Czym jest klasycyzm w literaturze, architekturze i malarstwie. Zabytki rosyjskiego klasycyzmu Klasycyzm jako kierunek artystyczny Dlaczego klasycyzm jest stylem ścisłym

udział

W latach 60. XVIII w. Rosja, podobnie jak inne kraje europejskie, wkroczyła na konsekwentną drogę zmieniających się stylów i trendów w sztuce. Bujny barok został zastąpiony surowym i racjonalnym stylem klasycyzmu. Do tego czasu w społeczeństwie rosyjskim rozwinęły się główne cechy światopoglądu, które przyczyniły się do rozwoju tego stylu: filozofia racjonalistyczna, idea racjonalnej organizacji świata i zainteresowanie starożytnością.

Kolejnym ważnym warunkiem pojawienia się nowego stylu jest utworzenie państwa absolutystycznego, oświeconej monarchii w Rosji.
Zwolniona z przymusowej służby na mocy „Dekret o wolności szlachty” szlachta osiedliła się poza miastem, dzięki czemu rozkwitła rodzaj budynku podmiejskiego. Narasta rodzaj pałacu położony w środku parku. W miastach tej epoki, przede wszystkim w Petersburgu i Moskwie, powstaną wspaniałe kompleksy spotkań państwowych i kulturalnych.
Periodyzacja rosyjskiego klasycyzmu.

1. wczesny klasycyzm - 1760-1780
2. ścisły klasycyzm - 1780-1800
3. wysoki klasycyzm i styl empire - 1800-1840

Architekci to obcokrajowcy, którzy spełnili „kaprys” cesarzowej Katarzyny II, budując klasycystyczne budynki w Petersburgu i na jego przedmieściach:

• Antonio Rinaldi (1709 - 1794)
• Giuseppe Quarenghi (1744 - 1817)
• Vincenzo Brenna (1745-1820)
• J.-B. Wallin-Delamot (1729-1800)
• Georg (Yuri) Felten (1730-1801) i wielu innych

Twórcy rosyjskiego klasycyzmu w Rosji:
V. I. Bazhenov (1738 - 1799)
M.F. Kazakow (1738 - 1812)
TJ. Starow (1748 - 1808)
Na wczesnym etapie rozwoju rosyjskiego klasycyzmu J. Vallin-Delamot i A.F. Kokorinov związany z Akademią Sztuk Pięknych w Petersburgu.
Akademia Sztuk Pięknych w Petersburgu (1764 - 1788)

Akademia zajmuje cały blok nasypu na Wyspie Wasiljewskiej.

W rzucie - wyraźny plac z wpisanym w niego okręgiem - dziedziniec spacerowy.

Na zewnątrz objętość jest wydłużona i spokojna. Bardzo mała kopuła wpuszczona w podstawę. Cztery piętra pogrupowano w pary: 1 i 2 - ciężkie, 3 i 4 - lekkie. Ciekawa jest środkowa część, nawiązująca do czasów baroku: elementy wypukłe i wklęsłe, kolumny i posągi. Ale na samej fasadzie kolumny zastąpiono pilastrami, a same kolumny nie są jeszcze złożone w sześcio- i ośmiokolumnowe portyki z frontonem, ale są rozproszone po całej fasadzie.
W tych samych latach Newa „ubrała się w granit”. Nabrzeże Pałacowe stało się powściągliwe i surowe, w związku z czym konieczna była odpowiednia zmiana kadru Ogrodu Letniego.

W latach 1771-1786 sławny krata Ogrodu Letniego.Architekci - Felten i Egorov.

Felten Jurij Matwiejewicz, artystka Christinek Carl Ludwig

Kolorystyka, podobnie jak w epoce baroku, jest czarno-złota, ale jeśli barokowa krata jest zakrzywiona, jej wzór przypomina żywe pędy zieleni, wykończenie jest wplecione we wzór, to krata Ogrodu Letniego jest wyraźnie geometryczna: pionowe szczyty przecinają prostokątne ramy wydłużone ku górze. Podstawą kraty są cylindryczne, kolumnowe filary ułożone naprzemiennie w określonych odstępach, zakończone doniczkami.
Architekt Antonio Rinaldi zbudował Pałac Marmurowy w Petersburgu, 1768-1785).

Architekt zdecydował, że Pałac Marmurowy będzie przyciągał uwagę nie tylko swoją wielkością, szlachetnością kształtów i proporcji, ale także pięknem kamiennych okładzin wykonanych z ukochanych przez niego rosyjskich marmurów, wydobywanych w kamieniołomach w pobliżu jezior Ładoga i Onega. Szlachetne siarkowe pasmo Pałacu Marmurowego z różowym kolorem pilastrów doskonale komponuje się z ołowianymi wodami Newy, na której nabrzeżu stoi.

V. I. Bazhenov (1735 - 1799)

Bazhenow Wasilij Iwanowicz

Bazhenov, syn biednego psalmisty, który przybył do Moskwy jako uczeń malarza, wstąpił do szkoły uchtomskiej, ukończył gimnazjum na Uniwersytecie Moskiewskim, a następnie Akademię Sztuk Pięknych w Petersburgu. Emerytowana Akademia wysłany za granicę, gdzie stał się przedmiotem tworzenia projektów i modeli obiektów architektonicznych profesor akademii rzymskiej, następnie bolońskiej i florenckiej Wrócił do ojczyzny, gdzie czekały go trudności.

Chevakinsky, Kokorinov, Delamotte i Rastrelli wykładali w Akademii Bazhenov. Spośród tych nauczycieli jedynie Delamotte stał na stanowiskach klasycyzmu.
Za granicą zetknął się z rozwiniętym klasycyzmem. W 1767 r. Bazhenov został wysłany z Petersburga do Moskwy, gdzie spędził 25 lat. Była to era przebudowy rosyjskich miast w duchu współczesności. To właśnie w tych latach Bazhenov wymyślił swój wspaniały projekt Wielkiego Pałacu Kremlowskiego w Moskwie z przebudową zasadniczo całego zespołu kremlowskiego.

Katarzyna II, wstępując na tron, udawała oświeconą cesarzową. Popierała ideę przekształcenia Kremla w starożytne Forum Romanum, miejsce wyrażania woli ludu. Trwało to aż do powstania Pugaczowa, po którym Bazhenov musiał ograniczyć całą pracę. Zachowały się jedynie rysunki i projekt, ale one też wywarły ogromny wpływ na całą rosyjską architekturę. Wśród współpracowników Bażenowa byli Kazakow i inni moskiewscy architekci. Nawet w modelu stworzonym przez Bażenowa Pałac oddziałuje na wyobraźnię: są tu fasady o imponującej długości, albo biegnące w linii prostej, albo zaginające się wokół wzgórza Kremla, oraz wspaniałe kolumnady na bardzo wysokich boniowanych cokołach. Najważniejsze jednak, że Pałac został pomyślany jako centrum placu, na którym architekt miał zaaranżować budynki Kolegiów, Arsenału, Teatru i trybuny do spotkań publicznych. W ten sposób miały zostać wyraźnie ucieleśnione idee obywatelstwa, modele Rzymu i Aten. Śmierć tego pomysłu była pierwszą tragedią architekta.
W tym czasie w Europie w sztuce jest trochę zamiłowanie do gotyku- zwiastun epoki romantyzmu. Bazhenov również tu trafił. Jego zadaniem jest uczynić gotyk nie zabawką – hobby, ale głębokim, oryginalnym kierunkiem, którego istotą jest poczucie starożytności. To czerwono-biały wystrój moskiewskich wież Bażenow nazwał rosyjskim gotykiem. W ten sposób powstał pomysł Kompleks Carycyno (1795 - 1785).

Katarzyna kupiła majątek carycyński od Kantemira, majątek znajdował się na wysokim, stromym brzegu stawu.
Biały kamień dekoracyjny i czerwona cegła to tradycyjne rosyjskie kolory. To właśnie w tym zakresie zdecydowano się na kompleks. Łuki ostrołukowe, figuralne otwory okienne, portale wejściowe, cienkie kolumny, rozwidlone blanki – wszystkie te detale są przekształcane przez architekturę mistrza. Udało mu się je dostrzec w architekturze Kremla. Ale w kompleksie carskim kryje się wiele tajemnic, związanych przede wszystkim z symbolami masońskimi, które bogato zdobią ściany budynków. To lub coś innego stało się przyczyną niezadowolenia cesarzowej, ale po wizycie na budowie Katarzyna zapytała: „Co to jest: pałac czy więzienie?” Los kompleksu został przesądzony. Został częściowo przebudowany później przez Kazakowa. Ale praca nad kompleksem Carycyno również nie poszła na marne dla Kazakowa. Budując Pałac Pietrowski przy autostradzie petersburskiej, Kazakow zaprojektuje go w stylu Carycyna Bażenowa.
Najsłynniejszą budowlą Bażenowa jest dom Paszkowa w Moskwie na Wzgórzu Wagankowskim naprzeciw Kremla (1784 - 1786)

Uderzający swoją siłą, oryginalnością, perfekcją wykonania, budynek ten jest prawdziwą ozdobą Moskwy. Fasada zwrócona była w stronę ulicy, usytuowana z tyłu na wzniesieniu i oddzielona od ulicy niewielkim ogródkiem (było to zupełnie nowe rozwiązanie). Wejście i dziedziniec domu znajdują się na odwrotnej stronie i są otwarte uroczystymi bramami. Na uwagę zasługuje balustrada z wazonami, ozdoba, pilastry układu porządkowego, boniowanie z arkadami piwnicy. Bogato zdobiona okrągła kopuła ze sparowanymi kolumnami jest piękna. W architekturze skrzydeł bocznych widoczne są wpływy tradycji antycznej: zaprojektowano je w formie portyku z frontonem.
Rozwiązania zamawiania dla różnych pięter, budynków gospodarczych i budynku głównego są zróżnicowane. Przeplatanie się barokowej malowniczości i klasycznej surowości czyni tę budowlę wyjątkowo piękną.
Inne zabudowania Bażenowa: cerkiew na wsi Stojanów i na wsi Bykowo, we wsiach Winogradow, Michałków.

Kościół Matki Bożej Włodzimierskiej w Bykowie pod Moskwą

wspaniały Dom Juszczkowa na rogu ulicy Myasnickiej w Moskwie: oryginalna jest półkolista rotunda zwrócona w stronę ulicy.

W 19-stym wieku ten budynek będzie zlokalizowany Szkoła Malarstwa, Rzeźby i Architektury, co będzie miało ogromny wpływ na sztukę rosyjską. Paweł I znalazł emerytowanego architekta, a Bazhenov wziął udział w pracach nad Zamkiem Michajłowskim w Petersburgu. Zaprojektował skrzydła wejściowe od ulicy Sadowej. Paweł podarował architektowi posiadłość Glazovo pod Pawłowskiem, gdzie architekt zmarł w roku narodzin Puszkina. Jego grób zaginął.
M.F. Kazakow (1738 - 1812)

Kazakow Matwiej Fiodorowicz

Najjaśniejszy przedstawiciel idei moskiewskiego klasycyzmu . Uczył się tylko w szkole Uchtomskiego, pracował jako asystent Bazhenova przy budowie kompleksu Kremla, gdzie przeszedł doskonałą szkołę u wielkiego architekta. Kazakow nie ukończył ani Akademii, ani Uniwersytetu, ale później sam założył pierwszą szkołę architektoniczną.
Największe budynki Kazakowa:

Budynek Senatu na Kremlu (1776 - 1787)

Kościół metropolity Filipa (1777 - 1788)

Budynek Zgromadzenia Szlachetnego (lata 80.)

Szpital Golicyn (1796 - 1801)

Stary budynek uniwersytetu (spalony)

Pałac wejściowy Pietrowskiego przy autostradzie w Petersburgu.

W sumie Kazakow zbudował około 100 budynków.

Budynek Senatu na Kremlu
Trójkątna bryła wpisuje się w zespół istniejących już budynków Kremla.

Szczytem trójkąta stała się okrągła sala z ogromną kopułą (o średnicy 24 metrów i wysokości 28 metrów). Kopuła zwrócona jest w stronę Placu Czerwonego, wyznaczając środek całego placu. Rozciągnięta fasada jest równomiernie rozcięta dużymi detalami porządku. Portal zdobiony jest w formie portyku z podwójnymi kolumnami i trójkątnym frontonem. Połączenie portyku z frontonem i okrągłą kopułą stanie się tradycyjne dla rosyjskiego klasycyzmu.
Szpital Golicyn (Pierwsza Gradska) przy ulicy Kałużskiej.

Budynek szpitala i kościół są ze sobą połączone. Boczne skrzydła budowli nie są w żaden sposób obrobione, a pośrodku znajduje się potężna kolumnada porządku doryckiego, trójkątny fronton, nad którym wznosi się bęben kopuły kościoła.

W budynku Zgromadzenia Szlachetnego (Zgromadzenie Szlachetne) najbardziej oryginalna jest Sala Kolumnowa. Jest szeroki i wysoki. To jest główne pomieszczenie wnętrza. Wygląd sali wyznacza kolumnada koryncka, powtarzająca zarysy sali. Podkreśla centralną przestrzeń przeznaczoną na bale i przyjęcia. Kolumny wykonane są ze sztucznego białego marmuru, który mieni się bielą. Dzięki temu sala nabiera radosnego charakteru.
Pałac Pietrowski

W rozwiązaniu tego pałacu Kozacy ucieleśnili swoje poszukiwania w stylu mauretańsko-gotyckim, zapoczątkowane przez Bazhenova. O wyglądzie tej budowli decyduje czerwony kolor cegieł i biały wystrój w stylu orientalnym.
Nazwisko M.F. Kazakowa jest silnie kojarzone z klasyczną Moskwą, ponieważ to właśnie jego najlepsze budowle stworzyły wizerunek miasta epoki Katarzyny - arystokratycznej, „przedogniowej”.

Do najsłynniejszych posiadłości kozackich należał dom bogatego hodowcy Iwana Demidowa przy ulicy Gorochowej, w którym zachowała się wspaniała złocona rzeźba wnętrz frontowych, dom hodowcy M.I. Gubina na Pietrowce, majątek Barysznikowa na Myasnickiej.

Osiedle miejskie Kazakovskaya - duży, masywny, prawie pozbawiony dekoracji budynek z kolumnowym portykiem- dom dominujący nad resztą budynków gospodarczych i budynków gospodarczych. Zwykle znajdował się w głębi rozległego dziedzińca, z widokiem na budynki gospodarcze i płoty czerwona linia ulicy.

I. E. Starow (1745 - 1808)

Wraz z Bażenowem Iwan Starow przyjechał do Petersburga z Moskwy do akademii. Podążając za Bażenowem, udał się do Włoch. Potem wrócił i pracował w Petersburgu.
Była to era „złotego wieku” szlachty. Upadła idea monarchii reprezentacyjnej, a coraz większego znaczenia nabiera budowa wiejskich posiadłości, pałaców i rezydencji.
Najbardziej znaną budowlą Starowa jest Pałac Taurydów przy ulicy Szpalernaya w Petersburgu (1783 - 1789).

Typ budynku mieszkalnego składającego się z trzech pawilonów. Składa się z budynku głównego i skrzydeł bocznych. Schemat ten stanie się podstawą budowy instytucji edukacyjnych i pałaców królewskich z czasów klasycyzmu.
Fasada pałacu jest surowa i surowa. Prosta kolumnada dorycka z sześciokolumnowym portykiem (kolumny bez fletów), portyk zwieńczony jest kopułą, metopy są puste. Ta surowość kontrastuje z luksusem wnętrza.
Z prostokątnego przedsionka poprzez uroczyste „bramy” widz przedostał się do ośmiokątnej sali, następnie do zorientowanej poprzecznie ogromnej galerii o zaokrąglonych końcach, empory otoczonej podwójnym rzędem kolumn. Za pałacem znajdował się ogród.

Katedra Świętej Trójcy w Ławrze Aleksandra Newskiego

Jednokopułowa świątynia z dwiema dwupoziomowymi dzwonnicami została zaprojektowana w formach wczesnego klasycyzmu. Wewnętrzna przestrzeń katedry, na planie krzyża, podzielona jest na trzy nawy masywnymi pylonami podtrzymującymi sklepienia. Katedra zwieńczona jest kopułą na wysokim bębnie. Na całość kompozycji składają się dwie monumentalne dzwonnice wznoszące się po bokach loggii głównego wejścia, ozdobione portykiem złożonym z 6 kolumn. Porządek rzymsko-dorycki. Elewacje wykończone są pilastrami i płytkimi panelami.

Katedra Księcia Włodzimierza

Pod kierunkiem architekta I. E. Starowa, który wprowadził zmiany w projekcie fasady odbudowano świątynię. 1 października 1789 na cześć poświęcono nową katedręŚwięty Książę Włodzimierz .

Świątynia - zabytek architektury w stylu przejściowym od baroku do klasycyzmu. Główną bryłę katedry zwieńcza potężna pięciokopuła, wnętrze podzielone jest pylonami na trzy nawy, ściany przecięte są pilastrami Porządek dorycki .
Architektura końca XVIII wieku w Rosji.
Pod koniec XVIII wieku klasycyzm pozostał dominującym stylem w architekturze rosyjskiej. W tym czasie powstał ścisły klasycyzm, którego najjaśniejszym przedstawicielem był Giacomo Quarenghi.
Giacomo Quarenghi (1744 - 1817)

Do Rosji przybył w latach 80. W ojczyźnie, we Włoszech, Quarenghi był fanem rzymskiej starożytności, idei miejskich rezydencji i posiadłości prywatnych. Quarenghi działał nie tylko jako twórca niezwykłych dzieł architektonicznych, ale także jako teoretyk architektury.

Jego główne zasady są następujące:
1. Trzyczęściowy schemat budynku mieszkalnego lub administracyjnego obejmuje budynek centralny i dwie symetryczne budynki gospodarcze, połączone z budynkiem centralnym krużgankami prostymi lub zaokrąglonymi.
2. Budynek centralny oznaczony portykiem. Taki jest gmach Akademii Nauk w Petersburgu, zbudowany przez Quarenghi, nowy gmach Instytutu Szlachetnych Dziewic – Instytutu Smolnego obok starego klasztoru Rastrelliego.

Akademia Nauk

Instytut Smolnego

3. Budynek jest równoległościanem, najczęściej trzykondygnacyjnym.

4. Nie ma bogato zdobionych kompozycji narożnych, granice elewacji to proste narożniki, krawędzie bryły są gładkie, niezdobione płaszczyzny, okna prostokątne lub trzyczęściowe, otwory okienne bez obramień, czasem zwieńczone ścisłymi trójkątnymi frontonami - sandriks .

5. Na tle gładkiej, czystej powierzchni - portyk dużego lub gigantycznego porządku, obejmujący całą wysokość budynku. Wygląda na jedyną ozdobę. Portyk zwieńczony jest frontonem, którego skrajne punkty akcentują niekiedy pionowe posągi.

6. Kolumny zdecydowanie odsunięto od ściany, aby uzyskać duże przejście i płynnie wznoszącą się do niego rampę.

7. Kolumny pozbawione są rowków, siła uderzenia jest zwiększona. Czasami kolumnada jest samowystarczalna. To kolumnada Pałacu Aleksandra w Carskim Siole

Quarenghi wdrożył te zasady w swoich budynkach w mieście i okolicach.
Vincenzo Brenna (1745-1820)

Dekorator i architekt, z pochodzenia Włoch. W Rosji pracował w latach 1783-1802. Brał udział w budowie i dekoracji pałaców w Pawłowsku i Gatczynie (Wielki Pałac Gatczyny), Zamku Michajłowskiego w Petersburgu (wraz z V. I. Bażenowem). Był architektem obelisku Rumiancewa na Polu Marsowym, obecnie na Wyspie Wasiljewskiej.

Zamek Michajłowski (Inżynieryjny).

Zamek w rzucie ma kształt kwadratu o zaokrąglonych narożnikach, wewnątrz którego wpisany jest centralny ośmiokątny dziedziniec frontowy. Główne wejście do zamku znajduje się od południa. Budynek z placem przed nim łączyły trzy skośne mosty. Nad przekopem otaczającym plac Connetable przerzucono drewniany most zwodzony, pośrodku którego znajdował się pomnik Piotra I, po obu stronach którego znajdowały się działa. Za pomnikiem znajduje się fosa i trzy mosty, przy czym most środkowy przeznaczony był wyłącznie dla rodziny cesarskiej i ambasadorów zagranicznych i prowadził do głównego wejścia. „Cesarz rosyjski, myśląc o jego budowie, wyszedł od przyjętego w stolicach europejskich schematu budowy prostokątnego zamku z prostokątnym dziedzińcem i okrągłymi narożnymi wieżami”
Karol Cameron (1740 - 1812)

W 1779 został zaproszony do Rosji. Cameron wiedział, jak połączyć architekturę i naturę, harmonię całości i miniaturowy szczegół. Zademonstrował się w budownictwie podmiejskim, tworzeniu zespołów pałacowych, małych pawilonów oraz w sztuce wyposażenia wnętrz.
W Carskim Siole do powstałego już pałacu Rastrelliego dodaje zespół tzw. Galeria Cameron, Pokoje Agatowe, Wiszący Ogród, która prowadzi do specjalnej rampy o dużej długości, zimne kąpiele na pierwszym piętrze. Wszystko to razem tworzy zakątek starożytności na rosyjskiej ziemi, oazę inspiracji dla wyrafinowanej, oświeconej natury.

W oddali Galeria Cameron i Pokoje Agate

W budynku Galerii Cameron ciekawe są szeroko rozstawione cienkie kolumny porządku jońskiego, które nadają niezwykłej lekkości szczytowi, wzniesionemu na ciężkich arkadach, wyłożonym szarym kamieniem pudoskim. Podstawą obrazu jest kontrast szorstkiej powierzchni okładziny i blado bladego odcienia ścian, białych paneli (cienkie deski w ramie) i medalionów - kontrast siły i kruchości. We wnętrzu Wielkiego Pałacu Cameron jako pierwszy zastosował w Rosji porządek grecki, który obowiązywał już w XIX wieku.

Drugą stroną działalności Camerona jest Zespół Pawłowskiego.

Pałac ma kształt kwadratu z okrągłą salą pośrodku, galerie zajmują przestrzeń dziedzińca. Pałac położony jest na wysokim wzgórzu nad rzeką Sławianką. Quarenghi wziął za podstawę powszechny typ włoskiej willi z płaską kopułą, ale przemyślał ten pomysł w duchu rosyjskiej wiejskiej posiadłości. Pałac powstał wraz z parkiem angielskim. Przez park przepływają powolne wody rzeki Sławianki. Mosty przerzucono przez rzekę. Wzdłuż brzegów pochylają się ciemne korony wierzb, brzegi porastają trzciny. Gatunki liściaste i iglaste tworzą nową gamę barw o każdej porze roku, a specjalne miejsca dają miejsce dla różnorodnych gatunków. Rzeźby z marmuru i brązu zdobiące park, szereg wspaniałych pawilonów, wśród których szczególne miejsce zajmują „Świątynia Przyjaźni” i pawilon „Trzy Gracje”.

Świątynia Przyjaźni

Treść artykułu

KLASYCYZM, jedna z najważniejszych dziedzin sztuki przeszłości, styl artystyczny oparty na estetyce normatywnej, wymagający ścisłego przestrzegania szeregu zasad, kanonów, jedności. Zasady klasycyzmu mają ogromne znaczenie jako środek do zapewnienia głównego celu - oświecenia i pouczenia społeczeństwa, odwołując się do wzniosłych przykładów. Estetyka klasycyzmu odzwierciedlała dążenie do idealizacji rzeczywistości, poprzez odrzucenie obrazu rzeczywistości złożonej i wieloaspektowej. W sztuce teatralnej kierunek ten ugruntował się w twórczości przede wszystkim autorów francuskich: Corneille'a, Racine'a, Voltaire'a, Molière'a. Klasycyzm wywarł wielki wpływ na rosyjski teatr narodowy (A.P. Sumarokov, V.A. Ozerov, D.I. Fonvizin i inni).

Historyczne korzenie klasycyzmu.

Historia klasycyzmu rozpoczyna się w Europie Zachodniej pod koniec XVI wieku. W XVII wieku osiąga swój najwyższy rozwój, związany z rozkwitem monarchii absolutnej Ludwika XIV we Francji i najwyższym rozkwitem sztuki teatralnej w kraju. Klasycyzm nadal owocnie istnieje w XVIII - początkach XIX wieku, dopóki nie został zastąpiony sentymentalizmem i romantyzmem.

Jako system artystyczny, klasycyzm ostatecznie ukształtował się w XVII wieku, choć samo pojęcie klasycyzmu narodziło się później, w XIX wieku, kiedy wypowiedziano mu nieprzejednaną wojnę romantyczną.

„Klasycyzm” (od łacińskiego „classicus”, czyli „wzorowy”) zakładał trwałe ukierunkowanie nowej sztuki na modę antyczną, co wcale nie oznaczało prostego kopiowania wzorców antycznych. Klasycyzm kontynuuje koncepcje estetyczne renesansu, które były zorientowane na starożytność.

Studiując poetykę Arystotelesa i praktykę teatru greckiego, klasycy francuscy zaproponowali w swoich dziełach zasady konstrukcji, oparte na podstawach racjonalistycznego myślenia XVII wieku. Przede wszystkim jest to ścisłe przestrzeganie praw gatunku, podział na gatunki wyższe - odę, tragedię, epicką i niższe - komedię, satyrę.

Prawa klasycyzmu najbardziej charakterystycznie wyraziły się w zasadach konstruowania tragedii. Od autora spektaklu wymagano przede wszystkim, aby fabuła tragedii, a także namiętności bohaterów były wiarygodne. Ale klasycyści mają własne rozumienie wiarygodności: nie tylko podobieństwo tego, co jest przedstawiane na scenie z rzeczywistością, ale zgodność tego, co się dzieje, z wymogami rozumu, z pewną normą moralną i etyczną.

Koncepcja rozsądnej przewagi obowiązku nad ludzkimi uczuciami i namiętnościami stanowi podstawę estetyki klasycyzmu, która znacznie różni się od koncepcji bohatera przyjętej w okresie renesansu, kiedy proklamowano całkowitą wolność jednostki, a człowieka uznawano za „korona wszechświata”. Jednak bieg wydarzeń historycznych obalił te idee. Przytłoczony namiętnościami człowiek nie mógł się zdecydować, znaleźć wsparcia. I tylko służąc społeczeństwu, jednemu państwu, monarcha, który ucieleśniał siłę i jedność swojego państwa, mógł człowiek wyrazić siebie, utwierdzić się, nawet za cenę porzucenia własnych uczuć. Tragiczne zderzenie zrodziło się na fali kolosalnego napięcia: żarliwa namiętność zderzyła się z nieubłaganym obowiązkiem (w przeciwieństwie do greckiej tragedii o fatalnym przeznaczeniu, kiedy wola człowieka okazała się bezsilna). W tragediach klasycyzmu rozum i wola odgrywały decydującą rolę i tłumiły spontaniczne, słabo kontrolowane uczucia.

Bohater tragedii klasycyzmu.

Klasycyści prawdziwość charakterów bohaterów widzieli w ścisłym podporządkowaniu wewnętrznej logice. Jedność charakteru bohatera jest najważniejszym warunkiem estetyki klasycyzmu. Podsumowując prawa tego kierunku, francuski autor N. Boileau-Depreo w swoim traktacie poetyckim sztuka poetycka, roszczenia:

Niech Twój bohater będzie dokładnie przemyślany,

Niech zawsze będzie sobą.

Jednostronność, wewnętrzna statyka bohatera nie wyklucza jednak manifestacji żywych ludzkich uczuć z jego strony. Ale w różnych gatunkach uczucia te manifestują się na różne sposoby, ściśle według wybranej skali - tragicznej lub komicznej. N. Boileau tak mówi o bohaterze tragicznym:

Bohater, w którym wszystko jest małe, nadaje się tylko do powieści,

Niech będzie odważny, szlachetny,

Ale mimo to bez słabości nie jest miły dla nikogo ...

Płacze z urazy - przydatny szczegół,

Abyśmy uwierzyli w jego prawdziwość...

Abyśmy ukoronowali Cię entuzjastyczną pochwałą,

Powinniśmy być podekscytowani i wzruszeni Twoim bohaterem.

Od niegodnych uczuć uwolnij go

I nawet w słabościach jest potężny i szlachetny.

Ujawnienie charakteru ludzkiego w rozumieniu klasycystów oznacza ukazanie natury działania namiętności wiecznych, niezmienionej w swojej istocie, ich wpływie na losy ludzi.

Podstawowe zasady klasycyzmu.

Zarówno gatunki wysokie, jak i niskie miały obowiązek pouczać publiczność, podnosić jej moralność, oświecać uczucia. W tragedii teatr uczył widza odporności w walce o życie, przykład pozytywnego bohatera służył za wzór moralnego postępowania. Bohaterem był z reguły król lub postać mitologiczna. Konflikt między obowiązkiem a pasją lub egoistycznymi pragnieniami koniecznie został rozwiązany na korzyść obowiązku, nawet jeśli bohater zginął w nierównej walce.

W XVII wieku Dominowała koncepcja, że ​​dopiero służąc państwu człowiek nabywa możliwość samoafirmacji. Rozkwit klasycyzmu nastąpił w wyniku zapewnienia władzy absolutnej we Francji, a później w Rosji.

Najważniejsze normy klasycyzmu – jedność działania, miejsca i czasu – wynikają z omówionych powyżej przesłanek merytorycznych. Aby dokładniej przekazać ideę widzowi i wzbudzić bezinteresowne uczucia, autor nie musiał niczego komplikować. Główna intryga powinna być na tyle prosta, aby nie dezorientować widza i nie pozbawiać obrazu integralności. Zapotrzebowanie na jedność czasu było ściśle powiązane z jednością działania, a w tragedii nie wydarzyło się wiele różnorodnych wydarzeń. Jedność miejsca była również interpretowana na różne sposoby. Może to być przestrzeń jednego pałacu, jednego pokoju, jednego miasta, a nawet odległość, jaką bohater jest w stanie pokonać w ciągu dwudziestu czterech godzin. Szczególnie odważni reformatorzy postanowili rozciągnąć akcję na trzydzieści godzin. Tragedia musi mieć pięć aktów i być napisana wierszem aleksandryjskim (jambiczny sześć stóp).

Bardziej ekscytuje to, co widzialne, niż historię,

Ale to, co może być tolerowane przez ucho, czasami nie może być tolerowane przez oko.

Autorski.

Szczytem klasycyzmu w tragedii były dzieła francuskich poetów P. Corneille'a ( Sid,Horacy, nycomedes), którego nazywano ojcem francuskiej tragedii klasycznej i J. Racine’a ( Andromacha,Ifigenia,Fedra,Atalia). Autorzy ci swoją twórczością wywołali za życia burzliwą dyskusję na temat niepełnego przestrzegania zasad regulowanych przez klasycyzm, ale być może to właśnie dygresje uczyniły nieśmiertelnymi dzieła Corneille'a i Racine'a. O francuskim klasycyzmie w jego najlepszych przykładach A.I. Herzen napisał: „...świat, który ma swoje granice, swoje ograniczenia, ale ma też swoją siłę, energię i wielki wdzięk…”.

Tragedia jako demonstracja normy moralnej walki człowieka w procesie samoafirmacji jednostki i komedia jako obraz odchylenia od normy, ukazujący absurdalne, a przez to śmieszne aspekty życia – to dwa bieguny artystycznego rozumienia świata w teatrze klasycyzmu.

O drugim biegunie klasycyzmu, komedii, N. Boileau pisał:

Jeśli chcesz stać się sławny w komedii,

Wybierz naturę jako swojego nauczyciela...

Poznaj mieszczan, studiuj dworzan;

Pomiędzy nimi świadomie szukaj postaci.

W komediach wymagane było przestrzeganie tych samych kanonów. W hierarchicznie uporządkowanym systemie gatunków dramatycznych klasycyzmu komedia zajęła miejsce gatunku niskiego, będącego antypodem tragedii. Adresowany był do tej sfery ludzkich przejawów, w której funkcjonowały sytuacje zredukowane, królował świat życia codziennego, interes własny, przywary ludzkie i społeczne. Komedie J.B. Moliera są szczytem komedii klasycyzmu.

O ile komedia przedMolierowska miała przede wszystkim bawić widza, wprowadzając go w elegancki, salonowy styl, o tyle komedia Moliera, wciągająca karnawałowe i śmiechowe początki, zawierała jednocześnie prawdę życiową i typową autentyczność bohaterów. Jednak teoretyk klasycyzmu N. Boileau, oddając hołd wielkiemu francuskiemu komediantowi jako twórcy „wysokiej komedii”, jednocześnie zarzucał mu zwrócenie się do tradycji farsowych i karnawałowych. Praktyka nieśmiertelnych klasyków ponownie okazała się szersza i bogatsza od teorii. W przeciwnym razie Moliere jest wierny prawom klasycyzmu - postać bohatera z reguły skupia się na jednej pasji. Encyklopedysta Denis Diderot przypisał Molierowi skąpy I Tartuffe dramaturg „odtworzył całą podłość i złośliwość świata. Wyrażone są tu najczęściej spotykane, najbardziej charakterystyczne cechy, jednak nie jest to portret żadnej z nich, zatem żaden z nich nie rozpoznaje siebie. Z punktu widzenia realistów postać taka jest jednostronna, pozbawiona objętości. Porównując dzieła Moliera i Szekspira, A.S. Puszkin napisał: „Środek Moliera jest podły i nic więcej; u Szekspira Shylock jest skąpy, bystry, mściwy, kochający dzieci i dowcipny.

Dla Moliera istota komedii polegała przede wszystkim na krytyce społecznie szkodliwych przywar i optymistycznej wierze w triumf ludzkiego rozumu ( Tartuffe,Skąpy,Mizantrop,Georgesa Dandena).

Klasycyzm w Rosji.

W okresie swojego istnienia klasycyzm ewoluował od etapu dworsko-arystokratycznego, reprezentowanego przez twórczość Corneille'a i Racine'a, do okresu oświecenia, wzbogaconego już praktyką sentymentalizmu (Voltaire). Nowy odłam klasycyzmu, rewolucyjny klasycyzm, nastąpił w okresie Rewolucji Francuskiej. Kierunek ten najwyraźniej został wyrażony w twórczości F.M. Talmy, a także wielkiej francuskiej aktorki E. Rachel.

Za twórcę kanonu rosyjskiej klasycznej tragedii i komedii uważa się A.P. Sumarokowa. Częste wizyty na przedstawieniach europejskich zespołów, które koncertowały w stolicy w latach trzydziestych XVIII wieku, przyczyniły się do ukształtowania gustu estetycznego Sumarokowa, jego zainteresowania teatrem. Dramatyczne przeżycie Sumarokowa nie było bezpośrednim naśladownictwem francuskich wzorców. Postrzeganie przez Sumarokowa doświadczenia dramatu europejskiego nastąpiło w momencie, gdy we Francji klasycyzm wszedł w ostatnią, pouczającą fazę swego rozwoju. Sumarokow poszedł w zasadzie za Wolterem. Bezgranicznie oddany teatrowi Sumarokow położył podwaliny pod repertuar rosyjskiej sceny XVIII wieku, tworząc pierwsze próbki wiodących gatunków rosyjskiej klasycznej dramaturgii. Napisał dziewięć tragedii i dwanaście komedii. Prawa klasycyzmu przestrzega także komedia Sumarokowa. „Śmiać się bez powodu to dar podłej duszy” – powiedział Sumarokow. Stał się twórcą społecznej komedii obyczajowej, z jej wrodzonym moralizującym dydaktyzmem.

Szczytem rosyjskiego klasycyzmu jest dzieło D.I. Fonvizina ( Brygadier,runo), twórca prawdziwie oryginalnej komedii narodowej, który położył podwaliny pod realizm krytyczny w tym systemie.

Szkoła teatralna klasycyzmu.

Jednym z powodów popularności gatunku komedii jest bliższy związek z życiem niż w tragedii. „Wybierz naturę na swojego mentora” – instruuje autora komedii N. Boileau. Zatem kanon scenicznego ucieleśnienia tragedii i komedii w ramach systemu artystycznego klasycyzmu jest tak odmienny, jak same te gatunki.

W tragedii, ukazującej wzniosłe uczucia i namiętności oraz afirmującej idealnego bohatera, przyjęto odpowiednie środki wyrazu. Jest to piękna, uroczysta poza, jak na obrazie lub rzeźbie; powiększone, idealnie wypełnione gesty przedstawiające uogólnione wysokie uczucia: miłość, pasja, nienawiść, cierpienie, triumf itp. Wysublimowanej plastyczności odpowiadała melodyjna recytacja, perkusyjne akcenty. Jednak strony zewnętrzne nie powinny przesłaniać, zdaniem teoretyków i praktyków klasycyzmu, strony treściowej, ukazującej zderzenie myśli i namiętności bohaterów tragedii. W okresie rozkwitu klasycyzmu na scenie miała miejsce zbieżność zewnętrznej formy i treści. Kiedy przyszedł kryzys tego systemu, okazało się, że w ramach klasycyzmu nie da się pokazać życia człowieka w całej jego złożoności. I na scenie zacisnął się pewien stempel, skłaniający aktora do zamrożonych gestów, postaw, zimnej recytacji.

W Rosji, gdzie klasycyzm pojawił się znacznie później niż w Europie, pozornie formalne klisze zdezaktualizowały się znacznie szybciej. Wraz z rozkwitem teatru „gestów”, recytacji i „śpiewu” kierunek aktywnie się umacnia, wzywając do słów realistycznego aktora Szczepkina – „brać próbki z życia”.

Ostatni przypływ zainteresowania tragedią klasycyzmu na scenie rosyjskiej nastąpił podczas Wojny Ojczyźnianej w 1812 roku. Dramaturg W. Ozerow stworzył na ten temat szereg tragedii, wykorzystując wątki mitologiczne. Odnieśli sukces dzięki zgodności z nowoczesnością, odzwierciedlającej kolosalny patriotyczny rozkwit społeczeństwa, a także dzięki błyskotliwej grze tragicznych aktorów petersburskiego E.A. Semenowej i A.S. Jakowlewa.

W przyszłości teatr rosyjski skupił się głównie na komedii, wzbogacając ją o elementy realizmu, pogłębiając postacie, poszerzając zakres normatywnej estetyki klasycyzmu. Wspaniała komedia realistyczna A.S. Gribojedowa zrodziła się z wnętrzności klasycyzmu Biada Witowi (1824).

Ekaterina Judina

Propyleje autorstwa bawarskiego architekta Leo von Klenze (1784-1864) - za podstawę przyjmuje się ateński Partenon. Jest to brama wjazdowa na plac Königsplatz, zaprojektowana na wzór antyczny. Königsplatz, Monachium, Bawaria.

Klasycyzm zaczyna swoje liczenia od XVI wieku w renesansie, częściowo powraca do XVII wieku, aktywnie rozwija się i zdobywa pozycje w architekturze w XVIII i na początku XIX wieku. Od wczesnego do późnego klasycyzmu dominujące pozycje zajmował styl barokowy i rokokowy. Powrót do tradycji antycznych, jako wzorca idealnego, nastąpił na tle zmiany filozofii społeczeństwa, a także możliwości technicznych. Pomimo tego, że pojawienie się klasycyzmu wiąże się ze znaleziskami archeologicznymi, których dokonano we Włoszech, a zabytki starożytności znajdowały się głównie w Rzymie, główne procesy polityczne w XVIII wieku toczyły się głównie we Francji i Anglii. Wzrosły tu wpływy burżuazji, której podstawą ideologiczną była filozofia oświecenia, co doprowadziło do poszukiwania stylu odzwierciedlającego ideały nowej klasy. Starożytne formy i organizacja przestrzeni odpowiadały wyobrażeniom mieszczańskim o porządku i prawidłowej strukturze świata, co przyczyniło się do pojawienia się cech klasycyzmu w architekturze. Ideologicznym mentorem nowego stylu był Winckelmann, piszący w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XVIII wieku. prace „Myśli o naśladowaniu sztuki greckiej” i „Historia sztuki starożytnej”. Mówił w nich o sztuce greckiej, przepełnionej szlachetną prostotą, spokojnym majestatem, a jego wizja stała się podstawą podziwu dla starożytnego piękna. Europejski pedagog Gotthold Ephraim Lessing (Lessing. 1729-1781) ugruntował postawę wobec klasycyzmu, pisząc dzieło „Laokoon” (1766), które uważali za barok i rokoko. Sprzeciwiali się także akademickiemu klasycyzmowi, który dominował w renesansie. Ich zdaniem architektura epoki klasycyzmu, zgodna z duchem antyku, nie powinna polegać na prostym powtórzeniu starożytnych wzorców, ale zostać wypełniona nowymi treściami, oddającymi ducha czasu. Zatem cechy klasycyzmu w architekturze XVIII-XIX wieku. polegało na wykorzystaniu starożytnych systemów kształtowania w architekturze jako sposobu wyrażania światopoglądu nowej klasy burżuazji i jednocześnie wspierania absolutyzmu monarchii. W rezultacie Francja w okresie napoleońskim znalazła się w czołówce rozwoju architektury klasycystycznej. Następnie - Niemcy i Anglia, a także Rosja. Rzym stał się jednym z głównych teoretycznych ośrodków klasycyzmu.

Rezydencja królów w Monachium. Rezydencja Monachium. Architekt Leo von Klenze.

Filozofia architektury epoki klasycyzmu została poparta badaniami archeologicznymi, odkryciami z zakresu rozwoju i kultury starożytnych cywilizacji. Wyniki wykopalisk, utrwalone w pracach naukowych, albumach ze zdjęciami, położyły podwaliny pod styl, którego zwolennicy uważali starożytność za szczyt doskonałości, wzór piękna.

Cechy klasycyzmu w architekturze

W historii sztuki termin „klasyczny” oznacza kulturę starożytnych Greków IV-VI wieku. PNE. W szerszym znaczeniu określa się nim sztukę starożytnej Grecji i starożytnego Rzymu. Cechy klasycyzmu w architekturze czerpią swoje motywy z tradycji antyku, czego uosobieniem była fasada świątyni greckiej lub budowli rzymskiej z portykiem, kolumnadami, trójkątnym frontonem, przedzieleniem ścian pilastrami, gzymsami – elementami systemu zamówień. Elewacje zdobią girlandy, urny, rozety, palmety i meandry, koraliki i joniki. Plany i elewacje są symetryczne w stosunku do wejścia głównego. W kolorystyce elewacji dominuje jasna paleta, natomiast kolor biały służy skupieniu uwagi na elementach architektonicznych: kolumnach, portykach itp., które podkreślają tektonikę budynku.

Pałac Taurydów. Petersburg. Architekt I. Starow. Lata 80. XVIII wieku

Cechy charakterystyczne klasycyzmu w architekturze: harmonia, porządek i prostota form, geometrycznie poprawne bryły; rytm; zrównoważony układ, wyraźne i spokojne proporcje; wykorzystanie elementów porządku architektury starożytnej: portyków, kolumnad, posągów i płaskorzeźb na powierzchni ścian. Cechą klasycyzmu w architekturze różnych krajów było połączenie tradycji starożytnych i narodowych.

Londyńska rezydencja Osterleya to klasycystyczny park. Łączy w sobie tradycyjny dla starożytności system porządkowy z echami gotyku, który Brytyjczycy uważali za styl narodowy. Architekt Robert Adam. Początek budowy – 1761 rok

Architektura epoki klasycyzmu opierała się na normach ujętych w ścisły system, co umożliwiało budowanie według rysunków i opisów znanych architektów nie tylko w centrum, ale także na prowincji, gdzie miejscowi rzemieślnicy nabywali grawerowane kopie wzorowe projekty stworzone przez wielkich mistrzów i budowane domy według nich. . Marina Kalabukhova

Klasycyzm to nurt artystyczny i architektoniczny w kulturze światowej XVII-XIX wieku, gdzie estetyczne ideały starożytności stały się wzorem do naśladowania i przewodnikiem twórczym. Trend ten, wywodzący się z Europy, aktywnie wpłynął także na rozwój rosyjskiej urbanistyki. Powstała wówczas klasyczna architektura słusznie uważana jest za skarb narodowy.

Tło historyczne

• Jako styl architektoniczny, klasyczny powstał w XVII wieku we Francji i jednocześnie w Anglii, w naturalny sposób kontynuując wartości kulturowe renesansu.

W krajach tych zaobserwowano powstanie i rozkwit ustroju monarchicznego, wartości starożytnej Grecji i Rzymu postrzegano jako przykład idealnego ustroju państwowego i harmonijnego współdziałania człowieka i przyrody. Idea rozsądnego urządzenia świata przeniknęła do wszystkich sfer społeczeństwa.

• Drugi etap rozwoju kierunku klasycznego datuje się na XVIII wiek, kiedy filozofia racjonalizmu stała się motywem zwrotu ku tradycjom historycznym.

W epoce Oświecenia śpiewano ideę logiki wszechświata i przestrzegania ścisłych kanonów. Zamiast nadmiernej pompatyczności i nadmiaru dekoracyjnego baroku i rokoka, do głosu doszły klasyczne tradycje w architekturze: prostota, klarowność, rygor.

• Za teoretyka stylu uważany jest włoski architekt Andrea Palladio (inna nazwa klasycyzmu to „palladianizm”).

Pod koniec XVI wieku szczegółowo opisał zasady starożytnego porządku porządkowego i modułowej konstrukcji budynków oraz zastosował je w praktyce przy budowie miejskich pałaców i wiejskich willi. Charakterystycznym przykładem matematycznej precyzji proporcji jest Willa Rotunda, ozdobiona portykami jońskimi.

Klasycyzm: cechy stylu

W wyglądzie budynków łatwo rozpoznać oznaki stylu klasycznego:

• przejrzyste rozwiązania przestrzenne,
• ścisłe formy,
• lakoniczne wykończenie zewnętrzne,
• miękkie kolory.

Jeśli mistrzowie baroku woleli pracować z trójwymiarowymi iluzjami, które często zniekształcały proporcje, to dominowały tu jasne perspektywy. Nawet zespoły parkowe z tej epoki wykonywano w regularnym stylu, kiedy trawniki miały prawidłowy kształt, a krzewy i stawy ustawiono w liniach prostych.

• Jedną z głównych cech klasycyzmu w architekturze jest odwołanie się do antycznego porządku.

W tłumaczeniu z łaciny ordo oznacza „porządek, porządek”, terminem tym określano proporcje starożytnych świątyń pomiędzy częścią nośną i nośną: kolumnami i belkowaniem (górnym stropem).

Do klasyków architektury greckiej doszły trzy porządki: dorycki, joński, koryncki. Różniły się stosunkiem i wielkością podstawy, kapiteli, fryzu. Zakony toskańskie i złożone zostały odziedziczone po Rzymianach.

Elementy architektury klasycznej

• Porządek stał się wiodącą cechą klasycyzmu w architekturze. Ale jeśli w renesansie starożytny porządek i portyk pełniły rolę prostej dekoracji stylistycznej, teraz znów stały się konstruktywną podstawą, jak w budownictwie starożytnej Grecji.
• Symetryczna kompozycja to obowiązkowy element klasyki w architekturze, ściśle związany z porządkiem. Realizowane projekty domów prywatnych i budynków użyteczności publicznej były symetryczne względem osi centralnej, tę samą symetrię prześledzono w każdym poszczególnym fragmencie.
• Zasada złotego podziału (wzorowy stosunek wysokości do szerokości) wyznaczała harmonijne proporcje budynków.
• Wiodące techniki zdobnicze: dekoracje w postaci płaskorzeźb z medalionami, sztukatorskie ozdoby roślinne, otwory łukowe, gzymsy okienne, greckie posągi na dachach. Aby podkreślić śnieżnobiałe elementy dekoracyjne, kolorystykę dekoracji wybrano w jasnych pastelowych odcieniach.
• Cechą architektury klasycznej jest projektowanie ścian zgodnie z zasadą podziału porządku na trzy poziome części: dolna to cokół, pośrodku pole główne, a górna belkowanie. Gzymsy nad każdą kondygnacją, fryzy okienne, opaski o różnych kształtach, a także pionowe pilastry stworzyły malowniczą płaskorzeźbę elewacji.
• Projekt głównego wejścia uwzględniał marmurowe schody, kolumnady, frontony z płaskorzeźbami.

Rodzaje architektury klasycznej: cechy narodowe

Starożytne kanony, odrodzone w epoce klasycyzmu, były postrzegane jako najwyższy ideał piękna i racjonalności wszechrzeczy. Dlatego też nowa estetyka rygoru i symetrii, wypierająca barokową pompatyczność, szeroko przeniknęła nie tylko do sfery budownictwa prywatnego, ale także do skali całej urbanistyki. Europejscy architekci byli pod tym względem pionierami.

Klasycyzm angielski

Twórczość Palladia wywarła silny wpływ na zasady architektury klasycznej w Wielkiej Brytanii, w szczególności na dzieła wybitnego angielskiego mistrza Inigo Jonesa. W pierwszej tercji XVII w. stworzył Dom Królowej („Dom Królowej”), w którym zastosował podziały porządkowe i wyważone proporcje. Z jego imieniem związana jest także budowa pierwszego placu w stolicy, prowadzona według regularnego planu, Covent Garden.

Inny angielski architekt Christopher Wren przeszedł do historii jako twórca katedry św. Pawła, gdzie zastosował symetryczną kompozycję porządkową z dwupoziomowym portykiem, dwiema bocznymi wieżami i kopułą.

Podczas budowy prywatnych mieszkań miejskich i podmiejskich angielski klasycyzm w architekturze wprowadził do mody palladiańskie rezydencje - zwarte trzypiętrowe budynki o prostych i przejrzystych formach.

Pierwsze piętro obszyto boniowanym kamieniem, drugie piętro uznano za główne – połączono je z górnym (mieszkalnym) piętrem dużym porządkiem elewacji.

Cechy klasycyzmu w architekturze Francji

Rozkwit pierwszego okresu klasyki francuskiej przypadł na drugą połowę XVII wieku za panowania Ludwika XIV. Idee absolutyzmu jako rozsądnej organizacji państwa przejawiały się w architekturze z racjonalnymi kompozycjami porządkowymi i przekształcaniem otaczającego krajobrazu zgodnie z zasadami geometrii.

Do najważniejszych wydarzeń tego okresu należy wzniesienie wschodniej fasady Luwru z ogromną dwupiętrową galerią oraz utworzenie zespołu architektoniczno-parkowego w Wersalu.

W XVIII wieku rozwój architektury francuskiej przeszedł pod znakiem rokoka, jednak już w połowie stulecia jej pretensjonalne formy ustąpiły miejsca surowej i prostej klasyce zarówno w architekturze miejskiej, jak i prywatnej. Zabudowę średniowieczną zastępuje plan uwzględniający zadania infrastruktury, rozmieszczenie budynków przemysłowych. Budynki mieszkalne budowane są na zasadzie budynków wielokondygnacyjnych.

Porządek jest postrzegany nie jako dekoracja budynku, ale jako jednostka konstrukcyjna: jeśli kolumna nie przenosi obciążenia, jest zbędna. Przykładem cech architektonicznych klasycyzmu we Francji tego okresu jest kościół św. Genowefy (Panteon) zaprojektowany przez Jacques'a Germaina Souflo. Jego kompozycja jest logiczna, części i całość są wyważone, rysunek linii koralików jest wyraźny. Mistrz starał się dokładnie odtworzyć szczegóły sztuki starożytnej.

Rosyjski klasycyzm w architekturze

Rozwój klasycznego stylu architektonicznego w Rosji przypadł na panowanie Katarzyny II. We wczesnych latach elementy antyku nadal mieszają się z wystrojem barokowym, jednak spychają je na dalszy plan. W projektach Zh.B. Wallen-Delamot, A.F. Kokorinowa i Yu.M. Feltena barokowy szyk ustępuje dominującej roli logiki porządku greckiego.

Cechą klasyki rosyjskiej architektury późnego (ścisłego) okresu było ostateczne odejście od dziedzictwa barokowego. Kierunek ten powstał w 1780 r. i jest reprezentowany przez dzieła C. Camerona, V. I. Bazhenova, I. E. Starova, D. Quarenghi.

Szybko rozwijająca się gospodarka kraju przyczyniła się do szybkiej zmiany stylów. Rozwijał się handel krajowy i zagraniczny, otwierano akademie i instytuty, sklepy przemysłowe. Zaistniała potrzeba szybkiej budowy nowych budynków: pensjonatów, terenów targowych, giełd, banków, szpitali, pensjonatów, bibliotek.

W tych warunkach celowo bujne i złożone formy baroku ukazały swoje wady: długi czas trwania prac budowlanych, wysokie koszty i potrzebę przyciągnięcia imponującej kadry wykwalifikowanych rzemieślników.

Klasycyzm w architekturze rosyjskiej, ze swoimi logicznymi i prostymi rozwiązaniami kompozycyjnymi i zdobniczymi, był skuteczną odpowiedzią na potrzeby gospodarcze epoki.

Przykłady rodzimych klasyków architektury

Pałac Tauride - projekt I.E. Starow, zrealizowany w latach 80. XVIII wieku, jest żywym przykładem kierunku klasycyzmu w architekturze. Skromna fasada utrzymana jest w wyraźnych monumentalnych formach, uwagę przyciąga toskański portyk o surowym designie.

Wielki wkład w architekturę obu stolic wniósł V.I. Bazhenov, twórca Domu Paszków w Moskwie (1784-1786) i projektu Zamku Michajłowskiego (1797-1800) w Petersburgu.

Pałac Aleksandra D. Quarenghi (1792-1796) przyciągnął uwagę współczesnych połączeniem niemal pozbawionych dekoracji ścian i majestatycznej kolumnady, wykonanej w dwóch rzędach.

Korpus Kadetów Marynarki Wojennej (1796-1798) F.I. Wołkow jest przykładem wzorowej konstrukcji budynków o charakterze koszarowym według zasad klasycyzmu.

Cechy architektoniczne klasyki późnego okresu

Etap przejścia od stylu klasycyzmu w architekturze do stylu empire nazywany jest etapem Aleksandrowa od imienia cesarza Aleksandra I. Projekty powstałe w latach 1800-1812 mają charakterystyczne cechy:

• zaakcentowana antyczna stylistyka
• monumentalność obrazów
• przewaga porządku doryckiego (bez nadmiernej dekoracji)

Wybitne projekty tego czasu:

• kompozycja architektoniczna Mierzei Wyspy Wasiljewskiej autorstwa Toma de Thomona z Giełdą Papierów Wartościowych i Kolumnami Rostralnymi,
• Instytut Górnictwa na nabrzeżu Newy A. Woronikhin,
• budynek Głównej Admiralicji A. Zacharowa.

Klasyka we współczesnej architekturze

Epokę klasycyzmu nazywa się złotym wiekiem majątków. Rosyjska szlachta aktywnie zaangażowała się w budowę nowych majątków ziemskich i przebudowę przestarzałych rezydencji. Co więcej, zmiany dotknęły nie tylko budynki, ale także krajobraz, ucieleśniając idee teoretyków sztuki ogrodnictwa krajobrazowego.

Pod tym względem współczesne klasyczne formy architektoniczne, jako ucieleśnienie dziedzictwa przodków, są silnie kojarzone z symboliką: to nie tylko stylistyczne nawiązanie do starożytności, z podkreślonym przepychem i powagą, zestawem technik zdobniczych, ale także znak wysokiego statusu społecznego właściciela dworu.

Nowoczesne projekty domów klasycznych - subtelne połączenie tradycji z aktualnymi rozwiązaniami konstrukcyjnymi i projektowymi.

Autorzy: N. T. Pakhsaryan (dzieła ogólne, literatura), T. G. Yurchenko (literatura: klasycyzm w Rosji), A. I. Kaplun (architektura i sztuki piękne), Yu. K. Zołotow (architektura i sztuki piękne: europejskie sztuki piękne), E. I. Gorfunkel (teatr) ), P. V. Lutsker (muzyka)Autorzy: N. T. Pakhsaryan (Dzieła ogólne, Literatura), T. G. Yurchenko (Literatura: Klasycyzm w Rosji), A. I. Kaplun (Architektura i sztuki piękne); >>

KLASYCYZM (od łac. classicus - wzorowy), styl i sztuka. kierunek w literaturze, architekturze i sztuce 17 - wczesny. XIX wiek K. jest sukcesywnie kojarzony z epoką renesans; zajmował obok baroku ważne miejsce w kulturze XVII wieku; kontynuował swój rozwój w okresie Oświecenia. Powstanie i rozpowszechnienie k. wiąże się z umocnieniem monarchii absolutnej, z wpływem filozofii R. Kartezjusza, z rozwojem nauk ścisłych. W sercu racjonalizmu estetyka K. - pragnienie równowagi, przejrzystości, logiki sztuki. wyrażenia (w dużej mierze zaczerpnięte z estetyki renesansu); wiara w istnienie czegoś uniwersalnego i wiecznego, niepodlegającego historycznemu. zmiany przepisów art. kreatywność, którą interpretuje się jako umiejętność, zręczność, a nie przejaw spontanicznej inspiracji czy wyrażania siebie.

Postrzegając ideę twórczości wywodzącą się od Arystotelesa jako naśladownictwo natury, klasycyści rozumieli naturę jako idealną normę, która znalazła już ucieleśnienie w dziełach starożytnych mistrzów i pisarzy: orientacja na „piękną naturę”, przekształcane i porządkowane zgodnie z niezmiennymi prawami sztuki, zakładało zatem naśladownictwo antycznych wzorców, a nawet konkurowanie z nimi. Rozwijanie idei sztuki jako racjonalnej działalności opartej na odwiecznych kategoriach „piękny”, „właściwy” itp., K. bardziej niż inni artyści. kierunki przyczyniły się do powstania estetyki jako uogólniającej nauki o pięknie.

Centrum. koncepcja K. – wiarygodności – nie oznaczała dokładnego odwzorowania empirycznego. rzeczywistość: świat jest odtwarzany nie takim, jaki jest, ale takim, jaki powinien być. Preferowanie normy powszechnej jako „należnej” wszystkiemu prywatnemu, przypadkowemu i konkretnemu odpowiada ideologii państwa absolutystycznego wyrażonej przez K., w której wszystko, co osobiste i prywatne, podlega niepodważalnej woli państwa. moc. Klasycysta portretował nie konkretną, pojedynczą osobowość, ale osobę abstrakcyjną w sytuacji uniwersalnej, ahistorycznej. konflikt moralny; stąd orientacja klasycystów na mitologię starożytną jako ucieleśnienie uniwersalnej wiedzy o świecie i człowieku. Etyczny ideał K. zakłada z jednej strony podporządkowanie tego, co osobiste, temu, co wspólne, namiętności - obowiązku, rozumu, oporu wobec zmienności życia; z drugiej - powściągliwość w okazywaniu uczuć, zgodność z miarą, stosowność, umiejętność zadowalania.

K. ściśle podporządkował twórczość regułom hierarchii gatunkowej. Wyróżniono gatunki „wysokie” (na przykład epos, tragedia, oda - w literaturze; gatunek historyczny, religijny, mitologiczny, portret - w malarstwie) i „niskie” (satyra, komedia, bajka; martwa natura w malarstwie), które odpowiadały do określonego stylu, zakresu tematów i postaci; nakazano jasne rozgraniczenie tego, co tragiczne i komiczne, wzniosłe i podłe, heroiczne i przyziemne.

Od Ser. 18 wiek K. był stopniowo zastępowany przez nowe nurty - sentymentalizm , przedromantyzm, romantyzm. Tradycje K. in con. 19 - błagam. XX wiek zmartwychwstali w neoklasycyzm .

Terminu „klasycyzm”, który nawiązuje do pojęcia klasyków (wzorowych pisarzy), po raz pierwszy użył Włoch w 1818 roku. krytyk G. Visconti. Było ono powszechnie stosowane w polemikach klasyków i romantyków, a wśród romantyków (J. de Stael, V. Hugo i in.) miało wydźwięk negatywny: klasycyzm i klasyka naśladująca starożytność przeciwstawiała się nowatorstwu. romantyzm. literatura W krytyce literackiej i historii sztuki pojęcie „K.” zaczęto aktywnie wykorzystywać po pracach naukowców szkoła kulturalno-historyczna i G. Wölfflina.

Stylistyczny tendencje podobne do tych z XVII i XVIII wieku dostrzegają niektórzy uczeni także w innych epokach; w tym przypadku pojęcie „K.” jest interpretowane w rozwinięciu. sensie, oznaczającym stylistykę. stała, okresowo aktualizowana na podstawie rozkładu. etapy historii sztuki i literatury (na przykład „starożytny K.”, „Renesans K.”).

Literatura

Początki lit. K. - w poetyce normatywnej (Yu. Ts. Scaliger, L. Castelvetro i in.) oraz w języku włoskim. literatury XVI wieku, w której stworzono system gatunkowy, skorelowany z systemem stylów językowych i zorientowany na próbki antyczne. Największy rozkwit K. kojarzony jest z Francuzami. Lit-Roy XVII w. Założycielem poetyki K. był F. Malerbe, który dokonał regulacji lit. język oparty na żywej mowie potocznej; przeprowadzoną przez niego reformę ugruntował Franz. akademia. W najpełniejszej formie zasady lit. K. zostały zarysowane w traktacie „Sztuka poetycka” N. Boileau (1674), który uogólnił artystę. praktyki jego współczesnych.

Pisarze klasyczni postrzegają literaturę jako ważną misję przekładania na słowa i przekazywania czytelnikowi wymagań natury i rozumu, jako sposób „nauczania przez zabawę”. Lit-ra K. dąży do jasnego wyrażenia istotnej myśli, znaczenia („...znaczenie zawsze żyje w mojej twórczości” – F. von Logau), rezygnuje ze stylistyki. wyrafinowanie, retoryka biżuteria. Klasycyści woleli lakonizm, metaforyzm od gadatliwości. złożoność - prostota i przejrzystość, ekstrawagancja - przyzwoitość. Kierowanie się ustalonymi normami nie oznaczało jednak, że klasycyści propagowali pedanterię i ignorowali rolę artysty. intuicja. Chociaż zasady zostały przedstawione klasycystom jako sposób na zachowanie kreatywności. wolność w granicach rozumu, rozumieli wagę intuicyjnego wglądu, wybaczając talentowi odstępstwa od zasad, jeśli jest to właściwe i efektywne artystycznie.

Charaktery bohaterów K. zbudowane są na przydzieleniu jednej cechy dominującej, co przyczynia się do ich przekształcenia w uniwersalne typy uniwersalne. Ulubionymi kolizjami są zderzenie obowiązku i uczuć, walka rozumu i namiętności. W centrum twórczości klasycystów – heroicznej. osobowości, a jednocześnie dobrze wychowanego człowieka, który ze stoickim spokojem stara się przezwyciężyć swoje. namiętności i afekty, okiełznać je lub przynajmniej urzeczywistnić (jak bohaterowie tragedii J. Racine’a). Kartezjusz „Myślę, więc istnieję” pełni w postawie bohaterów K. rolę nie tylko filozoficzno-intelektualną, ale także etyczną. zasada.

Na podstawie lit. teorie K. – hierarchiczne. system gatunkowy; analityczny hodowla dla różnych dzieł, nawet artystycznych. światy, bohaterowie „wysocy” i „niscy”, a to łączy się z chęcią uszlachetnienia gatunków „niskich”; na przykład pozbądź się satyry szorstkiej burleski, komedii - farsy („wysoka komedia” Molière).

Ch. miejsce w literaturze K. zajął dramat oparty na zasadzie trzech jedności (por. Teoria trzech jedności). Jej gatunkiem wiodącym stała się tragedia, której największym osiągnięciem są dzieła P. Corneille’a i J. Racine’a; w pierwszym tragedia staje się heroiczna, w drugim liryczna. postać. Dr. Gatunki „wysokie” odgrywają w literaturze znacznie mniejszą rolę. proces (nieudane doświadczenie J. Chaplina w gatunku poematu epickiego zostało następnie sparodiowane przez Woltera; uroczyste ody napisali F. Malherbe i N. Boileau). Znaczy jednocześnie. rozwijają się gatunki „niskie”: bohaterski wiersz i satyra (M. Renier, Boileau), bajka (J. de La Fontaine), komedia. Kultywowane są małe gatunki dydaktyczne. proza ​​– aforyzmy (maksymy), „postacie” (B. Pascal, F. de La Rochefoucauld, J. de La Bruyère); proza ​​oratorska (J. B. Bossuet). Choć teoria K. nie włączała powieści do systemu gatunków godnych poważnej krytyki. zrozumienie, psychologia arcydzieło M. M. Lafayette „Księżniczka Kleve” (1678) uważane jest za przykład klasycyzmu. powieść.

w kon. XVII wiek nastąpił spadek. K., ale archeologiczne. zainteresowanie starożytnością w XVIII wieku, wykopaliska w Herkulanum, Pompeje, powstanie I.I. Winkelmanna idealny obraz Greka starożytność jako „szlachetna prostota i spokojna wielkość” przyczyniła się do jej nowego wzrostu w Oświeceniu. Ch. Voltaire był przedstawicielem nowego C., w którego twórczości racjonalizm, kult rozumu służyły uzasadnieniu nie norm absolutystycznej państwowości, ale prawa jednostki do wolności od roszczeń kościoła i państwa. Oświecenie K., aktywnie współdziałając z innymi świeci. trendów epoki, nie opiera się na „zasadach”, ale raczej na „oświeconym guście” społeczeństwa. Odwoływanie się do starożytności staje się sposobem na wyrażenie bohaterstwa Franciszka. rewolucje XVIII w w poezji A. Cheniera.

we Francji w XVII w. K. wyrósł na artystę potężnego i konsekwentnego. system, wywarł zauważalny wpływ na literaturę baroku. W Niemczech poezja powstała jako świadomy wysiłek kulturowy mający na celu stworzenie „poprawnej” i „doskonałej” literatury poetyckiej, godnej innych literatur europejskich. szkoła (M. Opitz), wręcz przeciwnie, zagłuszono barok, którego styl bardziej przypominał tragiczny. epoka wojny trzydziestoletniej; spóźniona próba IK Gottscheda w latach 30. – 40. XVIII wieku. Wyślij mu. lit-ru wzdłuż ścieżki klasycznej. kanony wywołały ostre kontrowersje i zostały powszechnie odrzucone. Niezależny. estetyka zjawisko jest Klasycyzm weimarski J. W. Goethe i F. Schiller. W Wielkiej Brytanii wczesny K. kojarzony jest z twórczością J. Drydena; jego dalszy rozwój przebiegał w duchu Oświecenia (A. Pope, S. Johnson). Oszukiwać. XVII wiek K. we Włoszech istniał równolegle z rokokiem, a czasem się z nim splatał (np. W twórczości poetów Arkadii - A. Zeno, P. Metastasio, P. Ya. Martello, S. Maffei); Kulturę oświeceniową reprezentuje twórczość V. Alfieriego.

W Rosji k. powstała w latach 30.-1750. XVIII w. pod wpływem Europy Zachodniej. K. i idee Oświecenia; wyraźnie jednak widać związek z barokiem. Wyróżnić. cechy języka rosyjskiego K. - wyraźny dydaktyzm, oskarżycielski, społecznie krytyczny. orientacja narodowo-patriotyczna. patos, poleganie na nar. kreatywność. Jedna z pierwszych zasad K. w języku rosyjskim. ziemię przeniósł A. D. Kantemir. W swoich satyrach podążał za N. Boileau, ale tworząc uogólnione obrazy ludzkich przywar, dostosował je do ojczyzny. rzeczywistość. Kantemir wprowadzony na język rosyjski. lit-ru nowe wiersze. gatunki: transkrypcje psalmów, bajek, bohaterstwa. wiersz („Petris”, nieukończony). Pierwszy przykład klasyka odę pochwalną stworzył V.K. Trediakowski(„Uroczysta oda o kapitulacji miasta Gdańska”, 1734), która towarzyszyła jej teoretycznym. „Rozumowanie o odie w ogóle” (zarówno jedno, jak i drugie - za Boileau). Wpływ poetyki barokowej zaznaczył się w odach M. V. Łomonosowa. Najbardziej kompletny i spójny rosyjski. K. reprezentuje dzieło A. P. Sumarokowa. Omówienie głównych pozycja klasyka doktryny napisanej na wzór traktatu Boileau „List o poezji” (1747), Sumarokow starał się naśladować je w swoich dziełach: tragedie skupione na twórczości Francuzów. klasycyści z XVII w. i dramaturgię Woltera, ale przekształconą w preim. do wydarzeń narodowych historia; częściowo - w komediach, dla których wzorem było dzieło Moliera; w satyrach, a także bajkach, które przyniosły mu chwałę „północnego Lafontaine”. Opracował także gatunek pieśni, o którym Boileau nie wspomniał, ale sam Sumarokov umieścił go na liście poezji. gatunki. Do czasu kon. 18 wiek klasyfikacja gatunków zaproponowana przez Łomonosowa we wstępie do dzieł zebranych z 1757 r. - „O przydatności ksiąg kościelnych w języku rosyjskim”, która korelowała teoria trzech stylów z określonymi gatunkami, łącząc heroiczność z wysokim „spokojem”. wiersz, oda, uroczyste przemówienia; ze środkiem - tragedia, satyra, elegia, ekloga; z niską - komedią, piosenką, fraszką. Przykład poematu heroicznego stworzył V. I. Maikov („Elizeusz, czyli zirytowany Bachus”, 1771). Pierwszy ukończony bohaterski „Rossiyada” M. M. Kheraskowa (1779) stała się epopeją. w kon. 18 wiek klasyczne zasady. dramaturgia przejawiła się w twórczości N. P. Nikolewa, Ya. B. Knyazhnina, V. V. Kapnista. Na przełomie XVIII i XIX w. K. jest stopniowo zastępowana przez nowe trendy w lit. rozwój związany z przedromantyzmem i sentymentalizmem, ale przez pewien czas zachowuje swój wpływ. Jej tradycje sięgają lat 1800–20 XX wieku. w twórczości poetów Radishcheva (A. Kh. Vostokov, I. P. Pnin, V. V. Popugaev), w dosł. krytyka (A. F. Merzlyakov), literacka i estetyczna. stylistyka programowa i gatunkowa. praktyka poetów dekabrystów, we wczesnym dziele A. S. Puszkina.

Architektura i sztuki piękne

K. trendy w Europie. Pozew został nakreślony już na drugim piętrze. 16 wiek we Włoszech - w arch. teoria i praktyka A. Palladio, teoria. traktaty G. da Vignola, S. Serlio; bardziej konsekwentnie – w pismach J. P. Belloriego (XVII w.), a także w estetyce. standardy akademickie Szkoła bolońska. Jednak w XVII w K., który rozwinął się w ostrej polemice. interakcja z barokiem, tylko w języku francuskim. artystyczny kultura rozwinęła się w spójny system stylistyczny. Prem. we Francji powstał także K. 18 - wcześnie. XIX w., który stał się stylem paneuropejskim (ten ostatni w historii sztuki zagranicznej często nazywany jest neoklasycyzmem). Zasady racjonalizmu leżące u podstaw estetyki K. determinowały pogląd artysty. dzieło jako owoc rozumu i logiki, triumfujący nad chaosem i płynnością zmysłowo postrzeganego życia. Orientacja na rozsądny początek, na trwałe wzorce, określiła wymagania normatywne estetyki K., regulację artysty. zasady, ścisła hierarchia gatunków w przedstawieniu. art-ve („gatunek „wysoki” obejmuje dzieła o tematyce mitologicznej i historycznej, a także „pejzaż idealny” i portret ceremonialny; gatunek „niski” obejmuje martwą naturę, gatunek codzienny itp.). Konsolidacja części teoretycznej Doktrynę K. propagowała działalność założonych w Paryżu akademii królewskich – malarstwa i rzeźby (1648) oraz architektury (1671).

Architektura K., w przeciwieństwie do baroku z jego dramatyzmem. konflikt form, energetyczne oddziaływanie bryły i środowiska przestrzennego, opiera się na zasadzie harmonii i wewnętrznej. ukończenie jako osobne dzieło budynki i zespół. Cechami charakterystycznymi tego stylu jest dążenie do przejrzystości i jedności całości, symetria i równowaga, pewność plastyczności. formy i interwały przestrzenne tworzące spokojny i uroczysty rytm; system proporcjonalności oparty na wielokrotnych stosunkach liczb całkowitych (pojedynczy moduł określający wzorce kształtowania). Ciągłe odwoływanie się mistrzów K. do dziedzictwa architektury starożytnej oznaczało nie tylko wykorzystywanie jej przedziwności. motywów i elementów, ale także zrozumienie ogólnych praw jej architektury. Podstawa architektury. stał się język K porządek architektoniczny, proporcje i formy bliższe starożytności niż w architekturze poprzednich epok; w budynkach stosowany jest w taki sposób, aby nie przysłaniał ogólnej konstrukcji budynku, lecz stanowił jego subtelny i powściągliwy dodatek. Wnętrza K. cechuje wyrazistość podziałów przestrzennych, miękkość barw. Szeroko stosując efekty perspektywiczne w malarstwie monumentalnym i dekoracyjnym, mistrzowie K. zasadniczo oddzielili przestrzeń iluzoryczną od realnej.

Ważne miejsce w architekturze Kazachstanu zajmują problemy urbanistyka. Rozwijane są projekty „miast idealnych”, powstaje nowy typ regularnej absolutystycznej rezydencji miejskiej (Wersal). K. stara się kontynuować tradycje antyku i renesansu, opierając swoje decyzje na zasadzie proporcjonalności do człowieka i jednocześnie skali, jaką nadaje architekt. obraz heroicznie optymistycznego dźwięku. I chociaż retoryka przepych wystroju pałacu kłóci się z tym dominującym nurtem, stabilna struktura figuratywna K. zachowuje jedność stylu, niezależnie od tego, jak różnorodne były jego modyfikacje w procesie rozwoju historycznego. rozwój.

Formacja K. w języku francuskim. architektura kojarzona jest z twórczością J. Lemerciera i F. Mansarta. Wygląd budynków i budowli. przyjęcia z początku przypominają architekturę zamków z XVI w.; zdecydowany zwrot nastąpił w twórczości L. Levo – przede wszystkim w powstaniu zespołu pałacowo-parkowego Vaux-le-Viscount, z uroczystą amfiladą samego pałacu, imponującymi malowidłami ściennymi C. Lebruna i najbardziej charakterystyczną ekspresją nowych zasad – regularny park parterowy A. Le Nôtre’a. Wschód stał się produktem programowym architektury K. fasada Luwru, realizowana (od lat 60. XVII w.) według planu C. Perraulta (charakterystyczne jest odrzucenie projektów J. L. Berniniego i innych w stylu barokowym). W latach sześćdziesiątych XVII wieku L. Levo, A. Lenotre i C. Lebrun zaczęli tworzyć zespół Wersalu, w którym idee K. wyrażają się ze szczególną kompletnością. Od 1678 budową Wersalu kierował J. Hardouin-Mansart; według jego projektów pałac znacznie powiększono (dodano skrzydła), centrum. taras zamieniono na Galerię Lustrzaną – najbardziej reprezentacyjną część wnętrza. Zbudował także Pałac Grand Trianon i inne budowle. Zespół Wersalski charakteryzuje się rzadką stylistyką. integralność: nawet strumienie fontann zostały połączone w statyczną formę przypominającą kolumnę, a drzewa i krzewy przycięto w formie geometrycznych kształtów. figurki. Symbolika zespołu podporządkowana jest gloryfikacji „Króla Słońca” Ludwika XIV, jednak jej artystyczną i figuratywną podstawą była apoteoza rozumu, władczo przekształcająca elementy przyrody. Jednocześnie podkreślona dekoracyjność wnętrz uzasadnia użycie określenia stylistycznego „barokowy klasycyzm” w odniesieniu do Wersalu.

Na 2. piętrze. XVII wiek pojawiają się nowe metody planowania, zapewniające organiczne. połączenie górskie. zabudowa z elementami środowiska naturalnego, tworzenie terenów otwartych, wtapianie się przestrzennie w ulicę lub nasyp, rozwiązania zespołowe dla kluczowych elementów gór. obiektów (Plac Ludwika Wielkiego, obecnie Vendome i Plac Pobiedy; zespół architektoniczny Domy dla niepełnosprawnych, całość - J. Hardouin-Mansart), łuki wejściowe triumfalne (brama Saint-Denis projektu N. F. Blondela; całość - w Paryżu).

Tradycje C. we Francji w XVIII wieku. prawie nigdy nie przerywano, ale na 1. piętrze. wieków dominował styl rokoko. Wszystko R. 18 wiek Zasady K. uległy przekształceniu w duchu estetyki oświeceniowej. W architekturze odwoływanie się do „naturalności” stawiało wymóg konstruktywnego uzasadnienia porządku elementów kompozycji, we wnętrzu – potrzebę opracowania elastycznego układu wygodnego budynku mieszkalnego. Środowisko krajobrazowe (krajobrazowe) stało się idealnym środowiskiem dla domu. Ogromny wpływ na K. 18 wieku. nastąpił szybki rozwój wiedzy o języku greckim. i Rzym. antyki (wykopaliska w Herkulanum, Pompejach itp.); Prace J. I. Winkelmana, J. W. Goethego i F. Militsia wniosły swój wkład do teorii rachunku kosmicznego. W języku francuskim K. XVIII w zdecydowano się na nowych architektów. typy: wyjątkowo kameralna rezydencja („hotel”), towarzystwo ceremonialne. Budynek, teren otwarty łączący główną. autostrady miasta (plac Ludwika XV, obecnie plac Concorde w Paryżu, architekt J. A. Gabriel; zbudował także pałac Petit Trianon w parku wersalskim, łącząc harmonijną klarowność form z lirycznym wyrafinowaniem rysunku). J. J. Souflo zrealizował swój projekt ok. Sainte-Genevieve w Paryżu, bazując na doświadczeniach klasyki. architektura.

W epoce poprzedzającej Franza. rewolucji XVIII w. architektura przejawiała dążenie do surowej prostoty, odważne poszukiwanie monumentalnej geometrii nowej, pozbawionej porządku architektury (K. N. Ledoux, E. L. Bulle, J. J. Lekeu). Poszukiwania te (odnotowane także pod wpływem architekta. Etchings J. B. Piranesi) stały się punktem wyjścia dla późnej fazy K. - Frencha. Imperium (1. tercja XIX w.), w którym rośnie bujna reprezentatywność (C. Percier, P.F.L. Fontaine, J.F. Chalgrin).

O 17 - błagaj. 18 wiek K. ukształtowała się w architekturze holenderskiej (J. van Kampen, P. Post), co dało początek jej szczególnie powściągliwej wersji. Powiązania krzyżowe z językiem francuskim i gol. K., a także z wczesnym barokiem, wpłynęły na krótki rozkwit K. w architekturze Szwecji pod koniec XVII wieku - na początku. 18 wiek (N. Tessin Młodszy). O 18 - błagaj. XIX wiek K. zadomowił się także we Włoszech (G. Piermarini), Hiszpanii (X. de Villanueva), Polsce (J. Kamsetzer, H. P. Aigner) i USA (T. Jefferson, J. Hoban). Dla niego. architektura K. 18 - I piętro. XIX wiek Charakterystyczne są surowe formy palladiańskie F. W. Erdmansdorfa, „heroiczny” hellenizm C. G. Langhansa, D. i F. Gilly’ego oraz historyzm L. von Klenze. W pracy K.F. Shinkel surowa monumentalność obrazów łączy się z poszukiwaniem nowych rozwiązań funkcjonalnych.

K ser. 19 wiek wiodąca rola K. idzie na marne; go zastąpić historyczny style(Zobacz też stylu neogreckim, Eklektyzm). Jednocześnie artysta tradycja K. ożywa w neoklasycyzmie XX wieku.

sztuki piękne. regulacyjne; jego figuratywną strukturę charakteryzują wyraźne oznaki utopii społecznej. W ikonografii K. dominują legendy starożytne, heroiczne. czyny, historyczny wątki, czyli zainteresowanie losami wspólnot ludzkich, „anatomią władzy”. Nie zadowalając się prostym „portretem natury”, artyści K. dążą do wzniesienia się ponad konkret, indywidualność – do tego, co uniwersalne. Klasycyści bronili swojego wyobrażenia o artyście. prawda, która nie pokrywała się z naturalizmem Caravaggia lub mały Holender. Świat racjonalnych czynów i jasnych uczuć w sztuce K. górował nad niedoskonałą codziennością jako ucieleśnienie marzenia o pożądanej harmonii bytu. Orientacja na wzniosły ideał dała podstawę do wyboru „pięknej natury”. K. unika przyziemności, dewiacji, groteski, prymitywności i odrazy. Architektoniczny klarowność klasyki architektura odpowiada jasnemu zarysowaniu planów w rzeźbie i malarstwie. Chirurgia plastyczna K. z reguły jest przeznaczona dla utrwalaczy. punktu widzenia różni się płynnością form. Moment ruchu w pozach postaci zwykle nie narusza ich plastyczności. izolacja i spokojna rzeźba. W malarstwie K. Osn. elementy formy - linia i światłocień; Lokalna kolorystyka wyraźnie ujawnia obiekty i plany krajobrazowe, co przybliża kompozycję przestrzenną obrazu do kompozycji scenicznej. witryny.

Założyciel i największy mistrz K. XVII w. był Francuzem. cienki N. Poussina, którego obrazy charakteryzują się wzniosłością filozoficzną i etyczną. treść, rytmiczna harmonia. budynek i kolor. Wysoki rozwój malarstwa K. XVII w. otrzymał „krajobraz idealny” (N. Poussin, C. Lorrain, G. Duguet), który ucieleśniał marzenie klasycystów „złotego wieku” ludzkości. Większość oznacza. Mistrzowie francuscy. K. w rzeźbie 17 - błagaj. 18 wiek byli P. Puget (temat heroiczny), F. Girardon (poszukiwanie harmonii i lakoniczności form). Na 2. piętrze. 18 wiek Francuski rzeźbiarze ponownie zwrócili się w stronę tematów ważnych społecznie i rozwiązań monumentalnych (J. B. Pigalle, M. Clodion, E. M. Falcone, J. A. Houdon). Obywatelstwo patos i liryzm połączyły się w mitologii. obrazy J. M. Vienne’a, pejzaże dekoracyjne J. Roberta. Malowanie tzw. rewolucyjny K. we Francji jest reprezentowany przez dzieła J. L. Davida, historyczne. i których portrety naznaczone są odważnym dramatem. W późnym okresie francuskim K. malarstwo, mimo pozorów niecodziennych. głównych mistrzów (J. O. D. Ingres), przeradza się w oficjalną apologetykę. Lub sztuka salonowa .

Centrum Międzynarodowe K. 18 - błagam. XIX wiek stał się Rzymem, gdzie w środowisku akademickim dominował garnitur. tradycja łącząca szlachetność form z zimną, abstrakcyjną idealizacją, co nie jest rzadkością w akademizmie (malarze A. R. Mengs, J. A. Koch, V. Camuccini, rzeźbiarze A. Canova i B. Thorvaldsen). Na obrazku zgłoś to. K., w duchu kontemplacyjnym, wyróżniają się portrety A. i V. Tishbeinów, mitologiczne. kartony: A. Ya. Carstens, tworzywa sztuczne: I. G. Shadov, K. D. Raukh; w sztuce i rzemiośle - meble D. Roentgena. W Wielkiej Brytanii grafika i rzeźba J. Flaxmana są bliskie K., w sztuce i rzemiośle – ceramika J. Wedgwooda i mistrzowie fabryki w Derby.

Okres rozkwitu K. w Rosji przypada na ostatnią trzecią XVIII - pierwszą trzecią XIX wieku, choć już na początku. 18 wiek zauważona twórczość. zwróć się do urbanisty. Doświadczenia francuskie. K. (zasada systemów planowania symetryczno-osiowego w budowie Petersburga). Rus. K. ucieleśniał nową, niespotykaną dla Rosji pod względem zakresu i treści ideologicznej treść historyczną. rozkwit języka rosyjskiego kultura świecka. Wczesny rosyjski. K. w architekturze (1760–70; J. B. Wallena Delamotte’a, A. F. Kokorinov, Yu. M. Felten, K. I. Blank, A. Rinaldi) nadal zachowuje plastyczność. wzbogacenie i dynamika form charakterystycznych dla baroku i rokoka.

Architekci dojrzałego okresu K. (1770–90; V. I. Bazhenov, M. F. Kazakov, I. E. Starow) stworzyli klasykę. typy stołecznego osiedla pałacowego i wygodnego budynku mieszkalnego, które stały się wzorami w ekstensywnej budowie podmiejskich majątków szlacheckich i nowej, frontowej zabudowie miast. Sztuka zespołu w wiejskich posiadłościach parkowych jest głównym wkładem Rusi. K. w sztuce światowej. kultura. W budowie osiedla, rosyjski. odmiana palladianizmu (N. A. Lwów), rozwinął się nowy typ pałacu kameralnego (C. Cameron, J. Quarenghi). Cecha języka rosyjskiego K. – niespotykana dotąd skala państwa. urbanistyka: opracowano regularne plany dla ponad 400 miast, utworzono zespoły ośrodków Kaługi, Kostromy, Połtawy, Tweru, Jarosławia itp.; praktyka „regulowania” gór. plany z reguły sukcesywnie łączyły zasady K. z historycznie ustaloną strukturą planistyczną starego rosyjskiego miasta. Przełom XVIII i XIX w wyznaczani przez największych urbanistów. osiągnięć w obu stolicach. Powstał wspaniały zespół centrum Petersburga (A. N. Woronikhin, A. D. Zacharow, J. F. Thomas de Thomon, później K. I. Rossi). O innych urbanistach. Na początku powstała „klasyczna Moskwa”, która podczas odbudowy po pożarze w 1812 r. została zabudowana niewielkimi dworkami o przytulnych wnętrzach. Początki prawidłowości były tu konsekwentnie podporządkowane ogólnej swobodzie obrazowej struktury przestrzennej miasta. Najwybitniejsi architekci późnej Moskwy. K. - D. I. Gilardi, O. I. Bove, A. G. Grigoriev. Budynki 1. tercji XIX w. należą do stylu rosyjskiego. Imperium (czasami nazywane Klasycyzm Aleksandra).

Na obrazku artystyczny rozwój języka rosyjskiego. K. jest ściśle związany z Petersburgiem. Akademia Sztuk Pięknych (założona w 1757 r.). Rzeźbę reprezentuje „bohaterska” plastyczność monumentalno-dekoracyjna, która tworzy przemyślaną syntezę z architekturą przepełnioną cywilizacją. pomniki patosu przesiąknięte elegichami. oświecenie z nagrobkami, tworzywa sztuczne sztalugowe (I. P. Prokofiew, F. G. Gordeev, M. I. Kozlovsky, I. P. Martos, F. F. Shchedrin, V. I. Demut-Malinowski, S. S. Pimenov, I. I. Terebenev). W malarstwie K. najwyraźniej przejawiał się w dziełach historycznych. i mitologiczne. gatunek (A. P. Losenko, G. I. Ugryumov, I. A. Akimov, A. I. Iwanow, A. E. Egorov, V. K. Shebuev, wczesny A. A. Iwanow; w scenografii - w twórczości P. di G. Gonzago). Niektóre cechy K. są również nieodłącznie związane z rzeźbiarskimi portretami F. I. Shubina, w malarstwie - portrety D. G. Levitsky'ego, V. L. Borowikowski, pejzaże F. M. Matwiejewa. W sztuce i rzemiośle, rosyjski. K. wybitny artysta. modelowanie i rzeźbienie dekoracji w architekturze, wyrobach z brązu, żeliwie, porcelanie, krysztale, meblach, tkaninach adamaszkowych itp.

Teatr

Tworzenie się teatru teatralnego rozpoczęło się we Francji w latach trzydziestych XVII wieku. Aktywizującą i organizującą rolę w tym procesie miała literatura, dzięki której teatr zadomowił się w gronie sztuk „wysokich”. Francuzi zobaczyli próbki sztuki teatralnej w języku włoskim. „teatru wyuczonego” renesansu. Ponieważ społeczeństwo dworskie było ustawodawcą gustów i wartości kulturowych, wówczas na scenie. na styl wpływały także ceremonie i uroczystości dworskie, balety i uroczyste przyjęcia. Zasady kinematografii teatralnej wypracowano na scenie paryskiej: w teatrze Marais kierowanym przez G. Mondori (1634) oraz w Palais-Cardinal (1641; od 1642 Palais-Royal) zbudowanym przez kardynała Richelieu, którego konstrukcja odpowiadała wysokie wymagania teatru włoskiego. sceniczny technologia; w latach czterdziestych XVII wieku Hotel Burgundy stał się miejscem teatralnych K.. Jednoczesna dekoracja stopniowo, w kierunku środka. XVII w. zastąpiła malownicza i jednolita sceneria perspektywiczna (pałac, świątynia, dom itp.); pojawiła się kurtyna, która podnosiła się i opadała na początku i na końcu przedstawienia. Scena została oprawiona niczym obraz. Gra toczyła się wyłącznie na proscenium; spektakl skupiał się na kilku postaciach głównych bohaterów. Archite. tło, pojedyncza scena akcji, połączenie planów aktorskich i obrazowych, wspólna trójwymiarowa mise-en-scena przyczyniły się do powstania iluzji wiarygodności. Na scenie K. XVII wiek istniała koncepcja „czwartej ściany”. „Zachowuje się tak” – pisał o aktorze F. E. d'Aubignac („Praktyka teatru”, 1657), „jakby widza w ogóle nie było: jego bohaterowie zachowują się i mówią tak, jakby naprawdę byli królami, a nie Mondori i Belrose, jakby byli w pałacu Horacego w Rzymie, a nie w hotelu Burgundy w Paryżu i jakby widzieli ich i słyszeli tylko ci, którzy są obecni na scenie (czyli w przedstawionym miejsce).

W wielkiej tragedii C. (P. Corneille'a, J. Racine'a) dynamika, rozrywka i fabuła dramatów A. Hardy'ego (które w I poł. stanowiły repertuar pierwszej stałej francuskiej trupy V. Leconte'a) III XVII w.) zastąpiła statyczna i dogłębna uwaga poświęcona duchowemu światu bohatera, motywom jego zachowania. Nowa dramaturgia domagała się zmian w sztukach performatywnych. Aktor stał się ucieleśnieniem etyki. i estetyczne ideał epoki, tworzący z bliska portret współczesnego człowieka z jego grą; jego strój, stylizowany na starożytny, odpowiadał współczesności. moda, plastik spełniał wymogi szlachetności i wdzięku. Aktor musiał mieć patos mówcy, poczucie rytmu, muzykalność (dla aktorki M. Chanmele J. Racine wpisywał notatki nad liniami roli), umiejętność wymownego gestu, umiejętności tancerza , nawet fizyczne. moc. Dramaturgia K. przyczyniła się do powstania szkoły teatralnej. recytacja, która połączyła cały zestaw technik wykonawczych (czytanie, gest, mimika) i stała się główną. wyrazi. znaczy po francusku aktor. A. Vitez nazwał deklamacją XVII wieku. „architektura prozodyczna”. Spektakl został zbudowany w sposób logiczny. interakcja monologów. Za pomocą słowa opracowano technikę wzbudzania emocji i jej kontroli; powodzenie występu zależało od siły głosu, jego dźwięczności, barwy, posiadania barw i intonacji.

Podział gatunków teatralnych na „wysoki” (tragedia w hotelu Burgundia) i „niski” (komedia w „Palais Royal” czasów Moliera), pojawienie się ról utrwaliło hierarchię. struktura teatru K. Pozostając w granicach „szlachetnej” natury, projekt spektaklu i zarysy obrazu zdeterminowane były indywidualnością głównych aktorów: sposób recytacji J. Floridora był bardziej naturalny niż przesadnie pozującego Belrose'a; M. Chanmelet charakteryzował się dźwięczną i melodyjną „recytacją”, a Montfleury nie znał sobie równych w afektach namiętności. Wykształciła się później koncepcja kanonu kina teatralnego, na który składały się standardowe gesty (niespodzianka przedstawiana była z rękami podniesionymi do poziomu ramion i dłońmi zwróconymi w stronę widza; wstręt – z głową zwróconą w prawo i rękami odpychającymi przedmiot pogardy) itp.), nawiązuje do epoki upadku i degeneracji stylu.

W XX wieku Francuski teatr reżysera zbliżył się do europejskiego, do sceny. styl zagubiony nat. specyfika. Niemniej jednak, to znaczy. wydarzenia po francusku teatr XX wieku Odnoszą się do tradycji C.: performansy J. Copeau, J. L. Barrota, L. Jouveta, J. Vilarda, eksperymenty Viteza z klasyką XVII w., inscenizacje R. Planchona, J. Desarta i innych.

Zaginiony w XVIII wieku. znaczenia stylu dominującego we Francji, K. znalazł następców w innych krajach europejskich. Państwa. J. W. Goethe konsekwentnie wprowadzał zasady kinematografii w kierowanym przez siebie teatrze weimarskim. Aktorka i przedsiębiorca F. K. Neuber oraz aktor K. Eckhoff w Niemczech, inż. aktorzy T. Betterton, J. Quinn, J. Kemble, S. Siddons promowali K., ale ich wysiłki, pomimo osobistej kreatywności. osiągnięcia okazały się mało skuteczne i ostatecznie zostały odrzucone. Scena K. stał się obiektem ogólnoeuropejskich kontrowersji, a za sprawą Niemców, a po nich Rosjan. Teoretycy teatru otrzymali definicję „teatru fałszywie klasycznego”.

tragedia muzyczna 2. piętro. 17 - I piętro. 18 wiek (wspólnota twórcza librecisty F. Kino i komp. J. B. Lully'ego, opery i opery-balety J. F. Rameau) oraz w języku włoskim. opera seria, która zajęła czołowe miejsce wśród dramatów muzycznych. gatunki XVIII w (we Włoszech, Anglii, Austrii, Niemczech, Rosji). Powstanie Francuzów muzyka Tragedia wydarzyła się na początku kryzysu absolutyzmu, kiedy ideały bohaterstwa i obywatelstwa okresu walki o państwo ogólnonarodowe ustąpiły miejsca duchowi świętości i ceremonialnej biurokracji, pociągowi do luksusu i wyrafinowanego hedonizmu. Ostrość konfliktu uczuć i obowiązku typowa dla K. w warunkach mitologicznych. lub rycersko-legendarna fabuła muz. tragedia spadła (zwłaszcza w porównaniu z tragedią w teatrze dramatycznym). Wymogi czystości gatunkowej (brak epizodów komediowych i codziennych), jedności akcji (często także miejsca i czasu) oraz „klasycznej” pięcioaktowej kompozycji (często z prologiem) kojarzą się z normami kinematografii. Centrum. pozycję w muzyce dramaturgię zajmuje recytatyw – element najbliższy racjonalizmowi. logika werbalno-pojęciowa. W intonacji. w sferze dominują te związane z naturą. mowa ludzka deklamatorsko-żałosna. formuły (pytające, rozkazujące itp.) są jednak wykluczone jako retoryczne. i symboliczne. figury charakterystyczne dla opery barokowej. Obszerne sceny chóralne i baletowe z fantastycznością i sielsko-idylliczny. tematycznym, ogólna orientacja na spektakl i rozrywkę (która ostatecznie stała się dominująca) była bardziej zgodna z tradycjami baroku niż z zasadami klasycyzmu.

Tradycją dla Włoch było kultywowanie wirtuozerii śpiewu i rozwój elementu dekoracyjnego, właściwego gatunkowi opery seria. Zgodnie z wymogami K., wysuniętymi przez niektórych przedstawicieli Rzymu. Akademia „Arkadia”, północno-włoska. libreciści 18 wiek (F. Silvani, G. Fridzhimelika-Roberti, A. Zeno, P. Pariati, A. Salvi, A. Piovene) wyrzucił komika z poważnej opery. oraz epizody codzienne, motywy fabularne związane z interwencją sił nadprzyrodzonych lub fantastycznych. siły; krąg wątków został ograniczony do historycznych i historyczno-legendarnych, na pierwszy plan wysunięto kwestie moralne i etyczne. problemy. W centrum sztuki. koncepcje wczesnej opery seria - wzniosła heroiczność. wizerunek monarchy, rzadziej państwa. postać, dworzanin, epicki. bohater wykazujący pozytywne cechy. cechy idealnej osobowości: mądrość, tolerancja, hojność, oddanie obowiązkom, bohaterstwo. entuzjazm. Tradycyjny włoski został zachowany. opery mają budowę 3-aktową (dramaty 5-aktowe pozostały eksperymentem), ale zmniejszyła się liczba aktorów, w muzyce typowano intonacje. wyrazi. środki, formy uwertury i arii, budowa partii wokalnych. Rodzaj dramaturgii całkowicie podporządkowany muzyce. zadania, rozwijał (od lat dwudziestych XVIII w.) P. Metastasio, którego nazwisko kojarzone jest z szczytowym etapem w dziejach opery seria. W jego opowiadaniach klasycystyczny patos ulega zauważalnemu osłabieniu. Sytuacja konfliktowa z reguły powstaje i pogłębia się z powodu przedłużającego się „urojenia” Ch. aktorów, a nie z powodu rzeczywistego konfliktu interesów lub zasad. Jednak szczególne upodobanie do wyidealizowanego wyrażania uczuć, do szlachetnych impulsów duszy ludzkiej, choć dalekie od ścisłego racjonalnego uzasadnienia, stanowiło wyjątek. popularność libretta Metastasia przez ponad pół wieku.

Kulminacja rozwoju muzyki. K. Oświeceniowy (w latach 60.–70. XVIII w.) stał się twórczy. wspólnota K. V. Glucka i librecisty R. Calzabidgiego. W operach i baletach Glucka tendencje klasycystyczne wyrażały się w zaakcentowanej dbałości o to, co etyczne. problemów, rozwój idei bohaterstwa i hojności (w dramatach muzycznych okresu paryskiego - w bezpośrednim odwołaniu się do tematu obowiązku i uczuć). Normy K. odpowiadały także czystości gatunkowej, pragnieniu max. koncentracja akcji, zredukowana do niemal dramatyzmu. kolizje, wyrazi się ścisły wybór. fundusze zgodnie z celami konkretnego dramatu. sytuacjach, ostateczne ograniczenie elementu dekoracyjnego, wirtuozowski początek śpiewu. Pouczający charakter interpretacji obrazów znalazł odzwierciedlenie w przeplataniu się szlachetnych cech charakterystycznych dla klasycznych bohaterów z naturalnością i swobodą wyrażania uczuć, odzwierciedlającą wpływ sentymentalizmu.

W latach 80. – 90. XVIII w. po francusku muzyka teatr znajduje wyraz w nurcie rewolucji. K., odzwierciedlający ideały Franciszka. rewolucje XVIII w Genetycznie spokrewniony z etapem poprzednim i przedstawiony przez Ch. przyr. pokolenie kompozytorów – zwolenników reformy operowej Glucka (E. Megül, L. Cherubini), rewolucjonistów. K. podkreślał przede wszystkim obywatelski, tyrański patos, charakterystyczny wcześniej dla tragedii P. Corneille'a i Voltaire'a. W przeciwieństwie do dzieł z lat 60. i 70. XVIII w., w których rozwiązano tragizm. konflikt był trudny do osiągnięcia i wymagał interwencji sił zewnętrznych (tradycja „deus ex machina” – łac. „Bóg z maszyny”), w przypadku pism z lat 80. i 90. XVIII w. stało się charakterystycznym rozwiązaniem poprzez heroizm. akt (odmowa posłuszeństwa, protest, często akt zemsty, morderstwo tyrana itp.), który spowodował jasne i skuteczne rozładowanie napięcia. Ten typ dramaturgii stał się podstawą gatunku „opera zbawienia” który pojawił się w latach 90. XVIII w. na styku tradycji opery klasycznej i realistycznej. dramat burżuazyjny .

W Rosji, w muzyce. w teatrze oryginalne manifestacje k. są pojedyncze (opera „Cefal i Prokris” F. Arayi, melodramat „Orfeusz” E. I. Fomina, muzyka O. A. Kozłowskiego do tragedii V. A. Ozerowa, A. A. Szachowskiego i A. N. Gruzintseva).

względem opera komiczna, a także muzykę instrumentalną i wokalną XVIII wieku, nie związaną z akcją teatralną, określenie „K.” stosowane w środkach. mierzyć warunkowo. Czasami jest używany w rozwinięciu. sensie oznaczać początkową fazę klasyczno-romantyczną. epoki, styl szarmancki i klasyczny (patrz art. Wiedeńska Szkoła Klasyczna, Klasyka w muzyce), w szczególności, aby uniknąć wartościowania (na przykład przy tłumaczeniu niemieckiego terminu „Klassik” lub w wyrażeniu „rosyjski klasycyzm”, który dotyczy całej muzyki rosyjskiej 2. połowy XVIII - wczesnej XIX w.).

W 19-stym wieku K. w muzyce. teatr ustępuje miejsca romantyzmowi, choć dziwacznemu. Sporadycznie odradzają się cechy estetyki klasycystycznej (G. Spontini, G. Berlioz, S. I. Tanejew i in.). W XX wieku artyści klasyczni. zasady zostały wskrzeszone w neoklasycyzmie.