संगीत पाठ "विदेशी संगीतकार" के लिए प्रस्तुति। विश्व के महान संगीतकार

इस लेख में चर्चा किए गए संगीतकारों में से किसी को भी आसानी से शास्त्रीय संगीत का अब तक का सबसे महान संगीतकार कहा जा सकता है।

हालाँकि कई शताब्दियों में बनाए गए संगीत की तुलना करना असंभव है, ये सभी संगीतकार अपने समकालीनों की पृष्ठभूमि के मुकाबले बहुत स्पष्ट रूप से खड़े हैं। अपने कार्यों में उन्होंने शास्त्रीय संगीत की सीमाओं का विस्तार करने, इसमें नई ऊंचाइयों तक पहुंचने की कोशिश की जो पहले अप्राप्य थीं।

नीचे सूचीबद्ध सभी महान शास्त्रीय संगीत संगीतकार प्रथम स्थान के योग्य हैं, इसलिए सूची संगीतकार के महत्व के आधार पर नहीं, बल्कि संदर्भ के लिए जानकारी के रूप में प्रस्तुत की गई है।

विश्व क्लासिक्स के लिए, बीथोवेन एक बहुत ही महत्वपूर्ण व्यक्ति हैं। दुनिया में सर्वाधिक प्रदर्शन करने वाले संगीतकारों में से एक। उन्होंने अपने समय की सभी मौजूदा शैलियों में अपनी रचनाएँ कीं। यह संगीत में रूमानियत के दौर का अग्रदूत है। लुडविग वान बीथोवेन द्वारा छोड़ी गई संपूर्ण विरासत में वाद्य कार्यों को सबसे महत्वपूर्ण माना जाता है।

विश्व संगीत के इतिहास में सबसे महान संगीतकार और ऑर्गेनिस्ट। बैरोक युग का प्रतिनिधि है। अपने पूरे जीवन में उन्होंने एक हजार से अधिक रचनाएँ लिखीं, हालाँकि, उनके जीवनकाल में केवल लगभग एक दर्जन ही प्रकाशित हुए। उन्होंने ओपेरा को छोड़कर अपने समय की सभी शैलियों में काम किया। वह संगीत में सबसे प्रसिद्ध बाख राजवंश के संस्थापक हैं।

संगीतकार और कंडक्टर, ऑस्ट्रिया के एक प्रतिभाशाली वायलिन वादक और ऑर्गेनिस्ट के पास एक अविश्वसनीय संगीत स्मृति और अद्भुत सुनवाई थी। उन्होंने कम उम्र से ही सृजन करना शुरू कर दिया था और संगीत की सभी शैलियों में सफल हुए, जिसके लिए उन्हें इतिहास में शास्त्रीय संगीत के महान संगीतकारों में से एक के रूप में पहचाना जाता है।

मोजार्ट का सबसे गूढ़ और रहस्यमय काम, "रिक्विम" लेखक द्वारा कभी पूरा नहीं किया गया था। इसका कारण पैंतीस वर्ष की आयु में आकस्मिक मृत्यु थी। उनके छात्र फ्रांज सुसमायेर ने रिक्विम पर काम पूरा किया।

महान जर्मन संगीतकार, नाटककार, संचालक और दार्शनिक। उन्नीसवीं और बीसवीं शताब्दी के अंत में आधुनिकतावाद और सामान्य तौर पर संपूर्ण यूरोपीय संस्कृति पर उनका बहुत बड़ा प्रभाव था।

बवेरिया के लुडविग द्वितीय के आदेश से वैगनर के विचारों के अनुसार बेयरुथ में एक ओपेरा हाउस बनाया गया था। यह विशेष रूप से संगीतकार के कार्यों के लिए था। वैगनर के संगीत नाटक आज भी वहां दिखाए जाते हैं।

रूसी संगीतकार, कंडक्टर और संगीत समीक्षक दुनिया के सर्वश्रेष्ठ मेलोडिस्टों में से एक हैं। उनके काम ने विश्व क्लासिक्स के विकास में बहुत बड़ा योगदान दिया। वह शास्त्रीय संगीत प्रेमियों के बीच बेहद लोकप्रिय संगीतकार हैं। अपने कार्यों में, प्योत्र इलिच त्चिकोवस्की ने पश्चिमी सिम्फनी की शैली को रूसी परंपराओं के साथ सफलतापूर्वक जोड़ा।

ऑस्ट्रिया के एक महान संगीतकार, और एक कंडक्टर, और एक वायलिन वादक, और दुनिया के सभी लोगों द्वारा "वाल्ट्ज के राजा" के रूप में मान्यता प्राप्त। उनका काम हल्के नृत्य संगीत और ओपेरेटा को समर्पित था। उनकी विरासत में पाँच सौ से अधिक वाल्ट्ज़, क्वाड्रिल, पोल्का और कई ओपेरा और बैले शामिल हैं। उन्नीसवीं सदी में, स्ट्रॉस के लिए धन्यवाद, वाल्ट्ज ने वियना में अविश्वसनीय लोकप्रियता हासिल की।

इतालवी संगीतकार, गुणी गिटारवादक और वायलिन वादक। संगीत इतिहास में एक बहुत ही उज्ज्वल और असामान्य व्यक्तित्व, वह संगीत की विश्व कला में एक मान्यता प्राप्त प्रतिभा है। इस महान व्यक्ति का संपूर्ण कार्य एक निश्चित रहस्य में डूबा हुआ था, इसके लिए स्वयं पगनिनी को धन्यवाद। उन्होंने अपने कार्यों में नई, पहले से अज्ञात प्रकार की वायलिन तकनीक की खोज की। वह संगीत में रूमानियत के संस्थापकों में से एक हैं।

शास्त्रीय संगीत के इन सभी महान संगीतकारों का इसके विकास और उन्नति पर बहुत बड़ा प्रभाव था। समय और पूरी पीढ़ियों द्वारा परखा गया उनका संगीत आज मांग में है, शायद उनके जीवनकाल की तुलना में कहीं अधिक। उन्होंने अमर रचनाएँ रचीं जो जीवित हैं और अगली पीढ़ियों तक चली जाती हैं, उनमें ऐसी भावनाएँ और भावनाएँ हैं जो उन्हें शाश्वत के बारे में सोचने पर मजबूर करती हैं।

इसलिए, लुडविग वान बीथोवेन को तीसरी शताब्दी के महानतम संगीतकारों में से एक माना गया है। उनकी रचनाएँ सबसे परिष्कृत श्रोताओं की आत्मा और दिमाग पर गहरी छाप छोड़ती हैं। अपने समय में एक वास्तविक सफलता डी माइनर में संगीतकार की 9वीं सिम्फनी का प्रीमियर था, जिसके समापन में शिलर के एक पाठ पर प्रसिद्ध कोरल "ओड टू जॉय" बजता है। आधुनिक फिल्मों में से एक संपूर्ण सिम्फनी का एक अच्छा असेंबल दिखाती है। यह सुनिश्चित करें कि आपने इसे देख किया!

एल वैन बीथोवेन सिम्फनी नंबर 9, डी माइनर (वीडियो संपादन)

रूसी संगीतकारों के कार्यों के बिना विश्व शास्त्रीय संगीत की कल्पना नहीं की जा सकती। रूस, प्रतिभाशाली लोगों और अपनी सांस्कृतिक विरासत वाला एक महान देश, हमेशा संगीत सहित विश्व प्रगति और कला के अग्रणी इंजनों में से एक रहा है। रचना का रूसी स्कूल, जिसकी परंपराओं की निरंतरता सोवियत और आज के रूसी स्कूल थे, 19 वीं शताब्दी में संगीतकारों के साथ शुरू हुई जिन्होंने यूरोपीय संगीत कला को रूसी लोक धुनों के साथ जोड़ा, यूरोपीय रूप और रूसी भावना को एक साथ जोड़ा।

इनमें से प्रत्येक प्रसिद्ध व्यक्ति के बारे में बहुत कुछ कहा जा सकता है; उन सभी का भाग्य कठिन और कभी-कभी दुखद होता है, लेकिन इस समीक्षा में हमने संगीतकारों के जीवन और कार्य का केवल एक संक्षिप्त विवरण देने का प्रयास किया है।

1.मिखाइल इवानोविच ग्लिंका (1804—1857)

मिखाइल इवानोविच ग्लिंका रूसी शास्त्रीय संगीत के संस्थापक और विश्व प्रसिद्धि हासिल करने वाले पहले रूसी शास्त्रीय संगीतकार हैं। रूसी लोक संगीत की सदियों पुरानी परंपराओं पर आधारित उनकी रचनाएँ, हमारे देश की संगीत कला में एक नया शब्द थीं।
स्मोलेंस्क प्रांत में जन्मे, उन्होंने अपनी शिक्षा सेंट पीटर्सबर्ग में प्राप्त की। विश्वदृष्टि का गठन और मिखाइल ग्लिंका के काम का मुख्य विचार ए.एस. पुश्किन, वी.ए. ज़ुकोवस्की, ए.एस. ग्रिबॉयडोव, ए.ए. डेलविग जैसे व्यक्तित्वों के साथ सीधे संचार द्वारा सुगम बनाया गया था। 1830 के दशक की शुरुआत में यूरोप की कई वर्षों की यात्रा और उस समय के प्रमुख संगीतकारों - वी. बेलिनी, जी. डोनिज़ेट्टी, एफ. मेंडेलसोहन और बाद में जी. बर्लियोज़, जे. के साथ मुलाकात से उनके काम को रचनात्मक प्रेरणा मिली। मेयरबीर. ओपेरा "इवान सुसैनिन" ("ज़ार के लिए जीवन") (1836) के निर्माण के बाद एम.आई. ग्लिंका को सफलता मिली, जिसे सभी ने उत्साहपूर्वक प्राप्त किया; विश्व संगीत, रूसी कोरल कला और यूरोपीय सिम्फोनिक और ओपेरा में पहली बार अभ्यास को व्यवस्थित रूप से संयोजित किया गया, साथ ही सुसैनिन जैसा नायक प्रकट हुआ, जिसकी छवि राष्ट्रीय चरित्र की सर्वोत्तम विशेषताओं का सारांश प्रस्तुत करती है। वीएफ ओडोव्स्की ने ओपेरा को "कला में एक नया तत्व, और इसके इतिहास में एक नया युग शुरू होता है - रूसी संगीत की अवधि" के रूप में वर्णित किया।
दूसरा ओपेरा महाकाव्य "रुस्लान और ल्यूडमिला" (1842) है, जिस पर काम पुश्किन की मृत्यु की पृष्ठभूमि में और संगीतकार की कठिन जीवन स्थितियों में किया गया था, काम की गहरी नवीन प्रकृति के कारण, इसे प्राप्त किया गया था दर्शकों और अधिकारियों द्वारा अस्पष्ट रूप से और एम.आई. ग्लिंका के लिए कठिन अनुभव लाए। उसके बाद, उन्होंने रचना करना बंद किए बिना, बारी-बारी से रूस और विदेशों में रहकर, बहुत यात्रा की। उनकी विरासत में रोमांस, सिम्फोनिक और चैम्बर कार्य शामिल हैं। 1990 के दशक में, मिखाइल ग्लिंका का "देशभक्ति गीत" रूसी संघ का आधिकारिक गान था।

एम.आई. ग्लिंका का उद्धरण: "सुंदरता पैदा करने के लिए, आपको स्वयं आत्मा में शुद्ध होना चाहिए।"

एम.आई. ग्लिंका के बारे में उद्धरण: "संपूर्ण रूसी सिम्फोनिक स्कूल, एक बलूत के फल में एक पूरे ओक के पेड़ की तरह, सिम्फोनिक फंतासी "कामारिंस्काया" में निहित है। पी.आई.त्चैकोव्स्की

दिलचस्प तथ्य: मिखाइल इवानोविच ग्लिंका का स्वास्थ्य अच्छा नहीं था, इसके बावजूद वह बहुत सहज स्वभाव के थे और भूगोल को अच्छी तरह से जानते थे; शायद, अगर वह संगीतकार नहीं बनते, तो एक यात्री बन जाते। वह फ़ारसी सहित छह विदेशी भाषाएँ जानते थे।

2. अलेक्जेंडर पोर्फिरिविच बोरोडिन (1833—1887)

19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के प्रमुख रूसी संगीतकारों में से एक, अलेक्जेंडर पोर्फिरिविच बोरोडिन, एक संगीतकार के रूप में अपनी प्रतिभा के अलावा, एक रसायनज्ञ, डॉक्टर, शिक्षक, आलोचक और साहित्यिक प्रतिभा वाले थे।
सेंट पीटर्सबर्ग में जन्मे, बचपन से ही उनके आस-पास के सभी लोगों ने विभिन्न क्षेत्रों, मुख्य रूप से संगीत और रसायन विज्ञान में उनकी असामान्य गतिविधि, जुनून और क्षमताओं पर ध्यान दिया। ए.पी. बोरोडिन एक रूसी संगीतकार-नगेट हैं; उनके पास पेशेवर संगीतकार शिक्षक नहीं थे; संगीत में उनकी सभी उपलब्धियाँ रचना की तकनीक में महारत हासिल करने पर स्वतंत्र काम के कारण थीं। ए.पी. बोरोडिन का गठन एम.आई. के कार्य से प्रभावित था। ग्लिंका (वास्तव में 19वीं शताब्दी के सभी रूसी संगीतकारों की तरह), और 1860 के दशक की शुरुआत में रचना के गहन अध्ययन के लिए प्रेरणा दो घटनाओं द्वारा दी गई थी - पहला, प्रतिभाशाली पियानोवादक ई.एस. प्रोटोपोपोवा के साथ उनका परिचय और विवाह, और दूसरा, उनके साथ एक मुलाकात। एम.ए. बालाकिरेव और रूसी संगीतकारों के रचनात्मक समुदाय में शामिल हो गए, जिन्हें "माइटी हैंडफुल" के रूप में जाना जाता है। 1870 और 1880 के दशक के अंत में, ए.पी. बोरोडिन ने यूरोप और अमेरिका में बहुत यात्रा की और भ्रमण किया, अपने समय के प्रमुख संगीतकारों से मुलाकात की, उनकी प्रसिद्धि बढ़ी, 19वीं सदी के अंत में वह यूरोप में सबसे प्रसिद्ध और लोकप्रिय रूसी संगीतकारों में से एक बन गए। सदी.वीं सदी.
ए.पी. बोरोडिन के काम में केंद्रीय स्थान पर ओपेरा "प्रिंस इगोर" (1869-1890) का कब्जा है, जो संगीत में एक राष्ट्रीय वीर महाकाव्य का एक उदाहरण है और जिसे पूरा करने के लिए उनके पास खुद समय नहीं था (इसे पूरा किया गया था) उनके दोस्त ए.ए. ग्लेज़ुनोव और एन.ए. रिमस्की-कोर्साकोव)। "प्रिंस इगोर" में, ऐतिहासिक घटनाओं की राजसी तस्वीरों की पृष्ठभूमि के खिलाफ, संगीतकार के पूरे काम का मुख्य विचार परिलक्षित होता है - साहस, शांत महानता, सर्वश्रेष्ठ रूसी लोगों की आध्यात्मिक बड़प्पन और संपूर्ण की शक्तिशाली ताकत रूसी लोग, अपनी मातृभूमि की रक्षा में प्रकट हुए। इस तथ्य के बावजूद कि ए.पी. बोरोडिन ने अपेक्षाकृत कम संख्या में काम छोड़े, उनका काम बहुत विविध है और उन्हें रूसी सिम्फोनिक संगीत के पिताओं में से एक माना जाता है, जिन्होंने रूसी और विदेशी संगीतकारों की कई पीढ़ियों को प्रभावित किया।

ए.पी. बोरोडिन के बारे में उद्धरण: "बोरोडिन की प्रतिभा सिम्फनी, ओपेरा और रोमांस में समान रूप से शक्तिशाली और अद्भुत है। उनके मुख्य गुण अद्भुत जुनून, कोमलता और सुंदरता के साथ विशाल ताकत और चौड़ाई, विशाल गुंजाइश, तेज़ी और उत्साह हैं।" वी.वी. स्टासोव

दिलचस्प तथ्य: हैलोजन के साथ कार्बोक्जिलिक एसिड के सिल्वर लवण की रासायनिक प्रतिक्रिया, जिसके परिणामस्वरूप हैलोजेनेटेड हाइड्रोकार्बन बनता है, जिसका अध्ययन वह 1861 में करने वाले पहले व्यक्ति थे, का नाम बोरोडिन के नाम पर रखा गया है।

3. मामूली पेत्रोविच मुसॉर्गस्की (1839—1881)

मॉडेस्ट पेत्रोविच मुसॉर्स्की 19वीं सदी के सबसे प्रतिभाशाली रूसी संगीतकारों में से एक हैं, जो "माइटी हैंडफुल" के सदस्य हैं। मुसॉर्स्की का नवोन्वेषी कार्य अपने समय से बहुत आगे था।
पस्कोव प्रांत में पैदा हुए। कई प्रतिभाशाली लोगों की तरह, उन्होंने बचपन से ही संगीत में योग्यता दिखाई, सेंट पीटर्सबर्ग में अध्ययन किया, और पारिवारिक परंपरा के अनुसार, एक सैन्य व्यक्ति थे। निर्णायक घटना जिसने यह निर्धारित किया कि मुसॉर्स्की का जन्म सैन्य सेवा के लिए नहीं, बल्कि संगीत के लिए हुआ था, एम.ए. बालाकिरेव के साथ उनकी मुलाकात और "माइटी हैंडफुल" में शामिल होना था। मुसॉर्स्की महान हैं क्योंकि उनके भव्य कार्यों में - ओपेरा "बोरिस गोडुनोव" और "खोवांशीना" - उन्होंने संगीत में रूसी इतिहास के नाटकीय मील के पत्थर को एक मौलिक नवीनता के साथ कैद किया, जिसे रूसी संगीत पहले नहीं जानता था, उनमें बड़े पैमाने पर लोक का संयोजन दिखाया गया था। दृश्य और विभिन्न प्रकार की संपत्ति, रूसी लोगों का अद्वितीय चरित्र। ये ओपेरा, लेखक और अन्य संगीतकारों दोनों द्वारा कई संस्करणों में, दुनिया में सबसे लोकप्रिय रूसी ओपेरा में से एक हैं। मुसॉर्स्की का एक और उत्कृष्ट काम पियानो के टुकड़ों का चक्र "एक प्रदर्शनी में चित्र", रंगीन और आविष्कारशील लघुचित्र हैं जो रूसी थीम-बचाव और रूढ़िवादी विश्वास के साथ व्याप्त हैं।

मुसॉर्स्की के जीवन में सब कुछ था - महानता और त्रासदी दोनों, लेकिन वह हमेशा वास्तविक आध्यात्मिक शुद्धता और निस्वार्थता से प्रतिष्ठित थे। उनके अंतिम वर्ष कठिन थे - अस्थिर जीवन, रचनात्मकता की पहचान की कमी, अकेलापन, शराब की लत, इन सभी ने 42 वर्ष की आयु में उनकी प्रारंभिक मृत्यु को निर्धारित किया, उन्होंने अपेक्षाकृत कुछ काम छोड़े, जिनमें से कुछ अन्य संगीतकारों द्वारा पूरे किए गए। मुसॉर्स्की की विशिष्ट धुन और अभिनव सामंजस्य ने 20 वीं शताब्दी के संगीत विकास की कुछ विशेषताओं का अनुमान लगाया और कई विश्व संगीतकारों की शैलियों के निर्माण में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।

एम.पी. मुसॉर्स्की का उद्धरण: "मानव भाषण की ध्वनियाँ, विचार और भावना की बाहरी अभिव्यक्तियों के रूप में, अतिशयोक्ति और हिंसा के बिना, ऐसा संगीत बनना चाहिए जो सच्चा, सटीक, लेकिन कलात्मक, अत्यधिक कलात्मक हो।"

एम.पी. मुसॉर्स्की के बारे में उद्धरण: "मुसॉर्स्की ने जो कुछ भी बनाया उसमें मूल रूसी ध्वनियाँ हैं" एन.के. रोएरिच

दिलचस्प तथ्य: अपने जीवन के अंत में, मुसॉर्स्की ने, अपने "दोस्तों" स्टासोव और रिमस्की-कोर्साकोव के दबाव में, अपने कार्यों का कॉपीराइट त्याग दिया और उन्हें टर्टियस फ़िलिपोव को दान कर दिया।

4. पीटर इलिच त्चिकोवस्की (1840—1893)

प्योत्र इलिच त्चिकोवस्की, शायद 19वीं सदी के सबसे महान रूसी संगीतकार, ने रूसी संगीत कला को अभूतपूर्व ऊंचाइयों तक पहुंचाया। वह विश्व शास्त्रीय संगीत के सबसे महत्वपूर्ण संगीतकारों में से एक हैं।
व्याटका प्रांत के मूल निवासी, हालांकि उनकी पैतृक जड़ें यूक्रेन में हैं, त्चिकोवस्की ने बचपन से ही संगीत की क्षमता दिखाई, लेकिन उनकी पहली शिक्षा और काम न्यायशास्त्र के क्षेत्र में था। त्चिकोवस्की पहले रूसी "पेशेवर" संगीतकारों में से एक थे; उन्होंने नए सेंट पीटर्सबर्ग कंज़र्वेटरी में संगीत सिद्धांत और रचना का अध्ययन किया। त्चिकोवस्की को "माइटी हैंडफुल" की लोकप्रिय शख्सियतों के विपरीत "पश्चिमी" संगीतकार माना जाता था, जिनके साथ उनके अच्छे रचनात्मक और मैत्रीपूर्ण संबंध थे, लेकिन उनका काम रूसी भावना से कम नहीं था, वह विशिष्ट रूप से संयोजन करने में कामयाब रहे। मोजार्ट, बीथोवेन और शुमान की पश्चिमी सिम्फोनिक विरासत रूसी परंपराओं के साथ मिखाइल ग्लिंका से विरासत में मिली।
संगीतकार ने एक सक्रिय जीवन व्यतीत किया - वह एक शिक्षक, कंडक्टर, आलोचक, सार्वजनिक व्यक्ति थे, उन्होंने दो राजधानियों में काम किया, यूरोप और अमेरिका का दौरा किया। त्चिकोवस्की एक भावनात्मक रूप से अस्थिर व्यक्ति था; उत्साह, निराशा, उदासीनता, गर्म स्वभाव, हिंसक क्रोध - ये सभी मनोदशाएँ उसके अंदर अक्सर बदलती रहती थीं; एक बहुत ही मिलनसार व्यक्ति होने के नाते, वह हमेशा अकेलेपन के लिए प्रयास करता था।
त्चिकोवस्की के काम से कुछ सर्वश्रेष्ठ चुनना एक कठिन काम है; उनके पास लगभग सभी संगीत शैलियों - ओपेरा, बैले, सिम्फनी, चैम्बर संगीत में कई समान काम हैं। त्चिकोवस्की के संगीत की सामग्री सार्वभौमिक है: अद्वितीय माधुर्य के साथ यह जीवन और मृत्यु, प्रेम, प्रकृति, बचपन की छवियों को अपनाता है, यह रूसी और विश्व साहित्य के कार्यों को एक नए तरीके से प्रकट करता है, और आध्यात्मिक जीवन की गहरी प्रक्रियाओं को दर्शाता है।

संगीतकार उद्धरण:
"मैं एक कलाकार हूं जो अपनी मातृभूमि को गौरवान्वित कर सकता है और मुझे ऐसा करना भी चाहिए। मैं अपने आप में महान कलात्मक शक्ति महसूस करता हूं, मैंने अभी तक उसका दसवां हिस्सा भी नहीं किया है जो मैं कर सकता हूं। और मैं इसे अपनी आत्मा की पूरी ताकत से करना चाहता हूं।" ।”
"जीवन में सुंदरता तभी है जब इसमें खुशियों और दुखों का विकल्प, अच्छाई और बुराई के बीच संघर्ष, प्रकाश और छाया, एक शब्द में - एकता में विविधता शामिल हो।"
"महान प्रतिभा के लिए बहुत कड़ी मेहनत की आवश्यकता होती है।"

संगीतकार के बारे में उद्धरण: "मैं उस घर के बरामदे पर दिन-रात गार्ड ऑफ ऑनर के रूप में खड़ा होने के लिए तैयार हूं जहां प्योत्र इलिच रहता है - यही मैं उसका कितना सम्मान करता हूं।" ए.पी.चेखव

दिलचस्प तथ्य: कैम्ब्रिज विश्वविद्यालय ने त्चिकोवस्की को उनकी अनुपस्थिति में और बिना किसी शोध प्रबंध का बचाव किए डॉक्टर ऑफ म्यूजिक की उपाधि से सम्मानित किया, और पेरिस एकेडमी ऑफ फाइन आर्ट्स ने उन्हें एक संबंधित सदस्य चुना।

5. निकोलाई एंड्रीविच रिम्स्की-कोर्साकोव (1844—1908)

निकोलाई एंड्रीविच रिमस्की-कोर्साकोव एक प्रतिभाशाली रूसी संगीतकार हैं, जो एक अमूल्य रूसी संगीत विरासत के निर्माण में सबसे महत्वपूर्ण शख्सियतों में से एक हैं। उनकी अनोखी दुनिया और ब्रह्मांड की शाश्वत सर्वव्यापी सुंदरता की पूजा, अस्तित्व के चमत्कार की प्रशंसा, प्रकृति के साथ एकता का संगीत के इतिहास में कोई एनालॉग नहीं है।
नोवगोरोड प्रांत में जन्मे, पारिवारिक परंपरा के अनुसार वह एक नौसेना अधिकारी बन गए, और एक युद्धपोत पर यूरोप और दो अमेरिका के कई देशों की यात्रा की। उन्होंने संगीत की शिक्षा पहले अपनी मां से प्राप्त की, फिर पियानोवादक एफ. कैनिले से निजी शिक्षा ली। और फिर, "माइटी हैंडफुल" के आयोजक एम.ए. बालाकिरेव को धन्यवाद, जिन्होंने रिमस्की-कोर्साकोव को संगीत समुदाय में पेश किया और उनके काम को प्रभावित किया, दुनिया ने एक प्रतिभाशाली संगीतकार को नहीं खोया है।
रिमस्की-कोर्साकोव की विरासत में केंद्रीय स्थान ओपेरा से बना है - संगीतकार की शैली, शैलीगत, नाटकीय, रचनात्मक समाधानों की विविधता का प्रदर्शन करने वाले 15 काम, फिर भी एक विशेष शैली है - आर्केस्ट्रा घटक की सभी समृद्धि के साथ, मुख्य मधुर स्वर पंक्तियाँ हैं। दो मुख्य दिशाएँ संगीतकार के काम को अलग करती हैं: पहला रूसी इतिहास है, दूसरा परियों की कहानियों और महाकाव्यों की दुनिया है, जिसके लिए उन्हें "कहानीकार" उपनाम मिला।
अपनी प्रत्यक्ष स्वतंत्र रचनात्मक गतिविधि के अलावा, एन.ए. रिमस्की-कोर्साकोव को एक प्रचारक, लोक गीतों के संग्रह के संकलनकर्ता के रूप में जाना जाता है, जिसमें उन्होंने बहुत रुचि दिखाई, और अपने दोस्तों - डार्गोमीज़्स्की, मुसॉर्स्की और बोरोडिन के कार्यों के पूर्णतावादी के रूप में भी जाना जाता है। . रिमस्की-कोर्साकोव रचना के एक स्कूल के निर्माता थे; सेंट पीटर्सबर्ग कंज़र्वेटरी के एक शिक्षक और निदेशक के रूप में, उन्होंने प्रोकोफ़िएव और स्ट्राविंस्की सहित लगभग दो सौ संगीतकारों, कंडक्टरों और संगीतविदों को प्रशिक्षित किया।

संगीतकार के बारे में उद्धरण: "रिम्स्की-कोर्साकोव एक बहुत ही रूसी व्यक्ति और एक बहुत ही रूसी संगीतकार थे। मेरा मानना है कि उनके इस मौलिक रूसी सार, उनके गहरे लोक-रूसी आधार की आज विशेष रूप से सराहना की जानी चाहिए।" मस्टीस्लाव रोस्ट्रोपोविच

19वीं सदी के उत्तरार्ध - 20वीं सदी के पूर्वार्द्ध के रूसी संगीतकारों का काम रूसी स्कूल की परंपराओं की समग्र निरंतरता है। उसी समय, इस या उस संगीत की "राष्ट्रीय" संबद्धता के दृष्टिकोण की अवधारणा को नाम दिया गया था; लोक धुनों का व्यावहारिक रूप से कोई प्रत्यक्ष उद्धरण नहीं है, लेकिन रूसी आत्मा का स्वर-शैली बनी हुई है।

6. अलेक्जेंडर निकोलाइविच स्क्रीबिन (1872 - 1915)

अलेक्जेंडर निकोलाइविच स्क्रिबिन एक रूसी संगीतकार और पियानोवादक हैं, जो रूसी और विश्व संगीत संस्कृति के सबसे प्रतिभाशाली व्यक्तित्वों में से एक हैं। 20वीं सदी के अंत में सार्वजनिक जीवन में बदलावों से जुड़ी कला में कई नई प्रवृत्तियों के जन्म की पृष्ठभूमि में भी स्क्रिबिन की मौलिक और गहरी काव्यात्मक रचनात्मकता अभिनव के रूप में सामने आई।
मॉस्को में जन्मे, उनकी माँ की मृत्यु जल्दी हो गई, उनके पिता अपने बेटे पर ध्यान नहीं दे सके, क्योंकि उन्होंने फारस में राजदूत के रूप में कार्य किया था। स्क्रिपियन का पालन-पोषण उनकी चाची और दादा ने किया और बचपन से ही उन्होंने संगीत प्रतिभा दिखाई। सबसे पहले उन्होंने कैडेट कोर में अध्ययन किया, निजी पियानो की शिक्षा ली और कोर से स्नातक होने के बाद उन्होंने मॉस्को कंजर्वेटरी में प्रवेश किया, उनके सहपाठी एस.वी. राचमानिनोव थे। कंज़र्वेटरी से स्नातक होने के बाद, स्क्रिपियन ने खुद को पूरी तरह से संगीत के लिए समर्पित कर दिया - एक कॉन्सर्ट पियानोवादक-संगीतकार के रूप में उन्होंने यूरोप और रूस का दौरा किया, अपना अधिकांश समय विदेश में बिताया।
स्क्रिपियन की रचनात्मक रचनात्मकता का चरम वर्ष 1903-1908 था, जब तीसरी सिम्फनी ("दिव्य कविता"), सिम्फोनिक "एक्स्टसी की कविता", "दुखद" और "शैतानी" पियानो कविताएं, चौथी और पांचवीं सोनाटा और अन्य रचनाएं थीं। जारी किया। "एक्स्टसी की कविता", कई थीम-छवियों से युक्त, श्रियाबिन के रचनात्मक विचारों को केंद्रित करती है और उनकी शानदार कृति है। यह एक बड़े ऑर्केस्ट्रा की शक्ति और एकल वाद्ययंत्रों की गीतात्मक, हवादार ध्वनि के प्रति संगीतकार के प्रेम को सामंजस्यपूर्ण ढंग से जोड़ता है। "परमानंद की कविता" में सन्निहित विशाल महत्वपूर्ण ऊर्जा, उग्र जुनून और दृढ़ इच्छाशक्ति श्रोता पर एक अनूठा प्रभाव डालती है और आज तक इसके प्रभाव की शक्ति को बरकरार रखती है।
स्क्रिबिन की एक और उत्कृष्ट कृति "प्रोमेथियस" ("आग की कविता") है, जिसमें लेखक ने पारंपरिक टोनल प्रणाली से हटकर अपनी हार्मोनिक भाषा को पूरी तरह से अद्यतन किया है, और इतिहास में पहली बार यह काम रंगीन संगीत के साथ होना चाहिए था , लेकिन तकनीकी कारणों से प्रीमियर बिना प्रकाश प्रभाव के आयोजित किया गया।
आखिरी अधूरा "रहस्य" स्क्रिपबिन की योजना थी, जो एक स्वप्नदृष्टा, रोमांटिक, दार्शनिक था, जो पूरी मानवता को आकर्षित करता था और उसे एक नई शानदार विश्व व्यवस्था बनाने के लिए प्रेरित करता था, जो कि पदार्थ के साथ सार्वभौमिक आत्मा का मिलन था।

ए.एन. स्क्रिबिन का उद्धरण: "मैं उन्हें (लोगों को) बताने जा रहा हूं - ताकि वे... जीवन से कुछ भी उम्मीद न करें सिवाय इसके कि वे अपने लिए क्या बना सकते हैं... मैं उन्हें बताने जा रहा हूं कि ऐसा कुछ भी नहीं है शोक मनाने के लिए, कि कोई हानि न हो "ताकि वे निराशा से न डरें, जो अकेले ही वास्तविक विजय को जन्म दे सकती है। मजबूत और ताकतवर वह है जिसने निराशा का अनुभव किया है और उसे हराया है।"

ए.एन. स्क्रिपियन के बारे में उद्धरण: "स्क्रिपियन का काम उनका समय था, जो ध्वनियों में व्यक्त किया गया था। लेकिन जब अस्थायी, क्षणभंगुर एक महान कलाकार के काम में अपनी अभिव्यक्ति पाता है, तो यह स्थायी अर्थ प्राप्त कर लेता है और स्थायी बन जाता है।" जी. वी. प्लेखानोव

7. सर्गेई वासिलीविच रहमानिनोव (1873 - 1943)

सर्गेई वासिलीविच राचमानिनोव 20वीं सदी की शुरुआत के दुनिया के सबसे बड़े संगीतकार, एक प्रतिभाशाली पियानोवादक और कंडक्टर हैं। संगीतकार राचमानिनॉफ़ की रचनात्मक छवि को अक्सर "सबसे रूसी संगीतकार" विशेषण द्वारा परिभाषित किया जाता है, इस संक्षिप्त सूत्रीकरण में मॉस्को और सेंट पीटर्सबर्ग के रचना विद्यालयों की संगीत परंपराओं को एकजुट करने और अपनी अनूठी शैली बनाने में उनकी खूबियों पर जोर दिया गया है। जो विश्व संगीत संस्कृति में अलग पहचान रखता है।
नोवगोरोड प्रांत में जन्मे, उन्होंने चार साल की उम्र में अपनी माँ के मार्गदर्शन में संगीत का अध्ययन शुरू किया। उन्होंने सेंट पीटर्सबर्ग कंज़र्वेटरी में अध्ययन किया, 3 साल के अध्ययन के बाद वह मॉस्को कंज़र्वेटरी में स्थानांतरित हो गए और एक बड़े स्वर्ण पदक के साथ स्नातक हुए। वह जल्द ही एक कंडक्टर और पियानोवादक के रूप में जाने जाने लगे और संगीत रचना करने लगे। सेंट पीटर्सबर्ग में इनोवेटिव फर्स्ट सिम्फनी (1897) के विनाशकारी प्रीमियर ने एक रचनात्मक संगीतकार संकट पैदा कर दिया, जिससे राचमानिनोव 1900 के दशक की शुरुआत में एक परिपक्व शैली के साथ उभरे, जिसने रूसी चर्च गीत, निवर्तमान यूरोपीय रूमानियत, आधुनिक प्रभाववाद और नवशास्त्रवाद को एकजुट किया। जटिल प्रतीकवाद का. इस रचनात्मक अवधि के दौरान, उनके सर्वश्रेष्ठ कार्यों का जन्म हुआ, जिसमें दूसरा और तीसरा पियानो कॉन्सर्ट, दूसरा सिम्फनी और उनका सबसे पसंदीदा काम - गाना बजानेवालों, एकल कलाकारों और ऑर्केस्ट्रा के लिए कविता "बेल्स" शामिल थे।
1917 में, राचमानिनोव और उनके परिवार को हमारा देश छोड़कर संयुक्त राज्य अमेरिका में बसने के लिए मजबूर होना पड़ा। जाने के बाद लगभग दस वर्षों तक, उन्होंने कुछ भी रचना नहीं की, लेकिन अमेरिका और यूरोप में बड़े पैमाने पर दौरा किया और उन्हें उस युग के सबसे महान पियानोवादकों और एक प्रमुख कंडक्टर के रूप में पहचाना गया। अपनी सभी व्यस्त गतिविधियों के दौरान, राचमानिनोव एक कमजोर और असुरक्षित व्यक्ति बने रहे, जो जनता के कष्टप्रद ध्यान से बचते हुए, एकांत और यहाँ तक कि अकेलेपन के लिए प्रयास करते रहे। वह ईमानदारी से अपनी मातृभूमि से प्यार करता था और उसे याद करता था, सोचता था कि क्या उसने इसे छोड़कर कोई गलती की है। वह रूस में होने वाली सभी घटनाओं में लगातार रुचि रखते थे, किताबें, समाचार पत्र और पत्रिकाएँ पढ़ते थे और आर्थिक मदद करते थे। उनकी अंतिम रचनाएँ - सिम्फनी नंबर 3 (1937) और "सिम्फोनिक डांस" (1940) उनके रचनात्मक पथ का परिणाम थीं, जिसमें उनकी अनूठी शैली का सर्वश्रेष्ठ और अपनी मातृभूमि के लिए अपूरणीय क्षति और लालसा की शोकपूर्ण भावना शामिल थी।

एस.वी. राचमानिनोव का उद्धरण:
"मैं एक भूत की तरह महसूस करता हूं जो उस दुनिया में अकेला घूम रहा है जो मेरे लिए पराई है।"
"सभी कलाओं का उच्चतम गुण उसकी ईमानदारी है।"
"महान संगीतकारों ने हमेशा और सबसे पहले संगीत में प्रमुख सिद्धांत के रूप में माधुर्य पर ध्यान दिया है। मेलोडी संगीत है, सभी संगीत का मुख्य आधार... मेलोडिक आविष्कार, शब्द के उच्चतम अर्थ में, मुख्य जीवन लक्ष्य है संगीतकार... यही कारण है कि अतीत के महान संगीतकारों ने अपने देशों की लोक धुनों में इतनी रुचि दिखाई।"

एस.वी. राचमानिनोव के बारे में उद्धरण:
"राचमानिनोव स्टील और सोने से बनाया गया था: स्टील उसके हाथों में है, सोना उसके दिल में है। मैं उसके बारे में आंसुओं के बिना नहीं सोच सकता। मैं न केवल महान कलाकार की प्रशंसा करता हूं, बल्कि मैं उसके अंदर के व्यक्ति से भी प्यार करता हूं।" मैं हॉफमैन
"राचमानिनोव का संगीत महासागर है। इसकी लहरें - संगीतमय - क्षितिज से इतनी दूर शुरू होती हैं, और आपको इतना ऊपर उठाती हैं और आपको इतनी धीरे-धीरे नीचे गिराती हैं... कि आप इस शक्ति और सांस को महसूस करते हैं।" ए. कोंचलोव्स्की

दिलचस्प तथ्य: महान देशभक्तिपूर्ण युद्ध के दौरान, राचमानिनोव ने कई चैरिटी संगीत कार्यक्रम दिए, जिससे प्राप्त आय उन्होंने नाजी कब्जाधारियों से लड़ने के लिए लाल सेना कोष में भेज दी।

8. इगोर फेडोरोविच स्ट्राविंस्की (1882-1971)

इगोर फेडोरोविच स्ट्राविंस्की 20वीं सदी के सबसे प्रभावशाली विश्व संगीतकारों में से एक हैं, जो नवशास्त्रवाद के नेता हैं। स्ट्राविंस्की संगीत युग का "दर्पण" बन गया; उनका काम शैलियों की बहुलता को दर्शाता है, जो लगातार प्रतिच्छेद करती हैं और वर्गीकृत करना मुश्किल है। वह स्वतंत्र रूप से शैलियों, रूपों, शैलियों को जोड़ता है, उन्हें सदियों के संगीत इतिहास से चुनता है और उन्हें अपने नियमों के अधीन करता है।
सेंट पीटर्सबर्ग के पास जन्मे, उन्होंने सेंट पीटर्सबर्ग विश्वविद्यालय के विधि संकाय में अध्ययन किया, स्वतंत्र रूप से संगीत विषयों का अध्ययन किया, एन.ए. रिमस्की-कोर्साकोव से निजी शिक्षा ली, यह स्ट्राविंस्की का एकमात्र रचना विद्यालय था, जिसकी बदौलत उन्होंने रचना तकनीक में पूर्णता में महारत हासिल की। उन्होंने पेशेवर रूप से रचना करना अपेक्षाकृत देर से शुरू किया, लेकिन उनका उत्थान तेजी से हुआ - तीन बैले की एक श्रृंखला: "द फायरबर्ड" (1910), "पेत्रुस्का" (1911) और "द राइट ऑफ स्प्रिंग" (1913) ने उन्हें तुरंत ही रैंक में ला दिया। प्रथम परिमाण के संगीतकार.
1914 में उन्होंने रूस छोड़ दिया, जैसा कि बाद में पता चला, लगभग हमेशा के लिए (1962 में यूएसएसआर में दौरे हुए)। स्ट्राविंस्की एक महानगरीय व्यक्ति हैं, उन्हें कई देशों - रूस, स्विट्जरलैंड, फ्रांस - को बदलने के लिए मजबूर किया गया और अंततः संयुक्त राज्य अमेरिका में रहने के लिए रुक गए। उनके काम को तीन अवधियों में विभाजित किया गया है - "रूसी", "नियोक्लासिकल", अमेरिकी "बड़े पैमाने पर उत्पादन", अवधियों को विभिन्न देशों में जीवन के समय से नहीं, बल्कि लेखक की "हस्तलेख" से विभाजित किया गया है।
स्ट्राविंस्की एक बहुत ही उच्च शिक्षित, मिलनसार और अद्भुत हास्यबोध वाला व्यक्ति था। उनके परिचितों और संवाददाताओं में संगीतकार, कवि, कलाकार, वैज्ञानिक, व्यवसायी और राजनेता शामिल थे।
स्ट्राविंस्की की अंतिम सर्वोच्च उपलब्धि - "रिक्विम" (अंतिम संस्कार भजन) (1966) ने संगीतकार के पिछले कलात्मक अनुभव को अवशोषित और संयोजित किया, जो मास्टर के काम का सच्चा एपोथेसिस बन गया।
स्टैविंस्की के काम में एक अनूठी विशेषता सामने आती है - "अप्रवर्तनशीलता", यह बिना कारण नहीं था कि उन्हें "एक हजार और एक शैलियों का संगीतकार" कहा जाता था, शैली, शैली, कथानक दिशा में निरंतर परिवर्तन - उनका प्रत्येक कार्य अद्वितीय है, लेकिन वह लगातार उन डिज़ाइनों की ओर लौटे जिनमें रूसी मूल दिखाई देता है, रूसी जड़ें सुनाई देती हैं।

आई.एफ. स्ट्राविंस्की का उद्धरण: "मैं अपने पूरे जीवन में रूसी बोलता रहा हूं, मेरे पास एक रूसी शब्दांश है। शायद यह मेरे संगीत में तुरंत दिखाई नहीं देता है, लेकिन यह इसमें अंतर्निहित है, यह इसकी छिपी प्रकृति में है।"

आई.एफ. स्ट्राविंस्की के बारे में उद्धरण: "स्ट्राविंस्की वास्तव में एक रूसी संगीतकार हैं... इस वास्तव में महान, बहुमुखी प्रतिभा के दिल में रूसी भावना अविनाशी है, जो रूसी भूमि से पैदा हुई है और इसके साथ निकटता से जुड़ी हुई है..." डी. शोस्ताकोविच

रोचक तथ्य (कथा):
एक बार न्यूयॉर्क में, स्ट्राविंस्की ने टैक्सी ली और साइन पर अपना अंतिम नाम पढ़कर आश्चर्यचकित रह गया।
-क्या आप संगीतकार के रिश्तेदार हैं? - उसने ड्राइवर से पूछा।
- क्या ऐसे उपनाम वाला कोई संगीतकार है? - ड्राइवर हैरान रह गया। - इसे पहली बार सुनें। हालाँकि, स्ट्राविंस्की टैक्सी मालिक का नाम है। मेरा संगीत से कोई लेना-देना नहीं है - मेरा अंतिम नाम रॉसिनी है...

9. सर्गेई सर्गेइविच प्रोकोफ़िएव (1891—1953)

सर्गेई सर्गेइविच प्रोकोफ़िएव 20वीं सदी के सबसे बड़े रूसी संगीतकारों, पियानोवादक और कंडक्टर में से एक हैं।
डोनेट्स्क क्षेत्र में जन्मे, वह बचपन से ही संगीत से जुड़ गए। प्रोकोफ़िएव को कुछ (यदि एकमात्र नहीं) रूसी संगीत "कौतुक" में से एक माना जा सकता है, 5 साल की उम्र से वह रचना में लगे हुए थे, 9 साल की उम्र में उन्होंने दो ओपेरा लिखे (बेशक, ये रचनाएँ अभी भी अपरिपक्व हैं, लेकिन वे बनाने की इच्छा दिखाते हैं), 13 साल की उम्र में उन्होंने सेंट पीटर्सबर्ग कंज़र्वेटरी में परीक्षा उत्तीर्ण की, उनके शिक्षकों में एन.ए. रिमस्की-कोर्साकोव थे। उनके पेशेवर करियर की शुरुआत ने उनकी व्यक्तिगत, मौलिक रूप से एंटी-रोमांटिक और बेहद आधुनिकतावादी शैली की आलोचना और गलतफहमी का तूफान पैदा कर दिया; विरोधाभास यह है कि, अकादमिक सिद्धांतों को नष्ट करते हुए, उनकी रचनाओं की संरचना शास्त्रीय सिद्धांतों के प्रति वफादार रही और बाद में बन गई आधुनिकतावादी सर्व-अस्वीकार संशयवाद की निरोधक शक्ति। अपने करियर की शुरुआत से ही, प्रोकोफ़िएव ने बहुत प्रदर्शन किया और दौरा किया। 1918 में, वह अंतर्राष्ट्रीय दौरे पर गए, जिसमें यूएसएसआर का दौरा भी शामिल था, और अंततः 1936 में अपनी मातृभूमि लौट आए।
देश बदल गया है और प्रोकोफिव की "मुक्त" रचनात्मकता को नई मांगों की वास्तविकताओं के आगे झुकने के लिए मजबूर होना पड़ा। प्रोकोफिव की प्रतिभा नए जोश के साथ खिल उठी - उन्होंने ओपेरा, बैले, फिल्मों के लिए संगीत लिखा - नई छवियों और विचारों के साथ तेज, मजबूत इरादों वाला, बेहद सटीक संगीत, सोवियत शास्त्रीय संगीत और ओपेरा की नींव रखी। 1948 में, तीन दुखद घटनाएँ लगभग एक साथ घटीं: उनकी पहली स्पेनिश पत्नी को जासूसी के संदेह में गिरफ्तार कर लिया गया और शिविरों में निर्वासित कर दिया गया; बोल्शेविकों की ऑल-यूनियन कम्युनिस्ट पार्टी की केंद्रीय समिति के पोलिबुरो का एक प्रस्ताव जारी किया गया था जिसमें प्रोकोफिव, शोस्ताकोविच और अन्य पर हमला किया गया था और "औपचारिकता" और उनके संगीत को नुकसान पहुंचाने का आरोप लगाया गया था; संगीतकार के स्वास्थ्य में भारी गिरावट आई; वह अपनी झोपड़ी में चले गए और व्यावहारिक रूप से इसे कभी नहीं छोड़ा, लेकिन रचना करना जारी रखा।
सोवियत काल के सबसे उल्लेखनीय कार्यों में से कुछ ओपेरा "वॉर एंड पीस" और "द टेल ऑफ़ ए रियल मैन" थे; बैले "रोमियो एंड जूलियट" और "सिंड्रेला", जो विश्व बैले संगीत का एक नया मानक बन गए हैं; वक्ता "शांति के संरक्षक"; फ़िल्म "अलेक्जेंडर नेवस्की" और "इवान द टेरिबल" के लिए संगीत; सिम्फनीज़ नंबर 5,6,7; पियानो काम करता है.
प्रोकोफ़िएव का काम अपनी बहुमुखी प्रतिभा और विषयों की व्यापकता में अद्भुत है; उनकी संगीत सोच, ताजगी और मौलिकता की मौलिकता ने 20 वीं शताब्दी की विश्व संगीत संस्कृति में एक पूरे युग का गठन किया और कई सोवियत और विदेशी संगीतकारों पर एक शक्तिशाली प्रभाव डाला।

एस.एस. प्रोकोफ़िएव का उद्धरण:
"क्या कोई कलाकार जीवन से अलग खड़ा हो सकता है?.. मैं इस विश्वास पर कायम हूं कि एक संगीतकार, जैसे कवि, मूर्तिकार, चित्रकार, को मनुष्य और लोगों की सेवा करने के लिए कहा जाता है... वह, सबसे पहले, इसके लिए बाध्य है एक नागरिक अपनी कला में, मानव जीवन को गौरवान्वित करता है और लोगों को उज्ज्वल भविष्य की ओर ले जाता है..."
"मैं जीवन की एक अभिव्यक्ति हूं, जो मुझे हर अआध्यात्मिक चीज़ का विरोध करने की शक्ति देती है"

एस.एस. प्रोकोफिव के बारे में उद्धरण: "... उनके संगीत के सभी पहलू सुंदर हैं। लेकिन यहां एक पूरी तरह से असामान्य बात है। जाहिर है, हम सभी में कुछ असफलताएं, संदेह, बस एक बुरा मूड है। और ऐसे क्षणों में "भले ही मैं डॉन प्रोकोफ़िएव को न खेलें और न ही सुनें, लेकिन बस उसके बारे में सोचें, मुझमें अविश्वसनीय ऊर्जा का संचार होता है, मुझे जीने और अभिनय करने की बड़ी इच्छा महसूस होती है।" ई. किसिन

दिलचस्प तथ्य: प्रोकोफिव को शतरंज बहुत पसंद था, और उन्होंने अपने विचारों और उपलब्धियों से इस खेल को समृद्ध किया, जिसमें उनके द्वारा आविष्कार किया गया "नौ" शतरंज भी शामिल था - एक 24x24 बोर्ड जिस पर मोहरों के नौ सेट व्यवस्थित थे।

10. दिमित्री दिमित्रिच शोस्ताकोविच (1906 - 1975)

दिमित्री दिमित्रिच शोस्ताकोविच दुनिया के सबसे महत्वपूर्ण और प्रसिद्ध संगीतकारों में से एक हैं, आधुनिक शास्त्रीय संगीत पर उनका प्रभाव अतुलनीय है। उनकी रचनाएँ आंतरिक मानव नाटक की सच्ची अभिव्यक्ति हैं और 20वीं सदी की कठिन घटनाओं का इतिहास हैं, जहाँ गहराई से व्यक्तिगतता मनुष्य और मानवता की त्रासदी के साथ, उसके मूल देश के भाग्य के साथ जुड़ी हुई है।
सेंट पीटर्सबर्ग में जन्मे, उन्होंने अपनी पहली संगीत शिक्षा अपनी मां से प्राप्त की, सेंट पीटर्सबर्ग कंजर्वेटरी से स्नातक की उपाधि प्राप्त की, जहां प्रवेश करने पर इसके रेक्टर अलेक्जेंडर ग्लेज़ुनोव ने उनकी तुलना मोजार्ट से की - इसलिए उन्होंने अपनी उत्कृष्ट संगीत स्मृति, गहरी कान और प्रतिभा से सभी को आश्चर्यचकित कर दिया। रचना के लिए. पहले से ही 20 के दशक की शुरुआत में, कंज़र्वेटरी के अंत तक, शोस्ताकोविच के पास अपने स्वयं के कार्यों का सामान था और वह देश के सर्वश्रेष्ठ संगीतकारों में से एक बन गए। 1927 में पहली अंतर्राष्ट्रीय चोपिन प्रतियोगिता जीतने के बाद शोस्ताकोविच को विश्व प्रसिद्धि मिली।
एक निश्चित अवधि तक, अर्थात् ओपेरा "लेडी मैकबेथ ऑफ मत्सेंस्क" के निर्माण से पहले, शोस्ताकोविच ने एक स्वतंत्र कलाकार - एक "अवंत-गार्डे" के रूप में काम किया, जो शैलियों और शैलियों के साथ प्रयोग कर रहा था। 1936 में आयोजित इस ओपेरा के गंभीर विध्वंस और 1937 के दमन ने कला में राज्य द्वारा रुझान थोपे जाने की स्थितियों में अपने विचारों को अपने माध्यम से व्यक्त करने के लिए शोस्ताकोविच के निरंतर आंतरिक संघर्ष की शुरुआत को चिह्नित किया। उनके जीवन में, राजनीति और रचनात्मकता बहुत करीब से जुड़ी हुई हैं, उन्हें अधिकारियों द्वारा प्रशंसा मिली और उनके द्वारा सताया गया, उच्च पदों पर रहे और उन्हें हटा दिया गया, उन्हें और उनके रिश्तेदारों को सम्मानित किया गया और गिरफ्तारी के कगार पर थे।
एक सौम्य, बुद्धिमान, नाजुक व्यक्ति, उन्होंने सिम्फनी में रचनात्मक सिद्धांतों को व्यक्त करने का अपना तरीका पाया, जहां वह समय के बारे में सच्चाई को यथासंभव खुले तौर पर बोल सकते थे। सभी शैलियों में शोस्ताकोविच की व्यापक रचनात्मकता में, यह सिम्फनीज़ (15 कार्य) हैं जो केंद्रीय स्थान पर हैं; सबसे नाटकीय रूप से तीव्र 5, 7, 8, 10, 15 सिम्फनी हैं, जो सोवियत सिम्फोनिक संगीत का शिखर बन गईं। चैम्बर संगीत में एक बिल्कुल अलग शोस्ताकोविच खुद को प्रकट करता है।
इस तथ्य के बावजूद कि शोस्ताकोविच स्वयं एक "घरेलू" संगीतकार थे और व्यावहारिक रूप से कभी विदेश यात्रा नहीं करते थे, उनका संगीत, सार में मानवतावादी और वास्तव में कलात्मक रूप में, जल्दी और व्यापक रूप से दुनिया भर में फैल गया और सर्वश्रेष्ठ कंडक्टरों द्वारा प्रस्तुत किया गया। शोस्ताकोविच की प्रतिभा का परिमाण इतना विशाल है कि विश्व कला की इस अनूठी घटना की पूरी समझ अभी भी बाकी है।

डी.डी. शोस्ताकोविच का उद्धरण: "सच्चा संगीत केवल मानवीय भावनाओं, केवल उन्नत मानवीय विचारों को व्यक्त करने में सक्षम है।"

इन धुनों में किसी भी मूड के लिए एक धुन है: रोमांटिक, सकारात्मक या दुखद, आराम करने और किसी भी चीज़ के बारे में न सोचने के लिए या, इसके विपरीत, अपने विचारों को इकट्ठा करने के लिए।

twitter.com/ludovicoeinaud

इतालवी संगीतकार और पियानोवादक अतिसूक्ष्मवाद की दिशा में काम करते हैं, अक्सर परिवेश संगीत की ओर रुख करते हैं और शास्त्रीय संगीत को अन्य संगीत शैलियों के साथ कुशलता से जोड़ते हैं। वह अपनी वायुमंडलीय रचनाओं के लिए व्यापक रूप से जाने जाते हैं जो फिल्मों के लिए साउंडट्रैक बन गए हैं। उदाहरण के लिए, आप शायद इनौडी द्वारा लिखित फ्रांसीसी फिल्म "1 + 1" के संगीत को पहचानते हैं।

themagger.net

ग्लास आधुनिक क्लासिक्स की दुनिया में सबसे विवादास्पद व्यक्तित्वों में से एक है, जिसकी या तो बहुत प्रशंसा की जाती है या बहुत अधिक आलोचना की जाती है। वह आधी सदी से अपने समूह, फिलिप ग्लास एन्सेम्बल में खेल रहे हैं और उन्होंने 50 से अधिक फिल्मों के लिए संगीत लिखा है, जिनमें द ट्रूमैन शो, द इल्यूजनिस्ट, टेस्ट ऑफ लाइफ और फैंटास्टिक फोर शामिल हैं। अमेरिकी न्यूनतम संगीतकार की धुनें शास्त्रीय और लोकप्रिय संगीत के बीच की रेखा को धुंधला कर देती हैं।

latimes.com

कई साउंडट्रैक के लेखक, यूरोपीय फ़िल्म अकादमी के अनुसार 2008 के सर्वश्रेष्ठ फ़िल्म संगीतकार और पोस्ट-मिनिमलिस्ट। उन्होंने अपने पहले एल्बम मेमोरीहाउस से आलोचकों का दिल जीत लिया, जिसमें रिक्टर के संगीत को कविता पाठ के साथ जोड़ा गया था, और बाद के एल्बमों में साहित्यिक गद्य का भी इस्तेमाल किया गया था। अपनी स्वयं की परिवेशीय रचनाएँ लिखने के अलावा, वह क्लासिक्स के कार्यों की व्यवस्था करते हैं: विवाल्डी के "द फोर सीज़न्स" ने उनकी व्यवस्था में आईट्यून्स शास्त्रीय संगीत चार्ट में शीर्ष स्थान हासिल किया।

इटली के वाद्य संगीत का यह निर्माता प्रशंसित सिनेमा से जुड़ा नहीं है, लेकिन पहले से ही एक संगीतकार, गुणी और अनुभवी पियानो शिक्षक के रूप में जाना जाता है। यदि आप मराडी के संगीत का दो शब्दों में वर्णन करें, तो वे "कामुक" और "जादुई" होंगे। उनकी रचनाएँ और कवर उन लोगों को पसंद आएंगे जो रेट्रो क्लासिक्स को पसंद करते हैं: पिछली शताब्दी के नोट्स रूपांकनों में स्पष्ट हैं।

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प्रसिद्ध फिल्म संगीतकार ने ग्लेडिएटर, पर्ल हार्बर, इंसेप्शन, शर्लक होम्स, इंटरस्टेलर, मेडागास्कर और द लायन किंग सहित कई बॉक्स-ऑफिस फिल्मों और कार्टूनों के लिए संगीत संगत तैयार की। उनका सितारा हॉलीवुड वॉक ऑफ फेम पर है, और उनके शेल्फ पर ऑस्कर, ग्रैमी और गोल्डन ग्लोब हैं। ज़िमर का संगीत इन फ़िल्मों की तरह ही विविध है, लेकिन स्वर की परवाह किए बिना, यह दिल की धड़कनों को छू जाता है।

musicaludi.fr

हिसैशी सबसे प्रसिद्ध जापानी संगीतकारों में से एक हैं, जिन्हें सर्वश्रेष्ठ फिल्म स्कोर के लिए चार जापानी अकादमी फिल्म पुरस्कार मिले हैं। वह हयाओ मियाज़ाकी के एनीमे नौसिका ऑफ़ द वैली ऑफ़ द विंड के साउंडट्रैक की रचना करने के लिए प्रसिद्ध हुए। यदि आप स्टूडियो घिबली के काम या ताकेशी किटानो की फिल्मों के प्रशंसक हैं, तो आप शायद हिसैशी के संगीत की प्रशंसा करते हैं। यह अधिकतर हल्का और हल्का होता है।

twitter.com/theipaper

यह आइसलैंडिक मल्टी-इंस्ट्रूमेंटलिस्ट सूचीबद्ध मास्टर्स की तुलना में सिर्फ एक लड़का है, लेकिन 30 साल की उम्र तक वह एक मान्यता प्राप्त नियोक्लासिसिस्ट बन गया था। उन्होंने एक बैले के लिए संगत रिकॉर्ड किया, ब्रिटिश टीवी श्रृंखला "मर्डर ऑन द बीच" के साउंडट्रैक के लिए बाफ्टा पुरस्कार जीता और 10 स्टूडियो एल्बम जारी किए। अर्नाल्ड्स का संगीत सुनसान समुद्र तट पर तेज़ हवा की याद दिलाता है।

yiruma.manifo.com

ली रु मा की सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ किस द रेन और रिवर फ्लोज़ इन यू हैं। कोरियाई न्यू एज संगीतकार और पियानोवादक लोकप्रिय क्लासिक्स लिखते हैं जो किसी भी महाद्वीप के श्रोताओं, किसी भी संगीत स्वाद और शिक्षा के साथ समझ सकते हैं। उनकी हल्की और कामुक धुनें कई लोगों के लिए पियानो संगीत के प्रति प्रेम की शुरुआत बन गईं।

डस्टिन ओ'हैलोरन

फ्रैक्चरडेयर.कॉम

अमेरिकी संगीतकार दिलचस्प हैं क्योंकि उनके पास संगीत की कोई शिक्षा नहीं है, लेकिन साथ ही वे सबसे सुखद और काफी लोकप्रिय संगीत लिखते हैं। ओ'हैलोरन की धुनों का उपयोग टॉप गियर और कई फिल्मों में किया गया है। शायद सबसे सफल साउंडट्रैक एल्बम मेलोड्रामा "लाइक क्रेज़ी" के लिए था। यह संगीतकार और पियानोवादक संचालन की कला और इलेक्ट्रॉनिक संगीत बनाने के तरीके के बारे में बहुत कुछ जानता है। लेकिन उनका मुख्य क्षेत्र आधुनिक क्लासिक्स है। कैसियापाग्लिया ने कई एल्बम रिकॉर्ड किए हैं, जिनमें से तीन रॉयल फिलहारमोनिक ऑर्केस्ट्रा के साथ हैं। उनका संगीत पानी की तरह बहता है, यह उसके साथ आराम करने का एक शानदार तरीका है।

अन्य कौन से समकालीन संगीतकार सुनने लायक हैं?

यदि आपको महाकाव्य पसंद है, तो क्लाउस बैडेल्ट को अपनी प्लेलिस्ट में जोड़ें, जिन्होंने पाइरेट्स ऑफ द कैरेबियन में ज़िमर के साथ काम किया था। आप जान कैक्ज़मारेक, एलेक्जेंडर डेसप्लेट, हॉवर्ड शोर और जॉन विलियम्स को भी मिस नहीं कर सकते - आपको उनके सभी कार्यों, खूबियों और पुरस्कारों को सूचीबद्ध करने के लिए एक अलग लेख लिखना होगा।

अधिक स्वादिष्ट नवशास्त्रवाद के लिए, निल्स फ़्रैम और सिल्वेन चौव्यू को देखें।

यदि आप पर्याप्त नहीं पा सकते हैं, तो "एमेली" के साउंडट्रैक के निर्माता यान टियरसन को याद करें या जापानी संगीतकार टैमन की खोज करें: वह हवादार, परी-कथा धुनें लिखते हैं।

आपको किन संगीतकारों का संगीत पसंद है और किसका नहीं? आप इस सूची में और किसे जोड़ना चाहेंगे?

फ्रांज शूबर्टविनीज़ शास्त्रीय काल से रोमांटिक काल में संक्रमण के दौरान संगीत लिखा। उनकी रचनाएँ बहुत अभिव्यंजक, भावनात्मक हैं, जो विनीज़ शास्त्रीय शैली के मुहावरे का उपयोग करके लिखी गई हैं। जब शूबर्ट की मृत्यु हुई तब वह केवल 30 वर्ष के थे, लेकिन उन्होंने भावी पीढ़ियों के लिए एक विशाल संगीत विरासत छोड़ दी। आज शुबर्ट की कृतियों के बिना शास्त्रीय संगीत संभव नहीं है। यह अभी भी अज्ञात है कि शुबर्ट की मृत्यु क्यों हुई - 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में, जर्मन डॉक्टरों को यकीन था कि उनकी मृत्यु टाइफाइड बुखार, गरीबों की बीमारी से हुई थी। आज, कुछ डॉक्टरों का मानना है कि उनकी मृत्यु अंतिम चरण के सिफलिस से हुई। यह तर्क दिया जा सकता है कि शुबर्ट को अपनी लाइलाज बीमारी के बारे में 1823 में ही पता चल गया था। इसके अलावा हाल के दिनों में उन्हें बुखार भी आया था, लेकिन आज सिफलिस के बारे में राय और भी मजबूत हो गई है.

व्यक्तिगत रूप से, हम सोचते हैं कि हमें इस तथ्य को ध्यान में रखना होगा कि शुबर्ट अस्वच्छ परिस्थितियों में रहते थे, और अपने अंतिम दिनों के दौरान उन्होंने बहुत कम खाया और पिया - जो कि गैस्ट्रोइंटेस्टाइनल रोगों की विशेषता है।

फ़्रेडरिक चॉपिनचोपिन ने कैसे और क्या रचनाएँ लिखीं, इसके प्रति रुचि स्वाभाविक रूप से जागृत होती है - उनकी रचनाएँ न केवल सौंदर्य की दृष्टि से, बल्कि तकनीकी दृष्टि से भी अच्छी हैं। चोपिन द्वारा लिखे गए नोट्स पर एक नज़र उनकी सारी मौलिकता को तुरंत स्पष्ट कर देगी - उनके कार्यों की पांडुलिपियाँ क्रॉसिंग आउट, सम्मिलन आदि से भरी हुई हैं। एक ही कार्य के कई संस्करण जो एक जैसे हों, मिलना दुर्लभ है। अलग-अलग देशों में "एक साथ" प्रकाशित होने वाला शीट संगीत अलग-अलग होता है - काम प्रकाशित होने के बाद भी, चोपिन ने इसे सही करने का एक तरीका ढूंढ लिया। सामान्य तौर पर, चोपिन का मानना था कि संगीतकार का काम रचनात्मक, प्रकाशन की सीमा या अन्य कारणों से अप्रतिबंधित होना चाहिए। संभवतः इसी कारण चोपिन के संगीत को "शास्त्रीय संगीत" नामक एक बड़ी सूची में शामिल किया गया।

वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्टसबसे दिलचस्प संगीतकारों में से एक, एक प्रतिभाशाली बच्चा, एक अनोखा बच्चा जिसने संगीत में अविश्वसनीय प्रतिभाएँ दिखाईं। मोजार्ट ने 3-4 साल की उम्र में ही हार्पसीकोर्ड काफी अच्छा बजा लिया था और अपनी खुद की रचनाएँ पेश कीं। कई लोगों ने उन्हें जादुई क्षमताओं का श्रेय दिया - और, प्रसिद्ध इतिहास के अनुसार, उनके प्रतिद्वंद्वी सालिएरी ईर्ष्या को बर्दाश्त नहीं कर सके और वोल्फगैंग को जहर दे दिया। मोजार्ट की सुनने की क्षमता उत्तम थी, संगीत की बहुत अच्छी समझ थी और वह आसानी से सबसे जटिल स्कोर बना लेता था। मोजार्ट ने अपनी अधिकांश रचनाएँ दरबारियों के मनोरंजन के लिए लिखीं, इसलिए वे हल्की और हवादार हैं, हालाँकि एक पियानोवादक के दृष्टिकोण से वे काफी गंभीर हैं। शायद मोजार्ट शास्त्रीय संगीत है.

जॉर्ज फ्राइडेरिक हैंडेल(जन्म 23 फरवरी 1685 को हेल में, मृत्यु 14 अप्रैल 1759 को लंदन में) एक बारोक संगीतकार थे। वह मुख्य रूप से अपने कई ओपेरा के लिए प्रसिद्ध हुए। उनके काम में लगभग 40 ओपेरा और 25 वक्ता शामिल हैं। हैंडेल ने उस समय मौजूद सभी संगीत शैलियों में रचनाएँ छोड़ीं। हैंडेल के पिता जॉर्ज (1622-1697) एक लूथरन नाई और सर्जन थे और सैक्सोनी के ड्यूक वीसेनफेल्स के कोर्ट सर्जन के रूप में कार्यरत थे।

जॉर्ज हैंडेल अपने बेटे को 8 साल का होने से पहले ही अपने साथ वीसेनफेल्स ले गए थे। इस प्रकार, बच्चे ने दरबारी संगीतकारों से मुलाकात की और ड्यूक की उपस्थिति में ऑर्गन बजाया। उन्होंने तुरंत लड़के की प्रतिभा को पहचान लिया और उसके पिता के साथ गंभीरता से बातचीत की, जिन्होंने उनकी दलीलें सुनीं, हालाँकि उन्हें खुद संगीत में कोई दिलचस्पी नहीं थी।

अपनी वापसी के बाद, हैंडेल मैडोना चर्च के ऑर्गेनिस्ट फ्रेडरिक विल्हेम ज़ाचो का छात्र बन गया। उनके साथ उन्होंने रचना का अध्ययन किया, कीबोर्ड वाद्ययंत्रों के अलावा ओबो और वायलिन बजाना भी सीखा। प्रत्येक सप्ताह मोटेट्स लिखना भी आवश्यक था। हेंडेल को बारह साल की उम्र में बर्लिन की अदालत में भेज दिया गया, जहां उन्होंने अपनी संगीत क्षमताओं से शानदार छाप छोड़ी। ब्रैंडेनबर्ग के निर्वाचक (बाद में प्रशिया के राजा फ्रेडरिक प्रथम) ने लड़के को प्रशिक्षण के लिए इटली भेजने और फिर उसे बर्लिन की अदालत में सौंपने का प्रस्ताव रखा।

अक्टूबर 1712 में, हैंडेल लंदन लौट आए, जहाँ उन्होंने अपना शेष जीवन बिताया। सबसे पहले वह सरे में एक धनी संगीत प्रेमी, बार्न एल्म्स के साथ एक वर्ष तक रहे। अगले 3 वर्षों तक वह लंदन के पास अर्ल बर्लिंगटन के साथ रहे।

फ्रांज लिस्ज़त 22 अक्टूबर, 1811 को रेडिंग, तत्कालीन हंगरी साम्राज्य, आज ऑस्ट्रिया (बर्गनलैंड) में जन्म। वह 19वीं सदी के सबसे प्रसिद्ध और सबसे सफल गुणी पियानोवादकों में से एक थे, साथ ही एक शानदार संगीतकार भी थे। संगीत विद्यालय में पढ़ने वाला प्रत्येक व्यक्ति उनके नाम और कार्यों से अवश्य परिचित होता था। उनका जन्म 19वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में, अक्टूबर में हुआ था। बचपन से ही संगीतकार ने संगीत लिखना और संगीत कार्यक्रम देना शुरू कर दिया था। एफ. लिस्केट ने रेखाचित्र लिखे और चोपिन, सालिएरी और पगनिनी जैसे संगीतकारों के साथ संवाद किया। उन्होंने पियानो कार्यों को पॉप कार्यों में बदल दिया, एक कक्ष, सैलून उपकरण से पियानो की धारणा को व्यापक दर्शकों के लिए डिज़ाइन किए गए उपकरण में बदल दिया। फ्रांज लिस्ज़्ट ने अन्य संगीत रचनाओं का रूपांतरण किया, जिससे उन्हें एक नई ध्वनि मिली। उन्होंने प्रसिद्ध रूपांकनों पर विविधताएँ और कल्पनाएँ बनाईं। फ्रांज लिस्ज़त ने भी रूस का दौरा किया और घरेलू संगीतकारों और संगीतकारों, विशेष रूप से ग्लिंका के साथ संवाद किया।

वह सिम्फोनिक रचनात्मकता में लगे हुए थे और अक्सर ऐतिहासिक या काल्पनिक घटनाओं पर आधारित नाटक लिखते थे। उनके कार्यों में प्रसिद्ध लेखकों, विशेष रूप से फॉस्ट और मेफिस्टोफेल्स की छवियां भी पाई जा सकती हैं।

फ्रांज लिस्ज़त ने अपनी मातृभूमि - हंगरी में संगीत शैली के विकास में एक बड़ी भूमिका निभाई।

एफ. लिस्ज़त की 1886 में 75 वर्ष की आयु में मृत्यु हो गई। उनकी मृत्यु का स्थान बेयरुथ शहर था।

जोहान सेबेस्टियन बाच(जन्म 21 मार्च 1685 को ईसेनच में, मृत्यु 28 जुलाई 1750 को लीपज़िग में) - बारोक युग के जर्मन संगीतकार। आज उन्हें सभी समय के महानतम संगीत रचनाकारों में से एक माना जाता है, जिन्होंने बाद के संगीत को महत्वपूर्ण रूप से प्रभावित किया और जिनके कार्यों को मूल और अनगिनत रूपांतरों में पूरी दुनिया में प्रदर्शित किया जाता है।

चर्च सेवा में प्रवेश के तुरंत बाद, बाख ने उचित प्रदर्शन के लिए कैंटटास की रचना या पुनर्व्यवस्थित करना शुरू कर दिया। इस व्यवस्थित कार्य के दौरान, पहले वर्षों में प्रति सप्ताह औसतन लगभग एक कृति सामने आती थी, फिर गति धीमी हो गई। 1725 की शुरुआत में, बाख की मुलाकात कवि क्रिश्चियन फ्रेडरिक हेनरित्ज़ एलियंस पिकैंडर से हुई, जिन्होंने अंततः मैथ्यू पैशन के लिए पाठ प्रदान किया, जिसे 1727 या 1729 में पहली बार प्रदर्शित किया गया था। 1729 में, बाख ने 1701 में टेलीमैन द्वारा स्थापित संगीत महाविद्यालय का प्रबंधन संभाला, जिसका नेतृत्व उन्होंने 1741 तक किया, शायद 1746 तक भी। शिक्षण के साथ, उन्होंने जर्मन और इतालवी वाद्य और गायन संगीत का प्रतिनिधित्व किया, इसके अलावा, उन्होंने इसके लिए लिखा उनके कुछ धर्मनिरपेक्ष कैनटाटा, जैसे हरक्यूलिस एट द क्रॉसरोड्स, जिसे उन्होंने "ड्रामा प्रति ला म्यूज़िका" या "ड्रामा प्रति म्यूज़िका" कहा और जो संरचना में ओपेरा के करीब हैं। पीजेंट एंड कॉफ़ी कैंटाटा से पता चलता है कि वह हास्य शैली में भी लिख सकते थे। बाद में, पूरी संभावना है, ज़िमरमैन कॉफ़ी हाउस में प्रदर्शन किया गया था जब उन्होंने संगीत महाविद्यालय के साथ संगीत कार्यक्रम दिया था।

लुडविग वान बीथोवेन(जन्म 16 दिसंबर, 1770 को बॉन, जर्मनी में, मृत्यु 26 मार्च, 1827 को वियना में), एक विनीज़ शास्त्रीय संगीतकार थे। उन्हें उस संगीतकार के रूप में जाना जाता है जिसने उस युग के संगीत को उच्चतम विकास तक पहुंचाया। लुडविग वान बीथोवेन का जन्म एक संगीतकार परिवार में हुआ था। बीथोवेन के पिता छोटे वोल्फगैंग मोजार्ट से आश्चर्यचकित थे, जिन्होंने 6 साल की उम्र में संगीतकार के रूप में प्रदर्शन करना शुरू किया था और उन्हें एक प्रतिभाशाली बच्चे के रूप में जाना जाता था। अपने बेटे को प्रतिभाशाली बालक बनाने के लक्ष्य से उन्होंने उसे पियानो की शिक्षा देनी शुरू की। युवा बीथोवेन ने ऑर्गन और शहनाई बजाना भी सीखा। हालाँकि, उनके पिता के सख्त रवैये ने लड़के के विकास में बाधा उत्पन्न की, जिसे अपने पिता के दोस्तों के सामने पियानो बजाने के कौशल का प्रदर्शन करने के लिए आधी रात में बिस्तर से उठाया गया था। इसके कारण बीथोवेन अक्सर स्कूल में थक जाते थे और एकाग्रता की कमी से पीड़ित थे। 11 साल की उम्र में उन्हें स्कूल छोड़ने के लिए मजबूर होना पड़ा, अन्यथा बीथोवेन का बचपन समस्या-मुक्त नहीं था। उनके पिता शराबी थे, उनकी माँ अक्सर बीमार रहती थीं और उनके 6 भाई-बहनों में से केवल दो ही जीवित बचे थे। हां, जब वह 5 साल की उम्र में मध्य कान की सूजन से बीमार पड़ गए, तो उनके माता-पिता को इस पर ध्यान नहीं दिया गया और इसे बाद में पैदा हुए बहरेपन का एक कारण माना जाता है। जबकि बीथोवेन का अपने पिता के साथ तनावपूर्ण और आरक्षित संबंध था, वह अपनी माँ से बहुत प्यार करता था। बॉन कोर्ट में बीथोवेन के पिता के सहयोगियों ने लुडविग की प्रतिभा को पहचाना और यह सुनिश्चित किया कि उनके पिता ने अंततः अपने बेटे की आगे की संगीत शिक्षा अन्य संगीतकारों को सौंपने का फैसला किया। अगले वर्षों में बॉन में बीथोवेन के सबसे प्रसिद्ध संरक्षक और शिक्षकों में क्रिस्टियन गोटलोब नेफे (पियानो, अंग और रचना) और फ्रांज एंटोन रीस (वायलिन) शामिल थे। 9 सिम्फनी, 5 पियानो कॉन्सर्टो, ओवरचर्स (प्रोमेथियस, कोरिओलानस, एलेनोर), गायन कार्य, ओपेरा फिडेलियो, पियानो के लिए काम करता है, पियानो के लिए 32 सोनाटा, बैले और मंच संगीत, चैम्बर संगीत, चौकड़ी, सेलो सोनाटा।

निकोलो पोगनिनी 27 अक्टूबर 1782 को जेनोआ में जन्मे, एक इतालवी वायलिन वादक, गिटारवादक और संगीतकार थे। अपने समय के दौरान वह अग्रणी और सबसे गुणी वायलिन वादक थे। उनकी शक्ल-सूरत (वह पतले थे, उनके काले बाल और भूरी आँखें थीं) और उनकी शानदार खेल तकनीक ने उन्हें उनके जीवनकाल में ही एक किंवदंती बना दिया। पगनिनी को अपना पहला वायलिन प्रशिक्षण बचपन में ही मिल गया था, वह भी अपने पिता (एंटोनियो पगनिनी) से, जिन्होंने उन्हें नियमित रूप से अभ्यास करने के लिए मजबूर किया। यदि, उसके पिता की राय में, वह पर्याप्त मेहनती नहीं था, तो छोटे निकोलो को कोई भोजन नहीं मिलता था, और अक्सर पिटाई होती थी। उन्होंने एक उत्कृष्ट वायलिन वादक के रूप में इटली की यात्रा करके अपना जीवन यापन किया। 1805 और 1809 के बीच नेपोलियन की बहन राजकुमारी एलिसा बैसियोटी लुच्ची के साथ उनकी स्थिर स्थिति थी। यह उनका एकमात्र स्थायी पद था। 1813 से, पगानिनी लगातार संगीत कार्यक्रमों पर थे, जिसके दौरान उन्होंने अपने श्रोताओं को "वायलिन वादक की जादुई कला" से मंत्रमुग्ध कर दिया। वियना, लंदन, पेरिस, फिर वियना, और इसी तरह अंतहीन... 1833 में पेरिस में उनकी मुलाकात हेक्टर बर्लियोज़ से हुई, जिनसे उन्होंने रचना की शिक्षा ली। 1840 में छुट्टियों के दौरान नीस में उनकी मृत्यु हो गई।

Q· उनके 8 वायलिन संगीत कार्यक्रमों में से 6 आज भी बचे हैं।

· आज उनके 24 कैप्रिसियो सर्वश्रेष्ठ वायलिन वादकों के मानक प्रदर्शनों की सूची में शामिल हैं। वे इतने कठिन हैं कि उनकी मृत्यु के 50 साल बाद ही उन्हें सरलीकरण के बिना बजाना संभव था।

· सेलो और गिटार के लिए 12 सोनाटा।

· सेलो, वायलिन और गिटार के लिए 6 चौकड़ी।