Dzieła muzyczne renesansu. Abstrakcyjna kultura muzyczna odrodzenia

Włoskie słowo renesans w oryginale brzmi jak „rinascita” (rinascita), zostało ukute przez Giorgio Vasariego. Po raz pierwszy termin ten został przez niego użyty w pracy „Biografia” w znaczeniu „rozkwitu sztuk”, na określenie okresu, w którym artyści w swojej twórczości uwalniali się od kanonicznych form grecko-bizantyjskich i rzymsko-łacińskich .

Dla zdefiniowania ruchu kulturalnego w Europie od XIV do XVII wieku termin „odrodzenie” lub „renesans” (od włoskiego czasownika „rinascere” „odrodzić się”) został użyty w XIX wieku w pracy „Historia France” francuskiego historyka Julesa Micheleta.

Trochę o renesansie w ogóle

Renesans charakteryzuje się rekultywacją kultury klasycznej (czyli klasycyzmu grecko-rzymskiego). Wielu badaczy uważa, że ​​idee renesansu wywodzą się z literatury i sztuk pięknych we Florencji z końca XIII wieku i kojarzone są w szczególności z dziełami Dantego Alighieri, Francesca Petrarki i freskami Giotta di Bondone.

Co więcej, poeci, artyści, filozofowie renesansu byli nie mniej religijni niż ich poprzednicy.

Starali się pogodzić praktykę teologiczną z nowym duchem badań naukowych (filozofia zwana humanizmem przenika całą epokę). Był to czas ożywienia nauki, osiągnięć naukowych, wielkich odkryć geograficznych. W muzyce, która stanie się integralną częścią życia religijnego, cywilnego i dworskiego, od XV wieku identyfikuje się kardynalne zmiany.

Periodyzacja i ewolucja muzyki renesansowej

Większość historyków muzyki uważa, że ​​ewolucja muzyki renesansowej obejmuje okres 200 lat. Tradycyjnie dzieli się na:

• muzyka okresu wczesnego renesansu, od 1400 do 1467;
• muzyka środkowego okresu renesansu, od 1467 do 1534;
• muzyka późnego (lub wysokiego) renesansu, od 1534 do 1600 roku.

Taka periodyzacja z kolei wiąże się z rozkwitem i dominacją różnych szkół kompozytorskich w Europie Zachodniej. Cechami stylistycznymi, które definiują muzykę renesansu, jest faktura polifoniczna, podlegająca prawom kontrapunktu i regulowana przez odziedziczony po średniowieczu system modalny chorału gregoriańskiego.

Kultura muzyczna renesansu jest czasami określana jako „złoty wiek muzyki chóralnej”. W rzeczywistości horyzonty muzyczne znacznie się poszerzyły.

Jeśli w średniowieczu kompozytorzy i muzycy pracowali głównie na rzecz kościoła, to w wyniku rozłamu religijnego i świeckiego, jaki nastąpił w Europie Zachodniej w okresie renesansu, muzyka zyskała kilku mecenasów: kościoły katolickie i protestanckie, dwory królewskie, zamożną arystokrację, nowa klasa burżuazyjna. Wszystkie stały się źródłem dochodów kompozytorów, w tym oczywiście melotypia: kultura muzyczna renesansu jest ściśle związana z nowymi technologiami (wynalezienie ruchomej czcionki przez Jana Gutenberga).

Cechy estetyczne muzyki renesansowej

Podobnie jak inne sztuki, duży wpływ na muzykę miały wydarzenia, które zdefiniowały cały renesans: rozwój myśli humanistycznej, odbudowa grecko-rzymskiego dziedzictwa klasycznego, innowacyjne odkrycia. Starożytne teksty zostały zrewidowane, ponownie stanowiąc przedmiot badań, a także zostały zredagowane, ale tylko zgodnie z rozwijającymi się naukami.

Podczas gdy wszystkie sztuki i nauki były uważane za powiązane ze sobą w kulturze starożytnej Grecji, humaniści renesansu rozdzielili je, podkreślając i badając ich indywidualne cechy. W szczególności muzyka była postrzegana jako ekspresyjna sztuka zdolna wpływać na emocje i uczucia, co było niespotykane w średniowieczu.

Próby uporządkowania wiedzy w muzyce obejmowały takie uporządkowanie skali, aby można było ustalić związki między nutami a ludzkimi emocjami.

Nie bez znaczenia jest również fakt, że kultura muzyczna renesansu charakteryzuje się pojęciem humanizmu. Dzięki niemu nastąpiło przesunięcie akcentów intelektualnych – od powszechnej dominacji myśli religijnej do możliwości i dokonań osoby świeckiej. Indywidualny geniusz twórczy człowieka był na znacznie wyższej pozycji. Oznaczało to również uznanie wielu kompozytorów.

Jednak w większym stopniu muzyka renesansu była nadal uduchowiona, jak w czasach średniowiecznych, ale przemiany „humanistyczne” wpłynęły na poszukiwanie w niej żywszej wyrazistości – na osiągnięcie doskonałości.

Główną muzyką okresu wczesnego renesansu, pisaną dla ważnych kościołów i kaplic królewskich, są polifoniczne msze i śpiewy (motety) w języku łacińskim. Ale w świetle reform religijnych powstały nowe rodzaje muzyki sakralnej, co więcej, tak wielkie przewroty na scenie kościelnej doprowadziły do ​​\u200b\u200btego, że muzyka świecka nabierała realnej siły i mogła już konkurować ze swoim „świętym” odpowiednikiem.

Szkoły kompozytorskie renesansu

Na początku XV wieku do głosu doszła angielska szkoła polifonistów, na czele której stał John Dunstable. Nowy styl angielski, oparty na wykorzystaniu triad, dyktowany rytmem muzycznym (z każdą linią wokalną poruszającą się razem w stylu „pionowym”) silnie wpłynął na burgundzką szkołę kompozytorską.

Najważniejszym spośród kompozytorów szkoły burgundzkiej był Guillaume Dufay, którego dorobek muzyczny obejmował śpiewy, msze, dzieła świeckie charakteryzujące się melodycznym liryzmem.

Ruch ten, określany mianem szkoły francusko-flamandzkiej, charakteryzuje się silnym rozwojem polifonicznej kompozycji wokalno-muzycznej, która położyła podwaliny pod współczesną harmonię. Jego najbardziej znanymi przedstawicielami są „kompozytor trzech francuskich królów”: Johannes Okeghem i Jacob Obrecht.

Kultura muzyczna renesansu pierwszej połowy XVI wieku charakteryzuje się tym, że nadal dominują w niej kompozytorzy francusko-flamandzcy, wśród których najbardziej znanym był Josquin Despres, którego styl kopiowało wielu kompozytorów. Polifoniczna muzyka Josquina wykorzystywała kanony, istniejące wcześniej struktury kompozycyjne, ale płynnie łączyła się z melodiami, które raczej podkreślały niż maskowały linie poetyckie.

W tamtych czasach uważano za dość powszechne, że czołowi kompozytorzy dużo podróżowali, pracowali dla różnych mecenasów we Włoszech, Hiszpanii, Niemczech, Francji. Wymiana idei muzycznych stworzyła, że ​​tak powiem, pierwszy międzynarodowy styl od czasu chorału gregoriańskiego w IX wieku.

Od drugiej połowy XVI wieku kompozytorzy włoscy osiągają niezrównane mistrzostwo w sztuce muzycznej. Wśród kultowych postaci jest Giovanni Pierluigi da Palestrina.

Gatunki muzyki renesansowej

Duchowe gatunki wokalne to msza i motet. Gatunki świeckie - madrygał (we Włoszech i Anglii), chanson (we Francji), ołów (w Niemczech).

Chociaż muzyka w całej epoce była głównie wokalna, coraz więcej instrumentów zaczyna być używanych. Wykonawcy na instrumentach czasami towarzyszyli śpiewakom, od czasu do czasu zastępowali niektóre głosy, jeśli nie było śpiewaków.

Instrumenty wahały się od dużych, jak organy i klawesyn, viola de gamba, po małe - harfa (później lutnia), flet prosty (flet prosty). Stopniowo kompozytorzy zaczynają pisać utwory wyłącznie na instrumenty bez wokalistów.

Muzyka silnie wpłynęła również na tańce dworskie, wprowadzając do nich szeroką gamę instrumentów towarzyszących. Instrumenty były używane w kościele, podczas uroczystości i imprez towarzyskich, w przedstawieniach teatralnych, w domach prywatnych.

, madrygał, dziewiczy, altówka, wolt, pawan, galarda, Camerata florencka, Gesualdo di Venosa, Jakub Peri

Prezentacja na lekcję

Tył do przodu

Uwaga! Podgląd slajdu służy wyłącznie celom informacyjnym i może nie odzwierciedlać pełnego zakresu prezentacji. Jeśli jesteś zainteresowany tą pracą, pobierz pełną wersję.

Lekcja prowadzona jest dla uczniów klasy V na II roku studiów literaturoznawczych.

Cel zajęć: wykształcenie kultury estetycznej uczniów poprzez zapoznanie z muzyką renesans.

Cele Lekcji:

• Dać wyobrażenie o roli muzyki i graniu muzyki w życiu ludzi renesansu;
• Znajomość instrumentów muzycznych, gatunków, kompozytorów renesansu;
• Znajomość dzieł muzycznych europejskiego renesansu;
• Wykształcenie umiejętności elementarnej analizy słuchowej muzyki;
• Kształtowanie zrozumienia relacji między różnymi rodzajami sztuki;
• Edukacja emocjonalnego odbioru dzieł sztuki;
• Rozwój myślenia i mowy uczniów;
• Poszerzające się horyzonty.

Rodzaj lekcji: lekcja nauki nowego tematu.

Wyposażenie lekcji: prezentacja multimedialna, komputer.

Materiał muzyczny:

• W. Bird, utwór do dziewiczej „Volty”;
• F. da Milano „Fantasy” nr 6 na lutnię;
• Scena z filmu „Elizabeth”: Królowa tańczy Voltę (wideo);
• I. Alberti „Pavan i Galliard” (wideo);
• Angielska piosenka ludowa „Green Sleeves”;
• JP Palestrina „Msza Papieża Marcella”, część „Agnus Dei”;
• O. Lasso „Echo”;
• J. di Venosa madrygał „Moro, lasso, al mio duolo”;
• J. Peri Scena z opery „Eurydyka”.

Podczas zajęć

I. Moment organizacyjny

II. Aktualizacja wiedzy

Na ostatniej lekcji rozmawialiśmy o kulturze i malarstwie renesansu.

– Jak inaczej można nazwać tę epokę („Renesans” po francusku)?
Jakie stulecia obejmuje renesans? W której epoce to się zmieniło?

Skąd pochodzi ta nazwa epoki? Co chciałeś „ożywić”?

W którym kraju renesans rozpoczął się wcześniej niż w innych?

- Które włoskie miasto nazywane jest „kolebką renesansu”? Dlaczego?

– Jacy wielcy artyści mieszkali we Florencji? Rozważ ich pracę.

– Czym ich twórczość różni się od sztuki średniowiecznej?

III. Eksploracja nowego tematu

Dziś wracamy do renesansu. Dowiemy się, jaka była wtedy muzyka. Poznajmy instrumenty muzyczne renesansu, zobaczmy je i posłuchajmy ich autentycznego brzmienia. Spotkamy się też z wybitnymi kompozytorami renesansu i ich arcydziełami.

IV. Praca z prezentacją

slajd 1. Strona tytułowa.

Slajd 2. Tematem naszej lekcji jest „Muzyka renesansu”. Ramy czasowe - XIV-XVI wiek.

Slajd 3. Epigraf lekcji. Jak rozumiesz te słowa?

... Na ziemi nie ma żywej istoty
Takie twarde, chłodne, piekielne zło
Tak, że nie mogła przynajmniej przez godzinę
W nim muzyka do rewolucji.
(William Szekspir)

slajd 4. W okresie renesansu wzrasta rola sztuki w życiu kulturalnym społeczeństwa. Wykształcenie artystyczne uznawane jest za ważny aspekt rozwoju człowieka szlachetnego, warunek dobrego wykształcenia.

Osłabiona zostaje kontrola Kościoła nad społeczeństwem, muzycy zyskują większą swobodę. W kompozycjach coraz wyraźniej manifestuje się osobowość autora, indywidualność twórcza. W okresie renesansu samo pojęcie „ kompozytor».

Stało się to bardzo ważne dla rozwoju muzyki wynalezienie druku muzycznego pod koniec XV wieku. W 1501 roku włoski wydawca Ottaviano Petrucci opublikował pierwszy zbiór muzyki domowej. Nowe pisma były publikowane i rozpowszechniane bardzo szybko. Teraz każdy obywatel klasy średniej mógł kupować muzykę dla siebie. W rezultacie miejskie muzykowanie zaczyna się szybko rozwijać, obejmując coraz większą liczbę osób.

Slajd 5. Instrumenty muzyczne renesans. Instrumenty dęte blaszane, smyczki, instrumenty klawiszowe.

Slajd 6. Lutnia- najbardziej ukochany instrument renesansu. Odnosi się do instrumentów strunowych szarpanych. Początkowo na lutni grano plektronem, ale w XV wieku zaczęto grać palcami.

Slajd 7. Jego ciało przypomina przeciętą na pół gruszkę. Lutnia ma krótką szyjkę z progami, wygiętą pod kątem prostym.

slajd 8. Lutnia pochodzi z arabskiego instrumentu zwanego al-ud (po arabsku „drzewo”). W VIII wieku oud przybył do Europy z Afryki Północnej podczas podboju Hiszpanii przez Arabów i zakorzenił się na dworze wielu hiszpańskich arystokratów. Z czasem Europejczycy dodali do ud progi (podziały na gryfie) i nazwali to „lutnią”.

slajd 9. Na lutni grali zarówno mężczyźni, jak i kobiety.

slajd 10. Lutnia była kompaktowa, lekka, można było ją wszędzie ze sobą zabrać.

Slajd 11. Muzyka lutniowa została nagrana nie za pomocą nut, ale za pomocą tabulatury. Spójrz: tabulatura lutniowa składa się z 6 linii reprezentujących smyczki. Progi są ponumerowane, czasy trwania są na górze.

Slajd 12. Jeśli na lutni grali ludzie różnych klas, to tylko bardzo bogaty człowiek mógł sobie pozwolić na instrument z rodziny viol. Altówki były drogie, wykonane ze szlachetnego drewna, ozdobione eleganckimi rysunkami i biżuterią. Altówki były różnej wielkości. Na tym obrazie anioły grają na najpopularniejszych odmianach altówek - da gamba i da braccia.

Slajd 13. Altówka w języku włoskim - „fiolet”. Dźwięk altówki był bardzo przyjemny: miękki, delikatny i niezbyt głośny.

Slajdy 14, 15. Nazwa viola da braccia jest tłumaczona z języka włoskiego jako „ręka, ramię”. Tak nazywały się małe altówki, które podczas gry trzymano za ramię.

slajd 16. Viola da gamba - „stopa”. Był sporych rozmiarów, podczas zabawy musiał być trzymany między kolanami lub kładziony na udzie. Na tych altówkach zwykle grali mężczyźni.

slajd 17. Czy zauważyłeś, do jakich instrumentów klasycznych są bardzo podobne altówki? Na skrzypce, wiolonczele. Porównajmy viola da gamba z wiolonczelą.

Dźwięki altówek usłyszymy nieco później.

slajd 18.Dziewiczy. Instrument klawiszowy o kształcie prostokąta, zwykle bez nóżek. Zgodnie z zasadą działania urządzenia był jednym z prekursorów fortepianu. Ale pod względem jakości dźwięku bliżej mu do harfy i lutni. Jego barwę wyróżniała miękkość i delikatność.

slajd 19. Kto wie, co oznacza angielskie słowo dziewica? Panna, dziewczyna. Zgadnij, dlaczego nazwali ten instrument tak - „dziewczęcy”? Najczęściej dziewice grały młode dziewczęta szlacheckiego pochodzenia. Wiadomo, że nawet królowa Anglii Elżbieta I bardzo lubiła virginal i dobrze na nim grała.

Slajd 20. William Bird- największy angielski kompozytor, organista i klawesynista czasów Elżbiety. Urodzony w 1543, zmarł w 1623. Pełnił funkcję nadwornego organisty. Skomponował wiele dzieł duchowych, madrygałów i utworów dziewiczych.

Słuchamy: Utwór W. Ptak do dziewiczej „Volty”

Slajd 21-24. Renesansowi artyści często przedstawiali muzyczne anioły na swoich płótnach. Dlaczego? Co to znaczy? Dlaczego aniołowie potrzebują muzyki? A co z ludźmi?

slajd 25. Spójrzcie, jaka liczna grupa muzyków. W co oni grają? Co oni czują? Czy jest im dobrze razem? Słowa W. Szekspira pasują do tego obrazu? Jakie jest kluczowe słowo w tych wersetach? Jedność, zgoda.

Posłuchaj, jak przyjazne są struny
Wchodzą w szeregi i dają głos, -
Jakby matka, ojciec i młody chłopak
Śpiewają w szczęśliwej jedności.
Mówi nam akord smyczków na koncercie,
Że samotna droga jest jak śmierć.

Slajd 26. Gatunki instrumentalne Epoki renesansu zostały podzielone na 3 typy: transkrypcje utworów wokalnych, utwory wirtuozowskie z magazynu improwizacji (richercar, prelude, fantasy), utwory taneczne (pavane, galliard, volta, moresca, saltarella).

Slajd 27. Francesco da Milano- słynny włoski lutnista i kompozytor XVI wieku, którego współcześni nazywali „Boskim”. Jest właścicielem wielu utworów na lutnię, zjednoczonych w trzech kolekcjach.

Słuchamy: F. da Milano „Fantasy” na lutnię

Slajd 28. W okresie renesansu zmienia się samo podejście do tańca. Z grzesznego, niegodnego zajęcia taniec staje się obowiązkowym dodatkiem świeckiego życia i staje się jedną z najbardziej niezbędnych umiejętności szlachetnego człowieka. Bale są mocno wpisane w życie europejskiej arystokracji. Jakie tańce były modne?

Slajd 29. Volta– Popularny taniec XVI wieku pochodzenia włoskiego. Nazwa volta pochodzi od włoskiego słowa voltare, co oznacza „obrót”. Tempo wolty jest szybkie, wielkość jest trójdzielna. Główny ruch tańca: dżentelmen gwałtownie podnosi i obraca tańczącą z nim w powietrzu damę. Ponadto ruch ten musi być wykonywany wyraźnie i z gracją. I tylko wyszkoleni mężczyźni mogli poradzić sobie z tym tańcem.

Patrzymy: Fragment filmu wideo „Elizabeth”

Slajd 30- uroczysty wolny taniec pochodzenia hiszpańskiego. Nazwa pavana pochodzi od łacińskiego słowa pavo – paw. Rozmiar pawany jest dwuczęściowy, tempo jest wolne. Tańczyli go, aby pokazać innym swoją wielkość i luksusowy strój. Lud i burżuazja nie wykonywali tego tańca.

slajd 31.galarda(z włoskiego - wesoły, wesoły) - poruszający taniec. W charakterze galiardy zachowała się pamięć o ludowym rodowodzie tańca. Charakteryzuje się skokami i nagłymi ruchami.

Pawana i galiarda były często wykonywane jedna po drugiej, tworząc rodzaj suity.

Teraz zobaczycie fragment koncertu zespołu muzyki dawnej "Hesperion XXI". Jej liderem jest Jordiego Savalla- Hiszpański wiolonczelista, gamboista i dyrygent, jeden z najbardziej szanowanych współczesnych muzyków, wykonujący muzykę starożytną w autentyczny sposób (tak jak brzmiała w momencie jej powstania).

Slajd 32. Patrzymy: I. Alberti „Pavan i Galliard”.

W wykonaniu Zespołu Muzyki Dawnej „Hespèrion XXI” J. Savala.

Slajd 33. Gatunki wokalne Renesans dzielił się na kościelny i świecki. Co to znaczy „świecki”? W kościele zabrzmiała msza i motet. Na zewnątrz kościoła - caccha, ballata, frottola, villanella, chanson, madrigal.

slajd 34.Śpiew kościelny osiąga szczyt swojego rozwoju. To czas polifonii „pisma ścisłego”.

Najwybitniejszym kompozytorem polifonicznym renesansu był Włoch Giovanni Pierluigi da Palestrina. Jego pseudonim - Palestrina - otrzymał nazwę miasta, w którym się urodził. Pracował w Watykanie, piastował wysokie stanowiska muzyczne za czasów papiestwa.

Masa- utwór muzyczny składający się z modlitw w języku łacińskim, wybrzmiewający podczas nabożeństwa w Kościele katolickim.

Słuchamy: GP da Palestrina „Msza papieża Marcello”, część „Agnus Dei”

zjeżdżalnia 35. pieśni świeckie. język angielski ballada „Zielone rękawy”- dziś bardzo popularne. Słowa tej pieśni przypisuje się angielskiemu królowi Henrykowi VIII. Adresował te wiersze do ukochanej Anny Boleyn, która później została jego drugą żoną. Czy wiesz o czym jest ta piosenka?

zjeżdżalnia 36. Tekst piosenki „Green Sleeves” w tłumaczeniu S.Ya.Marshak.

Słuchamy: Angielska ballada „Green Sleeves”

Slajd 37- jeden z najwybitniejszych przedstawicieli holenderskiej szkoły polifonicznej. Urodzona w Belgii, mieszkała we Włoszech, Anglii i Francji. Przez ostatnie 37 lat swego życia, kiedy jego nazwisko znane było już w całej Europie, prowadził kaplicę dworską w Monachium. Stworzył ponad 2000 dzieł wokalnych zarówno o charakterze kultowym, jak i świeckim.

zjeżdżalnia 38. Chanson „Echo” został napisany na dwa czterogłosowe chóry. Pierwszy chór zadaje pytania, drugi chór odpowiada mu jak echo.

Słuchamy: O. Lasso Chanson „Echo”

Slajd 39(od włoskiego słowa madre – „matka”) – pieśń w ojczystym, matczynym języku. Madrigal to polifoniczna (na 4 lub 5 głosów) pieśń o treści lirycznej o wysublimowanym charakterze. Ten gatunek wokalny rozkwitł w XVI wieku.

zjeżdżalnia 40.Gesualdo di Venosa- włoski kompozytor XVI wieku, jeden z największych mistrzów świeckiego madrygału. Był tajemniczą osobą. Bogaty książę, władca miasta Venosa. Złapawszy piękną żonę zdrady, Gesualdo w przypływie zazdrości odebrał jej życie. Okresowo popadał w melancholię i ukrywał się przed wszystkimi w swoim zamku. Zmarł w wieku 47 lat, w zdezorientowanym umyśle ...

Za życia opublikował 6 zbiorów pięciogłosowych madrygałów. Cechą charakterystyczną stylu G. di Venosa jest nasycenie muzyki chromatyką, barwnymi zestawieniami dysonansowych akordów, unikalnymi dla jego czasów. Gesualdo przełożył więc na muzykę swój straszliwy ból psychiczny i wyrzuty sumienia.

Współcześni nie rozumieli jego muzyki, uważali ją za okropną, surową. Docenili go muzycy XX wieku, powstał film o G. di Venosa, powstają książki, a kompozytor A. Schnittke zadedykował mu operę Gesualdo

Slajd 41. Madrygał „Moro, lasso, al mio duolo” to jedno z najnowszych dzieł G. di Venosa. Jest właścicielem zarówno muzyki, jak i tekstów:

Oh! umieram z rozpaczy
Ten, który obiecał szczęście
Zabija mnie swoją mocą!
Och, opłakuj zły wicher!
Ten, który obiecał życie
Dał mi śmierć.

Słuchamy: G. di Venosa „Moro, lasso, al mio duolo”

Slajd 42. Pod koniec XVI wieku we Florencji powstał Camerata florencka- krąg muzyków i poetów, którzy chcieli wskrzesić starożytną tragedię grecką z jej nieodłącznym szczególnym sposobem wymawiania tekstu (coś pomiędzy mową a śpiewem).

Slajd 43. Narodziny opery. Z tych eksperymentów narodziła się opera. 6 października 1600 roku we Florencji odbyła się premiera pierwszej zachowanej opery Eurydyka. Jej autorem jest kompozytor i śpiewak Jacopo Peri.

Słuchamy: J. Peri Scena z opery „Eurydyka”

V. Podsumowanie lekcji

- Czego nowego dowiedziałeś się dzisiaj o renesansie?

Dźwięk jakiego instrumentu lubisz? Jak?

– Jak wyglądają współczesne instrumenty lutni, altówki, dziewicy?

Co śpiewali ludzie w okresie renesansu? Gdzie? Jak?

– Dlaczego artyści renesansu tak często przedstawiali muzyków?

- Jaka muzyka, która brzmiała dzisiaj na lekcji, podobała ci się, pamiętasz?

VI. Praca domowa (opcjonalnie):

• Zaśpiewaj piosenkę „Green Sleeves” z nut, ci, którzy chcą, mogą wybrać akompaniament do niej;
• Znajdź muzyczne obrazy artystów renesansu i porozmawiaj o nich.

W kulturze muzycznej renesansu można wyróżnić kilka charakterystycznych cech nowatorskich.

Po pierwsze, szybki rozwój sztuki świeckiej, wyrażający się wszechobecnością wielu świeckich gatunków pieśni i tańca. To są włoskiefrotole („Pieśni ludowe, z frottola słowa - tłum), wieśniacy („pieśni wiejskie”),cacchia , kanzon (dosłownie - pieśni) i madrygały, hiszpańskiVillancico (z willi - wsi), pieśni francuskie chanson, niemieckiskłamał , Język angielski ballady i inni. Wszystkie te gatunki, gloryfikujące radość bycia, zainteresowane wewnętrznym światem człowieka, dążące do prawdy życia, bezpośrednio odzwierciedlały czysto renesansowy światopogląd. Charakterystyczne dla ich środków wyrazu jest szerokie wykorzystanie intonacji i rytmów muzyki ludowej.

Kulminacja linii świeckiej w sztuce renesansu -madrygał . Nazwa gatunku oznacza „piosenkę w języku ojczystym (czyli włoskim)”. Podkreśla różnicę między muzyką madrygałową a muzyką sakralną wykonywaną po łacinie. Rozwój gatunku przeszedł od bezpretensjonalnej jednogłosowej pieśni pasterskiej do 5-6-głosowego utworu wokalno-instrumentalnego z wyrafinowanym i wyrafinowanym tekstem lirycznym. Wśród poetów, którzy zwrócili się ku madrygałowi, są Petrarka, Boccaccio, Tasso. Kompozytorzy A. Willart, J. Arkadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, C. Monteverdi byli wybitnymi mistrzami madrygału. Pochodzący z Włoch madrygał szybko rozprzestrzenił się na inne kraje Europy Zachodniej.

Francuska wersja polifonicznej piosenki to tzwpieśń . Od madrygału odróżnia go większe zbliżenie do realnego, codziennego życia, czyli gatunku. Wśród twórców chanson -Klemens Jeannequin , jeden z najsłynniejszych francuskich kompozytorów renesansu.

Po drugie, największy rozkwit polifonii chóralnej, która stała się wiodącym stylem muzycznym epoki. Majestatyczny i harmonijny, idealnie współgrał z powagą nabożeństwa. Jednocześnie polifonia polifoniczna była dominującą formą wypowiedzi nie tylko w gatunkach duchowych, ale także świeckich.

Rozwój polifonii chóralnej wiązał się przede wszystkim z twórczością kompozytorów szkoły niderlandzkiej (francusko-flamandzkiej): Guillaume Dufay, Johannes Okeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.

Orlando Lasso (ok. 1532-1594) działał w wielu krajach Europy. Jego talent, naprawdę fenomenalny, podbił i zachwycił wszystkich. W obszernym dziele Orlanda Lasso reprezentowane są wszystkie gatunki muzyczne renesansu (z przewagą muzyki świeckiej nad duchową). Do jego najpopularniejszych utworów należy „Echo”, napisany w gatunku włoskich piosenek domowych. Kompozycja zbudowana jest na barwnym zestawieniu dwóch chórów, tworzącym efekt echa. Tekst należy do samego kompozytora.

Obok Orlanda Lasso największym przedstawicielem późnego renesansu w muzyce był WłochPalestrina (pełne imię i nazwisko Giovanni Pierlui gi da Palestrina, ok. 1525-1594). Większość życia Palestrina spędził w Rzymie, gdzie był stale związany z pracą w Kościele, w szczególności kierował kaplicą katedry św. Piotr. Główną część jego muzyki stanowią utwory sakralne, przede wszystkim msze (jest ich ponad setka, wśród których wyróżnia się słynna „Msza Papa Marcello”) i motety. Jednak Palestrina chętnie komponował także muzykę świecką – madrygały, kanzonety. Kompozycje Palestriny na chór a sarrellastał się klasycznym przykładem renesansowej polifonii.

Twórczość kompozytorów polifonicznych odegrała wiodącą rolę w rozwoju głównego gatunku muzyki renesansowej -szerokie rzesze . Wywodzący się ze średniowiecza gatunek Mszy śwXIV- XVIOd wieków podlega on gwałtownym przemianom, przechodząc od sampli reprezentowanych przez odrębne, odmienne części do kompozycji o harmonijnej, cyklicznej formie.

W zależności od kalendarza kościelnego niektóre części pomijano w muzyce mszalnej, a inne wstawiano. Istnieje pięć obowiązkowych części, które są stale obecne w nabożeństwie. WI I V - « Kyrieeleison» („Panie, zmiłuj się”) i« AgnusDei» (« Baranku Boży”) – padła modlitwa o przebaczenie i miłosierdzie. WII I IV - « Gloria"("Chwała") i " święty» (« Święty”) – pochwała i wdzięczność. W centralnej części,Kredo» (« Wierzę”), objaśniał główne zasady wiary chrześcijańskiej.

Po trzecie, rosnąca rola muzyki instrumentalnej (z wyraźną przewagą gatunków wokalnych). Jeśli europejskie średniowiecze prawie nie znało profesjonalnego instrumentalizmu, to w renesansie powstało wiele utworów na lutnię (najbardziej powszechny instrument muzyczny tamtych czasów), organy, altówkę, vihuelę, flety dziewicze, podłużne. Nadal podążają za schematami wokalnymi, ale zainteresowanie grą instrumentalną zostało już przesądzone.

Po czwarte, w okresie renesansu prężnie działały narodowe szkoły muzyczne (holenderscy polifoniści, angielscy wirmaliści, hiszpańscy wihuelaliści i inni), których twórczość opierała się na folklorze ich kraju.

Wreszcie, teoria muzyki posunęła się daleko do przodu, wysuwając wielu wybitnych teoretyków. Jest francuskiFilip de Vitry , autor traktatu Arsnowa» (« New Art”, gdzie podano teoretyczne uzasadnienie nowego stylu polifonicznego); WłoskiJózefo Carlino , jeden z twórców nauki o harmonii; szwajcarskiJasny , twórca doktryny melodii.

Renesans lub renesans to okres w historii kultury Europy Zachodniej i Środkowej, obejmujący mniej więcej XIV-XVI wiek. Okres ten zyskał swoją nazwę w związku z odrodzeniem zainteresowania sztuką antyczną, która stała się ideałem dla postaci kultury współczesności. Kompozytorzy i teoretycy muzyczni - J. Tinktoris, J. Tsarlino i inni - studiowali starożytne greckie traktaty muzyczne; w twórczości Josquina Despresa, porównywanego do Michała Anioła, zdaniem współczesnych, „odrodziła się utracona doskonałość muzyki starożytnych Greków”: pojawiła się na przełomie XVI i XVII wieku. opera kierowała się prawami starożytnego dramatu.

Lekcje teorii muzyki. Z ryciny z XVI wieku.

JP Palestrina.

Rozwój kultury renesansu wiąże się z powstaniem wszystkich aspektów społeczeństwa. Narodził się nowy światopogląd - humanizm (od łacińskiego humanus - „człowiek”). Emancypacja sił twórczych doprowadziła do szybkiego rozwoju nauki, handlu, rzemiosła, ukształtowały się nowe, kapitalistyczne stosunki w gospodarce. Wynalazek druku przyczynił się do rozpowszechnienia edukacji. Wielkie odkrycia geograficzne i heliocentryczny system świata dokonany przez Mikołaja Kopernika zmieniły wyobrażenia o Ziemi i Wszechświecie.

Sztuki piękne, architektura i literatura osiągnęły bezprecedensowy rozkwit. Nowa postawa znalazła odzwierciedlenie w muzyce i zmieniła jej wygląd. Stopniowo odchodzi od norm średniowiecznego kanonu, indywidualizuje się styl, po raz pierwszy pojawia się samo pojęcie „kompozytora”. Zmienia się faktura utworów, liczba głosów wzrasta do czterech, sześciu i więcej (znany jest np. kanon 36-głosowy, przypisywany największemu przedstawicielowi szkoły niderlandzkiej, J. Okegemowi). W harmonii dominują współbrzmienia spółgłoskowe, użycie dysonansów jest ściśle ograniczone specjalnymi zasadami (patrz Konsonans i dysonans). Tworzą się skale dur i moll oraz zegarowy system rytmów charakterystyczny dla muzyki późniejszej.

Wszystkie te nowe środki zostały wykorzystane przez kompozytorów do oddania szczególnego systemu uczuć człowieka renesansu - wzniosłego, harmonijnego, spokojnego i majestatycznego. Zacieśnia się związek między tekstem a muzyką, muzyka zaczyna oddawać nastrój, czy jak wówczas mówiono, afekty tekstu, poszczególne słowa, jak „życie”, „śmierć”, „miłość” itp., są często ilustrowane specjalnymi środkami muzycznymi.

Muzyka renesansu rozwijała się w dwóch kierunkach - kościelnym i świeckim. Główne gatunki muzyki kościelnej - msza i motet - to polifoniczne utwory polifoniczne na chór, bez akompaniamentu lub z towarzyszeniem zespołu instrumentalnego (patrz Muzyka chóralna, Polifonia). Spośród instrumentów preferowano organy.

Rozwój muzyki amatorskiej przyczynił się do rozwoju muzyki świeckiej. Muzyka rozbrzmiewała wszędzie: na ulicach, w domach mieszczan, w pałacach szlacheckiej szlachty. Pierwsi koncertowi wirtuozi występowali na lutni, klawesynie, organach, wiolonczeli, różnego rodzaju fletach podłużnych. W pieśniach polifonicznych (madrygał - we Włoszech, chanson - we Francji) kompozytorzy mówili o miłości, o wszystkim, co dzieje się w życiu. Oto tytuły niektórych piosenek: „Polowanie na jelenie”, „Echo”, „Bitwa pod Marignano”.

W XV-XVI wieku. wzrasta znaczenie sztuki tanecznej, pojawiają się liczne traktaty i praktyczne poradniki dotyczące choreografii, zbiory muzyki tanecznej, w których znajdują się popularne tańce tamtych czasów - bass dance, branle, pavane, galiard.

W okresie renesansu powstały narodowe szkoły muzyczne. Największą z nich jest holenderska (francusko-flamandzka) szkoła polifoniczna. Jej przedstawicielami są G. Dufay, K. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Despres, O. Lasso. Wśród innych szkół narodowych są włoski (JP Palestrina), hiszpański (TL de Victoria), angielski (W. Byrd), niemiecki (L. Senfl).

„Północny renesans” - Cechy renesansu północnego. Shvidunova Lyubov Konstantinovna Nauczyciel MHC GOUSOSH nr 250 Północno-Wschodniego Okręgu Administracyjnego Moskwy. Północny renesans. Ziemska Miłość i Niebiańska Miłość. Jan van Eyck Portret Arnolfine. Największy mistrz holenderskiego renesansu (ok. 1390-1441). Pietera Brueghela Starszego. Kraj leniwych ludzi.

„Kultura renesansu” - Ermitaż), „Madonna Litti” (tamże), „Mona Lisa” (portret, w Luwrze) i tak dalej. Juliusz II, ok. San Pietro in Vincoli w Rzymie), „Ap. Mateusz”, „Madonna z Dzieciątkiem”, „Madonna Doni” (Uffizi), grobowce Medyceuszy we Florencji. Maria delle Grazie w Mediolanie, bardzo zniszczona), „Święta Rodzina” (SPB.

"Sztuka renesansu" - Madonna Sykstyńska 1515 - 1519. Ogromną rolę w malarstwie odegrał Tommaso Masaccio (1401-1428). Nicolò został założycielem szkoły rzeźby, która stała się popularna w całych Włoszech. „Dawid” (1501-1504). Posąg osiąga pięć i pół metra wysokości. Twarz bohatera wyraża niezachwianą wolę. A w przyrodzie króluje wiosna.

„Filozofia renesansu” - 3. Jakie metody poznania filozof wyprowadza na pierwszy plan? Twórczość jest podstawową godnością człowieka. Przeanalizuj wypowiedź Hegla i odpowiedz na pytania: Jakie metody poznania są wysuwane na pierwszy plan? Na czym polegała innowacyjność wybitnych pisarzy, artystów renesansu? Kształtowanie się nowego obrazu świata w oparciu o idee Kopernika, Brunona.

„Renesans” – katedra Santa Maria del Fiore we Florencji. Artyści w swoich pracach zaczynają wykorzystywać próbki sztuki antycznej. Muzyka. Ilustracja do powieści „Don Kichot”. Temat renesansu jest bogaty i niewyczerpany. Rafał. Sztuka. Flamandzki kompozytor XV wieku. Guillaume Dufay. William Szekspir.

"Tytani Renesansu" - Kolejnym pomnikiem jest "Pieta". W 1501 Michał Anioł wrócił do Florencji. Uśmiech. Tytani Wysokiego Renesansu Koniec XV-XVI wieku. Otoczona zielonymi zasłonami na jasnych chmurach Maryja idzie z Dzieciątkiem w ramionach. Michał Anioł. "Autoportret". (1475-1564). Renato Guttuso. Leonarda da Vinci (1452-1519).

Łącznie w temacie 32 prezentacje