Niesamowite obrazy świata. Najbardziej tajemnicze obrazy w historii

Dziś chcielibyśmy opowiedzieć Wam trochę o tych ludziach, którzy naszym zdaniem są jednymi z najbardziej niezwykłych artystów naszych czasów. Wykorzystują niestandardowe techniki, niezwykłe pomysły, wkładając całą swoją kreatywność i talent w swoje niepowtarzalne dzieła.

1. Lorenzo Duran

Jego metoda tworzenia obrazów opiera się na badaniach historycznych cięcia papieru w Chinach, Japonii, Niemczech i Szwajcarii. Zbiera liście, myje je, suszy, tłoczy i starannie rzeźbi na nich swoje obrazy.

2. Nina Aoyama

Na pierwszy rzut oka może się wydawać, że ta młoda Francuzka nie robi nic specjalnego – po prostu wycina papier. Ale przykleja swoje wycięcia na tkaninie lub szkle i efekt jest po prostu piękny!

3. Claire Morgan

Brytyjska artystka Claire Morgan tworzy niezwykłe instalacje, które zastygają w powietrzu. Materiałami roboczymi artysty są suche rośliny, zboża, owady, pluszaki i świeże owoce. Tysiące szczegółów instalacji jest przymocowanych do cienkiej żyłki z niezwykłą precyzją. Powietrzne rzeźby Claire Morgan są poświęcone Ziemi i całemu życiu, które na niej żyje.

4. Mike Stilkey

Mike Stilkey tworzy obrazy z grzbietów książek. Buduje całą ścianę z książek i maluje swoje obrazy na ich grzbietach. Mike od dawna marzył o wydaniu albumu ze swoimi obrazami, jednak żadne wydawnictwo się na to nie zdecydowało. Jego malarstwo nie znalazło odzewu wśród krytyków. Wtedy artysta postanowił, że o swojej twórczości opowiedzą książki.

5. Jim Denevan

Jim rysuje wzory na piasku z niespotykaną matematyczną precyzją. Jim maluje głównie na plażach, ale ostatnio zaczął malować na pustyniach. „Nie mam tyle czasu na plaży, co na pustyni” – mówi. „W końcu ocean bardzo szybko wszystko zmywa”.

6. Vhils

Jego prace są niezwykłe, ponieważ wydrapuje je na starym tynku.

7. Bruce’a Munro

W swojej twórczości pracuje ze światłem. Nie tak dawno temu w angielskim mieście Bath otwarto jego instalację kolejnego pola światła. Jest to pole usiane lampami na cienkich plastikowych łodygach. Wygląda jak zestaw do filmu Avatar.

8. Jasona Meciera

Problem narkomanii jest poważny na całym świecie. Próbując przyciągnąć uwagę opinii publicznej, utalentowany amerykański artysta Jason Mecier stworzył portrety gwiazd z tabliczek. Najciekawsze jest to, że artysta jako materiał do swoich obrazów używał wyłącznie tabletek, które wydawane były według specjalnej recepty, której nie mógł legalnie zdobyć. Można powiedzieć, że Jason dopuścił się czynu nielegalnego, ale czyniąc to zwrócił uwagę na nielegalną dystrybucję narkotyków.

9. Jennifer Maestre

Jeśli nie potraktujemy poważnie ruchu realizmu, wówczas malarstwo zawsze różniło się od innych gatunków sztuki swoją dziwnością. Metaforyczny charakter obrazów malarskich, poszukiwanie przez artystów nowych form i oryginalnych środków wyrazu – wszystko to przyczynia się do gigantycznego oddzielenia malarstwa od rzeczywistości. Pisanie jest oczywiście jak twórcza śmierć dla wartościowego artysty. Obraz powinien mieć głębię i podtekst, przeskok znaczeń. W jednych zawodach jest ich więcej, w innych mniej, ale są też takie, w których ich liczba przekracza wszelkie normy. Obrazy te nazywane są dziwnymi, ich prawdziwe znaczenie znane jest tylko autorowi. Oto 10 najdziwniejszych:

Jan van Eyck „Portret pary Arnolfinich” – London National Gallery, Londyn

1434, drewno, olej. 81,8 x 59,7 cm

Portret prawdopodobnie Giovanniego di Nicolao Arnolfini i jego żony
to jedno z najbardziej skomplikowanych dzieł zachodniej szkoły malarstwa
Renesans północny.

Słynny obraz jest w całości wypełniony symbolami,
alegorie i różne odniesienia – aż do podpisu „Jan van Eyck
tu był”, co przekształciło go nie tylko w dzieło sztuki, ale w
dokument historyczny potwierdzający wydarzenie, które faktycznie miało miejsce
którym artysta był obecny.

W Rosji w ostatnich latach obraz zyskał dużą popularność ze względu na podobieństwo portretu Arnolfini do Władimira Putina.

Edvard Munch „Krzyk” – Galeria Narodowa, Oslo

1893, karton, olej, tempera, pastel. 91x73,5cm

Krzyk uznawany jest za przełomowe wydarzenie w ekspresjonizmie i jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie.

„Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi – ​​słońce zachodziło – niespodziewanie
niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując się wyczerpany, i
oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie na niebiesko-czarnym
fiord i miasto - moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałam i drżałam
podekscytowanie, uczucie niekończącego się krzyku przeszywającego naturę” – powiedział Edward
Munch o historii obrazu.

Istnieją dwie interpretacje tego, co jest przedstawione: to samego bohatera ogarnia groza i
cicho krzyczy, przyciskając dłonie do uszu; lub bohater zakrywa uszy
rozbrzmiewające wokół krzyku pokoju i natury. Munch napisał 4 wersje Krzyku i
istnieje wersja, że ​​​​ten obraz jest owocem psychozy maniakalno-depresyjnej,
na jakie cierpiał artysta. Po cyklu leczenia w Klinice Muncha nr
wrócił do pracy na płótnie.

Paul Gauguin „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?" – Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie

1897-1898, olej na płótnie. 139,1 x 374,6 cm

Głęboko filozoficzne malarstwo postimpresjonisty Paula Gauguina było
napisany przez niego na Tahiti, dokąd uciekł z Paryża. Po zakończeniu pracy on
Chciałem nawet popełnić samobójstwo, ponieważ „Wierzę, że to
płótno nie tylko przewyższa wszystkie moje poprzednie, a ja nigdy tego nie robiłem
Stworzę coś lepszego lub nawet podobnego.”

Według samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej - trzy
główne grupy rycin ilustrują pytania postawione w tytule. Trzy
kobieta z dzieckiem reprezentuje początek życia; grupa środkowa
symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w finale
grupa, zdaniem artysty, „stara kobieta zbliżająca się do śmierci,
wydaje się pojednana i oddana swoim myślom” – u jej stóp
„Dziwny biały ptak… reprezentuje daremność słów”.

Pablo Picasso „Guernica” – Muzeum Reina Sofia, Madryt

1937, olej na płótnie. 349 x 776 cm

Ogromny fresk na płótnie „Guernica”, namalowany przez Picassa w 1937 r.,
opowiada o nalocie ochotniczej jednostki Luftwaffe na miasto
Guernica, w wyniku czego sześciotysięczne miasto zostało całkowicie zniszczone
zniszczony. Obraz powstał dosłownie w miesiąc – pierwsze dni pracy
Picasso pracował nad obrazem 10-12 godzin i był już w pierwszych szkicach
widać było główną ideę. To jedna z najlepszych ilustracji koszmaru
faszyzm, a także ludzkie okrucieństwo i żal.

„Guernica” przedstawia sceny śmierci, przemocy, brutalności, cierpienia i
bezradności, bez wskazania ich bezpośrednich przyczyn, choć są one oczywiste.
Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został wezwany do gestapo w Paryżu.
Rozmowa od razu zeszła na temat obrazu. „Czy ty to zrobiłeś?” - „Nie, ty to zrobiłeś”.

Michaił Wrubel „Siedzący demon” – Galeria Trietiakowska, Moskwa

1890, olej na płótnie. 114x211cm

Obraz Michaiła Vrubela zaskakuje wizerunkiem demona. Smutny
długowłosy facet wcale nie przypomina uniwersalnego ludzkiego wyobrażenia
jak powinien wyglądać zły duch. Najwięcej mówił o sobie sam artysta
znany z malarstwa:

„Demon to nie tyle zły duch, ile cierpiący i smutny
w tym wszystkim jest potężny i majestatyczny duch”. To obraz siły ludzkiego ducha,
wewnętrzna walka, wątpliwości. Tragicznie załamując ręce, Demon siedzi z
smutne, wielkie oczy skierowane w dal, otoczone kwiatami.
Kompozycja podkreśla sztywność sylwetki demona, jakby ściśniętego
pomiędzy górną i dolną poprzeczką ramy.

Wasilij Wierieszczagin „Apoteoza wojny” – Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

1871, olej na płótnie. 127x197cm

Vereshchagin jest jednym z głównych rosyjskich malarzy batalistycznych, ale on
Malowałem wojny i bitwy nie dlatego, że je kochałem. Wręcz przeciwnie, próbował
przekazać ludziom swój negatywny stosunek do wojny. Pewnego dnia Wierieszczagin
w gorączce wzruszenia wykrzyknął: „Nie będę już malował obrazów batalistycznych – to wszystko!”
Biorę to co piszę zbyt poważnie, płaczę (dosłownie)
smutek wszystkich rannych i zabitych.” Prawdopodobnie wynik tego wykrzyknika
stał się strasznym i urzekającym obrazem „Apoteoza wojny”, w którym
przedstawia pole, wrony i górę ludzkich czaszek.

Obraz jest zapisany tak głęboko i emocjonalnie, że za każdą czaszką
leżąc na tym stosie, zaczynasz widzieć ludzi, ich losy i losy tych, którzy
nigdy więcej nie zobaczę tych ludzi. Sam Vereshchagin ze smutnym sarkazmem
nazwał płótno „martwą naturą” - przedstawia „martwą naturę”.

Wszystkie szczegóły obrazu, w tym żółty kolor, symbolizują śmierć i
dewastacja. Czyste, błękitne niebo podkreśla martwość obrazu. pomysł
„Apoteozę wojny” wyrażają także blizny po szablach i dziury po kulach
żółwie.

Grant Wood „Amerykański gotyk” – Instytut Sztuki w Chicago, Chicago

1930, olej. 74x62cm

„American Gothic” to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów w
Sztuka amerykańska XX wieku, najsłynniejszy mem artystyczny XX i XXI wieku
wieki.

Obraz z ponurym ojcem i córką jest pełen szczegółów
wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi.
Wściekłe twarze, widły w samym środku obrazu, nawet staromodne
ubranie według standardów z 1930 r., odsłonięte łokcie, szwy na ubraniach chłopskich,
powtarzający się kształt wideł, a zatem groźba skierowana do każdego, kto
wkroczy. Można patrzeć na te wszystkie szczegóły bez końca i wzdrygać się
dyskomfort.

Co ciekawe, sędziowie konkursu w Art Institute of Chicago
postrzegali „gotyk” jako „humoryczną walentynkę”, a mieszkańcy państwa
Mieszkańcy Iowa byli strasznie obrażeni przez Wooda za przedstawienie ich w takim wydaniu
nieprzyjemne światło.

Rene Magritte „Kochankowie” –

1928, olej na płótnie

Obraz „Kochankowie” („Kochankowie”) występuje w dwóch wersjach. NA
na jednym mężczyzna i kobieta, których głowy są owinięte białym prześcieradłem, całują się i wchodzą
drugi - „patrz” na widza. Obraz zaskakuje i fascynuje. Dwa
Za pomocą postaci bez twarzy Magritte przekazał ideę ślepoty miłości. O ślepocie u każdego
znaczenia: kochankowie nikogo nie widzą, nie widzimy ich prawdziwych twarzy, ale
Co więcej, kochankowie są tajemnicą nawet dla siebie nawzajem. Ale w tym
pozorną jasność, nadal przyglądamy się Magritte'owi
kochanków i pomyśl o nich.

Prawie wszystkie obrazy Magritte'a to zagadki, które są całkowicie
nie da się ich rozwiązać, gdyż rodzą pytania o samą istotę istnienia.
Magritte zawsze mówi o oszustwie tego, co widzialne, o tym, co ukryte
tajemnica, której zwykle nie zauważamy.

Marc Chagall „Spacer” – Państwowa Galeria Trietiakowska

1917, olej na płótnie

Zwykle w swoim malarstwie niezwykle poważny, pisał Marc Chagall
zachwycający manifest własnego szczęścia, pełen alegorii i
Miłość. „Spacer” to autoportret z żoną Bellą. Jego ukochana
szybuje po niebie i wygląda, jakby miał wciągnąć stojącego na ziemię Chagalla do lotu
niepewnie, jakby dotykał jej jedynie czubkami butów. W drugiej ręce Chagalla
sikorka - jest szczęśliwy, też ma sikorkę w rękach (prawdopodobnie swoją
malowanie) i ciasto na niebie.

Hieronima Boscha „Ogród rozkoszy ziemskich” – Prado, Hiszpania

1500-1510, drewno, olej. 389 x 220 cm

„Ogród rozkoszy ziemskich” to najsłynniejszy tryptyk Hieronima Boscha,
swoją nazwę wziął od tematu części centralnej, poświęconej grzechowi
zmysłowość. Do tej pory żadna z dostępnych interpretacji
obraz nie jest uznawany za jedyny prawdziwy.

Niezmienny urok i jednocześnie dziwność tryptyku
w ten sposób artysta wyraża główną ideę poprzez różnorodność
Detale. Obraz jest przepełniony przezroczystymi postaciami, fantastyczny
konstrukcje, potwory, halucynacje, które stały się ciałem, piekielne
karykatury rzeczywistości, którym przygląda się jako egzaminator, niezwykle
ostrym spojrzeniem. Niektórzy naukowcy chcieli zobaczyć obraz na tryptyku
życie ludzkie przez pryzmat jego próżności i obrazów ziemskiej miłości, inne -
triumf zmysłowości. Jednak prostota i pewien dystans, z
interpretowane są poszczególne liczby, a także przychylny stosunek do nich
ta praca władz kościelnych zostaje poddana w wątpliwość,
że jego treścią mogłaby być gloryfikacja przyjemności cielesnych.

) w swoich wyrazistych, rozległych pracach potrafiła zachować przezroczystość mgły, lekkość żagla i płynne kołysanie statku na falach.

Jej obrazy zadziwiają głębią, objętością, bogactwem, a fakturą jest taka, że ​​nie sposób oderwać od nich wzroku.

Ciepła prostota Walentina Gubariewa

Artysta prymitywista z Mińska Walentin Gubariew nie goni za sławą i po prostu robi to, co kocha. Jego twórczość jest niezwykle popularna za granicą, ale jego rodakom jest prawie nieznana. W połowie lat 90. Francuzi zakochali się w jego codziennych szkicach i podpisali z artystą kontrakt na 16 lat. Obrazy, które, wydawałoby się, powinny być zrozumiałe tylko dla nas, nosicieli „skromnego uroku nierozwiniętego socjalizmu”, spodobały się europejskiej publiczności, a wystawy rozpoczęły się w Szwajcarii, Niemczech, Wielkiej Brytanii i innych krajach.

Zmysłowy realizm Siergieja Marshennikowa

Siergiej Marshennikow ma 41 lat. Mieszka w Petersburgu i tworzy w najlepszych tradycjach klasycznej rosyjskiej szkoły portretu realistycznego. Bohaterkami jego płócien są kobiety delikatne i bezbronne w swojej półnagości. Wiele z najsłynniejszych obrazów przedstawia muzę i żonę artysty, Natalię.

Krótkowzroczny świat Philipa Barlowa

We współczesnej dobie obrazów o wysokiej rozdzielczości i wzrostu hiperrealizmu twórczość Philipa Barlowa od razu przyciąga uwagę. Wymaga to jednak od widza pewnego wysiłku, aby zmusić się do spojrzenia na rozmyte sylwetki i jasne plamy na płótnach autora. Prawdopodobnie tak właśnie osoby cierpiące na krótkowzroczność postrzegają świat bez okularów i soczewek kontaktowych.

Słoneczne króliczki autorstwa Laurenta Parseliera

Malarstwo Laurenta Parceliera to niesamowity świat, w którym nie ma ani smutku, ani przygnębienia. Nie znajdziesz u niego ponurych i deszczowych zdjęć. W jego płótnach jest dużo światła, powietrza i jasnych kolorów, które artysta stosuje charakterystyczną, rozpoznawalną kreską. Stwarza to wrażenie, że obrazy są utkane z tysiąca promieni słońca.

Dynamika miejska w twórczości Jeremy’ego Manna

Amerykański artysta Jeremy Mann maluje dynamiczne portrety nowoczesnej metropolii w oleju na drewnianych panelach. „Abstrakcyjne kształty, linie, kontrast jasnych i ciemnych plam – wszystko to tworzy obraz, który przywołuje wrażenie, jakiego doświadcza się w tłumie i zgiełku miasta, ale może także wyrazić spokój, jaki można odnaleźć w kontemplacji cichego piękna.” mówi artysta.

Iluzoryczny świat Neila Simona

W obrazach brytyjskiego artysty Neila Simone nic nie jest takie, jakim się wydaje na pierwszy rzut oka. „Dla mnie otaczający mnie świat to seria kruchych i ciągle zmieniających się kształtów, cieni i granic” – mówi Simon. A w jego obrazach wszystko jest naprawdę iluzoryczne i ze sobą powiązane. Granice się zacierają, a historie przenikają się.

Dramat miłosny Josepha Lorasso

Współczesny amerykański artysta Joseph Lorusso, Włoch z urodzenia, przenosi na płótno tematy, które obserwował w codziennym życiu zwykłych ludzi. Uściski i pocałunki, namiętne wybuchy, chwile czułości i pożądania wypełniają jego emocjonalne obrazy.

Życie na wsi Dmitrija Levina

Dmitry Levin to uznany mistrz rosyjskiego krajobrazu, który dał się poznać jako utalentowany przedstawiciel rosyjskiej szkoły realistycznej. Najważniejszym źródłem jego twórczości jest przywiązanie do natury, którą kocha czule i namiętnie i której czuje się częścią.

Jasny Wschód – Walery Błochin

Na Wschodzie wszystko jest inne: inne kolory, inne powietrze, inne wartości życiowe, a rzeczywistość jest bardziej bajeczna niż fikcja - w to wierzy współczesny artysta

Włoscy naukowcy twierdzą, że znaleźli szczątki, które mogą należeć do Lisy del Giocondo. Być może tajemnica Mona Lisy zostanie ujawniona. Na cześć tego przypomnijmy sobie najbardziej tajemnicze obrazy w historii.

1. Gioconda
Pierwszą rzeczą, która przychodzi na myśl, jeśli chodzi o tajemnicze obrazy lub tajemnicze obrazy, jest „Mona Lisa”, namalowana przez Leonarda da Vinci w latach 1503-1505. Gruye napisał, że to zdjęcie może doprowadzić do szaleństwa każdego, kto po wystarczającym obejrzeniu zacznie o nim mówić.
W tym dziele da Vinci jest wiele „tajemnic”. Krytycy sztuki piszą rozprawy na temat pochylenia dłoni Mony Lisy, lekarze stawiają diagnozy (od tego, że Mona Lisa nie ma przednich zębów, po to, że Mona Lisa jest mężczyzną). Istnieje nawet wersja, w której Gioconda jest autoportretem artysty.
Nawiasem mówiąc, obraz zyskał szczególną popularność dopiero w 1911 roku, kiedy został skradziony przez Włocha Vincenzo Peruggio. Znaleźli go na podstawie odcisków palców. Tym samym „Mona Lisa” stała się także pierwszym sukcesem pobierania odcisków palców i ogromnym sukcesem marketingowym na rynku sztuki.

2. Czarny kwadrat


Wszyscy wiedzą, że „Czarny kwadrat” nie jest tak naprawdę czarny, ani nie jest kwadratem. To naprawdę nie jest kwadrat. W katalogu wystawy Malewicz określił go jako „czworokąt”. I naprawdę nie czarny. Artysta nie użył czarnej farby.
Mniej wiadomo, że Malewicz uważał „Czarny kwadrat” za swoje najlepsze dzieło. Kiedy artysta był pochowany, u szczytu trumny stał „Czarny kwadrat” (1923), ciało Malewicza przykryto białym płótnem z wszytym kwadratem, czarny kwadrat namalowano także na wieczku trumny. Nawet pociąg i tył ciężarówki miały czarne kwadraty.

3. Krzycz

Tajemnicze w obrazie „Krzyk” nie leży w tym, że rzekomo wywiera on silny wpływ na ludzi, zmuszając ich niemal do popełnienia samobójstwa, ale w tym, że obraz ten jest w istocie realizmem dla Edvarda Muncha, który w chwili pisania tego arcydzieła cierpiał na depresja maniakalna, psychoza depresyjna. Pamiętał nawet dokładnie, jak widział to, co napisał.
„Szedłem z dwójką przyjaciół ścieżką - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miasto – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałam, drżąc z podniecenia, czując niekończący się płacz przeszywający naturę.”

4. Guernika


Picasso namalował Guernicę w 1937 roku. Obraz poświęcony bombardowaniu miasta Guernica. Mówią, że gdy w 1940 roku Picasso został wezwany do gestapo i zapytany o Guernicę: „Czy ty to zrobiłeś?”, artysta odpowiedział: „Nie, zrobiłeś to”.
Picasso namalował ogromny fresk w nie więcej niż miesiąc, pracując 10-12 godzin dziennie. „Guernica” uważana jest za odzwierciedlenie horroru faszyzmu i nieludzkiego okrucieństwa. Ci, którzy widzieli ten obraz na własne oczy, twierdzą, że wywołuje on niepokój, a czasem panikę.

5. Iwan Groźny i jego syn Iwan


Wszyscy znamy obraz „Iwan Groźny i jego syn Iwan”, zwykle nazywając go „Iwan Groźny zabija swojego syna”.
Tymczasem zamordowanie przez Iwana Wasiljewicza jego spadkobiercy jest faktem bardzo kontrowersyjnym. Tak więc w 1963 r. Otwarto groby Iwana Groźnego i jego syna w Katedrze Archanioła na Kremlu moskiewskim. Badania pozwoliły stwierdzić, że Carewicz Jan został otruty.
Zawartość trucizny w jego szczątkach wielokrotnie przekraczała dopuszczalny limit. Co ciekawe, tę samą truciznę znaleziono w kościach Iwana Wasiljewicza. Naukowcy doszli do wniosku, że rodzina królewska przez kilka dziesięcioleci była ofiarą trucicieli.
Iwan Groźny nie zabił swojego syna. Właśnie tej wersji broni na przykład Naczelny Prokurator Świętego Synodu Konstantin Pobiedonoscew. Widząc na wystawie słynny obraz Repina, oburzył się i napisał do cesarza Aleksandra III: „Obrazu nie można nazwać historycznym, gdyż ten moment… jest po prostu fantastyczny”. Wersja morderstwa została oparta na opowieściach legata papieskiego Antonio Possevino, którego trudno nazwać osobą bezinteresowną.
Kiedyś doszło do prawdziwego zamachu na obraz.
16 stycznia 1913 roku dwudziestodziewięcioletni staroobrzędowy malarz ikon Abram Balashov trzykrotnie dźgnął ją nożem, po czym Ilja Repin musiał praktycznie od nowa zamalować twarze Iwanowów przedstawionych na obrazie. Po zdarzeniu ówczesny kustosz Galerii Trietiakowskiej Chrusłow, dowiedziawszy się o wandalizmie, rzucił się pod pociąg.

6. Ręce mu się opierają


Obraz Billa Stonehama, namalowany w 1972 roku, nie cieszy się, szczerze mówiąc, najlepszą opinią. Z informacji zamieszczonych na E-bayu wynika, że ​​obraz jakiś czas po zakupie znalazł się na wysypisku śmieci. Już pierwszej nocy, gdy obraz znalazł się w domu rodziny, która go znalazła, córka ze łzami w oczach pobiegła do rodziców, skarżąc się, że „dzieci na obrazie się kłócą”.
Od tego czasu obraz cieszy się bardzo złą sławą. Kim Smith, który kupił go w 2000 roku, nieustannie otrzymuje gniewne listy z żądaniem spalenia obrazu. Gazety pisały także, że duchy pojawiają się czasami na wzgórzach Kalifornii, jak dwa groszki w strąku, jak dzieci z obrazu Stonehama.

7. Portret Lopukhiny


Wreszcie „zły obraz” - portret Łopuchiny, namalowany przez Władimira Borowikowskiego w 1797 r., po pewnym czasie zaczął mieć złą reputację. Portret przedstawiał Marię Lopukhinę, która zmarła wkrótce po namalowaniu portretu. Zaczęto mówić, że obraz „odbiera młodość”, a nawet „zabiera do grobu”.
Nie wiadomo na pewno, kto puścił taką plotkę, ale gdy Paweł Tretiakow „odważnie” nabył portret do swojej galerii, rozmowy o „tajemnicy obrazu” ucichły.