Jak nazywa się aktor, któremu publiczność nie wierzy? Jak odróżnić, który aktor gra dobrze, a który przesadnie? Aleksiej Batałow i jego bohater
I jej terier. 9 czerwca film „Psie serce” będzie miał premierę limitowaną w Moskwie, Sankt Petersburgu i 10 innych miastach Rosji.
site otrzymało list od Laurie Anderson wyjaśniający ten chwytający za serce projekt – i nie tylko.
Fabuła „Psiego serca” może wydawać się dziwna i ekscentryczna – filmu o psie artysty, ale uważny widz zrozumie, że jest to film o miłości, śmierci i sztuce opowiadania historii. Jak powstał ten film – czy wszystko zaczęło się od teriera Lolabelle?
Projekt rozpoczął się, gdy kanał francusko-niemiecki Telewizja Arte zamówił mi film o tym, dlaczego zajmuję się sztuką. Nieważne, czym się zajmuję – piosenką, opowiadaniem, projektem multimedialnym – zawsze chodzi o historie. Postanowiłem więc nakręcić film o historiach. Czym oni są? Co się stanie, gdy o nich zapomnimy? Co się stanie, jeśli powiemy im zbyt często? Jaka jest ich rola w naszym życiu?
Historia Lolabelle jest jednym z wątków fabularnych filmu. Ostatecznie historie opowiadają o empatii, a jednym z największych talentów psów jest empatia. Dlatego zdecydowałem się pokazać część filmu oczami psa, chociaż czasami w filmie nie jest jasne, kto jest narratorem. Spojrzenie psa widać na nagraniu z monitoringu. Kto ogląda? Kto mówi? Oto pytania, które porusza ten film.
Wydaje mi się, że rosyjska publiczność bardzo dobrze zrozumie ten film. Swoją drogą mój film okazał się bliźniaczym filmem „Psie serce” nakręconym w 1988 roku przez reżysera Bortko na podstawie opowiadania Bułhakowa. Nie widziałem tego filmu, dopóki nie nazwałem swojego (zapomniałem wpisać go w Google), ale podoba mi się ten zbieg okoliczności, ponieważ oba filmy rozpoczynają się straszną operacją i komentują charakter historii.
Film nie mówi Ci, jak Lolabelle została Twoim psem? Czy miałeś już psy? Kogo masz teraz - czy pozostajesz wierny szczuroterierom?
Lou znalazł Lolabelle w ciemni, gdzie kręciła się pod nogami, i zapytał, czyj to pies. Właściciel odpowiedział: „Jeśli chcesz, to weź” – i zabraliśmy do domu. Oboje mieliśmy psy jako dzieci, ale nie jako dorośli. Zawsze radzę osobom, które narzekają, że nie mają czasu na zwierzaka: podziel się z kimś psem. Kiedy mieliśmy Lolabelle, oboje byliśmy bardzo zajęci projektami i trasami koncertowymi. Myśleliśmy, że nie będzie pasować do naszego życia, ale tak się stało i bardzo ją kochaliśmy. Potem wzięliśmy kolejnego psa - Little Will, ma cztery lata, border terrier. Nie gra na pianinie i nie rysuje. Uwielbia bawić się piłką. I jest dużo.
Opowiedz nam o muzyce, która brzmi w „Heart of a Dog”. Jest bardzo akwarelowo i spokojnie – same skrzypce i ambient, utkane z naturalnych dźwięków. Dlaczego?
Kiedy po raz pierwszy zrobiłem ten film, pokazałem go dość dużej publiczności. Wszyscy mówili: „Tylko nie twórz dla niego muzyki. To będzie zbyt ostre.” Nalegał producent Dan Janvi. Ścieżkę dźwiękową zrobiłem bardzo szybko. Ma taką samą strukturę jak muzyka do moich programów – ambient, aby nie odwracać uwagi od historii.
Historie opowiadają o empatii, a jednym z największych talentów, jakie mają psy, jest empatia.
Nie tylko nakręciłeś film o psie, ale także dajesz koncerty dla psów. Ostatnia odbyła się na Times Square w Nowym Jorku – czy zamierzacie je zrobić w przyszłości?
Kiedy w 2010 roku dałem swój pierwszy koncert dla psów w Sydney, zacząłem otrzymywać wiele propozycji zorganizowania kolejnych takich występów. Przysięgałem, że tego nie zrobię. Nie chciałam zostać „artystką, która koncertuje dla psów”. Później dałem jeszcze kilka takich koncertów, bardzo nieliczne - w Szwecji, Anglii, Nowym Jorku i Los Angeles. Teraz jestem „artystką, która daje koncerty dla psów”. Chcę jednak powiedzieć, że nie ma nic przyjemniejszego niż podczas takich przemówień wpatrywanie się w publiczność i obserwowanie niezwykle ciekawskich twarzy.
Swoją drogą, czy kiedykolwiek koncertowałeś dla publiczności z Lolabelle grającą na pianinie? Może z Lou Reedem?
Tylko w domu.
- Są w tym filmie historie, które brzmią trochę fantastycznie. Czy są takie, w które publiczność nie wierzy?
Wszystkie historie opowiedziane w tym filmie są prawdziwe. Myślę, że najtrudniejsze dla widza jest to, że nie kochałem swojej matki. Zwykle podchodzą i mówią: „Nie mogę uwierzyć, że to powiedziałeś”. Nie opisałam w tym filmie historii o tym, jak byłam niekochana przez matkę. Jeszcze trudniej byłoby to zaakceptować widzom.
Prawda jest taka, że kobiety są niedoskonałe, ale wszystkie powinny być zdolne do miłości. Ale niewielka liczba matek nie jest w stanie kochać nawet własnych dzieci. Film wielokrotnie zadaje pytanie, czym jest miłość. Generalnie cały ten film składa się z pytań.
Wkrótce zaczynam projekt o tym, jak telepatię wykonałem z Davidem Bowie.
W filmie poruszany jest także wątek śmierci. Fani muzyki doświadczyli w tym roku wielu poważnych strat, od Davida Bowiego po Prince'a. Czy masz jakieś osobiste historie związane z tymi muzykami?
Wkrótce zaczynam projekt o tym, jak telepatię wykonałem z Davidem Bowie. To będzie niespodzianka!
- Brałeś udział w albumie Jean-Michela Jarre'a„Elektronika” w towarzystwie elektronicznych patriarchów Edgara Froese, Cześć, Vince’a Clarke’a. Jak poznałeś Jean-Michela Jarre’a?
Znam go od dawna – od albumu „Zoolook”. Zawsze lubiłem jego muzykę. Bardzo różni się od mojego. Ale oboje jesteśmy maniakami technologii, więc zawsze fajnie jest coś z tym zrobić. Uwielbiałem być fajny i dowodzić w tym utworze.
Podobają mi się pomysły Berniego, ale jeszcze bardziej ekscytuje mnie możliwość – lub nieuchronność – że będziemy mieli pierwszą kobietę-prezydenta.
O ile wiem, zbliża się duży projekt mający na celu ponowne wydanie archiwów Lou Reeda. Czy brałeś w tym udział? Czy możesz nam powiedzieć więcej?
Tak, jestem zaangażowany w ten projekt i przez ostatnie kilka lat zrobiliśmy kilka rzeczy, które są naprawdę niesamowite. Wkrótce będziesz wiedział wszystko.
Czy planujesz napisać wspomnienia o swoim życiu z Lou Reedem? Uszczęśliwiłby tym wielu fanów swojej muzyki.
Dlaczego nie.
Przepraszam, jeśli pytanie jest zbyt osobiste, ale w Internecie pojawiła się informacja, że po premierze „Serce psa” w San Francisco ożeniłeś się z francuską artystką Sophie Calle. Z wiadomości nie wynikało jasno, czy to prawda, czy jakiś występ.
To był żart, ale oczywiście gdy tylko trafił do Internetu, stał się prawdą. To jedna z rzeczy, które uwielbiam w dwuznaczności historii.
MOSKWA, 12 marca – RIA Nowosti. Niepowtarzalny aktor, niestrudzony nauczyciel i utalentowany lider Oleg Pawłowicz Tabakow zmarł w poniedziałek po długiej chorobie. Wszyscy wiedzieli, że artysta jest poważnie chory, ale do niedawna wierzyli, że uda mu się pokonać chorobę. Według przyjaciół, kolegów i wielbicieli talentu Tabakow był jednym z ostatnich mistrzów, którzy stali u początków teatru i nie da się go zastąpić.
W wieku 83 lat zmarł Artysta Ludowy ZSRR Oleg Tabakow. Był nie tylko wielkim artystą, ale także znakomitym liderem, kierował jednocześnie dwoma teatrami: pracownią Tabakerka i Moskiewskim Teatrem Artystycznym Czechowa. Z powodu żałoby teatry odwołały wszystkie spektakle.
Jak powiedziała RIA Novosti Maria Malkina, rzecznik prasowy Moskiewskiego Teatru Artystycznego Czechowa, pożegnanie Tabakowa odbędzie się w teatrze 15 marca. Wiceminister kultury Aleksander Żurawski powiedział, że artysta zostanie pochowany na cmentarzu Nowodziewiczy. Według szefa Komisji Kultury Dumy Miasta Moskwy Jewgienija Gierasimowa pamięć o aktorze może zostać uwieczniona w stolicy, jeśli zostanie otrzymana odpowiednia prośba.
Człowiek wielu talentów
Główny aktor kraju Oleg Tabakow był prawdziwym artystą ludowym i potrafił połączyć prawie wszystko: był nie tylko genialnym aktorem, ale także utalentowanym organizatorem i nauczycielem, twórcą pracowni, teatrów i szkół, ojcem dużej rodziny i po prostu szczęśliwym człowiekiem.
„Od 1957 roku pracował w telewizji, był jednym z pierwszych aktorów, którzy wzięli udział w telewizyjnych spektaklach transmitowanych na żywo. Człowiek o niewyczerpanej energii, potrafił grać w filmach i uczyć w teatrze, prowadzić aktywne życie społeczne i tworzyć środowisko duża, przyjazna rodzina. Na zawsze pozostanie w pamięci ludzi i historii naszego kraju” – powiedział szef Rospeczatu Michaił Sesławiński.
Razlogov: Tabakov to legenda, która przyczyniła się do całego naszego życiaArtysta Ludowy ZSRR Oleg Tabakow zmarł w Moskwie w wieku 83 lat. W radiu Sputnik prezes Cechu Filmoznawców i Krytyków Filmowych Rosji Kirill Razlogov nazwał śmierć artysty niepowetowaną stratą.Jak zauważył Artysta Ludowy Rosji, przewodniczący Związku Pracowników Teatru Federacji Rosyjskiej Aleksander Kalyagin, Tabakow zrobił niesamowitą ilość dla artystów i ludzi teatru, stworzył wspaniałą szkołę teatralną i teatralną Tabakerka.
"Wszystko, czego dokonał, można po prostu nazwać wyczynem ludzkim. Nie sposób zapomnieć, kim był ten człowiek - utalentowany, wyluzowany, różnorodny... Myślę, że jego odejście jest największą stratą dla naszego pokolenia i dla młodych ludzi. I Rozumiem, całym sercem rozumiem, jak trudno jest teraz rodzinie i przyjaciołom Olega Pawłowicza. Był ciężko chory, ale po prostu nie można pogodzić się z faktem, że go już nie ma” – podkreślił rozmówca agencji.
© Ruptly
Według słynnego reżysera i dyrektora artystycznego moskiewskiego teatru Lenkom Marka Zacharowa Tabakow był człowiekiem o wszechstronnym talencie, który ozdabiał nasze życie, tworząc pole twórczego nastroju i twórczej radości. "Wymyślił różne nagrody i wyróżnienia, kierował tym statkiem teatru artystycznego. Był wybitną osobowością, wybitnym artystą, który na zawsze zapisze się w naszej historii" - Zacharow powiedział RIA Novosti.
Prezydent Rosji Władimir Putin również złożył kondolencje „licznej armii wielbicieli talentu Tabakowa”. "Putin został poinformowany o smutnej wiadomości - śmierci Olega Pawłowicza Tabakowa. Prezydent składa głębokie współczucie rodzinie i przyjaciołom Olega Pawłowicza" - powiedział sekretarz prasowy głowy stanu Dmitrij Pieskow.
Wszyscy liczyli na cud
Niedawno Tabakow był poważnie chory i przez kilka miesięcy przebywał w szpitalu, ale wszyscy do końca wierzyli, że uda mu się pokonać chorobę i ponownie zachwyci wszystkich swoim uroczym, niezapomnianym uśmiechem i dowcipami. "Nadawanie takich definicji Olegowi Pawłowiczowi jako wielkiemu i powszechnie uwielbianemu artyście jest jak najbardziej słuszne. Oczywiście nie mogę uwierzyć, że nie ma go z nami" - powiedział Władimir Tołstoj, doradca prezydenta ds. kultury.
„Stała się wielka katastrofa, na którą nie można było się przygotować, chociaż wszyscy wiedzieliśmy, że Oleg Pawłowicz jest ciężko chory, ale liczyliśmy na cud” – podkreślił Michaił Szwydkoj, specjalny przedstawiciel prezydenta ds. międzynarodowej współpracy kulturalnej.
Piosenkarz Philip Kirkorov napisał na swoim Instagramie, że najlepsi jeden po drugim odchodzą z naszego życia. "Wspaniali aktorzy i osobowości naszych czasów, z których sztuką dorastaliśmy, od których się uczyliśmy, staraliśmy się być tacy jak oni, a przynajmniej po prostu patrzeć i podziwiać! Dziękuję, Oleg Pawłowicz, za Twoją nieocenioną sztukę i wkład... To jest nieodwracalna strata” – podkreślił Kirkorov.
Według wicepremiera Federacji Rosyjskiej Olgi Golodets Tabakov jest największym aktorem naszych czasów, niezrównanym wykonawcą i wybitnym reżyserem teatralnym, utalentowanym nauczycielem, który wyszkolił całą galaktykę krajowych artystów pierwszej wielkości.
Nikt nie może zastąpić
Zacharow zauważył, że po wiadomości o śmierci Tabakowa był zagubiony i zdezorientowany, zastanawiając się, kto teraz zostanie szefem Teatru Artystycznego Czechowa. "Jak znaleźć osobę o takiej sile i energii, która była nieodłączna od Olega Pawłowicza? Trudno odpowiedzieć na to pytanie, ale myślę, że szef Moskiewskiego Teatru Artystycznego powinien być reżyserem - a nie gwiazdą filmową, a nie kimś innym , ale reżysera, żeby był to teatr autorski, jak za Olega Pawłowicza Tabakowa” – powiedział Zacharow.
Shvydkoy również się z nim zgadza. „Był – szkoda mówić o nim w czasie przeszłym – jednym z ostatnich wielkich artystów Moskiewskiego Teatru Artystycznego i najprawdopodobniej ostatnim, który posiadł tajemnice wielkich mistrzów, którzy stali u podstaw tego wyjątkowego i jedyny organizm teatralny na świecie” – podkreślił rozmówca agencji.
Shvydkoy zauważył, że był ministrem kultury, gdy zmarł inny wielki aktor, dyrektor artystyczny Moskiewskiego Teatru Artystycznego. A.P. Czechow Oleg Efremow: "I ani przez chwilę nie wątpiłem, kto zostanie jego następcą - Tabakow. A dziś wszystko jest puste. Olega Pawłowicza nie można zastąpić ani w teatrze, ani w naszych sercach, ponieważ dla każdego z nas grał szczególną rolę „- powiedział.
Tytan kina rosyjskiego
Jak zauważyła aktorka Elena Drapeko, wiceprzewodnicząca Komisji Kultury Dumy Państwowej, Tabakow był tytanem rosyjskiego teatru i kina, a większość ludzi pamięta nie jego dzieła teatralne, ale jego dzieła filmowe. "Zawsze było bardzo jasne i niezapomniane. Prawdopodobnie jego najważniejszą cechą jest to, że zawsze był u szczytu czasów: kiedy urodził się Sovremennik, kiedy teatr przeżywał trudne czasy. Objął kierownictwo Moskiewskiego Teatru Artystycznego I nawet w ostatnich latach wciąż poszukuję miejsca dla teatru we współczesnym świecie” – powiedziała Drapeko RIA Novosti.
Kondolencje rodzinie i przyjaciołom wielkiego artysty złożyli także przewodniczący Dumy Państwowej Wiaczesław Wołodin, burmistrz Moskwy Siergiej Sobianin i lider LDPR Władimir Żyrinowski. „Czy można sobie wyobrazić filmy „Siedemnaście chwil wiosny”, „Wojna i pokój”, film „Moskwa nie wierzy łzom”, film „Człowiek z Bulwaru Kapucynów” bez niego. Ilu widzów poszło? do teatru specjalnie na Tabakowa? „Nie strzelajcie do białych”, „Łabędzie”, „Amadeusz”, „Kolacja” i wiele innych przedstawień, w których talent Olega Pawłowicza całkowicie pochłonął publiczność” – zauważył Żyrinowski.
Nie zapomniałem o moich saratowskich korzeniach
Szwydkoj zauważył, że Tabakow lubił udawać przebiegłego chłopa z Saratowa, lecz w rzeczywistości mieszkał w nim wielki Rosjanin w najlepszym i najwyższym tego słowa znaczeniu. Aktor całe dzieciństwo spędził w Saratowie, a do Moskwy przybył, aby podbić Moskiewską Szkołę Teatru Artystycznego, aby wziąć udział w kursie u wielkiego Wasilija Toporkowa. Jednak wielki artysta nigdy nie zapomniał o swoim rodzinnym mieście.
"Imię Olega Pawłowicza jest ściśle związane z Saratowem - tutaj się urodził, studiował, zdał sobie sprawę, że teatr był jego życiem i powołaniem. Nigdy nie zapomniał o swojej małej ojczyźnie, pomagał utalentowanej młodzieży Saratowa, aktywnie uczestniczył w życiu kulturalnym Saratowa, ” – powiedział szef Saratowa Michaił Isajew, którego słowa cytuje służba prasowa urzędu burmistrza.
Poseł do Dumy Państwowej Olga Batalina zauważyła, że Tabakow „zawsze wspierał młodych aktorów, szczególnie podkreślając utalentowanych rodaków z Saratowa”. „Pokochałam i zapamiętałam Pałac Pionierów w Saratowie, gdzie w studiu teatralnym Natalii Sukhostav stawiał pierwsze kroki w sztuce” – napisała na Facebooku.
Oleg Tabakov: legendarny współczesny w teatrze, życiu i kinie
© RIA Nowosti / Pierwszy występ przyszłego Artysty Ludowego odbył się nad słonym jeziorem Elton, gdzie podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej matka Tabakowa pracowała jako terapeutka w szpitalu. Siedmioletni Lelik brał udział w tworzeniu amatorskiego szkicu wojskowego. Na zdjęciu: kadr z filmu „Brawa, brawa...”, 1985.
2 z 17
Pierwszy występ przyszłego Artysty Ludowego odbył się nad słonym jeziorem Elton, gdzie podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej matka Tabakowa pracowała jako terapeutka w szpitalu. Siedmioletni Lelik brał udział w tworzeniu amatorskiego szkicu wojskowego. Na zdjęciu: kadr z filmu „Brawa, brawa...”, 1985.
© RIA Nowosti / Alexey Nikolsky / Równolegle z nauką w szkole średniej Tabakov uczęszczał do klubu szachowego w Pałacu Pionierów. To tam zauważyła go dyrektorka teatru dziecięcego „Młoda Gwardia” Natalya Iosifovna Sukhostav i zaprosiła do udziału w nowej produkcji. Od tego czasu aż do ukończenia studiów Tabakov trzy razy w tygodniu uczęszczał na zajęcia teatralne i grał główne role we wszystkich tamtejszych przedstawieniach. Na zdjęciu: prezydent Rosji Władimir Putin i Oleg Tabakow przed rozpoczęciem wieczoru galowego poświęconego otwarciu Roku Literatury w Rosji. 2015
3 z 17
Równolegle z nauką w szkole średniej Tabakov uczęszczał do klubu szachowego w Pałacu Pionierów. To tam zauważyła go dyrektorka teatru dziecięcego „Młoda Gwardia” Natalya Iosifovna Sukhostav i zaprosiła do udziału w nowej produkcji. Od tego czasu aż do ukończenia studiów Tabakov trzy razy w tygodniu uczęszczał na zajęcia teatralne i grał główne role we wszystkich tamtejszych przedstawieniach. Na zdjęciu: prezydent Rosji Władimir Putin i Oleg Tabakow przed rozpoczęciem wieczoru galowego poświęconego otwarciu Roku Literatury w Rosji. 2015
/ W 1953 roku Tabakow wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Teatralnej, aby studiować kurs Artysty Ludowego ZSRR Wasilija Toporkowa. Evgeny Urbansky, Valentin Gaft, Maya Menglet, Vladlen Paulus studiowali u niego. Najbardziej godną uwagi pracą studencką Tabakova była rola Chlestakowa w Generalnym Inspektorze. Sukcesy na scenie pozwoliły młodemu artyście otrzymać dwukrotnie wyższe niż zwykle stypendium Kaczałowa. Na zdjęciu: Igor Wernik i Oleg Tabakow w scenie ze spektaklu na podstawie sztuki „Smok” Jewgienija Schwartza w reżyserii Konstantina Bogomołowa w Moskiewskim Teatrze Artystycznym im. A.P. Czechow. 2017
4 z 17
W 1953 roku Tabakow wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Teatralnej, aby studiować kurs Artysty Ludowego ZSRR Wasilija Toporkowa. Evgeny Urbansky, Valentin Gaft, Maya Menglet, Vladlen Paulus studiowali u niego. Najbardziej godną uwagi pracą studencką Tabakova była rola Chlestakowa w Generalnym Inspektorze. Sukcesy na scenie pozwoliły młodemu artyście otrzymać dwukrotnie wyższe niż zwykle stypendium Kaczałowa. Na zdjęciu: Igor Wernik i Oleg Tabakow w scenie ze spektaklu na podstawie sztuki „Smok” Jewgienija Schwartza w reżyserii Konstantina Bogomołowa w Moskiewskim Teatrze Artystycznym im. A.P. Czechow. 2017
/ W 1955 roku w trzewiach Moskiewskiej Szkoły Teatralnej pojawiło się Studio Młodych Aktorów, na którego czele stał uczeń Toporkowa Oleg Efremow. Zorganizował kilka przedstawień dyplomowych w klasie maturalnej w 1955 r., gdzie studiowali Galina Wołczek i Igor Kwasza, a później, w 1957 r., w klasie maturalnej, gdzie studiował Tabakow. Studio i sukces sztuki „Eternally Alive”, w której Tabakov zaczął grać w 1957 roku, stały się zwiastunami powstania Teatru Sovremennik. Na zdjęciu: Oleg Tabakov podczas wręczenia nagrody „Twarze 2005” w nominacji „Twarz Roku”. Rok 2005.
5 z 17
W 1955 roku w trzewiach Moskiewskiej Szkoły Teatralnej pojawiło się Studio Młodych Aktorów, na którego czele stał uczeń Toporkowa Oleg Efremow. Zorganizował kilka przedstawień dyplomowych w klasie maturalnej w 1955 r., gdzie studiowali Galina Wołczek i Igor Kwasza, a później, w 1957 r., w klasie maturalnej, gdzie studiował Tabakow. Studio i sukces sztuki „Eternally Alive”, w której Tabakov zaczął grać w 1957 roku, stały się zwiastunami powstania Teatru Sovremennik. Na zdjęciu: Oleg Tabakov podczas wręczenia nagrody „Twarze 2005” w nominacji „Twarz Roku”. Rok 2005.
© RIA Novosti / Władimir Rodionow / Sovremennik został założony w 1958 roku przez siedmiu absolwentów Moskiewskiej Szkoły Teatralnej-Studio z różnych lat: Olega Jefremowa, Galiny Wołczek, Igora Kvaszę, Liliję Tołmaczewę, Jewgienija Jewstyniejewa, Olega Tabakowa i Wiktora Siergiejowa. Był to pierwszy teatr w kraju stworzony przez twórcze stowarzyszenie ludzi o podobnych poglądach. Na zdjęciu: artyści Moskiewskiego Teatru Artystycznego im. A.P. Czechowa gratulują Olegowi Tabakowowi 75. urodzin podczas rocznicowego wieczoru „Deklaracja miłości”. 2010
6 z 17
Sovremennik został założony w 1958 roku przez siedmiu absolwentów Moskiewskiej Szkoły Teatralnej-Studio z różnych lat: Olega Jefremowa, Galiny Wołczek, Igora Kvaszę, Liliję Tołmaczewę, Jewgienija Jewstyniejewa, Olega Tabakowa i Wiktora Siergiejowa. Był to pierwszy teatr w kraju stworzony przez twórcze stowarzyszenie ludzi o podobnych poglądach. Na zdjęciu: artyści Moskiewskiego Teatru Artystycznego im. A.P. Czechowa gratulują Olegowi Tabakowowi 75. urodzin podczas rocznicowego wieczoru „Deklaracja miłości”. 2010
© RIA Novosti / Alexander Gladstein / Tabakov był jednym z czołowych artystów Sovremennika. Ma role w sztukach „W poszukiwaniu radości”, „Zwyczajna historia”, „Zawsze na sprzedaż”, „Ballada o smutnej cukinii”, „Czwarty”, „Spotkanie”, „Od wieczora do południa” , „Dekabryści” i inni. W 1968 roku na zaproszenie teatru Chinogerny Club Tabakov zagrał Chlestakowa w Pradze. Na zdjęciu: Oleg Tabakow w roli kierownika bufetu Klaudia Iwanowna w satyrycznej fantazji Wasilija Aksenowa „Zawsze na sprzedaż” w reżyserii Moskiewskiego Studia Teatralnego Sovremennik. 1965
7 z 17
Tabakov był jednym z czołowych artystów Sovremennika. Ma role w sztukach „W poszukiwaniu radości”, „Zwyczajna historia”, „Zawsze na sprzedaż”, „Ballada o smutnej cukinii”, „Czwarty”, „Spotkanie”, „Od wieczora do południa” , „Dekabryści” i inni. W 1968 roku na zaproszenie teatru Chinogerny Club Tabakov zagrał Chlestakowa w Pradze. Na zdjęciu: Oleg Tabakow w roli kierownika bufetu Klaudia Iwanowna w satyrycznej fantazji Wasilija Aksenowa „Zawsze na sprzedaż” w reżyserii Moskiewskiego Studia Teatralnego Sovremennik. 1965
© RIA Novosti / Władimir Wiatkin / W 1970 roku, po mianowaniu Efremova dyrektorem artystycznym Moskiewskiego Teatru Artystycznego, Tabakov został dyrektorem Sovremennika i przyczynił się do zatwierdzenia Wołczka na stanowisko głównego dyrektora teatru. Jako aktor Tabakow grał w Sovremenniku do 1983 roku, kiedy to przeniósł się do Moskiewskiego Teatru Artystycznego, gdzie brał udział w sztukach Amadeus, Ławka, Cabal of the Saint, Biada dowcipu i Tartuffe.Na zdjęciu: Oleg Tabakov w próba. 1982
8 z 17
W 1970 roku, po mianowaniu Efremova dyrektorem artystycznym Moskiewskiego Teatru Artystycznego, Tabakov został dyrektorem Sovremennika i przyczynił się do zatwierdzenia Wołczka na stanowisko głównego dyrektora teatru. Jako aktor Tabakow grał w Sovremenniku do 1983 roku, kiedy to przeniósł się do Moskiewskiego Teatru Artystycznego, gdzie brał udział w sztukach Amadeus, Ławka, Cabal of the Saint, Biada dowcipu i Tartuffe.Na zdjęciu: Oleg Tabakov w próba. 1982
© RIA Nowosti / Alexey Danichev / W latach 1976–1986 Tabakov wydał dwa kursy w GITIS, które stały się podstawą słynnej „Tabakerki”. Premierowe przedstawienie odbyło się w piwnicy na Chaplygin w 1978 roku. Zaledwie sześć lat później wiceminister kultury podpisał zarządzenie o utworzeniu Teatru Studio pod przewodnictwem Olega Tabakova. Na zdjęciu: Oleg Tabakow strzela z armaty z bastionu Naryszkina Twierdzy Piotra i Pawła z okazji 25. rocznicy powstania „Tabakerki”. rok 2012.
9 z 17
W latach 1976–1986 Tabakov wydał dwa kursy w GITIS, które stały się podstawą słynnej „Tabakerki”. Premierowe przedstawienie odbyło się w piwnicy na Chaplygin w 1978 roku. Zaledwie sześć lat później wiceminister kultury podpisał zarządzenie o utworzeniu Teatru Studio pod przewodnictwem Olega Tabakova. Na zdjęciu: Oleg Tabakow strzela z armaty z bastionu Naryszkina Twierdzy Piotra i Pawła z okazji 25. rocznicy powstania „Tabakerki”. rok 2012.
© RIA Novosti / Evgeny Biyatov / W latach 1986–2000 Tabakow był rektorem Moskiewskiej Szkoły Teatru Artystycznego, gdzie ukończył cztery kursy aktorskie. W 1992 roku założył Szkołę Letnią im. K.S. Stanisławskiego w Bostonie, a w 2009 roku otworzył własną Moskiewską Szkołę Teatralną i ustanowił nagrodę jego imienia. Na zdjęciu: Oleg Tabakov ogłasza laureatów ustanowionej przez siebie nagrody. 2016
10 z 17
W latach 1986–2000 Tabakow był rektorem Moskiewskiej Szkoły Teatru Artystycznego, gdzie ukończył cztery kursy aktorskie. W 1992 roku założył Szkołę Letnią im. K.S. Stanisławskiego w Bostonie, a w 2009 roku otworzył własną Moskiewską Szkołę Teatralną i ustanowił nagrodę jego imienia. Na zdjęciu: Oleg Tabakov ogłasza laureatów ustanowionej przez siebie nagrody. 2016
© RIA Novosti / Władimir Fedorenko / Od 2000 roku Tabakov był dyrektorem artystycznym Moskiewskiego Teatru Artystycznego (od 2004 - Moskiewskiego Teatru Artystycznego) im. A.P. Czechowa, a od 2004 roku pełni także funkcję dyrektora teatru. Równolegle z pracą administracyjną Tabakov grał w sztukach „Kopenhaga”, „Ostatnia ofiara”, „Rocznica jubilera” i innych. Na zdjęciu: Oleg Tabakov gratuluje artystom po premierze premierowego spektaklu „Wydarzenie” według Władimira Nabokowa w reżyserii Konstantina Bogomołowa. rok 2012.
11 z 17
Od 2000 roku Tabakov był dyrektorem artystycznym Moskiewskiego Teatru Artystycznego (od 2004 - Moskiewskiego Teatru Artystycznego) im. A.P. Czechowa, a od 2004 roku pełni także funkcję dyrektora teatru. Równolegle z pracą administracyjną Tabakov grał w sztukach „Kopenhaga”, „Ostatnia ofiara”, „Rocznica jubilera” i innych. Na zdjęciu: Oleg Tabakov gratuluje artystom po premierze premierowego spektaklu „Wydarzenie” według Władimira Nabokowa w reżyserii Konstantina Bogomołowa. rok 2012.
© RIA Novosti / Ekaterina Chesnokova / W Rosji, Europie i USA Tabakow wystawił ponad 40 przedstawień opartych na dziełach Mikołaja Gogola, Iwana Gonczarowa, Aleksandra Ostrowskiego, Antoniego Czechowa, Michaiła Bułhakowa, Neila Simona i innych dramaturgów. Na zdjęciu: Oleg Tabakow z żoną, aktorką Mariną Zudiną i synem Pawłem na premierze filmu Aleksieja Uchitela „Na krawędzi” w kinie Puszkinskiego. 2010
12 z 17
W Rosji, Europie i USA Tabakow wystawił ponad 40 przedstawień opartych na dziełach Mikołaja Gogola, Iwana Gonczarowa, Aleksandra Ostrowskiego, Antoniego Czechowa, Michaiła Bułhakowa, Neila Simona i innych dramaturgów. Na zdjęciu: Oleg Tabakow z żoną, aktorką Mariną Zudiną i synem Pawłem na premierze filmu Aleksieja Uchitela „Na krawędzi” w kinie Puszkinskiego. 2010
© RIA Nowosti / Tabakow swoją pierwszą rolę filmową zagrał jeszcze na trzecim roku Moskiewskiej Szkoły Teatralnej, ale film Michaiła Schweitzera „Ciasny węzeł” przeleżał na półkach w magazynach przez około 30 lat. W latach 60.-80. zagrał w takich filmach jak „Głośny dzień” (1960), „Żywi i umarli” (1963), „Wojna i pokój” (1965–1967), „Świeć, świeć, moja gwiazdo” (1969), „Siedemnaście chwil wiosny” (1972-1973), „Kasztanka” (1975), „Dwanaście krzeseł” (1976), „D'Artagnan i trzej muszkieterowie” (1978), „Kilka dni w życie I.I. Obłomow” (1979), „Loty we śnie i w rzeczywistości” (1983), „Człowiek z Bulwaru Kapucynów” (1987). Na zdjęciu: Oleg Tabakow w roli Nikołaja Rostowa w epickim filmie „Wojna i pokój”. 1965.
13 z 17
Tabakow swoją pierwszą rolę filmową zagrał jeszcze na trzecim roku Moskiewskiej Szkoły Teatralnej, ale film Michaiła Schweitzera „Ciasny węzeł” przeleżał na półkach w magazynach przez około 30 lat. W latach 60.-80. zagrał w takich filmach jak „Głośny dzień” (1960), „Żywi i umarli” (1963), „Wojna i pokój” (1965–1967), „Świeć, świeć, moja gwiazdo” (1969), „Siedemnaście chwil wiosny” (1972-1973), „Kasztanka” (1975), „Dwanaście krzeseł” (1976), „D'Artagnan i trzej muszkieterowie” (1978), „Kilka dni w życie I.I. Obłomow” (1979), „Loty we śnie i w rzeczywistości” (1983), „Człowiek z Bulwaru Kapucynów” (1987). Na zdjęciu: Oleg Tabakow w roli Nikołaja Rostowa w epickim filmie „Wojna i pokój”. 1965.
© RIA Nowosti / Do znaczących dzieł Tabakova z lat 1990–2000 należą filmy „Wewnętrzny krąg” (1991), „Sierota Kazania” (1997), „Prezydent i jego wnuczka” (2000), „Radny stan” (2005), „Wielbiciel ” (2012), „Ten Carlson” (2012), „Wieczny powrót” (2012), „Kuchnia. Ostatnia bitwa” (2017). W tej chwili Oleg Pawłowicz ma ponad 150 ról filmowych. Na zdjęciu: Oleg Tabakov jako Schellenberg i Wiaczesław Tichonow jako Stirlitz w filmie telewizyjnym „Siedemnaście chwil wiosny”. 1974
14 z 17
Do znaczących dzieł Tabakova z lat 1990–2000 należą filmy „Wewnętrzny krąg” (1991), „Sierota Kazania” (1997), „Prezydent i jego wnuczka” (2000), „Radny stan” (2005), „Wielbiciel ” (2012), „Ten Carlson” (2012), „Wieczny powrót” (2012), „Kuchnia. Ostatnia bitwa” (2017). W tej chwili Oleg Pawłowicz ma ponad 150 ról filmowych. Na zdjęciu: Oleg Tabakov jako Schellenberg i Wiaczesław Tichonow jako Stirlitz w filmie telewizyjnym „Siedemnaście chwil wiosny”. 1974
© RIA Novosti / Władimir Pesnya / Oleg Tabakov dużo pracował w radiu i często podkładał głos w filmach animowanych. Jego kot Matroskin z opowieści o Prostokvashino szczególnie zdobył miłość publiczności. Ponadto aktor udzielił głosu kreskówkom „Bobik odwiedzający Barbosa” (1977), „Jeż i żółw” (1981), „Wilk i cielę” (1984) i innych. Na zdjęciu: Oleg Tabakow wręcza Andriejowi Zwiagincewowi nagrodę dla najlepszego reżysera na XIII Ogólnopolskiej Nagrodzie Kinematografii „Złoty Orzeł”. 2015
15 z 17
Oleg Tabakov dużo pracował w radiu i często podkładał głos w filmach animowanych. Jego kot Matroskin z opowieści o Prostokvashino szczególnie zdobył miłość publiczności. Ponadto aktor udzielił głosu kreskówkom „Bobik odwiedzający Barbosa” (1977), „Jeż i żółw” (1981), „Wilk i cielę” (1984) i innych. Na zdjęciu: Oleg Tabakow wręcza Andriejowi Zwiagincewowi nagrodę dla najlepszego reżysera na XIII Ogólnopolskiej Nagrodzie Kinematografii „Złoty Orzeł”. 2015
© RIA Novosti / Ruslan Krivobok / W sumie Tabakov zagrał około 200 ról w teatrze, kinie, radiu i telewizji. Na zdjęciu: dyrektor artystyczny Teatru Rozmaitości Giennadij Chazanow, dyrektor Centrum Naukowego Chirurgii Sercowo-Naczyniowej im. A.N. Bakulewa Rosyjskiej Akademii Nauk Medycznych, główny kardiochirurg Rosji Leo Bockeria oraz dyrektor artystyczny i dyrektor Moskiewskiego Teatru Artystycznego A.P. Czechowa Oleg Tabakow przed spotkaniem członków rządu i administracji prezydenta z pełnomocnikami prezydenta Rosji Władimira Putina. rok 2012.
16 z 17
W sumie Tabakov zagrał około 200 ról w teatrze, kinie, radiu i telewizji. Na zdjęciu: dyrektor artystyczny Teatru Rozmaitości Giennadij Chazanow, dyrektor Centrum Naukowego Chirurgii Sercowo-Naczyniowej im. A.N. Bakulewa Rosyjskiej Akademii Nauk Medycznych, główny kardiochirurg Rosji Leo Bockeria oraz dyrektor artystyczny i dyrektor Moskiewskiego Teatru Artystycznego A.P. Czechowa Oleg Tabakow przed spotkaniem członków rządu i administracji prezydenta z pełnomocnikami prezydenta Rosji Władimira Putina. rok 2012.
12 marca zmarł aktor i reżyser, dyrektor artystyczny Moskiewskiego Teatru Artystycznego (MAT) im. A.P. Czechow Oleg Tabakow. Miał 82 lata
Zdjęcie: z osobistego archiwum Olega Tabakova
Oleg Tabakov urodził się w 1935 roku w Saratowie w rodzinie lekarzy. Podczas nauki w szkole rozpoczął naukę w grupie teatralnej „Młoda Gwardia” w Pałacu Pionierów i Uczniów w Saratowie.
W czasie wojny ojciec Olega Tabakowa poszedł na front, a jego matka zachorowała na tyfus i trafiła do szpitala. „W 1943 roku miałem osiem lat. Mama zachorowała na tyfus i nie mogła wstać” – wspomina Tabakow. „A potem wujek Tola, który był wtedy w stanie wojny, zabrał moją matkę do szpitala pod Stalingradem, nad jeziorem Elton. Ja (tam) śpiewałem: „Noc minęła w szpitalu bojowym, gdzie dyżurował lekarz z siostrą, o zmierzchu jesiennego świtu umiera młody bohater”. Ranni nie mogli wstać, po prostu płakali. Nie dlatego, że dobrze śpiewałem, ale dlatego, że zostawili tych samych chłopców w domu. Pewnego razu, wiele lat po powrocie mojego ojca z frontu, gdzie zgłosił się na ochotnika, chociaż był ulubionym uczniem akademika Mirotvortseva, nagle stałem się bezczelny i zapytałem: „Dlaczego poszedłeś walczyć? Jak się mają wszyscy - dla Ojczyzny, dla Stalina? Odpowiedział: „Miałem starą matkę, piękną żonę, a ty jesteś pierdnięciem. Walczyłem o ciebie.” To jest taka męska rozmowa.”
Film „Ludzie na moście”. Oleg Tabakow jako Wiktor Bułygin
W 1953 Tabakow wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Teatralnej na kursie Wasilija Toporkowa. Jako student trzeciego roku zagrał swoją pierwszą rolę filmową – w filmie „Sasza wchodzi w życie” Michaiła Schweitzera. „Występując w moim pierwszym filmie w wieku 20 lat, zarobiłem 16,5 tysiąca rubli za samochód. „Zwycięstwo” było tego warte. Nie mogę powiedzieć, że udało mi się to osiągnąć tak ciężką pracą” – wspomina Tabakow.
Tabakow jako Nikołaj Rostow w epickim filmie w reżyserii Siergieja Bondarczuka „Wojna i pokój”
W swojej karierze filmowej jeden z najpopularniejszych aktorów radzieckich i rosyjskich zagrał w ponad stu filmach, w tym „Wojna i pokój”, „Siedemnaście chwil wiosny”, „D'Artagnan i trzej muszkieterowie”, „Człowiek z Bulwar Kapucynów”, „Moskwa nie wierzy łzom” i wiele innych. Tabakov wypowiadał się także w kreskówkach, jego najsłynniejszym dziełem w tej dziedzinie jest kot Matroskin w serialu telewizyjnym „Trzy z Prostokvashino”.
Tabakov z francuskimi aktorkami Genevieve Casille (po lewej) i Françoise Falcon
W wieku 29 lat Tabakow doznał zawału serca. „Słowo „atak serca”, szczerze mówiąc, nie zrobiło na mnie wrażenia. Kiedy byłem młody, nie porzuciłem nawet nawyku palenia fajki. Teraz oczywiście robię to rzadziej. Ale na scenie czasami są dwa występy, podczas których palę. Więc się bawię” – przyznał aktor.
Scena ze spektaklu na podstawie sztuki Wasilija Aksenowa „Zawsze na sprzedaż”. Tabakov jako szefowa bufetu, Klavdia Iwanowna
W latach 1957–1983 był czołowym artystą studia młodych aktorów, które później przekształciło się w Teatr Sovremennik. W 1970 roku, po mianowaniu Olega Efremova na dyrektora artystycznego Moskiewskiego Teatru Artystycznego, został dyrektorem Sovremennika. „Teatr ten nie powstał jak zwykle - z góry, ale z dołu, jako dobrowolne stowarzyszenie skupione wokół Olega Efremowa młodych ludzi o podobnych poglądach, którzy marzyli o nowym teatrze obywatelskim. I przez kilka lat nie miał oficjalnego uznania. Ćwiczyliśmy głównie w nocy” – powiedział Tabakov.
Wiaczesław Tichonow jako Stirlitz i Oleg Tabakow jako Schellenberg na planie filmu „Siedemnaście chwil wiosny”
Tabakow jest laureatem wielu nagród i wyróżnień, pełnym posiadaczem Orderu Zasługi dla Ojczyzny.
Główny dyrektor teatru studyjnego przy ul. Czaplygina Oleg Tabakow (w środku) z aktorami po przedstawieniu
W 1973 r. Tabakow rozpoczął nauczanie - pod jego kierownictwem utworzono grupę teatralną dla uczniów szkół średnich w Pałacu Pionierów Baumana. W latach 1976-1986 opublikował dwa kursy w GITIS, które stały się podstawą pracowni Tabakova na ulicy. Chaplygina, który później „wyrósł” w Teatrze Moskiewskim pod kierunkiem Olega Tabakowa. Absolwenci studia z sukcesem koncertowali już w 1980 roku, ale zgodę na utworzenie odrębnego teatru uzyskano dopiero w 1987 roku. „Nie podoba mi się znana nazwa „Tabakerka” i nadal jestem skłonny nazywać nasz zacięty biznes pod każdym względem „Teatrem Piwnicy” – powiedział Tabakov.
Oleg Tabakow i aktor Oleg Jankowski
(Zdjęcie: Jurij Abramoczkin / RIA Nowosti)
W czerwcu 2000 roku Tabakov został dyrektorem artystycznym Moskiewskiego Teatru Artystycznego A.P. Czechowa, a od stycznia 2004 roku pełni także funkcję dyrektora teatru. „W 2000 roku, kiedy zmarł Oleg Nikołajewicz Jefremow i posadzono mnie na tym krześle, myślę, że nie było przynajmniej jednej osoby, która wierzyłaby, że ta nominacja się udała. Czy wiesz, ilu widzów było w teatrze w 2000 roku? 42% pojemności hali. Dwa lata później było to już 90-kilka procent. A trzy lata później zrobiło się 95, przecinek i inna liczba. Choć różne rzeczy się działy. Nie wystawiałem spektakli, do których pieniądze wydano już na dekoracje i próby. Albo usunął z repertuaru, nie odczuwając żadnej niezręczności. Ponieważ zawsze myślałem o publiczności” – powiedział Tabakov.
Naina Jelcyna (po lewej) i Hillary Clinton (w środku) z Olegiem Tabakowem po wizycie w jego teatrze studyjnym
(Zdjęcie: Dmitry Donskoy / RIA Novosti)
W latach 1986-2000 Tabakow był rektorem Moskiewskiej Szkoły Teatralnej, gdzie ukończył cztery kursy aktorskie. W 1992 roku założył Szkołę Letnią im. K.S. Stanisławskiego w Bostonie (USA), a w 2009 roku – Moskiewskiej Szkoły Teatralnej.
Oleg Tabakov (hrabia Almaviva) i Irina Pegova (Suzanna) w scenie ze spektaklu „Szalony dzień, czyli wesele Figara” w inscenizacji Konstantina Bogomołowa
Moskiewski Teatr Artystyczny uczcił 80. urodziny Olega Tabakova spektaklem „Rocznica jubilera”. Jeszcze dwa przedstawienia – „Smok” i „Ostatnia ofiara” – wystawiano w teatrze do grudnia 2017 r., kiedy Tabakow trafił do szpitala.
Oleg Tabakov z żoną, aktorką Mariną Zudiną
Oleg Tabakow był dwukrotnie żonaty. W małżeństwie z aktorką Ludmiłą Kryłową urodził się syn Anton (słynny restaurator) i córka Aleksandra (prezenterka radiowa). W 1995 roku Tabakov poślubił aktorkę Marinę Zudinę (na zdjęciu). Mieli syna Pawła (aktora) i córkę Marię.
W listopadzie 2017 r. Tabakow trafił do szpitala z powodu zapalenia płuc. 5 stycznia zastępca burmistrza Moskwy ds. społecznych, Honorowy Doktor Rosji Leonid Peczatnikow poinformował o poprawie stanu Tabakowa. Powiedział, że artysta jest świadomy. Jednak dwa dni później media podały, że stan aktora ponownie się pogorszył i został podłączony do respiratora.
Proscenium- przestrzeń sceny pomiędzy kurtyną a widownią.
Proscenium jest powszechnie wykorzystywane jako plac zabaw podczas przedstawień operowych i baletowych. W teatrach dramatycznych proscenium stanowi główną scenerię dla małych scen przed zamkniętą kurtyną łączącą sceny spektaklu.
Niektórzy reżyserzy wysuwają na pierwszy plan akcję główną, poszerzając obszar sceny.
Aktor- żywy związek pomiędzy tekstem autora, reżyserią i percepcją widza. W historii teatru to trudne zadanie uczyniło z aktora albo osobę uwielbianą i tajemniczą, albo istotę pogardzaną przez społeczeństwo, z niemal instynktownym strachem. Przez długi czas termin „aktor” oznaczał charakter spektaklu; następnie - odgrywacz ról, rzemieślnik sceniczny, komik.
W tradycji zachodniej aktor wciela się w postać, wcielając się w nią, reprezentując jej fizyczną obecność na scenie, utrzymując prawdziwie „fizyczny” kontakt z publicznością, która wzywa do odczuwania bezpośrednio odczuwanej cielesności, a także tego, co ulotne i nieuchwytne. stronę jego wyglądu. Aktor, jak się często mówi, jest opętany przez inną istotę, która go przemienia. Stąd romantyczny mit aktora „od Boga”, dla którego nie ma różnicy między sceną a życiem.
Jednak aktor potrafi też pokazać dystans dzielący go od roli. Tutaj toczy się stara debata między zwolennikami „szczerego” aktora, który doświadcza wszystkich uczuć swojej postaci, a aktorem, który potrafi je uspokoić i przedstawić.
Na naszej stronie internetowej w zakładce „Księga gości” widzowie mają niepowtarzalną możliwość zadawania pytań aktorom teatru. JEST. Turgieniew, naucz się od nich wszystkich subtelności i tajemnic zawodu.
Przerwa- okres czasu pomiędzy akcjami, w którym gra zostaje przerwana, a możliwością opuszczenia sali przez publiczność. Ta „przerwa” oznacza powrót realnego czasu społecznego, zniszczenie iluzji, możliwość refleksji. Przerwa jest konieczna w przypadku zmiany scenerii, podczas długiej pauzy, zaciemnienia lub zmiany na oczach widza.
W renesansowym teatrze dworskim przerwa miała szczególne znaczenie. To właśnie w tym czasie widzowie mogli pokazać sobie nawzajem swoje luksusowe toalety.
Przerwa jest odpoczynkiem dla publiczności, ale wcale nie dla akcji. Oczekuje się, że bohaterowie będą kontynuować swoje życie pomiędzy aktami.
Przerwa jest także koniecznością psychologiczną dla widza, którego uwagę bez przerwy trudno utrzymać dłużej niż dwie godziny. Dodatkowo powrót do rzeczywistości zmusza widza do przemyślenia tego, co zobaczył, oceny dzieła teatralnego, uogólnienia i usystematyzowania wielu wrażeń. To moment przebudzenia krytyczności. Nic dziwnego, że epicka dramaturgia przyczynia się do wzrostu liczby takich przerw w przedstawieniu, zmuszając widza do „interweniowania” w momentach niszczenia iluzji. Z kolei performansy oparte na hipnotycznym wpływie i utrzymane w określonym rytmie często dziś całkowicie rezygnują z takich wytchnień.
Przerwa w OGAT imienia. JEST. Turgieniew trwa zwykle 15 minut. W tym czasie publiczność może odwiedzić bufet teatralny znajdujący się na drugim piętrze, a także Muzeum Historii Sceny Oryol.
Rola- rodzaj roli, jaką pełni aktor, odpowiadający jego wiekowi, wyglądowi i stylowi gry. W szczególności rozróżnia się role komiczne i tragiczne.
Brawa - szczere spotkanie widza i performera wykraczające poza granice fikcji. W ścisłym tego słowa znaczeniu oklaski (klaśnięcie w dłonie) są zjawiskiem dość uniwersalnym. Przede wszystkim świadczy o tzw. reakcji fizycznej widza, który po wymuszonym bezruchu uwalnia swoją energię.
Oklaski zawsze pełnią funkcję kontaktową, co oznacza: „Dostrzegam Cię i doceniam”.
Zwyczaj oklaskiwania aktorów sięga starożytności. Do tego rodzaju działalności starożytni Grecy wymyślili nawet małego uroczego boga - Krotosa.
W XVII wieku Zwyczaj klaskania w dłonie był powszechny w całej Europie. W niektórych kulturach społeczeństwo okazuje swoją aprobatę krzykiem lub gwizdkiem. Aktorzy OGAT-u imienia I.S. Turgieniewa proszą w tym sensie swoich widzów, aby nie odbiegali od rosyjskiej tradycji i zasad grzeczności.
Dyskusyjne jest, czy można klaskać podczas występu i w ten sposób przełamać iluzję. Przecież oklaski to element dezaznajomienia, wtargnięcia rzeczywistości w sztukę.
Dziś widzowie chętnie oklaskują aktorów, ich dowcipy, scenografię na początku akcji, przerywają przebieg spektaklu. Widzowie bardziej intelektualni czy „awangardowi” swój entuzjazm okazują dopiero po zasunięciu kurtyny, by nie zachęcać do indywidualnych odkryć aktorskich czy reżyserskich, lecz by na koniec przedstawienia od razu podziękować wszystkim twórcom, nazywając reżysera, scenograf, a nawet autor na scenę.
Zdarza się, że oklaski są „inscenizowane” przez reżysera.
Przedsiębiorcy teatralni przez cały czas płacili za usługi zawodowych klik, aby wymusić na widzach przychylne przyjęcie spektaklu. W teatrze Turgieniewa nie ma takiej praktyki. Bądź więc pewien szczerości impulsów swoich sąsiadów na straganach lub amfiteatrze.
Ale wyjścia i wyjścia aktorów ze sceny „na końcu” można inscenizować: aktorzy wydają się nadal odgrywać rolę lub odgrywać scenę komiczną, aby rozśmieszyć publiczność.
Nie zapominaj, że artyści otrzymują OGAT. Dla I.S. Turgieniewa opinia widza jest bardzo ważna. Dlatego oklaski są dla nich najcenniejszą nagrodą!
za kulisami- przestrzeń za sceną główną. Tylna scena jest kontynuacją sceny głównej, służącą stworzeniu iluzji dużej głębi przestrzeni i służy jako pomieszczenie zapasowe do ustawiania scenografii. Na zapleczu znajdują się furki, czyli obracający się okrąg z zamontowanymi dekoracjami. Szczyt tylnej sceny wyposażony jest w kraty z ozdobnymi windami i sprzętem oświetleniowym. Pod podłogą tylnej sceny znajdują się magazyny do wieszania dekoracji.
Korzyść - przedstawienie wystawione na cześć jednego z aktorów lub pracowników teatru jako wyraz uznania dla umiejętności beneficjenta. Najczęściej odbywa się w związku z różnego rodzaju niezapomnianymi wydarzeniami, rocznicami artystów.
Występy benefisowe w Teatrze Turgieniewa są zawsze bardzo ciepłe i obfite w niespodzianki, spotkania starych przyjaciół, wśród których publiczność ma szczególne miejsce honorowe.
Boczna kieszeń sceniczna- pomieszczenie do dynamicznej zmiany scenerii za pomocą specjalnych platform na kółkach. Kieszenie boczne znajdują się po obu stronach sceny. Ich wymiary pozwalają na całkowite dopasowanie dekoracji na furce, która zajmuje całą powierzchnię gry sceny. Zazwyczaj ozdobne obszary do przechowywania przylegają do kieszeni bocznych.
Rekwizyty - specjalnie wykonane przedmioty (rzeźba, meble, naczynia, biżuteria, broń itp.) wykorzystywane w przedstawieniach teatralnych zamiast prawdziwych rzeczy. Przedmioty rekwizytowe wyróżniają się niskim kosztem, trwałością, podkreśloną wyrazistością formy zewnętrznej. Jednocześnie twórcy rekwizytów zazwyczaj rezygnują z reprodukcji szczegółów niewidocznych dla widza.
Produkcja rekwizytów to duża gałąź techniki teatralnej, obejmująca obróbkę mas papierniczych, tektury, metalu, materiałów syntetycznych i polimerów, tkanin, lakierów, farb, mastyksów itp. Nie mniej różnorodna jest oferta produktów rekwizytowych, wymagająca specjalistycznej wiedzy w zakresie prac formierskich, kartonowych, wykończeniowych i ślusarskich, malowania tkanin, bruzdowania metali...
Rekwizyty Teatru Akademickiego imienia I.S. Turgieniewa czynią prawdziwe cuda, korzystając z prostych materiałów znajdujących się w ich arsenale. Czasem nawet przewyższają umiejętnościami słynną wróżkę, która dla swojej równie słynnej chrześniaczki Kopciuszka zbudowała powóz z dyni. Jeśli mi nie wierzysz, przekonaj się sam. Nawiasem mówiąc, występy dzieci zawsze okazują się szczególnie jasne.
Wyższy poziom- część loży scenicznej zlokalizowana nad lustrem scenicznym i ograniczona od góry kratą. Wyposażona jest w galerie robocze i pomosty przejściowe, służy do umieszczania wiszących dekoracji, górnych urządzeń oświetleniowych i różnych mechanizmów scenicznych.
Wodewil - komedia z dwuwierszami i tańcami, będąca gatunkiem sztuki dramatycznej.
Nazwa ta powstała w XVII wieku jako mieszanina dwóch gatunków pieśni.
Pod koniec XV wieku zaczęto śpiewać pieśni tzw Val de Vire- dosłownie „dolina Vir” (Vir to rzeka w Normandii). W XVI wieku Paryż się rozwinął voix de ville(„głosy miasta”) - utwory stroficzne z przewagą treści miłosnych.
W XVII wieku pojawiły się miejskie, ludowe pieśni satyryczne, wykonywane z lub bez prostego akompaniamentu instrumentalnego. Dostali to imię wodewil.
W drugiej połowie XVII wieku we Francji pieśni te zaczęto włączać do małych przedstawień teatralnych, które wówczas zaczęto nazywać także „wodewilami”.
Makijaż- sztuka nadawania aktorowi wyglądu niezbędnego do roli.
Makijaż kosmetyczny był stosowany w teatrze od XVI wieku. Do jego głównych funkcji należy „poprawianie natury”. To nawykowe stosowanie makijażu jest szczególnie mile widziane na scenie, ponieważ sztuka ta polega nie tyle na postarzaniu postaci, ile na odmłodzeniu jej.
Niektóre teatralne tradycje makijażu, na przykład w teatrze chińskim, opierają się na czysto symbolicznym systemie odpowiadającym różnym kolorom cechom społecznym: biały dla inteligencji, czerwony dla nieprzekupnych bohaterów, niebieski dla dumnych, srebrny dla bogów.
Ponadto makijaż jest rodzajem żywego kostiumu aktora, który konkuruje z maską ze względu na ruchliwość twarzy. Makijaż wykorzystuje charakterystyczną dla spektaklu teatralnego niejednoznaczność: jest mieszanką naturalności i sztuczności, rzeczy i znaku.
Nie charakteryzując psychologicznie postaci, współtworzy wraz z innymi elementami spektaklu formy teatralne, stając się równorzędnym elementem estetycznym przedstawienia.
Dekoracja- stworzenie na scenie wizualnego obrazu akcji za pomocą środków malarskich, wizualnych, architektonicznych.
Już samo pochodzenie terminu (malarstwo, zdobnictwo, dekoracja) wskazuje na mimetyczną i obrazową funkcję infrastruktury dekoracyjnej.
Dekoracja powinna być użyteczna, efektowna, funkcjonalna.
Do głównych funkcji scenerii należy ilustracja i reprezentacja elementów, które powinny istnieć w dramatycznym uniwersum, swobodna konstrukcja i modyfikacja sceny, traktowana jako mechanizm zabawy.
Dramat- gatunek literacki (dramatyczny), sceniczny i filmowy. Stało się szczególnie rozpowszechnione w literaturze XVIII-XXI wieku, stopniowo wypierając inny gatunek dramatu - tragedię, przeciwstawiając go przeważnie codziennym fabułom i stylowi bliższemu codziennej rzeczywistości. Wraz z pojawieniem się kina przeniosło się ono również na tę formę sztuki, stając się jednym z najbardziej rozpowszechnionych gatunków.
Dramaty zazwyczaj przedstawiają życie prywatne człowieka i jego konflikt ze społeczeństwem. Jednocześnie często kładzie się nacisk na uniwersalne ludzkie sprzeczności, ucieleśnione w zachowaniach i działaniach konkretnych postaci.
Intryga- główna sytuacja dramatu, wokół której rozwija się akcja.
Bileter- pracownik teatru, który sprawdza bilety, odprowadza widzów na miejsca i pilnuje porządku na sali.
Kraty kratowe- podłoga kratowa (drewniana) zlokalizowana nad powierzchnią sceny. Służy do montażu bloków mechanizmów scenicznych oraz służy do prac związanych z zawieszeniem elementów scenografii. Krata połączona jest z galeriami roboczymi i sceną za pomocą schodów stacjonarnych.
Komedia- z greckiego komedia - pieśń rytualna towarzysząca procesji ku czci boga Dionizosa. Wcześniej słowo to oznaczało dowolną zabawę, niezależnie od gatunku.
Zgodnie z tradycją komedię wyznaczają trzy kryteria, które są przeciwieństwem tragedii: bohaterami komedii są ludzie o skromnym statusie, rozwiązanie musi być szczęśliwe, ostatecznym celem spektaklu jest śmiech publiczności. Stąd łatwość adaptacji w każdym społeczeństwie, nieskończona różnorodność przejawów i trudność w skonstruowaniu spójnej teorii komedii.
Komedia prawie zawsze kończy się optymistycznie (małżeństwo, pojednanie, uznanie). Śmiech widza jest w nim czasem śmiechem wspólnika, czasem śmiechem wyższości: chroni widza przed tragicznym niepokojem.
Każda sztuka komediowa jest sobowtórem i antypodą mechanizmu tragicznego. Tragedia gra na naszych najgłębszych lękach, komedia na mechanizmach obronnych przed tymi lękami.
Obydwa gatunki odpowiadają zatem na to samo ludzkie pytanie. Przejście od tragicznego do komicznego zapewnia stopień emocjonalnego zaangażowania widzów. Ostatecznie w komedii wszystkie sprzeczności rozwiązywane są w humorystycznym lub sarkastycznym tonie, a świat odnajduje równowagę.
Jednak przywrócenie porządku i szczęśliwe zakończenie musi być poprzedzone okresem niestabilności, po którym nastąpi optymistyczne zakończenie i ostateczne pojednanie.
Za kulisami- pionowe pasy tkaniny okalające scenę.
Wigwam- w tradycyjnym wnętrzu teatralnym zespół siedzeń oddzielony od sąsiadujących ze sobą bocznymi przegrodami lub barierkami.
Historycznie rzecz biorąc, loża była małym pomieszczeniem z osobnym wejściem, w niektórych przypadkach prowadzącym przez mały korytarz, w którym można było zostawić swoje ubrania lub nawet spędzić czas w przerwie. Pomieszczenie to nazywano lożą zewnętrzną. Loże umieszczano zarówno na poziomie kramów (skrzynie benoira), jak i na wyższych kondygnacjach (z których pierwsza, najbardziej prestiżowa, nazywana była antresolą).
Wiele teatrów posiadało loże uprzywilejowane – królewskie (królewskie, prezydenckie), gubernatorskie, reżyserskie, którymi dysponowało dyrekcja teatru. Pozostałe boxy były najczęściej subskrybowane przez bogatych i zacnych koneserów na cały sezon.
Zaletą loży było nie tylko osobne wejście, ale także możliwość obserwacji akcji scenicznej bez ujawniania się w mniejszym stopniu.
Melodramat- pierwotnie spektakl, w którym najostrzejszym momentom dramatycznym towarzyszyła muzyka wyrażająca emocje niemej postaci.
Z biegiem czasu melodramat staje się nowym niezależnym gatunkiem. Ukazując dobrych i złych ludzi w sytuacjach tragicznych lub wzruszających, melodramat stara się ekscytować widza nie tyle wymową tekstu, ile efektami scenicznymi.
Maksymalnie eksponuje strony bohaterskie, sentymentalne i tragiczne, mnoży niespodziewane zakończenia, uznania i tragiczne komentarze bohaterów. Struktura narracji jest niezachwiana: miłość, zdrada niosąca nieszczęście, triumf cnoty, kara i nagroda, prześladowanie jako „sedno intrygi”.
Forma ta rozwija się w momencie, gdy produkcja zaczyna narzucać spektakularne efekty i zastępować harmonijny tekst nieoczekiwanymi zakończeniami.
Bohaterowie melodramatu, wyraźnie podzieleni na pozytywów i negatywów, pozbawieni są możliwości tragicznego wyboru. Przepełnieni są dobrymi lub złymi uczuciami, nie dręczą ich wątpliwości, nie rozdzierają ich sprzeczności.
Sytuacje melodramatu są często nieprawdopodobne, ale jasno określone: całkowita rozpacz lub niewypowiedziane szczęście; okrutny los bohatera, zakończony happy endem (w optymistycznym melodramacie) lub ponury i pełen napięcia los, jak w horrorze; niesprawiedliwość społeczną lub nagrodę za cnotę i męstwo obywatelskie.
Mise-en-scene - w szerokim, ogólnie przyjętym znaczeniu tego słowa - zespół środków interpretacji scenicznej: scenografia, oświetlenie, muzyka i gra aktorska.
W wąskim znaczeniu termin ten oznacza czynność polegającą na łączeniu różnych elementów scenicznej interpretacji dzieła dramatycznego w określone ramy czasowo-przestrzenne. Początkowo mise-en-scene wyraża klasyczną koncepcję dzieła teatralnego jako jednej harmonijnej całości, której nie można sprowadzić do prostej sumy materiałów lub sztuk scenicznych, ale stanowi ona jakościowo nową jednostkę na wyższym poziomie. Mise-en-scene deklaruje podporządkowanie każdej pojedynczej sztuki lub po prostu dowolnego znaku jednej, harmonijnej zasadzie, jednoczącej idei.
Od samego początku koncepcji mise-en-scène wymogowi jednoczącej idei towarzyszyła świadomość historyczności tekstów i inscenizacji oraz zrozumienie, że istnieje cały ciąg „konkretyzacji” tego samego dzieła .
Jednym słowem jest to transformacja, a raczej konkretyzacja tekstu poprzez aktora, poprzez przestrzeń sceniczną, osadzoną w czasie przeżywanym przez widza.
Przestrzeń, że tak powiem, przekładana jest na słowa: tekst zostaje zapamiętany i zapisany w przestrzeni gestów aktora. Artystka poszukuje takich ruchów, takich póz, które najlepiej korespondowałyby z przestrzennym zapisem tekstu. Zebrane w tekście słowa dialogu istnieją teraz osobno, są wpisane w przestrzeń i czas sceniczny, można je zobaczyć i usłyszeć.
Mise-en-scène obejmuje zarówno środowisko, w którym egzystują aktorzy, jak i psychologiczne, gestowe rozwiązanie roli. Każde mise-en-scène jest interpretacją tekstu poprzez „akcję”; dostęp do spektaklu możliwy jest dla nas jedynie poprzez taką reżyserską lekturę.
Mise-en-scene zawsze wiąże się z fazą pracy z aktorami. Reżyser kieruje aktorami, wyjaśniając, jak powinni wyglądać na scenie zgodnie z jego wyobrażeniem o roli. Dokonuje korekt w zależności od zgodności ich występu z grą innych aktorów. Dba o to, aby gesty, intonacja i rytm odpowiadały w najdrobniejszych szczegółach całemu dyskursowi mise-en-scène, tak aby pasowały do fragmentu, sceny czy całego przedstawienia.
Dolny etap- część skrzynki scenicznej pod tabletem, w której znajdują się mechanizmy sceniczne, kabiny suflerów i świateł, urządzenia podnoszące i opuszczające oraz urządzenia do efektów scenicznych.
Opera - gatunek sztuki muzyczno-dramatycznej, w którym treść ucieleśnia się za pomocą dramaturgii muzycznej, głównie poprzez muzykę wokalną. Literacką podstawą opery jest libretto.
Słowo „orega” przetłumaczone z języka włoskiego dosłownie oznacza dzieło, kompozycję. Ten gatunek muzyczny łączy w jedną całość poezję i sztukę dramatyczną, muzykę wokalną i instrumentalną, mimikę, taniec, malarstwo, scenografię i kostiumy.
Niemal każda opera rozpoczyna się uwerturą – wstępem symfonicznym, który na ogół wprowadza słuchacza w treść całej akcji.
Parter(fr. parter- na parterze) - dolna kondygnacja widowni w teatrze z miejscami dla publiczności w przestrzeni od sceny lub orkiestry do przeciwległej ściany lub do amfiteatru.
Przodkiem straganów była ława senatorska w teatrach starożytnego Rzymu. W XVII wieku, po pojawieniu się piętrowego budynku teatru, zmieniły się także stragany, nabierając bardziej nowoczesnego wyglądu. Stragany przeznaczone były dla niższych klas, dlatego przez długi czas brakowało miejsc siedzących – widzowie musieli oglądać występy na stojąco. Miejsca siedzące na kramach pojawiły się na początku XVII wieku w prywatnych teatrach krytej w Anglii. Następnie ustawiano siedzenia według potrzeb.
Obecnie siedzenia najczęściej ustawia się w rzędach, które wznoszą się od sceny do amfiteatru i są równoległe do krawędzi sceny. Miejsca siedzące oddzielone są przejściami umożliwiającymi wyjście ze stoisk.
Rampa- system opraw oświetleniowych o świetle rozproszonym, zainstalowanych na tablecie wzdłuż przedniej krawędzi proscenium i przeznaczonych do oświetlania przestrzeni scenicznej od przodu i od dołu. Ukryty przed widzami przez niski bok.
Dyrektor- osoba, do której obowiązków należy wystawienie spektaklu. Reżyser bierze odpowiedzialność za estetyczną stronę spektaklu i jego organizację, dobór wykonawców, interpretację tekstu i wykorzystanie narzędzi scenicznych, którymi dysponuje. Pojawienie się tego terminu przypisuje się zwykle pierwszej połowie XIX wieku.
W historii teatru jest wielu mniej lub bardziej prawowitych poprzedników reżysera.
W starożytnym teatrze greckim rolę didaskala (od didiskalos – „nauczyciel”) często pełnił sam autor przedstawienia, pełniąc rolę organizatora.
W średniowieczu za stronę ideologiczną i estetyczną inscenizacji misteriów odpowiadał dyrektor trupy teatralnej. W epoce renesansu i baroku przedstawienia często organizowali architekt i dekorator, według własnych planów.
W XVIII wieku pałeczkę przejmują znakomici aktorzy. I dopiero wraz z rozkwitem teatru realistycznego funkcja reżysera przechodzi w ręce profesjonalistów i staje się sztuką niezależną.
Rekwizyty- przedmioty wyposażenia sceny (z wyłączeniem scenografii i kostiumów), którymi aktorzy posługują się lub którymi manipulują w trakcie przedstawienia.
Repertuar- zespół sztuk wystawianych przez jeden teatr w ciągu jednego sezonu lub jakiegoś okresu; wybór sztuk utrzymanych w tym samym stylu lub tej samej epoce; ogół ról, jakie jeden aktor jest w stanie odegrać, zakres jego możliwości aktorskich, jego rola.
Próba- praca nad nauką tekstu i aktorstwa scenicznego, wykonywana przez aktorów pod kierunkiem reżysera.
Ta czynność przygotowania spektaklu zajmuje cały zespół i przybiera różnorodne formy.
Za każdym razem próby odbywają się w nowy i kreatywny sposób.
Rola - połączenie tekstu i występu tego samego aktora. Podziału ról dokonuje z reguły reżyser, w zależności od charakterystyki wykonawców i możliwości ich wykorzystania w przedstawieniu.
Rolą staje się wówczas sam aktor (rola złoczyńcy, zdrajcy itp.), stworzony przez aktora. Kiedy rola nie odpowiada roli artysty, mówi się o roli mieszanej.
W każdej sztuce istnieją tak zwane role główne i drugoplanowe. Postawę wobec roli kształtuje się albo według zasady naśladownictwa i identyfikacji (ucieleśnienie postaci przez aktora), albo odwrotnie, zgodnie z zasadą różnicy i zaznajomienia.
Scena- z greckiego skene - budka, scena. W początkach teatru greckiego skene była klatką lub namiotem zbudowanym za orkiestrą.
Skene, orchectra, theatron to trzy podstawowe elementy scenograficzne starożytnego greckiego wykonawstwa. Orkiestra lub plac zabaw łączył scenę i publiczność. Skene rozwinął się na wysokość, obejmując teologeon, czyli plac zabaw bogów i bohaterów, a na powierzchni wraz z proscenium fasadą architektoniczną, prekursorem dekoru ściennego, który później stworzył przestrzeń proscenium.
Na przestrzeni dziejów znaczenie terminu „scena” stale się poszerzało: scenografia, plac zabaw, miejsce akcji, okres trwania aktu i wreszcie, w sensie metaforycznym, nagłe i jasne spektakularne wydarzenie („ zrobić komuś scenę”).
Teatr Turgieniewa ma szczególny, pełen szacunku stosunek do sceny. To miejsce, gdzie droga do niewtajemniczonych jest zamknięta. Nadepnąwszy na nią, słudzy Domu Turgieniewa zdają się przysięgać, że zagrają prosto z serca, aby udostępnić publiczności wszystkie aspekty swojego talentu.
Ale widzowie mają także niepowtarzalną okazję odwiedzić scenę, kupując bilet na spektakl „Piękna gwiazda miłości”: miejsca dla publiczności są wyposażone bezpośrednio na scenie, co nadaje spektaklowi szczególną intymność i intymność.
Scenografia- wśród starożytnych Greków - sztuka projektowania teatralnego i wywodząca się z tej techniki dekoracja malownicza.
W okresie renesansu scenografia jest techniką polegającą na malowaniu tła na płótnie.
We współczesnym znaczeniu tego słowa jest nauką i sztuką organizacji sceny i przestrzeni teatralnej. Metonimicznie: sama sceneria, efekt pracy scenografa.
Termin ten coraz częściej zastępuje słowo „dekoracja”, jeśli istnieje potrzeba wyjścia poza pojęcie dekoracji. Scenografia wyraża zatem chęć pisania w przestrzeni trójpłaszczyznowej (do której należy dodać także wymiar czasowy), a nie tylko sztukę malowania płótna, którą teatr zadowalał się aż do naturalizmu.
W okresie rozkwitu współczesnej scenografii scenografowie potrafili tchnąć życie w przestrzeń, ożywić czas i grę aktora w totalnym akcie twórczym, kiedy trudno wyodrębnić reżysera, projektanta oświetlenia, aktora czy muzyka.
Teatr(z gr. θέατρον – znaczenie główne – miejsce na okulary, następnie – spektakl, od θεάομαι – patrzę, widzę) – forma sztuki performatywnej.
Teatr jest syntezą wszystkich sztuk, obejmuje muzykę, architekturę, malarstwo, kino, fotografię itp. Głównym środkiem wyrazu jest aktor, który poprzez działanie, wykorzystując różne techniki teatralne i formy istnienia, przekazuje widzowi istotę tego, co dzieje się na scenie.
W tym przypadku aktor nie musi być żywą osobą. Może to być lalka lub jakiś przedmiot kontrolowany przez osobę.
Teatr uważany jest za najpotężniejszy środek oddziaływania na ludzi, ponieważ widząc, co dzieje się na scenie, widz utożsamia się z tą czy inną postacią. Poprzez katharsis (oczyszczenie przez cierpienie) zachodzą w nim zmiany.
Główni pracownicy teatru: reżyserzy, aktorzy, charakteryzatorzy, szatniarze, technicy oświetlenia, kasjerzy, choreografowie, artyści, pracownicy sceny.
Sztuki teatralne- kombinacja słów zawierająca wszystkie sprzeczności teatru: czy jest to sztuka autonomiczna, ze swoimi prawami i specyfiką estetyczną, czy też jest jedynie skumulowanym rezultatem (syntezą, konglomeratem lub połączeniem) kilku sztuk (malarstwa, poezji, architektury, muzyka, taniec i gest)? W historii estetyki istnieją oba punkty widzenia.
1. Geneza teatru
Nieskończone bogactwo form i tradycji teatralnych, które rozwinęły się na przestrzeni dziejów, możliwość jednej, nawet najbardziej ogólnej, definicji sztuki teatralnej. Etymologia greckiego słowa theatron, oznaczającego miejsce, w którym widzowie gromadzili się, aby obejrzeć przedstawienie, tylko częściowo oddaje jeden z elementów tej sztuki. Rzeczywiście, jako sztuka przeznaczona przede wszystkim na percepcję wzrokową, rodzaj zinstytucjonalizowanej kontemplacji, teatr był jednak często redukowany do sztuki dramatu, gatunku literackiego, którego spektakularna strona od czasów Arystotelesa była postrzegana jako dodatek, nieuchronnie zależne od tekstu. Różnorodność form teatralnych i gatunków dramatycznych odpowiada różnorodności warunków materialnych, społecznych i estetycznych działalności teatralnej: to, co na przykład jest wspólne dla prymitywnego rytuału, przedstawienia bulwarowego, średniowiecznego misterium czy przedstawienia stworzonego w Indiach czy chińska tradycja?
Socjologom i antropologom trudno jest zidentyfikować ogół przyczyn determinujących potrzebę teatru. Jednak niezależnie od siebie, a czasem jednomyślnie, wskazywali na chęć naśladowania; zamiłowanie do zabawy, zarówno wśród dzieci, jak i dorosłych, pierwotna funkcja ceremonialna; potrzeba opowiadania historii i bezkarnego śmiechu z tego czy innego stanu społeczeństwa; przyjemność, jakiej doświadcza aktor podczas transformacji. Wydaje się, że początki teatru mają podłoże rytualne lub religijne, a jednostka, jako grupa osób, sama uczestniczy w ceremonii, zanim powierzy zadanie aktorowi lub księdzu. Teatr dopiero stopniowo odchodził od swojej magicznej czy religijnej istoty i aby rzucić wyzwanie społeczeństwu, musiał stać się wystarczająco silny i niezależny: stąd pojawiły się w jego historii trudności, które charakteryzują stosunek do władzy i prawa. Współczesny teatr nie ma nic wspólnego z kultowym źródłem, z wyjątkiem pewnych eksperymentów z powrotem do mitu czy ceremonii, które podążając za eksperymentami Artauda, poszukują pierwotnej czystości działania teatralnego, a jego formy są tak różnorodne, że w pełni odpowiada wielu nowym funkcjom estetycznym i społecznym. Rozwój teatru jest ściśle powiązany z ewolucją świadomości społecznej i technologicznej: dlatego od czasu do czasu wróży się jego nieuniknioną śmierć na skutek dominacji mediów i sztuki masowej.
2. Tradycja zachodnia
Jeżeli pytanie o istotę i specyfikę sztuki teatralnej zawierało zawsze coś idealistycznego i metafizycznego, bardzo odległego od rzeczywistej praktyki teatralnej, to możemy przynajmniej wymienić pewne cechy tej sztuki, które są charakterystyczne dla naszej zachodniej tradycji ze starożytnej Grecji do chwili obecnej. Pojęcie „sztuka” różni się od pojęć „rzemiosło”, „technika” czy „rytuał”: teatr, choć dysponuje różnorodnymi środkami technicznymi (aktorstwo, scenografia itp.) i pewną liczbą tradycyjnych i niezmiennych działań, wykracza poza ramy każdej z tych części składowych. Za każdym razem reprezentuje akcję (lub mimetyczne przedstawienie akcji) dzięki aktorom wcielającym się w postacie lub ukazującym ich publiczności zgromadzonej jednocześnie w jednym miejscu, mniej lub bardziej wyposażonej. Tekst (lub akcja), ciało aktora, scena, widz – to niezbędny łańcuch każdej komunikacji teatralnej. Każde ogniwo tego łańcucha przybiera bardzo różne formy. Czasem tekst nie jest szanowany i zastępowany nieliterackim stylem zabawy, nawet jeśli jest to tekst konkretny, zamierzony; ciało aktora traci swoją funkcję ludzkiej obecności, gdy reżyser zamienia je w marionetkę-surmarionetkę lub zastępuje je przedmiotem lub mechanizmem scenicznym przewidzianym w scenografii; scena nie musi być koniecznie wyposażona w budynek specjalnie zbudowany na potrzeby przedstawień teatralnych: plac miejski, hangar itp. idealny do zajęć teatralnych; nie można całkowicie wykluczyć widza bez przekształcenia sztuki teatralnej w dramatyczną grę, w której wszyscy uczestniczą, jak w rytuale, który do swego wykonania nie potrzebuje spojrzenia z zewnątrz, lub w „działalność sekciarską” całkowicie izolowaną i pozbawioną krytycznego ujścia dla społeczeństwa...
Spektakl teatralny to cały zespół dyrektyw, rad, nakazów zawartych w partyturze teatralnej, tekście i reżyserii scenicznej.
Nie ma nic sztywnego ani ostatecznego w rozróżnieniu między gatunkami i ich hierarchią. Tym samym współczesna sztuka teatralna kategorycznie zaprzecza podziałowi na trzy części: dramat/liryka/epopeja. Biegunowość tragedia-komedia, odnotowana w podwójnej tradycji gatunków - „szlachetnej” (tragedia, wysoka komedia) i „wulgarnej” (farsa, spektakl) - również traci swoje znaczenie w miarę rozwoju relacji społecznych.
3. Teatr w systemie artystycznym
Większość teoretyków jest zgodna, że sztuka teatralna dysponuje wszelkimi dostępnymi w danej epoce środkami artystycznymi i technologicznymi. Craig podaje na przykład taką (niemal tautologiczną) definicję: „Sztuka teatru nie jest ani sztuką aktorską, ani sztuką, ani obrazem scenicznym, ani tańcem... Jest to ogół elementów, z których składają się te różne sfery. Składa się z ruchu, który jest znaczeniem gry aktorskiej, słów, które tworzą korpus spektaklu, linii i koloru, z których rodzi się dusza dekoracji scenicznej, rytmu, który stanowi o istocie tańca.
Nie ma jednomyślności w kwestii relacji pomiędzy tymi różnymi sztukami.
Dla innych teoretyków połączenie różnych sztuk jest niemożliwe; w najlepszym razie możesz zbudować nieustrukturyzowany konglomerat; Ważne jest ustalenie hierarchii środków i łączenie ich tak, aby osiągnąć zamierzony efekt i zgodnie z gustem reżysera. Hierarchia zaproponowana przez Appiaha – aktor, przestrzeń, światło, malarstwo – to tylko jedna z niezliczonych możliwości estetyki.
Inna grupa teoretyków widzi w koncepcjach Wagnera i Appiaha dwie strony tego samego medalu, krytykując jednocześnie koncepcję sztuki teatralnej jako Gesamtkunstwerk czy teatru totalnego i zastępując ją dziełem teatralnym (Brecht). Sztuki performatywne istnieją i mają sens jedynie w swojej różnorodności i sprzecznościach. Inscenizacja sprawia, że scena opiera się tekstowi, muzyka przeciwstawia się językowemu znaczeniu, mowa ciała opiera się muzyce lub tekstowi i tak dalej.
4. Specyfika i granice sztuki teatralnej
Krótki przegląd prac teoretycznych na temat teatru dowodzi, że żadna teoria nie jest w stanie sprowadzić sztuki teatralnej do niezbędnych i satysfakcjonujących elementów. Nie da się ograniczyć tej sztuki do arsenału środków technicznych. Praktyka ma na celu nieskończone poszerzanie horyzontu sceny: wyświetlanie przezroczy lub filmów, przekształcanie teatru w rzeźbę, taniec lub sztukę pantomimy, propagandę polityczną lub wydarzenie. Tym samym program studiowania sztuk teatralnych rozciąga się na czas nieokreślony.
PaviP. Słownik teatru. Wydawca: Postęp, 1991.
kurtyna teatralna- płótno zakrywające scenę od strony widowni. Zasłony wykonane są z grubej, barwionej tkaniny z grubą podszewką, ozdobione emblematem teatru lub szeroką frędzlą obszytą u dołu zasłony. Kurtyna pozwala uczynić proces zmiany otoczenia niewidocznym, tworząc poczucie czasu pomiędzy działaniami.
Tragedia(starożytna grecka tragōdía, dosłownie „pieśń kozła”) - gatunek fikcji oparty na rozwoju wydarzeń, który z reguły jest nieunikniony i koniecznie prowadzi do katastrofalnego wyniku dla bohaterów, często przepełnionego patosem; rodzaj dramatu będący przeciwieństwem komedii.
Tragedia naznaczona jest surową powagą, ukazuje rzeczywistość w najbardziej dosadny sposób, jako zlepek wewnętrznych sprzeczności, odsłania najgłębsze konflikty rzeczywistości w niezwykle intensywnej i bogatej formie, nabierając znaczenia symbolu artystycznego. To nie przypadek, że większość tragedii jest pisana wierszem.
Pojęcie „tragedii” wiąże się ze śpiewem satyrów (w mitologii greckiej stworzeń o kozich nogach), których wizerunki wykorzystywano w obrzędach religijnych starożytnej Grecji na cześć boga Dionizosa.
Farsa- komedia o lekkiej treści z czysto zewnętrznymi technikami komiksowymi.
W średniowieczu farsę nazywano także rodzajem teatru i literatury ludowej, rozpowszechnioną w XIV-XVI wieku w krajach Europy Zachodniej. Dojrzewając w obrębie misterium, farsa w XV wieku uzyskała samodzielność, a w następnym stuleciu stała się gatunkiem dominującym w teatrze i literaturze. Techniki farsowego błaznania zachowały się w klowningu cyrkowym. We współczesnym języku rosyjskim farsę nazywa się zwykle profanacją, imitacją procesu, na przykład procesu.
Głównym elementem farsy nie była świadoma satyra polityczna, ale swobodne i beztroskie przedstawienie miejskiego życia ze wszystkimi jego skandalicznymi incydentami, wulgaryzmami, chamstwem i zabawą. Francuska farsa często zmieniała temat skandalu między małżonkami.
Foyer- pomieszczenie w teatrze, kinie, cyrku, przeznaczone do przebywania widzów w oczekiwaniu na spektakl, spektakl, występ, a także do odpoczynku publiczności w przerwach.
Foyer Państwowego Akademickiego Teatru Teatralnego im. I.S. Turgieniewa przyciąga nie tylko ogrodem zimowym, różnorodnością fotografii opowiadających o najbardziej pamiętnych przedstawieniach, ale także wyjątkowym projektem „Teatr w Foyer”, w którym wystawiane są spektakle dla młodych widzów.
Furka- część wyposażenia scenicznego; mobilna platforma na rolkach, służąca do przesuwania elementów dekoracji na scenie. Ruch pieca odbywa się za pomocą silnika elektrycznego, ręcznie lub za pomocą kabla, którego jeden koniec znajduje się za kulisami, a drugi jest przymocowany do bocznej ściany furki.
W przygotowaniu „Słownik teatralny” wykorzystano materiały z zasobów Internetu oraz „Słownik teatralny” P. Paviego (Wydawnictwo: Progress, 1991)
16 grudnia słynny rosyjski dramaturg i reżyser Iwan Wyrypajew poprowadził klasę mistrzowską dla studentów Akademii Sztuk Pięknych w Woroneżu. Reżyser opowiedział o swoim podejściu do teatru, o tym, jak dziś można „wbić się” w publiczność i dlaczego współcześni aktorzy potrzebują jogi.
Już na początku wykładu Iwan Wyrypajew stwierdził, że sztuka się skończyła i należy to przyjąć za fakt:
- Jeśli artysta twierdzi, że zajmuje się sztuką w czystej postaci, to symuluje, bo przestrzeni sztuki już nie ma, nie można wypracować nowej formy. Jeśli w pustym kinie pokażemy „Rublewa” Tarkowskiego, seans i tak się odbędzie, nawet bez widzów. A jeśli mój film „Tlen” zostanie tak pokazany, to bez publiczności nie będzie go istniał. Ponieważ sam „tlen” nie istnieje. Dziś tak zwana „sztuka nowoczesna” to absolutne zniszczenie muru między aktorem a publicznością, całkowite połączenie z nim.
Współczesny teatr, zdaniem reżysera, potrzebuje aktorów, którzy na scenie okazują swoje ludzkie emocje, a nie tylko odgrywają rolę:
Stanisławski był nieustannie oskarżany o nadmierny naturalizm, ale spójrz teraz na jego prace - wydadzą ci się sztuczne. Ale ówczesna „Mewa” wywołała szok! „Jak w życiu” – powiedzieli, ale wydaje nam się, że aktorzy rozmawiają bardzo teatralnie. Widz nie wierzy już w istnienie bohatera, na pierwszy plan wysuwa się sam człowiek. Ważny jest teraz dialog „osoba-osoba”, a nie „aktor-osoba”. Dodatkowo zanik przestrzeni artystycznej pomaga wyzwolić prawdziwą energię.
Nie możemy doświadczyć emocji postaci, możemy jedynie doświadczyć własnych emocji. Czy mogę czuć to samo, co czuł Hamlet? Nigdy w życiu! Bo Hamlet w ogóle nie istnieje. Mogę czuć tylko to, co sam czuję do Hamleta.
Według Wyrypajewa metoda, którą posługuje się podczas inscenizacji swoich spektakli czy na planie, opiera się na szkole klasycznej, ale w większym stopniu została ukształtowana przez czas. Na pierwszy rzut oka jest to bardzo proste, ale w rzeczywistości wymaga nie tyle umiejętności zawodowych, co rozwoju osobowości, wewnętrznego „ja”.
Zdałem sobie sprawę, że uderzam widza, kiedy z nim rozmawiam. To ja! To znaczy, kiedy jestem obecny. Na tym opiera się moja metoda teatralna, na całkowitej obecności człowieka na scenie. Aktor musi pamiętać o całym przedstawieniu: „Gram Lopakhina, gram Lopakhina”, a nie „Jestem Lopakhinem”. Wtedy zstępuje sztuka od Boga, która jest w niebie, ponieważ Bóg nie jest pojęciem religijnym, jest obecnością.
Podstawowa koncepcja „Jestem tutaj” nie jest tylko teorią. Aby rozwinąć to uczucie potrzebna jest joga, medytacja, odpowiednie odżywianie. Jestem przekonany, że to wszystko wpływa na aktora. Aktor to precyzja, koncentracja, klarowność. Współczesny aktor nie może udawać pijanego ani pod wpływem marihuany, alkohol nie jest już „ja jestem”
Przez jogę i medytację Iwan nie ma na myśli konkretnych praktyk duchowych, wręcz przeciwnie, ostro podkreśla, że nie ma to absolutnie żadnego związku z kwestiami religijnymi. To samowiedza, zarządzanie energią wewnętrzną. Aby było to jasne dla uczniów, reżyser przyjął pozę trójkąta i pokazał, jak uwalniana jest energia, gdy ciało się rozluźnia. Na tej zasadzie funkcjonuje interakcja pomiędzy aktorem a publicznością.
W końcowej części spotkania widzowie mogli porozumieć się z reżyserem i zadać mu pytania.
- Czy czujesz dużą różnicę, kiedy piszesz sztukę na zamówienie i dla siebie?
Prawie wszystkie moje sztuki napisałem na zamówienie. Zwykle nie mówią mi o fabule, tylko o tym, ile powinno być postaci. Kocham to, dyscyplinuje mnie to. Ale zawsze piszę to jako osoba, która to wyreżyseruje. I to jest minus, bo nikt poza mną nie może ich zainstalować. Moje sztuki potrzebują klucza, a kluczem jest moja metoda. W zasadzie można je inscenizować, ale ja mam inne podejście do reżyserii. Inscenizuję sam spektakl, nie interpretuję, nie buduję innej rzeczywistości.
Niedawno wystawiałem w Warszawie „Ślub” Gogola z polskimi aktorami i było bardzo ciekawie – wystawienie tekstu Gogola jest lepsze niż wpychanie Gogola w siebie i nie dowiadywanie się o nim niczego.
- Czy aktor, jak wiele innych zawodów, powinien mieć kodeks etyczny?
Tak. Nie da się grać bez miłości, trzeba kochać tę salę. Nie masz prawa zamykać człowieka. Wszyscy to łamiemy, nie ma problemu, jeśli nie miałeś takiego zamiaru, jeśli popełniłeś błąd. Ale powinniśmy próbować otwierać ludzi, a nie zamykać ich. Nawet gdy mówimy o trudnych rzeczach, widz powinien wyjść z pozytywnym nastawieniem.
- Jak pracujesz ze swoimi aktorami?
Aktor musi czuć się wolny i chroniony, nie można nikogo zmuszać, a potem wymagać od niego kreatywności. Ale jako reżyser rozwiązuje się pewien problem na planie, więc nie ma demokracji w pełnym tego słowa znaczeniu.
Co zrobić z pomysłami, które pojawiają się nagle, ale w danym momencie nie da się ich zrealizować? Jak zachować inspirację?
Zdarza się, że budzę się o piątej rano i zdaję sobie sprawę, że wiem, jak wystawić tę scenę. I wtedy myślę: „Teraz prześpię się i wszystko napiszę”, ale potem budzę się i wszystko zapominam. Ale to nie jest straszne. Dziś jeden pomysł, jutro inny. Po co się ich trzymać? Jeśli jesteś osobą kreatywną, oni tu zostaną.
Uwagi
Warunki zamieszczania komentarzy w Serwisie:
Nie można publikować komentarzy:
Ponad 2000 znaków ze spacjami;
- zawierające zniewagi osobiste, religijne, narodowe, polityczne, reklamowe itp. postacie;
- zawierające ataki osobiste, obelgi wobec urzędników i osób publicznych (w tym zmarłych), wulgarne wyrażenia, obelgi i poniżanie innych komentujących uczestników;
- zawierające linki do źródeł informacji niezwiązanych z poruszanym tematem;
- naruszenie przepisów obowiązującego prawa;
- teksty reklamowe i linki.
Zabrania się znieważania dziennikarzy i innych pracowników magazynu „Kultura VRN”, jego autorów, administratorów serwisu, kierownictwa publikacji i czytelników.
Kliknięcie przycisku „Wyślij” oznacza bezwarunkową akceptację niniejszego regulaminu.
