Меню
ГлавнаяВидео архив

Известные художники японии. Японская классическая живопись: самые известные имена

Японская живопись является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание.

Японская живопись является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание. Элегантное искусство являет миру картины, представляющие собой ширмы, росписи на стенах, свитки из шелка или бумаги, веера, станковые картины и гравюры.

Японскую живопись отличает большое количество разнообразных жанров и стилей. Ведущее место в японской живописи, как и в литературе, занимает природа. Она преподносится в качестве хранителя божественного начала. Японская живопись берет свое начало в китайском искусстве, поэтому ее жанры очень схожи с жанрами Поднебесной. В наше время многие японские художники предпочитают проходить обучение именно в Китае.

Живопись в Японии имеет в своей истории развития несколько этапов. Каждый из них отличается своеобразными характеристиками и особенными чертами.

Начальным этапом развития считается временной промежуток с середины седьмого века по конец восьмого века, называемый Нара . В этот период был расписан храм Хорюдзи, он является отличным доказательством влияния на японскую культуру индийской и китайской традиции.

Следующий период развития японской живописи называется Хэйан . Он прославлен активным процветанием храмовой живописи и примерами светского искусства изображения. В этот период создаются иллюстрации к романам и повестям, призванным развлекать знатных господ.

Период Камакура (занимает временной промежуток с конца XIIвека по первую половину XIV века), занимавший временной отрезок с конца двенадцатого века и по первую половину четырнадцатого века, характеризуется изменением стилей, поисками новых способов изображения жизни. Настроение японской живописи круто меняется. Раньше картины передавали оптимистичную, легкую и радостную атмосферу. В этот период сделан большой шаг в сторону реалистичного изображения, а также придания картине практически военного характера. Характерные сюжеты живописи — батальные сцены из мифов и истории, религиозные сцены из буддийской традиции. Широко распространено изображение портретов важных государственных деятелей.

В период Муромати (временной отрезок с первой половины XIV века по вторую половину XVI века) на первый план выходит тенденция, прославившая японскую живопись на весь мир. Философия дзэн-буддизма оказала значительное влияние на живопись, в результате чего популярность приобрело пейзажное искусство. Особенную элегантность получила монохромная техника. В этот период на японскую живопись оказал влияние Китай. Самый известный художник Японии того времени Тоё Ода, специализировавшийся на написании пейзажей, создал первые картины, когда путешествовал по Поднебесной. Развил направление он уже на родине.

Вышеописанная тенденция активно развивалась и дополнялась во время двух следующих периодов развития японской живописи — Монояма и Эдо . Монохромная техника представляла собой более утонченный вариант. Тщательно прорабатывали и вырисовывали детали. Художники не побоялись экспериментов и стали применять приемы, ранее использовавшиеся в живописи на свитках и ширмах, в настенной росписи. Пейзажи и массовые сцены стали дополняться психологическими историями, демонстрирующими героя в момент сильного эмоционального напряжения. Помимо традиционной живописи в Японии активное распространение получила гравюра на дереве. Она разделялась на два вида: театральная гравюра и бытописательная гравюра. Самым известным мастером театральной гравюры является Тёсюсай Сяраку. Бытописательная гравюра активно развивалась в творчестве Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро.

Любите ли вы японскую живопись? Как много вы знаете о знаменитых японских художниках? Давайте рассмотрим с вами в этой статье наиболее известных художников Японии которые творили свои произведения в стиле укиё-э (浮世絵). Этот стиль живописи получил свое развитие с периода Эдо. Иероглифы, которыми записывается этот стиль 浮世絵 дословно означают «картины (образы) изменчивого мира», подробнее об этом направлении живописи вы можете прочитать

Хисикава Моронобу (菱川 師宣, 1618-1694). Считается основателем жанра укиё-э, хотя, на самом деле, он всего лишь первый мастер, о жизни которого сохранились биографические сведения. Моронобу родился в семье мастера по окраске тканей и вышивке золотыми и серебряными нитями и долгое время занимался семейным ремеслом, поэтому отличительной чертой его работ являются красиво декорированные одежды красавиц, дающие прекрасный художественный эффект.

Переехав в Эдо, он сначала самостоятельно изучал приёмы живописи, а затем его обучение продолжил художник Камбун.

До нас дошли, в основном, альбомы Моронобу, в которых он изображает исторические и литературные сюжеты и книги с образцами узоров для кимоно. Также мастер работал в жанре сюнга, а среди отдельных работ сохранилось несколько с изображением прекрасных женщин.

(鳥居清長, 1752-1815). Признанный в конце 18 века мастер Сэки (Сэкигути) Синсукэ (Исибэй) носил псевдоним Тории Киёнага, который он взял, унаследовав школу укиё-э Тории от Тории Киёмицу после смерти последнего.

Родился Киёнага в семье торговца книгами Сиракоя Исибэй. Наибольшую известность ему принёс жанр бидзинга, хотя начинал он с якуся-э. Сюжеты для гравюр в жанре бидзинга брались из повседневной жизни: прогулки, праздничные шествия, выезд на природу. Среди многих работ художника выделяются серии «Состязания модных красавиц из весёлых кварталов», изображающая Минами, один из «весёлых кварталов» на юге Эдо, «12 портретов южных красавиц», «10 видов чайных лавок». Отличительной чертой мастера была детальная проработка фонового вида и использование пришедших с Запада приёмов изображения света и пространства.

Первоначальную славу Киёнага получил при возобновлении в 1782 году серии «Образцы мод: модели, новые, как весенняя листва», начатой Корюсаем в 1770-е для издателя Нисимурая Ёхати.

(喜多川歌麿, 1753-1806). На этого выдающегося мастера укиё-э оказали существенное влияние Тории Киёнага и издатель Цутая Дзюдзабуро. В результате длительного сотрудничества с последним вышло множество альбомов, книг с иллюстрациями и серий гравюр.

Несмотря на то, что Утамаро брал сюжеты из жизни простых ремесленников и стремился изображать природу («Книга о насекомых»), слава к нему пришла как к художнику произведений, посвящённых гейшам из квартала Ёсивара («Ежегодник зелёных домов Ёсивара»).

Утамаро достиг высокого уровня в выражении душевных состояний на бумаге. Впервые в японской ксилографии стал использовать погрудные композиции.

Именно творчество Утамаро повлияло на французских импрессионистов и способствовало интересу европейцев к японским гравюрам.

(葛飾 北斎, 1760-1849). Настоящее имя Хокусая — Токитаро. Наверное, самый широко известный по всему миру мастер укиё-э. На протяжении всего творчества использовал свыше тридцати псевдонимов. Нередко историки используют псевдонимы для периодизации его творчества.

Сначала Хокусай работал резчиком, работа которого ограничивалась замыслом художника. Этот факт тяготил Хокусая, и он начал искать себя как самостоятельный хужодник.

В 1778 году он стал учеником в студии Кацукава Сюнсё, специализировавшейся на гравюрах в жанре якуся-э. Хокусай был и талантливым, и очень прилежным учеником, всегда оказывавшим почтение учителю, а поэтому пользовался особым благоволением Сюнсё. Таким образом, первые самостоятельные работы Хокусая были в жанре якуся-э в виде диптихов и триптихов, а популярность ученика сравнялась с популярностью учителя. В это время молодой мастер уже настолько развил свой талант, что ему стало тесно в рамках одной школы, и после смерти учителя Хокусай покидает студию и изучает направления других школ: Кано, Сотацу (иначе - Коэцу), Римпа, Тоса.

В этот период художник испытывает значительные финансовые трудности. Но в это же время происходит его формирование как мастера, который отказывается от привычного изображения, которое требовало общество, и ищет свой собственный стиль.

В 1795 году свет увидели иллюстрации к поэтической антологии «Кэка Эдо мурасаки». Затем Хокусай пишет картины суримоно, которые тут же начали пользоваться популярностью, и многие художники принялись за их имитацию.

С этого периода Токитаро начал подписывать свои работы именем Хокусай, хотя некоторые его произведения выходили под псевдонимами Тацумаса, Токитаро, Како, Соробэку.

В 1800 году мастер стал называть себя Гакэдзин Хокусай, что означало «Безумный живописью Хокусай».

К известным сериям иллюстраций относятся «36 видов горы Фудзи», из которой наиболее выделяются «Победный ветер. Ясный день» или «Красная Фудзи» и «Большая волна в Канагаве», «100 видов горы Фудзи», вышедшая тремя альбомами, «Манга Хокусая» (北斎漫画), которую называют «энциклопедией японского народа». Художник вложил в «Мангу» все свои взгляды на творчество, философию. «Манга» является важнейшим источником по изучению жизни Японии того времени, так как включает множество культурных аспектов. Всего при жизни художника вышло двенадцать выпусков, а после его смерти - ещё три:

* 1815 - II, III

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (после смерти художника)

Искусство Хокусая повлияло на такие европейские направления, как ар-нуво и французский импрессионизм.

(河鍋 暁斎, 1831 -1889). Использовал псевдонимы Сэйсэй Кёсай, Сюрансай, Байга Додзин, обучался в школе Кано.

В отличие от Хокусая, Кёсай был довольно развязным, что стало причиной его разлада с художником Цубоямой Тодзаном. После школы стал самостоятельным мастером, хотя иногда и посещал её в течение ещё пяти лет. В то время он писал кёга, так называемые «сумасшедшие картины».

Среди выдающихся гравюрных работ выделяют «Сто картин Кёсая». В качестве иллюстратора Кёсай создаёт в сотрудничестве с другими художниками изображения к новеллам и романам.

В конце 19 века в Японию часто наведывались европейцы. С некоторыми из них художник был знаком, и несколько его работ сейчас находятся в Британском музее.

(歌川広重, 1797-1858). Работал под псевдонимом Андо Хиросигэ (安藤広重) и известен тонкой передачей природных мотивов и природных явлений. Первую картину «Гора Фудзи в снегу», которая сейчас хранится в музее Сантори в Токио, он написал в десять лет. Сюжеты ранних работ основывались на реальных событиях, происходящих на улицах. Его известные циклы: «100 видов Эдо», «36 видов горы Фудзи», «53 станции Токайдо», «69 станций Кимокайдо», «100 известных видов Эдо». На Моне и русского художника Билибина оказали большое влияние «53 станции дороги Токайдо», написанные после путешествия по восточно-приморской дороге, а также «100 видов Эдо». Из серии в жанре катё-га в 25 гравюр наиболее известен лист «Воробьи над покрытой снегом камелией».

(歌川 国貞, известен также, как Утагава Тоёкуни III (яп. 三代歌川豊国)). Один из самых выдающихся художников укиё-э.

Уделял особое внимание актёрам кабуки и самому театру – это около 60% от всех произведений. Также известны работы в жанре бидзинга и портреты борцов сумо. Известно, что он создал от 20 до 25 тысяч сюжетов, в которые вошли 35-40 тысяч листов. К пейзажам и воинам он обращался редко. Утагава Куниёси(歌川 国芳, 1798 — 1861). Родился в семье красильщика шёлка. Учиться рисованию Куниёси начал в десятилетнем возрасте во время проживания в их семье художника Кунинао. Затем он продолжил обучаться у Кацукавы Сюнъэй, а в 13-летнем возрасте он поступает на обучение в мастерскую Токуёни. Первые годы у молодого художника дела идут неважно. Но после получения от издателя Кагая Китибэй заказа на пять гравюр для серии 108 героев Суйкодэн дела пошли в гору. Он создаёт остальных героев этой серии, а затем приступает к другим различным работам, и через пятнадцать лет он становится в один ряд с Утагавой Хиросигэ и Утагавой Кунисадой.

После запрета 1842 года на изображения театральных сцен, актёров, гейш и куртизанок Куниёси пишет свою «кошачью» серию, делает гравюры из воспитательной серии для домохозяек и детей, изображает национальных героев в серии «Традиции, мораль и благочиние», а к концу 1840-х - началу 1850-х годов после ослабления запретов художник возвращается к теме кабуки.

(渓斎 英泉, 1790-1848). Известен работами в жанре бидзинга. В его лучшие работы входят портреты типа окуби-э («большие головы»), которые считаются образцами мастерства эпохи Бунсэй (1818-1830), когда жанр укиё-э был в упадке. Художник написал много лирических и эротических суримоно, а также цикл пейзажей «Шестьдесят девять станций Кисокайдо», который он не смог довести до конца, и его закончил Хиросигэ.

Новизна в изображении бидзинга заключалась в чувственности, которой раньше не было у других художников. По его произведениям мы можем понять моду того времени. Также он издал биографии «Сорока семи ронинов» и написал ещё несколько книг, включая «Историю гравюр укиё-э» (Укиё-э руйко), содержащую биографии художников. А в «Записках безымянного старца» он описал себя как развратного пьяницу и бывшего владельца борделя в Недзу, сгоревшего дотла в 1830-е годы.

Судзуки Харунобу (鈴木春信, 1724-1770). Настоящее имя художника — Ходзуми Дзиробэй. Он является первооткрывателем полихромной печати укиё-э. Учился в школе Кано и изучал живопись. Затем под влиянием Сигэнага Нисимура и Тории Киёмицу его увлечением стала ксилография. Гравюры в два-три цвета изготавливались ещё с начала 18 века, а Харунобу начал писать картины в десять цветов, используя три доски и комбинируя три цвета – жёлтый, синий и красный.

Выделялся в изображении уличных сценок и картин в жанре сюнга. А с 1760-х был одним из первых, кто начал изображать актёров театра кабуки. Его работы оказали влияние на Э.Мане и Э.Дега.

(小原 古邨, 1877 — 1945). Его настоящее имя Матао Охара. Изображал сцены из русско-японской и китайско-японской войны. Однако после появления фотографии его работы стали продаваться плохо, и он начал зарабатывать на жизнь преподаванием в школе изящных искусств в Токио. В 1926 году Эрнест Феллоза, куратор отдела японского искусства в Бостонском музее, уговорил Охару вернуться к живописи, и художник начал изображать птиц и цветы, а его работы хорошо продавались за рубеж.

(伊藤若冲, 1716 - 1800). Выделялся среди остальных художников эксцентричностью и образом жизни, заключающемся в дружбе со многими культурными и религиозными деятелями того времени. Изображал животных, цветы и птиц в весьма экзотическом виде. Был очень известен и принимал заказы на роспись ширм и храмовые картины.

(鳥居 清信, 1664-1729). Один из важнейших представителей раннего периода укиё-э. Несмотря на большое влияние своего учителя Хисикавы Моноробу, стал основателем жанра якуся-э в изображении афиш и плакатов и изобрёл свой собственный стиль. Актёры изображались в специальных позах в роли храбрых героев и были окрашены в
благородный оранжевый цвет, а злодеи были нарисованы в синих цветах. Для изображения страсти художник изобрёл особый тип рисунка мимидзугаки — это извилистые линии с чередованием тонких и толстых штрихов и совмещение с гротескным изображением мускулов конечностей.

Тории Киёнобу является основателем династии художников Тории. Его учениками были Тории Киёмасу, Тории Киёсигэ I, Тории Киёмицу.

А кто ваш любимый художник укиё-э?

Японский язык отличается от любого европейского своей структурой, что может вызвать определённые трудности при изучении. Однако не волнуйтесь! Специально для вас вы разработали курс « «, на который вы можете записаться прямо сейчас!

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

Монохромная живопись Японии - одно из уникальных явлений искусства Востока. Ей посвящено немало работ и исследований, но часто ее воспринимают как вещь весьма условную, а порой даже декоративную. Это не так.Духовный мир японского художника очень богат, и он заботится не столько об эстетической составляющей, сколько о духовной. ИскусствоВостока - это синтез внешнего и внутреннего, явного и неявного.

В данном посте хотелось бы уделить внимание не истории монохромной живописи, а ее сути. Об этом и пойдет речь.

ширма "Сосны" Хасэгава Тохаку, 1593г.

То, что мы видим на монохромных картинах - это результат взаимодействия художника сосновной триадой: бумага, кисть, тушь. Поэтому чтобы правильно понимать работу, надо понимать самого художника и его отношение.

"Пейзаж" Сэссю, 1398г.

Бумага для японского мастера не просто подручный материал, который он подчиняет своей прихоти, а скорее наоборот - это «собрат», поэтому и отношение к ней сложилось соответствующее. Бумага это часть окружающей природы, к которой японцы всегда относились трепетно и старались не подчинить себе, а мирно сосуществовать с ней. Бумага - это в прошлом дерево, которое стояло в определенной местности, определенное время, «видело» что-то вокруг себя, и она все это хранит. Так материал воспринимает японский художник. Часто мастера прежде чем начать работу, долго смотрели на чистый лист (созерцали его) и только потом приступали кживописи. Даже сейчас современные японские художники, которые занимаются техникой Нихон-га (традиционная японская живопись) тщательно выбирают бумагу. Они покупают ее под заказ на бумажных фабриках. Для каждого художника определенной толщины, влагопроницаемости и фактуры (многие художники даже заключают договор с владельцем фабрики не продавать эту бумагу другим художникам) - поэтому каждая картина и воспринимается как нечто уникальное и живое.

"Читая в бамбуковой роще" Сюбун, 1446г.

Говоря о значимости этого материала, стоит упомянуть такие известные памятники литературы Японии как «Записки у изголовья» Сэй Сёнагон и «Гэндзи моноготари» Мурасаки Сикибу: и в «Записках», и в «Гэндзи» можно встретить сюжеты, когда придворные или влюбленные обмениваются посланиями. Бумага, на которой писались эти послания была соответствующего времени года, оттенка, а манера написания текста соответствовала ее фактуре.

"Мурасаки Сикибу в храме Исияма" Кёсэн

Кисть - вторая составляющая, это продолжение руки мастера (опять же - это природный материал). Поэтому кисти тоже делались на заказ, но чаще всего самим художником. Он подбирал волоски необходимой длины, выбирал размер кисти и наиболее удобную рукоять. Мастер пишет только своей кистью и никакой другой. (Из личного опыта: была на мастер-классе китайского художника Цзян Шилуня,зрители попросили показать, что умеют его ученики, присутствовавшие на мастер-классе, и каждый из них, взяв в руки кисть мастера, говорил, что получится не то что они ожидают, так как кисть не их, они к ней не привыкли и не знают как правильно ей пользоваться).

"Фудзи" эскиз тушью Кацусика Хокусай

Тушь - третий важный элемент. Тушь бывает разных видов: она может дать после высыхания глянцевый или матовый эффект, может быть с примесью серебристых или охристых оттенков, поэтому правильный выбор туши также не маловажен.

Ямамото Байцу, конец XVIII - XIX век.

Основные сюжеты монохромной живописи это пейзажи. Почему в них нет цвета?

Парная ширма "Сосны", Хасэгава Тохаку

Во-первых, японского художника интересует не сам предмет, а его суть, некая составляющая, которая является общей для всего живого и приводит к гармонии человека с природой. Поэтому изображение - всегда намек, оно обращено к нашим чувствам, а не к зрению. Недосказанность - это стимул диалога, а значит соединения. В изображении важны линии и пятна - они образуют художественный язык. Это не вольность мастера, который где захотел, там оставил жирный след, а в другом месте наоборот недорисовал - в картине все имеет свой смысл и значение, и не несет случайного характера.

Во-вторых, цвет всегда несет какую-то эмоциональную окраску и по-разному воспринимается разными людьми в разных состояниях, поэтому эмоциональная нейтральность позволяет зрителю наиболее адекватно вступить в диалог, расположить его к восприятию, созерцанию, мысли.

В-третьих,это взаимодействие инь и ян, любая монохромная картина гармонична с точки зрения соотношения в ней туши и нетронутой области бумаги.

Почему большая часть пространства бумаги не задействована?

"Пейзаж" Сюбун, середина XV века.

Во-первых, незаполненность пространства окунает зрителяв изображение; во-вторых, изображение создается так, словно оно на мгновение выплыло на поверхность и вот-вот исчезнет - это связано с мировоззрением и мировосприятием; в-третьих, на тех областях, где нет туши на первый план выходит фактура и оттенок бумаги (на репродукциях это не всегда видно, но на деле это всегда взаимодействие двух материалов - бумаги и туши).

Сэссю, 1446г.

Почему пейзаж?


"Созерцание водопада" Гэйами, 1478г.

Согласно японскому мировоззрению, природа совершеннее человека, поэтому он должен у нее учиться, всячески ее беречь, а не уничтожать или подчинять. Поэтому на многих пейзажах можно увидеть небольшие изображения людей, но они всегда незначительны, малы по отношению к самому пейзажу, или изображения хижин, которые вписаны в окружающее их пространство и даже не всегда заметны - это все символы мировоззрения.

"Времена года: Осень и Зима" Сэссю. "Пейзаж" Сэссю, 1481г.

В заключение, хочу сказать, что монохромная японская живопись это не хаотично разбрызганная тушь, это не прихоть внутреннего эго художника - это целая система образов и символов, это хранилище философской мысли, а главное, способ коммуникации и гармонизации себя и окружающего мира.

Вот, думаю, ответы на основные вопросы, возникающие у зрителя при столкновении с монохромной японской живописью. Надеюсь, они помогут вам наиболее правильно понять ее и воспринять при встрече.

Здравствуйте, дорогие читатели – искатели знаний и истины!

Художники Японии отличаются неповторимым стилем, отточенный целыми поколениями мастеров. Сегодня мы расскажем о самых ярких представителях японской живописи и их картинах, начиная с древних времен и заканчивая современностью.

Что же, давайте окунемся в искусство Страны восходящего солнца.

Зарождение искусства

Древнее искусство живописи Японии в первую очередь связано с особенностями письма и потому строится на основах каллиграфии. К первым образцам относятся фрагменты найденных при раскопках колокольчиков из бронзы, посуды, предметов обихода. Многие из них были расписаны натуральными красками, а исследования дают повод полагать, что изготовлены изделия были ранее, чем в 300 году до нашей эры.

Новый виток развития искусства начался с приходом в Японию. На эмакимоно – особые свитки из бумаги – наносились изображения божеств пантеона буддизма, сюжеты из жизни Учителя, его последователей.

Преобладание религиозных тем в живописи прослеживается в средневековой Японии, а именно – с X по XV столетия. Имена художников той эпохи до наших дней, увы, не сохранились.

В период 15-18 веков начинается новое время, характеризующееся появлением художников с выработанным индивидуальным стилем. Они обозначили вектор дальнейшего развития изобразительного искусства.

Яркие представители прошлого

Тенсе Сюбун (начало 15 века)

Для того, чтобы стать выдающимся мастером, Сюбун изучал технику письма сунских художников Китая и их работы. Впоследствии он стал одним из основоположников живописи в Японии и создателем суми-э.

Суми-э – художественный стиль, который базируется на рисовании тушью, а значит, одном цвете.

Сюбун сделал многое, чтобы новый стиль прижился в художественных кругах.Он обучал художеству других дарований, в числе которых оказались будущие известные живописцы, например Сэссю.

Самая популярная картина Сюбуна называется «Читая в бамбуковой роще».

«Читая в бамбуковой роще», Тенсе Сюбун

Хасэгава Тохаку (1539—1610)

Он стал создателем школы, названной в честь его самого – Хасэгава. Поначалу он старался следовать канонам школы Кано, но постепенно в работах стал прослеживаться его индивидуальный «почерк». Тохаку ориентировался на графику Сэссю.

Основу работ составляли простые, лаконичные, но реалистичные пейзажи с незамысловатыми названиями:

  • «Сосны»;
  • «Клен»;
  • «Сосны и цветущие растения».


«Сосны», Хасэгава Тохаку

Братья Огата Корин (1658—1716) и Огата Кэндзан (1663—1743)

Братья были прекрасными мастерами 18 века. Старший – Огата Корин – полностью посвятил себя живописи и основал жанр римпа. Он избегал стереотипных изображений, отдавая предпочтение импрессионистскому жанру.

Огата Корин писал природу в целом и цветы в виде яркости абстракций в частности. Его кисти принадлежат картины:

  • «Цветение сливы красным и белым»;
  • «Волны Мацусимы»;
  • «Хризантемы».


«Волны Мацусимы» Огата Корин

Младший брат – Огата Кэндзан – имел множество псевдонимов. Он хоть занимался живописью, но знаменит был больше как замечательный керамист.

Огата Кэндзан владел многими техниками создания керамики. Его отличал нестандартный подход, к примеру, он создавал тарелки в виде квадрата.

Собственная роспись не отличалась пышностью – в этом тоже была его особенность. Он любил наносить на изделия каллиграфию наподобие свиточной или отрывки из стихов. Иногда они работали вместе с братом.

Кацусика Хокусай (1760—1849)

Творил в стиле укиё-э – своеобразной ксилографии, иными словами, гравюрной живописи. За все время творчества сменил порядка 30 имен. Известнейшая работа – «Большая волна в Канагаве», благодаря которой стал знаменит за пределами родины.


«Большая волна в Канагаве», Хокусай Кацусика

Особенно усердно Хокусай стал работать после 60 лет, что принесло хорошие плоды. С его творчеством были знакомы Ван Гог, Моне, Ренуар, и в известной степени оно оказало влияние на работы европейских мастеров.

Андо Хиросиге (1791—1858)

Один из величайших художников 19 века. Родился, жил, творил в Эдо, продолжил дело Хокусая, вдохновлялся его работами. То, как он изображал природу, поражает почти так же, как количество самих работ.

Эдо – бывшее название Токио.

Вот некоторые цифры о его творчестве, которые представлены циклом картин:

  • 5,5 тысяч – количество всех гравюр;
  • «100 видов Эдо;
  • «36 видов Фудзи»;
  • «69 станций Кисокайдо»;
  • «53 станции Токайдо».


Живопись Андо Хиросигэ

Интересно, что выдающийся Ван Гог написал пару копий его гравюр.

Современность

Такаси Мураками

Художник, скульптор, дизайнер одежды, он заработал имя уже в конце 20 века. В творчестве придерживается модных тенденций с элементами классики, а вдохновение черпает из мультфильмов аниме и манга.


Живопись Такаси Мураками

Работы Такаси Мураками причисляют к субкультуре, но при этом они пользуются невероятной популярностью. К примеру, в 2008 году одну из его работ купили с аукциона больше чем за 15 миллионов долларов. В свое время современный творец работал совместно с модными домами «Marc Jacobs» и «Louis Vuitton».

Тихо Асима

Соратница предыдущего художника, она создает современные сюрреалистичные картины. На них изображены виды городов, улицы мегаполисов и существа будто из другой вселенной — привидения, злые духи, инопланетные девушки. На заднем плане картин зачастую можно заметить первозданную, иногда даже пугающую природу.

Ее картины достигают больших размеров и редко ограничиваются бумажными носителями. Их переносят на кожаные, пластиковые материалы.

В 2006 году в рамках выставки в британской столице женщина создала порядка 20 арочных сооружений, которые отражали красоту природы села и города, дня и ночи. Одно из них украшало станцию метро.

Эй Аракава

Молодого человека нельзя назвать просто художником в классическом понимании слова – он создает инсталляции, такие популярные в искусстве 21 века. Темы его выставок поистине японские и затрагивают дружественные отношения, а также труд всем коллективом.

Эй Аракава часто участвует в различных биеннале, например, в Венеции, выставляется в музее современного искусства на родине, заслуженно получает разного рода награды.

Икенага Ясунари

Живописцу современности Икенага Ясунари удалось совместить две, казалось бы, несовместимые вещи: жизнь нынешних девушек в портретном виде и традиционные техники Японии родом из древности. В работе живописец использует специальные кисточки, натуральные пигментированные краски, чернила, уголь. Вместо привычного полотна – ткань из льна.


Живопись Икенага Ясунари

Подобная техника контраста изображаемой эпохи и внешнего вида героинь создает впечатление, что они вернулись к нам из прошлого.

Популярная в последнее время в интернет-сообществе серия картин про сложности жизни крокодила тоже создана японцем – художником-карикатуристом Кейго.

Заключение

Итак, японская живопись зародилась приблизительно в 3 веке до нашей эры, и с тех пор сильно изменилось. Первые изображения наносились на керамику, затем в художествах стали преобладать буддийские мотивы, но имена авторов не сохранились до наших дней.

В эпоху Нового времени мастера кисти приобретали все большую индивидуальность, создавали разные направления, школы. Сегодняшнее изобразительное искусство не ограничивается традиционной живописью – в ход идут инсталляции, карикатуры, художественные скульптуры,особые сооружения.

Большое спасибо за внимание, дорогие читатели! Надеемся, вам оказалась полезной наша статья, а рассказы о жизни и творчестве ярчайших представителей арт-искусства позволили познакомиться с ними поближе.

Конечно, сложно в одной статье рассказать про всех художников с древности до современности. Поэтому пусть это будет первый шаг на пути к познанию японской живописи.

И присоединяйтесь к нам — подписывайтесь на блог — будем изучать буддизм и культуру востока вместе!