Диего родригес да сильва веласкес. Диего Веласкес краткая биография
Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес (исп. Diego Rodríguez de Silva y Velázquez; 6 июня 1599, Севилья - 6 августа 1660, Мадрид) - испанский художник, величайший представитель золотого века испанской живописи.
Биография Диего Веласкеса
Веласкес родился в Севилье в 1599 г, в небогатой дворянской семье выходцев из Португалии. Точная дата его рождения неизвестна, но зафиксирован день крестин - 6 июня (а в те времена младенцев старались крестить сразу после рождения).
Вскоре отцу Веласкеса стали очевидны способности сына к искусству, и он отвел десятилетнего Диего в мастерскую известного испанского художника Ф. Эрреры. Сам факт выбора подобной профессии был вызовом для испанской аристократии, ибо профессия художника считалась недопустимым занятием для дворянина.
У Эрреры Диего проучился недолго, они не сошлись характерами.
Через год он работал уже в мастерской другого художника, Франсиско Пачеко, у которого оставался до 1617 года, когда получил звание мастера. Пачеко оказался горячим поклонником античности и прекрасным педагогом. Согласно установочному принципу учителя «все искусство живописца в рисунке», Диего много рисует. По свидетельству самого Пачеко, еще юношей Веласкес «оплачивал крестьянского мальчика, служившего ему моделью. Он изображал его в разных видах и позах то плачущим, то смеющимся, не останавливаясь ни перед какими трудностями».
По совету учителя Диего оттачивает владение рисунком, позволяющее точно воспроизводить натуру, в живописи на бытовые темы, по-испански — бодегонес.
В 1622 году он впервые посетил испанскую столицу. В практическом смысле эта поездка оказалась не слишком удачной - достойного места Веласкес себе не нашел. Он надеялся встретиться с молодым королем Филиппом IV, но эта встреча не состоялась.
Впрочем, кое-какие важные шаги он сделал. Слухи о молодом художнике достигли двора, и уже в следующем, 1623-м, году первый министр герцог де Оливарес (тоже выходец из Севильи) пригласил Веласкеса в Мадрид писать портрет короля. Эта не дошедшая до нас работа произвела столь приятное впечатление на короля, что тот немедленно предложил Веласкесу должность придворного художника. Тот без раздумий принял это предложение.
Так же немалую пользу в жизни художника принесла встреча с Рубенсом, в качестве дипломата в 1628 году прибывшим в Мадрид. На протяжении девяти месяцев великие живописцы интенсивно общались. Видимо, именно Рубенс посоветовал Веласкесу посетить Италию. Вскоре после отъезда Рубенса Веласкес упросил короля дать ему разрешение на эту поездку, длившуюся с августа 1629 года по январь 1631 года. Вернувшись, домой, он продолжил свои государственные и художественные труды.
Творчество Веласкеса
Смелый, испанский живописец, которого от всех отличало то, что как никто другой он мог проникнуть в характер модели, обладая при этом обостренным чувством гармонии, тонкостью и насыщенностью колорита. По утверждению ранних биографов, он схватывал все буквально на лету, очень рано научился читать и уже в детстве начал собирать библиотеку, которая к концу жизни художника выросла в собрание, поражавшее современников своей величиной и универсальностью. Судя по составу этой библиотеки, Веласкес серьезно интересовался литературой, архитектурой, астрономией, историей, математикой и философией. Но сильнее всего его манила живопись…
Творчество Диего Веласкеса — вершина испанского искусства эпохи расцвета. Он сумел показать сложность и противоречивость натуры человека, его многогранность внешнего и внутреннего облика, он создал образы, проникнутые огромной жизненной силой.
Один из друзей Диего Веласкеса писал: «каждый мазок — сама правда», настолько художник обладал мастерством колорита, яркой передачей характеров людей, передачей светотеней и это все поражало современников.
Еще будучи юношей Диего Веласкес написал в 1617 г. картину «Завтрак» и в 1620 г. картины «Продавец воды», «Старая кухарка», эти картины написаны еще в темной манере, с резкими контурами света и тени, художник обратился к жанровой живописи, с любовью изображая простых людей, исполненных спокойного достоинства.
Когда Веласкесу исполнилось 23 года он стал придворным живописцем короля Филиппа IV, с того времени художник был навсегда привязан к королевскому двору, но ему удалось сохранить творческую свободу.
В мифологической картине «Вакх» (вакх — древнегреческий бог вина), которая была написана в 1628 — 1629 г. и хранится в мадридском музее Прадо, Веласкес изобразил гулянье крестьян под открытым небом. В этой картине еще остались некоторые детали от ранней темной манеры художника.
В исторической картине «Сдача Бреды», Веласкес запечатлил победу, которую одержали над голландцами испанские войска. Т
Веласкес будучи придворным художником постоянно писал портреты короля, королевы, принцев и принцесс. Но Веласкес не хотел изменять своему реалистическому искусству, он умел в каждом человеке, кем бы он ни был, найти основные черты характера и передать их ярко и красиво. Так, например, в портрете, написанном в 1644 г., короля Филиппа IV, одетого в роскошную красновато-розовую одежду, Веласкес изобразил безвольным, вялым, болезненным человеком. Графа Оливареса — суровым всесильным министром.
The Waterseller of Seville
Portrait of Pope Innocent X
Las Meninas
Веласкес писал портреты не только знати, но и придворных шутов, которые были призваны забавлять королевский двор. Он сумел подчеркнуть характеры этих шутов: скромную сдержанность умного карлика Эль Примо, трагическую напряженность калеки Моро. Портреты всех этих шутов были написаны художником в 1640 — х г. и хранятся они в музее Прадо.
«Портрет папы Иннокентия X», написанный в 1650 г. в Риме, считается вершиной мастерства портретного искусства Веласкеса. В этом портрете он сумел правдиво и ярко изобразить характер, показав за внешней грубостью папы — жестокость, злобу, железную волю и упрямость. С большим мастерством Веласкес передал все оттенки багрового лица папы, блеск малинового шелка одежды, пены белых кружев. Еще никто и никогда из художников не осмеливался так правдиво показать характер главы католической церкви.
В последние годы своей жизни Веласкес написал две знаменитые картины — «Менины» в 1656 г и «Пряхи» в 1657 г.
1652 г. художник был назначен королевским обер-гофмаршалом. Новая должность Веласкеса (в его обязанности входила подготовка и организация празднеств при дворе) отнимала много сил и времени. После большого праздника на границе с Францией, посвященного бракосочетанию инфанты Марии-Терезии с французским королём Людовиком XIV, художник тяжело заболел, и вскоре после возвращения в Мадрид, 6 августа 1660 года скончался.
Известные картины художника
Религиозные, исторические и мифологические сюжеты
«Поклонение волхвов» (1619, Прадо, Мадрид)..
«Христос в доме Марфы и Марии» (1620, Национальная галерея, Лондон).
«Изгнание мавров» (1627, Прадо, Мадрид).
«Триумф Вакха, или Пьяницы» (1628, Прадо, Мадрид).
«Кузница Вулкана» (1630, Прадо, Мадрид).
«Окровавленный плащ Иосифа приносят Иакову» (1630, монастырь Сан - Лоренсо, Эскориал)
«Распятый Христос» (1632, Прадо, Мадрид).
«Сдача Бреды (Лес Копий)» (1634-1635, Прадо, Мадрид).
«Бог войны Марс» (около 1640, Прадо, Мадрид)
«Эзоп» (около 1640, Прадо, Мадрид)
«Коронование Марии» (1645, Прадо, Мадрид)
«Меркурий и Аргус» (около 1659, Прадо, Мадрид)
Портреты
«Портрет молодого испанца» (1630-1631, Старая Пинакотека, Мюнхен)
«Портрет графа Оливареса» (ок.1638, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
«Конный портрет короля Филиппа IV» (1635, Прадо, Мадрид).
«Автопортрет» (1640, Музей изящных искусств, Валенсия)
«Дама с веером» (1640-1642, Собрание Уоллеса, Лондон)
«Портрет Филиппа IV в военном костюме, называемый Ла Фрага» (1644, Нью-Йорк, Галерея Фрик)
«Портрет Филиппа IV» (1656, Прадо, Мадрид).
(Всего было написано около полутора десятков портретов короля в течение 37 лет).
«Портрет папы Иннокентия X» (1650, Рим).
«Портрет инфанты Марии Терезы» (1651, собрание Леман, Нью-Йорк).
«Портрет инфанты Маргариты» (1660, Прадо, Мадрид).
«Менины (Фрейлины)» (1657, Прадо, Мадрид).
Мадрид
Диего Веласкес (1599-1660 гг.) – один из величайших художников всех времён.
Самое удивительное, как ему вообще удалось это доказать потомкам.
Он был придворным художником испанского короля. Написав бесчисленное количество его портретов, а также портретов его семейства и придворных.
Как правило, талант в таких условиях чахнет. Ведь нужно писать то, что понравится узкому кругу людей.
Шедевры же создаются по-другому. Гораздо чаще вопреки вкусам окружающих.
Но Веласкесу удалось невозможное. И яркое тому подтверждение – его главный шедевр «Менины».
«Менины» – портал в другой мир
Сюжет «Менин» Веласкеса сложный. Но он поддаётся расшифровке.
5-летняя инфанта (испанская принцесса) пришла в мастерскую художника в сопровождении своей свиты. Она захотела посмотреть, как создаётся портрет её родителей, королевской четы.
Сложность сюжета в том, что Веласкес изобразил эту сцену очень неординарно.
Половина персонажей смотрят на нас. Но на самом деле они смотрят на короля с королевой, которых рисует Веласкес. Поэтому он и стоит рядом с холстом.
О том, что это именно так, мы понимаем благодаря зеркалу за спиной художника.
В зеркале отражается пара. Это Король Филипп IV и его жена Марианна Австрийская.
Для меня эта задумка художника очевидна по одной простой причине.
В верхнем правом углу зеркала отражается красный занавес. Такой же оттенок красной краски мы видим и на палитре художника.
Несмотря на размытость изображения, нам нетрудно определить, что изображены именно Филипп IV и Марианна Австрийская. Слишком уж у них характерные черты. Достаточно посмотреть на другие их портреты.
Портреты Диего Веласкеса. Слева: Марианна Австрийская, Королева Испании. 1655-1657 гг. Музей Тиссен-Борнемисы, Мадрид. Справа: Филипп IV, Король Испании. 1644 г. Коллекция Фрика, Нью-Йорк
Веласкес сделал невообразимое. Он показал не тех, кого рисуют. А то, что видят те, кого рисуют. А видят они это нашими глазами. Ведь мы стоим на их месте.
Тем самым художник максимально вовлекает зрителя в пространство картины. И значительно это пространство расширяя. За счёт того, что мир картины виртуозно соединен с нашим миром.
Можно даже выразиться в фантастическом ключе. Два мира: тот, что за дверью и наш мир, соединены происходящим в картине. «Менины» – это портал между двумя мирами.
Невообразимый эксперимент Веласкеса
Сразу возникает вопрос, как Веласкесу удалось осуществить такой эксперимент?
На картине он изобразил испанскую принцессу. Это, конечно, одобрялось.
Но ещё и её свиту. В том числе карликов. Никому до Веласкеса не позволялась такая дерзость.
Задача придворного художника – прославлять короля и его подданных. Изображать доблесть, отвагу и иные качества его Величества. Которых вовсе могло не быть.
Настоящему мастеру это было скучно. К коим Веласкес и относился. И он пытался самовыражаться по мере возможности. А так как Филипп IV ему очень доверял, то художнику это позволялось.
Поэтому Веласкесу удалось создать серию портретов карликов, служивших шутами при дворе. На этих портретах – это не шуты, а обычные люди. Художник не делал различий между ними и людьми из высших сословий.
Диего Веласкес. Дон Себастьян де Морра. 1645 г. Музей Прадо, Мадрид. Другому художнику это бы не сошло с рук. Ведь карлики были по сути рабы, люди без прав. Часто их покупали за деньги, чтобы они служили в господском доме.
Проверьте себя: пройдите онлайн-тест
Автопортрет Веласкеса, «вшитый» в «Менины»
Ещё одну дерзость себе позволил Веласкес. Рядом с семьей короля он изобразил себя.
Диего Веласкес. Менины (фрагмент с автопортретом). 1656 г. Музей Прадо, Мадрид Известно, что Веласкес был честолюбив. Он выходец из небогатой еврейской семьи, мог позволить себе написать самого себя рядом с принцессой. Для того времени это было величайшим достижением.
Такого себе не мог позволить ни один придворный художник. До Веласкеса.
А после него это сделал лишь . Ему тоже было можно. Вот он стоит у холста позади семьи Карла IV. 150 лет спустя.
Франсиско Гойя. . 1800 г. Музей Прадо, Мадрид. О том, что Веласкес честолюбив, нам говорит ещё пару деталей. На момент написания картины мастеру было 57 лет. Но он явно написал себя моложе, лет на 15. Конечно, чтобы соответствовать окружению.
А ещё мы видим на его груди красный крест – это орден Сант-Яго, высшая награда в Испании в 17 веке. Но Веласкес получил его после написания картины.
Считается, что дорисовал орден другой художник по приказу короля уже после смерти Веласкеса. Но я больше склоняюсь к версии о том, что художник сделал это сам.
Слишком уж оттенок креста гармонирует с другими красными оттенками на картине. Особенно сочетается с украшениями на платьях инфанты и фрейлин.
Диего Веласкес. Менины (центральный фрагмент). 1656 г. Музей Прадо, Мадрид Кто же главный герой картины
Кто главный герой картины, сразу понятно. Инфанта Маргарита.
Именно ее Веласкес выделяет светом. Вернее более светлыми красками, создающими у нас иллюзию того, что девочка больше всех освещена.
Диего Веласкес. Менины (фрагмент). 1656 г. Музей Прадо, Мадрид Видно, что Веласкес рисует ее с особой нежностью. Розовые щечки, губки. Белокурые, по-детски жиденькие волосы.
Мы знаем, что художник искренне любил девочку. Она не могла не нравится. Несмотря на близкородственный брак ее родителей (ее мать была племянницей ее отцу), каким-то чудом девочка родилась здоровой и миловидной. К тому же имела необременительный для окружающих характер.
Также освещены светом фрейлины инфанты (по испански – менины). Они тоже миловидны. Картина называется в их честь. Но я не думаю, что так Веласкес назвал картину.
Долгое время она числилась в каталогах под названием «Семья Филлипа IV”. Видимо, название «Менины» закрепилось позднее, с лёгкой руки одного из хранителей картины.
В более приглушенном свете мы видим карлицу, няню инфанты. К ней относились при дворе благосклонно. Ведь она ухаживала за Маргаритой с рождения. Которая была на тот момент единственным выжившим ребёнком королевской четы.
Возможно, карлице ставили это в заслугу. Поэтому и наградили орденом. На картине она трогает его рукой и как бы демонстрирует нам.
Диего Веласкес. Фрагмент картины «Менины» (карлики). 1656 г. Музей Прадо, Мадрид А рядом с ней ещё один карлик-ребёнок. Он играюче поставил ногу на придворного пса. Дело в том, что лишь карлики могли вести себя раскованно при дворе. Обычный придворный себе такого позволить не мог, обижать пса инфанты.
Интересный факт. Того портрета Филиппа IV и королевы Марианны, который якобы Веласкес пишет в «Менинах», в реальности не существовало. Веласкес его выдумал.
А вот отдельный портрет инфанты Маргариты в этом же платье есть. На фоне того самого красного занавеса.Вопрос, почему? И вот мы приблизились к главной загадке картины…
Главная загадка «Менин»
Почему главные люди, влияющие на жизнь Веласкеса, на картине играют явно второстепенные роли?
Король с королевой лишь отражаются в дальнем зеркале. Маршал стоит в самой дали на лестнице, его черты еле различимы. Ещё один придворный и вовсе в тени.
Диего Веласкес. Менины (деталь). 1656 г. Музей Прадо, Мадрид На этот счёт мне очень импонирует гипотеза замечательного искусствоведа Паолы Волковой.
Все дело в положении Веласкеса при дворе. Со стороны может показаться, что оно было завидным.
Король назначил художника главным постельничим. Его мастерская примыкала к покоям короля. И он не только писал портреты, но и следил за порядком вещей и чистотой ночных горшков.
Для нас это кажется унизительным. Но тогда – нет. Ведь люди искренне верили, что Король – посланник божий. И мытьё за ним горшка – это привилегия, а не унижение.
Может Веласкес в это тоже хотел верить, но подсознательно догадывался о своём унизительном положении.
Да и другие придворные его не жаловали. Как раз за его приближенность к королю. Против него плели интриги.
«Менины» – это скрытый протест. И стремление задвинуть на второй план тех, кто его унижает.
А вот девочка-инфанта была ему близка и мила. Она в силу возраста и характера не желала ему зла. Более искренними были и карлики. И фрейлины. Поэтому они на первом плане.
Испанская живопись достигает вершины в творчестве Диего Родригес де Сильва Веласкеса (Diego Rodriguez de Silva Velazquez) (1599–1660), одного из величайших реалистов европейского искусства. Через долгие годы придворной службы Веласкес пронес идеи гуманизма, верность демократической традиции испанской культуры, любовь к простым людям. Более непосредственно и смело, чем его предшественники-живописцы, испанский художник обратился к реальной действительности, расширив тематику живописи, способствуя развитию в ней различных жанров. Испанский двор и аристократия ожили в его портретах со своей гордостью, грустью, своими пороками, напряженной жизнью страстей. В мифологических и жанровых картинах Веласкес показал национально-самобытные образы испанского народа.
Сила творчества Веласкеса – в глубине психологического анализа и чеканной отточенности характеристик. В своих портретах он не льстил моделям, но представлял каждого в индивидуальной неповторимости, национальной и социальной характерности. Своеобразие метода Веласкеса проявилось в эмоциональной сдержанности, с которой он стремился раскрыть в целостном единстве существенные черты характера, душевного и умственного склада человека в их сложности и противоречиях.
Диего Родригес де Сильва Веласкес – один из первых мастеров валерной живописи. Серые тона его картин переливаются множеством оттенков, черные легки и прозрачны. Яркие теплые тона, холодные голубые, темные почти всегда озарены ровным светом и образуют сдержанные тонкие гармонии. Виртуозный мазок разнообразен. Валеры не только обогащают цвета, которыми пользовался Веласкес, но и моделируют формы, окутывают их мерцающей световоздушной средой. Достоинства колорита сочетаются в картинах Веласкеса с ясностью и величественной простотой композиции, чувством меры.
Веласкес родился в Севилье, учился у Эрреры Старшего – художника-реалиста, создателя драматических суровых образов, затем у романиста Франсиско Пачеко, гуманиста, поэта, автора трактата по живописи. В семнадцать лет Веласкес получил звание мастера искусств. В ранний период творчества (1617–1621) он был близок к караваджизму, обратился к распространенной в Испании жанровой живописи – «бодегонес», изображая незатейливые сцены жизни простых людей в повседневной обстановке бедных темных харчевен, в кухнях, среди скромной утвари и скудных завтраков, скупо характеризующих суровую красоту народного быта. Уже в ранних работах обнаруживаются уверенность рисунка, монументальность как бы приближенных к зрителю форм, строгость крупнофигурных композиций, придающих особую значительность изображениям («Завтрак», около 1617, Санкт-Петербург, Эрмитаж; «Водонос», около 1620, Англия, Лондон, собрание Уэллингтон). Появляется характерное для Караваджо освещение – луч света, прорывающийся из оконца в темный интерьер, выявляет пластическую выразительность форм. Отказавшись от развернутого повествования, художник сосредоточил внимание на национальной характерности народных образов – горделивой сдержанности, прорывающейся темпераментности, удали, добродушии. Герои «бодегонес» колоритны, но психологически они еще статичны.
В 1623 году Веласкес переехал в Мадрид, где жил около 40 лет; он получил место придворного живописца короля Филиппа IV. Карьера придворного при самом чопорном и консервативном дворе Европы подчинила его жизнь жесткому церемониалу дворцового уклада. Вместе с тем здесь, при дворе, Веласкес освобождался от необходимости писать по заказам церкви, что ставило его в особое положение среди современников. Пребывание в мировой столице империи Габсбургов способствовало расширению жизненного и художественного кругозора. Веласкес приобщился к демократическим устремлениям общественной мысли того времени. Вместе с тем в королевской сокровищнице искусства, включающей множество шедевров, он знакомился с высшими достижениями европейской живописи. Hoвый период исканий Веласкеса в первую очередь сказался в портрете и бытовом жанре. Изображая короля и знать, он исходил из традиции испанского парадного портрета 16 века, но внутренняя характеристика портретируемых у Веласкеса многограннее. В портрете Филиппа IV (1628, Мадрид, Прадо) передано анемичное холодное лицо с бесстрастным взглядом и тяжелой челюстью; но данная в рост стройная фигура удлиненных пропорций с широким разворотом плеч и небольшой головой импозантна. Она занимает плоскость почти всего полотна, черный плащ придает обобщенность и величественность строгому силуэту, выделяющемуся темным пятном на сером фоне. Торжественность и статичность позы, сдержанность движений, замкнутость гордого лица выражают невозмутимость духа, внутреннюю собранность и высокомерную отчужденность. Веласкес воплотил в образе короля распространенный в испанском обществе идеал достойной личности, исполненной самообладания и чувства чести. Портрет почти суров по колориту и построен на контрасте бескровного лица, белого воротника и темного костюма. Красная скатерть стола мягко вписывается в серый фон, оживляя его.
Веласкес смело расширил границы бытового жанра, насыщая его содержательностью. В картине «Вакх» («Пьяницы», 1628–1629, Мадрид, Прадо) Веласкес обратился к мифологической теме, но интерпретировал ее в бытовом аспекте. Группа веселых бродяг, охмелевшие лица которых несут следы беспокойной жизни, изображена среди просторов полей и гор. С ними античный бог вина Вакх и фавны. Присутствие Вакха придало пирушке характер действа, как бы приобщающего простолюдинов к жизни вечных сил природы. В бродягах, овеянных вольным духом полей, с их удалью и широтой характеров подмечено что-то стихийное, природное, значительное – граница между возвышенным и низменным художником как бы стирается. Бытовой жанр приобретает новое звучание. Написанный в мастерской, пейзаж хранит следы условности, он не связан с фигурами, формы которых пролеплены контрастной светотенью. Но тонкость серебристо-перламутровых, сиреневатых тонов тела Вакха, оттененных розово-красным плащом, предвосхищает зрелую живописную манеру Веласкеса.
Для формирования Веласкеса-живописца большое значение имела поездка в Италию (1629–1631), знакомство с произведениями великих мастеров Возрождения. Вернувшись из Италии художник написал большую картину на современную историческую тему – «Сдача Бреды» (1634–1635, Мадрид, Прадо). Она посвящена взятию в 1625 году голландской крепости испанскими войсками. Художник отказался от распространенной в живописи 17 века парадно-аллегорической трактовки батальной темы, Веласкес положил начало реализму в исторической живописи. Драматические события истории раскрываются через тонкие психологические характеристики главных действующих лиц, изображенных с портретной достоверностью. Испанский адмирал Спинола принимает символические ключи от города из рук побежденного голландского полководца. За внешней светской сдержанностью Спинолы чувствуется и гордое сознание победы, и благородство его натуры: учтиво встречает он побежденного, отдавая должное отваге и несломленному духу голландцев. Их предводитель, прямодушный герцог Юстин Нассаусский – коренастый, в походной одежде, без светского лоска, в момент поражения не утрачивает человеческого достоинства, добивается почетных условий сдачи крепости. Оба лагеря – испанский и нидерландский – охарактеризованы объективно, с выявлением отличия национальных и социальных особенностей каждого из них. Гордые испанские гранды с утонченными лицами, строгой выправкой образуют компактную группу, над которой победоносно высится лес копий. Нидерландские солдаты – мужественные люди из народа. И хотя склонились перед неприятелем их копья и знамена, в свободных позах и открытых лицах доминирует выражение независимости духа.
Построенная на равновесии групп композиция разворачивается на огромном, уходящем вглубь пространстве равнины, на фоне Бреды с ее могучими форпостами. Центр композиции – эпизод передачи ключей, он же психологическая завязка картины,– окружен полукольцом действующих лиц, которые как бы вовлекают зрителя в событие. Широта замысла подчеркнута пейзажем, в котором отблески пламени и дым пожара сливаются с серебристым туманом летнего утра. Точно переданы приметы местности, следы недавних битв. Богатство красочной палитры, построенной на прозрачных валерах, решение проблемы изображения человека в световоздушной среде характеризуют новый этап творчества Веласкеса. Исчезают глухие темные тени, резкие линии, серебристый свет и воздух окутывают фигуры.
1630-е и 1640-е годы – время расцвета портретного искусства Веласкеса. Живописец создал галерею образов представителей испанского общества – аристократов, сановников, полководцев, кардиналов, дворян. Традиционные рамки портретных композиций изменились. Веласкес писал портреты-картины с пейзажным фоном, воспроизводившим воздушную глубину, мягкий серебристый свет, окутывающий фигуру, придает позам портретируемых большую элегантность, естественность («Портрет инфанта Фердинанда», около 1632, Мадрид, Прадо). Наряду с охотничьими портретами художник исполнял традиционные конные, достигая в них порою непосредственности и обаяния образа («Конный портрет инфанта Валтасара Карлоса», около 1635, Мадрид, Прадо). Более зорким становится его глаз к внутреннему миру изображенных людей.
В поколенном парадном портрете Филиппа IV (1644, Нью-Йорк, Музей Фрик) он утверждает новые принципы реалистического портрета. С блеском воспроизведенный великолепный костюм лишь обостряет впечатление заурядности, душевной инертности и безволия постаревшего короля.
Во время второй поездки в Италию Веласкес написал портрет папы Иннокентия X (1650, Рим, галерея Дориа-Памфили). По беспощадности и многогранности характеристики, по блеску живописного воплощения это один из лучших реалистических портретов в мировом искусстве. Тяжелым взглядом исподлобья недоброжелательно смотрит Иннокентий на зрителя. Непривлекательный внешне образ многопланов – Иннокентий хитер, жесток, двоедушен, но вместе с тем умен, решителен, проницателен, то есть как личность монолитен, значителен. Колорит портрета построен на мощном аккорде переливчатых темно-красных, вишневых, пурпурных, пламенно-розовых оттенков накидки, скуфьи, кресла и фона. Холодные голубые глаза, белоснежный воротник и мерцающие складки кружевного белого стихаря контрастируют с красными тонами, создают напряженность, созвучную образу человека сильных, но жестоких страстей, изображенного в момент их концентрации. Солнечные лучи, смягчая контуры, объединяют краски, голубые прозрачные тени и рефлексы рождают богатство полутонов. Портрет Иннокентия X открывает поздний этап творчества Веласкеса, когда он написал и ряд великолепных детских портретов, хранящих всю непосредственность и свежесть впечатлений от живой натуры, преображенной игрой светотени («Инфанта Маргарита», около 1660, Мадрид, Прадо; Киев, Музей западного и восточного искусства). Художник часто оказывает предпочтение свободной от аксессуарности погрудной форме, где портретируемый окружен воздушным золотистым фоном. С особой проникновенностью он изображает людей творческого, интеллектуального склада со сложным многогранным внутренним миром («Неизвестный», 1630-е годы, Лондон, собрание герцога Уеллингтона). Портрет ученика и слуги мавра Хуана Парехи (1649, Солсбери, собрание Радиор) – воплощение благородства, человечности и силы независимого характера.
Особое внимание обращает на себя серия портретов шутов и карликов испанского двора – людей, стоящих внизу иерархической лестницы. В них ярко отразилось уважение художника к человеческому достоинству, внутреннему миру обездоленных. Правдиво передавая духовную и физическую неполноценность, Веласкес раскрыл в их образах человечность и поднялся до скорбного трагизма. С немощным телом Эль Примо (1644, Мадрид, Прадо) контрастирует его умное сосредоточенное лицо, сдержанно-печальное, полное душевной красоты и значительности. Растерянный Эль Бобо из Кории (около 1648, Мадрид, Прадо) забился в угол. Лихорадочно-беспомощно потирает он дрожащие руки, в глазах проскальзывает неясное душевное движение, но в страдальческой робкой улыбке много трогательно-детского, просветленного. Мягкие черты растворяются в потоке света, обостряя выражение взволнованности. Точка зрения сверху вниз, избранная художником, сжатое пространство, как бы теснящее юношу, усиливают чувство одиночества, подавленности.
В поздний период творчества Веласкес создает замечательные по силе обобщения и сложности композиции. В условиях наступления католической реакции в Испании он воскрешает античную тему, волновавшую мастеров итальянского Возрождения. В картине «Венера с зеркалом» (около 1657, Лондон, Национальная галерея), развивая традиции Тициана, Веласкес идет дальше в сближении образа богини с реальной женщиной. Полная обаяния молодая испанка запечатлена на ложе в случайной непринужденной позе. Неожиданная точка зрения со спины, избранная художником, подчеркивает острую красоту гибкого тела. Зеркальное отражение лица фиксирует самосозерцание, в которое погружена молодая женщина.
В картине «Менины», или «Фрейлины» (1656, Мадрид, Прадо), художник тонко улавливает внутреннюю подвижность и изменчивость жизни, ее контрастные аспекты. Перед зрителем как бы выхвачена из жизни сцена повседневного быта королевского двора. В левой части комнаты Веласкес изобразил себя во время работы над парадным портретом королевской четы. Но зритель видит ее только в зеркальном отражении позади художника. Присутствующие на сеансе инфанта Маргарита, менины и карлики в церемониальных позах готовятся приветствовать царственных особ.
Жанровые эпизоды – расшалившийся карлик со спящей собакой, беседующие придворные, фрейлина, подносящая бокал воды инфанте, гофмаршал, отодвигающий гардину с окна,– случайности обыденной жизни, нарушающие статичность церемониального дворцового уклада. Синтез двух пространств – прямого, уходящего вглубь к окну, через которое врывается солнечный свет, и воображаемого зеркального, расширяющего пространство,– разрушает замкнутость композиции, включает ее в поток реальной жизни. В этом окружении динамичного пространства доминирует образ самого художника, исполненного творческого самоуглубления, возвышающегося и над парадным и над случайным в жизни.
Картина «Менины» написана с удивительной смелостью, легкостью и свежестью. Веласкес применяет мазки чистых цветов, не смешивая их на палитре; для зрителя, находящегося на расстоянии от картины, они сливаются, создавая впечатление струящегося, пронизанного серебристым светом воздуха, смягчающего резкие очертания фигур, объединяющего в единое целое передний и удаленные планы. Общий серовато-зеленый и серо-коричневые тона картины смягчают яркие краски, доминируют черный, серебристо-белый, серо-жемчужный, коричнево-серый и зеленый цвета. В них мягко вписываются розовое платье инфанты, ее хорошенькое, с трепетно-нежными очертаниями надменное лицо с живыми глазами, в обрамлении золотистых волос, кораллово-красные и голубые цвета лент на платьях и в волосах инфанты и фрейлин, световые блики на потолке комнаты. «Это не картина, а сама жизнь»,– писал о «Менинах» французский писатель Теофиль Готье. Совершенна композиция картины, основанная на равновесии фигур и архитектурных форм. Композиционно картина делится на две части: верхнюю – свободную, нижнюю – занятую фигурами. В свою очередь каждая половина имеет свои внутренние деления. Ясность пропорций рождает у зрителя чувство гармонии.
Веласкес одним из первых среди художников Западной Европы воспел красоту повседневного человеческого труда, изобразив гобеленную мастерскую с ее рабочей обстановкой. В монументальной композиции «Пряхи» (1657, Мадрид, Прадо) одновременно изображены сцены труда (испанские пряхи за работой – на переднем плане), светской жизни (нарядные дамы, рассматривающие великолепный гобелен,– на дальнем плане) и миф (об Афине и ткачихе Арахне), вытканный на гобелене, повешенном на стене дальнего плана. По широте охвата мира в «Пряхах» Веласкес идет дальше, чем в «Менинах». Картина прекрасно скомпонована, сосредоточенные на своей работе пряхи полны энергии, объединенные единым размеренным ритмом движения, их позы грациозны и непринужденны, ловкие жесты уверенны. Среди них выделяется женственной прелестью девушка справа. Два источника солнечного света создают ощущение пространства и глубины интерьера гобеленной мастерской. Погруженная в полумрак прозрачных теней среда напоена мерцающим золотистым светом. В атмосфере дальнего плана растворяются контуры предметов, и вытканные на коврах мифологические фигуры сливаются в живописном единстве с изображенными реальными. Созвучие нежнейших серо-голубых, розовых, светло-синих, сиренево-розовых, блекло-желтых, светло-красных и серебристо-белых тонов преображает дальний план в мир чистой поэзии. Красота сцены переднего плана выражена сдержанными, но насыщенными красно-коричневыми, сине-зелены- ми, черно-коричневыми и густо-красными тонами. Композиционная находка Веласкеса – сопоставление двух различных по характеру сцен дало возможность правдиво выразить представление художника о многообразии реального мира, о красоте жизни, сочетающей обе реальности – поэтическую, сотворенную руками простых работниц, прославивших пряху Арахну, наделенную творческой силой, и материально осязаемую, конкретную, воплощенную в созидательницах прекрасных ковров. Картина «Пряхи» наглядно объясняет существо испанского реализма и, в частности, реализма Веласкеса – путь к красоте через обыденную действительность.
Открытия Веласкеса в области цвета и света, его могучий реализм оказали влияние на живопись 18–19 столетий. С середины 17 века испанское искусство утратило непосредственную связь с жизнью. В нем усилились черты идеализации, внешней эффектности, обнаружились мистические тенденции. Последним крупным живописцем севильской школы, где живопись дольше сохраняла верность реализму, был Бартоломео-Эстебан Мурильо (1617–1682), крупный живописец, произведения которого отличались гармоничностью колорита, тонко воспроизводили эффекты света, воздушность среды. К лучшим его работам относятся изображения уличных мальчишек, играющих в кости, лакомящихся и т. п. («Мальчик с собакой», 1650-е годы, Санкт-Петербург, Эрмитаж). Строгая простота в трактовке сцен из народной жизни и религиозных сюжетов позже вытеснилась бесхарактерностью, сентиментальностью, внешней красивостью и сухостью исполнения.
Экономический и политический упадок Испании во второй половине 17 века тяжело отразился на всех областях жизни. Настроение разочарованности заставило искать ухода от действительности. К концу 17 – началу 18 столетий в испанском искусстве утвердился стиль барокко со свойственными ему пышной декоративностью и театральностью.
При упоминании золотого века испанской культуры в первую очередь вспоминаются такие имена, как Мигель де Сервантес и Картины Веласкеса украшают выставочные залы России, Великобритании, США, Германии, Венгрии, Италии, Австрии и, что понятно, Испании.
Место Веласкеса в мировой живописи
Японские инженеры изобрели машину, которая рассчитала, кто из мировых художников имеет наибольший вес и значение для человечества. Она ставила баллы по множеству разных категорий. Наибольшее количество баллов по всем категориям набрал Рафаэль. Он занял первое место. Второе занял 17 века Диего Веласкес. Картины его хранятся в самых знаменитых Три полотна есть в правда, одно - со спорной атрибуцией.
В этой статье мы подробно остановимся только на двух работах, которые написал поздний Веласкес - картины с названиями «Менины» и «Пряхи». Они представлены на двух нижних фотографиях.
Расцвет Испанской империи
Веласкес родился в 1599-м, а умер в 1660 году. Это период, когда Испания правила миром. Границы империи простирались далеко за пределы одного материка. Помимо колоний в Европе, Испания владычествовала над территориями, расположенными на американских континентах, в Африке, Азии и Океании. Процесс захвата и присоединения земель происходил настолько быстро, что удерживать над ними контроль стало большой проблемой и главнейшей задачей Габсбургов. Освоение колоний, утверждение господства над ними, установление новых правил на присоединённых территориях удивительным образом отразилось на укладе жизни старой Испании. Возникли новые светские ритуалы, мода на сковывающую движения одежду, политически обоснованные кровосмесительные династические браки.
Магия двух поздних работ
Много интересного об эпохе мы могли бы не узнать и не понять, если бы не Веласкес. проливают свет на множество интересных фактов из жизни испанской знати и простого народа того времени. В них зашифрованы и подробности биографии самого художника. В этом контексте чрезвычайно интересны две работы, которые написал в 1656 и 1657 годах Диего Веласкес - картины «Менины» («Фрейлины») и «Пряхи, или Миф об Арахне» («Фабрика гобелена Санта-Исабель в Мадриде»).
Визуально-психологический эффект, производимый на людей названными полотнами, натуральный размер которых 318х276 и 222,5х293, можно определить словом «жутковатый». Самые лучшие репродукции не дают объективного представления о том, что в реальности представляют собой эти две картины. Описание Веласкесом инфанты Маргариты со свитой в первом случае и компании прях во втором создают у зрителей иллюзию присутствия в мастерской художника или в прядильне.
Манера работы великого испанца
Веласкес картины писал в особенной манере. Он практически не делал лишний мазков, прорисовок, эскизов. Эту суетливую работу он проводил в своей голове. Поэтому у многих складывалось впечатление, что он и не напрягается вовсе. Постоит, посмотрит, походит, попьёт воды... Может быть, он забыл о работе? Ничуть не бывало. Возвращается к мольберту и делает несколько уверенных мазков. Его замысел становится очевиден только после завершения работы. Даже не так. Его картины очень многоплановы. В них можно разбираться бесконечно долго - слишком много смыслов в них спрятано.
«Менины»
Искусствоведы считают, что на этой картине Веласкес изобразил себя. Одни утверждают, что он и есть тот человек, который стоит за мольбертом и держит в руках кисть и палитру. Другие уверены: Веласкес - это человек в проёме двери. Кто прав и почему возникло это противостояние?
Дело в том, что у художника на картине на груди - крест ордена Сант-Яго, а у Веласкеса его тогда ещё не было. Он не мог его подрисовать ни до присвоения, ни после. До - это неэтично, после - невозможно, так как картина ему уже не принадлежала. Если предположить, что крест пририсовал ему сам Филипп, то это всё равно не укладывается в концепцию картины. Представьте себе её без этого красного знака - равновесие всего изображения нарушается, вес картины устремляется в верхний левый угол. Мастер композиции не мог допустить подобной оплошности.
Кроме того, обратите внимание на палитру. Если человек, держащий её в руке, рисует то, что перед ним, тогда почему цвета красок не совпадают? Предположить, что это - сам Веласкес, пишущий портрет королевской четы? Но доподлинно известно - у Веласкеса никогда не было картин, где Филипп изображён с супругой, Марианной Австрийской.
Кого же рисует этот художник? Что говорят те, кто придерживается точки зрения, будто сам Веласкес и человек в окружении света в дверном проёме - одно и то же лицо?
Во-первых, проследите за направлениями рук карликов, за наклоном голов фрейлин и инфанты, продлите линию палитры - они сходятся на человеке в дверном проёме.
Во-вторых, если представить, что у человека в дверном проёме в руке кисть, а за пределами картины, там, где стоят король и королева, и где находится зритель, то есть мы с вами, повесить большое зеркало, то отражение будет точно соответствовать всему тому, что изображено на картине.
В-третьих, не забывайте, что картина очень большого размера. Так вот, если внимательно рассмотреть лицо, то можно заметить, что этот человек очень похож на мужчину с «Портрета молодого человека», «Завтрака», римского портрета и «Сдачи Бреды», только в разном возрасте. Какой смысл Веласкесу было так старательно компоновать сюжет, чтобы написать, пусть даже высокопоставленного, но всего лишь придворного? Получается, что король с королевой и инфанта позируют ради своего подданного? Абсурд.
И ещё. Первоначально возле мольберта была изображена инфанта Мария-Тереза, а гранд с кистью выглядывал из-за её плеча. Стереть инфанту и изобразить себя с несуществующим орденом, в очень горделивой и неестественной для живописца позе, а присутствующих здесь и позирующих Филиппа и Маргариту лишь далёкими отражениями в зеркале? Возможно ли это?
Утончённая месть?
Похоже, что художник посмеялся над неким грандом, выставив его напоказ в роли человека, занимающегося трудом живописца, что позорно для дворянина. Придворные интриги, зависть и подлость вельмож могли заставить Веласкеса придумать такой сюжет для группового портрета инфанты Маргариты, которую он очень любил, часто рисовал и на этой картине изобразил с большой любовью. Она очень мила. Девочке всего пять лет, но признаки вырождения - следствие родственных браков - уже заметны: рахитичный лоб, жиденькие волосы, большие прозрачные глаза. Чтобы это не бросалось в глаза и не вызывало неприязнь, Веласкес поместил рядом с девочкой её воспитательницу - карлицу Мари Барболу.
Оказаться на одной картине вместе с монаршими особами - большая честь, но быть запечатлённым в роли человека, выполняющего презираемую живописца - несмываемый позор для гранда и всех его потомков. Дилемма… Такова месть Веласкеса царедворцу, чинившему ему козни от зависти к блестящей карьере, ведь художник, кроме всего прочего, ещё и Квартирмейстер Дворца Его Величества.
«Пряхи»
Что можно сказать про следующее полотно, которое написал на закате жизни 58-летний Веласкес? «Пряхи» (описание картины заслуживает большого внимания, так как на ней изображены только женщины) - это портрет трёх любимых женщин художника. Они изображены на переднем плане, в центре картины. Миф об Арахне, превзошедшей мастерством Афину и превращённой за это в паука, странным образом спроецирован на женщин, сыгравших очень большую, возможно, главную роль в жизни художника. Высокопоставленный придворный, дворянин, род которого по линии отца начинается с Энея Сильвия, бывшего внуком прародителя римлян, рыцарь, умнейший человек... Но прежде всего Веласкес - художник. Картины, созданные им, содержат великое множество загадок, но в них заложены и ответы на них.
Любовь в судьбе живописца
Почему эти женщины в простых платьях, без красивых корсетов, кринолинов и плоёных воротников? Он не хочет, чтобы они чувствовали себя скованными неудобной одеждой моды тех лет? Ему дорого их здоровье и самочувствие? А может быть, он показывает, что они свободны и счастливы настолько, что могут не стремиться соответствовать жёстким требованиям этикета? Они могущественнее богов, так как привели его к вершине славы и карьеры? Вероятно. Но, как Арахна, он превращён в насекомое и, подобно ему, вечно ткущему паутину, должен до самой смерти быть прикованным к королевскому двору с его вечными подковёрными интригами, хитростью, кознями. И нет этому конца, и нет покоя. Это лишь одна из трактовок сюжета картины, которую написал за три года до смерти Веласкес.
Картины, написанные им в поздний период, полны тайн, которые очень интересно разгадывать. Они подталкивают к изучению истории, а это весьма полезное занятие.
Диего Веласкес. Портрет юноши. (Автопортрет) 1622-23 г.г. Музей Прадо, Мадрид, Испания
ДИЕГО ВЕЛАСКЕС (DIEGO VELAZQUEZ)
Полное имя - ДИЕГО РОДРИГЕС ДЕ СИЛЬВА-И-ВЕЛАСКЕС
Величайший испанский художник-реалист, заложивший основы психологического портрета в искусстве Европы. Внимание художника привлекали мифологические, исторические картины, пейзаж, бытовые сцены. Веласкес родился в небогатой дворянской семье в Севилье. Отец его, происходивший из португальского семейства, лет за сто перед тем переселившегося в Андалузию, предназначал будущего художника для судебной или литературной карьеры, но ввиду обнаружившейся в нём страсти к рисованию не мешал ему сделаться живописцем.
Don Diego del Corral y Arellano, oidor del Consejo Supremo de Castilla
В 1611 году Диего был отдан в обучение известному художнику Франсиско Пачеко (1564–1645), гуманисту, поэту, автору трактата по живописи. В его мастерской Веласкес учился рисунку, умению работать с натуры, изучал живописные приемы. В 1617 он был принят в корпорацию художников Севильи, что давало ему право иметь собственную мастерскую и получать заказы. В 1618 Веласкес женился на дочери своего учителя Ф.Пачеко. Большинство ранних работ Веласкеса, созданных им в период обучения и сразу после него, посвящено изображению бытовых сцен, главными героями которых становятся простые люди Севильи. Они созданы в жанре «бодегонес», распространенном в первой половине 17 в. в Испании, на них изображались трактиры и харчевни (по испански «бодегон»). В ранних работах Веласкеса сцены решаются статично, немногочисленные действующие лица помещены на переднем плане, приближены к зрителю, фон темный, детали тщательно прописаны. В 1617–1622 годах им создаются произведения: «Завтрак» (1617, С.-Петербург, Эрмитаж), «Старая кухарка» (1618, Эдинбург, Национальная галерея), «Водонос» (ок. 1620, Лондон, собрание Веллингтона). И в картинах на религиозную тематику Веласкеса прослеживаются традиции бодегонес: «Поклонение волхвов» (1619, Мадрид, Прадо), «Христос у Марфы и Марии» (1618, Лондон, Национальная галерея). В эти годы художник пишет первые портреты, в которых определяются особенности Веласкеса-портретиста – остро схваченное сходство, яркость выявления индивидуальности. Яркий пример - «Портрет монахини Херонимы де ла Фуенте» (1620, Лондон, Национальная галерея).
Felipe IV ecuestre
В 1622 Веласкес едет в Мадрид, но вскоре возвращается в Севилью, а в 1623 королевский капеллан Фонсека вызывает Веласкеса вновь в столицу. Написанный и показанный при дворе портрет капеллана поразил всех реалистичностью трактовки образа и вызвал одобрение короля. В 1623 году Веласкес был удостоен заказом изобразить короля Филиппа IV верхом на коне и столь удачно исполнил эту работу, что удивил ею весь двор и приобрёл себе титул королевского живописца. Веласкес пользуется покровительством Филиппа IV. 6 октября 1623 он назначен придворным живописцем, вскоре становится камергером короля, получает во дворце мастерскую рядом с королевскими покоями, назначен хранителем королевских коллекций, что давало возможность изучать произведения прославленных мастеров. В 1627 г., по конкурсу с Кахесом, Нарди и Кардучо, он написал картину "Изгнание мавров" и получил звание гофмейстера. В первые годы пребывания в Мадриде Веласкес выполнил ряд официальных заказов: парадные портреты короля, членов его семьи, представителей знати. Но Веласкес не ограничивался достижением портретного сходства, он отражал внутренний мир человека. Заказанная королем картина «Вакх» (Пьяницы) (1629, Мадрид, Прадо) на мифологическую тематику трактуется Веласкесом как сцена из народной жизни, пирушка веселых крестьян. Вместо темного фона в полотне появился пейзаж. Эта первая работа Веласкеса на мифологический сюжет, хотя и интерпретированная в бытовом аспекте, была одобрена королем.
Juan Francisco Pimentel, conde de Benavente
Знакомство с Рубенсом во время приезда последнего в Мадрид в 1628 году возбудило в Веласкесе желание посетить Италию. В 1629 Веласкес едет в Италию на два года, знакомясь с памятниками античности, эпохи Возрождения. Прибыв в Рим, Веласкес был приглашен остановиться в Ватикане, где он, пользуясь покровительством папы, копирует фрески Микеланджело и Рафаэля. Вновь обращаясь к мифологической теме в «Кузнице Вулкана» (1630, Мадрид, Прадо), Веласкес придает изображению жанровый характер. В этой картине проявилась основная черта испанского искусства – стремление самые далекие от реальности сюжеты представить в привычных образах, взятых из современной жизни. В 1631 Веласкес возвращается в Мадрид и получает заказ от короля написать портрет наследника трона: «Портрет Бальтасара Карлоса в сопровождении карлика» (1631, Бостон, Музей изящных искусств). В это же время Веласкес создает «Распятие» (1631, Мадрид, Прадо) для монастыря бенедиктинок Сан Пласидо в Мадриде, написанное легкими, прозрачными мазками. Он все больше внимания уделяет пейзажу, который в живописи Испании еще не получил самостоятельности. Но мастер использует пейзаж в качестве фона в сериях парадных конных портретов, которые он создает по заказу короля в 1630-е. Первая серия из шести картин отличается подчеркнутой официальностью. Вторая серия из трех портретов, на которых члены королевской семьи показаны в охотничьих костюмах, отличается большей интимностью. Пейзаж в этих портретах становится не только фоном, но и вносит нотки настроения.
Самое крупное произведение Веласкеса 1630-х – историческая картина «Сдача Бреды» (1634–1635, Мадрид, Прадо). Она предназначалась для королевского загородного дворца Буэн-Ретиро и должна была украшать «Зал королей». Показан момент войны между Голландией и Испанией и взятие голландской крепости Бреда.
La Infanta Marнa Margarita, hija de Felipe IV, Rey de Espaсa
La reina Margarita de Austria, mujer de Felipe III
Queen Isabel, Standing
В 1634 г. знаменитый художник получил почётное звание королевского гардеробмейстера, в 1643 году - камердинера и в 1642-44 гг. сопровождал короля в его походе для усмирения Арагонии. В 40-е, в период зрелости, Веласкес пишет много портретов. Известен парадный «Портрет короля в военном костюме», т.н. «Ля Фрага» (1644, Нью-Йорк, Музей Фрик), получивший свое название, т.к. был написан в г. Фрага. В эти же годы Веласкес пишет ряд камерных портретов, сосредотачивая внимание на лице заказчика и его внутреннем мире. Среди портретов 30–40-х особое место занимают серия портретов королевских шутов, душевнобольных и карликов. Изображения карликов поражают энергией, умом, взглядами, полными внутренней силы, скорби, что составляет контраст с их физической немощью. В 1649 Веласкес вновь едет в Италию покупать картины для королевской коллекции. В Италии в 1650 Веласкес был принят в члены художественной академии св. Луки. Проведя в Италии два года, Веласкес обращается к пейзажу. Он создает две небольшие пейзажные картины «Виды виллы Медичи» (1650, Мадрид, Прадо), на которых изображаются запущенные уголки парка виллы Медичи. В Италии Веласкес продолжает писать портреты, получая много заказов. «Портрет Папы Иннокентия X» (1650, Рим, Галерея Дориа) – одна из вершин европейского портретного реализма 17 в.
В 1651 Веласкес возвращается в Мадрид, где он создает знаменитую «Венеру с зеркалом» (1657, Лондон, Национальная галерея). Тема античной богини любви и красоты была навеяна итальянскими впечатлениями, хотя в Испании изображение обнаженного женского тела запрещалось инквизицией.
В 1656 Веласкес создает знаменитые «Менины» (Фрейлины) (1656, Мадрид, Прадо) – полотно высотой более трех метров с фигурами в натуральную величину. Художник показывает свою мастерскую, расположенную во дворце. В большом зале стоя перед холстом, он пишет портрет королевской четы, которая находится за пределами картины, отражения монархов видно в зеркале, висящем на противоположной стене.
В 1657 была создана картина «Пряхи или Миф об Арахне» (1657, Мадрид, Прадо) – изображение мастерской, где реставрировались и ткались ковры для украшения дворцовых залов. Это произведение – первое в истории европейского искусства произведение, прославляющее деятельность простого человека.
Retrato ecuestre del conde-duque de Olivares
Mano de hombre
В 1659 Веласкесу было пожаловано звание кавалера ордена Сант-Яго – одного из высших орденов Испании. В последние годы жизни Веласкес создает множество женских портретов: портреты инфанты Маргариты, два из которых находятся в Вене, в Музее истории искусств. Будучи сделан в 1652 г. королевским обер-гофмаршалом, Веласкес исполнял эту хлопотливую должность с редкою добросовестностью, хотя она и отнимала много времени от его художественных занятий, и в 1660 г. сопровождал Филиппа IV в его поездке на границу Франции, для свидания с королём Людовиком XIV по случаю бракосочетания последнего с инфантой Марией-Терезией. Устройство празднеств, сопровождавших это свидание, так утомило художника, что он заболел, и вскоре по возвращении своём в Мадрид скончался. Веласкес оказал на живопись своей родины большое влияние, и в числе его учеников были Мурильо, Kappeньо де Миранда, Пареха, Масо-Мартинес и др. выдающиеся испанские мастера.
