęczy z pistoletem przyciśniętym do zakrwawionej skroni. Obiekt, jak pisze The Daily Telegraph, nosi nazwę „4 the Love of Go(l)d”. W ten sposób nawiązuje do tytułu jednego z najsłynniejszych dzieł Hirsta - wysadzanej diamentami czaszki („Na miłość boską”) i słowa „złoto” – „złoto”: Brytyjczyk uważany jest za jednego z najdroższych artystów na świecie. Merino twierdzi, że jest fanem twórczości Hirsta. Tak mówi o swoim obiekcie: „Oczywiście to żart, ale na tym polega paradoks: jeśli [Hirst] popełni samobójstwo, jego dzieła staną się jeszcze droższe”.

Cokolwiek powiedzą krytycy tego świata, korespondent The Guardian powiedział to najlepiej: „W epoce stworzenia, w świecie rządzonym przez eklektyzm i pieniądze, Hirst jest „artystą, na jakiego zasługujemy”.

Pytanie od menedżera PR Anastasii Kosyrevy

Jaka jest różnica między rekinem w formaldehydzie Hursta a zwierzęciem w formaldehydzie na lekcjach biologii? Dlaczego pierwsza sztuka jest, a druga nie?

Krótki:„Bo pierwszy jest na galerii, a drugiego nie” (c) Hirst

Więcej szczegółów: Hirst oczywiście żartuje, ogólnie jest bardzo zabawną osobą, widać to we wszystkich jego wywiadach. Ale porozmawiamy poważnie.
Instalacja „Rekin tygrysi w formaldehydzie” nosi tytuł „Fizyczna niemożliwość śmierci w umyśle żywych”. Rekin został złowiony przez australijskiego rybaka i sprzedany artyście za 9500 dolarów. A instalacja została sprzedana w 2004 roku kolekcjonerowi Steve’owi Cohenowi za 12 milionów dolarów. Będąc blisko tego rekina, pamiętam tytuł powieści Jonathana Foera „Niezwykle blisko, niesamowicie głośno”. Brzydkie usta rekina są szeroko otwarte, co stwarza efekt warczenia, krzyku, jako symbol bólu umierania. Rozdziawiona paszcza rekina nawiązuje do obrazów ulubionego artysty Hirsta, Francisa Bacona. W ogóle Hirst mógł wziąć dowolne zwierzę, ale wybrał rekina, aby nie szokować społeczeństwa; rekin jest źródłem niebezpieczeństwa i symbolem śmierci. Rekin podwaja śmierć: sam jest martwy i jednocześnie nosiciel śmierci. Najbardziej niezwykłym zjawiskiem wśród rekinów jest kanibalizm wewnątrzmaciczny. Około 70% rekinów ginie w brutalnych walkach w łonie matki.

Ale najważniejsze w tej pracy nie jest rekin ani formaldehyd. Co ważne, instalacja ta umiejscowiona jest w sterylnej, minimalistycznej przestrzeni, ponownie kontynuując tradycję Judd. Skonstruowany schemat kontrastu pomiędzy abstrakcyjną i trwałą formą demonstracji a jej przejściową, obiektywną treścią. Sztuka, „w imieniu”, której działa forma gabloty, spełnia tu swoją tradycyjną funkcję – zatrzymania czasu.

W tej pracy mamy także do czynienia z grą konceptualną, w której przedmiot obrazu jest tożsamy ​​z samym obrazem. Krótko mówiąc, śmierć reprezentuje śmierć. Taka semantyczna wstęga Mobiusa, kiedy sens dzieła zamyka się na sobie, gdy dzieło opowiada o sobie.

Hirst tak mówi o swojej pracy: „Próbuję rozwikłać kwestię śmierci. Ludziom trudno jest zrozumieć własną śmiertelność i wiele moich prac jest o tym. Mój rekin jest próbą opisania tego uczucia, uczucia irracjonalnego strachu przed śmiercią. Dlatego użyłem prawdziwy rekin, tak duży, że mógłby całkowicie połknąć człowieka. I umieściłem go w pojemniku z płynem takiej wielkości, że widz dostałby gęsiej skórki. I to nie jest ponury obraz świata. Wręcz przeciwnie, Miałem nadzieję, że śmierć będzie dla widzów inspiracją i źródłem energii. Pomoże im w uświadomieniu sobie celebracji życia.

Pytanie od redaktor naczelnej Evgenii Lipskiej:

Dlaczego jako główny materiał wybrał motyle? Zabił ich, czy zebrał martwych?

Krótki: 1. W krótkim życiu motyla łatwiej jest pokazać cykl życia, także śmierć motyla jest bardzo wyraźnym pokazem zarówno piękna, jak i okropności.

2. Nie zabił ich własnymi rękami, ale też ich nie zebrał. Motyle zostały przywiezione ze „specjalnych szkółek”, a następnie zdechły własną śmiercią w galerii.

Więcej szczegółów: Najsłynniejsza instalacja artysty, której głównymi bohaterami są motyle, nosi tytuł „Zakochanie i odrzucenie”. Motyle latały swobodnie po galerii, w której znajdowały się także naczynia z kwiatami i owocami. Ponieważ motyle są stworzeniami krótkotrwałymi, padły martwe w samym środku wystawy. Uderzali w obrazy i rozmazywali, tworząc w ten sposób dzieła abstrakcyjne. Zdjęcia okazały się piękne i złowieszcze, ponieważ mówimy o martwych stworzeniach. Następnie posunął się tak daleko, że wykorzystał prawdziwe skrzydła martwych motyli do wykonania witraży do gotyckich katedr. Początkowo zwiedzający nie wiedzieli, że motyle wymierają w trakcie wystawy, co tydzień prezentowano 400 nowych stworzeń. Kiedy opinia publiczna dowiedziała się, że podczas wystawy zginęło 9 tysięcy motyli, zaczęła atakować Hirsta. Przeciwnicy artysty szczególnie podkreślali fakt, że motyle w swoim naturalnym środowisku mogą żyć znacznie dłużej, bo nawet do dziewięciu miesięcy. Jednak przedstawiciele Tate mieli jedną odpowiedź na wszystkie zarzuty: stworzono motylom warunki jak najbliżej ich siedliska. Nawiasem mówiąc, motyle przywieziono w kokonach, urodziły się na wystawie i tam umarły.

Początkowo były to poczwarki rozsiane po całym pomieszczeniu, jednak po zakończeniu procesu metamorfozy urodzone egzotyczne motyle poleciały prosto na ogromne płótna ze świeżymi kwiatami. Motyle przyczepiły się do lepkiego płótna i po chwili zdechły, stając się częścią obrazu. Ponadto na odwrocie gigantycznych płócien przymocowano ogromne popielniczki wypełnione po brzegi niedopałkami papierosów.

Są też serie „Motyle” i „Kalejdoskopy”, gdzie w pierwszym przypadku martwe motyle naklejane są bez użycia kleju na świeżo pomalowane płótno, a w drugim przypadku są one ściśle ze sobą sklejone, tworząc wzory przypominające kalejdoskop.

Trzeba powiedzieć, że motyle nie są jedynym owadem, którego Hirst zamienia w sztukę. Jego praca składa się wyłącznie z much. Oznacza to, że płótno jest pokryte muchami tak gęsto, jak to możliwe, dlatego artysta stworzył własny „czarny kwadrat”.

Pytanie od redaktorki ds. urody Christiny Kilinskiej:

Kto kupił tę czaszkę i za ile?

Krótki: Konsorcjum, w skład którego wchodzi sam Hirst, jego menadżer Frank Dunphy, szef galerii White Cube i słynny ukraiński filantrop Victor Pinchuk za 100 milionów dolarów.

Więcej szczegółów: Instalacja nosi tytuł „Z miłości do Boga” i przedstawia ludzką czaszkę wykonaną z platyny i inkrustowaną diamentami. Według Hirsta nazwa została zainspirowana słowami jego matki, która zwróciła się do niego słowami: „Na miłość boską, co będziesz dalej robić?” („Powiedz mi, co dalej zrobisz?” Na miłość Bożą – dosłownie cytat z Pierwszego Listu Jana: „Albowiem na tym polega miłość Boża” (1 Jana 5, 3)). Czaszka wykonana jest z platyny i przypomina nieco zmniejszoną wersję czaszki 35-letniego Europejczyka żyjącego w latach 1720-1810. Cały obszar czaszki, z wyjątkiem oryginalnych zębów, wysadzany jest 8601 diamentami o łącznej masie 1106,18 karatów. Pośrodku czoła znajduje się główny element kompozycji - różowy diament w kształcie gruszki. Praca kosztowała Hirsta 14 milionów funtów.

W 2007 roku w celach inwestycyjnych grupa inwestorów, w skład której wchodził sam Hirst, jego menadżer Frank Dunphy, szef galerii White Cube i słynny ukraiński filantrop Wiktor Pinczuk, kupiła czaszkę za 50 milionów funtów (100 milionów dolarów). . To rekordowa cena zapłacona za dzieło żyjącego artysty.

„Na miłość Pana” to synteza kiczu, pop-artu, klasyki i odwiecznego tematu śmierci. Czaszka jest niezwykle wizualną realizacją klasycznego motywu sztuki zachodniej Vanitas vanitatum – artysta pokazuje, że zarówno pieniądz, jak i luksus to rozkład i marność.

W istocie praca ta jest dość dowcipną repliką Hirsta na temat jego własnego komercyjnego sukcesu: zamiast nieśmiało go ukrywać, artysta się nim obnosi – inwestując w stworzenie przedmiotu za 15 milionów funtów. A fakt, że tym przedmiotem jest czaszka, tylko podkreśla triumf religii złotego cielca we współczesnym świecie.

Środowisko artystyczne nie doceniło jednak odkrywczego aspektu nowych dzieł angielskiego artysty. W epoce sztuki zaangażowanej etycznie i politycznie Damien Hirst stał się postacią odrażającą, a właściwą reakcją osób wtajemniczonych na wspomnienie jego nazwiska jest grymas ironii, irytacji i znudzenia.

Sam Hirst to mówi „ten przedmiot symbolizuje bogactwo i wartość życia” i dodaje „Nawiasem mówiąc, diamentowe czaszki opowiadają także o tym, jak dekorowanie śmierci to świetny sposób na pogodzenie się z tym pomysłem”.

Moja wiara w sztukę niewiele różni się od fanatyzmu religijnego. Wszyscy potrzebujemy czegoś, co umożliwi poruszanie się w ciemności.