Обсуждение спектакля. Обсуждение спектакля "фронтовичка"

Николай Коляда:

Вычитывал-вычитывал второй номер газеты, все запятые, а не заметил, что написано на нем номер один. Теперь на нашем фестивале два первых номера газеты!

Обсуждение спектаклей - главное, что есть на фестивале, потому что у нас фестиваль-лаборатория, а не фестиваль достижений.

У нас очень сильная коллегия критиков.

Обсуждаем все, кроме «Москва-Петушки», он лучше всех.

Театр «Туки-Луки», Пермь, спектакль «О 2 »
Лилия Немченко:

Первый спектакль фестиваля показал, что у нас европейский город. В смысле свободы.

Уличный театр, с которого начинают «Туки-Луки», - выстроен по всем законам площадного театрального действа. Это бешеный темпоритм; принципиально освоенное пространство, которое постоянно работает; точное послание.

От противопоставления свой-чужой персонажи приходят к принятию другого, проделывают духовную работу.

Рядом со мной был ребенок полутора лет примерно. И он сначала хохотал, а потом, когда инопланетянин прощался, у него полились слезы. И это дорогого стоит. Ради этого вы работаете в театре, а мы смотрим.

Предметный мир - понятный, внятный. Сначала он кажется даже набором обывательских ценностей (печка, телевизор). Хорошо обыгран переход из одного пространства в другое через коврик.

Происходит исследование архаических мифов, прямо по французской антропологической школой: проводятся ритуалы обмена, дара.

Происходит визуализация остеровских вредных советов. Отсутствуют все запреты, брезгливость, как это бывает у детей. Спасибо вам за свободу, которую вы подарили.

Леонид Быков:

«Кислород» из Перми - славная фестивальная увертюра.

Театр не только и не столько исследует глубокие философские и психологические парадоксы, сколько увлек своей пассионарностью, стихией игры.

«О» - это и категория 0+, и кислород.

Спектакль - гимн чуду воображения. Вещи со свалки становятся символами домашнего уюта.

На первый взгляд очень «мусорный» спектакль, мусорность в ее очевидности, «трэш». Но это представление опровергается, заставляя вспоминать слова Ахматовой: когда б вы знали, из какого сора!.. Навоз быта обернулся благоуханием искусства.

Сегодня, когда навязывается отторжение иного или особого, - этот спектакль против этой тенденции.

Спектакль уличный по форме, но очень домашний по содержанию. Гимн дому, дому семьи и дому искусства.

Марина Романова:

Спектакль комплексно воспринимался взрослыми и детьми. Здорово, когда разные поколения воспринимают в унисон.

В финале спектакля всех нас обратили к небу.

Елена Соловьева:

Спасибо художнику за костюмы, персонажи получились невероятно обаятельные.

Татьяна Филатова:

В спектакле происходит чудо рождения всего из ничего, чудо театра. Это свежо и первозданно.

Театр «Туки-Луки», Пермь, спектакль «Рыжая плутовка»
Вера Сердечная:

В спектакле выстроен забавный вещный мир. Заборчики - не только способ мгновенной смены сценографии, но и метафора закрытости деревеньки, в которую приходит лиса.

Лисица - главный злодей, трикстер, который «сшивает» разные сказки и разных персонажей. Она остается ненаказанной - и в этом есть правда жизни, но как будто бы не хватает сказочной справедливости.

Понятно, почему заяц такой большой: он все время заедает стресс.

Один из плюсов спектакля - пение; оно на новом уровне вводит маленьких зрителей в фольклорную эстетику.

После первого спектакля, О2, ожидания очень высоки. «Рыжая плутовка» качественный спектакль, но лично мне в нем не хватило новаторства, изобретения.

Вологодский театр для детей и молодежи, «Марьино поле»
Леонид Быков:

При множестве поставленных задач, спектакль не смог убедить, что эта пьеса - большая репертуарная удача.

Сегодня нередко в спектаклях задействуется кинематограф. Сцена себя подпитывает допингом экрана.

Тексты Высоцкого здесь - основное содержательное блюдо, а остальное - гарнир.

В том, что явлено глазу, много факультативного и даже лишнего. При всей динамике эпизодов - внутренняя статичность.

Ольга Галахова:

Для пьесы Богаева характерны проблемы одной из тенденций новой драмы: беспечное сосуществование реального и условного; драматурги не обременяют себя тем, чтобы обосновывать переход от одной эстетики к другой.

Здесь произвольно появляются исторические персонажи: Наполеон, Гитлер… Почему этот ряд? Само путешествие к мужьям - условное? Они сидят на месте?

Пьеса требует от режиссера быть соавтором драматурга.

Пьеса предполагает очень сложный способ существования. И актрисы играют то Распутина с Беловым, то клоунаду Полунина.

Дорога мне в пьесе мысль о стране, которая воюет. Мы их победили, но мы не остановились и продолжаем воевать… И если Марьино поле - это выжженная войной земля, то при чем здесь скоморошество? Тогда бы играть трагифарс, но он тоже не развит.

Когда театр берется за современную драму, то ожидать шедевра сложно. Хочется, но сложно. Нет традиции постановок, каждый режиссёр тут - первопроходец.

Марина Романова:

Возможна разная стилистика, тем более что речь идет о «Марьином поле», просторном для режиссёрского выбора.

Переходы с одного плана на другой есть в пьесе; необязательно делать их жесткими и понятными. Необязательно нам точно знать, идут ли старухи два километра или это только видения женщины на краю жизни. Ее путь - это путь в ее прошлое.

Относительная современность представлена через песни Высоцкого. Это придает истории новое измерение.

Характеры созданы четко, не детально, но понятно.

Наталия Подкорытова:

У меня было несколько точек вхождения, принятия / непринятия спектакля. Когда актрисы говорили старческими голосами - нет; а вот когда они превратились в скоморошеских молодух - образ спектакля начал складываться.

Лично для меня спектакль случился в финале. Здесь я видела и преисподнюю, и девушек в состоянии деменции, что в общем многое объясняет.

С песнями часто смысловое попадание невероятное. Другое дело - как они исполнялись: и не по-деревенски, и не красиво-правильно…

Не возникло сочувствия к героиням. А, наверное, должно было быть.

Молодежный театр « Les Partisans» , Ижевск, «Шлюхи - не огонь»
Татьяна Филатова:

Я верила тому, что написано в программке. Ждала от женской темы откровения, особенно это интересно потому, что автор - мужчина. Но ожидания не оправдались, к огромному сожалению.

Тема заявлена и звучит внятно. Это не женский, а девичий мир, где мужчины вынесены за скобки. Это мир еще не женщин: они либо определяют себя через отношения с мужчинами, либо девы-воительницы (как Геля, которая «огонь» и позиционирует себя иначе).

Однако тема не нова; ее давно нащупали, по ней топчутся. И тут необходима острота, обнаженность, а это сложное дело.

Достоинство пьесы - тема, заявленная в заголовке. Но эта тема в какой-то момент перестает наполняться. События жизни героини на тему не работают.

Метафора солнца, огня - сильная, но и она перестает играть.

Для меня центральный персонаж - Юлька: и смешно, и трогательно.

В главной героине - мало красок. Вначале она выглядит пригвожденной; но потом должны сниматься слои, а этого не происходит. Истерика, предательство, загнанность в угол - даны буквально и пролетели мимо меня.

Не очень внятен финал.

Органично визуальное решение.

Наталья Шаинян:

Шергин - автор талантливый и интересный, но эту вещь я бы удачной не назвала. Название считывается иначе. «Шлюхи - не огонь» это как будто бы «так себе шлюхи», можно и получше.

Идея пьесы - нехорошо продаваться. Эта свежая мысль относит пьесу к морализаторству XVII века.

Эта пьеса действительно препарирует мышление, но не современное, не женское, а авторское и мужское.

Режиссер сознательно уходит в тень. Тебе предъявляют кусок авторских размышлений, не додуманных, не доделанных до конца; от души, но не четко отрефлексированных.

Это мир без мужчин, где мужчина - такое божество, которое общается голосом сверху, которое может дать денег женщине или лишить ее их. Чем отличается условный Женя от условного Паши - неясно.

Маменька - жирно выписанный комический персонаж, который ни для чего в пьесе больше не нужен.

Автор вдохновляется модными историями с видеоблогами, но блог - это короткий жанр, а тут - неспешный нарратив.

Некое существо ангелической природы и имени, что-то среднее между мужчиной и женщиной, Геля… Автор не решается дать их связь с Аленой как сексуальную, подает ее как женскую дружбу, поому что для автора секс - это грязь. Не только продаваться нехорошо, но и заниматься сексом.

Подруги Алены - статисты, здесь не женщины, а карикатурные абрисы. Мизогинистическая пьеса, и как выходить из этого - непонятно.

Актриса умудряется вызывать симпатию зала, хотя драматург не удосужился объяснить, в чем у Алены проблема. Что с девочкой не то?

Несмотря на морализаторство, вопреки всему смыслу этой простецкой истории с рядом бытовых неувязок, - все же это театр. Благодаря музыке ли, или обаянию молодых актрис, в морализаторской истории рождается жизнь вопреки авторским конструктам.

Елена Ильина:

В программке заявлен важный вопрос: есть ли душа у женщины? Спектакль, к счастью, на ответ на этот вопрос не претендует.

Героиня исходно счастлива: в одной руке бутылка, в другой телефон.

Благодарю режиссера за его чувство меры, он нашел для героини способ существования. Чуть больше иронии - была бы карикатура; чуть меньше - излишняя драматизация. Единственный перебор - это перебор в мате. Понятно, что это язык, который всех объединяет (тех, кто учил и немецкий, и английский, и даже грузин); но это понятно довольно быстро, дальше можно убирать.

И название можно было бы поменять.

Спасибо медиахудожнику, он хорошо сработал.

Интересно сделан образ Жени: он абсолютно нейтральный, и героиня не понимает, что это на самом деле мужчина ее мечты.

Вера Сердечная:

Я думала, как определить особенность пьес Шергина, подобрать жанровый ключ, и спектакль мне в этом помог. Этот ключ - кинематографичность. И в этом смысле драматург, режиссер и медиахудожник сработали точно и в унисон. Они делают что-то на границе собственно театра и медиаарта, и это сделано интересно.

Героиня живет на фоне экрана, экран с его сообщениями и красивыми заставками, - это все, что ей нужно. Какие-то бытовые вещи нужны только маме.

По сути мы видим что-то вроде молодежной комедии о герое за рамками морали. Такой Гай Ричи, только для девочек. И в этом причина зрительского успеха спектакля, который очевиден.

Однако это заступание на границы новых жанров требует постановки новых задач для режиссера и актеров, а это пока больше заявлено, чем сделано.

Алексей Кокин:

Женские исповедальные монологические пьесы - это не ново.

Наличие женской души - это проблема, которую веками обсуждали католические теологи. И я подумал, что Шергин - это Савонарола, который в этой и других пьесах занимается обличением.

Спектакль - коммерческий продукт, начиная с названия.

Большой привет копирайтеру, автору программки, - он написал текст, достойный кисти Айвазовского.

Трудно сыграть пьяного, не менее трудно сыграть развязность.

Обилие мата - едва ли не единственное, что вызвало живую реакцию Мат тут - это комический гэг.

Видеоряд лаконичен точен, кинематографичен. Первый раз видел вживую такую работу с мэппингом. Это точно простроено мизансценически и классно работает.

Московский Приквел к Студенческой Маске-2011. Обсуждения-3.
Dec. 1st, 2010 at 12:00 PM

Обсуждение спектакля «Дом Бернарды Альбы»(Ф.Г. Лорка), творческий центр «Театральный особнякъ» (г. Москва), режиссёр Леонид Краснов. Выдержки.

Валерий Карлович Бегунов:

Несколько предваряющих слов. Здесь есть перекличка с «Яростью» - только там школа, а здесь дом. И ещё вы видели не совсем тот спектакль, который идёт у них дома, это немножко другая сцена, потому что там «чёрный кабинет», а здесь белое – появились тени и вас стало как будто вдвое больше, причём тени оказались цветными. Спектакль, в общем, был обогащён. И хочу сказать, это первый спектакль, где Бернарда Альба не злая. Смотришь и понимаешь, Бернарда Альба хочет править, чтобы спасти, у неё не получается, она жестка более по традиции, чем сама по себе. Ощущение такое, что этот мир не может быть жестоким только потому, что жестоки его законы … Леонид Краснов, создатель театра «Театральный особнякъ», я хочу спросить: ты именно это делал или я вхожу в противоречие с твоим анонсом?
Леонид Краснов:
Да, мы специально сделали эту сцену со старшей дочерью так, чтобы зритель понимал, что она – настоящая мать, так что никакого противоречия. А от зрителей будут вопросы? Это дипломный спектакль. Наше маленькое образовательное ноу-хау, то, что мы в качестве педагогов по танцу пригласили людей, которые занимаются пластическими импровизациями. Попробовать соединить подобную танцевальную структуру с серьезной драматургией, тем более, что поэтичность театра Лорки подразумевает подобный подход, мы и пытались. Делали мы спектакль 8–9 месяцев. Лет 6 назад у меня такая идея возникла - поставить спектакль в таком ключе по ирландскому классику Джону М. Сингу. Но тогда не случилось. Ведь это надо переубедить студентов. Даже на их курсе было сложно сначала с подобными танцами, потому что у некоторых есть классическое хореографическое образование от которого отстроиться сложно, но на втором курсе стало уже всё понятно - спектакль будет.
Зритель 2:
Было бы интересно услышать мнения актёров, их ощущения от спектакля, который они делали 8 месяцев.

А нам интересно услышать Ваши ощущения, свои-то мы знаем.

Зритель 2:

Эксперимент с пластикой, для вас это что-то дало?
Актрисы:
Сначала мы существовали отстранённо, а потом стали привыкать к такой форме существования. Когда мы привыкли к пластическому рисунку, захотелось добавить содержания. Но было и наоборот. Вот так мы и работали!
Валерий Бегунов:
То есть вы уходите от эпохи, национальности, просто дом, в котором проблемы.
Актрисы:
Да, это актуально сейчас для нашего мира, посмотрите, что творится с женщинами, сколько одиноких женщин. И вообще, столько одиноких людей – это ужасно.

Зритель 2:

А у Вас не было идеи сделать перевес в сторону хореографии и пантомимы в ущерб тексту? Мне показалось, зачастую было достаточно движений, а текст даже и не нужен в некоторых местах.

В. Бегунов:

На самом деле они сыграли почти в два раза короче, чем идёт в других местах, это очень ёмкий и сжатый спектакль. Но, слушая в кулуарах, мне показалось, что, поскольку зритель не обязан знать текст, который он пришёл смотреть, тут много вещей проговорено, которые важны для отношений: что касается наследства, как относятся к этой семье вокруг – иначе некоторые узлы уходят.
Зритель 2:
Я имею в виду диалоги эмоциональные, там, где участвовала ткань, например.
Валерий Карлович:
Это потому что Вы мужчина …
Зритель 3:
Я тоже себя мужчиной считаю - мне весь спектакль в целом понравился.
Зритель 2:
Мне показалось, что эмоциональный диалог в этой постановке намного ярче, чем смысловой даже.
Валерий Карлович Бегунов:
То, о чём вы говорите, это огромный плюс спектакля, то что пластика очень говорящая, но и утрачивать этот текст, текст Лорки тоже жалко. Если здесь убрать многие кажущиеся второстепенными вещи, уйдет и многое из того, ради чего делалась эта пластика. Пластика существует в контрасте или в диалоге с текстом здесь.
Алёна Михайлова:
Что касается речевой подачи. Я услышала, что люди, которые работали над оттенками речи, много читали и смотрели, сразу столько ассоциаций у меня всплыло и из классических театральных вещей и из современных, понятно, что это сделано людьми, не случайными в профессии, единственное, я не поняла, к чему была история, когда Ваша персонаж нюхает кокаин.
Леонид Краснов:
А она ещё и рэп читает.
Алёна:
Рэп мог бы быть и без кокаина
Зритель 2:
А по-моему кокаина должно быть больше. Интересна трансформация классических установок и вещей в современном понимании, пусть это шокирует, ломает привычную структуру, мне это понравилось. Скажите, в связи с чем возникла эта сцена, откуда она взялась?
Леонид Краснов:
Кокаин в это время любили многие, он может присутствовать как один из персонажей, если бы это было другое время, возможно, не было бы такой правомочности и потом для выразительности каждой из сестер, надо было искать яркие ходы, а то все в одинаковых робах, чтобы отделить героинь друг от друга. Также и тема лесбийской любви возникает.
Валерий Бегунов:
Много ушло знаний о том, как раньше жили. Во-первых, это абсент. Ван Гог и остальные – это всё абсент. Коноплю возделывали почти по всему континенту и голышом по ней покататься, это такой кайф, эта пыльца. И ведь действительно – им пообещали 8 лет траура. Дома у Бернарды, это её порядок, который до неё был таким ещё 200 лет. «Это моё». Какое ощущение может быть у хозяйки такого дома? Дочери невольно это на себя примеряют. Человек стоит и обнюхивает себя, и понимает, что он будет жить, что он живой, и она пробует на вкус – чем она от других отличается? А пластически это было сделано как танцевальный жест.

Зрительница:

Очень хорошо были подобраны роли, а Вы не хотели бы попробовать вжиться в другую роль?
Актриса (Амелия):
Для интереса я бы всех бы.
Леонид Краснов:
У меня с распределением всё очень сложно: я говорю – чего хотите, то и играйте.

Зрительница2:

А как Вы вживались в роль?

Симбиоз «Служанок» Виктюка и Озона – по настроению это было оттуда.
А я смотрела за людьми, которые чем-то обделены в этой жизни и которым их недостаток мешает реализоваться – с одной стороны, у них появляется обида, с другой – они очень ранимые.
Зрительница3:
А как относятся к этому спектаклю ваши молодые люди?
Актрисы:
Не у всех здесь были молодые люди … нравится.
Смех.
Зритель 2:
Всё ли Вас устраивает в постановке и будут ли изменения?
Леонид Краснов:
Пока мне нравится, юмор появился в таких местах, где раньше не стреляло. Хотя иногда мы что то меняем.
Инна Ваксенбург:
У Лёни есть чему поучиться. Я прихожу к нему в театр, чтобы вспомнить о главных вещах. Во всех его актрис я влюбилась – они такие красивые на сцене, не потому что в жизни они некрасивые, а это говорит о том, что Лёня их любит безумно режиссёрской любовью, тут всё так продумано, так органично, петелька-крючочек, и эта магия театра, от которой не можешь оторваться. Вы меня втянули, это красиво, профессионально, здорово.

Зритель2:

Постановка, которая вводит нас в дом, в семью. Было ощущение, что хочется войти, пристутствовать. Мне хотелось бы, чтобы зрелище происходило вокруг, чтобы Вы присутствовали среди нас.

Валерий Бегунов:

Это замечательно, на этот фестиваль выбраны спектакли, которые все говорят о том, что есть единое пространство сосуществования зритель-актёр и я такой театр очень люблю.

Зритель2:

Речь шла о другом, чтобы зритель мог заходить внутрь.

Валерий Бегунов:

Не все зрители к этому готовы – ведь им придётся менять свою сущность…

Инна Ваксенбург:

Вы сейчас в замечательной форме, а что дальше?

Нам в этом плане повезло, мы продолжаем работать в этом же театре, это не даёт потерять форму, снимаемся по чуть-чуть.

Валерий Бегунов:

На этом предлагаю обсуждение закрыть. Протестов нет?
Аплодисменты.

Спасибо за фото postklim

Сегодня методикой широко пользуются в детских театральных студиях России и нескольких профессиональных детских театрах (РАМТ, Московский детский театр теней, театр им. Пушкина, МогТЮЗ, Саратовский ТЮЗ им. Киселева, Пермский ТЮЗ, Красноярский ТЮЗ).

Безоценочное обсуждение спектакля – это инструмент, который применяется для решения двух задач. Как способ развития зрительской культуры и активизации зрительского интереса, и как способ диагностики спектакля на этапе генеральных репетиций и налаживание обратной связи театра и зрителя.

Безоценочность– термин, возникший в гуманистической психологии, это одна из частей триады К. Роджерса, где двумя другим являются принятие и конгруэнтность. Триада подразумевает принятие человеком как окружающих, так и самого себя, взаимодействие с внешним и внутренним миром в принимающей, диалогической манере.

В середине 80-х годов гуманистическая психология приобрела влияние не только в школе, но и в сопредельных ей социокультурных институтах: в детских театрах и музейной педагогике. Тогда активизировалась работа педагогических частей в ТЮЗах. В Москве наиболее интересно работали педагогическая часть Центрального детского театра и Московского ТЮЗа. Активно развивались зрительские клубы, велись обсуждения спектаклей с подростковой и молодежной аудиторией.

В ЦДТ обсуждения вели заведующий литературной частью Н.А. Путинцев и сотрудник педагогической части И.М.

Сафарова. В конце 80-х они стали приглашать для проведения некоторых обсуждений воспитанницу актива театра, психолога, научного сотрудника Института рефлексивной психологии и педагогики сотворчества Т.А. Климову. Она была стажером и активным участником программ С.Ю. Степанова, сейчас профессора департамента психологии Института педагогики и психологии образования МГПУ. С.Ю. Степанов разрабатывал в это время методики групповых обсуждений личностно-значимых событий. И Т.А. Климова внесла элементы этих методик в обсуждения спектаклей ЦДТ.

В Московском ТЮЗе эту работу с 1985 года вела психолог О.И. Троицкая, выстроившая систему обсуждения спектакля на методах человекоцентрированной терапии экспрессивными искусствами Натали Роджерс. На разработку О.И. Троицкой повлияли также работы отечественных и зарубежных ученых, занимающихся проблемой «психологии чувств» (А. Маслоу, П. Якобсон). В 1986 году О.И. Троицкая стала консультантом дипломной работы студентки театроведческого факультета ГИТИСА А.Б. Никитиной (автора этого текста) «Восприятие спектаклей о своих сверстниках и современниках подростками». Дипломное исследование было построено на изучении стенограмм обсуждений спектаклей.

В основе разработок С.Ю. Степанова и О.И. Троицкой и их учеников Т.А. Климовой и А.Б. Никитиной лежали идеи гуманистической психологии о том, что не бывает плохих и хороших чувств. Чувства фиксируют реальность. Они всегда важны и ценны, и каждый человек имеет право на любые чувства.

Но важно понимать, что чувства каждого человека – это только его чувства, фиксирующие его реальность. Чувства не повод для оценки жизненных явлений и тем более эстетической реальности. Культурно оформленные и выраженные чувства – хороший повод и материал для принимающего, конгруэнтного диалога, в ходе которого могут быть зафиксированы некоторые контуры общей реальности.

Фиксируя свои первичные ощущения и чувства на основе методик Натали Роджерс, зрители актуализируют свои подлинные впечатления от художественного события и уходят от шаблонных и стереотипных суждений. Цепочка вопросов, построенная на восхождении от описания своих ощущений к фиксации точек сопереживания, а оттуда к осознанию метафор и целостного художественного образа, строится таким образом, что участники диалога не ощущают трудности при переходе от более простых этапов разговора к более сложным. Эта цепочка помогает зрителю развернуть и реконструировать свернутые в реальной жизни естественные процессы восприятия.

В рамках работы кафедры МИОО методика О.И. Троицкой, зафиксированная впервые в 1988 году в дипломной работе Никитиной, обогащенная опытом С.Ю. Степанова и Т.А. Климовой, пришла к форме семи основных вопросов:

На пробуждение эмоциональной памяти.
На легализацию и слив негативных эмоций.
На пробуждение позитива и баланс эмоциональной реакции.
На глубинное переживание и личностную идентификацию.
На осознание основной метафоры.
На осознание основного пафоса произведения.
На создание вторичного художественного образа.

"Фронтовичка", Русский драматический театр им. Н.А. Бестужева, Улан-Удэ

Спектакль «Фронтовичка» открыл внеконкурсную программу «Маски Плюс», один из блоков которой – «Война и миф: театральное преломление истории» – объединил спектакли, затрагивающие военную тему. Как отметила в начале дискуссии Марина Шимадина, куратор этого блока и ведущая обсуждения, «дело не только в 70-летии со дня Победы, но и в тревоге за сегодняшние поколение. Мы забываем, что происходило тогда, как война отразилась на жизни людей и страны».

Ау, драматурги!
Театральный критик и куратор «Маски Плюс» Анна Банасюкевич обратила внимание гостей дискуссии на практически полное отсутствие современных пьес на тему войны. Конечно, можно снова и снова обращаться к литературе оттепельного поколения, так называемой солдатской прозе, окопной правде. Но прошло несколько десятилетий, сменилось поколение, а новой интонации, подходящей для разговора о войне сегодня все еще не найдено. Молодые драматурги оставляют эту тему в стороне, не находя в ней личной мотивации. Пьеса Анны Батуриной, ученицы Николая Коляды, чуть ли не единственное исключение. Театры из-за отсутствия современного художественного материала обращаются к документальным работам, что отразилось во внеконкурсной программе «Золотой маски». Елена Ковальская, театральный критик, арт-директор Центра им. Вс. Мейерхольда, объяснила это тем, что непросто взяться за тему, которую знаешь только с чужих слов, переработать материал, присвоить его и рассказать историю от лица сегодняшнего человека. Но Анне Батуриной это удалось, и она смогла привнести в эту историю интересные и неочевидные мелочи: например, мужчина влюбляется в девушку, увидев ее чистые ногти. «Молодое поколение честно раскрывает тему войны, и для меня эта пьеса гораздо честнее, чем многие советские работы о войне».

Нужны новые формы
Пьеса Анны Батуриной – прекрасный материал для режиссерского театра, так как предоставляет режиссеру возможность для поиска разных решений, – продолжила Анна Банасюкевич. Например, спектакль Николая Коляды решен как советское кино, что сглаживало сильные мелодраматические, иногда слишком сентиментальные интонации пьесы. Форма, которую выбрал Сергей Левицкий – отстранение и эпическое прочтение этой истории – позволяет не только следить за героями, но и думать о том, что такое война, насколько она разрушительна, как коверкает судьбы не одного поколения. Финал показывает, что никто никого не дождался в глобальном смысле, мир оказался подорван в своих основах на многие годы вперед. «Мне кажется, важно, что спектакль заставляет не только чувствовать, но и размышлять, проводить параллели с жизнью сегодняшней». Марина Шимандина тоже отметила подход режиссера: «Сергей Левицкий приподнял историю над бытовой плоскостью и встроил в эпико-драматический метафорический ряд, найдя в ней собственные смыслы».
Нашлись комментарии и у зрителей, заметивших необычное режиссерское решение, заключавшееся в разных способах организации первого и второго действий. В первом акте история развивается линейно, ее легко можно пересказать. А второй акт сделан крупными мазками, собран из метафор, которые каждый зритель дописывает сам. У кого-то финал получился абсолютно счастливым, другие размышляли о вечном скитании людей в поисках счастья и неутихающей войне в душе человека.

Элегантное сотворчество
Спектакль пронизан живой музыкой. Группа «Краbы» непрерывно находится на сцене. Существуя в тесной связке с персонажами, музыканты словно «дорисовывают» характеры персонажей и отдельные сцены, придают объем кульминационным моментам дейстия. «Сначала работа постановщиков и музыкантов велась отдельно, но найти верную тональность не удавалось, - рассказал фронтмен группы Максим Филинов. - Потом мы пришли в репетиционный зал. Все получилось сразу же. Далее работа велась в живом времени входе репетиций. Именно эти треки наиболее честные». Сергей Левицкий тоже отметил успешное сотворчество, которое у него сложилось с труппой и музыкантами. Марина Ланина, исполнявшая роль Галины Сергеевны, дополнила: «Полной свободы не было, и в этом была своя прелесть. Сергей Александрович четко выстраивал линию, костяк, а мясо уже наращивалось актерами. Актерская свобода должна быть элегантной». Елена Ковальская заметила, что «Сергей редкий режиссер, которому нравится большая сцена, он вместе с актерами ищет свой язык, импровизирует».

Напоследок поговорили о восприятии зрителем спектакля. Марина Ланина рассказала, что сибирский зритель очень тепло принимает спектакль, постоянно аплодирует. В Москве большая часть спектакля прошла в тишине. «Было полное ощущение, что мы летим в тартарары, но на аплодисментах случилось невероятное! Мы много раз выходили кланялись. Спасибо». Зрители и во время дискуссии не прекращали благодарить постановщиков и исполнителей. В зале оказалось много людей из Улан-Уде, которые радовались успеху спектакля и театра. А актеры все боялись поверить в реальность происходящего: «Вы совсем другой зритель, уникальный для нас, новый. Мы прошли сегодня маленький рубеж, маленькую школу».