„Technika architektury papierowej”. Rozwój artystycznego myślenia wolumenowo-przestrzennego i twórczej wyobraźni dzieci

Architektura papierowa: utopijne fantazje na papierze

Ignorowanie cenzury, skuteczne pozycjonowanie na globalnej arenie twórczej, chęć rozrzedzenia monotonnej szarej rzeczywistości – taki jest ruch Architektury Papieru. Dziś zjawisko to nazwalibyśmy projektem, ale wtedy – w latach 80., u schyłku władzy sowieckiej – stało się żywym przejawem nastrojów postmodernistycznych, które opierały się na odrzuceniu i ponownym przemyśleniu wartości nowoczesności.

Jak pisze architekt i teoretyk architektury Alexander Rappaport, młodzi profesjonaliści zmęczeni „wielkim menu” wkroczyli w nową erę, którą nazywa frazą „post-post”: „Po części właściwości architektury papierowej zbiegły się z aspiracjami wielu sowieckich architektów, zmęczonych ascezą oficjalnej ideologii architektonicznej, na sztandarach, na których widniał napis – „oszczędności, oszczędności i jeszcze raz oszczędności” – pisze w jednym z opracowań.

„Architektura papierowa” to obszar fantazji, który pojawia się poza kontekstem społeczno-kulturowym i koncepcjami temporalnymi. To rodzaj zabawy, rozpieszczania, której granic sami architekci nie budowali, a cenzorzy ignorowali, bo nie widzieli oczywistych zagrożeń.

Jak wszystko się zaczęło? Właśnie jako trend pojawiła się „architektura papierowa” w ZSRR w latach 80. ubiegłego wieku, choć wcześniej w innych krajach spotykano pojedyncze przypadki. W tym okresie początkujący mistrzowie zaczynają brać udział w najważniejszych międzynarodowych konkursach (magazyny OISTAT, UNESCO, Architectural Design, Japan Architect) i zostają zwycięzcami, uderzając jury skalą swoich pomysłów. Projekty wykonane wyłącznie na papierze nigdy nie mogły zostać zrealizowane, co po części przyczyniło się do tego, że architekci potrafili przedstawić nawet najbardziej szalone pomysły, zamieniając je w pełnoprawne dzieła sztuki.

Architekci, ograniczeni ideologicznymi i politycznymi granicami, stworzyli na papierze nowy świat, w którym nie było etykiet i granic – pełna wolność i niezależność, utopijna przestrzeń równoległa.

Założycielami ruchu są Aleksander Brodski, Ilja Utkin, Michaił Biełow i Maksim Kharitonow. Lokomotywą portfeli był Jurij Awwakumow, dzięki któremu ruch nabrał pełnoprawnych form i wyszedł na światło dzienne. To on gromadził archiwa dzieł i organizował wystawy, nadzorował i kierował architektami.

Architekci zawsze najpierw przedstawiają projekt przyszłego obiektu, a dopiero potem, w przypadku jego akceptacji, rozpoczyna się etap realizacji. Dlaczego powstałe wówczas szkice obrały zupełnie odrębny kierunek? Faktem jest, że architekci początkowo zrozumieli, że ich pomysły nigdy nie zostaną zrealizowane, więc do projektowania na papierze podeszli od strony artystycznej, nadając pracom szczególną grafikę i symbolikę. Konkursy, w których mistrzowie mogli wyrazić siebie, zwróciły uwagę społeczności światowej na sowieckich architektów. Ich prace były wystawiane na Zachodzie w ramach dedykowanych im projektów, które wzbudziły zainteresowanie za granicą.

Nie sposób określić stylu i maniery architektów, którzy pracowali w „papierowych” ramach – każdy eksperymentował dla własnej przyjemności, nie rezygnując przy tym z własnych zasad i wytycznych estetycznych. Do każdego projektu dołączono notę wyjaśniającą, która zamieniła się w pełnoprawne dzieło literackie - z bohaterem, fabułą i szczególnym nastrojem.

Fakt, że rysunki były na zawsze rysunkami, sprawił, że sam projekt był doskonały. Często w trakcie realizacji wprowadzane są poprawki, które zmieniają idealną koncepcję i są związane z cechami technicznymi. Przed „portfelami” taki problem nie występował. „Termin „papier” był dwuznaczny i częściowo niedokładny. Tu nie chodzi tylko o papier, to zaangażowanie w czyste idee, czyste formy. Rzecz w tym, że pomysł jest daremny” – mówi Alexander Rappaport.

W wywiadzie na początku XXI wieku jedna z przedstawicieli Paper Architecture, Ilya Utkin, opowiedziała, jak to wszystko się skończyło: „I skończyło się, gdy interesujące stało się urzeczywistnienie tego wszystkiego własnymi rękami… Nie, tak się nie stało naprawdę się nie kończy. To się nie skończyło, bo to normalna praca. W tej chwili robię projekty - wszak najpierw muszę narysować na papierze tę samą architekturę, pomysł na architekturę, aby zaproponować taką czy inną wersję konstrukcji. Przecież to jest to samo, to szkic, który dopiero potem zamienia się w kamień i to z takim trudem. Myślę więc, że teraz nadszedł kolejny okres: okres praktyki architektonicznej.

W 2010 roku Jurij Awwakumov opisał na swoim blogu ciekawą historię: już w 1983 roku wspólnie z Michaiłem Biełowem opracowali projekt na konkurs wertykalny, aby wysłać go na konkurs w Japonii. Rysunek nosił tytuł „Kolumbarium pogrzebowe”. „Minęło 27 lat i nadeszła przyszłość. W Bombaju budowany jest pionowy cmentarz. W końcu ktoś poza nami zdał sobie sprawę, że jest to rozsądniejsze niż budowanie na kościach z powodu braku gruntów miejskich” – powiedział Awwakumov.

Dziś alternatywne projekty młodych sowieckich architektów stały się klasyką, a sam kierunek „Architektury Papierowej” stał się sztuką utopii.

Architektura papierowa to projekty dosłownie pozostawione „na papierze”, które nie zostały wdrożone ze względu na złożoność techniczną, koszty, skalę lub względy cenzury. Za twórcę tego nurtu uważany jest Giovanni Battista Piranesi (1720-1778). Zbudował tylko jeden budynek, ale stworzył serię rycin przedstawiających architekturę rzeczywistą i wyobrażoną.

Aleksander Brodski, Ilja Utkin. Szklana wieża, akwaforta, 1984/1990

W Rosji termin ten kojarzony jest z kierunkiem konceptualnym w architekturze lat 80. XX wieku, a także z działalnością kuratorską architekta i kolekcjonera Jurija Awwakumowa. W Związku Radzieckim młodzi architekci brali udział w międzynarodowych konkursach organizowanych przez zachodnie magazyny architektoniczne. Projekty istniały tylko na papierze. Tak powstał szczególny gatunek sztuki – połączenie projektowania architektonicznego, konceptualizmu i grafiki sztalugowej. Wystawy prac „architektów papieru” odbywały się w galeriach i muzeach Londynu, Paryża, Mediolanu, Zurychu, Brukseli, Lublany, Kolonii, Austin. Teraz ich prace znajdują się w zbiorach największych muzeów świata.

Michaił Filippow, Wieża Babel. Papier, akwarela, 1989

Wystawa w Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkina proponuje historyczny dialog pomiędzy projektami radzieckich konceptualistów a włoskimi klasykami fantastyki architektonicznej. Ekspozycja prezentuje 80 dzieł grafiki architektonicznej znanych mistrzów XVII-XVIII w. Giovanniego Battisty Piranesiego, Giuseppe Valerianiego, Pietro Gonzagi, Francesco Gradizi, Giacomo Quarenghi, Matthäusa Küssela, Giuseppe Bibieny, a także czołowych artystów radzieckiego konceptualizmu architektonicznego – Yuri Awwakumow, Michaił Biełow, Aleksander Brodski i Ilja Utkin, Dmitrij Bush, Totan Kuzembajew, Jurij Kuzin, Michaił Labazow, Wiaczesław Mizin, Wiaczesław Petrenko, Andriej Savin, Władimir Tyurin, Michaił Filippow, Andriej Czełcow, Siergiej i Wiera Czuklowowie.

Alexander Zosimov, kolaż nr 23. Papier, kolaż, 1990

Nikołaj Kaverin, Olga Kaverina. Drugie mieszkanie mieszczan. Papier, tusz, kredka, Rapidograf, 1985

W centralnej części ekspozycji historycznej wystawy znajduje się czternaście dzieł Giovanniego Battisty Piranesiego (1720-1779). Twórczość słynnego mistrza fantastyki architektonicznej prezentowana jest w cyklach „Pierwsza część kompozycji architektonicznych i perspektywicznych” oraz „Fantastyczne kompozycje lochów”. W tych pracach Piranesi osiąga niezrównany kunszt i wysokie napięcie emocjonalne. Paradoksem jest, że prześcieradła z niedocenianego za życia Piranesiego cyklu „Więzienia” przez ponad dwieście lat zadziwiały wyobraźnię oglądających je ludzi, inspirując do tworzenia dzieł literackich, muzycznych i malarskich.

Giovanni Battista Piranesi (1720-1778). Ryciny z cyklu "Pierwsza część architektury i perspektywy". starożytna świątynia

W swoim eseju „Piranesi, czyli płynność form” reżyser Siergiej Eisenstein pisze: „... Nigdzie w The Dungeons nie znajdziemy ciągłego, głębokiego spojrzenia perspektywicznego. Ale wszędzie początkowy ruch pogłębiania perspektywy przerywa most, filar, łuk, przejście… jakościowa intensywność głębi… „Na uwagę zasługują słowa samego Piranesiego, towarzyszące jednemu z prezentowanych cykli: „...nie ma bowiem nadziei, że któremuś ze współczesnych architektów uda się coś takiego dokonać, czy to z powodu upadku architektury z wysokości, czy też z powodu braku mecenasów tej najszlachetniejszej sztuki, jaką jest potwierdza brak budowli pokroju Forum Nerwy, Koloseum czy pałacu Nerona, a także fakt, że ani książęta, ani bogacze nie wykazują skłonności do dużych wydatków – ja, jak każdy współczesny architekt, nie ma innego innego wyjścia, niż wyrażanie swoich pomysłów architektonicznych wyłącznie za pomocą rysunków.

Giacomo Quarenghi (1744-1817). Ruiny pawilonu w parku hrabiego A.A. Bezborodko w Paliustrowie. Pióro, pędzel, tusz, akwarela, ołówek, 1791

Włoski architekt Giacomo Quarenghi w pełni zrealizował swój talent w Rosji. W wieku 35 lat Quarenghi przybył do Petersburga na zaproszenie Katarzyny II jako „architekt dworu Jej Królewskiej Mości”. Już w pierwszej dekadzie pobytu w Rosji architekt zbudował Pałac Angielski w Peterhofie, pawilon w Carskim Siole, budynki Teatru Ermitaż i Akademii Nauk. Letnia rezydencja hrabiego Aleksandra Andriejewicza Bezborodki stała się kwintesencją całej twórczości Quarenghiego okresu petersburskiego. Pawilon ruin był nie tylko wykwintnym obiektem kontemplacji, ale także subtelną intelektualną grą z przestrzenią i czasem. Obrazy odległej starożytności, przeniesione z woli klienta na brzegi Newy, pozwoliły odwiedzającym park poczuć się przez chwilę jak mieszkańcy szczęśliwej Arkadii, ukazując ilustrację zapisaną w kamieniu do uskrzydlonego łacińskiego wyrażenia „Et w Arkadii ego” („A ja byłem w Arkadii”).

Żywe epizody europejskiej historii architektury końca XVII - początków XIX wieku reprezentują dzieła artystów teatralnych - Giuseppe Galli Bibiena (1696-1756), Giuseppe Valeriani (1708-1762), Pietro di Gottardo Gonzaga (1751-1831), Francesco Gradizzi (1729-1793) i Giacomo Quarenghi (1744-1817). Twórczość większości autorów, których prace prezentowane są na wystawie, należy w równym stopniu do dwóch krajów: Włoch i Rosji. Pietro di Gonzaga na zaproszenie księcia N.B. Jusupow w Petersburgu, tworzył dekoracje na koronacje i święta dworskie, projektował przedstawienia. Był także autorem niezrealizowanych projektów dla oper. Dla Rosji Gonzaga stał się prawdziwym reformatorem rosyjskiej sceny, odważnie stosującym iluzjonistyczno-perspektywne techniki baroku. Arkusze architektoniczne Gonzagi zadziwiają odważnym lotem fantazji. Biegle posługuje się piórem i pędzlem, w wielu swoich kompozycjach antycypuje epokę romantyzmu.

W takim samym stopniu, jak fantazyjne dzieła włoskich artystów XVII – XIX wieku, tak i projekty konceptualne autorów drugiej połowy XX wieku, wykonane specjalnie na potrzeby wystaw międzynarodowych, stały się źródłem pomysłów dla przyszłych pokoleń architektów. Długo oczekiwana swoboda i zainteresowanie zagranicznych znawców przyczyniły się do różnorodności form i tematów w fantazjach architektonicznych młodych autorów. „Dla niektórych papierowy projekt wyglądał jak zbiór teatralnych mise-en-scen, dla kogoś – jak rewolucyjna ikona, a dla kogoś – jak seria ilustracji książkowych” – komentuje Jurij Awwakumov, kurator wystawy o twórczości z lat 80.

Tytuł wystawy to Architektura Papieru. Koniec historii” koreluje z kamieniem milowym dzisiejszego projektu architektonicznego. Według kuratora wystawy Jurija Awwakumowa: „Epoka papieru jako materiału dla architektów dobiegła końca – deskę kreślarską, monitory i obrazy zastąpiły myszy komputerowe, papier, kalkę, tusz, ołówek, pisak, Rapidograf, gumka do mazania. Architektura papierowa okazała się więc miejscem, w którym najlepiej się ją przechowuje, czyli nie na placu budowy, ale w muzeum. I symboliczne jest, że jego upadek nastąpił pod koniec stulecia i tysiąclecia.

Na wystawę przygotowywany jest specjalny katalog, który ukaże się w kwietniu 2015 roku.

Rynek informacyjny lub sanktuarium 11 wyroczni.

Mieszkanie dla wyspiarskiej rodziny.

„Atrium, czyli przestrzeń, w której każdy może być duży i mały”

Muzeum rzeźby jeździeckiej bez jeźdźców. 1983

„Wieżowiec nagrobny, czyli samowznoszące się kolumbarium miejskie”, (wraz z Jurijem Awwakumovem) 1983

Teatr Samotnej Czerwonej Damy.

Architekt: Michaił Filippow

Wał oporowy. 1985

Wieża Babel. 1989

atrium. Pierwsza nagroda na międzynarodowym konkursie 1985

rynek informacyjny. Wyróżnienie na Międzynarodowym Konkursie 1986

Pomnik z 2001 roku. Wyróżnienie na Międzynarodowym Konkursie 1987

Architekci: Aleksander Brodski i Ilja Utkin

Ilja Utkin i Aleksander Brodski

domek dla lalek

Dom dla Kubusia Puchatka.

Muzeum Domów Zaginionych (Kolumbarium) – arkusz pierwszy.

Muzeum Domów Zaginionych (Kolumbrium) – arkusz drugi.

Górska dziura.

Willa Nautilus

Most nad przepaścią

żółw miejski

Pałac Kryształowy XX wieku.

Muzeum Rzeźby Miejskiej. Wyspa stabilności.

Miasto mostowe.

Kopuła. 1990

Teatr bez sceny, czyli wędrująca widownia. 1986

Bezimienna rzeka.

Statek głupców.

Opera Bastylia.

Muzeum Architektury.

Miasto świątynne.

Klaustrofobia w willi.

szklany pomnik.

Nieuprawny.

Forum Tysiąca Prawd 1987

Pomnik 2000

Filippow Michaił Anatoliewicz. R urodził się w 1954 roku w Leningradzie.

Edukacja:

W 1979 roku ukończył Leningradzki Państwowy Akademicki Instytut Malarstwa, Rzeźby i Architektury. To znaczy Repina.
W 1983 wstąpił do Związku Architektów Rosji, w 1984 - Związku Artystów Rosji.

Projekty urbanistyczne:

. 2009.
(Region Moskwy).

Oddzielne obiekty:

Rekonstrukcja GUTA-Banku (Moskwa). Dyplom festiwalu „Architektura-97” – 1996-1997;
Dwór wykonawczy (Moskwa, B. Afanasevsky per.) 1998;
Państwowy Żydowski Teatr Muzyczny (Moskwa, Plac Tagański) - 1997. Dyplom Quadriennale w Pradze (1999), dyplom II stopnia festiwalu „Architektura-97”, dyplom I stopnia festiwalu „Architektura-98” , nagroda „Złotej Sekcji” MOCA (1997), Dyplom Związku Projektantów (1998). Nominowany do Nagrody Państwowej;
Zespół reprezentacyjny (osada Gorki Leninskie, obwód moskiewski) – 1998. Dyplom festiwalu „Architektura-98”;
Projekt przebudowy terenu stacji morskiej i portu miasta Soczi 2000 - 1999;

Konkursy:

Muzeum Rzeźby, Central Glass, Tokio. II Nagroda – 1983;
„Styl 2001”, JA, Tokio. I Nagroda – 1984;
„Atrium”, Central Glass (dla rozwiązania przestrzeni atrium), Tokio. I Nagroda – 1985;
„Rolka oporu”, JA, Tokio. Wyróżnienie - 1985;
„Rynek informacji”, Central Glass, Tokio. Wyróżnienie - 1986;
„Pomnik 2001”, JA, Tokio. Wyróżnienie - 1987;
Ostrow, Moskiewski Komitet Architektury (na zlecenie Akademii Architektury Federacji Rosyjskiej). Dyplom - 1998.

Główne wystawy:

Triennale w Mediolanie - 1988;
Państwowe Muzeum Rosyjskie, St. Petersburg (osobiste) – 1992;
Triennale w Mediolanie - 1996;
Państwowe Muzeum Architektury. A. V. Shchuseva, Moskwa (osobiście) -1998;
VII Międzynarodowe Biennale Architektury w Wenecji (wystawa osobista „Ruiny raju” w pawilonie rosyjskim). 2000;
„Marmomak-2000”, Werona (osobiście). 2000;
Państwowe Muzeum Architektury. A. V. Shchuseva, Moskwa. 2000;
„10 lat - 10 architektów”, Królewski Instytut Architektów Brytyjskich (RIBA), Londyn. „10 najlepszych architektów Rosji”. 2002;

Twórcze credo:

„Architektura porządku kanonicznego — architektura społeczeństwa postkonsumpcyjnego»

Galiny Naumowej

Cel:

Rozwijaj artystyczne myślenie przestrzenne i twórczą wyobraźnię w procesie działalności produkcyjnej (artystyczna obróbka papieru) .

Zadania:

Naucz swoje dziecko stawiania się przed sobą

cel i znaleźć sposoby na jego osiągnięcie;

Brać w czymś udział rozwój poznawczy i twórczy

umiejętności zachęcania do samodzielności

fantazjować.

- Rozwijaj oko, umiejętności i możliwości.

Brać w czymś udział rozwój kreatywności i inicjatywy.

Brać w czymś udział rozwój gustu artystycznego.

Przyczyniaj się do edukacji pracowitości, pragnień

doprowadzić robotę do końca.

Przyczyniaj się do edukacji patriotyczne dzieci

Papier- przystępny dla dziecka i wszechstronny materiał, służący nie tylko do rysowania, ale także w projekt artystyczny. Szczególnie atrakcyjny dzieci możliwość stworzenia takiego rękodzieła, które następnie zostanie wykorzystane w zabawach, zostały przekazane na święto.

papierowy plastik jeden z najłatwiejszych i najtańszych sposobów pracy papier. Pozwala dziecku odkryć magiczny świat papier. Papier, nożyczki, trochę wyobraźni - i teraz niezwykłe obrazy: figurki ludzi i zwierząt, kwitną ogrody, rosną miasta.

Co dają zajęcia papierowy plastik:

Wychowuje się pracowitość, chęć doprowadzenia do końca tego, co rozpoczęte

Rozwijanie zdolności konstruktywnych i twórczych

Rozwijanie umiejętności planowania, utwórz projekt według próbki

Dzieci uczą się przekształcać kształty geometryczne

Rozwój umiejętności motoryczne rąk

Tworzy się estetyczny smak

Znamy siedem podstawowych technik pracy papier:

1. Składanie:

zginać papier może być w linii prostej i zakrzywionej. Po złożeniu papier w różnych kierunkach powstają fałdy i fałdy o różnych kształtach i rozmiarach, tzw. usztywniacze - dają one wynikowy wolumetryczny kształtują elastyczność i siłę. Kierunek fałd może być do wewnątrz i na zewnątrz, naprzemiennie, równolegle. Od wyboru techniki gięcia papier zależy od rodzaju konwertowanej powierzchni. Tak więc, poprzez proste zginanie z płaskiego arkusza, powstaje powierzchnia o płaskich krawędziach. (harmoniczny). Odbiór krzywoliniowego zginania pozwala uzyskać zakrzywioną powierzchnię o dowolnym kształcie

2. Zgięcie:

Zakrzywiona powierzchnia powstaje poprzez cylindryczne lub stożkowe zgięcie blachy bez marszczenia. Zginanie arkusza daje mu margines bezpieczeństwa i zdolność do wytrzymania określonego obciążenia.

3. Skręcanie:

Rozebrać się papier skręca się w ciasną spiralę. Nawijanie wygodnie będzie rozpocząć od nawinięcia krawędzi paska na czubek ostrego przedmiotu (ołówek lub igła dziewiarska). W rezultacie powinna powstać ciasna spirala. Będzie podstawą do dalszego różnicowania wszelkich form. Liczby te mogą się bardzo różnić w zależności od pomysłów autora.

4. Zagniecenie:

Arkusz papier fałduje w różnych kierunkach, co tworzy piękną fakturę powierzchni. Taki papier stosowany w układach, gdzie wymagana jest charakterystyczna obróbka, cecha wykończenia niektórych detali.

5. Rozdarcie:

Jest to ręczne naruszenie struktury arkusza w określonym miejscu, w wyniku czego powstaje luźne obramowanie.

6. Cięcie:

Jest to naruszenie struktury arkusza nożyczkami lub nożem. Rezultatem są gładkie krawędzie.

7. Piercing:

Wykonywanie otworów szydłem, igłą, dziurkaczem lub innym narzędziem.

Do wykonywania operacji łączenia wykorzystywane są dwa rodzaje połączeń. papier, odpinane i nieodłączane. Połączenia nieusuwalne obejmują wszystkie typy klejenie: do krawędzi, zakładka, koniec.

Częściej niż inne stosuje się klejenie do krawędzi i zakładkę. Klej nakłada się cienką warstwą, a następnie jeden arkusz lub jego część nakłada się na drugi. Podczas klejenia końcowego klej nanosi się albo na płaszczyznę arkusza, albo na końcową część łączonego arkusza.

Następnie arkusze w pozycji poziomej dociska się i pozostawia do wyschnięcia. Metodę tę stosuje się do klejenia wąskich pasków papier.

Do połączeń rozłącznych zalicza się takie, które umożliwiają bez większych uszkodzeń produktu złożenie go i zamontowanie rozbierać na części: złącze zamka zewnętrznego, złącze zamka wewnętrznego, płaskie i tkanie wolumetryczne, klejenie za pomocą spinaczy biurowych, taśmy klejącej itp.

Najciekawsze, choć niestety rzadko stosowane w praktyce, jest połączenie z zamkiem. Na jednym lub obu arkuszach wykonuje się zewnętrzne nacięcia w niektórych miejscach, ale nie więcej niż do środka, ponieważ od tego zależy wytrzymałość produktu. Następnie jeden arkusz jest wkładany w nacięcie drugiego, aż do zatrzymania. Kolejne ciekawe połączenie z zamkiem ma charakter wewnętrzny. W takim przypadku na jednym arkuszu za pomocą noża wykonuje się wycięcie lub otwór dowolnego profilu. Następnie drugi arkusz jest wkładany do tej szczeliny lub otworu i przyjmuje swój kształt. Ciekawe, moim zdaniem, jest połączenie tkackie.

W tkaniu płaskim zwykle stosuje się paski papier, które w określonej kolejności są wsuwane pod siebie. Czasami na jednym arkuszu wykonuje się równoległe nacięcia, a następnie wsuwa się w nie paski. papier. Na wolumetryczny tkanie dwóch lub więcej pasków papier narzucać sobie nawzajem.

W praktyce wolumetryczny modelowanie jest bardzo wygodne w zastosowaniu metody łączenia arkuszy papier za pomocą spinaczy do papieru. Pozwala łatwo i szybko łączyć struktury wielowarstwowe. Na przykład możesz naprawić krawędzie wygiętego cylindra lub stożka, a jeśli to konieczne, równie łatwo je skorygować - zwęzić lub poszerzyć. Zszywki mogą służyć jako zaciski do klejenia na zakładkę.

modelacja:

Papier bardzo plastyczny i "pamięć", czyli każda operacja na arkuszu pozostawia na nim ślady. Aby dać prześcieradło papier objętościowy i wytrzymałość, stosuje się usztywniacze, które nadają mu sztywność i elastyczność. Ciała geometryczne można podzielić na ciała obrotowe - walec, stożek, kula i wielościany - ostrosłup, pryzmat i sześcian. Z nich można wykonać wszystkie bryły geometryczne, z wyjątkiem kuli papier.

Wszystkie ciała obrotowe uzyskuje się poprzez skręcenie arkusza papier. I tylko wtedy łatwo jest uzyskać czworościenny pryzmat z cylindra i piramidę ze stożka poprzez złożenie. Zagięcie blachy skupia całą sztywność konstrukcji, dlatego jest to najtrwalsze żebro usztywniające.

Najciekawszą techniką transformacji formy jest „odwrotne złożenie”.

Wykonuje się dwa nacięcia na fałdzie prostoliniowym, a następnie powierzchnię między nimi wciska się do wewnątrz i po dokładnym złożeniu prasuje. Na podstawie takiej zakładki można wykonać wiele przekształceń o różnym profilu i rozmiarze.

architektura papierowa.

Nauczać dzieci do tworzenia modeli budynków konieczne jest zapoznanie ich z tak ważnymi elementami, jak różne typy okien, drzwi i dachów. Okna są prostokątne. podwójne i łukowe.

Należy przypomnieć dzieciom, że okno znajduje się na środku ściany, a nie w rogu domu, dlatego płaszczyznę ściany należy złożyć na pół i wykonać dwa poziome nacięcia wzdłuż zagięcia (odległość między wrębami - wysokość okna). Następnie przecinamy pionowo wzdłuż zagięcia pomiędzy poziomymi nacięciami i zaginamy skrzydła okienne na boki.

W przypadku okna łukowego ponownie składamy powierzchnię ściany na pół, tylko nacięcie nie będzie proste, ale łukowe, a powierzchnia będzie zagięta do wewnątrz (pokazuje grubość ścianki).

Drzwi można podzielić także na prostokątne pojedynczy liść, podwójne i łukowe. Dla pojedynczy liść drzwi wykonują pionowe cięcie od spodu ściany, następnie rozkładając nożyczki, poziomy. Pochylamy się na bok, drzwi są gotowe.

Dla podwójne skrzydło powierzchnię drzwi należy ponownie zagiąć, wykonać jedno poziome cięcie i ciąć pionowo od dołu wzdłuż zagięcia.

łukowe drzwi

Do wykonania dachu budynku można zastosować różne kształty geometryczne, na przykład na wieżę nadaje się stożek, który można pozostawić bez zmian, lub można wyciąć krawędzie i wygiąć je na zewnątrz. Zdobądź wersję starej wieży. Możesz wyciąć krawędzie i włożyć je do cylindra, uzyskać wariant kopuły.

Cóż, jeśli wieża ma kształt pryzmatu, potrzebuje dachu w kształcie piramidy.

Techniką tą można wykonać także dach oparty na walcu „odwrotne złożenie” lub różne dodatki w postaci fałdy prostoliniowej. A dla wieży azjatyckiej - minaretu, możesz zrobić dach z pasków papier.

Jedną z najprostszych opcji dachu jest dach dwuspadowy. Ale na jego podstawie możesz dokonać wielu różnych opcji, ponownie stosując tę technikę „odwrotne złożenie” lub różne dodatki.

Rozważ kolejność pracy nad układem Domy: przygotować niezbędne materiały i narzędzia,

z cylindra - półfabrykaty, wykonujemy ściany domu z oknami i drzwiami, duży pasek papier zegnij na pół i sklej w pobliżu zagięcia, wykonaj rurki z małych arkuszy, owijając je na ołówku

Zbieramy układ.

Budujemy model świątyni (kościoły).

Wykonujemy puste miejsca: wąski i wysoki cylinder, niski, ale szeroki cylinder i stożek.

Szeroki walec przekształcamy w pryzmat, przecinamy okna i drzwi, górną część ścian można wykonać zaginając krawędzie do wewnątrz, można też wyciąć go w formie trzech łuków, a nawet użyć kręconych nożyczek. Następnie wewnątrz ścian umieszcza się wysoki cylinder, jest to bęben, a na górze kładziemy stożek - kopułę.

Z takich układów możesz zbudować całe nowoczesne, starożytne lub miasto przyszłości. Oto co otrzymaliśmy

Możesz tworzyć układy nie tylko z kształtów geometrycznych, ale także tuby papierowe - kłody. Na przykład budynki z bali, jakie były na starożytnej Rusi.

Pomimo krótkiego trwania zjawiska zwanego „Architekturą Papieru”, jego skumulowany zbiór jest bardzo obszerny. Dlatego kuratorzy mają dużą swobodę w łączeniu jej prac zarówno między sobą, jak i z dziełami z innych epok. Na przykład na kolejnej wystawie, która odbędzie się w Muzeum Architektury, prace „portfeli” będzie można zobaczyć wraz z dziełami ich poprzedników – sowieckich architektów lat 20. i 60. XX wieku. Na obecnej wystawie w Muzeum Puszkina kuratorzy Jurij Avvakumov i Anna Chudetskaya umieścili 54 dzieła portfeli w „firmie” zawierającej 28 fantazji architektonicznych mistrzów XVII-XVIII wieku. ze zbiorów muzealnych: Piranesi, Gonzago, Quarenghi i inne. Ideą koncepcyjną obecnej wystawy było połączenie w jednej przestrzeni dwóch epok fantazji i twórczości architektonicznej, naszych współczesnych i ich „przodków”, zdaniem Avvakumova.

Rosyjska architektura papierowa jest dość specyficznym zjawiskiem, które ma historyczne precedensy, ale nie ma współczesnych zagranicznych odpowiedników. Zjawisko to zostało wygenerowane przez szczególne warunki, jakie rozwinęły się w architekturze domowej w ostatnich dziesięcioleciach władzy radzieckiej. Będąc ludźmi uzdolnionymi artystycznie, młodzi architekci z wiadomych powodów nie mieli możliwości realizacji się w zawodzie i weszli w „równoległy wymiar” twórczości czysto fantastycznej.

Historia Rosyjskiej Architektury Papierowej jest nierozerwalnie związana z konkursami koncepcyjnymi organizowanymi przez OISTAT, UNESCO, a także czasopismami Architectural Design, Japan Architect i ZSRR Architecture. Ich organizatorzy starali się szukać nowych pomysłów, a nie rozwiązań konkretnych „stosowanych” problemów. A najwięcej nagród otrzymali uczestnicy ze Związku Radzieckiego, którym po długiej przerwie udało się zwrócić uwagę na rosyjską architekturę.

W przeciwieństwie do swoich poprzedników (przede wszystkim artystów awangardowych lat 20. i 60. XX w.) konceptualiści lat 80. nie dążyli do tworzenia utopijnych obrazów idealnej przyszłości. W pracach „portfeli” nie było elementu futurologicznego – ich nauczyciele z lat sześćdziesiątych wypowiadali się już wyczerpująco na ten temat. Poza tym lata osiemdziesiąte to era postmodernizmu, tj. reakcja na modernizm, który dla kilku poprzednich pokoleń był „przyszłością”. Zanim Architektura Papierowa rozkwitła, „przyszłość” już nadeszła, ale zamiast ogólnego szczęścia przyniosła rozczarowanie i obrzydzenie. Twórczość „papierowa” była zatem formą ucieczki od szarej, nudnej sowieckiej rzeczywistości w piękne światy tworzone przez bogatą wyobraźnię wykształconych i utalentowanych ludzi.

Specyfiką architektury papierowej była synteza środków wyrazu sztuk pięknych, architektury, literatury i teatru. Przy całej różnorodności stylów i sposobów twórczych większość „papierowych” projektów łączył specjalny język: nota wyjaśniająca miała formę eseju literackiego, do projektu wprowadzono postać - „bohatera”, nastrój i charakter otoczenia przekazywano za pomocą rysunków lub komiksów. Ogólnie rzecz biorąc, wszystko to skomponowano w swego rodzaju uvrazh, dzieło malarstwa sztalugowego lub grafiki. Z charakterystycznego połączenia środków wizualnych i werbalnych powstał szczególny kierunek konceptualizmu. Jednocześnie architektura papierowa kojarzona była nie tyle z równoległymi formami sztuki konceptualnej, ile w istocie była jedną z odmian postmodernizmu, zapożyczając zarówno jego obrazy wizualne, jak i ironię, „znaki”, „kody” i inne „ gry” umysłu.

Nazwa „Architektura Papieru” powstała spontanicznie – uczestnicy wystawy zorganizowanej w 1984 roku przez redakcję magazynu „Młodzież” przejęli sformułowanie z lat dwudziestych, które początkowo miało obraźliwe znaczenie. Nazwa od razu się przyjęła, ponieważ grała w dwóch znaczeniach. Po pierwsze, cała praca została wykonana na papierze Whatman. Po drugie, były to koncepcyjne projekty architektoniczne, które nie obejmowały realizacji.

Szczególne miejsce w działalności portfeli zajmuje Jurij Awwakumov, który odegrał kluczową rolę w projektowaniu epizodu (choć błyskotliwego) życia kulturalnego lat 80. w kompletne dzieło sztuki. To on połączył różnych uczestników w jeden szereg. Sam będąc aktywnym twórcą, pełnił funkcję „centrum informacji”, łącznika i kronikarza ruchu. Gromadząc archiwum i organizując wystawy, wyprowadził działalność portfeli na zasadniczo inny poziom, przekształcając ją z wąsko profesjonalnej w ogólnokulturowe zjawisko. Dlatego nie będzie wielką przesadą stwierdzenie, że Paper Architecture to duży projekt kuratorski Avvakumova.

Jednak ruchu jako takiego nie było - portfele były zbyt różne. W przeciwieństwie do, powiedzmy, prerafaelitów czy świata sztuki, nie mieli wspólnych celów i postaw twórczych - „portfele” były zbiorem indywidualistów, którzy pracowali razem lub osobno. Jedynym tematem, który ich połączył, była fantazja architektoniczna, przez co kojarzą się z Piranesim, Hubertem Robertem czy Jakowem Czernichowem.

Prace Paper Architecture nie są niestety zbyt dostępne dla ogółu społeczeństwa. Jednym z powodów jest zasadnicza niemożność ich stałego lub przynajmniej częstego naświetlania: w przeciwieństwie do płótna papier jest bardzo wrażliwy na światło. Dopóki nie nastąpi rewolucja technologiczna w tym obszarze, hipotetyczne Muzeum Architektury Papieru będzie wirtualne, co w zasadzie jest bliskie jego fenomenowi.

Okazuje się, że im rzadsze są wystawy Architektury Papierowej, tym są cenniejsze. W tym kontekście warto wziąć pod uwagę także obecne w Muzeum Sztuk Pięknych, które zajmuje przytulną salę za greckim dziedzińcem. Ekspozycja, mimo kameralnego charakteru, jest jednak dość pojemna. Wiele dzieł zostało zebranych jako „hit” („Wystawa domowa dla Muzeum XX wieku” Michaiła Biełowa i Maksyma Charitonowa, „Pałac Kryształowy” i „Szklana wieża” Aleksandra Brodskiego i Ilji Utkina, „Drugie mieszkanie Obywatel” Olgi i Nikołaja Kaverinów), a także te, które nie były wcześniej wystawiane („Dom Jeża” Andrieja Czełcowa) lub wystawiane sporadycznie (prace Wiaczesława Petrenki i Władimira Tyurina). Każdy eksponat wymaga uważnego zbadania, kontemplacji, zanurzenia się w nim, za każdym dziełem kryje się cała historia, jeśli nie cały świat. Capriccio dawnych mistrzów, w tym słynne „Więzienia” Piranesiego, zajmują centralną przestrzeń sali, a „portfele” otaczają je po całym obwodzie. Wybór Awwakumowa jest nieco subiektywny - niektóre „portfele” takie nie są (na przykład Aleksiej Bawykin czy Dmitrij Wieliczkin), a ktoś jest przedstawiany skromniej, niż na to zasługuje (mam na myśli przede wszystkim Michaiła Filippowa, który moim zdaniem , stworzył w tym okresie swoje najlepsze dzieła we współpracy z Nadieżdą Bronzową).

Wszystko jest jasne już w pierwszej części tytułu wystawy. Jak jednak rozumieć drugie – „Koniec historii”? Przecież „pogrzeb” Architektury Papierowej odbył się na początku lat dziewięćdziesiątych. Łącząc w jednej przestrzeni przedstawicieli dwóch różnych epok, kuratorzy chcieli wytyczyć symboliczną granicę pomiędzy pięciowiekową erą papieru (przejście masy z pergaminu miało miejsce około 500 lat temu). Jak na ironię, jego ostatnim akordem była Rosyjska Architektura Papieru. W latach dziewięćdziesiątych nastała nowa, komputerowa era, która poddała radykalnej rewizji nie tylko proces projektowania, ale i całą twórczość architektoniczną. Zatem przyszła architektura papierowa będzie papierem tylko w sensie alegorycznym. Przynajmniej do czasu, aż zgasną światła.

Sponsorem wystawy jest organizacja charytatywna AVC.