Styl europejski w architekturze: opis i przykłady zdjęć. Ewolucja architektury architektury europejskiej

Architektura europejska XV - początków XIX wieku

Architektura włoskiego renesansu i baroku

W XIII-XIV w. miasta północnych Włoch stają się bramami ożywionego handlu morskiego, pozbawiając Bizancjum roli pośrednika między Europą a egzotycznym Wschodem. Akumulacja kapitału pieniężnego i rozwój produkcji kapitalistycznej przyczyniają się do szybkiego tworzenia się stosunków burżuazyjnych, które są już ciasne w ramach feudalizmu. Tworzy się nowa, burżuazyjna kultura, która za swój wzór przyjęła kulturę starożytną; jego ideały otrzymują nowe życie, od którego wziął się ten potężny ruch społeczny – renesans, czyli tzw. Renesans. Potężny patos obywatelstwa, racjonalizm, obalenie mistycyzmu kościelnego dały początek takim tytanom jak Dante i Petrarka, Michelangelo Buonarroti i Leonardo da Vinci, Thomas More i Campanella. W architekturze renesans objawił się na początku XV wieku. Architekci wracają do przejrzystych, logicznych układów porządku. Architektura nabiera charakteru świeckiego i afirmującego życie. Sklepienia i łuki gotyckie lancetowate ustępują sklepieniom cylindrycznym i krzyżowym, sklepieniom. Starożytne próbki są dokładnie badane, opracowywana jest teoria architektury. Poprzedni gotyk przygotował wysoki poziom technologii budowlanej, zwłaszcza mechanizmów dźwigowych. Proces rozwoju architektury we Włoszech XV-XVII w. warunkowo podzielony na cztery główne etapy: Wczesny renesans - od 1420 r. do końca XV wieku; Wysoki renesans - koniec XV - pierwsza ćwierć XVI wieku, późny renesans - wiek XVI, okres baroku - wiek XVII.

Architektura wczesnorenesansowa

Początek renesansu w architekturze związany jest z Florencją, która osiągnęła XV wiek. nadzwyczajny wzrost gospodarczy. Tutaj w 1420 r. rozpoczęto budowę kopuły katedry Santa Maria del Fiore (ryc. 1, F1 – 23). Prace powierzono Filippo Brunellechi, któremu udało się przekonać władze miasta o słuszności swojej konkurencyjnej propozycji. W 1434 roku prawie ukończono budowę ośmiościennej kopuły lancetowej o średnicy 42 m. Zbudowano ją bez rusztowań – robotnicy pracowali we wnęce pomiędzy dwiema skorupami kopuły, przy pomocy podwieszanych rusztowań wzniesiono jedynie jej górną część. Znajdująca się nad nią latarnia, również zaprojektowana przez Brunelleschiego, została ukończona w 1467 roku. Po ukończeniu budowy wysokość budowli osiągnęła 114 m. Kaplica była pierwszym doświadczeniem pracy nad budynkami centrycznymi w architekturze renesansowej. W 1444 roku, według projektu Brunelleschiego, ukończono budowę dużej budowli miejskiej – Domu Wychowawczego (przytułku dla sierot). Ciekawy jest portyk Domu Sierot jako pierwszy przykład połączenia kolumn dźwigających łuki z dużym porządkiem obramowań pilastrów. Brunelleschi zbudował także kaplicę Pazzi (1443), jedno z najwspanialszych dzieł wczesnego renesansu. Budynek kaplicy, zakończony kopułą na niskim bębnie, otwiera się na widza jasnym portykiem korynckim o szerokim łuku. W drugiej połowie XV w. we Florencji buduje się wiele pałaców szlachty miejskiej. Michelozzo w 1452 roku kończy budowę Pałacu Medyceuszy (ryc. 2); w tym samym roku, według projektu Albertiego, zakończono budowę Pałacu Rucellai, Benedetto da Maiano i Simon Polayola (Kronaka) wznieśli Palazzo Strozzi. Pomimo pewnych różnic, pałace te łączy wspólny schemat rozwiązań przestrzennych: wysoki, trzykondygnacyjny budynek, którego pomieszczenia zgrupowane są wokół centralnego dziedzińca, ujętego łukowymi emporami. Głównym motywem artystycznym jest ściana ozdobiona boniowaniem lub ozdobiona nakazem z majestatycznymi otworami i poziomymi prętami odpowiadającymi podziałom pięter. Budowlę zwieńczono potężnym gzymsem. Ściany murowano z cegły, czasem z wypełnieniem betonowym i oblicowano kamieniem. Do stropów międzykondygnacyjnych, oprócz sklepień, zastosowano drewniane konstrukcje belkowe. Łukowe zakończenia okien zastąpiono poziomymi nadprożami. Wielką pracę nad badaniem dziedzictwa starożytnego i rozwojem teoretycznych podstaw architektury wykonał Leon Batista Alberti (prace nad teorią malarstwa i rzeźby, Dziesięć książek o architekturze). Do największych dzieł Albertiego w praktyce należy, oprócz Pałacu Rucellai, przebudowa kościoła Santa Maria Novella we Florencji (1480), gdzie po raz pierwszy zastosowano szeroko stosowane w architekturze barokowej woluty kompozycja fasady kościoła Sant'Andrea w Mantui, którego fasadę rozwiązano poprzez nałożenie dwóch systemów porządkowych. Twórczość Albertiego charakteryzuje się aktywnym wykorzystaniem wzorów podziałów porządku elewacji, rozwinięciem idei dużego porządku obejmującego kilka kondygnacji budynku. Pod koniec XV w. zakres budowy jest zmniejszony. Turcy, którzy zdobyli Konstantynopol w 1453 roku, odcięli Włochy od handlującego z nimi Wschodu. Gospodarka kraju podupada. Humanizm traci swój wojowniczy charakter, sztukę postrzega się jako ucieczkę od realnego życia do idylli, w architekturze ceni się elegancję i wyrafinowanie. Wenecję, w przeciwieństwie do powściągliwej architektury Florencji, charakteryzuje atrakcyjny, otwarty typ pałacu miejskiego, którego kompozycja fasady, z subtelnymi, eleganckimi detalami, zachowuje cechy mauretańsko-gotyckie. Architektura Mediolanu zachowała cechy architektury gotyckiej i obronnej, odzwierciedlone w architekturze cywilnej.

Ryż. 1. Florencka katedra Santa Maria del Fiore. 1434 Przekrój aksonometryczny kopuły, plan katedry.

Ryż. 2. Palazzo Medici-Riccardi we Florencji. 1452 Fragment fasady, plan.

Mediolan kojarzy się z działalnością największego malarza i naukowca renesansu, Leonarda da Vinci. Opracował kilka projektów pałaców i katedr; zaproponowano projekt miejski, w którym antycypując rozwój nauk miejskich, zwrócono uwagę na układ wodociągów i kanalizacji, na organizację ruchu na różnych poziomach. Duże znaczenie dla architektury renesansu miały jego badania kompozycji budynków centrycznych i matematyczne uzasadnienie obliczania sił działających w konstrukcjach budynków. Architektura rzymska końca XV wieku. uzupełniony dziełami architektów florenckich i mediolańskich, którzy w okresie upadku swoich miast przenieśli się do Rzymu na dwór papieża. Tutaj w 1485 roku powstał Palazzo Cancelleria, wykonany w duchu pałaców florenckich, pozbawiony jednak surowości i ponurej ascezy fasad. Budynek charakteryzuje się wdzięcznymi detalami architektonicznymi, misterną dekoracją portalu wejściowego i stolarki okiennej.

Wysoka architektura renesansowa

Wraz z odkryciem Ameryki (1492) i. drogą morską do Indii wokół Afryki (1498), środek ciężkości gospodarki europejskiej przesunął się do Hiszpanii i Portugalii. Warunki niezbędne do budowy zachowały się jedynie w Rzymie – stolicy Kościoła katolickiego w całej feudalnej Europie. Tutaj wiodącą była budowa unikalnych miejsc kultu. Rozwija się architektura ogrodów, parków, wiejskich rezydencji szlacheckich. Z Rzymem związana jest znaczna część twórczości największego architekta renesansu, Donato Bramante. Tempetto na dziedzińcu kościoła San Pietro in Montorio zostało zbudowane przez Bramantego w 1502 roku (ryc. 3). To niewielkie dzieło o dojrzałej, centrycznej kompozycji było etapem przygotowawczym do pracy Bramantego nad planem katedry św. Piotra w Rzymie.

Ryż. 3. Tempietto na dziedzińcu kościoła San Pietro in Montorio. Rzym. 1502 Widok ogólny. Sekcja, plan.

Nie zrealizowano dziedzińca z okrągłą emporą. Jednym ze znaczących dzieł nad rozwojem idei kompozycji centrycznej była budowa kościoła Santa Maria del Consoliatione w Todi, który charakteryzuje się najwyższą przejrzystością projektu i integralnością przestrzeni wewnętrznej, zdecydowaną według bizantyjskiego schematu, ale przy użyciu żeber ramowych w kopułach. Tutaj część sił dystansujących jest równoważona przez metalowe zaciągnięcia pod piętami łuków podsprężynowych żagla. W 1503 roku Bramante rozpoczął prace na dziedzińcach Watykanu: dziedzińcu Loggii, ogrodzie Pigny i dziedzińcu Belwederu. Ten wspaniały zespół tworzy we współpracy z Raphaelem. Projekt katedry św. Piotra (ryc. 111), rozpoczętą w 1452 r. przez Bernarda Rossolino, kontynuowano w 1505 r. Według Bramantego katedra miała mieć kształt krzyża greckiego z dodatkowymi odstępami w narożach, co nadawało planowi kwadratową sylwetkę. Całość rozwiązania opiera się na prostej i przejrzystej kompozycji skupionej wokół piramidy, zwieńczonej imponującą kulistą kopułą. Rozpoczętą według tego planu budowę przerwała śmierć Bramantego w 1514 roku. Od jego następcy, Rafaela Santiego, żądano rozbudowy części wejściowej katedry. Plan w formie krzyża łacińskiego był bardziej zgodny z symboliką kultu katolickiego. Z dzieł architektonicznych Rafaela, Palazzo Pandolfini we Florencji (1517), częściowo wybudowana „Villa Madama” - posiadłość kardynała G. Medici, Palazzo Vidoni-Caffarelli, Villa Farnesina w Rzymie (1511), projekt które także przypisuje się Rafaelowi, zachowały się.

Ryż. 4. Katedra św. Piotra w Rzymie. Plany:

a - D. Bramante, 1505; b – Rafael Santi, 1514; c - A, tak, Sangallo, 1536; d - Minel Angelo, 1547

W 1527 roku Rzym został zdobyty i splądrowany przez wojska króla hiszpańskiego. Budowana katedra zyskała nowych właścicieli, którzy zażądali rewizji projektu. Antonio da Sangallo Jr. w 1536 roku powraca do planu w formie krzyża łacińskiego. Według jego projektu główną fasadę katedry flankują dwie wysokie wieże; kopuła jest podwyższona, osadzona jest na dwóch bębnach, co sprawia, że ​​jest widoczna z daleka przy mocno wysuniętej do przodu części elewacyjnej i ogromnej skali budowli. Spośród innych dzieł Sangallo Jr. dużym zainteresowaniem cieszy się Palazzo Farnese w Rzymie (rozpoczęty w 1514 r.). Trzecie piętro ze wspaniałym gzymsem i dekoracyjną obróbką dziedzińca zostało ukończone przez Michała Anioła po śmierci Sangallo w 1546 r. W Wenecji Sansovino (Jacopo Tatti) wykonał szereg projektów: biblioteka San Marco, przebudowa z Piazzetty. Giorgio Vasari, znany biograf wybitnych artystów, stworzył ulicę Uffizi we Florencji, która uzupełniła kompozycję zespołu Piazza della Signoria.

Architektura późnorenesansowa

Trwający upadek gospodarki i reakcja Kościoła wpływają na całe życie kulturalne Włoch. W architekturze następuje odejście od spokojnej harmonii wysokiego renesansu, ożywają motywy gotyckie, wzrasta wyrazistość form i wertykalizm. Ogólnie architekturę późnego renesansu charakteryzuje walka dwóch kierunków: jeden położył twórcze podwaliny przyszłego baroku, drugi, który rozwinął linię wysokiego renesansu, przygotował powstanie architektury klasycyzmu. Michelangelo Buonarroti, wielki rzeźbiarz i malarz, w 1520 roku rozpoczął prace nad Nową Zakrystią przy kościele San Lorenzo we Florencji, gdzie osiągnął plastycznie wyrazistą, ale bardzo intensywną syntezę architektury i rzeźby. Wnętrze zakrystii jest „dostrojone” na dużą skalę do dużych rozmiarów alegorycznych rzeźb członków rodu Medyceuszy, które nadają przestrzeni architektonicznej szczególną monumentalność. W tym samym okresie Michał Anioł pracował nad projektem dla Biblioteki Laurentian we Florencji, ukończonym po jego śmierci przez B. Ammana w 1568 roku. Szczególnie słynna jest klatka schodowa holu biblioteki, gdzie perspektywiczne zmniejszenie szerokości marszów i zmniejszenie wielkości stopni stwarza iluzję powiększenia przestrzeni. Plac Kapitoliński jest jednym z najwcześniejszych przykładów rozwoju zespołu urbanistycznego w historii architektury europejskiej (ryc. 5). Michał Anioł przebudowywał go od 1546 roku. Według jego projektu plac jest symetrycznie otoczony portykami Muzeum Kapitolińskiego i Pałacu Konserwatystów. Rytm potężnych pilastrów budynków nadaje jedność całej kompozycji placu, z którego rozpościera się widok na północno-zachodnią część Rzymu i Tybr. Największym dziełem Michała Anioła jako architekta jest kontynuacja budowy katedry św. Piotra w Rzymie, powierzonej mu w 1547 roku. Opiera się na schemacie planu Bramantego, jednak znacznie zwiększa rolę części centralnej w kompozycji, dla której konieczne było wzmocnienie filarów nośnych podkonstrukcji.

Ryż. 5. Plac Kapitolu w Rzymie. Rozpoczęty w 1546 r. Plan:

1 - Pałac Senatorów; 2 - Pałac Konserwatystów; 3 - Muzeum.

Ryż. 6. Willa Farnese w Napraroli. Pieriestrojka 1559-1625 Widok ogólny, plan ogólny.

Ryż. 7. Kościół Il Gesu w Rzymie. Początek w 1568 Fasada, plan.

Po śmierci Michała Anioła w 1564 roku kopułę zbudowali Giacomo della Porta i Domenico Fontana według jego projektu i modelu. Zmieniono jedynie konstrukcję: zamiast planowanego przez Michała Anioła potrójnego pocisku przyjęto podwójny. Odważne poszukiwania Michała Anioła wywarły ogromny wpływ na późniejszą architekturę Włoch. W przeciwieństwie do zrównoważonych kompozycji architektury klasycznej, jego prace opierają się na wzmocnieniu dynamiki formy, objętości i obróbki plastycznej. Giacomo Barozzi da Vignola, już dojrzały architekt (zaprojektował pałac Fontainebleau we Francji i pracował przy budowie watykańskiego Belwederu), otrzymał w 1559 roku rozkaz przebudowy willi Farnese w Caprarola. Rekonstruuje zamek na planie pięciokąta, zbudowany według projektu Sangallo Jr. i tworzy wokół niego cały zespół parkowy (ryc. 6). Prace ukończono dopiero w 1625 r. Kościół Il Gesu w Rzymie, rozpoczęty przez Vignolę w 1558 r., wyznacza początek powrotu do kompozycji, w których najważniejsza jest płaszczyzna fasady i ujawnia się struktura całej przestrzeni od wewnątrz (ryc. 7). Jest to wpływ techniki gotyckiej i względów ekonomicznych (nie można przejmować się fasadami bocznymi ukrytymi przed widzem). Zasady kompozycyjne ustalone przez Vignolę w architekturze kościoła Il Gesu stały się głównymi w okresie baroku. Traktat „Reguła pięciu porządków” przyniósł mu wielką sławę jako teoretyk architektury, który usystematyzował prawa proporcji starożytnych budowli. Andrea Palladio, który uważnie przestudiował starożytne dziedzictwo i kontynuował tradycje wysokiego renesansu, pracował głównie w Vicenzy. W 1540 roku jego projekt wygrał konkurs na przebudowę Palazzo Publico. Gotycka budowla z XV w., nakryta sklepieniem zamkniętym, Palladio otoczona jest dwukondygnacyjnymi emporami, co nadało jej otwarty, cywilny charakter (ryc. 8). Wrażenie kompozycyjnej przejrzystości, plastyczności, ażurowości uzyskuje się poprzez swobodny układ łuków i kolumn o dużym porządku w połączeniu z szerokim polem belkowania.

Ryż. 8. Palazzo Publico w Vicenzy. 1549-1614 Fasada przebudowana przez A. Palladio.

Palladio kontynuuje tradycję stosowania „kolosalnego” porządku zapoczątkowanego przez Albertiego (Loggia del Capitanio, 1571 i Palazzo Valmarana, rozpoczęty w 1566). Dobrze znana jest willa Rotonda, której budowę założyli Pall i Dio w 1587 r. (ryc. 116). Jego budowę dokończył Scamozzi. Palladio założył kilka kościołów w Wenecji. Do najważniejszych z nich należą kościoły San Giorgio Maggiore (1580) i Il Redentore, których fasady ozdobione są motywami barokowymi. Palladio napisał pracę teoretyczną Cztery książki o architekturze, która od 1570 roku była przedrukowywana w wielu językach. Szkoła architektoniczna Palladio stała się podstawą klasycyzmu jako stylu architektonicznego.

Architektura barokowa we Włoszech

Już na początku XVII w. Życie gospodarcze Włoch popadło w całkowity upadek. Architektura rozwija się tylko w Rzymie, gdzie styl barokowy był szczególnie wyraźny w budowie obiektów sakralnych.

Barok charakteryzuje się złożonością planów, przepychem wnętrz z nieoczekiwanymi efektami przestrzennymi i świetlnymi, bogactwem krzywizn, plastycznie zakrzywionych linii i powierzchni; klarowność klasycznych form kontrastuje z wyrafinowaniem kształtowania. Malarstwo, rzeźba, malowane powierzchnie ścian znajdują szerokie zastosowanie w architekturze. W 1614 roku rozpoczęły się prace przy budowie katedry św. Piotr. Dominino Fontana i Carlo Maderna wydłużają wschodnią gałąź planu i uzupełniają imponujący przedsionek. Przy wysokości wewnętrznej przestrzeni katedry aż do otworu latarni świetlnej wynoszącej 123,4 m i średnicy kopuły 42 m, długość nawy głównej wynosiła 187 m, szerokość - 27,5, wysokość - 46,2 m ( Ryc. 10). W 1667 roku Giovanni Lorenzo Bernini, utalentowany snulptor, zbudował na placu przed katedrą kolumnadę, dopełniając kompozycję placu. Zupełnie innym dziełem Berniniego jest kościół Sant'Andrea w Rzymie (1670), jedno z klasycznych dzieł baroku. Konstruując główną klatkę schodową Kaplicy Sykstyńskiej („Skały Królewskiej”) Bernini wykorzystał efekt iluzji optycznej, zawężając szerokość marszów w stronę górnej platformy. Największym architektem włoskiego baroku był Francesco Borromini, który zbudował kościół San Carlo przy Czterech Fontannach (od 1638 r.) i św. Iwo na dziedzińcu uniwersytetu w Rzymie (1660 r.). Obydwa kościoły są małe, centryczne, fantazyjne pod względem przestrzeni wewnętrznej (ryc. 11). Okres baroku obfituje w znaczące prace urbanistyczne, do których należy m.in. Piazza del Popolo, rozpoczęte w 1662 roku przez architektów C. Rainaldiego i D. Fontanę. Typowymi przykładami późnobarokowych kompozycji zespołowych są Schody Hiszpańskie (A. Specchi i F. da Sancti, 1725), prowadzące do katedry Santa Trinita dei Monti, a także zespół Palazzo Poli ze słynną Fontanną di Trevi przed nimi (N. Salvi, 1762 r.).

Ryż. 9. Willa Rotunda niedaleko Vicenzy. 1567-1591 Widok ogólny, plan

Ryż. 10. Katedra św. Piotra w Rzymie, Plan Generalny Watykanu.

Ryż. 11. Kościół Sant'Ivo w Rzymie. 1660 Widok ogólny, plan.

W tej ostatniej pracy z wyjątkową umiejętnością rozwiązano syntezę architektury i rzeźby, uzyskując efekt akcji teatralnej, w której rzeźby zdają się „pojawiać się” na tle architektonicznej scenerii. W obu przykładach problem architektonicznej organizacji przestrzeni rozwiązano poprzez dynamiczne porównanie mas i powierzchni. Wiejskie wille z epoki baroku wyróżniają się osiową budową kompozycji, której większość zajmuje rozległy, regularny park z altankami, fontannami, kaskadami wodospadów i szerokimi klatkami schodowymi. Najciekawsze z nich to Villa d'Este w Tivoli, zapoczątkowana w 1549 roku przez Ligorio i Villa Aldobrandini we Frascati (Giacomo della Porta, 1603). Oprócz Rzymu wspaniałe dzieła barokowe powstały w Wenecji. Najlepsze dzieło Baldassare Longhena – kościół Santa Maria della Salute (1682) na mierzei Canal Grande – malownicza centralna ośmiościenna budowla z kopułą, której bęben wsparty jest na potężnych wolutach (ryc. 12).

Urbanistyka we Włoszech w okresie renesansu i baroku

Renesans otworzył nowe możliwości kształtowania osobowości człowieka. Artyści, architekci i urbaniści próbowali stworzyć inne modele środowiska życia człowieka. W epoce renesansu i baroku rozwijają się także poszukiwania nowoczesnych form funkcjonowania miast; Przesłanki ekonomiczne i postęp techniczny sprawiają, że poszukiwanie nowej struktury i nowego wizerunku miasta staje się koniecznością społeczną. W urbanistyce obiektem rozwoju stają się kolejno miasta idealne, następnie elementy urbanistyczne – place, parki, zespoły budynków, a w dalszej kolejności – samo miasto jako realne zadanie z punktu widzenia kompozycji artystycznej.

Ryż. 12. Kościół Santa Maria della Salute w Wenecji. 1682 Widok z Canale Grande, plan.

Jego rozwiązanie komplikuje stale rosnące rozwarstwienie społeczeństwa. Znalazło to odzwierciedlenie w strukturze miasta w chaosie dzielnic mieszkaniowych dla zwykłych ludzi z wyodrębnionymi w nich zespołami pałacowymi i kultowymi. W okresie renesansu szczególną uwagę zwrócono na budowę miast. Burżuazji nie zadowalają się krętymi, ciasnymi średniowiecznymi uliczkami. Powstaje idea miasta typu centrycznego, odzwierciedlająca syntezę racjonalnych form rzymskich obozów wojskowych z naturalnie rozwijającymi się koncentrycznymi strukturami miast średniowiecznych. Filozofowie utopijni Thomas More i Tommaso Campanella próbowali stworzyć teoretyczne podstawy struktury społecznej nowych miast. A. Filarete w projekcie idealnego miasta Sforzinda po raz pierwszy proponuje zastąpienie prostokątnej struktury planistycznej promieniowym schematem sieci ulic, uogólniając w ten sposób doświadczenia spontanicznej geometrii rozwoju średniowiecznych miast europejskich. W inwestycjach L. Albertiego miasto nasycone jest powietrzem, zielenią i poczuciem przestrzeni. Miasto rozumiane jest jako formacja demokratyczna, ale podzielone jest na dzielnice według klas. A. Palladio ponownie ocenia struktury miasta z punktu widzenia baroku. Proponuje umiejscowienie pałacu książęcego w centrum miasta, kładąc w ten sposób podwaliny pod pałacowe kompozycje belkowe. Zainteresowanie krajobrazem miejskim, życiem codziennym mieszczan pobudziło rozwój malarstwa perspektywicznego, kompozycji gatunkowych, sztuki renesansu w ogóle. Powstało kilka miast idealnych: Palma Nuova według planu Scamozziego (1583, ryc. 13); Livorno i Feste Castro w XV wieku. (architekt Sangal-lo) -te miasta nie zachowały się; La Valetta (1564) i Grammichele (1693). Drugą stroną praktycznej urbanistyki, która wdrażała nowe zasady w już istniejących miastach, było tworzenie kompozycji w amorficznym środowisku miejskim, które później stało się ośrodkami zespołów miejskich. Barok czerpie z krajobrazu jako jednego z głównych elementów zespołu miejskiego. Formacja architektoniczna ośrodków miejskich trwa. Jednocześnie plac traci swoją treść funkcjonalną i demokratyczną, jaka była mu nieodłączna w epoce wczesnego średniowiecza (miejsce handlu, zgromadzeń ludowych). Staje się ozdobą miasta, jego frontową częścią, skrywającą elementy zabudowy śródkwartalowej. Ulicom w okresie renesansu nie poświęcano zbyt wiele uwagi. W okresie baroku główne ulice układają się w szerokie aleje (Via Corso w Rzymie, z widokiem na Piazza del Popolo). Zespół Piazza del Popolo jest przykładem kompozycji trójbelkowej ilustrującej zasady baroku w urbanistyce. Dwa kościoły, wybudowane podczas przebudowy placu, przecinają ruch miejski na trzy kanały i orientowane są absydą nie na wschód, lecz zgodnie z planem urbanistycznym, wejściem na północ. W architekturze renesansu ogromne znaczenie ma opracowanie projektu z punktu widzenia mechaniki teoretycznej, jego inżynierskiego uzasadnienia. Istnieje rozróżnienie pomiędzy pracą projektanta i budowniczego. Architekt nadzorował obecnie budowę, ale nie był jednym z mistrzów bezpośrednio zaangażowanych w prace. Jednocześnie nie tylko szczegółowo opracowywał cały projekt, często na modelu, ale także przemyślał przebieg prac budowlanych, wykorzystanie mechanizmów konstrukcyjnych do podnoszenia i montażu. Powrót do starożytnych – przeskalowanych do człowieka i konstruktywnie zgodnych z prawdą – systemów porządku w wyborze środków wyrazu artystycznego tłumaczy się ogólną humanistyczną orientacją kultury renesansu. Ale już we wczesnych pracach porządek służył rozczłonkowaniu i wzmocnieniu wyrazistości ściany na elewacji i we wnętrzu. a później na płaszczyznę ściany nałożone są dwu- lub trzyrzędowe „dekoracje” o różnej skali, tworząc iluzję głębi przestrzeni. Architekci renesansu przezwyciężyli ścisłą starożytną relację między projektem a formą i opracowali w istocie czysto estetyczne normy „obrazowej” tektoniki, których zgodność z konstruktywną i przestrzenną logiką konstrukcji zaobserwowano w zależności od sformułowania ogólne zadanie artystyczne. W epoce baroku iluzoryczna głęboka interpretacja muru jest kontynuowana w prawdziwych trójwymiarowych kompozycjach w postaci grup rzeźbiarskich, fontann (Palazzo Poli z Fontanną di Trevi). Nie jest więc przypadkiem zainteresowanie architektów renesansu pracą nad zespołami miejskimi i zdecydowanym zwrotem w stronę rozumienia architektury jako zorganizowanego środowiska. Jednak w epoce feudalnej skala realizacji inicjatyw urbanistycznych rzadko wykraczała poza zespoły placów pałacowych czy katedralnych. O. Choisy, charakteryzując renesans, napisał, że wyższość renesansu polega na tym, że nie znał on rodzajów sztuki niezależnych od siebie, ale znał tylko jedną sztukę, w której łączą się wszystkie sposoby wyrażania piękna .

Ryż. 13. Renesansowe „miasto idealne” Palma Nuova, 1593

Materiał pochodzi z książki: Historia Architektury. (V.N. Tkaczow). W przypadku częściowego lub całkowitego kopiowania materiału wymagany jest link do www.stroyproject.com.ua.

V.E.Bykov

Początki architektury barokowej sięgają architektury późnego renesansu. W twórczości takich mistrzów jak Palladio i Vignola, którzy starali się kontynuować i rozwijać tradycje klasyczne, a w jeszcze większym stopniu u Michała Anioła, który zdecydowanie sprzeciwiał się ogólnie przyjętym normom klasycznym, stopniowo wypracowywane są zasady, w oparciu o które mistrzowie drugiej połowy XVI wieku. położył podwaliny pod architekturę barokową. Odejście od harmonijnych obrazów Wysokiego Renesansu do obrazu bardziej wzniosłego, „bohaterskiego”, wprowadzenie do architektury wyraźnej zasady emocjonalnej, wzrost elementów reprezentacyjnych w budynkach pałacowych i sakralnych, komplikacja i dynamizacja konstrukcji przestrzennej, zwiększone poczucie plastyczności brył i form architektonicznych - wszystkie te zasady, wywodzące się z architektury późnego renesansu, zostały następnie rozwinięte i przerobione w architekturze baroku. Nie oznacza to jednak, że architektura barokowa jest bezpośrednią kontynuacją założeń architektonicznych Michała Anioła i jemu współczesnych; istnieje zasadnicza różnica jakościowa pomiędzy architekturą późnego renesansu i baroku. Korzystając z dorobku mistrzów późnego renesansu, architekci baroku rozwijali je i przerabiali zgodnie z nową treścią społeczną, jaką wezwano do wyrażania.

Proces narodzin i rozwoju zasad baroku znalazł swój najpełniejszy i spójny wyraz w architekturze Rzymu końca XVI i początku XVII wieku.

Nowe zadania społeczne, które stanęły przed mistrzami architektury rzymskiej późnego renesansu, z góry określiły charakter interpretacji różnych typów budowli świeckich i sakralnych. Pałac i willa jako siedziba wielkiego magnata lub dostojnika, przeznaczone dla ogromnego orszaku, wystawnych przyjęć i uroczystości, łączą się obecnie w integralne zespoły, które z kolei stanowią elementy zespołu miejskiego lub pałacowo-parkowego. Taki jest na przykład pierwszy przykład pałacu nowego typu – Palazzo Farnese; takie są dwa arcydzieła Vignoli – willa papieża Juliusza III i zamek Caprarola.

Rozwój tendencji barokowych był szczególnie wyraźny w jednym z późniejszych dzieł Vignoli – projekcie pierwszej świątyni jezuickiej – kościoła Il Gesu w Rzymie, który stał się wzorem dla budowli sakralnych we wszystkich krajach katolickich. Zewnętrzna trójwymiarowa kompozycja świątyni traci swoją integralność. Vignola ostro wyodrębnia fasadę główną (której właściwe barokowe walory w ostatecznej wersji podkreślił architekt Giacomo della Porta) jako główny, najbardziej efektowny element trójwymiarowej kompozycji i rozczłonkowuje ją nie tyle ze strukturą przestrzeń wewnętrzna jak i skala ulicy – ​​technika, która miała ogromne znaczenie urbanistyczne. Taka kompozycyjna konstrukcja zewnętrznych brył świątyni została wówczas powszechnie przyjęta w architekturze barokowej. Innowacja Vignoli polegała także na dążeniu do maksymalnego ujednolicenia przestrzeni wewnętrznej kościoła. Podział na nawy w zasadzie zanika: nawa główna znacznie się rozszerza, łączy się z nią transept, który ma nieznaczne półki boczne, nawy boczne zastępują dwa rzędy małych kaplic, w wyniku czego przestrzeń kopułowa, wraz z niszą ołtarzową, zyskuje we wnętrzu dominującą rolę.

Te cechy nadają świątyni jezuickiej cechy patosu, obce afirmującemu życie humanistycznemu ideałowi zawartemu w centrycznych i bazylikowych budynkach sakralnych wczesnego i wysokiego renesansu.

Do najważniejszych i postępowych osiągnięć architektury barokowej należy opracowanie nowych zasad urbanistyki, kompozycja zespołów urbanistycznych i parkowych.

Idee urbanistyczne renesansu, rozwinięte w licznych traktatach i jedynie częściowo zrealizowane przez Bramantego w zespole dziedzińców Watykanu, Michała Anioła – na Placu Kapitolu i Vasariego – na ulicy Uffizi we Florencji, są dalej rozwijane w epoce baroku. Jednak w zasadach kompozycji zespołu mistrzowie baroku zrywają z artystycznymi tradycjami architektury renesansowej, która skłaniała się w stronę harmonijnie zrównoważonych zestawień brył i swobodnych konstrukcji przestrzennych, i rozwiązują problem holistycznego zespołu miejskiego opartego na radykalna przebudowa części średniowiecznego miasta przy użyciu ściśle symetrycznych konstrukcji osiowych. W praktyce urbanistycznej baroku obiektem kompozycji architektonicznej stają się nie tylko budynki i utworzona przez nie przestrzeń placu, ale także ulica traktowana jest jako integralny organizm architektoniczny, jako jedna z form zespołu. Nadając ulicom ściśle prostoliniowe kontury, wyznaczając ich początek i koniec kwadratami lub efektownymi akcentami architektoniczno-rzeźbiarskimi, architekci baroku osiągają ogromne bogactwo i różnorodność motywów architektonicznych, tworząc jednocześnie układ urbanistyczny usprawniający chaotyczną zabudowę średniowiecznego miasta.

Wielkie zasługi na polu urbanistyki ma wybitny architekt i inżynier Domenico Fontana (1543-1607). W latach 80. XVI w powierzono mu przebudowę i dekorację Rzymu, którego wygląd miał odpowiadać znaczeniu miasta jako światowego centrum katolicyzmu.

Domenico Fontana wytycza nowe proste ulice w taki sposób, aby poszczególne, najważniejsze zespoły miasta połączyły się, tworząc jeden system akcentów architektonicznych. Taki właśnie zrealizował po raz pierwszy w historii urbanistyki trójbelkowy układ ulic, odchodzący od Piazza del Popolo i łączący główne wejście do stolicy z centrum i jego głównymi zespołami. Aby wzmocnić efekt przestrzenny i podkreślić osiową perspektywę ulic, architekt umieścił obeliski i fontanny w zanikających punktach alei promienistych i na ich końcach, uzyskując w ten sposób dużą jedność i kompletność kompozycyjną. Głęboka perspektywa trzech alei wychodzących z Piazza del Popolo, zaakcentowana i zaakcentowana przez umieszczenie na ich rogach dwóch identycznych kościołów kopułowych (Site Maria in Monte Santo i Site Maria dei Miracoli, których budowę rozpoczęto w 1661 roku przez architekta Rainaldiego), sprawia, że wyjątkowo spektakularne wrażenie bogactwa i różnorodności aspektów, przypominające nieco system obiecujących scen teatralnych.

Rysunek. Piazza del Popolo w Rzymie. Plan. 1. Porta del Popolo (zbudowana w 1591 r.) 2. Starożytny egipski obelisk wzniesiony przez Domenico Fontanę podczas odbudowy Rzymu w latach 1585-1588. 3. Kościół Santa Maria i Montesanto. 1661-1675 Architekci Carlo Rainaldi i Carlo Fontana. 4. Kościół Santa Maria dei Miracoli. 1675-1679 Architekci Carlo Rainaldi i Carlo Fontana. Linią przerywaną przedstawiono zarys placu w XVII-XVIII w.

Trójbelkowy system urbanistyczny stworzony przez Fontanę, z niemal teatralnym efektem nieoczekiwanego ujawnienia autostrad miejskich prowadzących w głąb miasta, z jednego punktu widzenia, wywarł silny wpływ na całą późniejszą praktykę europejskiego planowania urbanistycznego.

Ulubioną formą pomnika – przeznaczoną do instalowania na placach i ulicach, w epoce baroku nie jest pomnik, jak w renesansie, ale obelisk i ozdobiona rzeźbami fontanna. Dynamiczny kształt obelisku, złożona kompozycja mas i plastyczna różnorodność form, fontanny z szybko opadającymi kaskadami ciężkich strumieni wody w pełni odpowiadały artystycznym zadaniom baroku. Fontanna uporządkowała przestrzeń, wyznaczyła główne osie kompozycji zespołu dynamiką i różnorodnością form rzeźbiarskich, kontrastujących z płaską powierzchnią placu i stosunkowo spokojnymi elewacjami okolicznych budynków. Do najbardziej niezwykłych fontann w Rzymie, stworzonych przez mistrzów wczesnego i dojrzałego baroku, należy zaliczyć Fontannę Trytona Berniniego na Piazza Barberini i Fontannę Czterech Rzek na Piazza Navona, a także ogromne fontanny na Piazza St. Petra i fontanna połączona z obeliskami na Piazza del Popolo.

Architektura barokowa nie stworzyła nowych typów budynków, ale radykalnie przerobiono tradycyjne typy pałaców, willi, kościołów, klasztorów.

Zewnętrzny wygląd pałaców miejskich wczesnego baroku (ich pierwowzorem pod wieloma względami był Palazzo Farnese) staje się powściągliwy, a często wręcz ascetyczny. W charakterystycznym dla tego okresu Palazzo Ruspoli jedynie niektóre z najważniejszych kompozycyjnie elementów elewacji zewnętrznej – portal wejściowy, część okien – poddawane są bogatej obróbce architektonicznej i rzeźbiarskiej. Wpływ na to miało zarówno uwzględnienie wymogów urbanistycznych, czyli konieczności podporządkowania budynków o drugorzędnym znaczeniu głównym akcentom architektonicznym, jak i gusta feudalnej arystokracji, która dążyła do podkreślanej na zewnątrz powściągliwości, sztywności i izolacji. Z kolei dziedziniec pałacu (przykładem jest dziedziniec Palazzo Borghese w Rzymie), wnętrza i te części, które kojarzą się z ogrodem pałacowym, traktowane są ze znacznie większym luksusem w dekoracji i dekoracji. Wnętrze pałacu zaaranżowano jako wspaniały zespół komnat przeznaczonych do uroczystych przyjęć i uroczystości.

Architekci wczesnego baroku okazali się bardziej oryginalnymi mistrzami w architekturze willi i przylegających do nich zespołów ogrodowo-parkowych. Uczeń Michała Anioła i Vignoli, architekt Giacomo della Porta (1537-1602), jest właścicielem jednego z pierwszych tego typu budynków, Villa Aldobrandini we Frascati (1598-1603).

Willa położona jest na górskim zboczu, wysoka bryła głównego budynku osadzona jest na potężnym cokole, tworząc szeroki taras z dwiema zaokrąglonymi rampami. Do budynku prowadzą trzy promieniście rozchodzące się drogi: środkowa droga dojazdowa, stanowiąca belkę środkową, przechodzi przez zorientowany wzdłuż tej osi główny hol willi i kontynuuje się w głównej alei parku, zaplanowanej za budynkiem willi pomiędzy zbocze góry i fasada parku. Tym samym cały zespół otrzymuje ściśle regularną konstrukcję osiową, z wyodrębnionym budynkiem willi jako głównym ośrodkiem kompozycyjnym, swoistym ogniskiem całego układu planistycznego.

Szczególnie interesująca w parku Villa Aldobrandini jest duża półkolista grota zamykająca centralną aleję, wspaniale ozdobiona pilastrami i niszami, ozdobiona rzeźbami i fontannami, kariatydami podtrzymującymi poluzowane belkowanie i doniczki, rzeźbiarskimi płaskorzeźbami i balustradami. Nad grotą znajduje się kaskada - w formie stopni z szybko płynącymi, szemrzącymi strumieniami wody.

Jedną z cech kompozycji rzymskich willi barokowych jest położenie zespołu willi i parku na stromym terenie. Wypiętrzenie terenu wykonano w formie górujących jeden nad drugim tarasów parkowych, rozplanowanych na całej szerokości założenia. Tarasowa konstrukcja zespołu pozwoliła uzyskać preferowane przez architektów barokowych efekty przestrzenne, oparte na zasadzie wszechstronności i spójnej percepcji nasadzeń parkowych, tworzących system ciągnącej się w oddali zieleni za kulisami.

W willi d'Este w Tivoli, zbudowanej przez architekta Pirro Ligorio (ok. 1510-1583), tarasy ozdobione zielenią, balustradami i murami oporowymi, w których rozmieszczone są dekoracyjne nisze i groty z rzeźbami i fontannami, są ze sobą połączone liczne schody i pochylnie Poziome linie tarasów oraz pochyłe linie schodów i pochylni tworzą jeden układ kompozycyjny, przeniknięty mocnym ruchem skierowanym w stronę głównego budynku willi, co zamyka oś kompozycyjną zespołu.

Z centralnej alei parku otwiera się widok na budynek willi, niezwykle efektownie umieszczony na najwyższym, dominującym nad okolicą tarasie. Z okien willi rozpościera się nie mniej spektakularna panorama na kaskadę, przypominającą gigantyczny amfiteatr, tarasy parkowe i okolicę. Krajobraz parkowy i środowisko naturalne stają się tym samym integralną częścią kompozycji samego budynku i jego wnętrza. Cały proces postrzegania architektury i jej otoczenia z określonych punktów widzenia jest ściśle wyliczony i zadziwia widza nieskończonym bogactwem aspektów przestrzennych, kontrastami światła i cienia, różnorodnością i ostrością porównań faktur liści i kamienia, spokojnie płynących lub szybko spadające strumienie wody.

Dla kultowej architektury wczesnego baroku zakończeniem zmagań toczących się wokół budowy katedry św. Piotra w Rzymie. Koncepcja Bramantego i Michała Anioła, którzy bronili idei centrycznej kopułowej świątyni, której doskonałość i harmonia form nawiązywała do humanistycznych ideałów renesansu, napotkała opór sił kontrreformacji. Walka ta zakończyła się po śmierci Michała Anioła projektem Carla Maderny (1556-1629). Za namową papieża Pawła V Madern w latach 1607-1614. do centrycznej budowli katedry dobudowano trójnawową część bazylikową z nowym przedsionkiem i fasadą główną. Przedłużając przednią gałąź równobocznego krzyża greckiego, która leży u podstaw kompozycji planu, Maderna przekształcił ją w tradycyjną formę krzyża łacińskiego dla średniowiecznych kościołów, wypaczając w ten sposób ideę Bramantego i Michała Anioła. Ogromna kopuła, ukończona po śmierci Michała Anioła w formach zbliżonych do jego projektu, przez architekta Giacomo della Porta, przez to straciła dominującą rolę w kompozycji. Maderna nie potrafiła także przełamać sprzeczności, jaka powstała pomiędzy pompatycznymi formami ciężkiej barokowej fasady, przypominającej monumentalną dekorację towarzyszącą katedrze, a potężnym centrycznym masywem Michała Anioła, dlatego „jedność i integralność kompozycji zostały naruszone.

W rozwiązaniu fasad kościoła najbardziej wyraźnie wpłynęło na stosunek mistrzów baroku do porządku. Podobnie jak w architekturze renesansu, głównym środkiem wyrazu artystycznego pozostaje porządek, zmienia się jednak jego charakter tektoniczny. Barokowe systemy porządkowe charakteryzują się nie tyle logiką konstrukcyjną, ile plastyczną i obrazową wyrazistością, co wyjaśnia przeważnie dekoracyjną interpretację form porządkowych.

W ostatniej ćwierci XVI wieku Giacomo Delda Porta przerobił fasadę kościoła Gesú z Vinholo i stworzył w ten sposób pierwszą barokową fasadę kościoła, która później stała się swego rodzaju kanonem katolickiej architektury sakralnej.

Fasada Gesu jest nadal nasycona stosunkowo powściągliwym, ale wyraźnie wyrażonym ruchem; zwrócona jest ku centrum kompozycji – portalowi wejściowemu, jakby wciągając widza do wnętrza kościoła i władczo kierując go do ołtarza. Ten ruch brył architektonicznych osiągnięto poprzez zagęszczenie elementów porządku i artykulacji, a także zwiększenie plastycznej płaskorzeźby i różnorodności detali od obrzeży do środka kompozycji. Charakter i układ porządków oraz detale ściany – otwory, frontony, architrawy, wnęki, rzeźbiarskie kartusze – podporządkowane są jednemu celowi: osiągnięciu jak największej wyrazistości plastycznej i dynamiki brył architektonicznych. Malowniczość elewacji podkreślają kontrasty światła i cienia, wynikające z nierównomiernego rozmieszczenia form plastycznych na powierzchni ściany, a także licznych wyboczeń i pęknięć gzymsów, prętów i szczytów. Tworzy się rodzaj falistego reliefu, który stale się zmienia wraz ze zmianą oświetlenia. Już sam język form architektonicznych przyczynia się tu do wzmożenia emocjonalnej wyrazistości obrazu.

Od lat 30. XVII wiek Rozpoczyna się druga faza włoskiej architektury barokowej. Nadchodzi czas pełnego rozwinięcia zasad stylistycznych, które ukształtowały się w okresie poprzednim. W dojrzałym okresie baroku dominuje architektura kultowa, która odcisnęła swoje piętno na całej architekturze.

W ówczesnej praktyce urbanistycznej wykształcił się typ placu, którego przestrzeń i zagospodarowanie podporządkowano monumentalnej budowli, pełniącej rolę dominującej kompozycji. W ten sposób powstał rodzaj placu, zamieniającego się w rodzaj otwartego przedsionka przed budynkiem kościoła. Z rozmachem zadanie to rozwiązał Bernini w Petersburgu. Piotra, w planie bardziej kameralnym – na placu przed kościołem Santa Maria della Pace autorstwa architekta Pietro da Cortona (1596-1669). Zgodnie z ogólnym charakterem architektury rozpatrywanego okresu, rozwiązania kompozycyjne tych obszarów, oparte na skomplikowanych krzywoliniowych zarysach, wyróżniają się dużą dynamiką przestrzenną.

Architekturę świecką dojrzałego baroku cechuje dalszy rozwój typu pałacu miejskiego. Trwają prace nad nowymi zasadami planowania pałacu; zamkniętą bryłę prostych konturów zastępuje rozwiązanie przestrzenne. W typowym dla tego czasu rzymskim Palazzo Barberini (ok. 1524-1663), w tworzeniu którego brali udział Maderna, Borromini, Bernini i Pietro da Cortona, rozciągnięte skrzydła tworzą cour-doner (dwór honorowy) z okresu strona ulicy; część wejściową interpretuje się w formie owalnego przedsionka frontowego z rozbudowanym systemem rozbudowanych klatek schodowych prowadzących do sal recepcyjnych. Przedsionek łączy się bezpośrednio z wyjściem na loggię ogrodową i do ogrodu, dzięki czemu tworzy się pojedyncza amfilada pomieszczeń wejściowych i loggii, odsłaniając perspektywę ogrodu z bogatą dekoracją dekoracyjną. Fasada główna, interpretowana w uroczystych, majestatycznych formach, pozbawiona jest dawnej powściągliwości i surowości; elewacja od strony ogrodu wyróżnia się jeszcze wspanialszą dekoracją architektoniczną.

W architekturze kultowej architekci dojrzałego baroku szczególną uwagę zwracają na zagospodarowanie elewacji i wnętrza kościoła.

Ewolucja fasady, zapoczątkowana przez Vignolę w projekcie kościoła Gesù, przebiega jednocześnie w kierunku coraz większej unifikacji kompozycyjnej form architektonicznych i wzrostu ich plastycznej wyrazistości. Proste płaszczyzny zostają zastąpione zakrzywionymi, zamiast dotychczasowych pilastrów pojawiają się półkolumny, a następnie kolumny, które zaczynają nawet oddzielać się od fasady, co jeszcze bardziej komplikuje i wzbogaca jej strukturę przestrzenną. Wszystkie te techniki uwypuklają patetyczny charakter architektury sakralnej, aktywują siłę jej plastycznego oddziaływania.

Przykładem w tym zakresie jest fasada kościoła Santa Maria della Pace (1656-1657) zbudowanego przez Pietro da Cortona, która zamyka kompozycję placu o tej samej nazwie. Zwrócona ku górze, smukła w proporcjach fasada jest ostro podzielona wysokością na dwie niemal równe części: dolna ma formę półkolistego portyku mocno wystającego do przodu i rzucającego głęboki cień, oraz górna, w której wypukłe powierzchnie ścian łączą się z nierozprutymi kolumnami i pilastrami. Półkolisty fronton rozdarty pośrodku, wieńczący środek kompozycji oknem wciśniętym pomiędzy wiązki pilastrów i przyłączone do nich kolumny, składa się z kolei w trójkątny fronton, spajający całe to skomplikowane nawarstwienie form w jedną całość.

Cechy architektury kultowej jeszcze wyraźniej ujawniły się we wnętrzach kościołów. W architekturze barokowej wnętrze często nabiera samowystarczalnego znaczenia, gdyż segmentacja elewacji jest bardziej zgodna ze skalą ulicy i otaczającej ją zabudowy niż z wnętrzem samego budynku. Wnętrze było miejscem wspaniałej teatralnej ceremonii nabożeństwa kościoła katolickiego (podobnie jak w pałacach – miejscem uroczystych przyjęć i uroczystości), dlatego barokowi mistrzowie właśnie we wnętrzu skupiają wszelkie środki wyrazu artystycznego, wykorzystując możliwości synteza architektury, rzeźby, malarstwa i sztuki zdobniczej.

Rozwiązania przestrzenne wnętrz kościelnych są wyjątkowo złożone i fantazyjne. I tak np. plan kościoła Sant Ivo, zbudowanego przez Borrominiego, przypomina zarys pszczoły w sześciokątnej komórce z plastrów miodu - nuta pszczół z herbu klienta budowy, papieża Urbana VIII Barberiniego. Do dekoracji wnętrz wykorzystano różnorodne materiały - kolorowe marmury, ożywione jasnym wzorem naturalnych żyłek i plam, złocony brąz i drogie odmiany drewna. Powszechnie stosowano sztukaterie, rzeźby w drewnie i kamieniu. Złożoność struktury przestrzennej w połączeniu z blaskiem marmuru i złoceń oraz umiejętnie zastosowanymi efektami świetlnymi dawała wrażenie nierealnej, iluzorycznej. Wnętrze było bogato zdobione rzeźbami i płaskorzeźbami, które niejako tworzyły jedną całość z architekturą i obrazami, za pomocą których osiągano zawrotne efekty iluzjonistyczne i perspektywiczne. Malownicze plafony Baciccio w kościele Gesu i Andrei Pozzo w kościele Sant Ignazio, przebijając się przez strop, iluzorycznie poszerzają przestrzeń wnętrz kościelnych w nieskończoność. doprowadzając w ten sposób tendencje architektury barokowej do logicznego zakończenia.

Największym przedstawicielem włoskiego baroku, który odegrał zdecydowaną rolę w powstaniu i rozwoju tego stylu, był wielki architekt i rzeźbiarz Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680). Niezwykle utalentowany, wszechstronny mistrz (był także malarzem), Bernini stał się prawdziwym artystycznym dyktatorem Rzymu. Jako nadworny architekt i rzeźbiarz rzymskich papieży wykonywał główne zamówienia i stał na czele ogromnej liczby architektów, malarzy, rzeźbiarzy i dekoratorów, którzy brali udział w budowie i dekoracji placów, ulic, pałaców i miejsc kultu. nabożeństwo w Rzymie.

W twórczości architekta Berniniego główne miejsce zajmują prace nad zespołem katedry i placem św. Piotr.

Bernini połączył dwie główne części katedry, które wcześniej wydawały się niepowiązane - centralną, zbudowaną przez Michała Anioła i bazylikę, zbudowaną przez Madernę. Jako genialny dekorator Bernini dokonał tego, inscenizując gigantyczne brązowe cyborium (baldachim) ze spiralnymi kolumnami i misternymi zakończeniami w kopułowej przestrzeni katedry, a także spektakularną dekorację rzeźbiarską absydy ołtarza widocznej za cyborium. W ten sposób wyraźnie zaakcentowano środek wnętrza świątyni i uwydatniono jej oś podłużną: widz wchodząc do katedry od razu został wciągnięty w szybkie przemieszczanie się z przedsionka do części kopułowej.

Podczas budowy głównych Schodów Królewskich („Redge Rock”, 1663-1666), łączących pałac papieski z katedrą św. Petera Bernini stosował metodę sztucznej perspektywy. Dzięki stopniowemu zwężaniu schodów nakrytych sklepieniem kasetonowym i odpowiadającemu temu obniżeniu wysokości kolumn biegnących po ich bokach architekt uzyskał nie tylko wrażenie iluzorycznego powiększenia wielkości i długości schodów, ale także efekt czysto teatralny – postać papieża, który pojawia się podczas uroczystych wyjść na szczycie schodów, zdaje się powiększać swoją skalę.

Najwybitniejszym dziełem praktyki urbanistycznej dojrzałego baroku pod względem wielkości, rozmachu koncepcji i artystycznej doskonałości jest stworzony przez Berniniego plac przed katedrą św. Piotra (1656-1667). Budowa placu spowodowana była koniecznością stworzenia przed katedrą główną kościoła rzymskokatolickiego, tradycyjnego dla średniowiecznych bazylik atrium – rozległej przestrzeni otoczonej kolumnadami, miejsca gromadzenia dużych mas ludzi podczas uroczystych wyjść uroczystości papieskich i religijnych. Z drugiej strony wybudowanie takiego placu przed wystającą fasadą główną katedry umożliwiło nadanie fasadzie większego znaczenia, osiągnięcie kompozycyjnej jedności katedry i jej niezbędnej relacji z otaczającą przestrzenią. Tym samym Bernini ostatecznie odszedł od planu Bramantego – Michała Anioła, ale z drugiej strony, korygując błąd Maderny, włączył budynek katedry z niesamowitą sztuką w zespół zbudowany na nowych, barokowych zasadach.

Zespół placu składa się z niewielkiego, niedawno (ok. 1950 r.) przebudowanego placu frontowego przed kolumnadą, następnie z owalnego placu utworzonego przez dwa otwarte półkola kolumnady, z fontannami ustawionymi niemal w geometrycznych środkach półkola, i obelisk pomiędzy nimi, i wreszcie trapezowy plac pomiędzy fasadą katedry a dwiema bocznymi galeriami łączącymi kolumnadę z katedrą. Całkowita głębokość terenu, sięgająca ponad ćwierć kilometra (280 m), pozwala uchwycić całą kompozycję jako całość, łącznie z potężną kopułą wieńczącą centralną część świątyni. Do budowy czterorzędowych krytych kolumnad zajmujących przestrzeń owalnego terenu (ich wysokość wynosi -19 m przy tej samej szerokości) z przejściami dla powozów i przejściami dla pieszych, wykorzystano 284 kolumny, 80 filarów i 96 dużych posągów wieńczących attykę. potrzebne. Przyjęty przez Berniniego toskański porządek kolumn, ich proporcje i kształty wyróżniałyby się niemal klasyczną powściągliwością i monumentalnością, gdyby nie nieco podkreślona fizyczność i ciężkość oraz wspaniała attyka zwieńczona ozdobną rzeźbą.

Od chwili wejścia widza w owalny plac kolumnady, zdaniem Berniniego, „jak otwarte ramiona” chwytają widza i kierują jego ruch ku dominującej kompozycji – fasadzie głównej, skąd przez przedsionek i nawy podłużne ruch trwa nadal do ołtarza. Znamienne jest, że na samym placu widz zmuszony jest poruszać się nie wzdłuż jego osi podłużnej – zapobiega temu znajdujący się pośrodku placu obelisk, lecz wzdłuż zakrętu kolumnad. Widz zatem widzi najpierw odległy cel swojego ruchu – katedrę z wieńczącą ją kopułą, potem przed jego oczami ukazują się różne aspekty przestrzeni placu i kątów kolumnad, aż w końcu widz trafia na trapezoidalny plac przed fasadą katedry, który nagle pojawia się przed nim ponownie, wstrząsając jego wyobraźnią wspaniałością wielkości i przepychem form.

Spośród poszczególnych budowli sakralnych Berniniego najwybitniejszym jest kościół Sant'Andrea al Quirinale (1658-1678). Jej fasadę zaprojektowano w formie monumentalnego portalu porządkowego z gładkimi pilastrami w narożach podtrzymującymi belkowanie i trójkątny fronton. Wejście do kościoła zdobi dwukolumnowy portyk zwieńczony półkolistym belkowaniem, jakby wyłaniającym się z głębi łukowego otworu, oraz wspaniałym ozdobnym kartuszem. Podstawę portyku zaprojektowano w formie półkolistej klatki schodowej. Wysoki kamienny płot przylegający do boków portalu, kontrastując z jego wklęsłością naprzeciw portyku i klatki schodowej, podkreśla poruszanie się w głąb budynku, urzekając widza.

Plan kościoła jest owalem o osi długiej poprzecznej w stosunku do wejścia. Bogato zdobiona nisza ołtarzowa jest niejako przesunięta w stronę widza wchodzącego do kościoła. Przestrzeń podkopułową otacza korona niskich kaplic, tworzących głębokie nisze w dolnej kondygnacji muru rozprutego pilastrami korynckimi. Górna kondygnacja ściany z oknami kończy się owalną kopułą ze świetlikiem pośrodku. Szeroko stosowany w architekturze barokowej kształt owalny, w przeciwieństwie do statycznych form koła lub kwadratu stosowanych w budownictwie centrycznym renesansu, ma pewien kierunek dynamiczny i ciągłą zmienność krzywizny. Wykorzystując te właściwości Bernini tworzy kompozycję wnętrz pełną ruchu i kontrastów. Głębokie nisze rozmieszczone na obwodzie owalu, różnorodne pod względem kształtu i dekoracji, wzbogacają wnętrze plastycznością ich stale zmieniających się kształtów i zakrętów, kontrastami głębokich cieni z jasnym światłem wydobywającym się spod kopuły.

Zmiany w architekturze pałacu miejskiego w drugiej połowie XVII wieku. można zobaczyć na przykładzie Palazzo Chigi (Odescalchi) zbudowanego w Rzymie według projektu Berniniego. Budowę, rozpoczętą w 1664 roku, ukończono dopiero w XVIII wieku i uległa ona znacznemu zniekształceniu w wyniku rozbudowy. Główna fasada pałacu została zaprojektowana przez Berniniego w formie rozwiniętej wszerz części środkowej z gładką dolną kondygnacją, traktowaną jak monumentalny cokół, oraz dwóch górnych kondygnacji, rozciętych na pełną wysokość pilastrami dużego rzędu. W odróżnieniu od uporządkowanych artykulacji środka, partie boczne zaaranżowano w formie płasko boniowanych płaszczyzn ścian, ożywianych jedynie porządkowymi obramowaniami okien. Przejrzystość koncepcji kompozycyjnej, uroczysty rytm wielkich pilastrów na przemian z porządkowymi architrawami drugiego, frontowego piętra, monumentalne zwieńczenie bryły wypukłym belkowaniem i balustradą attyki z rzeźbami nadały budynkowi zaakcentowanego splendoru i wielkość. Typ pałacu miejskiego stworzony przez Berniniego wywarł znaczący wpływ na architekturę pałacową innych krajów europejskich XVII i XVIII wieku.

Dzieła architektoniczne Berniniego, przy całym swoim rozmachu i jasności ucieleśnienia zasad baroku, są wolne od skrajności metody barokowej. Wskazane jest również pragnienie mistrza majestatycznych, ale harmonijnych w naturze obrazów architektonicznych.

W przeciwieństwie do Berniniego, twórczość jego rywala, drugiego co do wielkości przedstawiciela architektury barokowej, Francesco Borrominiego (1599-1667), jest przykładem wyostrzenia wyrazistych tendencji tego stylu. Odepchnięty przez wszechwładnego Berniniego z najważniejszych dzieł urbanistycznych i zakonów świeckich, Borromini wykorzystywał swoje siły głównie w architekturze sakralnej, pracując na zlecenie kręgów duchownych. Cechy jego talentu, sprzyjające wyrażaniu się nurtów odpowiadających polityce artystycznej katolicyzmu, sprawiły, że w twórczości Borrominiego – przy całej odwadze i oryginalności pomysłów oraz niezwykłym kunszcie tego wielkiego architekta – wyraźnie naruszyły irracjonalne cechy baroku.

Już we wczesnej twórczości Borrominiego – oratorium mnichów filipińskich (rozpoczętym w 1637 r.) – cechy jego sztuki wyróżniają się dość wyraźnie. Po raz pierwszy w architekturze włoskiej mistrz zastosował efektowną wklęsłą bryłę dwupoziomowej fasady, przeciętej pilastrami i zwieńczonej skomplikowanym frontonem w kształcie stępki. Ułamkowa plastyczność ściany, przetworzona w przerwach między pilastrami wielowarstwowymi płycinami, niespokojny rytm okien obramowanych architrawami o skomplikowanych kształtach, głębokie cienie wnęk – wszystko to wywołuje wrażenie podniecenia, niepokoju i nerwowy patos. W kolejnych dziełach Borrominiego cechy te ulegają dalszemu wzmocnieniu.

Najbardziej charakterystycznymi budynkami Borromini, które pozwalają prześledzić ideologiczną ostrość obrazu i rozważyć środki jego artystycznego ucieleśnienia, są kościoły San Carlo alle Quattro Fontane (1635-1667) i Sant Ivo (1642-1660). w Rzymie. Plany kościołów są niezwykle złożone i zbudowane są na rytmicznej przemianie wklęsłych i wypukłych linii ścian na planie rombu (San Carlo) lub trójkątnych i kulistych nisz na planie sześciokąta (Sant Ivo). Dziwaczne formy planu tworzą dynamiczną, jakby podlegającą ciągłym zmianom strukturę wnętrza. Liczne zakręty falujących, zakrzywionych ścian, dzięki którym te same elementy i detale – kolumny, pilastry, okna, wnęki, widziane jednocześnie pod różnymi kątami, wydają się nieskończenie różnorodne, pozbawiają widza możliwości uchwycenia struktury całości, poczuć realność przestrzeni i obiektywność form.

Ze szczególną siłą dynamika przestrzenna wyraża się we wnętrzu Sant Ivo, gdzie ostre trójkątne występy ścian przechodzą w porywczą, skierowaną ku górze kopułę w kształcie gwiazdy, która kończy się na zewnątrz niezwykłą spiralą, jakby wkręcającą się w niebo, zwieńczona ażurową koroną. Stosunkowo niewielkie wnętrza kościołów Sant Ivo i San Carlo wydają się być wypełnione jakimś tajemniczym i nadprzyrodzonym ruchem. Wypełnione światłem plafony, ozdobione skomplikowanymi kesonami i dekorem rzeźbiarskim, nie powstrzymują tego ruchu, a wręcz przeciwnie, nadają mu charakter nieskończoności. Liczne rzeźby, osadzone w głębi zacienionych nisz, potęgują patetyczną ekspresję architektury.

W głównej fasadzie kościoła San Carlo (1660-1667) rozwinęły się formy barokowe, zgodne z wrodzoną dynamiką i malowniczością Borrominiego. Kompozycja fasady, podzielonej dwupoziomowymi kolumnami i ozdobionej niszami, opiera się na tym samym sposobie konstruowania złożonej, falistej bryły (wypukły środek i wklęsłe krawędzie), która stanowi podstawę kompozycji wnętrza. Osiąga się w ten sposób stylistyczną jedność elewacji i wnętrza, a także bogactwo form i kątów. Ogólny ruch form architektonicznych fasady skierowany jest w stronę centrum kompozycji – portalu wejściowego, nad którym umieszczono posąg św. Karl Borro-mey. Jedynie niewielki krużganek kościoła, dzięki przejrzystości form, wnosi uspokajającą nutę do ogólnego dramatycznego projektu tej budowli.

Innym typem budowli sakralnych jest kościół Sant'Agnese (1652-1657) przebudowany przez Borrominiego. Kompozycja tego kościoła z szeroką fasadą, dwiema dzwonnicami w narożach i monumentalną częścią środkową zwieńczoną kopułą wynika z jego usytuowania na bardzo wydłużonym placu Navona, gdzie budowla ma pełnić funkcję rolę dominującej architektury. Typ kopułowego budynku kościelnego stworzonego przez Borrominiego z dwiema dzwonnicami był szeroko stosowany w architekturze zachodnioeuropejskiej XVII i XVIII wieku.

Twórczość Borrominiego i opracowany przez niego system środków wyrazu posłużył jako źródło powstania wielu późnych dzieł baroku, w których system ten został doprowadzony do najwyższej pretensjonalności i manieryzmu.

Wybitnym mistrzem późnego baroku był architekt i matematyk Gvarino Guarini (1624-1683), działający głównie w Turynie. Jego kompozycje wyróżniają się niezwykłym wyrafinowaniem konstrukcji przestrzennych i wystroju. Taka jest jego kaplica Santa Sindone (założona w 1667 r.) przy katedrze w Turynie. Kompozycja planu kaplicy, oparta na przecięciu kilku koncentrycznych okręgów o różnych średnicach, tworzy jeszcze bardziej złożoną pod względem rozwarstwienia strukturę przestrzeni niż w pracach Borrominiego. Główną rotundę zwieńcza układ dwóch kopuł – otwartej dolnej i parabolicznej górnej, w całości przeciętych owalnymi oknami ułożonymi naprzemiennie w szachownicę. Strumienie światła i promienie słońca wpadające przez dziesiątki okien kopuły powinny stworzyć iluzję firmamentu i świecących gwiazd.

Spośród budynków cywilnych Guariniego na uwagę zasługuje Palazzo Carignano w Turynie (1680), wskazujący na zastosowanie w architekturze pałacowej technik rozwiniętych w architekturze sakralnej. Elewacja z efektownie zakrzywioną częścią środkową zwieńczoną skomplikowanym krzywoliniowym frontonem, pogrubienie podziałów porządkowych i dekoracja rzeźbiarska w centrum, skomplikowane obramowania okien drugiego i trzeciego piętra, bogactwo kontrastów fakturalnych oraz różnorodność motywów i form nadają wrażenie bogatej i wyrafinowanej scenerii architektonicznej. Twórczość Guariniego świadczy o dominacji tendencji dekoracyjnych i formalno-eksperymentalnych w architekturze barokowej i początkach upadku stylu.

Szczególne miejsce we włoskim baroku XVII wieku zajmuje architektura Wenecji. Tutaj, inaczej niż w Rzymie, zasada świecka zwyciężyła nad tendencjami kościelnymi, w czym znaczącą rolę odegrały tradycje sztuki weneckiej.

Największym weneckim architektem tamtych czasów był Baldassare Longhena (1598-1682). Jego głównym dziełem jest kościół Santa Maria della Salute (1631-1687), największa budowla kopułowa w Wenecji, zbudowana przy wejściu do Canal Grande. W złożonej trójwymiarowej kompozycji kościoła z płynnymi przejściami od potężnej ośmiokątnej podstawy otoczonej koroną prostokątnych kaplic do mniejszego ośmiościanu drugiej kondygnacji i wspartego na nim okrągłego bębna i kopuły, pojawia się wiele nieoczekiwanych porównań obrazkowych , różnorodne kąty, linie i formy. Portal główny kościoła przypomina majestatyczny łuk triumfalny. Wraz z bogatą dekoracją rzeźbiarską, gigantycznymi spiralnymi wolutami kopułowego bębna, marmurową powierzchnią ścian odbijającą się w wodach kanału, kościół sprawia wrażenie budowli niemal bajecznej pod względem bogactwa fantazji i malowniczych form. W przeciwieństwie do kultowych budowli rzymskiego baroku, wygląd kościoła wyróżnia się czysto świeckim przepychem i elegancją. W tym sensie charakterystyczne jest rozwiązanie kompozycyjne wnętrza: pomiędzy ołtarzem, przed którym odprawiane jest nabożeństwo, a publicznością, niczym w teatrze, znajduje się miejsce dla chóru i orkiestry. Spośród prywatnych pałaców zbudowanych przez Longenę najważniejsze to Palazzo Nezaro (1679) i Palazzo Rezzonico (rozpoczęte ok. 1650). W odróżnieniu od potężnych rzymskich pałaców barokowych, fasady weneckich pałaców, dzięki wyraźnemu doborowi porządku obramień i bardzo dużym otworom okiennym, w połączeniu z bogatym wystrojem, niemal pozbawionym ścian, sprawiają wrażenie większej lekkości i elegancji. Cechy barokowe znajdują odzwierciedlenie w niemal rzeźbiarskiej interpretacji form porządkowych, obramowań okien i innych detali, wykonanych w głębokim reliefie i tworzących malowniczą grę światła i cienia.

Styl romański Styl IX-XIII w. Główną rolę przypisano surowej, warownej architekturze. Klasztory, kościoły, zamki lokowano na wzniesieniach, dominując nad okolicą. Pierwotnym pierwowzorem kościołów były bazyliki rzymskie, które jednak uległy znaczącym modyfikacjom: np. płaski strop zastąpiono sklepieniem, a kościoły ozdobiono malowidłami i płaskorzeźbami, wyrażającymi w formach warunkowych przerażającą moc Boga. Jednak wizerunki zwierząt i roślin sięgają sztuki ludowej. Do wspaniałych przykładów architektury romańskiej należą klasztory św. Paweł m.st. Giovanniego w Rzymie, Katedra w Pizie i Bazylika Św. Miniatury we Florencji. Znakomitych przykładów tego stylu jest wiele we Francji i Niemczech (np. katedra w Bambergu).

Gotycki styl wieków. Odzwierciedlało to powstawanie państw narodowych, wzmocnienie miast, rozwój handlu i rzemiosła. Wiodącym typem architektonicznym jest katedra miejska. System ram umożliwił stworzenie wnętrz katedr niespotykanych pod względem wysokości i ogromu, przecięcie ścian ogromnymi, wielobarwnymi oknami. Aspirację katedry w górę wyrażają gigantyczne ażurowe wieże, ostrołukowe okna i portale, zakrzywione posągi i skomplikowana dekoracja. W tym samym stylu budowano ratusze, budynki mieszkalne, pasaże handlowe i inne budynki. W Gothicu obserwujemy wzrost zainteresowania realnym światem, przyrodą i bogactwem przeżyć.

Styl renesansowy Renesans to okres w historii stuleci. Charakteryzuje się humanistycznym światopoglądem, odwoływaniem się do dziedzictwa kulturowego starożytności. Jednak kultura starożytna rozwinęła się i została zinterpretowana w nowy sposób. W architekturze wiodącą rolę zaczęły odgrywać budowle świeckie - budynki użyteczności publicznej, pałace, kamienice. Wykorzystując porządek podziału ścian, łukowych galerii, kolumnad, sklepień, kopuł, architekci nadawali swoim budynkom majestatyczną przejrzystość, harmonię i proporcjonalność człowieka. Budynki charakteryzują się przejrzystą konstrukcją i wyraźnym podziałem ścisłych brył oraz jasnymi, przestronnymi wnętrzami.

Barok Jeden z głównych stylów stuleci. Jest to związane z kulturą szlachecko-kościelną dojrzałego absolutyzmu. Odzwierciedlał idee dotyczące złożoności, różnorodności, zmienności świata. Charakterystyczne są kontrast, napięcie, dynamizm, pragnienie wielkości i przepychu, połączenia rzeczywistości i iluzji. Architekturę cechuje rozpiętość przestrzenna, jedność, płynność złożonych, zwykle krzywoliniowych form.

Styl rokokowy z początku XVIII wieku. Charakterystyczne odejście od życia w świecie fantasy, mitologii. Szczególnie charakterystycznym motywem ozdoby jest stylizowana muszla (rocaille). Dominuje pełen wdzięku, fantazyjny rytm zdobniczy. Budynki wyróżniają się wyrafinowaniem, dekoracyjnym pięknem asymetrycznych kompozycji i wygodą. Bujny wystrój wnętrz można połączyć ze względną surowością wyglądu zewnętrznego budynków (na przykład w architekturze francuskich hoteli).

Klasycyzm Styl ponadczasowy. Nabrało ono kształtu we Francji, odzwierciedlając powstanie absolutyzmu. W XVIII w. kojarzony był z burżuazyjnym oświeceniem. Dziedzictwo starożytne uważane jest za normę i idealny przykład. Architekturę charakteryzuje przejrzystość i geometryczność form, logiczny układ, połączenie ściany z porządkiem, powściągliwy wystrój. Podstawą języka architektonicznego jest porządek, w proporcjach i formach bliższych starożytności niż w architekturze poprzednich epok. Wnętrza charakteryzują się wyrazistością podziałów przestrzennych, miękkością barw. Efekty perspektywy są szeroko stosowane w malarstwie monumentalnym i dekoracyjnym.

Styl nowoczesny końca XIX i początku XX wieku. Architektura secesyjna poszukiwała jedności zasad konstrukcyjnych i artystycznych. Zastosowano nowe środki techniczne, nowe materiały (np. żelbet), swobodny, uzasadniony funkcjonalnie układ, dekoracyjny rytm elastycznych, płynnych linii, stylizowany wzór kwiatowy, zwłaszcza z roślin wodnych. Budynki kładą nacisk na indywidualizację, wszystkie ich elementy podporządkowane są jednemu rytmowi zdobniczemu i figuratywno-symbolicznemu projektowi.

Nowoczesna architektura w Europie opiera się na zasadach racjonalizmu i praktyczności. Stanowi bezpośrednie potwierdzenie stwierdzenia rzymskiego architekta Witruwiusza (tzw. triady), że architektura opiera się na trzech zasadach – sile, użyteczności i pięknie. Historia powstania stylu europejskiego sięga głęboko w przeszłość i łączy w sobie cechy i tendencje w architekturze wielu epok.

Kształtowanie się tego kierunku opiera się na związku pomiędzy określonymi lokalizacjami budynków a czasem ich powstania. Pod uwagę brane są nie tylko właściwości i projekty budowanych obiektów, ich funkcjonalność, ale także dekoracja i techniki zdobnicze. Wcześniejsze trendy architektoniczne nie zawsze zastępowały się sukcesywnie, ale mogły powstawać jednocześnie i działać na zasadzie konkurencji, co ostatecznie doprowadziło do powstania europejskiego budownictwa mieszkaniowego.

Poprzednie nurty i style architektoniczne

W połowie pierwszego tysiąclecia, mniej więcej w X-XII wieku, pojawił się nowy jasny kierunek w projektowaniu i budowie obiektów miejskich. Jest to tak zwany styl romański, który wywarł znaczący wpływ na kształtowanie się idei całej światowej sztuki tamtych czasów. Charakteryzuje się przede wszystkim architekturą sakralną – budynkami świątynnymi, zespołami klasztornymi. Charakterystyczne cechy budynków wykonanych w tym stylu:
- wpływ na architekturę cech starożytnej architektury rzymskiej, wyrażający się w zastosowaniu sklepień i różnorodnych łuków;
- prostota sylwetki i wykończenia zewnętrznego;
- wytrzymałość i solidność budynków, które nadają im grube mury z wąskimi otworami na okna i różne portale.

Większość budynków zbudowanych w tym czasie to twierdze. Należały do ​​nich zamki ludzi szlacheckich i zamożnych, kościoły, klasztory. Główną budowlą tych zespołów obronnych była wieża – donżon, wokół której usytuowane były inne budowle.

Później, w średniowiecznej Europie, aż do mniej więcej końca XV wieku, odgrywała wiodącą rolę. W tym stylu łuki są już mocno spiczaste, a wysokie, ale mające niewielką powierzchnię podstawy, wieże są skierowane w górę. Okna ostrołukowe z witrażami. W gotyku duże znaczenie przywiązuje się do rzeźbionych detali do dekoracji fasad - archiwolty, tympanony, vimpergas.

Wielkim impulsem do dalszego rozwoju całej architektury w Europie stała się architektura renesansu, która podniosła status społeczny i rolę mistrza projektującego budowle. Podstawowe zasady tego stylu zostały sformułowane na początku XV wieku i pozostawały podstawą przez kolejne dwa stulecia. Duże znaczenie w projekcie miały proporcje budowli, jej symetria względem jednej lub kilku osi, ścisły układ kolumn, pilastrów, nisz. Pojawienie się i rozwój w urbanistyce tak znanych stylów, jak barok, rokoko i klasycyzm, miały ogromny wpływ na kształtowanie wyglądu europejskiego domu.

Cechy budowy domów i domków letniskowych w Europie

Technologia budowy domów drewnianych o konstrukcji szkieletowej uważana jest za jedną z najlepszych we współczesnym budownictwie mieszkaniowym. Istnieje kilka jego odmian, które mają takie nazwy jak „domy fińskie”, „domki kanadyjskie”, „domy niemieckie”.

Pomyślne zastosowanie konstrukcji szkieletowej w trudnych warunkach regionów północnych, przy dużej wilgotności i obecności długich okresów ujemnych temperatur, świadczy o poprawności rozwoju europejskiego stylu architektonicznego w wybranym kierunku. Budynki tego typu są szczególnie chętnie budowane w Niemczech, Finlandii, krajach Ameryki Północnej i Skandynawii.

Projekty domów w stylu europejskim nie przewidują żadnych dodatków. Przestrzeń wszystkich lokali, zarówno mieszkalnych, jak i pomocniczych, jest wykorzystywana bardzo efektywnie, ilość korytarzy i ich powierzchnia są zminimalizowane.

Do dekoracji elewacji od dawna używano materiałów powszechnie stosowanych w budownictwie, takich jak cegły licowe, kamień naturalny, tynki dekoracyjne, hydroizolacyjne czy specjalne.

Charakterystyczne cechy stylu europejskiego w projektach domów

Układ domów budowanych zgodnie z wymogami niemieckiego wzornictwa i technologii opiera się na bardzo prostych kształtach geometrycznych, kwadratach lub prostokątach. Dodatkowo można wyróżnić następujące cechy tego stylu:

• Dach charakteryzuje się prostą konstrukcją. Nie więcej niż cztery połacie dachowe. Powłoką są płytki metalowe lub bitumiczne. Kolor pokrycia dachowego to najczęściej kolor niebieski lub czerwony, o różnym nasyceniu tonalnym.
• Obecność cokołu wyłożonego płytkami z kamienia, naturalnego lub sztucznego.
• Różnorodne balkony i wykusze, które są prawdziwą ozdobą domów w stylu niemieckim.
• Konstrukcje okien wykonywane są najczęściej w formie łuków lub prostokątów. Żaluzje są używane coraz rzadziej. Ramy okienne stają się mniej masywne. Drzwi wejściowe często montuje się w drewnie, czasem nawet różniącym się kolorem od grup okiennych i całej elewacji.
• Grupę wejściową stanowią niskie betonowe schody z niewielką liczbą stopni i niewielkim baldachimem nad nimi.
• Domy są parterowe lub dwupiętrowe.

W przeciwieństwie do stylu niemieckiego, skandynawski reprezentują budynki mieszkalne, które nie mają piwnicy ani piwnicy. Dużą popularnością cieszą się budynki z poddaszem mieszkalnym, rzadko można spotkać pełnoprawne budynki dwupiętrowe.

Do wykończenia elewacji wykorzystuje się drewno pokryte lakierem ochronnym, ale obecnie coraz częściej stosuje się specjalne farby w kolorze brązowym lub beżowym.

Dachy w domach w stylu skandynawskim mogą być płaskie, jednak rzadko montuje się je na budynkach ze względu na trudność odśnieżania i jego topnienia na wiosnę. Jako pokrycia dachowe stosuje się dachówki metalowe, miedź dachową, dachówki bitumiczne i inne nowoczesne powłoki, które mogą jakościowo chronić budynki przed wilgocią i wilgocią.

Otwory okienne i ościeżnice są duże, istnieje możliwość zastosowania przeszkleń panoramicznych. W budynkach w stylu skandynawskim nie ma wykuszy i balkonów, a rzeźbione drewniane elementy pełnią funkcję dekoracji elewacji. Na ganku często znajdują się drewniane schody z rzeźbionymi tralkami.

Korzyści z architektury w stylu europejskim

Nowoczesne domy europejskie nadają się szczególnie do zagospodarowania prywatnych działek na wsi. Ale są również popularne w małych miasteczkach, gdzie zwykle nie buduje się wieżowców.

Podobieństwo wszystkich nowoczesnych technologii stosowanych w budowie budynków opiera się na konstrukcji ramy. Istnieją różne sposoby montażu, mocowania poszczególnych elementów i elementów, materiały stosowane do izolacji. Różnice wynikają z możliwości wykorzystania surowców i materiałów, których produkcję uruchamia się w pobliskich przedsiębiorstwach.

W przeciwieństwie do kanadyjskich domów szkieletowych, których budowa zajmuje do czterech miesięcy, domy w Niemczech budowane są bardzo szybko, w ciągu zaledwie kilku dni. Linie automatyczne instalowane są w fabrykach, ramy montowane są w ciepłych i suchych warsztatach produkcyjnych, co znacznie poprawia jakość i czas dalszej eksploatacji budynków. Takie automatyczne linie działają obecnie w większości uprzemysłowionych, rozwiniętych krajów, nie tylko w Europie, ale także w innych częściach świata. Budowa europejskiego domu jest korzystna z kilku powodów.

Architektura europejska- architektura krajów europejskich wyróżnia się różnorodnością stylów.

erę pierwotną

W epoce brązu (II tysiąclecie p.n.e.) na terenie Europy wznoszono budowle z dużych bloków kamiennych, zaliczanych do tzw. architektury megalitycznej. Menhiry – pionowo ułożone kamienie – wyznaczały miejsce publicznych ceremonii. Dolmeny, które zwykle składały się z dwóch lub czterech pionowych kamieni obłożonych kamieniem, służyły jako miejsca pochówku. Kromlech składał się z płyt lub filarów ułożonych w okrąg. Przykładem jest Stonehenge w Anglii.

Antyk

Jednymi z najstarszych obiektów architektury europejskiej są ruiny zabudowy Krety, których powstanie datuje się na ponad 1000 lat p.n.e. mi.

Są to pierwsi przedstawiciele architektury starożytnej, użytkowanej wówczas przez starożytną Grecję i Rzym. Zaokrąglone formy kolumn i łuków nosiły piętno idei idealnych form oraz ucieleśnionego wdzięku i piękna. Posągi mogą stanowić część budynku jako część ściany lub zastąpić kolumny. Architektura ta wpłynęła nie tylko na świątynie i pałace, ale także na instytucje publiczne, ulice, mury i same domy. Architektura rzymska była bardziej złożona niż grecka, a łuki zaczęły odgrywać w niej coraz większą rolę. Rzymianie jako pierwsi zastosowali beton, przynajmniej w Europie. Najbardziej godne uwagi budynki: Koloseum i akwedukty.

Średniowiecze

Na początku średniowiecza sztuka architektoniczna w Europie podupadła, a główną rolę odegrała tu architektura bizantyjska. Rozwinęła się na bazie tradycji starożytnych pod wpływem filozofii chrześcijaństwa. Nadal budowano pałace, akwedukty, łaźnie, ale głównym typem budynków stały się kościoły. Powstał rodzaj kościoła krzyżowo-kopułowego. Jako materiał budowlany wykorzystano cegłę paloną – cokół.

W X wieku. w Europie Zachodniej rozpoczyna się budowa miast, rozprzestrzenia się szachulcowa konstrukcja mieszkań i budynków. W XI-XII wieku. we Francji, w zachodnich Niemczech i północnych Włoszech powstaje styl romański, oparty na dziedzictwie starożytnego Rzymu i Bizancjum. Charakterystycznymi budynkami stylu romańskiego są bazylikowe katedry z dwiema wieżami po obu stronach wejścia, z czterospadowymi dachami w kształcie piramidy lub stożka, mającymi w rzucie kształt krzyża łacińskiego. Innym typem architektonicznym były zamki panów feudalnych z murami twierdzy zbudowanymi jako fortyfikacje.

Od połowy XII wieku. styl romański zostaje zastąpiony gotyckim (wtedy ze względu na swoje pochodzenie nazywano go „francuskim”). Zwiększa się pojemność i wysokość katedr, zmniejszają się przekroje konstrukcji i grubość podpór. Ściany oświetlają duże okna, pojawiają się okrągłe okna - „róże”. Styl gotycki charakteryzuje się ostrołukowymi łukami. Sklepienia zbudowano na systemie łuków rzuconych w kilku kierunkach. Technika obróbki kamienia osiągnęła wysoki poziom. Wielkim osiągnięciem gotyku były witraże - okna z obrazami z kawałków kolorowego szkła w ołowianej ramie. . Najbardziej znane świątynie tego typu architektury znajdują się w Paryżu – katedra Notre Dame, w Rotterdamie, w Tuluzie. Włoscy humaniści nadali temu stylowi nowoczesną nazwę, nawiązującą do przeciwieństwa architektury starożytnej.

Architektura XVI-XIX w

W XV wieku we Włoszech idee przywracania zabytkowych elementów w budownictwie i ich ulepszania rozpowszechniły się wśród architektów. Architekci tacy jak Montorio Bramante i Michelangelo Buanarotti wywarli ogromny wpływ na architekturę Florencji, Wenecji, Neapolu i Rzymu. Współczesny Watykan jest sławny