Si ndryshon një pikturë nga një fotografi? Balerinat janë tërhequr, ky është Degas. Sfondi është si i filmit “The Lord of the Rings”, me një mjegull të lehtë blu
"Kam kuptuar shumë kohë më parë se për kritikët e artit, vetë-shprehja është më e rëndësishme sesa thelbi."
Eldar Ryazanov
“Pse unë, djali i një piktori të famshëm nga Moska, po kaloj fëmijërinë dhe rininë time mes artistëve, në koleksionin e të cilëve më shumë pikturë dhe grafika se në të tjerat muzeu rajonal, a duhet të dëgjoj kritikët e artit që nuk kanë mbajtur as një furçë në duar?”
Alexander Gremitskikh
Wikipedia e përkufizon termin "foto" në lidhje me pikturën si "një vepër arti që ka një karakter të plotë (në krahasim me një skicë ose skicë) dhe të pavarur vlera artistike." Konceptet e "studimit", "skicës" dhe "skicës" në lidhje me pikturën përgjithësisht grumbullohen së bashku në Wikipedia dhe reduktohen në një koncept - skicë, material përgatitor për pikturën aktuale të artistit.
Le të shohim nëse kjo është e vërtetë në praktikë:
Duhet thënë se e gjithë terminologjia artistike u zhvillua në shekullin e 19-të, nëse jo edhe më herët. Në ato ditë, jo vetëm këtu, por në të gjithë Evropën, njerëzit e denjë duhej të flisnin ekskluzivisht në frëngjisht, siç dëshmohet nga terminologjia e përdorur ende në pikturë. Pra, fjala "studim" vjen nga frëngjishtja "étude", dhe "skicë" - nga frëngjishtja "esquisse", për shembull. Klientët e piktorëve jetonin kryesisht në ambiente shumë të bollshme, për të mos thënë më pak, që kërkonin dekorim me telajo të mëdha, të cilat natyrshëm ishin të pamundura të pikturoheshin nga jeta. Është e qartë se në kushte të tilla vlerësohej vetëm produkti përfundimtar - fotografia e madhe (por, nga rruga, ai paguhej ekskluzivisht). Meqenëse askujt nuk i kishte shkuar në mendje që t'i varte në mur veprat nga natyra, të cilës i përkasin skicat, në mënyrë rigoroze, ishte e pamundur të merreshin para për to, dhe për këtë arsye, nëse ato pikturoheshin, ishte vetëm si mbështetëse vizuale. material për disa piktura të mëdha dhe kishte edhe më pak rëndësi se skicat, të cilat ishin shkruar me kujdes pasi duhej t'i dorëzoheshin klientit për miratim.
Këtu, nga "koha e Ochakovit dhe pushtimi i Krimesë", emigruan përkufizimet e vjetruara prej kohësh. terma artistikë në Wikipedia! Po, dhe në fjalorë të tjerë, mjerisht, gjithashtu, dhe prej andej - në kokat tona.
Megjithatë, nga fundi i shekullit të 19-të shekulli, me demokratizimin e shoqërisë, pikëpamjet se cili mund të jetë produkti përfundimtar në pikturë, si të thuash, kanë ndryshuar në mënyrë dramatike. Nëse impresionistët francezë u fajësuan ende për skicën e veprave të tyre, atëherë A.K. Savrasov inkurajoi studentët e tij që të "mësojnë nga natyra". Nga artistët rusë, Konstantin Korovin, për shembull, u bë i famshëm pikërisht për skicat e tij nga natyra, ai praktikisht nuk pikturoi fare piktura tematike. Ne jetojmë tashmë në shekullin e 21-të, por në lidhje me pikturën vazhdojmë të përdorim një kuptim të terminologjisë së saj nga 200 vjet më parë, një paradoks, dhe kaq!
Keqkuptimi i termave më të thjeshtë të pikturës, të përdorura në të folurin e përditshëm, në bazë të një kuptimi kaq të lashtë të tyre, të imponuar qëllimisht në publikun e gjerë nga kritikë të respektuar të artit, të cilët, siç është fare e qartë, nuk kuptojnë asgjë në mënyrë PROFESIONALE për artin, mund të vënë një person i zakonshëm në një rrugë pa krye. Prandaj, në këtë artikull do të doja të shqyrtoja termat kryesore të përdorura në pikturë në lidhje me situatën tonë bashkëkohore.
KUPTIMET E FJALËS "SHKRUAR"(me theks në rrokjen e dytë, sigurisht)
Në rusisht, fjala "shkruaj" ka kuptimin bazë të "shkrimit të shkronjave dhe numrave". Në pikturë, profesionistët përdorin fjalën "pikturimi i një pikture" si term. Nëse një artist thotë: "Unë pikturova një foto", atëherë në këtë rast ai nuk përdor terminologji profesionale, por thjesht flet në gjuhën e përditshme, si p.sh. njerëzit e zakonshëm, nuk ka lidhje me veprimtari artistike. Në kuptimin terminologjik, pikturojnë me qymyr, sanguinë, laps, pastel, por jo pikturë vaji. "Kjo pikturë e artistit është pikturuar në vaj," mund të thotë vetëm një person larg pikturës. Dhe nuk ka asgjë të tmerrshme për këtë, nuk është aq e rëndësishme. Gjithashtu nuk ka rëndësi që ju nuk e dini se çfarë është e kuqja e kraplak ose e verdha e kadmiumit dhe nuk keni dëgjuar kurrë për ndonjë umber ose siennë të djegur. Titujt bojëra artistike, të cilat tregojnë me saktësi ngjyra të caktuara (në fund të fundit, e kuqja, e verdha dhe bluja janë të ndryshme), nuk është absolutisht e nevojshme që një jo-specialist ta dijë, dhe historianët e artit nuk shkelin terma të saktë të tillë të ngushtë profesional.
Por këta zotërinj që “njohin artin”, ose, thënë më thjesht, kritikët, pra gazetarët që shkruajnë për artin, u kanë imponuar me sukses të gjithë njerëzve të tjerë idenë e rreme se arti, thonë ata, “duhet të kuptohet”. Kush di për artin? Sigurisht, askush përveç kritikëve të artit!
Kështu, ne u shpjeguam me sukses se në Arte të bukura Unë dhe ti nuk dimë dhe nuk kuptojmë asgjë. Dhe gjëja më interesante është se ne jemi plotësisht dakord me këtë! Kë mund të pyesni: "Unë nuk e kuptoj pikturën", "Unë nuk e kuptoj artin"..., dhe gjëra të tilla.
Çfarë ka, në të vërtetë, për të kuptuar? Arti, përfshirë artin e bukur, është krijuar për ne, njerëzit e zakonshëm, dhe jo për "specialistët", ai apelon në estetikën e natyrshme për të gjithë ne nga natyra. Në art, për shikuesin, lexuesin, dëgjuesin, ekzistojnë vetëm dy kritere - pëlqimi dhe mospëlqimi. Do të lexoni një libër të mërzitshëm? Shikoni film i keq apo një shfaqje? Do të dëgjoni opera, muzikë apo një këngë që nuk ju pëlqen? A e konsideroni Kazimir Malevich një artist të shkëlqyer, dhe Velimir Khlebnikov - një poet i shkëlqyer? Jo? Bravo! Ju keni një kuptim të madh të artit!
Por në mënyrë që ju dhe unë të mundemi, siç tha Pjetri I, "të njihemi nga budallenjtë e tjerë injorantë", është ende e nevojshme të kuptohen disa terma të zakonshëm që gjenden shpesh në të folurit e përditshëm, që lidhen në këtë rast me pikturën. .
MATERIAL PËR PIKTURËN E ARTISTIT
Jo-profesionistët, me sugjerimin e po atyre kritikëve të artit, zakonisht e besojnë këtë foto reale piktura me vaj duhet të pikturohet ekskluzivisht në kanavacë, dhe bazat e tjera si kartoni i artit në përgjithësi nuk meritojnë vëmendje. Atëherë "Mona Lisa" nuk duhet të konsiderohet as një pikturë, sepse Leonardo përdori dërrasat e blirit për punën.
Kartoni, i prerë në mënyrë që bojërat të mos përthithen në të, me një përbërje të bardhë, i ashtuquajturi abetare i përbërë nga shkumës dhe ngjitës, ose një abetare me ngjyrë nëse artisti e kërkon, domethënë kartoni i veçantë arti, është çuditërisht i përshtatshëm për duke punuar, veçanërisht në ajër të pastër. Kartoni është një material kompakt, mjaft i dendur që nuk kthehet nën presionin e furçës, ndryshe nga kanavacë. Kanavacë, nën ndikimin e ndryshimeve të temperaturës dhe lagështisë në dhomë, ose ulet ose shtrihet, prandaj, bojërat në të shkërmoqen me kalimin e kohës, por jo në karton. Pikturimi në karton është po aq i qëndrueshëm sa vetë kartoni, dhe kartoni madje tejkalon kanavacën në qëndrueshmëri.
E njëjta gjë mund të thuhet për kartonin e fortë, megjithëse është shumë më i rëndë se kartoni. Artistët sovjetikë shpesh e lyenin vetë pllakën e ngurtë, ose edhe thjesht, për ta bërë më të përshtatshme për të pikturuar dhe për të mos rikthyer furçën, ata e ngjitnin posaçërisht kanavacën e përgatitur në pllakë të fortë. Ja ku qenke shembull i ndritshëm, një natyrë e qetë me jargavan me madhësi mjaft foto:
Po telajo? Artistët ekskluzivisht me të Perandoria Ruse punoi deri në vitin 1862, kur industria ruse filloi të prodhonte karton artistik.
Kanavacë kërkon një barelë të rëndë plus një shtrirje të mirë të kanavacës mbi të. Në këtë rast, duhet të prisni një kohë të gjatë që boja të thahet pas përfundimit të punës, përndryshe kanavacja nuk mund të rrotullohet, pasi bojërat e lagura do të ngjiten së bashku dhe piktura do të prishet plotësisht. Bojrave mund të duhen një muaj të tërë për t'u tharë. Këtu artisti fillon të ketë pushim të detyruar. Për transport, piktura, nëse është e madhe, hiqet nga barela dhe rrokulliset me kujdes në një babinë të madhe me pikturën nga lart, në mënyrë që të mos dëmtohet piktura. Faza tjetër është pas dorëzimit në vend, shtrijeni përsëri kanavacën në barelë, në mënyrë korrekte, pa shtrembërime, rrudha në qoshe dhe varje, por edhe pa tension të tepruar (e gjithë kjo mund të dëmtojë gjithashtu shtresën e pikturës). Dhe me kalimin e kohës, kanavacë e shtrirë në një barelë, nën ndikimin e ndryshimeve të lagështisë dhe temperaturës, mund të ulet ose, përkundrazi, të shtrihet shumë, gjë që madje mund të kërcënojë të këputë kanavacën. Kjo, nga ana tjetër, mund të bëjë që shtresa e bojës të bjerë, duke shkatërruar ose shkatërruar pikturën. Kjo është arsyeja pse në salla dhe depo muzetë e artit kështu që ata monitorojnë rreptësisht qëndrueshmërinë e lagështisë dhe temperaturës.
Kartoni artistik ka shumë përparësi. Është i lehtë dhe kur del jashtë mund të vendoset në një kornizë të veçantë druri me kapëse, e cila ka një dorezë rripi sipër për mbajtje. Ideja e kësaj pajisjeje të dobishme jepet nga një vizatim i ruajtur në letrat e babait tim të një kornize të tillë për skica, të cilën babai im e porositi nga një marangoz. Këtu është vizatimi:
Ndonjëherë një piktor merr me vete dy copa kartoni për skica. Fillimisht përdoret një dhe më pas nëse
ka ndryshuar ndriçimi ose disponimi, ose ndonjë motiv tjetër ka tërhequr vëmendjen, artisti merr një karton të dytë dhe shkruan mbi të. Pasi mbaroi punën, i kthen brenda kornizës kartonat, ende të papërpunuara me lyerje dhe i siguron me kapëse. Kartonat nuk prekin njëra-tjetrën. Piktura mbetet e paprekur dhe e padëmtuar. Do të thahet në punëtori.
Prandaj, pas vitit 1862, kur u krijua prodhimit industrial kartonin artistik të përgatitur, piktorët gradualisht filluan të përdorin kartonin gjithnjë e më shumë.
Zotërinj kritikë arti, të cilët nuk dinë asgjë për të gjitha këto dhe nuk kanë shkruar vetë asnjë skicë, e trajtojnë kartonin artistik me përbuzje, për disa arsye duke e konsideruar pikturën në karton si të pambaruar, duke u bazuar vetëm në faktin se kryesisht është shkruar. në skica kartoni, të cilat, siç do të shohim më poshtë, janë gjithmonë të përfunduara, punime të punuara me kujdes, shpeshherë që kërkojnë shumë punë. Madje, u shpik edhe fjala “studim”, e përdorur si sinonim i papërfundimit, neglizhencës dhe...paplotësimit! Por më lejoni të pyes, çfarë lidhje ka pakujdesia e ekzekutimit apo paplotësia e tablosë me atë që është pikturuar? Dhe a nuk ka skica në kanavacë?
Meqë ra fjala, piktura është në stilin e realizmit socialist Artist sovjetik Nikolai Ovchinnikov "Në katin e dyqanit", i cili në shtator 2016 V.V. Putini i bëri D.A. si dhuratë për ditëlindje. Medvedev është shkruar në karton.
Në mënyrë të rreptë, kjo nuk është një pikturë, por një skicë në shkallë të plotë e bërë nga artisti direkt në punëtorinë e fabrikës, por kjo terminologji do të diskutohet më poshtë.
Gjëja më e rëndësishme nuk është materiali mbi të cilin është aplikuar piktura, por mënyra se si artisti ka mundur të pasqyrojë realitetin, gjendjen shpirtërore, ndjenjat e tij dhe t'i përcjellë ato te shikuesi. Materiali bazë, qoftë kanavacë, karton, karton, letër, dërrasë apo edhe hekur i hollë i galvanizuar, nuk ka asnjë lidhje me këtë. Talenti, përvoja dhe një shkollë e mirë artistike janë të rëndësishme. Ata thonë se në Abramtsevo S.I. Mamontov dikur ndryshoi çatinë e shtëpisë së tij. M.A. Vrubel mori një copë hekuri dhe shkroi jargavan mbi të. Pra, tani, ky nuk është Vrubel?
Këtu është "Portreti i D.P. Smirnova, punëtor i fabrikës Trekhgornaya, deputet i Sovjetit Suprem të BRSS".
veprat e artistit sovjetik Sergei Fedorovich Solovyov. Është bërë edhe në hekur të galvanizuar. Portreti, për shkak të përmasave të tij më shumë se modeste prej 37,5 x 31,5 cm dhe një titulli të tillë zyrtar, është padyshim një studim në shkallë të plotë për një portret të madh të porositur të një njeriu kryesor në prodhim. Me sa duket, kur modeli erdhi në studion e artistit për të pozuar, ai nuk kishte asgjë tjetër në dorë, kështu që ai pikturoi një të vogël krejtësisht të përfunduar. portret femëror, e cila më pas, ndoshta me disa ndryshime të vogla, u transferua në një kanavacë të madhe.Ndonjëherë, për shkak të mungesës së gjithçkaje në atë kohë, artistët sovjetikë pikturuan me bojë vaji edhe në letër që nuk ishte aspak e destinuar për këtë. Kjo është ajo që babai im bënte ndonjëherë, veçanërisht. Pastaj, pas vdekjes së babait tim, më duhej ta ngjisja këtë letër në karton. (Letër "Snow Fall" në karton, vaj; 61.5x82; 1969)
Po pse, edhe në cohë nga çanta të grisura shkruanin! Dhe funksionoi mirë!
Për shembull, puna e babait tim është "Kryetar". Historia e saj është kjo: babai i saj mori një udhëtim pune në një nga fermat kolektive në Altai, diku afër Biysk, me detyrën për të shkruar kryetarin atje, një Hero të Punës Socialiste. Në fermën kolektive, natyrisht, nuk kishte asnjë kanavacë, aq më pak një astar, kështu që babai im hapi një thes të madh, e shtriu në një barelë të improvizuar që u vendos menjëherë, e përgatiti cohën me astar dhe pikturoi një portret të kryetarit. Më pas, 50 vjet pas ngjarjeve, më duhej ta tërhiqja këtë vepër në një barelë tashmë normale.
Ose këtu peizazh vjeshte"Vjeshta Crimson", shkruar nga babai im diku në një fshat të largët, duke përdorur gjithashtu një teknologji të ngjashme:
Kështu: NËSE PO PIKTURONI NJË PIKË TË MADHËN SHUMËMETRA, dashje pa dashur do t'ju duhet ta pikturoni atë në pëlhurë EKSKLUZIVËSË PËR KONSIDERATA TË TRANSPORTIT MË TË PARË, dhe jo që të ketë vlerë artistike!
Në raste të tjera, nuk ka rëndësi se çfarë të shkruani, përndryshe të parat e blera nga P.M. Tretyakov dy ETUDE nga M.A. Vrubel në karton, pa marrë parasysh vlera artistike nuk kishte asnjë ide.
SKICA DHE SKICA
Një skicë është, në fund të fundit, çfarëdo që të thoni, një skicë plotësisht e përfunduar, relativisht e vogël në përmasa në shkallë të plotë punë që është bërë në ajër të hapur (peizazh) ose, të themi, në studio (fat natyrë, portret) dhe është një vepër krejtësisht e pavarur. Sidoqoftë, skicat mund të përdoren gjithashtu në të ardhmen për të pikturuar një tablo të madhe, ndonjëherë edhe një kanavacë të madhe me shumë metra, e cila është e mundur vetëm në punëtori. Një skicë, veçanërisht për peizazhet, më së shpeshti ka përmasa, përafërsisht, jo më shumë se 60 me 80 cm, domethënë një madhësi e përshtatshme për t'u mbajtur nga një person. Këtu është një shembull i një skice të tillë në shkallë të plotë:
Skica mund të jetë një studim me një seancë, i shkruar në një seancë, domethënë në një ditë. Por kjo ndodh mjaft rrallë, shumë më shpesh etydi kërkon disa, apo edhe shumë seanca. Një skicë me shumë sesione, veçanërisht nëse është një peizazh në shkallë të plotë, ndonjëherë kërkon disa vite punë. Kjo zakonisht ndodh kur moti ndryshon ndjeshëm dhe për një kohë të gjatë, dhe gjendja e dëshiruar tani do të shfaqet vitin e ardhshëm. Epo, për shembull, ju shkruani vjeshtë e artë Në diellin e ndritshëm, kanë mbetur edhe disa seanca, por këtu bie shi për një muaj të tërë, dhe në mënyrë të pashmangshme do të duhet të vijmë në këtë vend vitin e ardhshëm.
Kështu, një skicë është një punë në shkallë të plotë, një vepër arti e përfunduar për të cilën piktori shpenzoi një sasi të mjaftueshme pune, domethënë, në gjuhën e përditshme, një pikturë e përfunduar në vaj është relativisht madhësia e madhe.
Sigurisht, ka edhe skica të papërfunduara, por një pikturë e madhe me shumë metra mund të jetë e papërfunduar. Pra, siç e shohim, ideja e kritikëve të respektuar të artit se një skicë është padyshim diçka e papërfunduar dhe me vlerë të parëndësishme artistike, e cila, për fat të keq, na ka ngulitur fort në kokë dhe ajo që pasqyrohet, mjerisht, edhe në fjalorë. , sot prej kohësh nuk ka as bazën më të vogël.
SKICA
Një skicë ndryshon nga një skicë në atë që është bërë gjithmonë vetëm në përgatitje për një pikturë të madhe tematike ( përbërje me shumë figura në një temë specifike. "Mëngjesi i Ekzekutimit Streltsy" nga Surikov, për shembull). Plotësia nuk është gjithmonë e pranishme në skicë dhe në këtë rast ka karakterin e një skice. Le të krahasojmë dy skica me punë të mëdha Artistja sovjetike Claudia Tutevol. Në rastin e parë, skica është bërë për vete, si një material pune (Skicë e një paneli për pavionin Hapësirë në VDNKh)
Në rastin e dytë (Skica e tavanit të tavanit të Teatrit të Operas dhe Baletit Abay në Almaty), skica është bërë për miratim nga këshilli artistik, siç dëshmohet nga nënshkrimet dhe vulat në pjesën e poshtme dhe të sipërme të majtë të skicës. Prandaj, është plotësisht i mbaruar dhe i përfunduar, pa skicë, d.m.th. Këtu nuk ka erë neglizhence apo punë të papërfunduar. Në arkitekturë, për shembull, ky do të ishte një model i strukturës përkatëse arkitekturore.
Një skicë për një pikturë mund të jetë një imazh i përfunduar plotësisht, madje i vizatuar ose vizatuar me kujdes, i një dore, këmbë, veshi, fytyre, figurë ose kokë të një personi, kali, qeni, kafshë të tjera, apo edhe një traktori, kamioni, çdo objekt, apo veshje, çdo gjë brenda ky moment Piktori është i interesuar, në përgjithësi, për çdo gjë që mund të përfshihet në pikturën e madhe të ardhshme të artistit. Për më tepër, e gjithë kjo ndonjëherë mund të përshtatet në të njëjtën copë kanavacë, kartoni ose kartoni.
Skica të tilla, ndonjëherë të papërfunduara, të pakujdesshme, të ekzekutuara me ngut, quhen edhe skica, domethënë ato që artisti, në procesin e konceptimit të një kompozimi të madh me shumë figura, "skicoi" në një fletë letre, karton, kanavacë, etj.
Veç kësaj, skicat quhen edhe skica të shpejta të bëra nga artisti spontanisht, nën ndikimin e momentit. Një shembull është skica nga V.G. Gremitskikh "Larg" letër 25.5x17, laps; 1940.
V.G. Letër Gremitskikh "Larg", laps; 25.5x17; 1940 |
Siç e shohim, artisti, në letrën e parë ambalazhi që i erdhi në dorë, vetëm për vete, ka skicuar me një laps të thjeshtë, gjithashtu me sa duket kishte hasur në një skenë zhanri që po vëzhgonte.
Por artisti i Moskës Igor Radoman pikturoi babanë tim duke pushuar në një shtrat diku në shtëpinë e artistëve "Academic Dacha":
Artistët në të gjitha llojet e takimeve dhe takimeve që ishin të shumta në kohët sovjetike mërziteshin vazhdimisht dhe argëtoheshin duke bërë skica me laps për njëri-tjetrin. Kam shumë skica të ngjashme në koleksionin tim nga artistë të ndryshëm.
Një skicë mund të bëhet jo vetëm me laps, por edhe me bojëra vaji, sanguinë, pastel, qymyr, stilolaps e çdo gjë, qoftë edhe me stilolaps, sepse një artist i vërtetë nuk mund të jetojë asnjë minutë pa profesionin e tij. Për artistët realistë, kjo është thjesht një lloj manie profesionale në nivelin e një refleksi të kushtëzuar, që kërkon trajnim të vazhdueshëm, përmirësim të aftësive, që në fakt dallon një artist të vërtetë, i cili i kushton gjithë jetën e tij artit çdo ditë dhe çdo orë. , nga të ashtuquajturit artistë "modernë" dhe artistë avangardë, të cilët nuk keni nevojë të jeni në gjendje të bëni asgjë, dhe për këtë arsye nuk kërkohet trajnim - nuk ka aftësi, nuk ka asgjë për të rrahur, thjesht pikturoni katrorë dhe trekëndëshat!
Nga rruga, një skicë, në varësi të kohës që artisti duhet ta përfundojë atë, mund të kthehet në një vizatim plotësisht të përfunduar. Këtu kemi përfunduar plotësisht portret fëmijësh me laps "Volodya në lojë" nga piktori Murom Vasily Vasilyevich Serov, por megjithatë, kjo është një skicë!
Skicat janë një ndihmë në procesin e punës së artistit në një të madhe foto tematike. Skicat bëhen jo vetëm në vaj, por edhe në qymyr ose laps, tempera etj. Përveç kësaj, skica mund të përmbajë të gjithë të ardhmen e madhe pikturë me shumë figura artist.
Si shembull, mund të citojmë dy skica për pikturën e madhe tematike "Komandantët e Luftës Civile" të artistit sovjetik Grigory Gordon, e cila, në fakt, është një portret grupor i komandantëve të kuq më të famshëm të Luftës Civile.
Në fillim, piktori vendosi thjesht t'i rreshtonte të gjitha në sfondin e një pankarte të kuqe,
por më pas kjo përbërje iu duk e mërzitshme dhe ai vendosi ta ndërlikonte disi:
Siç mund ta shohim, në këtë rast skicat janë bërë në tempera, dhe përveç kësaj, pavarësisht skicitetit të të dy veprave, d.m.th. paplotësia dhe pakujdesia në dukje e ekzekutimit, të gjithë heronjtë e pamjes së madhe të ardhshme janë mjaft të njohur. Ne shohim qartë Voroshilov, Budyonny, Shchors, Frunze, Chapaev, Parkhomenko, etj.
Dhe këtu është një skicë për pikturën e madhe tematike "Arrestimi i Alexander Ulyanov" nga artisti i përmendur tashmë Murom V.V. Serova:
Natyrisht, rezultati ka shumë të ngjarë të ndryshojë nga plani origjinal. Një artist i vërtetë, si rregull, nuk nxjerr kurrë një gjë të re nga koka e tij. Ai vazhdimisht thellohet në temën që i intereson. E mendon mirë, ndryshon mendje, vëzhgon shumë, lexon literaturën përkatëse. Nëse piktura tematike e ardhshme përmban një peizazh, shkruhen skica përkatëse nga natyra, të cilat më pas, zakonisht në një formë pak të modifikuar, transferohen në pikturë. Ndonjëherë detajet individuale nga disa skica në shkallë të plotë transferohen menjëherë në një pamje më të madhe.
Sidoqoftë, një skicë në shkallë të plotë, në ndryshim nga një skicë dhe skicë, është një vepër, siç e kemi parë tashmë, e pavarur dhe domosdoshmërisht plotësisht e përfunduar. Këtu është një shembull i gjallë për ju. Pasi mori një porosi për një pikturë të madhe tematike "Lenini dhe Gorki në Gorki", babai im posaçërisht në pranverën e vitit 1952 udhëtoi shumë herë në Leninskie Gorki afër Moskës dhe pikturoi dy skica të mëdha atje, të dyja në kanavacë. Së pari, “Gorki. Pranvera. kanavacë, vaj; 60x80 cm",
dhe më pas - “Në Gorki Leninsky, vaj në kanavacë; 78.5x57 cm."
Më pas, në pikturën e madhe përfundimtare, babai im mori si bazë skicën e dytë, i zhvendosi pak hapat dhe vendosi Maksim Gorkin duke folur me Leninin përpara tyre. Nga skica “Gorki. Pranvera." ai mori në sfond gjendjen e mëparshme të natyrës, duke reduktuar ndjeshëm vetë peizazhin me belveder në krahasim me figurat qendrore. Megjithatë, të dyja skicat, secila në vetvete, përfaqësojnë një peizazh të pavarur parku plotësisht të kompletuar, jo të ndryshëm nga peizazhet e tjera të shumta natyrore të babait tim. Nëse nuk do ta kisha treguar këtë histori këtu, ju, edhe sikur të kishit qenë tri herë kritik arti, nuk do ta kishit marrë me mend se të dyja këto vepra janë përdorur për të krijuar një pikturë të realizmit socialist, apo jo? Pra, si mund të themi se skicat nuk kanë karakter të plotë dhe rëndësi të pavarur artistike? (Mos harroni përkufizimin në Wikipedia).
Një pikturë e madhe tematike me shumë figura kërkon një punë të madhe dhe të gjatë mbi të, praninë sasi e madhe skica dhe skica. Është pikturuar ekskluzivisht në studio, shpesh gjatë shumë viteve. Merrni, për shembull, A. A. Ivanov me pikturën e tij të madhe "Shfaqja e Krishtit te njerëzit", në të cilën artisti punoi për njëzet vjet - nga 1837 deri në 1857, ose Vasily Surikov, i cili punoi në secilën prej pikturave të tij për tre deri në pesë. vjet.
CILI ËSHTË DALLIMI ndërmjet FIGURËS dhe STUDIMIT?
Një skicë, duke qenë një vepër arti e pavarur dhe plotësisht e përfunduar, ndryshon nga një pikturë kryesisht në atë që është pikturuar nga jeta. Fotografia është pikturuar ekskluzivisht në studio në bazë të një sasie të madhe materiali - etyde, skica, skica, skica me laps dhe fotografi. Ndonjëherë ju duhet të studioni nje numer i madh i letërsi dhe revista periodike, ndërsa komploti, pra tema e tablosë, është shpikur nga vetë artisti, ose diktuar nga klienti. Dhe ajo që është më e rëndësishmja, piktura gjithmonë mishëron QËLLIMIN PARAPRAK TË ARTISTIT, ndërsa skica SHKRUAR KRYESISHT SPONTANE – artisti merr skicën dhe shkon të kërkojë një motiv, d.m.th. lloji që do të shkruajë. Aty ku e pa, ndaloi aty dhe shkroi.
Etydet e shkruara posaçërisht për krijimin e pikturave të mëdha tematike nuk bëjnë përjashtim. Në rastin për të cilin fola më lart, babai im së pari gjeti një belveder në Leninsky Gorki, vendosi që ai të vendoste Leninin dhe Gorkin para tij dhe vetëm atëherë pikturoi dy skica nga jeta me këtë belveder.
Në thelb mund të thuhet se gjithçka që shkruhet nga jeta është një skicë, qofshin peizazh, natyrë të qetë apo portret, dhe gjithçka që kërkon një plan paraprak, punë afatgjatë me materiale përgatitore të shumta dhe të larmishme është pikturë.
Një pikturë mund të quhet padyshim një kanavacë epokale me përmasa të mëdha, dhe nganjëherë thjesht të mëdha. Kishte një artist të tillë Henryk Ipolitovich Semiradsky. Kështu ai pikturoi piktura aq të mëdha sa në studio ato u pezulluan nga tavani dhe arritën në dysheme, dhe, ki parasysh, kjo nuk ndodhi në një hrushov. Prandaj, akademiku dhe profesori i Akademisë Imperiale të Arteve duhej të ngjiste vazhdimisht shkallët, ai ndonjëherë kishte vepra kaq të mëdha. Në G.I. Semiradsky kishte kryesisht piktura të mëdha me fantazi tema antike, parcelat e të cilave ia hoqi nga koka, sepse jeta reale Greqia e lashte Natyrisht, ai nuk mund ta vëzhgonte Romën gjatë kohës së perandorit Neron me sytë e tij.
Sidoqoftë, piktura mund të jetë mjaft modeste në përmasa, veçanërisht për pikturat e zhanrit, domethënë pikturat e artistëve që përshkruajnë skena të përditshme. Për shembull, e famshmja "Ndeshja e një majori" nga Pavel Fedotov ka një madhësi mjaft të skicuar - vetëm 58.3x75 cm, por, siç e kuptoni, qartë nuk ishte pikturuar nga jeta direkt në dhomën e ndenjes së një tregtari.
Një tablo historike në përgjithësi është një gjë ekskluzivisht fantazi. Të dy vëllezërit Vasnetsov, për shembull, shkruan në materiale historike, por shumë të ndryshme. Njëri rikrijoi jetën dhe arkitekturën e Moskës në 14 dhe shekujt XVII, një tjetër mori për bazë përrallat dhe epikat popullore ruse. Por nëse Apollinaris, seriozisht, nivel shkencor, i cili ishte i angazhuar në histori dhe arkeologji, ishte anëtar i shoqërive të ndryshme historike dhe arkeologjike, duke qenë një mbështetës i pasionuar i përhapjes së njohurive të historisë, u përpoq të rikrijonte jetën dhe pikëpamjet e Moskës mesjetare "siç ishte" në bazë të dokumentet e lashta dhe rezultatet e gërmimeve arkeologjike, në të cilat ndonjëherë ai merrte pjesë personalisht, pikturat e vëllait të tij më të madh, Victor, ishin tashmë të një natyre thjesht fantazi.
Pikturat e betejës hyjnë në të njëjtën kategori. T'i pikturosh ato nga jeta direkt në fushën e betejës, siç e imagjinojnë disa zonja nga historia e artit, është thjesht qesharake. Piktori i famshëm rus i betejës V.V. Vereshchagin, i cili personalisht vëzhgoi shumë beteja, dhe ndonjëherë edhe mori pjesë drejtpërdrejt në to, pikturoi pikturat e tij vetëm nga kujtesa, natyrisht në studio, duke u mbështetur në skica të shumta që ai bëri në teatrot e operacioneve ushtarake. Për më tepër, Vasily Vasilyevich lexoi shumë, intervistoi dëshmitarë okularë, shpenzoi shumë para për rekuizita - bleu armë, uniforma, pajisje, të cilat më pas i nxori nga jeta, duke përgatitur kështu skica për pikturat që kishte në mendje.
Pikturat e mëdha që përshkruajnë peizazhe nuk janë gjithashtu gjëra reale, por të shpikura nga artisti nga koka e tij dhe të bëra në bazë të skicave nga natyra. Një herë më ka ndodhur të shoh një skicë, me përmasa afërsisht 60 me 80 cm, në bazë të së cilës I.I. Shishkin pikturoi pikturën e tij të famshme të madhe "Thekra" tashmë me përmasa 107 me 187 cm Skica ishte në kanavacë dhe përshkruante gjithçka njësoj si në foto, vetëm se rruga nuk shkonte drejt e nga shikuesi te pishat, por disi anash. numri i pishave ishte i ndryshëm. Në këtë rast, skica nga natyra shërbeu qartë si bazë për krijimin e një pikture të madhe me një peizazh, por ajo vetë përfaqëson një vepër plotësisht të përfunduar dhe të punuar me kujdes.
Kështu, ne mund të flasim jo vetëm për një skicë për një pikturë, por edhe për një skicë për një pikturë, nëse skica është shkruar posaçërisht për të. Më shpesh kjo ka të bëjë me peizazhin. Nëse I.I. Shishkin u kufizua në skicën e përmendur më lart, dhe për disa arsye nuk shkroi një vepër në shkallë të gjerë bazuar në të, tani kritikët e artit do Galeria Tretyakov u mburr me pikturën e I.I. Shishkina "Thekra" 60x80 cm, pa dyshuar se kjo është një skicë në shkallë të plotë.
LE TË PËRMBLEDhim:
Një pikturë, ndryshe nga një skicë, kërkon domosdoshmërisht një plan paraprak nga artisti, të menduarit afatgjatë dhe dallohet gjithmonë nga ekzekutimi dhe përfundimi i kujdesshëm, si të thuash, i shkruar. Një pikturë e çdo madhësie pikturohet gjithmonë nga artisti në studio mbi bazën e një larmie materialesh: fotografi, skica përgatitore dhe skica dhe, nëse është e nevojshme, bazuar në skica të shkruara paraprakisht nga natyra. Një pikturë, qoftë edhe e vogël, aq më pak e madhe, pikturohet gjithmonë jo në ajër të pastër, edhe nëse është një peizazh (provoni të mbani një kolos të tillë me vete në një fushë apo pyll!), por në studion e artistit. Një pikturë e madhe sigurisht që është pikturuar në kanavacë, gjë që nuk është për shkak të asgjë më shumë se komoditetit të jashtëzakonshëm të kanavacave të mëdha për transport.
Një pikturë tematike - siç sugjeron vetë termi, është një pikturë mbi një temë specifike. Më shpesh kjo është një përbërje e madhe me shumë figura. Ky term tashmë është shfaqur në historinë e artit sovjetik, kështu që më së shpeshti përdoret për veprat e të ashtuquajturit realizëm socialist, për shembull, në temën Civile, e Madhe. Lufta Patriotike, ose, të themi, "Lenini në tetor". Meqenëse madhësia e veprave të tilla është shpesh thjesht e madhe, artisti natyrshëm punon në një pikturë të tillë në studion e tij dhe e pikturon atë në kanavacë. "Kozakët i shkruajnë një letër Sulltanit turk" I.E. Repin, madhësia e të cilit është 2.03 me 3.58 metra, në parim mund të quhet edhe një pikturë tematike, megjithëse nuk mban erë realizmi socialist. Ajo u shkrua gjithashtu nga Ilya Efimovich në punëtori në bazë të shumë skicave dhe skicave, si dhe, për shembull, "Transportuesit e maunëve në Vollgë" (1,31 me 2,81 m).
Pikturë e zhanrit - emri vjen nga fjalë franceze"zhanri" është punë zakonisht
I vogël pjesë e bisedës mund të bëhet jo vetëm në kanavacë, por edhe në karton ose karton të fortë. Ky material filloi të përhapet gjerësisht tashmë në shekullin e 20-të.
Ekziston edhe një koncept i tillë si portret i zhanrit. Një portret është thjesht një portret i një personi në një sfond neutral, por kur ka një sfond që përshkruan objekte, njerëz, apo edhe një peizazh industrial që i sugjeron shikuesit, për shembull, profesionin e personit të përshkruar, atëherë kjo është tashmë një portret zhanri. Një shembull është portreti femëror i zhanrit "Veteran" puna e minatorit"vepra të artistes sovjetike Klavdia Aleksandrovna Tutevol, të përmendura tashmë këtu:
Një skicë, siç thamë më lart, është një vepër e pavarur plotësisht e përfunduar, por sigurisht nga natyra. Është një vepër arti krejtësisht e pavarur, por mund të shërbejë edhe si material ndihmës për një pikturë të madhe të artistit, e cila në asnjë mënyrë nuk ia prish vlerën artistike. Mund të jetë një natyrë e qetë, portret, peizazh, i brendshëm. Skica, për shkak të madhësisë së saj relativisht të vogël, është pikturuar në të gjitha materialet e mësipërme, por gjëja kryesore në të, natyrisht, është cilësia e punës së piktorit, aftësia e tij për të ndërtuar një kompozim në një natyrë të qetë, reflektojnë personazhi i modeles në një portret, përcjell eksitimin apo paqen e detit, të ftohtin e një pylli dimëror, bukurinë e një muzgu, bukurinë e vjeshtës së artë apo humorin pranveror të natyrës në peizazh.
Një skicë është një punë ndihmëse, qëllimi i saj është të regjistrojë idenë e përbërjes së ardhshme
foto tematike. Si shembull, le të marrim një skicë për pikturën "Toka të virgjër" nga E. D. Ishmametov. Në të, artisti zhvilloi përbërjen dhe ngjyrosjen, personazhet, pozat e personazheve, dhe më pas pikturoi një pikturë të madhe mbi këtë temë. Piktori gjithmonë mendon një skicë për një pikturë me shumë kujdes. Zakonisht një skicë karakterizohet nga një lloj paplotësie, paplotësie. Kjo është për shkak të faktit se artisti më shpesh nuk ka nevojë ta përfundojë atë, ekziston një detyrë tjetër - zhvillimi i opsioneve të kompozimit pikturë e ardhshme, përsosje e planit të tij origjinal. Prandaj, skica më së shpeshti ka karakterin e një skice. Por mund të jetë edhe një vepër tërësisht e përfunduar, e vizatuar me kujdes, sidomos kur skica synohet të miratohet nga komisioni përzgjedhës, siç e kemi parë tashmë në shembullin e skicës së tavanit për teatrin. Abai në Almaty nga Claudia Tutevol.Një skicë, nëse është bërë në procesin e punës në një pikturë, është gjithashtu një punë thjesht ndihmëse, e papërfunduar, e pa vizatuar në detaje.
Shkruhet ose vizatohet shpejt, por pakujdesi artistë të mirë nuk ndodh në të. Ju mund të skiconi shpejt, të themi, kokën e një modeli, e cila më vonë do të kthehet në një portret të mrekullueshëm të përfunduar, ose mund të bëni një skicë të shpejtë të ndonjë figure që mund të nevojitet më vonë për të krijuar përbërjen e një pikture të madhe, dhe skica do të mbetet një vepër e pavarur, interesante për koleksionistët dhe amatorët. Këtu, për shembull, është një skicë nga V.G. Gremitsky "Dance":Sidoqoftë, siç e pamë më lart, skicat mund të jenë gjithashtu plotësisht të pavarura.
Një skicë gjithashtu zakonisht ka karakterin e një skice, por një skicë është në thelb një plan për një pikturë të ardhshme, të gjithë përbërjen e saj, ndërsa një skicë për një pikturë është një skicë e shpejtë e diçkaje që, në parim, mund të përfshihet në të ardhmen. pikturë.
RRETH DISA TJERA TJERA TË PËRBASHKËTA NË PIKTURË:
Një herë u befasova shumë kur mësova se stafja është "një pikturë vaji pa një përshkrim të qartë të figurave të njerëzve ose kafshëve". Në fakt, stafet janë figura të vogla njerëzish ose kafshësh, të gdhendura nga artisti në peizazh për ta ringjallur atë.
Një term tjetër nga pikturë peizazhi- pirun akordimi. Kjo është një pikë e ndritshme që bie në kontrast me sfondin e përgjithshëm të peizazhit. Zakonisht ky është një lloj staf. Një shembull është puna e një artisti tashkent
V.M. Kovinina " Peizazh malor“me figurën e një vajze të veshur me veshje kombëtare të kuqe të ndezur.
Është e çuditshme kur ata thërrasin ndonjë pikturë vaji, edhe me përmasa të vogla, madje të shkruara në karton. “Liri është një pëlhurë liri e lëmuar dhe e dendur e endjes më të thjeshtë; varietetet më të mira quheshin kambrik, më të vrazhdët quheshin kanavacë, kanavacë, barazduc, etj. (Wikipedia). Kështu, kanavacë nuk mund të jetë as karton ose karton i fortë në lidhje me pikturën, është padyshim kanavacë.
Në pikturë, kanavacat janë piktura me përmasa të mëdha, dhe zakonisht me ndonjë temë epokale. Kështu, mund të themi se vetëm kanavacat dolën nga furça e Vasily Surikov, por Konstantin Korovin u bë i famshëm kryesisht për skicat e tij. Nëse "Vala e nëntë" nga Aivazovsky mund të quhet plotësisht kanavacë, atëherë në lidhje me veprën e vogël tashmë të përmendur "Fresh Cavalier" nga Fedotov do të jetë thjesht qesharake, përkundër faktit se është pikturuar edhe në kanavacë.
Pak më shumë për tokat: Çfarë është gesso? Ky është një abetare speciale, e bazuar edhe në shkumës, e cila përdoret për të mbuluar një dërrasë druri. Më parë në Europa Perëndimore Fotografitë shpesh pikturoheshin në dërrasa, dhe në Rusi - ikona, dhe gjithmonë. Ky është material jashtëzakonisht i pakëndshëm. Në Holandë, në një kohë, dërrasat thaheshin për 50 vjet, vetëm pas kësaj ato u vunë në punë. Në ditët e sotme, artistët rrallë përdorin gesso, pasi boja, së bashku me një shtresë të trashë abetare, copëtohet lehtësisht me kalimin e kohës ose nga një goditje e lehtë. Dhe piktorët modernë të ikonave e përdorin atë gjithnjë e më pak.
Si përfundim, këtu janë disa ilustrime të tjera për qartësi:
Puna nga V.G. Gremitskikh, i cili quhet "Etude". Ky është në thelb, siç sugjeron emri, një portret i një zhanri në shkallë të plotë, me një seancë të një punëtoreje, i pikturuar pikërisht në vendin e saj të punës në ndërtimin e hidrocentralit Kuibyshev.
Dhe këtu është një portret i zhanrit nga artisti Tashkent Valery Kovinin:
Ky nuk është qartë një portret me një seancë këtu, artisti e mundoi qartë kolegun e tij, i cili i shërbeu si model, me një sërë seancash, gjë që duket si nga ekzekutimi i kujdesshëm i veprës, ashtu edhe nga përmasat e saj. Por megjithatë kjo portret mashkullor jo një pikturë, por një skicë me shumë seanca nga natyra, e cila në asnjë mënyrë nuk ia prish vlerën artistike.
Për të vërtetuar këtë deklaratë të fundit, merrni parasysh portretin e famshëm femëror "Vajza e ndriçuar nga dielli". Kushërira e tij, Maria Simonovich V.A. Serov pikturoi nga natyra gjatë gjithë verës së vitit 1888, duke kapur çdo ditë me diell (në ditët me re ai pikturoi peizazhin "Polg i mbingarkuar"). Plani paraprak (e thamë më lart që kemi artist i famshëm mungonte gjithashtu, ai thjesht donte, sipas fjalëve të tij, "të shkruante diçka të gëzueshme".
Kështu, këtu nuk kemi të bëjmë asgjë më shumë se një skicë tipike me shumë sesione nga natyra, e shkruar me teka, sipas një dëshire që lind në çast. Fatmirësisht për P.M. Tretyakov, i cili e fitoi këtë vepër, nuk e dinte ende se "Një studim në artin e bukur është një skicë përgatitore për një punë të ardhshme". (Wikipedia) Dhe Valentin Serov tregoi një shkallë ekstreme joprofesionalizmi, duke kaluar deri në 90 ditë në vetëm dy skica përgatitore - një portret i një vajze dhe një peizazh me një pellg!
Mund të jap shumë shembuj të tjerë të ngjashëm, por kam frikë se tashmë e kam lodhur shumë lexuesin. Shpresoj që gjithsesi të kem arritur të jap kontributin tim modest për t'i shpjeguar publikut të gjerë disa nga termat artistikë më të përdorur, në të cilët ndonjëherë, të them të drejtën, edhe vetë artistët ngatërrohen.
Alexander Gremitskikh
Avatari: V.M. Kovinin "Në tregun e së dielës. Karakalpakstan." vaj në pëlhurë 98x178. 1971 (Kjo është një foto tipike e zhanrit të madh)
Fillimi i një dialogu me kulturën botërore, njeriu modern nuk bën asnjë përpjekje për t'u ngritur në nivelin e saj, por, përkundrazi, përpiqet ta zbresë atë në nivelin e tij. (dikush i zgjuar)
Para shpikjes së fotografisë, piktura shihej si një mjet për pasqyrimin sa më të saktë të mjedisit. Piktura konsiderohej sa më e mirë, aq më autentike përshkruhet botën reale. Me ardhjen e fotografisë në 1839 dhe kinemasë në 1895, kuptimi i pikturës u zgjerua ndjeshëm, megjithëse të tjerët ende i përmbahen një qëndrimi ngushtë funksional.
Cili është ndryshimi midis një fotografie dhe një pikture?
Bato Dugarzhapov "Krishtlindjet".
Fotografia kap një moment, domethënë një gjendje shumë specifike, të menjëhershme të një objekti. Artisti, sado që i shkruan detajet në mënyrë të detajuar dhe të besueshme, në radhë të parë shkruan atë të PËRGJITHSHME që sheh te modeli, pra më karakteristikën dhe më ekspresive.
Prandaj, një fotografi (me përjashtim të veprave shumë të rralla të fotografëve) është një ilustrim, i ngjashëm me një foto në një enciklopedi: kështu duket një ketri, fëmijë, dhe kështu dukej pronari i albumit fotografik. 20 vjet më parë kur u larë në një vaskë.
Bato Dugarzhapov "Krime".
Artisti modern ka refuzuar të kopjojë natyrën - fotografia dhe xhirimet mund ta bëjnë këtë shumë më mirë dhe më shpejt. Natyralizmi e shtyn pikturën në qorrsokakun e përsëritjes dhe banalitetit. Për më tepër, natyra nuk mund të riprodhohet. Kur shikuesi percepton vetëm aspektin më sipërfaqësor të pikturës - transmetimin e informacionit "ku gjithçka qëndronte", atëherë kuptimi i pikturës do të varfërohet dhe shtrembërohet jashtëzakonisht.
Një pikturë është thelbësisht e ndryshme nga një fotografi në joidentitetin e asaj që u krijua, dhe kjo është bërë dallimi themelor mes piktoreske dhe imazh fotografik. Artisti vendos me vullnetin e tij se çfarë dhe si të lërë, çfarë dhe si të nxjerrë në pah, çfarë të përjashtojë nga fotografia, ndonjëherë edhe në kundërshtim me sensin e përbashkët sipërfaqësor.
Bato Dugarzhapov "Terraca".
Një pikturë pikture me vaj në kanavacë pretendon të jetë një shfaqje e plotë dhe universale e objektit të pikturuar dhe të përcjellë përshtypjen e tij. Në mënyrë të pakuptueshme, një vëllim shfaqet në një kanavacë të sheshtë, i gjallë dhe bote e bukur, krijuar nga artisti.
Mund të futemi në foto dhe të dëgjojmë zogjtë duke kënduar, të nuhasim erën e një livadhi të lulëzuar, të ndjejmë ngrohtësinë e ujit të ngrohur nga dielli, të shohim lëvizjen - duke kuptuar qartë se e gjithë kjo po ndodh vetëm në mendjet tona dhe para nesh, dhe se të gjitha këto na i ka përcjellë autori.
Çfarë është "alla prima"?
Bato Dugarzhapov "Mëngjes".
Nëse më parë stili i bizhuterive të shkrimit të detajeve deri në detajet më të vogla ishte i mirëpritur, kur fotografia u pikturua me muaj, apo edhe vite, dhe më pas u llakua me kujdes, atëherë në shekujt 19 dhe 20 u shfaq koncepti i "alla prima" - nga latinishtja "all prima vista" (në shikim të parë) dhe do të thotë pikturë spontane me bojë impasto.
Piktura është gati pas seancës së parë. Ngjyrat janë të përziera kryesisht në paleta, ku ato duken të freskëta dhe të ndritshme. Kur shkruani en plein air është shumë mënyrë të përshtatshme puna.
Pastoziteti manifestohet në reliev, pabarazi të shtresës së bojës, në një penel plastike dhe shërben për të theksuar anën materiale të objektit dhe për të dhënë dinamizëm. Pikturat janë më voluminoze dhe më informuese se fotografitë, ato mund të kenë një ndikim emocional te shikuesit me pika lokale me ngjyra, pa sqarime dhe specifikime të panevojshme. Ndonjëherë edhe për shkak të mungesës së këtij specifikimi.
Bato Dugarzhapov “Mesdita. Varkat."
Alternimi i goditjeve në dukje kaotike dhe njollave të dritës është shumë më emocionues se fotografia dhe mënyra e vjetër, e lëmuar përcjell lëvizjen - lojën e njollave të diellit në bar, shkëlqimin në ujë, gjethet që lëkunden, etj.
Për fat të keq, shikuesi, krejtësisht i egër në kuptimin e kulturës piktoreske, duke parë vepra alla prima, të pikturuara me goditje dhe vija gjithëpërfshirëse, nuk shqetësohet të ndalet e të shikojë nga afër, por fryn faqet dhe, me fjalët “Mund të pikturoj si edhe kjo”, me vetëdijen e epërsisë së vet shkon më tej në kërkim të krijimeve të llakuara, me kaçurrela, ku nuk nevojitet punë imagjinate dhe ndjeshmërie.
Le ta lëmë të shkojë dhe pastaj të shqyrtojmë, për shembull, pikturën "Plein Air" nga artisti Bato Dugarzhapov. Çfarë shohim në këtë foto interesante?
Bato Dugarzhapov "Plein Air".
Ata që duan të shohin se si janë bërë këpucët e personazheve - asgjë. Shikuesi, i sintonizuar me valën e mirëkuptimit, para së gjithash sheh shumë dritë dielli. Më pas shohim disa artistë me fustane verore në kavalet dhe një artist me mjekër me xhinse dhe me furça në dorë. Pastaj shfaqet një e ngrohtë mur guri me pemë wisteria të ndriçuara nga dielli që ngjiten sipër tyre, qielli blu në boshllëqet e gjethit, parapetin e argjinaturës dhe detin pas tij. Arsyeja pse gjethja nuk nxirret në detaje dhe damarët është sepse lëviz, lëkundet, dhe drita gjithashtu lëviz, hijet lëvizin dhe reflektimi nga deti në distancë ndryshon çdo minutë...
Gjendja shpirtërore e figurës është absolutisht fenomenale, ajo thjesht rrezaton dritë dhe pozitivitet. Dhe në të njëjtën kohë, është e pamundur të tregosh me një tregues dhe të shpjegosh - kjo është kjo, dhe këtu është kjo. Ju vetëm duhet ta shihni këtë duke u larguar pak nga fotografia dhe duke e parë atë mjaft gjatë. Për më tepër, ky është vetëm një skedar, unë mund ta imagjinoj se sa duhet të funksionojë në origjinal!
Bato Dugarzhapov "Për skicat".
Piktura "Për Etydet" "shfaqet" në mënyrë të ngjashme. Së pari - pika kaotike të dritës së diellit dhe reflektimeve të detit. Më pas artisti flokëthinjur u përkul nga kavaleti. Pastaj - vetë deti: deti i ndritshëm, ai lëviz, shqetësohet, reflektimet e diellit nga valët praktikisht i verbërojnë sytë (si u bë kjo është e pamundur të kuptohet), në det ka gurë, gurë dhe varka, në të majtë , përsëri, një bimë ngjitëse, ndoshta rrush.
Atmosfera e një mëngjesi të nxehtë (dhe ky është mëngjes, sepse kur dielli është i lartë, deti nuk shkëlqen aq shumë, bëhet blu), bukuria e bregdetit jugor dhe admirimi për këtë bukuri përcillet në mënyrë të pabesueshme.
Bato Dugarzhapov "Mbrëmja jugore"
Pikturat e Bato Dugarzhapov janë zhytur në një mjedis të veçantë ndriçues, i cili flet për kulturën e lartë piktoreske të artistit dhe një kuptim delikate të ngjyrës dhe marrëdhënieve hapësinore. Veprat e tij dallohen për freskinë e tyre, ritmin e shpejtë të linjave dhe njollave të ngjyrave, ngazëllimin romantik dhe perceptimin e hollë të marrëdhënieve dritë-hapësinore.
Me shumë lehtësi, duke përdorur goditje të mëdha, ai krijon një imazh të plotë, integral të natyrës në ngjyra, dritë dhe dinamikë vitale... gjithçka shkëlqen në rrezet e diellit, edhe aty ku ka hije, reflektimet shkëlqejnë, gjë që është veçanërisht e mahnitshme dhe e pëlqyeshme. Të hedhura lirshëm, ngjyrat shtrihen njëra mbi tjetrën dhe formojnë një harmoni dhe ritëm shumëngjyrësh, në të cilin një rëndësi të veçantë ka loja e nuancave.
Bato Dugarzhapov "Liqeni i Komos".
Bato Dugarzhapov ka lindur në vitin 1966 në Çita. I diplomuar shkollë arti në Tomsk dhe Instituti Shtetëror i Artit Akademik të Moskës me emrin. NË DHE. Surikov. Punimet e artistit gjenden në koleksione private në Rusi, SHBA, Francë, Itali dhe Spanjë.
K. Yu. Starokhamskaya
Një pikturë e çdo zhanri (nga jeta e qetë në pikturën fetare) është imazh artistik, krijuar me ndihmën e imagjinatës së artistit dhe botëkuptimit personal. Botëkuptimi dhe qëndrimi i artistit formohen nën ndikimin e mjedisit - epoka, shteti, shoqëria, familja, mënyra e jetesës, etj. Arti i artistëve të mëdhenj është gjithmonë një portret i një epoke në prizmin e një autoportreti, një personalitet që kalon nëpër realitetin përreth dhe frymën e kohës. 
Një ikonë është një fenomen i përjetshëm, është një zbulesë e Zotit, e përfaqësuar me ndihmën e artet pamore. Parimi më i rëndësishëm në pikturimin e ikonave është ndjekja e kanuneve të vendosura. Kanonet e pikturës së ikonave janë aq unike saqë një person që nuk e njeh historinë dhe teologjinë e Kishës mund të jetë i hutuar: pse t'u përmbahemi parimeve të lashta të përshkrimit? Ndoshta mjeshtrit që qëndruan në origjinën e pikturës së ikonave thjesht nuk e zotëruan teknikën që u zhvillua gjatë Rilindjes? Dhe ndoshta duhet të zhvendosim arritjet qytetërimi evropian për këtë art të lashtë? 
Pra, pse ikona është kaq çuditërisht e ndryshme nga piktura klasike? Dhe me çfarë mjetesh teknike arrihet kjo diferencë?
Piktori i ikonave nuk transferon në ikonë asgjë nga botëkuptimi i tij personal që është në asnjë mënyrë ndryshe nga botëkuptimi i Kishës së Krishtit. Piktori i ikonave bëhet një udhërrëfyes për botëkuptimin e Kishës. Ikona nuk kërkon të pasqyrojë realitetin e përkohshëm përreth, ajo nuk shqetësohet për problemet e kohës sonë, trazirat kalimtare të kësaj bote. Një ikonë është një dritare në një botë tjetër, të përjetshme. 
Piktura pasqyron në mënyrë të pashmangshme individualitetin e autorit, për më tepër, çdo artist përpiqet të arrijë stilin e tij të veçantë; Nje nga arritjet më të larta veprimtaria e autorit - krijimi i një stili të ri, drejtimi në pikturë. Pikturat e mjeshtrit janë të lidhura pazgjidhshmërisht me emrin, imazhin dhe biografinë e tij.
Piktura është shpirtërore, domethënë sensuale, transmeton emocione, pasi arti përfaqëson një mënyrë për të kuptuar botën përmes ndjenjave.
Ikona është shpirtërore, joemocionale dhe pa pasion. si këndimi i kishës dhe leximi, ikona nuk pranon mënyra emocionale ndikimi.
Një pikturë është një mënyrë për të bashkëvepruar me personalitetin e autorit. Një ikonë është një mjet komunikimi me Zotin dhe shenjtorët e Tij.
Një ikonë, ndryshe nga një pikturë, i shërben drejtpërdrejt shpëtimit të shpirtit njerëzor.
Ne kemi theksuar dallimet e brendshme midis një ikone dhe një pikture, dhe cilat dallimet e jashtme a mund të gjurmojmë?
Para së gjithash, një ikonë është një dëshmi për Zotin e vërtetë, është një fenomen thjesht fetar. Një ikonë kanonike nuk ka dekorime të rastësishme pa kuptim semantik.
Dallimet kryesore midis një ikone dhe një pikture:
1. Konvencionaliteti, njëfarë shtrembërimi i formave dhe simbolikave reale.
Trupi zvogëlohet në ikonë dhe shpirtërorja zbulohet. Proporcione të zgjatura të figurës, mungesë vëllimi. Ikonës i mungon rëndimi, pesha e natyrshme në objektet e botës sonë.
2. Perspektiva e kundërt.
Fotografia është ndërtuar sipas ligjeve të perspektivës së drejtpërdrejtë, pika e zhdukjes ndodhet në vijën e horizontit dhe është gjithmonë e njëjtë. Ikona karakterizohet nga një këndvështrim i kundërt, ku pika e zhdukjes nuk ndodhet në thellësinë e aeroplanit, por tek personi që qëndron përballë ikonës. Kështu gjen shprehjen e saj ideja e shfaqjes së botës qiellore në botën tonë, botën poshtë. DHE vijat paralele mbi ikonën ato nuk konvergojnë, por përkundrazi zgjerohen në hapësirën e ikonës.
3. Mungesa burim i jashtëm Sveta.
Drita, si të thuash, nga brenda ikonës, nga vetë fytyrat dhe figurat, nga thellësitë e tyre është thelbi i shenjtërisë. Ikona është shkëlqyese dhe ky parim bazohet në dëshminë teologjike të ungjillit për Shpërfytyrimin e Zotit tonë në malin Tabor. Halo ortodokse është drita e pakrijuar e Hyjnores, e lindur në zemrën e një shenjtori dhe që formon një tërësi të vetme me trupin e tij të transformuar.
4. Ngjyra në një ikonë kryen një funksion thjesht simbolik.
Ngjyra e kuqe në ikonat e dëshmorëve simbolizon sakrificën, ose pushteti mbretëror. Ari është një simbol i dritës jo-mall, e cila ka një natyrë krejtësisht të ndryshme nga substancat e tjera fizike. Pse nuk mund të përcillet me bojë. Ari në ikona është e kundërta e idesë së arit dhe pasurisë tokësore. Ka edhe ngjyra që zëvendësojnë praninë e arit në ikonë - okër, e kuqe dhe e bardhë. Ngjyra e zezë në ikonat përdoret vetëm në rastet kur është e nevojshme të tregohen forcat e së keqes ose të botës së krimit.
6. Nuk ka kohë në ikonë. Të gjitha ngjarjet ndodhin në të njëjtën kohë.
Shpesh, një ikonë përshkruan disa skena të ndryshme, ndonjëherë këto janë skena nga jeta e një shenjtori, duke ilustruar të gjithë rrugën e tij nga lindja deri në prehje. Kështu përcillet përfshirja e ikonës në botën e përjetësisë, ku gjithçka është e hapur në të njëjtën kohë, ose më saktë, koha thjesht mungon. Në foto, përkundrazi, ndodh në një plan kohor.
Pra, ndryshimi midis një ikone kanonike dhe një pikture është i dukshëm.
Detyra kryesore e ikonës, në kontrast me pikturën, e cila përcjell anën shqisore të botës, është të zbulojë realitetin e botës shpirtërore, të ndihmojë të fitojë një ndjenjë të pranisë së vërtetë të shenjtorit. Nëna e Zotit ose Zotin, për të kontribuar në hapjen e zemrës dhe lindjen e lutjes ose lavdërimit të penduar, përmes së cilës shenjtërohet mendja, zemra dhe e gjithë jeta e njeriut.
Në punëtorinë e pikturës së ikonave "Ikona e matur" është e mundur
- Uau, foto e mrekullueshme! – komplimentoi veprën dhe ofendoi menjëherë artistin me terminologjinë e gabuar
Ju ndoshta e dini, miq, se një artist i mirë por mbresëlënës mund të ofendohet nëse i thoni se ai “pikturon” foton e tij. Është njësoj sikur të thuash që anijet lundrojnë në det... por të gjithë e dimë që anijet lundrojnë në det!
Megjithatë, një person që është larg artit të bukur shpesh nuk mund të thotë saktësisht se çfarë është piktura, çfarë është vizatimi dhe si ndryshojnë nga njëri-tjetri. Prandaj, si "vizatimi" dhe "shkrimi" janë një dhe e njëjta gjë për të. Por provoni t'i tregoni mjeshtrit se ai ka një "vizatim" të mirë në telajo!
Jo më mënyrë e lehtë lënduar një natyrë të ndjeshme krijuese, megjithëse një shikues i thjeshtë nuk do ta kuptojë menjëherë se çfarë është e gabuar dhe fyese.
Piktura dhe vizatimi janë koncepte të afërta dhe madje të lidhura, por të ndara qartë nga njëra-tjetra. Ashtu siç dihet mirë kur pikturohen dhe kur vizatohen.
Le të përpiqemi ta kuptojmë këtë terminologjia në artet figurative. Më besoni, kjo nuk është e rëndësishme vetëm për ata që janë krijues, por edhe interesant.
Dallimi midis pikturës dhe vizatimit
Në një gjuhë të rreptë zyrtare, vizatim - ky është një imazh i çdo imazhi, objekti dhe fenomeni në një aeroplan. Mund të vizatoni me shkumës, stilolaps, laps, bojëra - çdo gjë që lë shenja në një sipërfaqe të caktuar.
Në përgjithësi, edhe gërvishtja e një diamanti në xhami ose, për shembull, vizatimi me stilolaps në një mësim dhe aplikimi i një tatuazhi është gjithashtu vizatim.
Dhe këtu pikturë - edhe ky është një imazh i objekteve dhe dukurive, por vetëm me përdorimin e bojrave. Kjo do të thotë, duke folur në gjuhë të thatë dhe zyrtare, piktura është një nga opsionet e vizatimit në të cilën përdoret një furçë si mjet, dhe bojërat janë mjetet për të krijuar një imazh.
Me fjalë të tjera, vizatimi është grafikë dhe konsiderohet Zyrtarisht, gjithçka që bëhet në letër konsiderohet grafikë, dhe, çuditërisht, bojëra uji konsiderohet gjithashtu grafikë. Edhe pse shumë vepra konsiderohen si piktura në letër
Pra, gjithçka në letër është grafikë, dhe gjithçka tjetër është pikturë... në telajo, dru, xham, mur
Ju kujtohet mësimet e vizatimit në shkollë? Aty e gjithë lënda quhej kështu: arti i bukur. Nuk kishte mësime të veçanta në pikturë apo vizatim, vetëm një ditë mësuan se si të punohet me vajra, dhe një ditë tjetër - me lapsa.
Prandaj besimi i zakonshëm se piktura është vetëm një variant i vizatimit. Formalisht është kështu, në realitet është ndryshe.
Artet e Bukura - Arti i kapjes së imazheve = Artet e bukura, një kombinim i llojeve të ndryshme të pikturës, grafikës, skulpturës
Në fakt, një hierarki e tillë është burokraci e vërtetë. Në artet pamore sot ka një ndarje të qartë: pikturë- kjo është puna me furçë dhe bojëra në materiale të dendura, vizatim- ky është përdorimi i të gjitha materialeve të tjera në letër.
Mund të mos jetë aq e rreptë dhe shkencore, por bota e artit është e dashur nga shumë njerëz, sepse nuk i nënshtrohet shkencës, dhe për këtë arsye ligjet e saj nuk duhet domosdoshmërisht të korrespondojnë me klasifikimin dhe terminologjinë strikte.
Ekziston një nuancë tjetër: mendoni për vetë fjalën "pikturë"- përbëhet nga dy pjesë: "live" Dhe "shkruaj". Kjo mund të interpretohet në mënyra të ndryshme, por shumë artistë thonë se puna me bojëra është e gjallë pikërisht sepse vetë bojërat, pasi vendosen në telajo, thahen dhe ndryshojnë disi vetitë e tyre, domethënë jetojnë jetën e tyre.
Dhe vetë imazhi fiton jetën e tij dinamike, fotografia rezulton të jetë e gjallë. Ose përshkrimi- të shkruash me gjallëri... Në përgjithësi, fjala pikturë tingëllon e lartë dhe e bukur, për mendimin tim
Duke parë dhe reflektuar mbi pikturat e gjalla
Pra, ne e kemi kuptuar këtë pjesë: piktura është të punosh me bojëra, vizatimi është përdorimi i mjeteve të tjera. Për më tepër pikturë me kavalet, si monumentale ashtu edhe dekorative ndryshojnë gjithashtu nga format e ngjashme të vizatimit.
Bojërat aplikohen në mure - ne po flasim për rreth pikturës, ata i dekorojnë me shkumësa - kjo tashmë është vizatim.
A pikturojnë apo vizatojnë?
Të tjera, jo më pak temë e nxehtë- si ta quajmë procesin e krijimit të një fotografie. Duket se nëse krijohet një imazh, do të thotë se është vizatuar. Dhe nëse flasin për një letër, zakonisht nënkuptojnë tekst.
Këtu terminologjia ka rrënjë të thella historike. Piktura në Rusi u zhvillua gradualisht nga piktura e ikonave, kur mjeshtrit filluan të përpiqeshin të ringjallën dhe të bënte më të gjallë motive biblike, duke përdorur të njëjtat teknika, dhe më pas kaloi plotësisht në piktura që nuk kishin të bënin me fenë.
Por meqenëse ikonat ishin fillimisht "shkruan", më pas kjo fjalë migroi në pikturë dhe sot pikturohen edhe piktura në vaj.
Shpesh mëkatoj dhe zakonisht “pikturoj” fotografitë e mia
Nëse po flasim për vizatim, atëherë të gjitha veprat këtu janë pikturuar, sado domethënëse të jenë. Sigurisht, mund të thuhet se artisti "shkruan" një kanavacë epike me laps, por kjo nuk është asgjë më shumë se liri.
A është e mundur të pikturohet në kanavacë?
Në përgjithësi, është zakon të thuhet se ata pikturojnë në kanavacë me vaj, por, për shembull, ata thjesht vizatojnë në letër. Por këto nuk janë rregulla absolute.
Për shembull, Para se të pikturojë me bojë, artisti mund të bëjë një skicë me laps në kanavacë. Ky është një vizatim, e vizaton autori. Dhe vetëm kur bojërat aplikohen në këtë vizatim, fotografia fillon të pikturohet.
Edhe pse, askush nuk e ndaloi vizatimin me lapsa ose qymyr në pëlhurë ... pyetja e vetme është se vizatimi në një kanavacë pëlhure nuk është plotësisht i përshtatshëm për teknikat e thata, përveç nëse, natyrisht, këtu nuk është e mundur të përdoret gjithçka.
E njëjta gjë është e vërtetë për çdo bazë tjetër, jo vetëm piktura me kavalet ju lejon të pikturoni fotografi. Për shembull, pikturë monumentale përfshin pikturimin e fotografive me ngjyra në të ndryshme objekte arkitekturore fasada, pikturë dekorative - kjo është shkrim mbi objekte të ndryshme dhe detaje të brendshme, - kjo është lyerja e mureve brenda dhomës me afreske të ndryshme dhe piktura faux
Në të njëjtën kohë, nëse marrim një gotë ose enë dhe e lyejmë, për shembull, me bojë, kjo tashmë do të jetë pikturë dekorative . Kjo do të thotë se nuk varet në asnjë mënyrë nga baza nëse jemi të angazhuar në pikturë apo vizatim. Gjithçka ka të bëjë me materialet me të cilat është krijuar fotografia.
Dhe së fundi: mos supozoni se piktura është për profesionistët, dhe vizatimi është për amatorë. Aspak! Shpesh, lapsat, pastelët ose shkumësat me ngjyra krijojnë vepra që nuk janë më pak madhështore dhe madhështore se pikturat me vaj ose akrilik.
Dhe vështirësia e krijimit të punës, për shembull, vetëm me lapsa, është shumë e madhe. Prandaj, nëse ju pëlqen të vizatoni, nuk keni pse të torturoni veten dhe ta detyroni veten të pikturoni me bojëra - është mjaft e mundur të krijoni kryevepra me atë që ju pëlqen më së miri.
Mjeshtra të portreteve në grafikë
Vetëm në këtë rast, meqë ra fjala, do të jeni në gjendje të shprehni plotësisht veten dhe emocionet tuaja në punën tuaj, qoftë në telajo, letër, xhami apo në mur! Ato janë primare dhe materialet dhe teknikat janë vetëm mjete, ndër të cilat ju zgjidhni më të përshtatshmen për ju.
Miq, për artikullin nuk ka humbur mes shumë artikujve të tjerë në internet,ruajeni në faqeshënuesit tuaj.Në këtë mënyrë ju mund t'i ktheheni leximit në çdo kohë.
Bëni pyetjet tuaja më poshtë në komente, unë zakonisht u përgjigjem të gjitha pyetjeve shpejt
Duke filluar një dialog me kulturën botërore, njeriu modern nuk harxhon përpjekje për t'u ngritur në nivelin e saj, por, përkundrazi, përpiqet ta zbresë atë në nivelin e tij. (dikush i zgjuar)
Para shpikjes së fotografisë, piktura shihej si një mjet për të pasqyruar ndoshta më qartë mjedisin. Piktura konsiderohej më e mirë sa më autentike të tregonte botën reale. Me ardhjen e fotografisë në 1839 dhe kinemasë në 1895, ndërgjegjësimi për pikturën u zgjerua ndjeshëm, megjithëse të tjerët i përmbahen një biznesi të ngushtë funksional për momentin.
Cili është ndryshimi midis një fotoje dhe një pikture?
Bato Dugarzhapov "Krishtlindjet".
Një foto kap një moment, me fjalë të tjera, një gjendje shumë specifike, momentale të një objekti. Piktori, sado që i shkruan detajet me kujdes dhe të besueshëm, fillimisht shkruan të PËRGJITHSHME që sheh te modeli, me fjalë të tjera, më karakteristikën dhe më ekspresive.
Prandaj, një foto (me përjashtim të veprave shumë të rralla të artistëve fotografik) është një ilustrim, i ngjashëm me një foto në një enciklopedi: kështu duket një ketër, fëmijë, dhe kështu dukej pronari i albumit fotografik 20 vjet më parë kur ai lahej në një vaskë.
Bato Dugarzhapov "Krime".
Piktori modern ka braktisur kopjimin e natyrës - fotografia dhe xhirimet do ta bëjnë këtë edhe më mirë dhe më shpejt. Natyralizmi e shtyn pikturën në qorrsokakun e përsëritjes dhe banalitetit. Për më tepër, natyra nuk mund të riprodhohet. Kur shikuesi pranon vetëm nuancën më sipërfaqësore të pikturës - transmetimin e informacionit "ku gjithçka qëndronte", atëherë vetëdija për pikturën do të varfërohet dhe shtrembërohet shumë.
Një pikturë është thelbësisht e ndryshme nga një foto në atë që nuk është identike, dhe kjo është bërë dallimi themelor midis një imazhi shumëngjyrësh dhe fotografik. Piktori vendos me vullnetin e tij të lirë se çfarë dhe si të lërë jashtë, çfarë dhe si të nxjerrë në pah, çfarë të përjashtojë nga tabloja, herë pas here edhe në kundërshtim me sensin e shëndoshë sipërfaqësor.
Bato Dugarzhapov "Terraca".
Një pikturë shumëngjyrëshe në kanavacë pretendon të jetë një shfaqje e plotë dhe universale e objektit të pikturuar dhe të përcjellë kujtime prej tij. Në mënyrë të pakuptueshme, një vëllim shfaqet në një kanavacë të sheshtë, i gjallë dhe bote e bukur, realizuar nga artisti.
Ne mund të hyjmë në foto dhe të dëgjojmë zogjtë duke kënduar, të nuhasim aromën e një livadhi të lulëzuar, të ndjejmë ngrohtësinë e ujit të ngrohur nga dielli, të shohim lëvizjen - duke kuptuar qartë se e gjithë kjo ndodh ekskluzivisht në vetëdijen tonë dhe para nesh, dhe se krijuesi na i dha të gjitha neve.
Çfarë është "alla prima"?
Bato Dugarzhapov "Mëngjes".
Nëse më parë stili i bizhuterive të shkrimit të detajeve deri në detajet më të vogla ishte i mirëpritur, kur fotografia pikturohej me muaj, apo edhe vite, dhe më pas llakohej me kujdes, atëherë në shekullin 19-20 u shfaq koncepti "alla prima". - nga latinishtja "all prima vista" (1- y shikim) dhe do të thotë pikturë spontane me bojë impasto.
Piktura është gati pas seancës së parë. Ngjyrat janë të përziera kryesisht në një shkallë ku ato duken të freskëta dhe të ndritshme. Kur pikturoni në ajër të pastër, kjo është një metodë shumë e përshtatshme për të punuar.
Pastoziteti manifestohet në reliev, konveksitet të shtresës së shndritshme, në një penelë plastike dhe shërben për të theksuar anën materiale të objektit dhe për të dhënë dinamizëm. Pikturat janë më të mëdha dhe më informuese se fotot, ato mund të ndikojnë në mënyrë sensuale te shikuesit me pika lokale me ngjyra, pa sqarime dhe specifikime të panevojshme. Herë pas here, edhe për shkak të mungesës së këtij specifikimi.
Bato Dugarzhapov “Mesdita. Varkat."
Alternimi i goditjeve në dukje të rastësishme dhe njollave të lehta në shikim të parë është shumë më emocionues sesa një foto dhe mënyra e lashtë, e lëpirë përçon lëvizjen - lojën e njollave të diellit në bar, shkëlqimin në ujë, gjethet që lëkunden, etj.
Për fat të keq, shikuesi, i cili ka egërsuar plotësisht në aspektin e kulturës shumëngjyrëshe, pasi ka parë veprat alla prima, të pikturuara me goditje dhe vija gjithëpërfshirëse, nuk shqetësohet të ndalet e të shikojë nga afër, por fryn faqet dhe, me fjalët “ Mund ta pikturoj edhe kështu”, me vetëdijen e avantazhit të tij shkon më tej në kërkim të krijimeve të shkruara me kaçurrela me llak, ku nuk nevojitet asnjë punë imagjinate dhe ndjeshmërie.
Le ta lëmë të shkojë, dhe më vonë do të shikojmë, për shembull, pikturën "Plein Air" nga artisti Bato Dugarzhapov. Çfarë shohim në këtë foto magjepsëse?
Bato Dugarzhapov "Plein Air".
Ata që duan të shohin se si janë bërë këpucët e personazheve - asgjë. Shikuesi, i sintonizuar me valën e ndërgjegjësimit, së pari sheh shumë dritë dielli. Më pas shohim disa artistë me fustane verore në kavaletin e tyre dhe një artist me mjekër me xhinse dhe me furça në dorë. Pastaj shfaqet një mur i ngrohtë guri me wisteria ngjitëse të ndriçuar nga dielli sipër tyre, një qiell blu në boshllëqet e gjetheve, një parapet argjinature dhe deti pas tij. Prandaj gjethja nuk shkruhet me detaje dhe vena, sepse lëviz, lëkundet, edhe drita lëviz, hijet lëvizin dhe reflektimi nga deti në distancë ndryshon çdo minutë...
Gjendja e figurës është absolutisht fenomenale, ajo thjesht lëshon dritë dhe pozitivitet. Dhe në të njëjtën kohë, është e pamundur të tregosh me një tregues dhe të shpjegosh - kjo është kjo, dhe këtu është kjo. Thjesht duhet ta shihni këtë duke u larguar pak nga fotografia dhe duke e parë atë për një kohë mjaft të gjatë. Për më tepër, kjo është vetëm një skedar, unë mund ta imagjinoj vetë se si duhet të veprojë në origjinal!
Bato Dugarzhapov "Për skicat".
Piktura "Për Etydet" "shfaqet" në mënyrë të ngjashme. Në fillim - pika kaotike të dritës së diellit dhe reflektimeve të detit. Pastaj piktori flokëthinjur u përkul nga kavaleti. Pastaj - vetë deti: deti i hapur, ai lëviz, është i shqetësuar, shkëlqimi i diellit nga valët në të vërtetë i verbon sytë (si është bërë është e pamundur të kuptosh), në det ka male, guralecë dhe varka, në të majtë përsëri një bimë ngjitëse, ndoshta rrush.
Atmosfera e një mëngjesi të nxehtë (dhe ky është mëngjes, sepse kur dielli është lart, deti nuk shkëlqen aq shumë, bëhet blu), bukuria e bregdetit jugor dhe admirimi për këtë bukuri përcillet në mënyrë të papërshkrueshme.
Bato Dugarzhapov "Mbrëmja jugore"
Pikturat e Bato Dugarzhapov janë zhytur në një mjedis të jashtëzakonshëm ndriçues, i cili flet për kulturën më të lartë shumëngjyrëshe të artistit, për një vetëdije të ngushtë të ngjyrës dhe marrëdhënieve hapësinore. Veprat e tij dallohen nga freskia, ritmi i shpejtë i linjave dhe pikave të ngjyrave, ngazëllimi romantik dhe një perceptim i ngushtë i marrëdhënieve dritë-hapësinore.
Me lehtësi të veçantë, me goditje të mëdha, ai krijon një imazh të plotë, integral të natyrës në ngjyra, dritë dhe dinamikë aktuale... gjithçka shkëlqen në rrezet e diellit, edhe aty ku ka hije, reflektimet shkëlqejnë, gjë që është veçanërisht e habitshme dhe zbavitëse. Të hedhura lirisht, ngjyrat shtrihen njëra mbi tjetrën dhe formojnë një harmoni dhe ritëm shumëngjyrësh, në të cilin luajtja e ngjyrave ka një rëndësi të veçantë.
Bato Dugarzhapov "Liqeni i Komos".
Bato Dugarzhapov ka lindur në vitin 1966 në Çita. Ai u diplomua në shkollën e artit në Tomsk dhe Institutin Metropolitan Komunal të Artit Akademik. NË DHE. Surikov. Punimet e artistit gjenden në koleksione personale në Rusi, SHBA, Francë, Itali dhe Spanjë.
K. Yu. Starokhamskaya
