Wiadomość o artyście renesansu. Artyści wysokiego renesansu
Malarstwo renesansowe
Za początek malarstwa renesansowego uważa się epokę Ducenta, czyli tzw. XIII wiek. Protorenesans jest nadal ściśle powiązany ze średniowiecznymi tradycjami romańskimi, gotyckimi i bizantyjskimi. Artyści końca XIII - początków XIV wieku. Daleko im jeszcze do naukowego badania otaczającej rzeczywistości. Wyrażają swoje wyobrażenia na ten temat, posługując się także konwencjonalnymi obrazami bizantyjskiego systemu obrazowego – skalistymi wzgórzami, symbolicznymi drzewami, konwencjonalnymi wieżyczkami. Ale czasami wygląd konstrukcji architektonicznych jest tak dokładnie odtwarzany, że wskazuje to na istnienie szkiców z życia. Tradycyjne postacie religijne zaczynają być przedstawiane w świecie obdarzonym właściwościami rzeczywistości - objętością, głębią przestrzenną, substancją materialną. Rozpoczyna się poszukiwanie metod transmisji na płaszczyźnie objętości i przestrzeni trójwymiarowej. Mistrzowie tego czasu wskrzesili znaną od starożytności zasadę modelowania form światłem i cieniem. Dzięki niemu figury i budynki nabierają gęstości i objętości.
Podobno pierwszym, który zastosował perspektywę starożytną, był florencki Cenni di Pepo (informacja z lat 1272–1302), nazywany Cimabue. Niestety, jego najważniejsze dzieło – cykl obrazów o tematyce Apokalipsy, życia Maryi i apostoła Piotra w kościele San Francesco w Asyżu dotarło do nas w stanie niemal zniszczonym. Lepiej zachowały się jego kompozycje ołtarzowe, które znajdują się we Florencji i w Luwrze. Również nawiązują do bizantyjskich pierwowzorów, jednak wyraźnie wykazują cechy nowego podejścia do malarstwa religijnego. Cimabue powraca z malarstwa włoskiego
XIII w., który przyjął tradycje bizantyjskie do ich bezpośrednich korzeni. Poczuł w nich to, co dla współczesnych było niedostępne – harmonijny początek wzniosłego helleńskiego piękna obrazów.
Sztywność i schematyzm ustępują muzycznej gładkości linii. Postać Madonny nie wydaje się już eteryczna. W malarstwie średniowiecznym anioły interpretowano jako znaki, jako atrybuty Matki Bożej, przedstawiano je jako małe, symboliczne postacie. W Cimabue nabierają zupełnie nowego znaczenia, zostają wpisane w scenę, to piękne młode stworzenia, oczekujące tych pełnych wdzięku aniołów, które pojawią się wśród mistrzów XV wieku.
Twórczość Cimabue była punktem wyjścia tych nowych procesów, które zdeterminowały dalszy rozwój malarstwa. Ale historii sztuki nie można wyjaśniać wyłącznie w kategoriach ewolucyjnych. Czasami zdarzają się w nim ostre skoki. Wielcy artyści jawią się jako odważni innowatorzy, którzy odrzucają tradycyjny system. Za takiego reformatora malarstwa włoskiego XIV wieku należy uznać Giotto di Bondone (1266-1337). To geniusz, który wznosi się wysoko ponad swoich współczesnych i wielu swoich naśladowców.
Z urodzenia Florentczyk, pracował w wielu miastach Włoch. Najbardziej znanym z dzieł Giotta, jaki do nas dotarł, jest cykl obrazów w kaplicy Arena w Padwie, poświęcony ewangelicznym opowieściom o życiu Chrystusa. Ten wyjątkowy zespół obrazów jest jednym z przełomowych dzieł w historii sztuki europejskiej. Zamiast odmiennych poszczególnych scen i postaci charakterystycznych dla malarstwa średniowiecznego, Giotto stworzył jeden epicki cykl. 38 scen z życia Chrystusa i Maryi („Spotkanie Marii i Elżbiety”, „Pocałunek Judasza”, „Lamentacja” itp.) łączy się w jedną narrację posługującą się językiem malarstwa. Zamiast zwykłego złotego bizantyjskiego tła, Giotto wprowadza tło krajobrazowe. Postacie nie unoszą się już w przestrzeni, ale znajdują pod stopami stały grunt. I choć nadal nieaktywne, wykazują chęć oddania anatomii ludzkiego ciała i naturalności ruchu. Giotto nadaje formom niemal rzeźbiarską namacalność, ciężkość i gęstość. Modeluje relief, stopniowo rozjaśniając główne kolorowe tło. Ta zasada modelowania światłocieniowego, która umożliwiała pracę z czystymi, jasnymi kolorami bez ciemnych cieni, dominowała w malarstwie włoskim aż do XVI wieku.
Reforma przeprowadzona w malarstwie Giotta wywarła głębokie wrażenie na wszystkich jego współczesnych.
Wpływ Giotta nabrał siły i owocności dopiero sto lat później. Artyści Quattrocento zrealizowali zadania postawione przez Giotta. Etap wczesnego renesansu nazywany jest okresem triumfalnym w historii sztuki. Hojność i zakres twórczości artystycznej we Włoszech XV wieku stwarza wrażenie niespotykanej dotąd aktywności twórczej rzeźbiarzy i malarzy.
Sława twórcy malarstwa Quattrocento należy do florenckiego artysty Masaccio, który zmarł bardzo młodo (1401-1428). Na jego freskach postacie namalowane zgodnie z prawami anatomii łączą się ze sobą i z krajobrazem. Jego wzgórza i drzewa rozciągają się w oddali, tworząc naturalne środowisko powietrzne. Życie ludzi i przyrody łączą się w spójną całość, w jedną dramatyczną akcję. To nowe słowo w światowej sztuce malarstwa.
Szkoła florencka przez długi czas pozostawała liderem w sztuce włoskiej. Istniał w nim także ruch bardziej konserwatywny. Artystami tego ruchu byli mnisi, dlatego w historii sztuki nazywano ich zakonnymi. Jednym z najbardziej znanych był brat Giovanniego Beato, Angelico da Fiesole (1387-1455).
Cechą charakterystyczną późnego malarstwa Quattrocento jest różnorodność szkół i kierunków. W tym czasie ukształtowały się szkoły florencka, umbijska (Piero della Francesca, Pinturicchio, Perugino), północnowłoska (Mantegni), wenecka (Giovanni Bellini).
Jeden z najwybitniejszych artystów Quattrocento – Sandro Botticelli (1445-1510) – przedstawiciel ideałów estetycznych dworu słynnego tyrana, polityka, filantropa, poety i filozofa Lorenza Medici, zwanego Wspaniałym. Dwór tego niekoronowanego władcy był ośrodkiem kultury artystycznej, zrzeszającym znanych filozofów, naukowców i artystów.
W sztuce Botticellego istnieje swoista synteza średniowiecznego mistycyzmu z tradycją starożytną, ideałami gotyku i renesansu. W jego mitologicznych obrazach następuje odrodzenie symboliki. Przedstawia piękne starożytne boginie nie w zmysłowych formach ziemskiego piękna, ale w romantycznych, uduchowionych, wzniosłych obrazach. Obraz, który uczynił go sławnym, to „Narodziny Wenus”. Widzimy tu wyjątkowy kobiecy wizerunek Botticellego, którego nie można pomylić z dziełami innych artystów. Botticelli w zadziwiający sposób połączył pogańską zmysłowość i wzmożoną duchowość, rzeźbiarską kobiecość i delikatną kruchość, wyrafinowanie, linearną precyzję i emocjonalność, zmienność. Jest jednym z najbardziej poetyckich artystów w historii sztuki. Preferuje tematykę symboliczną, alegoryczną, lubi marzyć i wyrażać się za pomocą podpowiedzi.
Wczesny renesans trwał około stu lat. Kończy się wraz z okresem Wysokiego Renesansu, który trwa zaledwie około 30 lat. Głównym ośrodkiem życia artystycznego w tym czasie stał się Rzym.
Jeśli sztuka Quattrocento to analiza, poszukiwania, odkrycia, świeżość młodzieńczego światopoglądu, to sztuka Wysokiego Renesansu jest wynikiem, syntezą, mądrą dojrzałością. Poszukiwanie ideału artystycznego w okresie Quattrocento doprowadziło sztukę do uogólnień, do odkrycia ogólnych wzorców. Główna różnica między sztuką Wysokiego Renesansu polega na tym, że porzuca szczegóły, szczegóły, szczegóły w imię uogólnionego obrazu. Całe doświadczenie, wszystkie poszukiwania poprzedników są kompresowane przez wielkich mistrzów Cinquecento w imponującym uogólnieniu.
Główną treścią sztuki tamtych czasów jest wizerunek pięknej osoby o silnej woli. W odróżnieniu od sztuki XV wieku cechuje ją chęć zrozumienia i ucieleśnienia ogólnego schematu zjawisk życiowych.
Była to era tytanów renesansu, która dała kulturze światowej dzieła Leonarda, Rafaela i Michała Anioła. W historii kultury światowej ci trzej geniusze, pomimo całej swojej odmienności, twórczej indywidualności, uosabiają główną wartość włoskiego renesansu - harmonię piękna, mocy i inteligencji. Ich życie jest dowodem charakterystycznej dla renesansu zmiany stosunku społeczeństwa do osobowości twórczej artysty. Mistrzowie sztuki stali się zauważalnymi i wartościowymi postaciami w społeczeństwie, słusznie uważano ich za najlepiej wykształconych ludzi swoich czasów.
Ta cecha, być może bardziej niż inne postacie renesansu, dotyczy Leonarda da Vinci (1452 - 1519). Łączył geniusz artystyczny i naukowy. Leonardo był naukowcem, który badał przyrodę nie dla sztuki, ale dla nauki. Dlatego tak niewiele ukończonych dzieł Leonarda dotarło do nas. Zaczął malować i porzucił je, gdy tylko problem wydał mu się jasno sformułowany. Wiele jego obserwacji antycypuje rozwój europejskiej nauki i malarstwa na całe stulecia. Współczesne odkrycia naukowe wzbudzają zainteresowanie jego rysunkami inżynieryjnymi science-fiction.
Jego Madonna w Grocie jest pierwszym monumentalnym ołtarzem wysokiego renesansu. Jest to duży obraz w formacie powszechnym w malarstwie renesansowym, który przypomina okno, zaokrąglone u góry.
Nowym etapem w sztuce było malowanie ściany refektarza klasztoru Santa Maria del Grazie na podstawie fabuły Ostatniej Wieczerzy, którą malowało wielu artystów Quattrocento. „Ostatnia wieczerza” jest kamieniem węgielnym sztuki klasycznej, realizowała program wysokiego renesansu. Leonardo pracował nad tym dziełem przez 16 lat. Ogromny fresk, na którym namalowano postacie półtorakrotnie większe od naturalnej wielkości, stał się przykładem mądrego zrozumienia praw malarstwa monumentalnego, związanych z rzeczywistą przestrzenią wnętrza. Ucieleśniało badania naukowe artysty w dziedzinie fizyki, optyki, matematyki i anatomii, niezbędne do rozwiązywania problemów proporcji i perspektywy w rozległej przestrzeni obrazowej. Co najważniejsze, genialne dzieło Leonarda ma ogromną siłę psychologiczną. Żaden z artystów przedstawiających Ostatnią Wieczerzę przed Leonardem nie postawił sobie tak trudnego zadania – ukazania jednolitego znaczenia tej wielkiej chwili poprzez reakcje różnych ludzi, osobowości, temperamentów i reakcji emocjonalnych. 12 apostołów, 12 różnych postaci objawia się na różne sposoby w momencie emocjonalnego szoku. Poprzez ich reakcje emocjonalne, wyrażone w ruchu, ujawniają się odwieczne pytania człowieka: o miłość i nienawiść, oddanie i zdradę, szlachetność i podłość.
Jednym z najsłynniejszych obrazów na świecie było dzieło Leonarda „La Gioconda”. Ten portret żony kupca del Giocondo od wieków przyciąga uwagę, napisano o nim setki stron komentarzy, był kradziony, fałszowany, kopiowany, przypisywano mu czarodziejską moc. Nieuchwytny wyraz twarzy Giocondy wymyka się dokładnemu opisowi i reprodukcji. Portret ten stał się arcydziełem sztuki renesansu.
Po raz pierwszy w historii sztuki światowej gatunek portretu zrównał się z kompozycjami o tematyce religijnej.
Idee monumentalnej sztuki renesansu znalazły żywy wyraz w twórczości Rafaela Santiego (1483-1520). Leonardo stworzył styl klasyczny, Rafael go zatwierdził i spopularyzował. Sztukę Rafaela często określa się mianem „złotego środka”.
Twórczość Rafaela wyróżnia się klasycznymi walorami - przejrzystością, szlachetną prostotą, harmonią. Całość związana jest z kulturą duchową renesansu. Był o 30 lat młodszy od Leonarda i zmarł niemal równocześnie z nim, dokonując tak wiele w historii sztuki, że trudno sobie wyobrazić, aby tego wszystkiego dokonała jedna osoba. Wszechstronny artysta, architekt, monumentalista, mistrz portretu i kompozycji wielopostaciowych, utalentowany dekorator, był centralną postacią życia artystycznego Rzymu. Szczytem jego kunsztu była „Madonna Sykstyńska”, namalowana w 1516 roku dla klasztoru benedyktynów w Piacenzy (obecnie obraz znajduje się w Dreźnie). Dla wielu jest miarą tego, co najpiękniejsze, co sztuka może stworzyć.
Ta kompozycja ołtarzowa od wieków postrzegana jest jako formuła piękna i harmonii. Z zadziwiająco duchowych twarzy Madonny i Dzieciątka Boga emanuje tragiczne uczucie, które daje na odpokutowanie za ludzkie grzechy. Wzrok Madonny skierowany jest jakby przez widza, pełen żałobnej dalekowzroczności. Obraz ten ucieleśnia syntezę starożytnego ideału piękna z duchowością ideału chrześcijańskiego.
Historyczną zasługą sztuki Rafaela jest to, że połączył dwa światy w jeden - świat chrześcijański i świat pogański. Od tego czasu nowy ideał artystyczny mocno ugruntował się w sztuce sakralnej Europy Zachodniej.
Rzeźba renesansowa
Bystry geniusz Raphaela był daleki od psychologicznej głębi wewnętrznego świata człowieka, jak Leonardo, ale jeszcze bardziej obcy tragicznemu światopoglądowi Michała Anioła. Michelangelo Buonarroti (1475-1564) miał długie, trudne i bohaterskie życie. Jego geniusz objawił się w architekturze, malarstwie, poezji, ale najwyraźniej w rzeźbie. Postrzegał świat plastycznie, we wszystkich dziedzinach sztuki był przede wszystkim rzeźbiarzem. Najbardziej godnym obiektem przedstawienia wydaje mu się ciało ludzkie. Ale to jest człowiek wyjątkowej, potężnej i bohaterskiej rasy. Sztuka Michała Anioła poświęcona jest gloryfikacji ludzkiego wojownika, jego bohaterskich działań i cierpienia. Jego sztukę cechuje gigantomania, tytaniczny początek. To sztuka placów, budynków użyteczności publicznej, a nie sal pałacowych, sztuka dla ludu, a nie dla dworskich arystokratów.
Wiek XV był okresem rozkwitu rzeźby monumentalnej we Włoszech. Wychodzi z wnętrz na fasady kościołów i budynków cywilnych, na plac miejski i staje się częścią zespołu miejskiego.
Jednym z najwcześniejszych i najbardziej znanych dzieł Michała Anioła jest pięciometrowy posąg Dawida na placu we Florencji, symbolizujący zwycięstwo młodego Dawida nad gigantem Goliatem. Otwarcie pomnika przerodziło się w ludową uroczystość, gdyż Florentczycy widzieli w Dawidzie bliskiego im bohatera, obywatela i obrońcę republiki.
Rzeźbiarze renesansowi zwrócili się nie tylko do tradycyjnych obrazów chrześcijańskich, ale także do żywych ludzi, współczesnych. Rozwój gatunku portretu rzeźbiarskiego, pomnika nagrobnego, medalu portretowego i pomnika konnego wiąże się z chęcią utrwalenia wizerunku prawdziwego współczesności. Rzeźby te zdobiły place miejskie, zmieniając ich wygląd.
Rzeźba renesansowa powraca do starożytnych tradycji rzeźbiarskich. Obiektem badań stają się zabytki rzeźby antycznej, przykład języka plastycznego. Rzeźba, wcześniej niż malarstwo, odchodzi od średniowiecznych kanonów i wkracza na nową drogę rozwoju. Być może tłumaczy się to miejscem, jakie zajmowała w średniowiecznych kościołach. Podczas budowy dużych katedr powstały warsztaty, w których kształcili się rzeźbiarze dekoratorzy, którzy przeszli tu dobre szkolenie. Warsztaty rzeźbiarskie były wiodącymi ośrodkami życia artystycznego i odgrywały ważną rolę w badaniach nad starożytnością i anatomią ciała ludzkiego. Osiągnięcia rzeźby wczesnego renesansu wywarły ogromny wpływ na malarzy, którzy postrzegali żywą osobę przez pryzmat plastyczności. Rzeźbiarze renesansu osiągają pełny sens ludzkiego ciała, uwalniają je spod masy ubiorów, w których kryły się postacie średniowiecznego gotyku. Ścieżkę, którą Hellas przemierzała przez trzy stulecia, ukończyły trzy pokolenia mistrzów w okresie renesansu.
Pierwsze zwiastuny sztuki renesansowej pojawiły się we Włoszech w XIV wieku. Artyści tamtych czasów, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) i (przede wszystkim) Giotto
(1267-1337) tworząc obrazy o tradycyjnej tematyce religijnej, zaczęli stosować nowe techniki artystyczne: budowanie trójwymiarowej kompozycji, wykorzystywanie pejzażu w tle, co pozwalało im na urealnienie i ożywienie obrazów. To wyraźnie oddzieliło ich twórczość od dotychczasowej tradycji ikonograficznej, pełnej konwencji obrazu.
Termin używany do określenia ich kreatywności Protorenesans (1300 - „Trecento”)
.
Giotto di Bondone
(ok. 1267-1337) – włoski artysta i architekt epoki prarenesansowej. Jedna z kluczowych postaci w historii sztuki zachodniej. Pokonawszy tradycję bizantyjskiego malowania ikon, stał się prawdziwym założycielem włoskiej szkoły malarstwa i wypracował zupełnie nowe podejście do przedstawiania przestrzeni. Prace Giotta inspirowane były twórczością Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła.
Wczesny renesans (XV w. – Quattrocento).
Na początku XV wieku Filippo Brunelleschiego
(1377-1446), florencki naukowiec i architekt.
Brunelleschi chciał, aby postrzeganie zrekonstruowanych przez niego łaźni i teatrów było bardziej wizualne i próbował stworzyć obrazy z geometryczną perspektywą na podstawie swoich planów z określonego punktu widzenia. W trakcie tych poszukiwań odkryto bezpośrednia perspektywa.
Pozwoliło to artystom uzyskać doskonałe obrazy trójwymiarowej przestrzeni na płaskim płótnie malarskim.
_________Kolejnym ważnym krokiem na drodze do renesansu było pojawienie się sztuki niereligijnej, świeckiej. Portret i krajobraz stały się niezależnymi gatunkami. Nawet tematy religijne zyskały inną interpretację - artyści renesansu zaczęli postrzegać swoje postacie jako bohaterów o wyraźnych cechach indywidualnych i ludzkiej motywacji do działania.
Najbardziej znani artyści tego okresu to Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanniego Belliniego (1430-1516), Antonello z Messyny (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticellego (1447-1515).
Masaccio
(1401-1428) – słynny malarz włoski, największy mistrz szkoły florenckiej, reformator malarstwa epoki Quattrocento.
 |
| Fresk. Cud ze statrem. |
 |
| Obraz. Ukrzyżowanie. |
 |
| Fresk. Historia królowej Saby. Kościół San Francesco w Arezzo |
Sandro Botticellego(1445-1510) – wielki malarz włoski, przedstawiciel szkoły malarstwa florenckiego.
 |
| Wiosna. |
 |
| Narodziny Wenus. |
Wysoki renesans („Cinquecento”).
Nastąpił największy rozkwit sztuki renesansowej dla pierwszej ćwierci XVI w.
Pracuje Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafał Santi (1483-1520), Michał Anioł Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), tycjanowski (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) stanowią złoty fundusz sztuki europejskiej.
Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florencja) (1452-1519) – włoski artysta (malarz, rzeźbiarz, architekt) i naukowiec (anatom, przyrodnik), wynalazca, pisarz.
 |
| Autoportret |
 |
| Dama z gronostajem. 1490. Muzeum Czartoryskich, Kraków |
 |
| Mona Lisa (1503-1505/1506) |
 |
| Madonna Litta. 1490-1491. Ermitaż. |
 |
| Madonna Benois (Madonna z kwiatem). 1478-1480 |
 |
| Madonna z goździkiem. 1478 |
W ciągu swojego życia Leonardo da Vinci sporządził tysiące notatek i rysunków na temat anatomii, ale swojej pracy nie opublikował. Dokonując sekcji ciał ludzi i zwierząt, dokładnie oddał budowę szkieletu i narządów wewnętrznych, z uwzględnieniem drobnych szczegółów. Według profesora anatomii klinicznej Petera Abramsa prace naukowe da Vinci wyprzedzały swoje czasy o 300 lat i pod wieloma względami przewyższały słynną „Anatomię Graya”.
Lista wynalazków, zarówno rzeczywistych, jak i przypisywanych mu:
Spadochron, doZamek Olessovo, wrower, tanka, llekkie mosty przenośne dla wojska, sprojektor, doatakult, roba, DTeleskop Vuhlensa.
Następnie opracowano te innowacje Rafał Santi (1483-1520) – wielki malarz, grafik i architekt, przedstawiciel szkoły umbryjskiej.
| Autoportret. 1483 |
Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) – włoski rzeźbiarz, artysta, architekt, poeta, myśliciel.
Obrazy i rzeźby Michała Anioła Buonarottiego są pełne heroicznego patosu, a zarazem tragicznego poczucia kryzysu humanizmu. Jego obrazy gloryfikują siłę i moc człowieka, piękno jego ciała, podkreślając jednocześnie jego samotność w świecie.
Geniusz Michała Anioła odcisnął piętno nie tylko na sztuce renesansu, ale także na całej późniejszej kulturze światowej. Jego działalność związana jest głównie z dwoma włoskimi miastami – Florencją i Rzymem.
Jednak najbardziej ambitne plany artysta mógł zrealizować właśnie w malarstwie, gdzie dał się poznać jako prawdziwy innowator koloru i formy.
Na zlecenie papieża Juliusza II namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej (1508-1512), przedstawiający biblijną historię od stworzenia świata do potopu i zawierający ponad 300 postaci. W latach 1534-1541 w tej samej Kaplicy Sykstyńskiej namalował okazały, dramatyczny fresk „Sąd Ostateczny” dla papieża Pawła III.
Kaplica Sykstyńska 3D.
Twórczość Giorgione i Tycjana wyróżnia zainteresowanie pejzażem i poetyka fabuły. Obaj artyści osiągnęli wielkie mistrzostwo w sztuce portretu, za pomocą którego oddali charakter i bogaty świat wewnętrzny swoich bohaterów.
Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) – artysta włoski, przedstawiciel weneckiej szkoły malarstwa.
 |
||||
| Śpiąca Wenus. 1510 |
 |
| Judyta. 1504g |
Tycjan malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, zasłynął także jako portrecista. Otrzymywał rozkazy od królów i papieży, kardynałów, książąt i książąt. Tycjan nie miał nawet trzydziestu lat, kiedy został uznany za najlepszego malarza Wenecji.
 |
| Autoportret. 1567 |
 |
| Wenus z Urbino. 1538 |
 |
| Portret Tommaso Mostiego. 1520 |
Późny renesans.
Po splądrowaniu Rzymu przez siły cesarskie w 1527 r. włoski renesans wszedł w okres kryzysu. Już w twórczości zmarłego Rafaela zarysowała się nowa linia artystyczna, tzw manieryzm.
Epokę tę charakteryzują nadmuchane i przerywane linie, wydłużone lub nawet zdeformowane postacie, często nagie, napięte i nienaturalne pozy, niezwykłe lub dziwaczne efekty związane z rozmiarem, oświetleniem lub perspektywą, stosowaniem żrącej gamy chromatycznej, przeładowaną kompozycją itp. pierwsi mistrzowie manieryzmu Parmigianino
, Pontormo
, Bronzino-
mieszkał i pracował na dworze książąt Medyceuszy we Florencji. Moda manierystyczna rozprzestrzeniła się później w całych Włoszech i poza nimi.
Girolamo Francesco Maria Mazzola
(Parmigianino
- „mieszkaniec Parmy”) (1503-1540) Włoski artysta i rytownik, przedstawiciel manieryzmu.
 |
| Autoportret. 1540 |
 |
| Portret kobiety. 1530. |
Pontormo (1494-1557) – malarz włoski, przedstawiciel szkoły florenckiej, jeden z twórców manieryzmu.
W latach dziewięćdziesiątych XVI wieku sztuka zastąpiła manieryzm barokowy (dane przejściowe - Tintoretto I El Greco ).
Jacopo Robusti, lepiej znany jako Tintoretto (1518 lub 1519-1594) - malarz szkoły weneckiej późnego renesansu.
 |
| Ostatnia Wieczerza. 1592-1594. Kościół San Giorgio Maggiore w Wenecji. |
El Greco ("Grecki" Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) – artysta hiszpański. Z pochodzenia - Grek, pochodzący z Krety.
El Greco nie miał współczesnych naśladowców, a jego geniusz odkryto na nowo prawie 300 lat po jego śmierci.
El Greco uczył się w pracowni Tycjana, jednak jego technika malarska znacznie różni się od techniki jego nauczyciela. Prace El Greco charakteryzują się szybkością i wyrazistością wykonania, co zbliża je do malarstwa współczesnego.
 |
| Chrystus na krzyżu. OK. 1577. Zbiory prywatne. |
 |
| Trójca. 1579 Prado. |
W okresie renesansu następuje wiele zmian i odkryć. Eksplorowane są nowe kontynenty, rozwija się handel, powstają ważne rzeczy, takie jak papier, kompas morski, proch strzelniczy i wiele innych. Duże znaczenie miały także zmiany w malarstwie. Malarstwo renesansowe zyskało ogromną popularność.
Główne style i nurty w twórczości mistrzów
Okres ten był jednym z najbardziej owocnych w historii sztuki. Arcydzieła ogromnej liczby wybitnych mistrzów można dziś znaleźć w różnych centrach sztuki. Innowatorzy pojawili się we Florencji w pierwszej połowie XV wieku. Ich renesansowe obrazy zapoczątkowały nową erę w historii sztuki.
W tym czasie nauka i sztuka stają się bardzo blisko powiązane. Artyści i naukowcy starali się opanować świat fizyczny. Malarze próbowali skorzystać z dokładniejszych pomysłów na temat ludzkiego ciała. Wielu artystów dążyło do realizmu. Styl rozpoczyna się od obrazu Leonarda da Vinci „Ostatnia wieczerza”, który malował przez prawie cztery lata.
Jedno z najbardziej znanych dzieł
Został namalowany w 1490 roku dla refektarza klasztoru Santa Maria delle Grazie w Mediolanie. Obraz przedstawia ostatni posiłek Jezusa z uczniami, zanim został schwytany i zabity. Współcześni obserwujący twórczość artysty w tym okresie zauważyli, jak potrafił malować od rana do wieczora, nawet nie przerywając jedzenia. A potem mógł na kilka dni porzucić swoje malarstwo i w ogóle do niego nie podchodzić.
Artysta był bardzo zaniepokojony wizerunkiem samego Chrystusa i zdrajcy Judasza. Kiedy obraz został ostatecznie ukończony, słusznie uznano go za arcydzieło. „Ostatnia wieczerza” wciąż pozostaje jedną z najpopularniejszych. Reprodukcje renesansowe zawsze cieszyły się dużym zainteresowaniem, ale to arcydzieło charakteryzuje się niezliczoną liczbą kopii.
Uznane arcydzieło, czyli tajemniczy uśmiech kobiety
Wśród dzieł stworzonych przez Leonarda w XVI wieku znajduje się portret zwany Mona Lisą, czyli La Gioconda. W czasach nowożytnych jest to prawdopodobnie najsłynniejszy obraz na świecie. Popularność zyskała głównie dzięki nieuchwytnemu uśmiechowi na twarzy ukazanej na płótnie kobiety. Co doprowadziło do takiej tajemnicy? Umiejętna praca mistrza, umiejętność tak umiejętnego cieniowania kącików oczu i ust? Do dziś nie udało się ustalić dokładnego charakteru tego uśmiechu.
Inne szczegóły tego zdjęcia są poza konkurencją. Warto zwrócić uwagę na dłonie i oczy kobiety: z jaką precyzją artysta malując płótno potraktował najmniejsze detale. Nie mniej interesujący jest dramatyczny pejzaż w tle obrazu, świat, w którym wszystko zdaje się płynąć.
Kolejny znany przedstawiciel malarstwa
Równie znanym przedstawicielem renesansu jest Sandro Botticelli. To wielki włoski malarz. Jego renesansowe obrazy cieszą się także ogromnym zainteresowaniem szerokiego grona odbiorców. „Pokłon Trzech Króli”, „Madonna z Dzieciątkiem na tronie”, „Zwiastowanie” - te dzieła Botticellego poświęcone tematyce religijnej stały się ogromnymi osiągnięciami artysty.
Kolejnym znanym dziełem mistrza jest „Madonna Magnificat”. Zasłynęła za życia Sandro, o czym świadczą liczne reprodukcje. Podobne płótna w kształcie koła były dość poszukiwane w XV-wiecznej Florencji.
Nowy zwrot w twórczości artysty
Począwszy od 1490 roku Sandro zmienił swój styl. Staje się bardziej ascetyczny, zestawienie kolorów jest teraz znacznie bardziej powściągliwe, często dominują ciemne tony. Nowe podejście twórcy do pisania swoich dzieł jest wyraźnie widoczne w „Koronacji Marii”, „Opłakiwaniu Chrystusa” i innych obrazach przedstawiających Madonnę z Dzieciątkiem.
Arcydzieła namalowane wówczas przez Sandro Botticellego, jak na przykład portret Dantego, pozbawione są tła pejzażowego i wewnętrznego. Jedną z równie znaczących realizacji artysty są „Mistyczne Święta Bożego Narodzenia”. Obraz powstał pod wpływem zamieszek, jakie miały miejsce pod koniec 1500 roku we Włoszech. Wiele obrazów artystów renesansu nie tylko zyskało popularność, ale stało się przykładem dla kolejnych pokoleń malarzy.
Artysta, którego płótna otacza aura zachwytu
Rafael Santi da Urbino był nie tylko architektem. Jego renesansowe obrazy cenione są za klarowność formy, prostotę kompozycji i wizualne osiągnięcie ideału wielkości człowieka. Wraz z Michałem Aniołem i Leonardem da Vinci należy do tradycyjnej trójcy największych mistrzów tego okresu.
Żył stosunkowo krótko, miał zaledwie 37 lat. Ale w tym czasie stworzył ogromną liczbę swoich arcydzieł. Niektóre z jego dzieł znajdują się w Pałacu Watykańskim w Rzymie. Nie każdy widz może na własne oczy zobaczyć obrazy artystów renesansu. Zdjęcia tych arcydzieł są dostępne dla każdego (niektóre z nich przedstawiono w tym artykule).
Najsłynniejsze dzieła Rafaela
W latach 1504–1507 Rafael stworzył całą serię Madonn. Obrazy wyróżniają się urzekającym pięknem, mądrością i jednocześnie pewnym oświeconym smutkiem. Jego najsłynniejszym obrazem była Madonna Sykstyńska. Przedstawiana jest jako unosząca się w powietrzu i płynnie opadająca w stronę ludzi z Dzieciątkiem w ramionach. To właśnie ten ruch artysta był w stanie bardzo umiejętnie przedstawić.
Dzieło to zostało wysoko ocenione przez wielu znanych krytyków i wszyscy doszli do tego samego wniosku, że jest ono naprawdę rzadkie i niezwykłe. Wszystkie obrazy artystów renesansu mają długą historię. Ale największą popularność zyskała dzięki niekończącym się wędrówkom, począwszy od momentu jej stworzenia. Po licznych próbach ostatecznie zajął należne mu miejsce wśród ekspozycji Muzeum Drezdeńskiego.
Malowidła renesansowe. Zdjęcia znanych obrazów
Kolejnym znanym włoskim malarzem, rzeźbiarzem i architektem, który wywarł ogromny wpływ na rozwój sztuki zachodniej, jest Michelangelo di Simoni. Pomimo tego, że znany jest głównie jako rzeźbiarz, znajdują się tu także piękne dzieła jego malarstwa. A najważniejszym z nich jest sufit Kaplicy Sykstyńskiej.
Prace te prowadzono przez cztery lata. Przestrzeń zajmuje około pięciuset metrów kwadratowych i zawiera ponad trzysta figurek. W samym centrum znajduje się dziewięć epizodów z Księgi Rodzaju, podzielonych na kilka grup. Stworzenie ziemi, stworzenie człowieka i jego upadek. Do najsłynniejszych obrazów na suficie należą „Stworzenie Adama” oraz „Adam i Ewa”.
Jego równie znanym dziełem jest „Sąd Ostateczny”. Wykonano go na ścianie ołtarza Kaplicy Sykstyńskiej. Fresk przedstawia drugie przyjście Jezusa Chrystusa. Tutaj Michał Anioł ignoruje standardowe konwencje artystyczne w malowaniu Jezusa. Przedstawił go z masywną, muskularną budową ciała, młodego i pozbawionego brody.
Znaczenie religii, czyli sztuka renesansu
Malarstwo włoskie renesansu stało się podstawą rozwoju sztuki zachodniej. Wiele popularnych dzieł tego pokolenia twórców wywarło ogromny wpływ na artystów, który trwa do dziś. Wielcy przedstawiciele sztuki tego okresu skupiali swoją uwagę na tematyce religijnej, pracując często na zlecenie zamożnych mecenasów, w tym samego papieża.
Religia dosłownie przeniknęła do codziennego życia ludzi tej epoki i głęboko zakorzeniła się w umysłach artystów. Prawie wszystkie obrazy religijne znajdują się w muzeach i repozytoriach sztuki, ale reprodukcje obrazów renesansowych, związanych nie tylko z tą tematyką, można znaleźć w wielu instytucjach, a nawet zwykłych domach. Ludzie będą bez końca podziwiać dzieła słynnych mistrzów tamtego okresu.
Włochy to kraj, który od zawsze słynął z artystów. Wielcy mistrzowie, którzy niegdyś mieszkali we Włoszech, gloryfikowali sztukę na całym świecie. Z całą pewnością możemy powiedzieć, że gdyby nie włoscy artyści, rzeźbiarze i architekci, dzisiejszy świat wyglądałby zupełnie inaczej. Jest on oczywiście uważany za najważniejszy w sztuce włoskiej. Włochy w okresie renesansu lub renesansu osiągnęły niespotykany dotąd wzrost i dobrobyt. Utalentowani artyści, rzeźbiarze, wynalazcy, prawdziwi geniusze, którzy pojawili się w tamtych czasach, są nadal znani każdemu uczniowi. Ich sztuka, kreatywność, pomysły i osiągnięcia są dziś uważane za klasykę, rdzeń, na którym zbudowana jest światowa sztuka i kultura.
Jednym z najsłynniejszych geniuszy włoskiego renesansu jest oczywiście ten wielki Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci był tak utalentowany, że osiągnął wielkie sukcesy w wielu dziedzinach, w tym w sztukach pięknych i nauce. Kolejnym znanym artystą, który jest uznanym mistrzem jest Sandro Botticellego(1445-1510). Obrazy Botticellego są prawdziwym darem dla ludzkości. Dziś wiele z nich znajduje się w najsłynniejszych muzeach świata i jest naprawdę bezcennych. Nie mniej sławny niż Leonardo da Vinci i Botticelli Rafał Santi(1483-1520), który żył 38 lat i w tym czasie udało mu się stworzyć całą warstwę oszałamiającego malarstwa, który stał się jednym z uderzających przykładów wczesnego renesansu. Bez wątpienia kolejnym wielkim geniuszem włoskiego renesansu jest Michał Anioł Buonarotti(1475-1564). Oprócz malarstwa Michał Anioł zajmował się rzeźbą, architekturą i poezją, osiągając świetne wyniki w tego typu sztukach. Posąg Michała Anioła zwany „Dawidem” uważany jest za niezrównane arcydzieło, przykład najwyższego osiągnięcia sztuki rzeźbiarskiej.
Oprócz wymienionych artystów, największymi artystami renesansowych Włoch byli tacy mistrzowie jak Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Tycjan, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi i inni. Wszystkie były znakomitymi przykładami wspaniałej szkoły malarstwa weneckiego. Do florenckiej szkoły malarstwa włoskiego należą: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrei del Sarto.
Aby wymienić wszystkich artystów, którzy pracowali w okresie renesansu, a także w późnym renesansie i wieki później, którzy zasłynęli na całym świecie i gloryfikowali sztukę malarstwa, opracowali podstawowe zasady i prawa leżące u podstaw wszystkich typów i gatunków malarstwa sztuki piękne, Być może napisanie tego zajmie kilka tomów, ale ta lista wystarczy, aby zrozumieć, że wielcy włoscy artyści to właśnie sztuka, którą znamy, którą kochamy i którą będziemy cenić na zawsze!
Obrazy wielkich włoskich artystów
Andrea Mantegna – Fresk w Camera degli Sposi
Giorgione – Trzej Filozofowie
Leonardo da Vinci – Mona Lisa
Nicolas Poussin - Wielkoduszność Scypiona
Paolo Veronese – Bitwa pod Lepanto
Kiedy oglądam obrazy renesans, nie można nie podziwiać przejrzystości linii, wspaniałej palety kolorów i, co najważniejsze, niesamowitego realizmu przekazywanych obrazów. Współcześni naukowcy od dawna zastanawiają się, w jaki sposób ówczesnym mistrzom udało się stworzyć takie arcydzieła, ponieważ nie ma żadnych pisemnych dowodów na temat zawiłości i tajemnic tej techniki. Angielski artysta i fotograf David Hockney twierdzi, że rozwikłał tajemnicę renesansowych artystów, którzy umieli malować „żywe” obrazy.
Jeśli porównamy różne okresy w historii malarstwa, stanie się jasne, że w okresie renesansu (przełom XIV-XV w.) malarstwo „nagle” stało się znacznie bardziej realistyczne niż wcześniej. Patrząc na nie, wydaje się, że bohaterowie zaraz wzdychają, a na przedmiotach będą błyszczeć promienie słońca.
Pytanie samo się nasuwa: czy artyści renesansu nagle nauczyli się lepiej rysować, a obrazy zaczęły okazywać się bardziej obszerne? Odpowiedzi na to pytanie próbował odpowiedzieć słynny artysta, grafik i fotograf David Hockney ( Davida Hockneya).
W badaniach pomógł mu obraz Jana van Eycka „Portret pary Arnolfinich”. Na płótnie można znaleźć wiele ciekawych detali, choć zostało ono namalowane w 1434 roku. Szczególną uwagę zwraca lustro na ścianie oraz świecznik pod sufitem, który wygląda zaskakująco realistycznie. Davidowi Hockneyowi udało się zdobyć podobny świecznik i próbował go pomalować. Ku zaskoczeniu artysty, przedstawienie tego obiektu w perspektywie okazało się dość trudne, a nawet odbicia światła trzeba oddać w taki sposób, aby było jasne, że jest to blask metalu. Nawiasem mówiąc, przed renesansem nikt nie podjął się zadania przedstawienia blasku na metalowej powierzchni.
Kiedy odtworzono trójwymiarowy model świecznika, Hockney zadbał o to, aby obraz Van Eycka przedstawiał go w perspektywie z jednym znikającym punktem. Haczyk polegał jednak na tym, że w XV wieku nie było kamery obscura z obiektywem (urządzeniem optycznym, za pomocą którego można wykonać projekcję).
David Hockney zastanawiał się, jak Van Eyckowi udało się osiągnąć taki realizm w swoich obrazach. Ale pewnego dnia zauważył na obrazie obraz lustra. Było wypukłe. Warto zauważyć, że w tamtych czasach lustra były wklęsłe, ponieważ rzemieślnicy nie wiedzieli jeszcze, jak „przykleić” blaszaną okładzinę do płaskiej powierzchni szkła. Aby wykonać lustro w XV wieku, do szklanej kolby wlewano roztopioną cynę, a następnie odcinano górę, pozostawiając wklęsłe, błyszczące dno. David Hockney zdał sobie sprawę, że Van Eyck używał wklęsłego lustra, przez które patrzył, aby rysować obiekty tak realistycznie, jak to możliwe.
W XVI wieku rzemieślnicy nauczyli się wytwarzać duże soczewki wysokiej jakości. Umieszczano je w kamerze obscura, co umożliwiało uzyskanie projekcji o dowolnych rozmiarach. To była prawdziwa rewolucja w technologii realistycznego obrazu. Ale większość ludzi na obrazach „stała się” leworęczna. Rzecz w tym, że bezpośrednia projekcja obiektywu podczas korzystania z aparatu otworkowego jest odzwierciedlana. Na obrazie Pietera Gerritsza van Roestratena „Deklaracja miłości (Dziki kucharz)”, namalowanym około 1665-1670, wszystkie postacie są leworęczne. Mężczyzna i kobieta trzymają w lewych rękach szklankę i butelkę, starzec w tle również potrząsa im lewym palcem. Nawet małpa używa lewej łapy, żeby zajrzeć pod kobiecą sukienkę.
Aby uzyskać prawidłowy, proporcjonalny obraz, konieczne było dokładne ustawienie zwierciadła, w które skierowany był obiektyw. Ale nie wszyscy artyści potrafili to zrobić doskonale, a luster wysokiej jakości było wtedy niewiele. Z tego powodu na niektórych obrazach widać, jak nie zachowano proporcji: małe głowy, duże ramiona czy nogi.
Stosowanie przez artystów urządzeń optycznych w niczym nie umniejsza ich talentu. Dzięki osiągniętemu realizmowi malarstwa renesansowego współcześni mieszkańcy wiedzą teraz, jak wyglądali ówczesni ludzie i przedmioty gospodarstwa domowego.
Średniowieczni artyści starali się nie tylko osiągnąć realizm w swoich obrazach, ale także zaszyfrować w nich szczególne symbole. Tak, wspaniałe arcydzieło Tycjana
