О симфоническом оркестре. Интересные факты про оркестры

На протяжении всей своей истории, тысячи и тысячи лет, человечество создавало музыкальные инструменты и объединяло их в различные комбинации. Но только около четырехсот лет назад эти комбинации инструментов сложились в форму уже близкую к форме современного оркестра.

В старину, когда музыканты собирались для игры, они использовали любые инструменты какие были вокруг. Если было три исполнителя на лютне, два на арфе и на флейте, так они и играли. К началу 16-го века, эпоха известная как Возрождение , слово "ансамбль" использовалось для обозначения группы музыкантов, иногда и певцов, которые вместе исполняли музыку или "в ансамбле".

Композиторы раннего Возрождения обычно не уточняли для какого инструмента они писали партию. Это означало, что партии могли исполняться на любом доступном инструменте. Но в начале 17-го века в Италии композитор Клаудио Монтеверди выбрал, какие инструменты должны сопровождать его оперу "Орфей" (1607 г.), и точно указал для каких инструментов написаны партии: пятнадцать виол различных размеров, две скрипки, четыре флейты (две больших и две средних), два гобоя, два корнета (маленькие деревянные трубы), четыре трубы, пять тромбонов, арфа , два клавесина и три маленьких органа.

Как видно, "оркестр эпохи Возрождения " Монтеверди уже был похож на то, каким в нашем представлении должен быть оркестр: инструменты организованы по группам, много смычковых струнных инструментов, большое разнообразие.

В следующем столетии (до 1700, время И.С.Баха) оркестр развивался еще больше. Семейство скрипок (скрипка, альт, виолончель и бас) заменяло виолы, в оркестре эпохи Барокко семейство скрипок было гораздо более представительным, чем виолы в оркестре эпохи Возрождения. Музыкальное лидерство в оркестре Барокко принадлежало клавишным инструментам, музыканты, игравшие на клавесине или иногда на органе, действовали как лидеры. Когда И.С.Бах работал с оркестром, он сидел за органом или клавесином и руководил оркестром со своего места.

В эпоху Барокко музыкальный дирижер иногда стоя руководил оркестром, но это ещё не было тем дирижированием, которое мы знаем сейчас. Жан-Батист Люлли, отвечавший за музыку при дворе французского короля в 1600 гг., привык отбивать длинным шестом об пол ритм для своих музыкантов, но однажды он случайно поранил свою ногу, развилась гангрена, и он умер!

В следующем 19-м столетии, времени Гайдна и Бетховена , произошли еще более глубокие изменения в оркестре. Струнные смычковые инструменты стали более важными, чем когда-либо, а клавишные инструменты наоборот ушли в тень. Композиторы начали писать уже для конкретного музыкального инструмента. Это подразумевало знание голоса каждого инструмента, понимание, какая музыка будет лучше звучать и легче исполняться на выбранном инструменте. Композиторы стали более свободными и даже авантюрными в комбинировании инструментов для получения более богатых и различных звуков и оттенков.

Первый скрипач (или концертмейстер) руководил исполнением оркестра со своего стула, но иногда ему приходилось давать указания жестами и он, для того, чтобы его было лучше видно, вначале использовал обычный лист белой бумаги, скатанный в трубочку. Это привело к появлению современной дирижерской палочки. В начале 1800-ых композиторы-дирижёры, такие как Карл Мария фон Вебер и Феликс Мендельсон, первыми стали руководить музыкантами, стоя на подиуме в центре перед оркестром.

Поскольку оркестры становились все больше и больше, не все музыканты могли видеть и следовать за концертмейстером. К концу 19-го века оркестр достиг размеров и пропорций, которые мы знаем сегодня и даже превышали современные. Некоторые композиторы, например Берлиоз, стали сочинять музыку только для таких огромных оркестров.

Дизайн, конструкция и качество музыкальных инструментов постоянно улучшались, создавались новые музыкальные инструменты , находившие свое место в оркестре, такие как пикколо (малая флейта) и труба. Многие композиторы, в том числе Берлиоз, Верди, Вагнер, Малер и Рихард Штраус, стали дирижерами. Их эксперименты с оркестровкой (искусство распределения музыкального материала между инструментами оркестра с целью наиболее выигрышного использования каждого инструмента) показали путь к 20-ому столетию.

Вагнер пошел ещё дальше, он разработал и изготовил басовую трубу (труба Вагнера ), совмещающую элементы горна и трубы, чтобы ввести новый, особый звук в свою бессмертную оперу "Кольцо Нибелунга". Он же первым из дирижеров повернулся спиной к зрителям, чтобы полнее контролировать оркестр. В одной из своих симфоний Штраус написал партию для альпийского рожка , деревянного народного инструмента 12 футов длиной. Сейчас альпийский рожок заменяют трубой. Арнольд Шёнберг создал своё произведение "Песни Гурре" (Gurrelieder) для оркестра со 150 инструментами.

20 век был столетием свободы и новых экспериментов с оркестром. Дирижеры стали полностью индивидуальными персонами и среди них восходили свои суперзвезды. Ответственность возросла многократно, но и признание зрителей тоже.

Основа оркестра была такой, как она сформировалась в конце 19-го столетия, и композиторы иногда добавляли или удаляли инструменты, в зависимости от эффекта, который они желали получить. Иногда это была чрезвычайно расширенная группа ударных инструментов или деревянных и медных духовых инструментов. Но состав оркестра закрепился и в основном остаётся постоянным: большая группа смычковых инструментов и небольшие группы духовых, ударных, арф и клавишных инструментов.

После стольких лет это все еще работает!

Музыка - это, прежде всего, звуки. Они могут быть громкими и тихими, быстрыми и медленными, ритмичными и не очень…

Но каждый из них, каждая звучащая нота каким-то определенным образом влияет на сознание человека, слушающего музыку, на его душевное состояние. А если это оркестровая музыка, то оставить равнодушными кого-либо она уж точно не сможет!

Оркестр. Виды оркестров

Оркестром называют объединенных в коллектив музыкантов, играющих на музыкальных инструментах произведения, которые предназначены специально для этих инструментов.

И от того, каков этот состав, оркестр имеет различные музыкальные возможности: по тембру, динамике, выразительности.

Какие виды оркестров существуют? Главные из них - это:

симфонический;
инструментальный;
оркестр народных инструментов;
духовой;
джазовый;
эстрадный.

Еще бывает военный оркестр (исполняющий военные песни), школьный (в составе которого школьники) и так далее.

Симфонический оркестр

Эта разновидность оркестра в своем составе содержит струнные, духовые и ударные инструменты.

Есть малый симфонический оркестр и большой.

Малый - это тот, который играет музыку композиторов конца XVIII - начала XIX столетий. В его репертуаре могут быть и современные вариации. Большой симфонический оркестр отличается от малого добавлением в его состав большего количества инструментов.

В составе малого обязательно присутствуют:

скрипки;
альт;
виолончели;
контрабасы;
фаготы;
валторны;
трубы;
литавры;
флейты;
кларнета;
гобой.

В большой включены следующие инструменты:

флейты;
гобои;
кларнеты;
контрафаготы.

Кстати, в его составе может быть аж до 5 инструментов каждого семейства. А также в большом оркестре присутствуют:

валторны;
трубы (басовая, малая, альтовая);
тромбоны (теноровые, тенорбасовые);
туба.

И, конечно же, ударные инструменты:

литавры;
колокольчики;
малый и большой барабан;
треугольник;
тарелка;
индийский тамтам;
арфа;
рояль;
клавесин.

Особенностью малого оркестра есть то, что струнных инструментов в нем около 20, в то время как в большом - около 60.

Руководит симфоническим оркестром дирижер. Он художественно трактует произведение, исполняющееся оркестром при помощи партитуры - полной нотной записи всех партий каждого инструмента оркестра.

Инструментальный оркестр

Этот вид оркестра отличается по своей форме тем, что в нем нет четкого количества музыкальных инструментов определенных групп. А также он может исполнять любую музыку (в отличие от симфонического оркестра, который исполняет исключительно классическую).

Конкретных видов инструментальных оркестров нет, но условно к ним можно отнести эстрадный оркестр, а также оркестр, исполняющий классику в современной обработке.

Согласно исторической справке, инструментальная музыка начала активно развиваться в России только при Петре Первом. Она, конечно, имела на себе западное влияние, но зато она уже не была под таким запретом, как в более ранние времена. А раньше доходило до такого, что запрещали не то что играть, а сжигали музыкальные инструменты. Церковь считала, что в них нет ни души, ни сердца, а потому они не могут прославлять Бога. И потому инструментальная музыка развивалась преимущественно среди простого народа.

Играют в инструментальном оркестре на флейте, лире, кифаре, свирели, трубе, гобое, бубне, тромбоне, дудке, сопелке и других музыкальных инструментах.

Наиболее популярный инструментальный оркестр XX века - это оркестр Поля Мориа.

Он был его дирижером, руководителем, аранжировщиком. Его оркестр сыграл очень много популярных музыкальных произведений XX века, а также собственного сочинения.

Народный оркестр

В таком оркестре основными инструментами являются народные.

Например, для русского народного оркестра наиболее типичными являются: домры, балалайки, гусли, баяны, гармоники, жалейки, свирели, рожки владимирские, бубны. Также дополнительными музыкальными инструментами для такого оркестра есть флейта и гобой.

Впервые появился народный оркестр в конце XIX века, организатором которого стал В.В. Андреев. Этот оркестр очень много гастролировал и получил широкую популярность в России и за ее пределами. А вначале XX века народные оркестры начали появляться повсеместно: в клубах, при дворцах культуры и так далее.

Духовой оркестр

Данный вид оркестра предполагает, что в его состав входят различные духовые и ударные инструменты. Он бывает: малый, средний и большой.

Джазовый оркестр

Еще оркестр такого вида назывался джаз-бэнд.

В его состав входят такие музыкальные инструменты: саксофон, фортепиано, банджо, гитара, ударные, трубы, тромбоны, контрабас, кларнеты.

Вообще, джаз - это направление в музыке, которое сложилось под влиянием африканских ритмов и фольклора, а также европейской гармонии.

Впервые джаз появился на юге США в начале XX столетия. И вскоре распространился во всех странах мира. На родине это музыкальное направление развивалось и дополнялось новыми характерными особенностями, которые появлялись в том или другом регионе.

Одно время в Америке термины «джаз» и «популярная музыка» имели одинаковое смысловое значение.

Джазовые оркестры стали активно формироваться уже в 1920-х годах. И таковыми они оставались аж до 40-х.

В эти музыкальные группы участники поступали, как правило, еще в подростковом возрасте, исполняя свою конкретную партию - заученную или по нотам.

Вершиной славы джазовых оркестров считаются 1930-е годы. Руководителями известнейших на то время джазовых оркестров были: Арти Шоу, Гленн Миллер, и другие. Их музыкальные произведения звучали на то время повсюду: на радио, в танцевальных клубах и так далее.

В настоящее время также очень популярны джазовые оркестры и мелодии, написанные в стиле «джаз».

И хотя видов музыкальных оркестров существует большее количество, в статье рассмотрены основные из них.

Интересные факты о симфоническом оркестре

Предлагаем вам ознакомиться с интересными и увлекательными фактами, связанными с симфоническим оркестром, которых собралось достаточно много, за его многовековую историю. Надеемся, что такими интересными сведениями мы сможем удивить не только любителей балетного искусства, но и открыть что-то новое даже для настоящих профессионалов в этой области.

Формирование симфонического оркестра происходило в течение нескольких столетий из небольших ансамблей и началось оно в XVI-XVII веках, когда появились новые жанры в музыке и потребовалось изменение коллектива исполнителей. Полностью малый состав был определен лишь в XVIII веке.
Численность музыкантов может колебаться от 50 до 110 человек, в зависимости от произведения или места исполнения. Самое большое количество исполнителей, когда-либо зафиксированных относится к выступлению в городе Осло на стадионе «Юллеваал» в 1964 году, в нем приняли участие 20100 человек.
Иногда, вы можете услышать название парный, тройной симфонический оркестр, оно дается по количеству представленных в нем духовых инструментов и обозначает его размер.
Огромный вклад в развитие оркестра внес Л. Бетховен , так в его творчестве окончательно установился классический или малый симфонический оркестр, а в более позднем периоде наметились черты большого состава.
В симфоническом оркестре используется немецкая и американская рассадка музыкантов. Так, в российском – применяется американская.
Среди всех оркестров мира есть только один, который сам выбирает себе дирижера и в случае чего, может сделать это в любой момент – это коллектив Венской филармонии.
Существуют коллективы и вовсе без дирижера. Впервые, такую идею принял в 1922 году Персимфанс в России. Это было связано с идеологией того времени, которая ценила коллективный труд. Позднее этому примеру последовали другие оркестры, даже на сегодняшний день в Праге и Австралии есть оркестры без дирижера.

Оркестр настраивается по гобою либо по камертону, последний в свою очередь, со временем звучит все выше. Дело в том, что изначально, в разных странах он звучал по разному. В XVIII веке в Германии его звук был ниже итальянского, но выше французского. Считалось, что чем выше настройка, тем ярче будет звучание, а к этому стремится любой коллектив. Вот поэтому и повышали его тон от 380 гц (Барокко) до 442 гц в наше время. Причем эта цифра стала контрольной, но и ее умудряются превышать до 445 гц, как это делают в Вене.
Вплоть до XIX века в обязанности дирижера входила еще и игра на клавесине или скрипке . К тому же у них не было дирижерской палочки, такт отбивался композитором либо музыкантом при помощи инструмента или кивков головы.
Престижный английский журнал Gramophone, который признан авторитетным изданием в области классической музыки, опубликовал список лучших оркестров мира, российские коллективы заняли в нем 14, 15 и 16 позицию.

, виолончели , контрабасы . Собранные воедино, в руках опытных музыкантов, подчиненных воле дирижера, они образуют музыкальный инструмент, способный выразить и передать звуками любое музыкальное содержание, любой образ, любую мысль. Множество сочетаний инструментов оркестра дает практически неисчерпаемый набор разнообразнейших звучаний - от громоподобного, оглушительного до едва слышного, от остро режущего слух до ласкающе-мягкого. И многоэтажные аккорды любой сложности, и узорчато-извилистые сплетения разнородных мелодических орнаментов, и паутинно-тонкая ткань, мелкие звуковые «осколки», когда, по образному выражению С. С. Прокофьева , «с оркестра словно вытирают пыль», и мощные унисоны многих инструментов, одновременно играющих одни и те же звуки, - все это подвластно оркестру. Любая из оркестровых групп - струнная, духовая, ударная, щипковая, клавишная - способна отделяться от других и вести свое музыкальное повествование при молчании остальных; но все они полностью, частично или единичными своими представителями, сливаясь с другой группой или её частью, образуют сложный тембровый сплав. Вот уже свыше двух веков самые заветные помыслы композиторов, самые яркие вехи истории искусства звуков связаны с музыкой, задуманной, написанной, а порой и переложенной для симфонического оркестра.

Схема расположения музыкальных инструментов симфонического оркестра.

Каждый, кто любит музыку, знает и помнит имена Й. Гайдна , В. А. Моцарта , Ф. Шуберта , Р. Шумана , И. Брамса, Г. Берлиоза, Ф. Листа , С. Франка, Ж. Бизе , Дж. Верди , П. И. Чайковского , Н. А. Римского-Корсакова , А. П. Бородина . М. П. Мусоргского , С. В. Рахманинова , А. К. Глазунова , И. Ф. Стравинского , С. С. Прокофьева , Н. Я. Мясковского , Д. Д. Шостаковича , А. И. Хачатуряна , К. Дебюсси , М. Равеля, Б. Бартока и других мастеров, чьи симфонии , сюиты , увертюры , симфонические поэмы , картины, фантазии, инструментальные концерты в сопровождении оркестра, наконец, кантаты, оратории, оперы и балеты написаны для симфонического оркестра или предполагают его участие. Умение писать для него представляет собой высшую и сложнейшую область искусства музыкальной композиции, требующую глубоких специальных знаний, большого опыта, практики, а главное - особых музыкальных способностей, одаренности, таланта.

История возникновения и развития симфонического оркестра - история постепенной перестройки старых и изобретения новых инструментов, увеличения его состава, история совершенствования способов использования сочетаний инструментов, т. е. история той области музыкальной науки, которая именуется оркестровкой или инструментовкой, и, наконец, история симфонической, оперной, ораториальной музыки. Все эти четыре слагаемых, четыре стороны понятия «симфонический оркестр», тесно связаны между собой. Многообразным было и остается сейчас их влияние друг на друга.

Слово «орхестра» означало в Древней Греции полукруглую площадку перед сценой театра, где размещался хор - непременный участник драматических представлений в эпоху Эсхила, Софокла, Еврипида, Аристофана. Около 1702 г. этим словом впервые было обозначено небольшое пространство, предназначенное для ансамбля сопровождающих оперу инструменталистов. Так называли инструментальные группы в камерной музыке. В середине XVIII в. ввели решающее для истории оркестра различие - многочисленному оркестру противопоставили малую камерную музыку - ансамбль. До этого времени четкой грани между музыкой камерной и оркестровой не проводили.

Понятие «симфонический оркестр» появилось в эпоху классицизма, когда жили и творили К. В. Глюк, Л. Боккерини, Гайдн, Моцарт. Оно возникло уже после того, как композиторы стали точно выписывать в нотах названия каждого инструмента, играющего тот или иной голос, ту или иную нотную строчку. Еще в начале XVII в. у К. Монтеверди в «Орфее» перед каждым номером лишь перечислялись инструменты, могущие его исполнить. Вопрос же о том, кто какую строчку должен играть, оставался открытым. Поэтому в любом из 40 оперных театров его родной Венеции одно исполнение «Орфея» могло быть непохожим на другое. Ж. Б. Люлли, композитор, скрипач, дирижер, был, вероятно, первым, кто писал для определенного состава инструментов, для так называемых «24 скрипок короля» - струнного ансамбля, образованного при дворе Людовика XIV и руководимого самим Люлли. У него верхний голос струнной группы был подкреплен еще и гобоями, а нижний - фаготами. Гобои и фаготы без струнных, контрастируя с полным составом, участвовали в средних разделах его композиций.

На протяжении XVII в. и первой половины XVIII в. формируется первоначальная основа оркестра - струнная группа. Постепенно добавляются представители семейства духовых - флейты, гобои и фаготы, а затем и валторны. Кларнет проник в оркестр значительно позднее по причине его крайнего тогдашнего несовершенства. М. И. Глинка в своих «Заметках об инструментовке» называет звук кларнета «гусиным». Все же духовая группа в составе флейт, гобоев, кларнетов и валторн (всех по две) появляется в «Пражской симфонии» Моцарта, а перед этим у его французского современника - Ф. Госсека. В «Лондонских симфониях» Гайдна и ранних симфониях Л. Бетховена появляются две трубы, а также литавры. В XIX в. духовая группа в оркестре еще более усиливается. Впервые в истории оркестровой музыки участвуют в финале 5‑й симфонии Бетховена флейта-пикколо, контрафагот, а также три тромбона, до того употреблявшиеся только в операх. Р. Вагнер добавляет еще тубу и доводит число труб до четырёх. Вагнер - композитор по преимуществу оперный, но он в то же время по праву считается выдающимся симфонистом и реформатором симфонического оркестра.

Стремление композиторов XIX–XX вв. обогатить звуковую палитру обусловило введение в оркестр ряда инструментов, обладающих особыми техническими и тембровыми возможностями.

К концу XIX в. состав оркестра доводится до внушительных, а иногда и до гигантских размеров. Так, 8‑я симфония Г. Малера не случайно называется «симфонией тысячи участников». В симфонических полотнах и операх Р. Штрауса появляются многочисленные разновидности духовых: альтовая и басовая флейты, баритоновый гобой (геккельфон), малый кларнет, контрабас-кларнет, альтовая и басовая трубы и др.

В XX в. оркестр пополняется преимущественно ударными инструментами. До этого обычными участниками оркестра были 2–3 литавры, тарелки, большой и малый барабаны, треугольник, реже бубен и тамтам, колокольчики, ксилофон . Теперь композиторы применяют набор оркестровых колоколов, дающий хроматическую гамму, челесту. Они вводят в оркестр такие инструменты, как флексатон, бубенцы, испанские кастаньеты, звонко цокающая деревянная коробочка, трещотка, бич‑хлопушка (ее удар подобен выстрелу), сирена, ветряная и громовая машины, даже пение соловья, записанное на специальную пластинку (оно использовано в симфонической поэме итальянского композитора О. Респиги «Пинии Рима»).

Во второй половине XX в. из джаза в симфонический оркестр приходят и такие ударные, как вибрафон, томтомы, бонги, комбинированная ударная установка - с «чарльстоном» («хай‑хэтом»), маракасы.

Что же касается струнной и духовой групп, то их формирование к 1920 г. было в основном закончено. В состав оркестра иногда вводятся отдельные представители группы саксофонов (в произведениях Визе, Равеля, Прокофьева), духового оркестра (корнеты у Чайковского и Стравинского), клавесин, домры и балалайки , гитара , мандолина и т. д. Композиторы все чаще создают произведения для частичных составов симфонического оркестра: для одних струнных, для струнных и медных, для духовой группы без струнных и ударных, для струнных с ударными.

Композиторы XX в. пишут много музыки для камерного оркестра. В его составе 15–20 струнных, по одному деревянному духовому, одна-две валторны, группа ударных с одним исполнителем, арфа (вместо нее может быть фортепьяно или клавесин). Наряду с этими появляются произведения для ансамбля солистов, где есть один представитель от каждой разновидности (или от некоторых из них). Таковы камерные симфонии и пьесы А. Шёнберга, А. Веберна, сюита Стравинского «История солдата», сочинения советских композиторов - наших современников М. С. Вайнберга, Р. К. Габичвадзе, Э. В. Денисова и других. Все чаще авторы обращаются к составам необычным, или, как говорят, экстренным. Им необходимы необычные, редкие звучания, так как роль тембра в современной музыке возросла, как никогда.

И тем не менее, чтобы всегда была возможность исполнять музыку и старую, и новую, и новейшую, состав симфонического оркестра остается стабильным. Современный симфонический оркестр подразделяется на большой симфонический оркестр (около 100 музыкантов), средний (70–75), малый (50–60). На базе большого симфонического оркестра можно для каждого произведения отбирать необходимый для его исполнения состав: один для «Восьми русских народных песен» А. К. Лядова или «Струнной серенады» Чайковского, другой - для грандиозных полотен Берлиоза, Скрябина, Шостаковича, для «Петрушки» Стравинского или огненного «Болеро» Равеля.

Как же располагаются музыканты на эстраде? В XVIII–XIX вв. слева от дирижера сидели первые скрипки, а справа - вторые, позади первых скрипок садились альты, а позади вторых - виолончели. За струнной группой рядами сидели: впереди деревянная духовая группа, а за ней медная духовая. Контрабасы располагались на заднем плане справа или слева. Остальное пространство отводилось арфам, челесте, фортепьяно и ударным. В нашей стране музыканты рассаживаются по схеме, введенной в 1945 г. американским дирижером Л. Стоковским. По этой схеме вместо вторых скрипок справа от дирижера на первом плане помещаются виолончели; их прежнее место занимают теперь вторые скрипки.

Симфоническим оркестром руководит дирижер. Он объединяет музыкантов оркестра и направляет все их усилия на осуществление своего исполнительского замысла в процессе репетиций и на концерте. Дирижирование основано на специально разработанной системе движения рук. В правой руке дирижер обычно держит палочку. Важнейшую роль играют его лицо, взгляд, мимика. Дирижер должен быть высокообразованным человеком. Ему необходимы знания музыки различных эпох и стилей, инструментов оркестра и их возможностей, тонкий слух, способность глубоко проникать в замысел композитора. Талант исполнителя должен сочетаться у него с организаторскими и педагогическими способностями.

На протяжении всей своей истории, тысячи и тысячи лет, человечество создавало музыкальные инструменты и объединяло их в различные комбинации.

Но только около четырехсот лет назад эти комбинации инструментов сложились в форму уже близкую к форме современного оркестра.

В старину, когда музыканты собирались для игры, они использовали любые инструменты какие были вокруг. Если было три исполнителя на лютне, два на арфе и на флейте, так они и играли. К началу 16-го века, эпоха известная как Возрождение, слово "ансамбль" использовалось для обозначения группы музыкантов, иногда и певцов, которые вместе исполняли музыку.

Композиторы раннего Возрождения обычно не уточняли для какого инструмента они писали партию. Это означало, что партии могли исполняться на любом доступном инструменте. Но в начале 17-го века в Италии композитор Клаудио Монтеверди выбрал, какие инструменты должны сопровождать его оперу "Орфей" (1607 г.), и точно указал для каких инструментов написаны партии: пятнадцать виол различных размеров, две скрипки, четыре флейты (две больших и две средних), два гобоя, два корнета (маленькие деревянные трубы), четыре трубы, пять тромбонов, арфа, два клавесина и три маленьких органа.

В следующем 19-м столетии, времени Гайдна и Бетховена, произошли еще более глубокие изменения в оркестре. Струнные смычковые инструменты стали более важными, чем когда-либо, а клавишные инструменты наоборот ушли в тень. Композиторы начали писать уже для конкретного музыкального инструмента. Это подразумевало знание голоса каждого инструмента, понимание, какая музыка будет лучше звучать и легче исполняться на выбранном инструменте. Композиторы стали более свободными и даже авантюрными в комбинировании инструментов для получения более богатых и различных звуков и оттенков.

20 век был столетием свободы и новых экспериментов с оркестром. Дирижёры стали полностью индивидуальными персонами и среди них восходили свои суперзвезды. Ответственность возросла многократно, но и признание зрителей тоже.

После стольких лет это все еще работает!