Menu
domuroda

Cechy różnych gatunków muzycznych. Jakie istnieją gatunki muzyczne? Gatunki koncertowe

Najbardziej ogólna charakterystyka gatunków, odnosząca się bezpośrednio do ich treści, podana jest już w nazwach: muzyka liryczna, dramatyczna, epicka. Dotyczy to również muzyki programowej.

W przeszłości opracowano wiele specjalnych nazw, aby uzyskać bardziej szczegółowe cechy gatunku. Sonata, symfonia, uwertura, suita, koncert, poemat, fantasy, ballada – to wszystko są gatunkowe nazwy mniej lub bardziej dużych dzieł.

Opera, kantata, oratorium, symfonia – mamy tu na myśli nie tylko środki wykonawcze, ale także istotę tych gatunków.

Bardziej specyficzną charakterystykę gatunkową nadają podwójne tytuły. Na przykład liryczno-psychologiczny, epicki, operowy lub symfoniczny; sonata pastoralna lub poemat dramatyczny.

Istnieje niezliczona ilość tytułów gatunkowych dla dzieł o mniejszej skali. Na przykład pieśni bez słów Mendelssohna; preludia, etiudy, nokturny, ballady Chopina; Rapsodia Liszta; etiudy-obrazy Rachmaninowa, baśnie Medtnera i Prokofiewa.

Niektóre z tych tytułów mają charakter ogólny, inne zaś bardziej specyficzny gatunkowo. Na przykład suity francuskie i angielskie Bacha, „Tańce norweskie” Griega, „Włoskie Capriccio” Czajkowskiego, „Jota aragońska” Glinki.

W dziełach romantyków istnieje szeroka gama oprogramowanie tytuły o bardziej zindywidualizowanej charakterystyce gatunkowej. Programowość jest najbardziej charakterystyczną cechą epoki romantyzmu. Upodobanie do programowania wynikało z chęci kompozytorów romantycznych do bezpośredniego wyrażenia określonej idei, obrazu, charakteru w języku muzyki i przybliżenia muzyki do innych sztuk, literatury i malarstwa. Złożoność odzwierciedlonych zjawisk, nowość środków i form – wszystko to wymagało wskazówek autora, które kierowałyby uwagę i pomagały właściwie zrozumieć sens dzieła. Kompozytorzy ucieleśniali to powszechne pragnienie na różne sposoby. Sam Berlioz napisał obszerny program do swoich symfonii, niczym libretto opery. Twórczość Liszta inspirowana była obrazami literatury światowej i przyjęła ich nazwy. Na przykład symfonie „Faust” (każda część ma nazwę: „Faust”, „Gretchen”, „Mefistofeles”), „Dante” na podstawie „Boskiej komedii” Dantego; poematy symfoniczne „Orfeusz” - mitologia starożytna, „Hamlet” według Szekspira, „Bitwa Hunów” według fresku niemieckiego artysty Katzlbacha. Schumann wymyślił tytuł charakterystyczny dla danego spektaklu, wskazując konkretną treść lub wyraził w tytule ogólną ideę lub intencję poetycką. Na przykład cykle fortepianowe „Motyle”, „Kwiaty”. Czasem, szczegółowo opisując treść, nadaje każdemu spektaklowi z cyklu indywidualny tytuł. Dotyczy to miniatur „Pierrot”, „Przyjemnych spotkań”, „Czułych wyznań”, „Kokietki” itp., wchodzących w skład cyklu fortepianowego „Karnawał”.


W muzyce nieprogramowanej najbardziej zdefiniowane są nazwy gatunków tanecznych. Chopin w swojej twórczości fortepianowej ograniczył się do określenia gatunku utworu: nokturn, ballada, polonez, mazurek, walc.

Gatunek, jako uogólnienie praktyki muzycznej i społecznej, jest istotnym środkiem wyrażania obrazu artystycznego w literaturze muzycznej. Na przykład:

Marsz nabrał wielkiego znaczenia w twórczości Beethovena i Schuberta – gatunek kojarzony z epoką Rewolucji Francuskiej, rewolucyjnym ruchem mas i epoką wojen napoleońskich;

Gatunki pieśni i tańca ludowego w twórczości kompozytorów rosyjskich XIX-XX wieku. Np. taniec „mazurek” – jako środek kreowania barwy narodowej – Glinka. Opera „Iwan Susanin”, akt II; ditties - jako środek muzycznej charakterystyki obrazu w powiązaniu z tekstem piosenki - Sviridov. Wiersz „Pamięci S. Jesienina”, część VII „Dzieci chłopskie”.

Wraz ze zmianą treści myśli społecznej zmieniają się także gatunki muzyczne charakterystyczne dla danej epoki – jedne wymierają (np. chorał gregoriański, ricercar), a pojawiają się inne (pieśń artystyczna, rock opera).

Dzieło muzyczne, jak każde inne dzieło sztuki, jest jedność treści i formy.

Opcja I

Treść muzyczna– ukazywanie rzeczywistości w konkretnych obrazach muzycznych. Artystyczne itp. obrazy muzyczne pojawiają się w wyobraźni twórczej nie same, ale w rezultacie postrzeganie rzeczywistość. Postrzeganie to nie przenosi automatycznie zjawisk rzeczywistości na sztukę (naturalizm), ale przekształca je w obrazy artystyczne poprzez twórcze przetwarzanie wrażeń życiowych. Dlatego artystyczne odzwierciedlenie rzeczywistości (nawet w sztukach plastycznych) jest odzwierciedleniem uogólnionego stosunku artysty do rzeczywistości, jego światopoglądu.

Obrazy muzyczne– wynik tego rodzaju uogólnienia zmysłowego, które ma miejsce w duchowym świecie człowieka i tworzy podstawę zarówno wyobraźni twórczej kompozytora, jak i percepcji etycznej słuchacza. Muzyka obraz rodzi się w formie muzycznej i jest postrzegany jako fenomen porządku muzycznego. Zatem obrazy muzyczne są nie tylko wytworem rzeczywistości, ale także wytworem kultury muzycznej ze wszystkimi jej historycznie rozwijającymi się muzycznymi środkami wyrazu, tworzącymi „język muzyczny”.

Opcja II

Rzeczywistość znajduje odzwierciedlenie w sztuce w formie obrazy artystyczne. Główne cechy obrazu artystycznego podawane są zwykle na początku dzieła, jednak obraz artystyczny ujawnia się w pełni w procesie opracowywania treści. Wstępna prezentacja obrazu artystycznego w muzyce nazywa się piosenka przewodnia(konstrukcja będąca podstawą dalszego procesu rozwoju).

Pojęcie forma muzyczna ma dwa znaczenia: szerokie, ogólnoestetyczne i wąskie, technologiczne.

W szerokim znaczeniu– forma to holistyczny, zorganizowany system muzycznych środków wyrazu, za pomocą których ucieleśnia się treść utworu (zespół muzycznych środków wyrazu ujawniający treść ideową i figuratywną dzieła). Składnikami formy muzycznej w tym rozumieniu są nie tylko struktura (rodzaj kompozycji) utworu jako całości i jego części, ale także faktura – sposób przedstawienia materiału muzycznego – (melodia, harmonia, rytm – w ich jedności). , barwa i środki rejestrowe, odcienie dynamiczne, tempo, metody wytwarzania dźwięku itp.

W wąskim znaczeniu- struktura utworu (rodzaj utworu – struktura utworu muzycznego lub innego dzieła artystycznego, powstająca na podstawie relacji jego najważniejszych elementów. Kompozycja utworu ma charakter celowy i pomaga wyrazić intencję kompozytora); konstrukcja dzieła muzycznego, relacje jego części.

Opcja I

Rozwój muzyczny w pracy bez przerwy. Ciągłość utrzymywana jest poprzez wewnętrzną dynamikę, powodującą ciągłe oczekiwanie na dalszy rozwój, aż do jego ostatecznego zakończenia.

Jednocześnie charakteryzuje się muzyką artykulacja, amputacja poprzez kadencje, długie zatrzymania, pauzy. Te muzyczne znaki interpunkcyjne, tworzące okrągłość i kompletność poszczególnych konstrukcji, nazywane są cezurami (momentem rozdzielenia dowolnych części formy).

Ze względu na podobieństwo pod tym względem do mowy werbalnej (rozdziały, akapity, frazy, a nawet słowa) rozwój muzyczny nazywany jest przemówienie muzyczne(wyrażenia, zdania, kropka).

Główne objawy cezury:

Zatrzymywanie się na długim dźwięku;

Powtórzenie figur melodyczno-rytmicznych;

Zmiana dynamicznych odcieni, rejestrów itp.

Cezura jest zwykle najwyraźniej wyrażona w głosie głównym.

Część formy ograniczona cezurami nazywa się budowa(niezależnie od czasu trwania - od uderzenia do setek uderzeń). Części formularza, tj. konstrukcje oddzielone od siebie cezurami stanowią jednocześnie jedność, dzięki czemu razem tworzą całość muzyczna.

Podział względnie kompletnej myśli muzycznej na części i ich wzajemne podporządkowanie (jedność) - składnia muzyczna.

Opcja II

Składnia(grecki - kompozycja) to obszar gramatyki poświęcony badaniu powiązań semantycznych w mowie werbalnej, badaniu fraz i zdań.

W muzyce istnieją także powiązania pomiędzy poszczególnymi dźwiękami tworzącymi frazy muzyczne, a także pomiędzy samymi frazami. Połączenia te powstają na podstawie trybu, rytmu metrum, formy ruchu melodycznego itp. – o tym wszystkim mowa składnia mowy muzycznej.

Dzieło muzyczne można porównać do dzieła literackiego. Opowieść, powieść - ma plan, ideę i treść, która staje się jasna w trakcie stopniowego przedstawiania. Co więcej, każda myśl wyrażona jest pełnymi zdaniami, które są oddzielone od siebie kropkami. Części zdania oddzielamy przecinkami.

W utworze muzycznym treść również nie jest przedstawiona w ciągłym strumieniu dźwięków. Słuchając muzyki, dostrzegamy w niej momenty podziału – cezurę. Cezura to moment, w którym następuje oddzielenie jednej konstrukcji od drugiej. Cezury mają charakterystyczne cechy:

Zmiana rejestrów, faktury, ruchu melodycznego, tempa, barwy;

Pojawienie się nowego materiał melodyczny lub jego powtórzenie;

Cezura pomiędzy konstrukcją a jej dosłowną lub zróżnicowaną konstrukcją.

Tak jak w mowie potocznej myśl wyrażana jest w zdaniach składających się z pojedynczych słów, tak w mowie melodycznej zdania podzielone są na mniejsze struktury - zwroty I motywy(elementy składowe form muzycznych, komórki stanowiące podstawę melodii).

Motyw- najmniejsza część melodii, niepodzielna komórka mowy muzycznej, która ma określone znaczenie ekspresyjne i którą można rozpoznać, gdy się pojawi.

Mozarta. Symfonia nr 40, rozdział;

Czajkowski „Pieśń niemiecka” (zm.);

Czajkowski. Móc. „Białe noce” (zm.);

Haydna. Menuet;

Mozarta. Menuet;

Purcella. Aria;

Mordasow. Stary motyw.

Sekwencje 2-3 motywów tworzą stosunkowo zamkniętą strukturę - fraza muzyczna. Zwroty z kolei łączą się, a ciąg 2 zwrotów tworzy jeszcze większą konstrukcję, tzw oferta. Sekwencja 2 zdań tworzy pełną sekcję, która nazywa się okres - prosty, jednoczęściowy formularz.

Wiele mniejszych fragmentów to fragmenty z epoki. Ale w przeważającej części dzieła muzyczne składają się z łańcucha okresów.

Zatem następstwo dwóch okresów tworzy prostą forma dwuczęściowa (A+A 1, A+B). W muzyce wokalnej forma ta nazywa się werset.

- Czajkowski. Móc. „Białe noce” (zm.) - A+B;

Majkapar. W przedszkolu - A+B;

Schumanna. Marsz - A+B;

- Shulgina. Marzec października -A+B;

- Handel. Menuet - A+A1;

- Purcella. Aria - A+A1;

- Kawaler. Aria - A+A 1

Forma trójstronna składa się z trzech odcinków (najczęściej trzech okresów): pierwszy i trzeci odcinek są takie same; środkowy - albo kontynuuje rozwój materiału tematycznego pierwszej części, albo opiera się na nowym, często kontrastowym materiale (A+A1+A, A+B+A).

Czajkowski. „Marsz drewnianych żołnierzy” (d.a.) - A+A1+A;

Czajkowski. „Nowa lalka” (d.a.) - A+A1+A;

Czajkowski. „Skowronek” (zm.) - A+A1+A;

- Mozarta. Menuet - A+A1+A;

Czajkowski. „Słodki sen” (zm.) - A+B+A;

- Rubinsteina. „Melodia” – A+B+A;

- Musorgskiego. „Baba Jaga”, „Balet niewysiedzianych piskląt” („Obrazy z wystawy”) – śl. 3-częściowy z kontrastowym środkiem;

Griega. „Procesja krasnoludów” - słowa 3-częściowy z kontrastowym środkiem;

- Prokofiew. Taniec Rycerzy – tekst. 3-częściowy z kontrastowym środkiem;

- Mozarta. Symfonia nr 40, część III - teksty. 3-częściowy z trio

Wariacje- forma muzyczna składająca się z tematu i kilku jego powtórzeń w zmodyfikowanej formie ( A + ZA 1 + ZA 2 + ZA 3 ...).

- Handel. Passacaglia g moll – 2957 (basso ostinato);

Mozarta. Wariacje na temat francuski. Piosenki. – 572;

Griega. W jaskini Króla Gór – 3641 (ostinato sopranowe);

Gmatwać. Bolero – 3139 (warianty podwójne);

Glinka. Kamarinskaya - 3578 (podwójne odmiany)

Szostakowicz. Symfonia nr 7, część I, odcinek inwazji – darmowe wariacje na stały temat

Rondo(francuski – taniec okrągły, chodzenie w kółko) – forma muzyczna polegająca na wielokrotnym powtarzaniu jednego tematu – refren(temat jest nauczany co najmniej 3 razy), z którymi naprzemiennie sekcje innych treści - odcinki. Forma ronda zaczyna się i kończy refrenem, tworząc swoiste błędne koło (A+B+A+C+D+A).

Kuperyna. Chaconne „Ukochany” – 2874;

Mozarta. Arioso Figaro „Rozbrykany chłopiec…”, I d. „Wesele Figara” -

Glinka. Romans „Nocna pianka” -

Glinka. Rondo Farlafa, budynek II „Rusłan i Ludmiła” –

Borodin. Opłakiwanie Jarosławia, IV d. „Książę Igor” -

Prokofiew. „Julia jest dziewczyną” -

Musorgskiego. „Obrazy z wystawy” - rondo z wyposażeniem apartamentu.

Duże dzieła składające się z oddzielnych części połączonych wspólną koncepcją są klasyfikowane jako formy cykliczne.

Muzyka (gr. μουσική, przymiotnik od gr. μούσα – muza) to sztuka, dla której środkiem ucieleśnienia obrazów artystycznych są dźwięk i cisza, zorganizowane w szczególny sposób w czasie. Dzieła muzyczne można podzielić na gatunki, ruchy i style. Kryteriami takiego podziału mogą być rytm, użyte instrumenty, technika i inne parametry.

· Muzyka ludowa (angielska muzyka ludowa) - twórczość muzyczna i poetycka ludu, integralna część sztuki ludowej (folklor), istniejąca z reguły w formie ustnej (niepisanej), przekazywana z pokolenia na pokolenie.

· Muzyka sakralna – utwory muzyczne związane z tekstami o charakterze religijnym, przeznaczone do wykonywania podczas nabożeństw lub w życiu codziennym.

· Muzyka klasyczna – często nazywana jest muzyką „akademicką”, co ma związek z ciągłością przede wszystkim z gatunkami i formami muzycznymi, które powstały w Europie w XVII-XIX w. (opera, symfonia, sonata itp.).

· Muzyka latynoamerykańska to ogólna nazwa stylów i gatunków muzycznych krajów Ameryki Łacińskiej, a także muzyki ludzi z tych krajów.

· Blues – „pieśń robocza”, okrzyki w obrzędach afrykańskich kultów religijnych (krzyk angielski (ringowy), okrzyki duchowe (śpiewy chrześcijańskie w szczególny sposób), szanty i ballady (krótkie opowiadania poetyckie). Pod wieloma względami wywarł wpływ na współczesną muzykę popularną, zwłaszcza na takie gatunki jak „pop”, „jazz”, „rock and roll”, „soul”.

· Jazz to forma sztuki muzycznej, która powstała na przełomie XIX i XX wieku w USA w wyniku syntezy kultur afrykańskiej i europejskiej, a następnie rozpowszechniła się. Cechami charakterystycznymi języka muzycznego jazzu były początkowo improwizacja, polirytmia i unikalny zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej – swing.

· Country jest najbardziej rozpowszechnionym typem muzyki ludowej w Ameryce Północnej i nie ustępuje pod względem popularności muzyce pop w Stanach Zjednoczonych.

· Chanson, romans, piosenka artystyczna – gatunek pieśni, który powstał w połowie XX wieku w różnych krajach. Jego cechami charakterystycznymi są połączenie autora muzyki, tekstu i wykonawcy w jednej osobie, akompaniament gitarowy, prymat znaczenia tekstu nad muzyką oraz skupienie się na śpiewie zbiorowym przez nieprofesjonalistów.

· Muzyka elektroniczna to szeroki gatunek muzyki, który odnosi się do muzyki tworzonej przy użyciu elektronicznych instrumentów muzycznych i technologii (najczęściej przy użyciu specjalnych programów komputerowych).

· Rock to ogólna nazwa szeregu trendów w muzyce popularnej. Słowo „rock” - (przetłumaczone z angielskiego jako „pompa, kołysanie, kołysanie”) - w tym przypadku wskazuje na wrażenia rytmiczne charakterystyczne dla tych kierunków, związane z określoną formą ruchu, przez analogię do „przechylenia”, „skrętu”, „huśtać się”, „wstrząsać” itp.

GATUNKI SZTUKI MUZYCZNEJ

Uczniowie muszą

Wiedzieć: klasyfikacje gatunków, gatunki wokalne, gatunki instrumentalne. Duże formy muzyki wokalno-instrumentalnej, instrumentalnej i chóralnej. Muzyka symfoniczna. Opera, balet. Współczesne trendy w muzyce.

Wykład

Muzyka kameralna

W dawnych czasach, gdy nie było sal koncertowych, filharmonii, muzyka instrumentalna i mały dzieła wokalne zostały wykonane B w domach melomanów. Były sonaty, tria, kwartety, ktoś śpiewał przy akompaniamencie klawesynu lub innych instrumentów. Wśród słuchaczy było zwykle tylko kilku krewnych i znajomych.

Grali więc muzykę zarówno w skromnych domach rzemieślników, jak i w arystokratycznych salonach. Stąd wzięło się wyrażenie - muzyka kameralna, to znaczy, że muzyka jest przeznaczona do odtwarzania w pomieszczeniu, muzyka domowa.

Muzyka wokalna

Muzyka na głos i śpiew jest najstarszą formą sztuki muzycznej, równą wieku co mowa ludzka. Człowiek od dawna zrozumiał, że przeciągnięty, długi dźwięk jest piękniejszy i wyrazisty niż dźwięk krótki, gwałtowny. Oczywiście modląc się, przywołując po coś niewidzialne duchy, starał się wydobyć dźwięk, starał się, aby jego dźwięk był melodyjny. Nie wiadomo, czy tak było, czy nie, ale najstarsze pieśni, jakie znamy, to właśnie takie zaklęcia duchów. Trudno je nawet nazwać piosenkami, ich melodie są bardzo proste i prymitywne, ale przecież to były już pierwsze piosenki. oczywiście były też inne piosenki związane z życiem codziennym. Wiele piosenek poświęconych jest najważniejszej rzeczy w życiu człowieka – pracy, pracy. Wiele z nich zaprojektowano tak, aby można je było śpiewać podczas pracy. Ich melodie i rytmy dostosowane są do ruchów człowieka podczas danego utworu.

Człowiek idzie przez pole, powoli, spokojnie, zbiera ziarno z kosza i szerokim, płynnym gestem rozsypuje je po zaoranej ziemi – śpiewając piosenkę w rytm swoich kroków.

Trawa na łąkach już pełna, czas kosić. Kosiarki idą jedna za drugą: zgodnie, jednocześnie machają kosami i oczywiste jest, że piosenka powinna być bardziej energetyczna i wyraźniejsza.

Żyto jest dojrzałe. Kobiety z sierpami wyszły na pola – pieśń nowa; Młócą żyto na klepisku – też śpiewają.

Nadeszła zima - a tutaj nie można obejść się bez śpiewania w długie zimowe wieczory przy wrzeciono lub kołowrotku.

Śpiew bez akompaniamentu instrumentalnego nazywa się - a cappella.

(nauka i analiza pieśni ludowych według wyboru nauczyciela)

Muzyka wokalna, wykonywana ludzkimi głosami, to połączenie dwóch rodzajów sztuki: muzyka i poezja

Prawie wszystkie utwory wokalne zawierają słowa. Dlatego ich melodie są w mniejszym lub większym stopniu powiązane nie tylko z językiem słów, ale także z ekspresyjną intonacją mowy ludzkiej. W każdym utworze wokalnym wiodącą rolę odgrywa melodia, w której zwykle koncentruje się główna idea utworu i wyraża się istota obrazu muzycznego.

Poznając muzykę ludową różnych krajów, można przekonać się o niesamowitym bogactwie gatunków pieśni: utworu, gier rytualnych, tańców okrągłych, tańców majestatycznych, lirycznych, heroiczno-epickich, komicznych, satyrycznych. Pieśni rodzinne obejmują kołysanki, wesela, pogrzeby i lamenty. Wszystkie tego typu pieśni powstały w ścisłym związku z życiem społecznym konkretnych ludzi, którzy je zrodzili, ich aktywnością zawodową oraz życiem rodzinnym i codziennym.

Test kontrolny

1.Co to jest wokalizacja?

A) piosenka z akompaniamentem;

B) śpiewanie z nazwą nut;

W) sztuka bez słów.

2.Co to jest ballada?

A) piosenka bez słów;

B) piosenka o charakterze narracyjnym;

C) piosenka o zmysłowym, lirycznym charakterze.

3. Co mają wspólnego pieśni ludowe i romanse? (gdzie jest zła odpowiedź?)

C) zostały stworzone przez śpiewaków-amatorów;

G) stworzyli kompozytorzy.

4.Co to jest „a cappella”?

A) śpiew z towarzyszeniem instrumentów;

B) śpiewanie w chórze;

W)śpiew bez akompaniamentu instrumentalnego.

Gatunki instrumentalne

Uczniowie muszą

Wiedzieć :

odmiany gatunku instrumentalnego;

cechy charakterystyczne tych dzieł;

nazwy kilku dzieł i kompozytorów, którzy je stworzyli.

sposób odbioru dzieła muzycznego.

Być w stanie:

rozpoznawać ze słuchu utwory instrumentalne różnych gatunków;

sporządzić plan analizy utworu muzycznego;

przeprowadzić z uczniami analizę utworu muzycznego na zadany temat;

wybierać zadania dla uczniów, aby aktywnie odbierać utwór muzyczny;

wymyślić zadania dotyczące skojarzeniowego postrzegania muzyki;

tworzyć rytmiczne ruchy dla intonacji plastycznej;

przemyśl i nagraj partyturę rytmiczną do gry na DMI (instrumentach muzycznych dla dzieci);

prowadzić z uczniami różnego rodzaju zajęcia muzyczne aktywizujące percepcję muzyki instrumentalnej różnych gatunków i stylów.

Wykład

Jaka muzyka rozwinęła się jako pierwsza, wokalna czy instrumentalna?

Europejska muzyka instrumentalna rozwinęła się później niż muzyka wokalna i przez długi czas zachowała charakter użytkowy, towarzysząc procesjom ceremonialnym i pogrzebowym, balom miejskim i dworskim oraz polowaniom.

W domu pieśni i tańce grano na instrumentach szarpanych – wielostrunowej LUTNIE – poprzedniczce gitary i mondoliny. W XVI wieku w życiu domowym upowszechniły się instrumenty klawiszowe: klawesyn, klawikord, clavicembalo, a w Anglii dziewiczy.

Codzienne tańce miejskie XVI – XVIII wieku charakteryzowały się różnorodną naturą ruchu i rytmu. Wśród nich nie zabrakło tańców płynnych – procesyjnych (włoska pawana, niem. allemande, hiszpańska sarabanda), skocznych, wślizgowych (francuski gong i menuet), szybkich ze skokami i skakaniem (bure, gavotte gig).

Z naprzemienności i porównania różnych tańców powstał starożytny zestaw.

Zestaw(z Suity Francuskiej - „rząd”, „sekwencja”) - dzieło muzyczne składające się z kilku różnych utworów połączonych jedną koncepcją. Przykładowo „Karnawał” R. Schumanna to cykl różnych miniatur fortepianowych. Albo „Obrazy z wystawy” M.P. Mussorski – zbiór sztuk, które oddają wrażenia kompozytora z wystawy artysty V.A. Hartmanna. Suity często komponowane są z muzyki do spektakli teatralnych, filmów, fragmentów baletu i opery. Są to na przykład suity „Peer Gynt” E. Griega, „Carmen” R. Szczedrina.

Suitę charakteryzuje malarska reprezentacja oraz ścisłe powiązanie z pieśnią i tańcem. To, co odróżnia suitę od sonaty i symfonii, to większa samodzielność jej części oraz mniejsza rygoryzm i regularność ich powiązań.

W Niemczech pod koniec XVII wieku powstała dokładna kolejność części: . na przykład G. F. Handel, J. B. Luly, J. S. Bach.

Suity z XVII-XVIII wieku były taneczne; orkiestrowe suity nietaneczne pojawiły się w XIX w.; Najbardziej znane to „Szeherezada” N. A. Rimskiego-Korsakowa, „Obrazy z wystawy” MP Musorgskiego

Oprócz suit do muzyki klawiszowej i organowej, istnieją dwuczęściowe cykle składające się z preludia i fugi lub toccaty i fugi.

Toccata(włoski - dotyk, dotyk) - nazwa utworu o charakterze wirtuozowskim, oparta na szybkim i rytmicznie płynnym ruchu bez melodyjnych epizodów lirycznych.

Preludium(łac. prae... – przed i łac. ludus – zabawa) – krótki utwór muzyczny, nie posiadający ścisłej formy. W powijakach preludia zawsze poprzedzały dłuższe, bardziej złożone i ściśle ustrukturyzowane dzieło (stąd nazwa), ale później kompozytorzy zaczęli pisać preludia jako dzieła niezależne.

J. S. Bach napisał „Klavier o dobrym temperamencie”

składający się z preludiów i fug i wywarł wpływ niemal na wszystkich znaczących kompozytorów kolejnych epok. Wielu z nich napisało własne cykle składające się z 12 lub 24 preludiów, które podobnie jak u Bacha, ułożone były według tonacji. Fryderyk Chopin napisał cykl 24 preludiów bez fug, uwalniając tym samym preludium od jego pierwotnego przeznaczenia – utworu wprowadzającego. Od tego czasu wielu kompozytorów napisało preludia jako dzieła niezależne. Szczególnie duży wpływ na późniejszych kompozytorów wywarły dwa tomy impresjonistycznych preludiów Claude'a Debussy'ego.

Słynne cykle preludiów

J. S. Bach - dwa tomy „The Well-Tempered Clavier”, każdy tom zawiera 24 preludia i fugi w 12 tonacjach durowych i 12 molowych, z preludium i fugą dla każdego klawisza fortepianu.

F. Chopin – 24 preludia,

K. Debussy'ego - dwa tomy 12 preludiów. Na końcu każdego preludium znajduje się jego nazwa, natomiast przed nim znajduje się jedynie cyfra rzymska wskazująca jego numer.

S. V. Rachmaninow – 24 preludia, wśród nich znane na całym świecie preludium cis-moll.

A. N. Skriabin – 24 preludia

P. Hindemith – Ludus Tonalis, preludium, 11 przerywników

D. D. Szostakowicz – cykl 24 preludiów i fug oraz wcześniejszy cykl 24 preludiów na fortepian.

Test.

B).ćwiczenia muzyczne z fragmentami wirtuozowskimi;

B) krótkie muzyczne powitanie.

2. Marzec to:

A) utwór o miarowym, wyraźnym rytmie;

B) utwór muzyczny, w którym partia główna powtarza się kilkakrotnie;

B) utwór wirtuozowski.

A) utwór wirtuozowski o kapryśnym charakterze;

B) sztuka o charakterze smutnym;

B) utwór jazzowy.

4. Fuga to:

A) element dowolny;

B) utwór w przyspieszonym tempie, z wyraźnym rytmem;

5. Koncert jest:

A) wystąpienia publiczne;

B) utwór na orkiestrę symfoniczną składający się z czterech części;

C) utwór na instrument solowy i orkiestrę.

Sonata

Jeśli porównamy sonatę z gatunkiem literackim, wówczas najbardziej odpowiednim porównaniem jest powieść Lub fabuła. Podobnie jak imsonata, jest ona podzielona na kilka części. Zwykle jest ich trzech lub czterech. Podobnie jak powieść, sonatę wypełniają różnorodni „bohaterowie” i motywy muzyczne.

Tematy nie tylko następują po sobie, ale oddziałują na siebie, wpływają na siebie, a czasem nawet wchodzą w konflikt.

Największym napięciem i ostrością charakteryzuje się pierwsza część sonaty. Dlatego wypracował własną, szczególną formę sonatową.

W pierwszej kolejności kompozytor wprowadza głównych bohaterów – tematy muzyczne. To jak początek dramatu. Następnie akcja rozwija się, intensyfikuje, osiąga swój szczyt, po którym następuje rozwiązanie. Zatem forma sonatowa składa się z 3 części.

1. Ekspozycja, w którym wątki główne pojawiają się w różnych tonacjach, sama akcja to 2 - rozwój i wynik 3-powtórka. W repryzie powtarza się to, co było w ekspozycji, ale ze zmianami spowodowanymi wydarzeniami rozwojowymi. Wszystkie tematy muzyczne w repryzie występują w jednej, głównej tonacji, czasami uzupełniając pierwszą część sonaty. Zawiera fragmenty najważniejszych tematów partii, ustala tonację główną,

część druga komponowany z reguły w zwolnionym tempie. Muzyka niesie spokojny tok myśli, wychwala piękno uczuć i maluje wysublimowane pejzaże.

Część III (końcowa) zwykle utrzymywane w szybkim tempie, czasem nawet w szybkim ruchu. Oto efekt, wnioski z poprzednich części: może być optymistycznie i afirmacyjnie, ale czasem bywa też dramatycznie, a nawet tragicznie.

Sonaty klasyczne powstały w tym samym czasie, co symfonie, w drugiej połowie XVIII wieku. Termin „sonata” powstał na początku XVI wieku od włoskiego słowa oznaczającego dźwięk. Początkowo tak nazywano każdy utwór instrumentalny.

Brzmi część III

Jakie skojarzenia się pojawiły?

Brzmi jak burza, która niszczy wszystko na swojej drodze. Cztery fale dźwięków napływające z ogromnym ciśnieniem. Każda fala kończy się dwoma ostrymi ciosami – żywioły szaleją. Ale tu pojawia się drugi temat. Jej górny głos jest szeroki i melodyjny: narzeka, protestuje. Stan skrajnego podniecenia utrzymuje się dzięki akompaniamentowi – w tym samym ruchu, co podczas burzliwego początku części 3. Czasami wydaje się, że następuje całkowite wyczerpanie, ale osoba podnosi się ponownie, aby przezwyciężyć cierpienie.

Jest to dominująca część sonaty i naturalne zakończenie jej dramatycznych wydarzeń. Wszystko tutaj jest jak w życiu wielu ludzi, dla których życie oznacza walkę i pokonywanie cierpienia.

„Sonata patetyczna” " № 8

Sonatę napisał L. Beethoven w 1798 roku. Tytuł należy do samego kompozytora. Od greckiego słowa „pathos” - z podwyższonym, podniosłym nastrojem. Nazwa ta odnosi się do wszystkich trzech części sonaty, chociaż to „uniesienie” w każdej części wyraża się inaczej.

Część I napisany w szybkim tempie w formie allegra sonatowego. Początek sonaty jest niezwykły: "Powolny wstęp brzmi ponuro i jednocześnie uroczyście. Ciężkie akordy, z dolnego rejestru lawina dźwięków przesuwa się stopniowo w górę. Groźne pytania brzmią coraz bardziej natarczywie. Odpowiada na nie łagodny , melodyjna melodia z nutą modlitwy na tle spokojnych akordów.

Po wstępie rozpoczyna się szybkie allegro sonatowe.

Główna impreza przypomina sztormowe fale. Na tle niespokojnego basu melodia głosu wyższego niespokojnie wznosi się i opada.

Impreza łącząca stopniowo uspokaja emocje głównego tematu i prowadzi do melodyjności i melodyjności impreza boczna.

Wbrew ustalonym zasadom w sonatach klasyków wiedeńskich, partia boczna „Pathétique Sonata” brzmi nie w tonacji dur równoległej, ale w moll o tej samej nazwie.

Testy

1. W którym roku urodził się L. Beethoven?

A).1670,

B). 1870

W). 1770

2. Gdzie urodził się Beethoven?

A). w Bonn,

B). W Paryżu,

W). W Bergenie.

3. Kto był nauczycielem Beethovena?

A). Handel G. F.

B). Nefe K. G.

W). Mozarta W.

4. W jakim wieku Beethoven napisał Sonatę księżycową?

A). W wieku 50 lat.

B). W wieku 41 lat.

W). W wieku 21 lat.

5. W samą porę, z miłości do której kobiety, Beethoven napisał Sonatę księżycową?

A). Julia Guicciardi.

B).Julia Capulet.
W). Józefina Dama.

6. Który poeta nadał nazwę sonacie nr 14 „Światło księżyca”?

A) i Schillera.

B). L. Relshtab.

W). I. Shenk.

7. Które dzieło nie należy do dzieła Beethovena?

A). „Sonata patetyczna”

B). „Bohaterska Symfonia”.

W),.„Szkic rewolucyjny”.

8. Ile symfonii napisał Beethoven?

Ćwiczenie 1.

Posłuchajcie dwóch dzieł, ustalcie według stylu, który jest dziełem L. Beethovena, uzasadnijcie swoją opinię.

Brzmią: „Preludium nr 7” F. Chopina i „Sonatę” nr 14, część III L. Beethovena.

Symfonia

Symfonia(z greckiego συμφωνία - „współbrzmienie”) - gatunek symfonicznej muzyki instrumentalnej o wieloczęściowej formie o zasadniczej treści ideologicznej.

Ze względu na podobieństwo budowy do sonata, sonatę i symfonię łączy się pod ogólnym tytułem „ cykl sonatowo-symfoniczny " Symfonia klasyczna (w postaci dzieł klasyków wiedeńskich – Haydna, Mozarta i Beethovena) składa się zwykle z czterech części.

Część I, utrzymana w szybkim tempie, zapisana jest w formie sonatowej;

II, część wolna, napisana w formie wariacji, rondo, rondo sonata, złożona trzyczęściowa

3. - scherzo lub menuet - w formie trójdzielnej

Część IV, w tempie szybkim – w formie sonatowej, w formie ronda lub sonaty rondo.

Symfonia programowa to taka, której powiązana jest znana treść zawarta w programie i wyrażona np. w tytule lub motto – „Symfonia pastoralna” Beethovena, „Symfonia fantazyjna” Berlioza, I symfonia „Sny zimowe” Czajkowskiego itp.

Zadania dla uczniów

Słuchanie i analizowanie fragmentów symfonii Program Kritskaya E. D. „Muzyka”.

W 40. Symfonii Mozarta, ekspozycja.

1. Zaśpiewaj główną melodię solfeżu, wokalizację do wymyślonego przez siebie tekstu.

2. Posłuchaj i narysuj linię melodyczną tematu głównego.

3. Słuchając, narysuj powstały obraz artystyczny.

4. Skomponuj partyturę rytmiczną dla DMI.

5. Poznaj proponowane ruchy rytmiczne i komponuj rytmiczne improwizacje.

A. P. Borodin II Symfonia „Bogatyrskaja”

1. Temat przewodni: śpiewać, grać na metalofonach, pianinie.

2. Porównaj obraz muzyczny z artystycznym - A. Vasnetsov „Bogatyrs”.

Finał IV Symfonii P. Czajkowskiego

1. Zaśpiewajcie temat przewodni z przerwami na słowa piosenki „Na polu była brzoza”.

2. Wykonuj akompaniament rytmiczny na dźwiękowych instrumentach muzycznych.

Teatr.


Opera.

Uczniowie muszą:

wiedzieć:

Co to jest opera?

Rodzaje opery: (heroiczna, liryczna, baśniowa, komiczna, dramat ludowy).

Co stanowi podstawę opery; (aria, cavatina, arioso, zespoły - duety, tria, kwartety, kwintety; recytatywy, uwertura, chór)

Najsłynniejsze opery kompozytorów rosyjskich i zagranicznych;

fragmenty muzyczne z różnych oper.

Być w stanie:

Przygotuj opowieść dla młodszych uczniów o operze, o kompozytorach, o wszystkim, co składa się na operę.

Porozmawiaj z uczniami na temat tego gatunku.

Przygotuj opowieść o operze, słuchając i analizując fragmenty.

Graj i śpiewaj popularne tematy z oper;

Naucz się ze studentami fragmentów arii operowych; chóry

Wykład

Opera- to duża i złożona muza spektakl, w którym śpiew, muzyka symfoniczna, akcja dramatyczna, balet i malarstwo organicznie się ze sobą splatają. Akcja opery, jak każdego przedstawienia teatralnego, rozgrywa się na scenie. Widzowie widzą bohaterów dzieła, ich działania, śledzą rozwój wydarzeń. scenografia i kostiumy dają wyobrażenie o epoce, określają miejsce akcji i wygląd każdej postaci. Jednak czołowe miejsce w operze należy do muzyki. Jest głównym środkiem wyrazu: odsłania charaktery bohaterów, ich relacje, oddaje napięcie akcji. Opera ma bogatą przeszłość historyczną. Urodziła się około 400 lat temu we Włoszech miasto Florencja. I przez cały czas trwa debata na temat tego, czy najważniejsza jest muzyka, czy tekst. Był okres w historii opery, kiedy poetę i librecistę uważano za jej autora, a kompozytor – osoba drugorzędna – musiał słuchać autorów tekstu i śpiewaków.

Był też czas, kiedy przestali zwracać uwagę na treść. Opera stała się „koncertem” w kostiumach. W XVIII-XIX w. gatunek opery ostatecznie ukształtował się w formie, jaką znamy i kochamy obecnie.

Najważniejsze w operze- Mimo wszystko muzyka

Opera, która narodziła się we Włoszech w XVI wieku, stała się duża i złożona i rozprzestrzeniła się na inne kraje Europy i świata. Powstałe jako dzieło mitologiczne – oparte na fabule starożytnego greckiego mitu o walce boga Apolla z wężem Pytonem – obecnie jest zaskakująco bogate w wątki.

W XIX wieku w różnych krajach powstały narodowe szkoły operowe. Ich najwybitniejszymi przedstawicielami we Włoszech są „Wesele Figara” Rossiniego, „Cyrulik sewilski”, „Rigaletto” „La Traviata” Verdiego, „Cio-Cio-San” Pucciniego.

W Rosji sztuka operowa osiągnęła swój najwyższy szczyt w dziełach Glinki „Iwana Susanina”, „Rusłana i Ludmiły”, Dargomyżskiego „Rusałki”, Borodina „Księcia Igora”, Musorskiego „Borysa Godunowa”, Rimskiego-Kopskiego „The Snow Maiden”, Czajkowski „Eugeniusz Oniegin”, „Dama pik”.

Kompozytor pisze operę opartą na jakiejś fabule, treści, tj. libretto.

Libretto- to jest pełny tekst kompozycji muzycznej i scenicznej, te. opera, operetka, balet. Libretta komponują z reguły autorzy specjalizujący się w tej dziedzinie – libreciści. Często głównym źródłem libretta jest dzieło literackie lub dramatyczne. Na przykład popularne dzieła „Eugeniusz Oniegin”, „Dama pik”, „La Traviata”, „Rigaletto”, „Carmen”, „Snow Maiden”, „Borys Godunow”, „Wojna i pokój”… te to opery rosyjskie, zagraniczne i radzieckie, oparte na słynnych dziełach Puszkina, Tołstoja, Ostrowskiego, Mérimée, Hugo, Syna Dumasa. Dzieła te ulegają jednak znacznym zmianom, ponieważ gatunek opery ma swoją specyfikę. Tekst opery musi być bardzo lakoniczny: w końcu słowo śpiewane brzmi znacznie dłużej niż słowo mówione. Co więcej, podstawą dramatu jest dialog. Opera musi mieć arie, zespoły i chóry. Wszystko to również wymaga przetwarzania. Libretto może być samodzielne, nie oparte na utworze literackim. Czasem autorem libretta staje się sam kompozytor. AP Borodin – „Książę Igor”, M.P. Mussorski – „Borys Godunow”, „Khovanshchina”

A. Dargomyżski do opery „Kamienny gość” wybiera dzieło dramatyczne A.S. Puszkina, nie zmieniając w nim ani jednego słowa. Opera ma arie.

1.Aria – to główna cecha charakteru, muzyczny portret bohatera. Aria zawiera główny materiał tematyczny muzyczny, charakteryzujący bohatera. Z punktu widzenia fabuły i akcji scenicznej aria najczęściej zbiega się z ważnym momentem w życiu bohatera. Struktura arii jest zróżnicowana – dwuczęściowa, trzyczęściowa, rondo i inne. W większości przypadków aria zawiera dwa różne materiały muzyczne (aby w pełni scharakteryzować bohatera). Aria jest obowiązkowa w partiach głównych bohaterów.

2. Arioso – różni się od arii treścią i wielkością. Jest to częściowy opis postaci w związku z wydarzeniem. Oddaje postawę bohatera wobec innej postaci lub jego reakcję na wydarzenie. Formularz jest najczęściej trzyczęściowy.

3. Arieta - aria włoska mała, niewielkich rozmiarów, przypominająca arioso, ale wyróżniająca się prostszą, pieśniową melodią.Forma - jednoczęściowa, prosta dwu- i trzyczęściowa.

4. Ballada związane z narracyjnym charakterem przedstawienia (wierszem lub poprzez formę).

5. Romans, serenada najczęściej przekazują liryczne przeżycia bohatera (forma – prosty trzyczęściowy, rondo, zwrotka, odmiana wiersza).

6. Cavatina – mała aria liryczna. Od końca XVIII w. w operze wykonywana jest aria wyjścia. Na przykład błyszcząca cavatina Figara z opery Rossiniego „Cyrulik sewilski”, Ludmiła z opery Glinki „Rusłan i Ludmiła”, Antonida w „Iwanie Susaninie”.

7. Zespoły– duety, tria, kwartety, kwintety i tak dalej, mają ogromne znaczenie w operze. Wśród nich najczęstsze są duety „zgoda” i „niezgoda”. W pierwszym przypadku obaj bohaterowie reagują na zdarzenia w ten sam sposób, co znajduje odzwierciedlenie w podobnej melodii ich wypowiedzi. W drugim bohaterowie mają odmienne podejście do tego samego zjawiska, w wyniku czego ich materiał melodyczny jest kontrastowy i niezależny.

Chór w operze najczęściej kojarzony jest ze scenami zbiorowymi i charakteryzuje grupę ludzi. Forma chórów jest zróżnicowana i zależy od treści i znaczenia fabularnego.

DO orkiestrowy Muzyka operowa obejmuje następujące gatunki: uwertura, wstęp, wstęp, preludium – to utwory wprowadzające do opery; przerwa – wprowadzenie do kolejnych akcji lub scen; intermezzo – wewnątrz akcji.

Ponadto w wielu przypadkach w operze są numery baletowe.

Czasami opera zawiera krótkie frazy oddzielone kropkami. Nazywa się to śpiewem, ale bardzo podobnym do recytacji recytatyw- od łacińskiego słowa - czytać na głos, głośno wymawiać. Recytatyw jest podstawą rozwoju akcji w operze. W końcu, gdy zabrzmią ukończone numery muzyczne - arie, zespoły - akcja zwykle się kończy.

W pierwszej połowie XIX wieku powstała aria wyjściowa, tj. wywołano pierwszą w toku akcji arię, z którą bohater wszedł na scenę

Chór– (z gr. tłum, spotkanie) – utwór dla dość dużej grupy śpiewaków, a także nazwa zespołu śpiewaczego, sceny zbiorowe w operze.

Wyróżnia się chóry jednorodne (dziecięcy, żeński, męski) oraz chóry mieszane jednogłosowe i wielogłosowe. Zespół śpiewający bez akompaniamentu instrumentalnego nazywa się a cappella, a nie chórem. Wszyscy członkowie chóru podzieleni są na kilka grup, najczęściej na cztery.

W chórze mieszanym występują wszystkie głosy główne: alty sopranowe, tenory, basy.

Osobliwością muzyki chóralnej jest to, że umożliwia ona żywe ucieleśnienie idei i doświadczeń dużych mas ludzi.

Uwertura -(francuski utwór - początek, otwarcie) instrumentalne wprowadzenie do większego dzieła - opery, baletu, oratorium, przedstawienia teatralnego - daje wyobrażenie o charakterze nadchodzącej akcji i jej treści. Opiera się na motywach muzycznych, które później pojawiają się w utworze i odgrywają w nim ważną rolę. Wiele uwertur nowego typu stało się właściwie utworami koncertowymi, np. Jota Aragonese Glinki, Romeo i Julia Czajkowskiego.

Znane teatry muzyczne:

Moskwa – Teatr Bolszoj

Petersburg – Teatr Maryjski

Paryż – Opera Granta

Teatr Opery i Baletu w Odessie

Mediolan (Włochy) – La Scala

Znani wykonawcy operowi:

F. Shalyapin, I Kozlovsky L. Lemeshev, B. Shtokolov E Obraztsova, G. Vishnevskaya, Borisenko, Firsova, L. Kazarnovskaya.

Pytania i zadania dla uczniów

Test kontrolny

1. Opera to:

A) akcja sceniczna, w której muzyka, taniec i malarstwo organicznie się splatają;

B) akcja sceniczna, w której muzyka, śpiew, choreografia i malarstwo organicznie się splatają;

C) główne dzieło muzyczne na orkiestrę symfoniczną, chór i solistów

2. Libretto to:

A) pełny tekst dzieła muzycznego i scenicznego;

B) wprowadzenie do opery;

C) utwór literacki, który stał się podstawą powstania opery.

3. Uwertura to:

A) instrumentalna przerwa pomiędzy czynnościami;

B) numer solowy w operze;

W) wstęp do opery.

4. Aria to:

A) utwór dla dużej liczby śpiewaków;

B) śpiew deklamacyjny;

W) numer solowy w operze, który charakteryzuje bohatera.

A) tenor;

B) baryton;

B) mezzosopran;

D) sopran;

.NA. Rimski-Korsakow

(1844-1908)

Tichwin, gdzie urodził się N.A. i spędził lata dzieciństwa. Rimski-Korsakow to miasto wolnej rosyjskiej północy. Tutaj car Iwan Groźny zbudował klasztor Matki Bożej, do którego nie mieli wstępu suwerenni namiestnicy – ​​na Rusi było ich niewielu. Tutaj staroobrzędowcy rozprzestrzenili się szeroką falą, kolorowe rytuały, poetyckie zwyczaje, a ludzie byli niezależni, żywi w języku i szybko zabijali.

Ojciec Nikołaja Andriejewicza - człowiek rzadkiej przyzwoitości i życzliwości, skromny, wolny od pieniędzy, skłonny do czytania książek i refleksji filozoficznej. Pomagał dekabrystom finansowo podczas ich podróży na zesłanie na Syberię.

Dom Rimskiego-Korsakowa stał na wysokim brzegu rzeki Tichwinki, naprzeciw klasztoru. Za dużym ogrodem zaczynały się pola. Nie trzeba było daleko jechać, żeby za dnia usłyszeć śpiew skowronka, a w nocy tryl słowika. Wszystko przykuło uwagę chłopca. Mury klasztoru Wwedeńskiego, gdzie czwarta żona Iwana Groźnego, przymusowo tonsurowana jako zakonnica, marniała kiedyś przez 52 lata.

Starszy brat Niki, Voin Andreevich, pływa już po morzach Dalekiego Wschodu. Jego atrakcyjne listy o Chinach, Japonii i Sachalinie pobudzają dziecięcą wyobraźnię. Bierze lekcje muzyki. W wieku 9 lat próbuje komponować, w wieku 12 lat chłopiec zrywa z Tichwinem.

Przez całe życie będzie pamiętał śpiew ptaków, bicie dzwonów, północne lasy i jeziora, zwyczaje i legendy Tichwina.

W międzyczasie wojskowo-biurokratyczny Petersburg, korpus kadetów marynarki wojennej, do którego przydzielono Nikę. Ale było coś jeszcze, co pomagało nastolatkowi nie zatracić się i nie zdepersonalizować w warunkach musztry, okrucieństwa i upokorzenia. Tym czymś była muzyka. Nie znając się na teorii muzyki, próbuje komponować, nie znając techniki gry na instrumentach smyczkowych i dętych, próbuje „orkiestrować”. Ten muzyczny chaos zaczyna się wyjaśniać od chwili, gdy Nika spotyka zrozumienie prawdziwego muzyka, pianisty-nauczyciela F.A. Canille. Ogólny rozwój muzyczny Niki zrobił ogromny krok naprzód. Rozpoznał Schumanna. Bach, Beethoven, nowe dzieła Glinki.

Kiedy Rimski-Korsakow miał 17 lat, Canille przyprowadził go do muzyka, który miał odegrać wyjątkową rolę w życiu NA. - to był Mili Aleksiejewicz Bałakiriew.

Pytania i zadania dla uczniów

Test kontrolny

1. Gdzie urodził się i spędził dzieciństwo Rimski Korsakow?

A) we wsi Nowospasskoje;

B) w Wotkińsku;

W) w Tichwinie.

2. Gdzie w wieku 12 lat studiuje przyszły kompozytor?

A) w szkole prawniczej;

B) do korpusu wojskowego marynarki wojennej;

C) do szkoły chorążych strażników.

3. Kto wpłynął na rozwój Rimskiego-Korsakowa jako zawodowego kompozytora?

A) Borodin;

B) Bałakiriew;.

B) Musorgski.

Słuchanie i analiza utworu muzycznego

Opera „Dziewica Śniegu”

Stworzenie „Śnieżnej Dziewicy” zadziwia niezwykłą szybkością. Ogromne dzieło o rzadkiej urodzie i oryginalności powstało w dwa i pół miesiąca. Nie bez znaczenia było także zamiłowanie do treści i obrazów „wiosennej bajki” oraz fakt, że kompozytor był w pełni przygotowany twórczo, technicznie i emocjonalnie do tego dzieła. Po stworzeniu zaledwie pierwszych szkiców Rimski-Korsakow odłożył kompozycję na lato: wraz z rodziną spędził ją w wyjątkowo sprzyjających warunkach w majątku Stelevo pod Ługą. Kompozytor tak opisał ten szczęśliwy dla siebie czas – pracę nad „Śnieżną Dziewicą”.

"Pierwszy raz w życiu miałam okazję spędzić lato na prawdziwej rosyjskiej wsi. Wszystko mi się tu podobało, wszystko podziwiałam. Piękne położenie, przepiękne gaje, ogromny las, pola żyta, gryki, owsa, lnu , wiele rozproszonych wiosek, mała rzeka, w której pływaliśmy, bliskość dużego jeziora.

Off-road, pustka - wszystko mnie zachwyciło. Jakaś gruba, sękata gałąź lub pień, porośnięty mchem, wydawał mi się goblinem lub jego domem. Potrójne echo, słyszalne z naszego balkonu, jakby od głosów goblinów i innych potworów.

Rozpocząwszy pracę 30 maja, kompozytor ukończył już w połowie sierpnia szkic całej opery. „Żadna kompozycja nie została mi przekazana z taką łatwością i szybkością jak „Śnieżna Dziewica”.

Kompozytor pracował nad instrumentacją opery przez sześć miesięcy, a 29 stycznia 1882 roku odbyła się jej premiera w Petersburgu w Teatrze Maryjskim. Udane życie sceniczne „Śnieżnej Dziewicy” trwa do dziś.

Prolog

1.wed.- Wstęp orkiestrowy maluje obraz ostatniej zimowej nocy. W głęboko zaśnieżonym lesie rządzi właściciel Mróz; w orkiestrze króluje jego ponury, surowy temat.

(Słuchanie fragmentu).

Ale stada ptaków już przylatują z południa, a wraz z ptakami leci sama Wiosenna Czerwień. Jego miękki, głęboki temat staje się coraz wyraźniejszy. Wierny sługa Frosta, Leshy, ogłasza nadejście wiosny. A ptaki wciąż latają i całą orkiestrę wypełnia śpiew. Ale w ponurym lesie nie jest fajnie. „Lasy milczą, grube łapy świerków chowają się pod śniegiem. A wszystko to tylko światło i zimny blask – i nie ma ciepła.

Vesna przyznaje się do winy: „To moja wina, że ​​jest zimno zarówno mnie, Vesnie, jak i tobie. Szesnaście lat temu, kiedy dla żartu i dla rozbawienia mojego kapryśnego, zmiennego i kapryśnego temperamentu, zacząłem flirtować z Frostam i od tego czasu jestem w niewoli ze starym! Chciałabym zostawić siwowłosą, ale jest problem: ze starą mamy córkę Snegurochkę. Kocham Śnieżkę, chociaż współczuję jej nieszczęśliwego losu ze starą, boję się kłócić. I cieszy się z tego: chłodzi i zamraża mnie, Vesnę i Berendeyów. Zazdrosne słońce patrzy na nas ze złością i marszczy brwi na wszystkich i dlatego są okrutne zimy i mroźne wiosny.

Ptakom jest zimno, a Wiosna radzi im: „Drżyjcie, biedaki! Tańcz i rozgrzewaj się! Nie raz widziałem, jak ludzie rozgrzewali się tańcem!” A ptaki tańczą coraz radośnie i beztrosko.

Dźwięki fragment” Pieśni i tańce ptaków”

2.wed- Frost jest gotowy, aby udać się na północ. Ale co mają zrobić z córką Snegurochką?

„Najsłodszą rzeczą na świecie dla dziewczyny jest wolność!” - Matka Wiosna tak myśli, ale Mróz boi się tej woli: „Słuchaj! Wiem, że słońce zniszczy Śnieżną Dziewicę! Tylko czekam, żeby swoim promieniem zapalić ogień miłości w jej sercu! W takim razie nie ma ratunku dla Snow Maiden! Dopóki jej dusza jest czysta jak niemowlę, nie ma on mocy skrzywdzić Śnieżnej Dziewicy!”

Rodzice niechętnie decydują się wysłać Śnieżkę do wioski Berendey.

I wtedy z lasu wychodzi ich córka, śnieżna piękność. Oj, chętnie wyjdzie do ludzi!

Brzmi aria „Idziemy z przyjaciółmi na jagody”.…»

To na razie wszystko, o czym marzy półdziecko, półdziewczynka.

Ale Moroz jest zaniepokojony tym wyznaniem:

„Gdzie Lelya się dowiedziała? A Śnieżna Panna zmartwiona opisuje rodzicom śpiew pasterza:

Mama! Słyszałem, słyszałem

I śpiew skowronków...

Słyszałem też głośne bicie słowików,

Twoi ulubieni piosenkarze.

Piosenki Lelyi są mi droższe!

Jestem gotowy słuchać dzień i noc

Jego pieśni pasterskie

A ty słuchasz i rozpływasz się...

Ale słowo „topnienie” zaniepokoiło Frosta. „W tym słowie kryje się straszne znaczenie!” Matka Wiosna obiecuje Śnieżnej Dziewicy pomoc - po prostu pozwól jej przyjść do Doliny Yarilin, nad jezioro i zawołać matkę!

Śnieżna Panna udaje się do osady Berendey, Bobyl i Bobylikha zabierają ją do swojego domu

Pierwsza akcja

Pasterz Lel śpiewa pieśni Śnieżnej Dziewicy. Pierwsza smutna opowieść o „Truskawce” doprowadza dziewczynę do łez. Następnie Lel zaczyna śpiewać wesołą taneczną piosenkę „Jak las szumi po lesie”. Śnieżna Dziewica ledwo zdążyła się rozweselić, gdy pasterz ją opuścił! Wzywają go inne dziewczyny, a Lel, rzuciwszy kwiatek podarowany przez Śnieżną Dziewicę, już biegnie w ich stronę

"Jakże tu jest boleśnie! Jak ciężkie stało się moje serce!"

Z ciężką zniewagą, jak kamień,

Na moje serce spadł kwiat zmiażdżony przez Lelema.

Pasterz biegnie do innych, są milsi,

Ich śmiech jest głośniejszy, a mowa cieplejsza.

Stoję i płaczę z żalu,

Że Lel mnie zostawił...

Ojcze Mróz, obraziłeś Śnieżną Dziewicę!

Ale wezmę to od mojej mamy - Wiosny

Trochę ciepła z serca,

Aby Twoje serce choć trochę się rozgrzało.

3.wed.- Jakby chcąc jeszcze bardziej sprowokować smutek Śnieżnej Dziewicy, jej przyjaciółka Kupava podbiega do niej i opowiada o swoim szczęściu, o spotkaniu z Mizgirem, o jej miłości do niego, o weselu, które odbędzie się w dzień Yarilina.

Przychodzi Mizgir, dziewczyny zaczynają śpiewać weselną pieśń Kupawy. Nie mogąc oderwać wzroku od cudownej dziewczyny, Mizgir bez wahania odmawia Kupavie - już jej nie kocha! Zostaje ze Śnieżną Dziewicą!

Z pasją zwracając się do Snow Maiden, Mizgir obiecuje jej bezcenne dary i swoje życie

Koncert (włoski: koncert)- utwór muzyczny, zwykle składający się z trzech części, w którym z reguły jednemu instrumentowi solo (np. fortepianowi lub skrzypcom) towarzyszy (kontrastuje) orkiestra. Słowo to prawdopodobnie pochodzi od łacińskiego słowa „concertare”, oznaczającego zarówno „kłócić się”, jak i „wspólnie pracować”. Ta podwójna koncepcja rywalizacji i współpracy stanowi rdzeń tej formy muzycznej od jej powstania, chociaż z biegiem czasu akcenty różniły się w zależności od przypadku.

Sonata

Sonata(z łac. i włoskiego „sonare”, „brzmieć”) - utwór muzyczny na jeden lub więcej instrumentów, zwykle składający się z 3 lub 4 części (występują sonaty i jednoczęściowe (F. Liszt „Po przeczytaniu Dantego”) oraz pięcioczęściowe (sonata J. Brahmsa op.5) Najczęściej sonaty pisane są na instrument lub na instrument z towarzyszeniem fortepianu.
Przed erą klasyczną terminem „sonata” określano różne formy utworów granych na instrumentach, w przeciwieństwie do „kantat”, które były utworami wokalnymi. Nawet teraz, jeśli zachodzi taka potrzeba, kompozytor może nazwać „sonatą” dowolne solowe dzieło instrumentalne.

Kwartet smyczkowy

Kwartet smyczkowy- utwór muzyczny na cztery instrumenty smyczkowe. Terminem tym określa się także grupę czterech osób grających utwór na cztery instrumenty smyczkowe. Prawie zawsze kwartet smyczkowy składa się z 2 skrzypiec, altówki i. Równowaga pomiędzy tą kompozycją instrumentów jest idealna, inne instrumenty smyczkowe, jak np. kontrabas, nie są wykorzystywane ze względu na ich głośne i ciężkie brzmienie. Ta forma muzyczna jest najpopularniejsza w muzyce kameralnej, większość czołowych kompozytorów tworzyła kwartety smyczkowe.

Uwertura

Uwertura- instrumentalny utwór orkiestrowy, będący wprowadzeniem do utworów muzycznych (i nie tylko). Uwertura może otwierać operę, balet, przedstawienie chóralne, film, przedstawienie teatralne dramatyczne, kompozycje instrumentalne itp. Termin „uwertura” pochodzi z języka francuskiego uwertura, co oznacza otwarcie, początek, wprowadzenie. Uwertura oznacza także samodzielne, instrumentalne dzieło koncertowe.

Uwertura do filmów

Oprócz swojego głównego celu – otwarcia spektakli operowych i muzyczno-dramatycznych, uwertura znalazła swoje miejsce w kinie, oczywiście głównie w kinie amerykańskim. Od początków kina część filmów kręcono z uwerturą i przerwą, a ich premiery pokazywane były w dużych miastach, w ograniczonej liczbie najlepszych kin. Z sesji wydrukowano programy i pamiątki. Praktykę tę nazwano „roadshowing” i stała się przestarzała na początku lat 70. XX wieku, chociaż nadal czasami istnieją różnice, szczególnie w przypadku poszczególnych filmów rywalizujących o Oscary.

Etiuda

Etiuda(z francuskiego ?tude - szkolenie) - niewielki instrumentalny utwór muzyczny, zwykle o znacznym stopniu złożoności, to praktyczny materiał mający na celu doskonalenie umiejętności technicznych muzyka. Tradycja pisania etiud pojawiła się na początku XIX wieku, w związku z rosnącą popularnością fortepianu jako instrumentu domowego. Z ogromnej liczby etiud z tamtego okresu część do dziś służy jako materiał edukacyjny, a część dzieł czołowych kompozytorów, np. Fryderyka Chopina, Franciszka Liszta, Claude'a Debussy'ego i innych, zajęła miejsce we współczesnym repertuarze koncertowym. Rozkwit etiudy jako formy muzycznej przypadł na drugą połowę XIX i początek XX w., praktyka komponowania etiud trwała do XX w. i istnieje do dziś, stosując zupełnie inne techniki wykonawcze.


W literaturze, muzyce i innych sztukach rozwinęły się w trakcie ich istnienia różnego rodzaju dzieła. W literaturze jest to na przykład powieść, opowiadanie, opowiadanie; w poezji – wiersz, ballada; w sztukach plastycznych - pejzaż, portret, martwa natura; w operze muzycznej, symfonii i tak dalej.

Rodzaj dzieł w obrębie jakiejś sztuki nazywany jest francuskim słowem gatunek (gatunek) - rodzaj, typ.
Nie wszystkie gatunki muzyczne powstały w tym samym czasie. Na przykład opera narodziła się we Włoszech pod koniec XIX wieku, a poemat symfoniczny stworzył w połowie XIX wieku Franciszek Liszt.
Podczas swojego istnienia różne gatunki bardzo się zmieniły, ale wszystkie zachowały swoje podstawowe cechy. Opera jest zatem dziełem dla teatru muzycznego, które ma fabułę, jest wystawiane w scenografii i wykonywane przez śpiewaków i orkiestrę. Nie można go mylić z baletem i symfonią. Ale są różne rodzaje oper: historyczne, heroiczne, komiczne, liryczne. Wszystkie mają swoją własną charakterystykę, chociaż należą do tego samego gatunku opery. A potem, gdy trzeba doprecyzować, o jakim typie opery mówimy, znowu, ale w węższym znaczeniu tego słowa, używamy terminu „gatunek”.
Mówimy: gatunek opery lirycznej, gatunek dramatu muzycznego, gatunek opery epickiej... W ramach ogólnej koncepcji (gatunku) muzyki wokalnej rozróżniamy gatunki romansu, pieśni itp.
Termin ten ma inne znaczenie. Być może słyszałeś, jak ludzie mówili o artyście: jest malarzem gatunkowym. Oznacza to, że artysta tworzy obrazy oparte na tematach codziennych. Takie obrazy malował na przykład V. Petrov. Z malarstwa słowo gatunek w tym znaczeniu przeszło na inne sztuki, w tym muzykę. Jeśli mówimy o utworze: ma on epizody gatunkowe, oznacza to, że kompozytor wprowadził do niego piosenkę, taniec lub marsz. Symfonia

Symfonia po grecku oznacza współbrzmienie. Używa się go nie tylko w odniesieniu do orkiestry, do muzyki. Na przykład rosyjski poeta Balmont widział w jesiennym pięknie natury „symfonię kolorów i szelestów”. Symfonia muzyczna to duże dzieło napisane na orkiestrę symfoniczną. Słuchając symfonii nie wiemy, o co smuci się kompozytor, smucimy się o swoich. Nie wiemy dokładnie, jakie obrazy natury pojawiły się przed jego oczami. Przy dźwiękach muzyki ożywa to, co sami widzimy.
Symfonia składa się z kilku części (Słuchanie Symfonii N6 P.I. Czajkowskiego). Kompozytorzy pisali koncerty na orkiestrę symfoniczną i jakiś instrument. Opera

Opera to spektakl, w którym bohaterowie nie mówią, ale śpiewają. Opera, podobnie jak sztuka, należy do rodzajów sztuki teatralnej.
W operze najważniejsza jest muzyka.
Aby baśń mogła zostać wystawiona na scenie, przerabia się ją na „sztukę operową” – pisze się libretto.
Bohaterowie przekazują wszystkie swoje myśli poprzez śpiew. Kiedy jeden z bohaterów śpiewa na scenie, nazywamy to arią lub arioso. Jeśli śpiewają dwie osoby, jest to duet, trzy osoby śpiewają, trio, a cztery osoby śpiewają, czyli kwartet.
Czasami epizody taneczne pomagają pełniej ujawnić treść dzieła. Następnie w operze pojawiają się sceny baletowe.
Za pomocą muzyki kompozytor tworzy w operze nie tylko portrety postaci, ale całe obrazy.
Większość oper zaczyna się od uwertury. Słowo „uwertura” pochodzi z języka francuskiego i oznacza otwarcie. Wykonywana jest przez orkiestrę przed podniesieniem kurtyny. Uwertura zawiera wiodące melodie opery. Przed aktami 1 i 2 występują „przerwy” (wstępy muzyczne).
Zatem w operze najważniejsza jest muzyka, brzmienie orkiestry i głosy. Ale opera to dramat, taniec i malarstwo połączone w jedno. Dlatego opera robi na słuchaczach szczególnie silne wrażenie i jest najbardziej zrozumiałą formą muzyki poważnej. Balet

Balet jest formą sztuki scenicznej; spektakl, którego treść zawarta jest w obrazach muzycznych i choreograficznych. Oparty na ogólnym planie dramatycznym (scenariuszu) balet łączy w sobie muzykę, choreografię (taniec i pantomima) oraz sztuki wizualne (scenografia, kostiumy, oświetlenie itp.).Różne epoki dały początek różnym twórczym współpracom kompozytora i choreografa, ich własnym Rodzaje interakcji muzyki i choreografii. Czasem muzyka w balecie jest jedynie akompaniamentem, innym razem choreografia stara się ukazać głęboką treść muzyki.
Współczesny balet europejski powstał w okresie renesansu. Pojawiło się słowo „balet”, które następnie oznaczało kompozycję, która w tańcu przekazała nie fabułę, ale właściwość lub stan charakteru. Sztuka dojrzewała w innych formach: procesjach, maskaradach, turniejach jeździeckich, uroczystych posiłkach. Pod koniec XV wieku balet znalazł się w gronie spektakli tworzonych przez znanych poetów i artystów.
W XVI wieku gatunek masek rozwinął się w Anglii.
W XVIII wieku balet jako przedstawienie zaczął zadomowić się w teatrach Wiednia, gdzie w oparciu o scenariusz i muzykę rozwinęła się akcja czysto choreograficzna.
Balet istniał w Niemczech, Szwecji i Holandii. Formy baletowe zapożyczone od Włochów i Francuzów wzbogacono o smaczki narodowe.
W połowie XIX w. ustabilizowała się forma przedstawienia wieloaktowego i forma muzyki baletowej (tańce ogólne kończące akt lub przedstawienie, procesje jarmarkowe, walce, polki, galopy), a także struktura przedstawienia. tańce solistów.
Na początku XX wieku estetyka akademizmu baletowego osiągnęła swój szczyt w twórczości wielkich rosyjskich mistrzów (A.A. Gorski, M.M. Fokin), na których twórczość miała wpływ twórczość A. Duncana, amerykańskiego tancerza i zwolennika wolności taniec.
Pod koniec 1950 roku balet stał się powszechny we wszystkich krajach świata.