Nazwiska znanych artystów świata. Najsłynniejsi artyści na świecie
„Gracze w karty”
Autor
Paweł Cezanne
Kraj Francja
Lata życia 1839–1906
Styl postimpresjonizm
Artysta urodził się na południu Francji w małym miasteczku Aix-en-Provence, ale zaczął malować w Paryżu. Prawdziwy sukces przyniósł mu indywidualna wystawa zorganizowana przez kolekcjonera Ambroise'a Vollarda. W 1886 roku, na 20 lat przed wyjazdem, przeniósł się na peryferie rodzinnego miasta. Młodzi artyści nazywali wyjazdy do niego „pielgrzymką do Aix”.
130x97 cm
1895
cena
250 milionów dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji prywatnej
Twórczość Cezanne'a jest łatwa do zrozumienia. Jedyną zasadą artysty było bezpośrednie przeniesienie tematu lub fabuły na płótno, dzięki czemu jego obrazy nie powodują oszołomienia widza. Cezanne łączył w swojej sztuce dwie główne tradycje francuskie: klasycyzm i romantyzm. Za pomocą kolorowej faktury nadawał formom przedmiotów niezwykłą plastyczność.
Cykl pięciu obrazów „Gracze w karty” powstał w latach 1890-1895. Ich fabuła jest taka sama – kilka osób entuzjastycznie gra w pokera. Prace różnią się jedynie liczbą graczy i wielkością płótna.
Cztery obrazy znajdują się w muzeach Europy i Ameryki (Musée d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation i Courtauld Institute of Art), a piąty do niedawna był ozdobą prywatnej kolekcji greckiego armatora-miliardera George'a Embirikosa. Tuż przed śmiercią, zimą 2011 roku, postanowił wystawić go na sprzedaż. Potencjalnymi nabywcami „darmowej” pracy Cezanne'a byli marszand William Aquavella i światowej sławy właściciel galerii Larry Gagosian, który zaoferował za nią około 220 milionów dolarów. W rezultacie obraz trafił do rodziny królewskiej arabskiego państwa Kataru za 250 mln. Największa transakcja na sztukę w historii malarstwa została zamknięta w lutym 2012 roku. Zostało to zgłoszone Vanity Fair przez dziennikarkę Alexandrę Pierce. Poznała koszt obrazu i nazwisko nowego właściciela, a następnie informacja przedostała się do mediów na całym świecie.
W 2010 roku w Katarze otwarto Arabskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Muzeum Narodowe Kataru. Teraz ich kolekcje się powiększają. Być może w tym celu szejk nabył piątą wersję The Card Players.
Najbardziejdrogie zdjęciena świecie
Właściciel
Szejk Hamad
bin Khalifa al-Thani
Dynastia al-Thani rządzi Katarem od ponad 130 lat. Około pół wieku temu odkryto tu ogromne złoża ropy i gazu, które z miejsca uczyniły Katar jednym z najbogatszych regionów świata. Dzięki eksportowi węglowodorów ten niewielki kraj odnotował największy PKB per capita. Szejk Hamad bin Khalifa al-Thani przejął władzę w 1995 roku, kiedy jego ojciec przebywał w Szwajcarii, przy wsparciu członków rodziny. Zasługą obecnego władcy, zdaniem ekspertów, jest jasna strategia rozwoju kraju, kreowanie udanego wizerunku państwa. Katar ma już konstytucję i premiera, a kobiety uzyskały prawo głosu w wyborach parlamentarnych. Nawiasem mówiąc, to emir Kataru założył kanał informacyjny Al Jazeera. Władze państwa arabskiego przykładają dużą wagę do kultury.
2
"Numer 5"
Autor
Jacksona Pollocka
Kraj USA
Lata życia 1912–1956
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm
Jack the Sprinkler - taki przydomek Pollock został nadany przez amerykańską publiczność za jego specjalną technikę malarską. Artysta porzucił pędzel i sztalugę, a farbę wylewał na powierzchnię płótna lub płyty pilśniowej podczas ciągłego ruchu wokół nich i wewnątrz nich. Od najmłodszych lat lubił filozofię Jiddu Krishnamurtiego, której głównym przesłaniem jest to, że prawda objawia się podczas swobodnego „wylania”.
122x244 cm
1948
cena
140 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby’s
Wartość pracy Pollocka nie leży w wyniku, ale w procesie. Autor nieprzypadkowo nazwał swoją sztukę „action painting”. Z jego lekką ręką stał się głównym atutem Ameryki. Jackson Pollock mieszał farbę z piaskiem, potłuczonym szkłem i pisał kawałkiem kartonu, szpachelką, nożem, łopatą. Artysta był tak popularny, że w latach 50. w ZSRR byli nawet naśladowcy. Obraz „Numer 5” jest uznawany za jeden z najdziwniejszych i najdroższych na świecie. Jeden z założycieli DreamWorks, David Geffen, kupił go do prywatnej kolekcji, aw 2006 roku sprzedał w Sotheby's za 140 milionów dolarów meksykańskiemu kolekcjonerowi Davidowi Martinezowi. Jednak kancelaria wkrótce wydała komunikat prasowy w imieniu swojego klienta, w którym stwierdziła, że David Martinez nie jest właścicielem obrazu. Jedno jest pewne: meksykański finansista rzeczywiście niedawno kolekcjonował dzieła sztuki współczesnej. Jest mało prawdopodobne, aby przegapił tak „grubą rybę”, jak „Numer 5” Pollocka.
3
„Kobieta III”
Autor
Willema de Kooninga
Kraj USA
Lata życia 1904–1997
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm
Pochodzący z Holandii, w 1926 wyemigrował do Stanów Zjednoczonych. W 1948 roku odbyła się indywidualna wystawa artysty. Krytycy sztuki docenili złożone, nerwowe, czarno-białe kompozycje, rozpoznając w ich autorze wielkiego artystę modernistycznego. Przez większość życia cierpiał na alkoholizm, ale radość z tworzenia nowej sztuki czuć w każdym dziele. De Kooning wyróżnia się impulsywnością malowania, szerokimi pociągnięciami, dlatego czasem obraz nie mieści się w granicach płótna.
121x171 cm
1953
cena
137 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej
W latach pięćdziesiątych na obrazach de Kooninga pojawiają się kobiety z pustymi oczami, masywnymi piersiami i brzydkimi rysami. „Kobieta III” była ostatnią pracą z tego cyklu biorącą udział w aukcji.
Od lat 70. obraz znajduje się w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Teheranie, ale po wprowadzeniu w kraju surowych zasad moralnych starano się go pozbyć. W 1994 roku dzieło zostało wywiezione z Iranu, a 12 lat później jego właściciel David Geffen (ten sam producent, który sprzedał „Numer 5” Jacksona Pollocka) sprzedał obraz milionerowi Stephenowi Cohenowi za 137,5 miliona dolarów. Co ciekawe, w ciągu jednego roku Geffen zaczął sprzedawać swoją kolekcję obrazów. Zrodziło to wiele plotek: na przykład, że producent postanowił kupić Los Angeles Times.
Na jednym z forów artystycznych wyrażono opinię o podobieństwie „Kobiety III” do obrazu Leonarda da Vinci „Dama z gronostajem”. Za zębatym uśmiechem i bezkształtną sylwetką bohaterki koneser malarstwa dostrzegł wdzięk osoby królewskiej krwi. Świadczy o tym również słabo wytyczona korona wieńcząca głowę kobiety.
4
„Portret AdeleBloch-Bauer I"
Autor
Gustawa Klimta
Kraj Austria
Lata życia 1862–1918
Styl nowoczesny
Gustav Klimt urodził się w rodzinie rytownika i był drugim z siedmiorga dzieci. Trzech synów Ernesta Klimta zostało artystami, a tylko Gustav zasłynął na całym świecie. Większość dzieciństwa spędził w biedzie. Po śmierci ojca był odpowiedzialny za całą rodzinę. W tym czasie Klimt rozwinął swój styl. Przed jego obrazami każdy widz zamarza: pod cienkimi pociągnięciami złota wyraźnie widać szczery erotyzm.
138x136 cm
1907
cena
135 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby’s
Losy obrazu, który nosi miano „austriackiej Mony Lisy”, z łatwością mogłyby stać się kanwą bestsellera. Dzieło artysty stało się przyczyną konfliktu całego państwa i jednej starszej pani.
Tak więc „Portret Adele Bloch-Bauer I” przedstawia arystokratkę, żonę Ferdynanda Blocha. Jej ostatnią wolą było przeniesienie obrazu do Austriackiej Galerii Państwowej. Jednak Bloch w testamencie anulował darowiznę, a naziści wywłaszczyli obraz. Później galeria ledwie wykupiła Złotą Adele, ale wtedy pojawiła się spadkobierczyni – Maria Altman, siostrzenica Ferdynanda Blocha.
W 2005 roku rozpoczął się głośny proces „Maria Altman przeciwko Republice Austrii”, w wyniku którego obraz „wyjechał” z nią do Los Angeles. Austria podjęła bezprecedensowe środki: wynegocjowano pożyczki, ludność przekazała pieniądze na zakup portretu. Dobro nigdy nie pokonało zła: Altman podniósł cenę do 300 milionów dolarów. W chwili procesu miała 79 lat, a do historii przeszła jako osoba, która zmieniła wolę Blocha-Bauera na rzecz dobra osobistego. Obraz zakupił Ronald Lauder, właściciel New Gallery w Nowym Jorku, gdzie znajduje się do dziś. Nie dla Austrii, dla niego Altman obniżył cenę do 135 milionów dolarów.
5
"Krzyk"
Autor
Edvard Munch
Kraj Norwegia
Lata życia 1863–1944
Styl ekspresjonizm
Pierwszy obraz Muncha, który stał się sławny na całym świecie, „Chora dziewczyna” (występuje w pięciu egzemplarzach) poświęcony jest siostrze artysty, która zmarła na gruźlicę w wieku 15 lat. Muncha zawsze interesował temat śmierci i samotności. W Niemczech jego ciężkie, maniakalne malarstwo wywołało nawet skandal. Jednak pomimo przygnębiających wątków, jego obrazy mają szczególny magnetyzm. Weź przynajmniej „Krzyk”.
73,5x91 cm
1895
cena
119,992 mln dolarów
sprzedane w 2012
na aukcji Sotheby’s
Pełna nazwa obrazu to Der Schrei der Natur (przetłumaczona z niemieckiego jako „krzyk natury”). Twarz człowieka lub kosmity wyraża rozpacz i panikę - widz doświadcza tych samych emocji, patrząc na zdjęcie. Jedno z kluczowych dzieł ekspresjonizmu ostrzega przed tematami, które stały się ostre w sztuce XX wieku. Według jednej wersji artysta stworzył ją pod wpływem zaburzenia psychicznego, na które cierpiał przez całe życie.
Obraz został dwukrotnie skradziony z różnych muzeów, ale został zwrócony. Nieznacznie uszkodzony po kradzieży Krzyk został odrestaurowany i był gotowy do ponownego pokazania w Muzeum Muncha w 2008 roku. Dla przedstawicieli popkultury praca stała się źródłem inspiracji: Andy Warhol stworzył serię swoich odbitek-kopii, a maska z filmu „Krzyk” została wykonana na obraz i podobieństwo bohatera obrazu.
Dla jednej fabuły Munch napisał cztery wersje dzieła: ta w prywatnej kolekcji jest wykonana w pastelach. Norweski miliarder Petter Olsen wystawił go na aukcję 2 maja 2012 roku. Nabywcą został Leon Black, który na „Krzyk” nie szczędził rekordowej kwoty. Założyciel Apollo Advisors, L.P. i Lion Advisors, L.P. znany z zamiłowania do sztuki. Black jest patronem Dartmouth College, Museum of Modern Art, Lincoln Art Center i Metropolitan Museum of Art. Posiada największą kolekcję obrazów współczesnych artystów i klasycznych mistrzów minionych wieków.
6
"Akt na tle popiersia i zielonych liści"
Autor
Pablo Picasso
Kraj Hiszpania, Francja
Lata życia 1881–1973
Styl kubizm
Z pochodzenia jest Hiszpanem, ale duchem i miejscem zamieszkania to prawdziwy Francuz. Picasso otworzył własne studio artystyczne w Barcelonie, gdy miał zaledwie 16 lat. Następnie wyjechał do Paryża i spędził tam większość swojego życia. Dlatego w jego nazwisku jest podwójny akcent. Styl wymyślony przez Picassa opiera się na zaprzeczeniu opinii, że przedmiot przedstawiony na płótnie można oglądać tylko pod jednym kątem.
130x162 cm
1932
cena
106,482 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie's
Podczas pracy w Rzymie artysta poznał tancerkę Olgę Khokhlovą, która wkrótce została jego żoną. Położył kres włóczęgostwu, przeprowadził się z nią do luksusowego mieszkania. Do tego czasu uznanie znalazło bohatera, ale małżeństwo zostało zniszczone. Jeden z najdroższych obrazów świata powstał niemal przez przypadek – z wielkiej miłości, która, jak zawsze u Picassa, trwała krótko. W 1927 roku zainteresował się młodą Marie-Therese Walter (ona miała 17 lat, on 45). W tajemnicy przed żoną wyjechał z kochanką do miasteczka pod Paryżem, gdzie namalował portret przedstawiający Marię Teresę na obrazie Dafne. Obraz został zakupiony przez nowojorskiego dealera Paula Rosenberga i sprzedany w 1951 roku Sidneyowi F. Brody'emu. Państwo Brody pokazali obraz światu tylko raz i tylko dlatego, że artysta miał 80 lat. Po śmierci męża pani Brody wystawiła dzieło na aukcję w Christie's w marcu 2010 roku. W ciągu sześciu dekad cena wzrosła ponad 5000 razy! Nieznany kolekcjoner kupił go za 106,5 miliona dolarów. W 2011 roku w Wielkiej Brytanii odbyła się „wystawa jednego obrazu”, gdzie ujrzał on światło dzienne po raz drugi, ale nazwisko właściciela wciąż nie jest znane.
7
„Osiem Elvisów”
Autor
Andy'ego Warhole'a
Kraj USA
Lata życia 1928-1987
Styl
pop Art
„Seks i imprezy to jedyne miejsca, w których musisz pojawić się osobiście” – powiedział kultowy artysta pop, reżyser i jeden z założycieli magazynu Interview, projektant Andy Warhol. Współpracował z Vogue i Harper's Bazaar, projektował okładki płyt i projektował buty dla I.Millera. W latach 60. pojawiły się obrazy przedstawiające symbole Ameryki: zupę Campbella i Coca-Colę, Presleya i Monroe - co uczyniło go legendą.
358x208 cm
1963
cena
100 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji prywatnej
Lata 60. Warhola - tak zwana era pop-artu w Ameryce. W 1962 roku pracował na Manhattanie w Factory Studio, gdzie zebrała się cała bohema Nowego Jorku. Jego najjaśniejsi przedstawiciele: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote i inne znane osobistości na świecie. W tym samym czasie Warhol wypróbował technikę sitodruku - wielokrotne powtórzenia jednego obrazu. Metodę tę zastosował również przy tworzeniu „Osiem Elvisów”: widz zdaje się widzieć kadry z filmu, w którym gwiazda ożywa. Jest tu wszystko, co artysta tak bardzo kochał: wizerunek publiczny, w którym wszyscy wygrywają, srebrny kolor i przeczucie śmierci jako główny przekaz.
Dziś na światowym rynku jest dwóch marszandów promujących dzieła Warhola: Larry Gagosian i Alberto Mugrabi. Pierwszy w 2008 roku wydał 200 milionów dolarów na zakup ponad 15 dzieł Warhola. Drugi kupuje i sprzedaje swoje obrazy jak kartki świąteczne, tylko drożej. Ale to nie oni, ale skromny francuski konsultant sztuki Philippe Segalo pomógł rzymskiemu koneserowi sztuki Annibale Berlinghieri sprzedać Osiem Elvisów nieznanemu nabywcy za rekordowe 100 milionów dolarów Warhola.
8
"Pomarańczowy,Czerwony żółty"
Autor
Marek Rothko
Kraj USA
Lata życia 1903–1970
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm
Jeden z twórców kolorowego malarstwa polowego urodził się w Dźwińsku w Rosji (obecnie Daugavpils na Łotwie), w wielodzietnej rodzinie żydowskiego aptekarza. W 1911 wyemigrowali do USA. Rothko studiował na wydziale sztuki Uniwersytetu Yale, uzyskał stypendium, ale nastroje antysemickie zmusiły go do porzucenia studiów. Mimo wszystko krytycy sztuki ubóstwiali artystę, a muzea ścigały go przez całe życie.
206x236 cm
1961
cena
86,882 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Christie's
Pierwsze eksperymenty artystyczne Rothko miały orientację surrealistyczną, z czasem jednak uprościł fabułę do barwnych plam, pozbawiając je jakiejkolwiek obiektywności. Początkowo miały jasne barwy, w latach 60. wypełniły się brązem, purpurą, gęstniejącą do czerni do czasu śmierci artysty. Mark Rothko przestrzegał przed doszukiwaniem się sensu w swoich obrazach. Autor chciał powiedzieć dokładnie to, co powiedział: tylko kolor, który rozpuszcza się w powietrzu i nic więcej. Zalecał oglądanie prac z odległości 45 cm, tak aby widz został „wciągnięty” w kolor jak do lejka. Uwaga: oglądanie zgodnie ze wszystkimi zasadami może doprowadzić do efektu medytacji, czyli stopniowo przychodzi świadomość nieskończoności, całkowite zanurzenie w sobie, odprężenie, oczyszczenie. Kolor na jego obrazach żyje, oddycha i silnie oddziałuje emocjonalnie (czasami mówi się, że leczy). Artysta powiedział: „Widz powinien płakać, patrząc na nie” – i rzeczywiście zdarzały się takie przypadki. Zgodnie z teorią Rothko, w tym momencie ludzie przeżywają to samo doświadczenie duchowe, które miał on podczas pracy nad obrazem. Jeśli udało ci się to zrozumieć na tak subtelnym poziomie, nie dziw się, że te dzieła abstrakcjonizmu są często porównywane przez krytyków z ikonami.
Praca „Pomarańczowy, czerwony, żółty” wyraża istotę malarstwa Marka Rothko. Jego początkowy koszt na aukcji Christie's w Nowym Jorku to 35-45 milionów dolarów. Nieznany nabywca zaoferował cenę dwa razy wyższą od szacunkowej. Nazwiska szczęśliwego posiadacza obrazu, jak to często bywa, nie ujawniono.
9
"Tryptyk"
Autor
Franciszka Bacona
Kraj
Wielka Brytania
Lata życia 1909–1992
Styl ekspresjonizm
Przygody Francisa Bacona, pełnego imiennika, a ponadto dalekiego potomka wielkiego filozofa, zaczęły się, gdy jego ojciec wyparł się go, nie mogąc zaakceptować homoseksualnych skłonności syna. Bacon udał się najpierw do Berlina, potem do Paryża, a potem jego ślady są zagmatwane w całej Europie. Jeszcze za jego życia jego prace były wystawiane w czołowych ośrodkach kultury świata, w tym w Muzeum Guggenheima i Galerii Trietiakowskiej.
147,5x198 cm (każdy)
1976
cena
86,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby’s
Prestiżowe muzea zabiegały o posiadanie obrazów Bacona, ale prymitywna angielska publiczność nie spieszyła się z wydawaniem takich dzieł. Legendarna brytyjska premier Margaret Thatcher powiedziała o nim: „Człowiek, który maluje te przerażające obrazy”.
Za początkowy okres w swojej twórczości artysta sam uważał okres powojenny. Wracając ze służby, ponownie zajął się malarstwem i stworzył główne arcydzieła. Przed udziałem w aukcji „Tryptyku, 1976” najdroższym dziełem Bacona było „Studium do portretu papieża Innocentego X” (52,7 mln dolarów). W "Tryptyku, 1976" artysta przedstawił mityczną fabułę prześladowania Orestesa przez furie. Oczywiście Orestes to sam Bacon, a furie to jego męki. Przez ponad 30 lat obraz znajdował się w zbiorach prywatnych i nie brał udziału w wystawach. Fakt ten nadaje mu szczególną wartość i odpowiednio zwiększa koszt. Ale co to jest kilka milionów dla konesera sztuki, a nawet hojny po rosyjsku? Roman Abramowicz zaczął tworzyć swoją kolekcję w latach 90., na co znaczący wpływ miała jego dziewczyna Dasha Zhukova, która stała się właścicielką modnej galerii we współczesnej Rosji. Według nieoficjalnych danych biznesmen jest w posiadaniu dzieł Alberto Giacomettiego i Pabla Picassa, kupionych za kwoty przekraczające 100 mln dolarów. W 2008 roku został właścicielem Tryptyku. Nawiasem mówiąc, w 2011 roku zakupiono kolejną cenną pracę Bacona - „Trzy szkice do portretu Luciana Freuda”. Ukryte źródła podają, że kupującym ponownie został Roman Arkadievich.
10
„Staw z liliami wodnymi”
Autor
Claude Monet
Kraj Francja
Lata życia 1840–1926
Styl impresjonizm
Artysta uznawany jest za twórcę impresjonizmu, który „opatentował” tę metodę w swoich płótnach. Pierwszym znaczącym dziełem był obraz „Śniadanie na trawie” (oryginalna wersja dzieła Edouarda Maneta). W młodości rysował karykatury, a prawdziwym malarstwem zajął się podczas podróży wzdłuż wybrzeża iw plenerze. W Paryżu prowadził cygański tryb życia i nie opuszczał go nawet po odbyciu służby wojskowej.
210x100 cm
1919
cena
80,5 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie's
Oprócz tego, że Monet był wielkim artystą, był także entuzjastycznie zaangażowany w ogrodnictwo, uwielbiał dziką przyrodę i kwiaty. W jego pejzażach stan natury jest chwilowy, przedmioty wydają się rozmyte przez ruch powietrza. Wrażenie potęgują duże pociągnięcia, które z pewnej odległości stają się niewidoczne i łączą się w teksturowany, trójwymiarowy obraz. W obrazie zmarłego Moneta szczególne miejsce zajmuje temat wody i życia w niej. W miasteczku Giverny artysta miał własny staw, w którym hodował lilie wodne z nasion specjalnie przywiezionych przez niego z Japonii. Kiedy ich kwiaty zakwitły, zaczął malować. Cykl Lilie wodne to 60 prac, które artysta malował przez prawie 30 lat, aż do śmierci. Jego wzrok pogarszał się z wiekiem, ale nie przestawał. W zależności od wiatru, pory roku i pogody widok stawu ciągle się zmieniał, a Monet chciał uchwycić te zmiany. Dzięki starannej pracy przyszło mu zrozumienie istoty natury. Część obrazów z tej serii znajduje się w czołowych galeriach świata: National Museum of Western Art (Tokio), Orangerie (Paryż). Wersja kolejnego „Stawu z liliami wodnymi” trafiła w ręce nieznanego nabywcy za rekordową kwotę.
11
Fałszywa Gwiazda T
Autor
Jaspera Johnsa
Kraj USA
Rok urodzenia 1930
Styl pop Art
W 1949 roku Jones wstąpił do szkoły projektowania w Nowym Jorku. Wraz z Jacksonem Pollockiem, Willemem de Kooningiem i innymi jest uznawany za jednego z głównych artystów XX wieku. W 2012 roku otrzymał Prezydencki Medal Wolności, najwyższe odznaczenie cywilne w Stanach Zjednoczonych.
137,2 x 170,8 cm
1959
cena
80 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej
Podobnie jak Marcel Duchamp, Jones pracował z prawdziwymi przedmiotami, przedstawiając je na płótnie iw rzeźbie w pełnej zgodności z oryginałem. Do swoich prac wykorzystywał przedmioty proste i zrozumiałe dla każdego: butelkę piwa, flagę czy mapy. Na obrazie False Start nie ma wyraźnej kompozycji. Artysta zdaje się bawić z odbiorcą, często „błędnie” podpisując kolory na obrazie, wywracając samo pojęcie koloru do góry nogami: „Chciałem znaleźć sposób na zobrazowanie koloru, aby można go było określić inną metodą”. Jego najbardziej wybuchowy i „niepewny”, zdaniem krytyków, obraz nabył nieznany nabywca.
12
„Siedzącnagina kanapie"
Autor
Amedeo Modiglianiego
Kraj Włochy, Francja
Lata życia 1884–1920
Styl ekspresjonizm
Modigliani często chorował od dzieciństwa, podczas gorączkowego delirium rozpoznał swoje przeznaczenie jako artysty. Studiował rysunek w Livorno, Florencji, Wenecji, aw 1906 wyjechał do Paryża, gdzie jego sztuka kwitła.
65x100 cm
1917
cena
68,962 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Sotheby’s
W 1917 roku Modigliani poznał 19-letnią Jeanne Hebuterne, która została jego modelką, a później żoną. W 2004 roku jeden z jej portretów został sprzedany za 31,3 miliona dolarów, co było ostatnią płytą przed sprzedażą Siedzącego nago na sofie w 2010 roku. Obraz został zakupiony przez nieznanego nabywcę za maksymalną w tej chwili cenę za Modiglianiego. Aktywna sprzedaż prac rozpoczęła się dopiero po śmierci artysty. Zmarł w nędzy, chorując na gruźlicę, a następnego dnia samobójstwo popełniła także Jeanne Hebuterne, która była w dziewiątym miesiącu ciąży.
13
„Orzeł na sośnie”
Autor
Qi Baishi
Kraj Chiny
Lata życia 1864–1957
Styl Guohua
Zainteresowanie kaligrafią skłoniło Qi Baishi do malowania. W wieku 28 lat został uczniem artysty Hu Qingyuan. Ministerstwo Kultury Chin nadało mu tytuł „Wielkiego Artysty Narodu Chińskiego”, w 1956 otrzymał Międzynarodową Nagrodę Pokojową.
10x26 cm
1946
cena
65,4 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Chiński strażnik
Qi Baishi interesował się tymi przejawami otaczającego świata, do których wielu nie przywiązuje wagi, i to jest jego wielkość. Człowiek bez wykształcenia został profesorem i wybitnym twórcą w historii. Pablo Picasso powiedział o nim: „Boję się jechać do twojego kraju, bo w Chinach jest Qi Baishi”. Kompozycja „Orzeł na sośnie” jest uznawana za największe dzieło artysty. Oprócz płótna zawiera dwa zwoje hieroglifów. Dla Chin kwota, za którą kupiono produkt, jest rekordowa - 425,5 miliona juanów. Tylko zwój starożytnego kaligrafa Huang Tingjiana został sprzedany za 436,8 miliona dolarów.
14
„1949-A-# 1”
Autor
Clifforda Stilla
Kraj USA
Lata życia 1904–1980
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm
W wieku 20 lat odwiedził Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku i był rozczarowany. Później zapisał się na kurs studenckiej ligi artystycznej, ale wyszedł po 45 minutach od rozpoczęcia zajęć – okazało się, że to „nie jego”. Pierwsza indywidualna wystawa wywołała rezonans, w którym artysta się odnalazł, a wraz z nim uznanie
79x93 cm
1949
cena
61,7 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby’s
Wszystkie jego prace, czyli ponad 800 płócien i 1600 prac na papierze, wciąż zapisał amerykańskiemu miastu, gdzie zostanie otwarte muzeum jego imienia. Denver stało się takim miastem, ale tylko budowa była kosztowna dla władz, a cztery prace wystawiono na aukcję, aby je ukończyć. Prace Stilla prawdopodobnie nigdy więcej nie trafią na aukcję, co z góry podniosło ich cenę. Obraz „1949-A-No.1” sprzedał się za rekordową dla artysty kwotę, choć eksperci przewidywali sprzedaż maksymalnie na 25-35 milionów dolarów.
15
„Kompozycja suprematystyczna”
Autor
Kazimierz Malewicz
Kraj Rosja
Lata życia 1878–1935
Styl suprematyzm
Malewicz studiował malarstwo w Kijowskiej Szkole Artystycznej, a następnie w Moskiewskiej Akademii Sztuk Pięknych. W 1913 roku zaczął malować abstrakcyjne obrazy geometryczne w stylu, który nazwał suprematyzmem (z łac. „dominacja”).
71x88,5 cm
1916
cena
60 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby’s
Obraz był przechowywany w muzeum miejskim w Amsterdamie przez około 50 lat, ale po 17-letnim sporze z krewnymi Malewicza muzeum go oddało. Artysta namalował to dzieło w tym samym roku, co Manifest suprematyzmu, więc Sotheby's jeszcze przed aukcją ogłosił, że nie trafi do prywatnej kolekcji za mniej niż 60 milionów dolarów. I tak się stało. Lepiej spojrzeć na to z góry: postacie na płótnie przypominają widok ziemi z lotu ptaka. Nawiasem mówiąc, kilka lat wcześniej ci sami krewni wywłaszczyli kolejną „kompozycję suprematystyczną” z Muzeum MoMA, aby sprzedać ją w Phillips za 17 milionów dolarów.
16
„kąpiący się”
Autor
Paul Gauguin
Kraj Francja
Lata życia 1848–1903
Styl postimpresjonizm
Do siódmego roku życia artysta mieszkał w Peru, potem wrócił z rodziną do Francji, ale wspomnienia z dzieciństwa nieustannie popychały go do podróży. We Francji zaczął malować, przyjaźnił się z Van Goghiem. Spędził z nim nawet kilka miesięcy w Arles, dopóki Van Gogh nie odciął mu ucha podczas kłótni.
93,4x60,4 cm
1902
cena
55 milionów dolarów
sprzedany w 2005
na aukcji Sotheby’s
W 1891 roku Gauguin zorganizował sprzedaż swoich obrazów, aby wykorzystać dochody na wyprawę w głąb wyspy Tahiti. Tam tworzył prace, w których wyczuwa się subtelny związek między naturą a człowiekiem. Gauguin mieszkał w chacie krytej strzechą, a na jego płótnach kwitł tropikalny raj. Jego żoną była 13-letnia Tahitian Tehura, co nie przeszkodziło artyście w angażowaniu się w rozwiązłość. Zarażony syfilisem wyjechał do Francji. Jednak Gauguinowi było tam ciasno i wrócił na Tahiti. Ten okres nazywany jest „drugim Tahitianem” - wtedy namalowano obraz „Kąpiący się”, jeden z najbardziej luksusowych w jego twórczości.
17
„Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym”
Autor
Henryk Matisse
Kraj Francja
Lata życia 1869–1954
Styl fowizm
W 1889 roku Henri Matisse miał atak zapalenia wyrostka robaczkowego. Kiedy doszedł do siebie po operacji, mama kupiła mu farby. Najpierw z nudów Matisse kopiował kolorowe pocztówki, potem dzieła wielkich malarzy, których widział w Luwrze, a na początku XX wieku wymyślił styl - fowizm.
65,2x81 cm
1911
cena
46,4 miliona dolarów
sprzedany w 2009
na aukcji Christie's
Obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym” przez długi czas należał do Yves Saint Laurent. Po śmierci projektanta cała jego kolekcja sztuki przeszła w ręce jego przyjaciela i kochanka Pierre'a Bergera, który postanowił wystawić ją na aukcję w Christie's. Perłą sprzedanej kolekcji był obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym”, namalowany na zwykłym obrusie zamiast płótna. Jako przykład fowizmu jest wypełniony energią koloru, kolory wydają się eksplodować i krzyczeć. Ze znanej serii obrazów na obrusach, dziś ta praca jako jedyna znajduje się w zbiorach prywatnych.
18
„Śpiąca dziewczyna”
Autor
RoyaZawietrzny
chtenstein
Kraj USA
Lata życia 1923–1997
Styl pop Art
Artysta urodził się w Nowym Jorku, a po ukończeniu szkoły wyjechał do Ohio, gdzie uczęszczał na kursy plastyczne. W 1949 Liechtenstein otrzymał tytuł magistra sztuk pięknych. Zainteresowanie komiksem i umiejętność ironizowania uczyniły z niego kultowego artystę ubiegłego wieku.
91x91 cm
1964
cena
44,882 miliona dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby’s
Kiedyś guma do żucia wpadła w ręce Liechtensteinu. Przerysował obraz z wkładki na płótnie i stał się sławny. Ta fabuła z jego biografii zawiera całe przesłanie pop-artu: konsumpcja jest nowym bogiem, aw opakowaniu po gumie jest nie mniej piękna niż w Monie Lisie. Jego obrazy przypominają komiksy i kreskówki: Lichtenstein po prostu powiększył gotowy obraz, narysował rastry, zastosował sitodruk i sitodruk. Obraz „Śpiąca dziewczyna” przez prawie 50 lat należał do kolekcjonerów Beatrice i Philipa Gershów, których spadkobiercy sprzedali go na aukcji.
19
"Zwycięstwo. Boogie Woogie"
Autor
Pieta Mondriana
Kraj Holandia
Lata życia 1872–1944
Styl neoplastycyzm
Jego prawdziwe imię – Cornelis – artysta zmienił na Mondrian, kiedy przeprowadził się do Paryża w 1912 roku. Wraz z artystą Theo van Doesburgiem założył ruch neoplastyczny. Język programowania Piet został nazwany na cześć Mondriana.
27x127 cm
1944
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 1998
na aukcji Sotheby’s
Najbardziej „muzykalny” z artystów XX wieku utrzymywał się z akwarelowych martwych natur, choć zasłynął jako artysta neoplastyczny. W latach 40. przeniósł się do USA i tam spędził resztę życia. Jazz i Nowy Jork – to go inspirowało najbardziej! Obraz „Zwycięstwo. Boogie Woogie jest tego najlepszym przykładem. „Markowe” zgrabne kwadraty uzyskano dzięki zastosowaniu taśmy samoprzylepnej – ulubionego materiału Mondriana. W Ameryce nazywano go „najsłynniejszym imigrantem”. W latach sześćdziesiątych Yves Saint Laurent wyprodukował słynne na całym świecie sukienki „Mondrian” z dużym kolorowym nadrukiem w kratę.
20
„Kompozycja nr 5”
Autor
BazyliaKandyński
Kraj Rosja
Lata życia 1866–1944
Styl awangarda
Artysta urodził się w Moskwie, a jego ojciec pochodził z Syberii. Po rewolucji próbował współpracować z władzami sowieckimi, ale szybko zorientował się, że prawa proletariatu nie zostały stworzone dla niego i nie bez trudności wyemigrował do Niemiec.
275x190 cm
1911
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 2007
na aukcji Sotheby’s
Kandinsky jako jeden z pierwszych całkowicie porzucił malarstwo przedmiotowe, za co otrzymał tytuł geniusza. Podczas nazizmu w Niemczech jego obrazy zostały sklasyfikowane jako „sztuka zdegenerowana” i nigdzie nie były wystawiane. W 1939 roku Kandinsky przyjął obywatelstwo francuskie, w Paryżu swobodnie uczestniczył w procesie artystycznym. Jego obrazy „brzmią” jak fugi, dlatego wiele z nich nazywa się „kompozycjami” (pierwsze powstało w 1910 r., ostatnie w 1939 r.). „Kompozycja nr 5” to jedno z kluczowych dzieł tego gatunku: „Słowo „kompozycja” brzmiało dla mnie jak modlitwa” – powiedział artysta. W przeciwieństwie do wielu wyznawców zaplanował, co przedstawi na wielkim płótnie, jakby pisał notatki.
21
„Studium kobiety w błękicie”
Autor
Fernanda Legera
Kraj Francja
Lata życia 1881–1955
Styl kubizm-postimpresjonizm
Leger otrzymał wykształcenie architektoniczne, a następnie był studentem Szkoły Sztuk Pięknych w Paryżu. Artysta uważał się za następcę Cezanne'a, był apologetą kubizmu, aw XX wieku odnosił sukcesy także jako rzeźbiarz.
96,5x129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby’s
David Normann, prezes Sotheby's International Impressionism and Modernism, uważa, że ogromna suma zapłacona za The Lady in Blue jest całkowicie uzasadniona. Obraz należy do słynnej kolekcji Legera (artysta namalował trzy obrazy na jednej działce, ostatni z nich znajduje się dziś w rękach prywatnych - red.), a powierzchnia płótna zachowała się w pierwotnej postaci. Sam autor przekazał tę pracę do galerii Der Sturm, potem trafiła do kolekcji Hermanna Langa, niemieckiego kolekcjonera modernizmu, a obecnie należy do nieznanego nabywcy.
22
„Scena uliczna. Berlin"
Autor
Ernsta LudwikaKirchnera
Kraj Niemcy
Lata życia 1880–1938
Styl ekspresjonizm
Dla niemieckiego ekspresjonizmu Kirchner stał się postacią przełomową. Lokalne władze oskarżyły go jednak o przywiązanie do „sztuki zdegenerowanej”, co tragicznie wpłynęło na losy jego obrazów i życie artysty, który w 1938 roku popełnił samobójstwo.
95x121 cm
1913
cena
38,096 mln USD
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Christie's
Po przeprowadzce do Berlina Kirchner stworzył 11 szkiców scen ulicznych. Inspirował go zgiełk i nerwowość wielkiego miasta. Na obrazie, sprzedanym w 2006 roku w Nowym Jorku, niepokój artysty jest szczególnie dotkliwy: ludzie na berlińskiej ulicy przypominają ptaki - pełne wdzięku i niebezpieczne. Była ostatnią pracą ze słynnej serii, sprzedaną na aukcji, reszta jest przechowywana w muzeach. W 1937 roku naziści brutalnie potraktowali Kirchnera: 639 jego prac zostało skonfiskowanych z niemieckich galerii, zniszczonych lub sprzedanych za granicę. Artysta nie mógł tego przeżyć.
23
"Spoczynkowytancerz"
Autor
Edgara Degasa
Kraj Francja
Lata życia 1834–1917
Styl impresjonizm
Historia Degasa jako artysty rozpoczęła się od tego, że pracował jako kopista w Luwrze. Marzył o zostaniu „sławnym i nieznanym” iw końcu mu się to udało. Pod koniec życia, głuchoniewidomy, 80-letni Degas nadal uczęszczał na wystawy i aukcje.
64x59 cm
1879
cena
37,043 mln USD
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby’s
„Baleriny zawsze były dla mnie tylko pretekstem do przedstawiania tkanin i uchwycenia ruchu” – powiedział Degas. Sceny z życia tancerzy wydają się być podglądane: dziewczyny nie pozują dla artysty, ale po prostu stają się częścią atmosfery uchwyconej spojrzeniem Degasa. Resting Dancer sprzedano za 28 milionów dolarów w 1999 roku, a niespełna 10 lat później zostało kupione za 37 milionów dolarów - dziś jest to najdroższe dzieło artysty, jakie kiedykolwiek zostało wystawione na aukcję. Degas przywiązywał dużą wagę do oprawek, sam je projektował i zabraniał ich zmieniać. Zastanawiam się jaka rama jest zamontowana na sprzedawanym obrazie?
24
"Obraz"
Autor
Juana Miro
Kraj Hiszpania
Lata życia 1893–1983
Styl Sztuka abstrakcyjna
Podczas hiszpańskiej wojny domowej artysta opowiadał się po stronie republikanów. W 1937 r. uciekł przed władzą faszystowską do Paryża, gdzie wraz z rodziną żył w biedzie. W tym okresie Miro maluje obraz „Pomóż Hiszpanii!”, zwracając uwagę całego świata na dominację faszyzmu.
89x115 cm
1927
cena
36,824 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby’s
Drugie imię obrazu to „Niebieska gwiazda”. Artysta napisał ją w tym samym roku, kiedy ogłosił: „Chcę zabić malarstwo” i bezlitośnie kpił z płócien, rysując farbę paznokciami, przyklejając pióra do płótna, zasypując dzieło śmieciami. Jego celem było obalenie mitów na temat tajemnicy malarstwa, ale poradziwszy sobie z tym, Miro stworzył własny mit - surrealistyczną abstrakcję. Jego „Malarstwo” nawiązuje do cyklu „obrazów-snów”. Na aukcji walczyło o niego czterech kupców, ale jeden telefon incognito rozstrzygnął spór, a „Obraz” stał się najdroższym obrazem artysty.
25
"Niebieska róża"
Autor
Yves Kleina
Kraj Francja
Lata życia 1928–1962
Styl malarstwo monochromatyczne
Artysta urodził się w rodzinie malarzy, ale studiował języki orientalne, nawigację, rzemiosło złocenia ram, buddyzm zen i wiele więcej. Jego osobowość i bezczelne wybryki były wielokrotnie ciekawsze niż monochromatyczne obrazy.
153x199x16 cm
1960
cena
36,779 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Christie's
Pierwsza wystawa jednolicie żółtych, pomarańczowych, różowych prac nie wzbudziła zainteresowania opinii publicznej. Klein obraził się i następnym razem zaprezentował 11 identycznych płócien, pomalowanych ultramaryną zmieszaną ze specjalną żywicą syntetyczną. Opatentował nawet tę metodę. Kolor przeszedł do historii jako „International Klein Blue”. Artysta sprzedawał też pustkę, tworzył obrazy wystawiając papier na deszcz, podpalając tekturę, wykonując odbitki ludzkiego ciała na płótnie. Jednym słowem eksperymentowałem najlepiej jak mogłem. Do stworzenia "Błękitnej róży" użyłam suchych pigmentów, żywic, kamyków i naturalnej gąbki.
26
„Szukam Mojżesza”
Autor
Sir Lawrence Alma-Tadema
Kraj Wielka Brytania
Lata życia 1836–1912
Styl neoklasycyzm
Sam Sir Lawrence dodał przedrostek „alma” do swojego nazwiska, aby pojawiać się jako pierwszy w katalogach dzieł sztuki. W wiktoriańskiej Anglii jego obrazy były tak poszukiwane, że artysta otrzymał tytuł szlachecki.
213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 mln dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby’s
Głównym tematem prac Alma-Tadema była starożytność. Na obrazach starał się w najdrobniejszych szczegółach przedstawić epokę Cesarstwa Rzymskiego, w tym celu zaangażował się nawet w wykopaliska archeologiczne na Półwyspie Apenińskim, aw swoim londyńskim domu odtworzył historyczne wnętrze tamtych lat. Kolejnym źródłem inspiracji stały się dla niego opowieści mitologiczne. Artysta był bardzo poszukiwany za życia, ale po śmierci szybko został zapomniany. Teraz zainteresowanie odżywa, o czym świadczy koszt obrazu „W poszukiwaniu Mojżesza”, siedmiokrotnie wyższy niż szacowany przedsprzedaż.
27
„Portret śpiącego nagiego urzędnika”
Autor
Lucjan Freud
Kraj Niemcy,
Wielka Brytania
Lata życia 1922–2011
Styl malarstwo figuratywne
Artysta jest wnukiem Zygmunta Freuda, ojca psychoanalizy. Po ustanowieniu faszyzmu w Niemczech jego rodzina wyemigrowała do Wielkiej Brytanii. Prace Freuda znajdują się w Wallace Collection w Londynie, gdzie żaden współczesny artysta nie wystawiał wcześniej.
219,1 x 151,4 cm
1995
cena
33,6 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie's
Podczas gdy modni artyści XX wieku tworzyli pozytywne „kolorowe plamy na ścianie” i sprzedawali je za miliony, Freud malował niezwykle naturalistyczne obrazy i sprzedawał je jeszcze drożej. „Uchwytuję krzyki duszy i cierpienie więdnącego ciała” – powiedział. Krytycy uważają, że wszystko to jest „dziedzictwem” Zygmunta Freuda. Obrazy były tak aktywnie wystawiane iz powodzeniem sprzedawane, że eksperci mieli wątpliwości: czy mają właściwości hipnotyczne? Sprzedany na aukcji „Portret śpiącego nagiego urzędnika”, według The Sun, został nabyty przez konesera piękna i miliardera Romana Abramowicza.
28
„Skrzypce i gitara”
Autor
Xjeden gris
Kraj Hiszpania
Lata życia 1887–1927
Styl kubizm
Urodzony w Madrycie, gdzie ukończył School of Arts and Crafts. W 1906 przeniósł się do Paryża i wszedł w krąg najbardziej wpływowych artystów epoki: Picassa, Modiglianiego, Braque'a, Matisse'a, Legera, współpracował także z Siergiejem Diagilewem i jego trupą.
5x100 cm
1913
cena
28,642 miliona dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie's
Gris, jak sam mówi, zajmował się „planarną, kolorową architekturą”. Jego obrazy są dokładnie przemyślane: nie pozostawił ani jednej przypadkowej kreski, co sprawia, że twórczość związana jest z geometrią. Artysta stworzył własną wersję kubizmu, choć darzył wielkim szacunkiem Pabla Picassa, ojca założyciela tego ruchu. Następca zadedykował mu nawet swoje pierwsze kubistyczne dzieło, Tribute to Picasso. Obraz „Skrzypce i gitara” jest uznawany za wybitny w twórczości artysty. Za życia Gris był znany, faworyzowany przez krytyków i historyków sztuki. Jego prace wystawiane są w największych muzeach świata oraz znajdują się w kolekcjach prywatnych.
29
"PortretPola Eluarda »
Autor
Salvador Dali
Kraj Hiszpania
Lata życia 1904–1989
Styl surrealizm
„Surrealizm to ja”, powiedział Dali, kiedy został wyrzucony z grupy surrealistów. Z czasem stał się najsłynniejszym surrealistą. Prace Dali są wszędzie, nie tylko w galeriach. Na przykład to on wymyślił opakowanie dla Chupa-Chups.
25x33 cm
1929
cena
20,6 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby’s
W 1929 roku poeta Paul Eluard i jego rosyjska żona Gala przyjechali odwiedzić wielkiego prowokatora i awanturnika Dali. Spotkanie było początkiem historii miłosnej, która trwała ponad pół wieku. Obraz „Portret Paula Eluarda” został namalowany właśnie podczas tej historycznej wizyty. „Czułem, że powierzono mi obowiązek uchwycenia twarzy poety, z którego Olimpu ukradłem jedną z muz” – powiedział artysta. Przed spotkaniem z Galą był dziewicą i był zniesmaczony na myśl o seksie z kobietą. Trójkąt miłosny istniał aż do śmierci Eluarda, po czym stał się duetem Dali-Gala.
30
"Rocznica"
Autor
Marca Chagalla
Kraj Rosja, Francja
Lata życia 1887–1985
Styl awangarda
Mojsze Segal urodził się w Witebsku, ale w 1910 roku wyemigrował do Paryża, zmienił nazwisko i zbliżył się do czołowych artystów awangardowych tamtej epoki. W latach 30., gdy władzę przejęli naziści, z pomocą konsula amerykańskiego wyjechał do Stanów Zjednoczonych. Do Francji wrócił dopiero w 1948 roku.
80x103 cm
1923
cena
14,85 miliona dolarów
sprzedany w 1990 roku
na aukcji Sotheby's
Obraz „Jubileusz” jest uznawany za jedno z najlepszych dzieł artysty. Ma wszystkie cechy jego dzieła: prawa fizyczne świata są wymazane, klimat bajki zachowany w scenerii drobnomieszczańskiego życia, a miłość jest w centrum fabuły. Chagall nie rysował ludzi z natury, a jedynie z pamięci lub fantazji. Obraz „Jubileusz” przedstawia samego artystę z żoną Belą. Obraz został sprzedany w 1990 roku i od tego czasu nie był licytowany. Co ciekawe, nowojorskie Museum of Modern Art MoMA przechowuje dokładnie to samo, tylko pod nazwą „Birthday”. Nawiasem mówiąc, napisano to wcześniej - w 1915 r.
projekt przygotowany
Tatiana Pałasowa
ocena skompilowana
zgodnie z listą www.art-spb.ru
magazyn tmn №13
(maj-czerwiec 2013)
Jeśli zapytasz historyków sztuki, krytyków i kulturoznawców „kto jest najlepszym artystą?”, znajdziesz dziesiątki różnych odpowiedzi. Wynika to z faktu, że nie ma jednej miary, według której można zmierzyć wartość artysty czy rzeźby. Sztuka piękna jest zbyt subiektywna na takie oceny. Ponadto reputacja i postawa malarza mogą różnić się w zależności od panującej mody. Czasami krytycy wnoszą swój wkład. Na przykład recenzja Annibala Carracciego autorstwa Johna Ruskina wywarła ogromny wpływ na reputację szkoły bolońskiej. Dlatego nie można z całą pewnością stwierdzić, kto nadal jest najlepszym artystą na świecie. Jednakże..
Drogie niekoniecznie jest najlepsze
Ceny na słynnych aukcjach dają wyobrażenie o najcenniejszych dziełach sztuki i stylach, ale zdecydowana większość arcydzieł znajduje się w muzeach i galeriach publicznych. Na przykład Mona Lisa, autorstwa genialnego Leonarda, jest częścią stałej kolekcji Luwru (Paryż). Jego wartość szacuje się na 1 miliard dolarów, ale nigdy nie zostanie sprzedany na aukcji. To samo dotyczy innych arcydzieł dawnych mistrzów, takich jak Jan van Eyck, Tycjan, Rubens, Velasquez, El Greco, Rembrandt, Jan Vermeer, Goya, a także malarzy lat późniejszych, takich jak William Turner, Monet, Renoir, Van Gogh, Pollock, Dali i inni.
Obraz Gauguina sprzedano za rekordową kwotę 300 milionów dolarów
Arcydzieła, których muzea nie są w stanie wystawiać, często znajdują się w budynkach użyteczności publicznej. Najbardziej uderzającym przykładem są freski florenckiego geniuszu Michała Anioła w Kaplicy Sykstyńskiej. Również strofy Rafaela doskonale ilustrują to stwierdzenie.
Wniosek: ceny rynkowe na międzynarodowych parkietach nie są rzetelną miarą oceny obrazów.
Kryteria najlepszego artysty
Teoretycznie można by sporządzić listę kryteriów, aby spróbować stworzyć konkretną listę najlepszych malarzy czy rzeźbiarzy. Na przykład możesz użyć następujących czynników jako podstawowej wskazówki.
- Cena. Znaczenie ceny kawałka zostało obalone powyżej.
- Siła i trwałość. Stopień jakości i solidności tworzonego dzieła odbywa się przy porównywaniu prac, ale to nie pomoże odpowiedzieć na główne pytanie, gdyż w takim przypadku większość współczesnych artystów w ogóle nie będzie mogła wziąć udziału w swego rodzaju konkursie.
- Wpływ na współczesnych. Wydaje się, że współcześni powinni umieć ocenić znaczenie artysty czy rzeźbiarza, ale tak nie jest. Niestety, wielu wielkich mistrzów zmarło niezrozumiale i biednie.
- aktualna opinia. Niewątpliwie najbardziej demokratyczne kryterium identyfikacji wielkiego mistrza. Chociaż takie podejście nie wyklucza opinii nacjonalistycznych. Na przykład Hiszpanie będą preferować Velasqueza i Rubensa, Francuzi Moneta i Renoira, Niemcy uznają Durera i Holbeina za najlepszych i tak dalej. To samo można powiedzieć o opiniach czołowych światowych muzeów sztuki.
- Techniki i technika artystyczna. Trudno zgodzić się z tym kryterium oceny, gdyż ani absolwenci najlepszych uczelni artystycznych, ani najwięksi mistrzowie malarstwa olejnego nie mogą stać się w tym przypadku najlepszymi twórcami. Wielka sztuka wymaga czegoś więcej niż umiejętności technicznych czy umiejętności zastosowania niezwykłej techniki.
Istnieje wiele autorytatywnych (i nie tak) książek o sztuce, artykułów w Internecie i różnych materiałów w mediach, które próbują uszeregować najlepszych mistrzów. Ich problemem jest subiektywność kryteriów i zastępowanie pojęć. Takie źródła mogą służyć jako ogólny przewodnik. Oczywiście opinia eksperta ma znaczenie, ale to tylko opinia.
Najlepszy artysta wszech czasów? Osobista decyzja!
Ostatecznie wybór należy do osoby zadającej pytanie. Spróbuj przekonać zagorzałego wielbiciela impresjonizmu, że największym artystą w historii jest Rafał. Nic nie dostaniesz. Każdy z nas ma inne preferencje estetyczne i stylistyczne, czy to renesans, manieryzm, barok, neoklasycyzm, realizm, ekspresjonizm, kubizm, surrealizm czy pop-art. Jedni lubią abstrakcyjne obrazy, inni podziwiają dokładność i realizm. Brak jednej interpretacji „piękna” tworzy wiele uwielbianych i znienawidzonych kierunków. Aby jednak dokonać wyważonego wyboru i wyeliminować błędy w wyborze najlepszego artysty, trzeba zapoznać się z pewną liczbą dzieł sztuki światowej. Potem wybór jest sprawą osobistą.
Różne kultury w historii sztuki
Najprawdopodobniej większość zachodnich krytyków sztuki zna kilka dzieł mistrzów z Chin i Japonii i vice versa. Nawet jeśli badacze i specjaliści badają dzieła sztuki obcych krajów i kultur, najprawdopodobniej uwaga, szacunek i zrozumienie dla dzieł nie wzrosną. Innymi słowy, opinia o najlepszych rzeźbach i obrazach kształtuje się pod wpływem kultury i mentalności.
Lista 10 najlepszych malarzy i rzeźbiarzy. Wersja Artura.
W związku z powyższym zestawienie to zostało stworzone w oparciu o następujące zasady:
- Reputacja na przestrzeni lat;
- Wybitne kompozycje i estetyczne piękno (w rozumieniu redakcji);
- Wpływ na kulturę.
Peter Paul Rubens (1577-1640)
Wpływowa postać w stylu barokowym, Rubens parał się prawie każdym gatunkiem, w tym historią i portretami. Ponadto projektował gobeliny, ilustracje książkowe, biżuterię, kreskówki, projekty rzeźb i wiele innych. W znacznym stopniu na styl artysty wpłynęli mistrzowie flamandzcy.
Auguste Rodin (1840–1917)
Nieśmiały pracoholik Rodin był jednym z najbardziej wpływowych rzeźbiarzy nowożytnych i godnym spadkobiercą tradycji Donatella, Michała Anioła, Berniniego i Giambologny. Constantin Brancusi opisał to jako „punkt wyjścia współczesnej rzeźby”.
Myśliciel
Claude Monet (1840–1926)
Lider i zwolennik francuskiego impresjonizmu i malarstwa plenerowego, Monet miał zamiłowanie do przedstawiania różnych wcieleń światła. Wśród zwolenników są Berthe Morisot, Edgar Degas, Edouard Vuillard i inni.
William Turner (1775-1851)
Majestatyczny pejzażysta w historii sztuki wystawił po raz pierwszy w Royal Academy w Londynie w wieku 15 lat. Jego obrazy olejne i akwarele miały rewolucyjny wpływ. Szanowany przez współczesnych, sam Turner miał nieskończony szacunek dla dawnych mistrzów.
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Mona Lisa
Pablo Picasso (1881–1973)
Oprócz arcydzieł w stylu kubizmu analitycznego i syntetycznego Picasso miał również doświadczenie w rzeźbie i projektowaniu. Rewolucyjne obrazy Pabla właściwie zapoczątkowały nową erę sztuk pięknych, a jego wpływ na mistrzów XX wieku jest trudny do przecenienia.
Panny z Awinionu
Rembrandt Van Rijn (1606-1669)
Holenderski geniusz realizmu stworzył ogromną liczbę oszałamiających arcydzieł, w tym dzieła historyczne, portrety grupowe i indywidualne, obrazy rodzajowe, martwe natury i autoportrety. Rembrandt wywarł również wpływ na współczesnych artystów poprzez swoje ryciny.
Autoportret z beretem
Michał Anioł Buonarroti (1475-1564)
Vermeera
Jeden z najbardziej wyrazistych przedstawicieli malarstwa rodzajowego. Oprócz obrazów znany jest ze swoich wnętrz.
Cytuj wiadomość Najsłynniejsze i najbardziej znaczące obrazy świata dla historii sztuki. | 33 arcydzieła malarstwa światowego.
Pod obrazami z artystami, do których należą, znajdują się odnośniki do wpisów.
Nieśmiertelne obrazy wielkich artystów podziwiają miliony ludzi. Sztuka, klasyczna i nowoczesna, jest jednym z głównych źródeł inspiracji, smaku i edukacji kulturalnej każdego człowieka, a nawet bardziej kreatywnego.
Z pewnością jest więcej obrazów światowej sławy niż 33. Jest ich kilkaset i wszystkie nie zmieściłyby się w jednej recenzji. Dlatego dla wygody oglądania wybraliśmy kilka obrazów, które są najbardziej znaczące dla kultury światowej i często kopiowane w reklamie. Każdej pracy towarzyszy ciekawostka, wyjaśnienie znaczenia artystycznego lub historia jej powstania.
Przechowywany w Galerii Starych Mistrzów w Dreźnie.
Obraz ma mały sekret: tło, które z daleka wygląda jak chmury, po bliższym przyjrzeniu się okazuje się głowami aniołów. A dwa anioły ukazane na poniższym obrazku stały się motywem wielu pocztówek i plakatów.
Rembrandt „Straż nocna” 1642
Przechowywane w Rijksmuseum w Amsterdamie.
Prawdziwa nazwa obrazu Rembrandta to „Występ kompanii strzelców kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga”. Krytycy sztuki, którzy odkryli obraz w XIX wieku, myśleli, że postacie stoją na ciemnym tle, i nazwali go „Nocną strażą”. Później okazało się, że warstwa sadzy przyciemnia obraz, a akcja faktycznie toczy się za dnia. Jednak obraz wszedł już do skarbca sztuki światowej pod nazwą „Nocna straż”.
Leonardo da Vinci „Ostatnia wieczerza” 1495-1498
Znajduje się w klasztorze Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.
W ciągu ponad 500-letniej historii istnienia dzieła fresk był wielokrotnie niszczony: wykonano drzwi przez obraz, a następnie ułożono drzwi, refektarz klasztoru, w którym znajduje się obraz, był używany jako zbrojownia, więzienie i bombardowany. Słynny fresk był odnawiany co najmniej pięć razy, a ostatnia renowacja trwała 21 lat. Dziś, aby obejrzeć dzieło sztuki, zwiedzający muszą wcześniej zarezerwować bilety i spędzić w refektarzu tylko 15 minut.
Salvador Dali „Trwałość pamięci” 1931
Według samego autora obraz powstał w wyniku skojarzeń, jakie narodziły się w Dali na widok topionego sera. Wracając z kina, do którego poszła tego wieczoru, Gala całkiem słusznie przewidziała, że nikt, kto raz zobaczył „Trwałość pamięci”, tego nie zapomni.
Pieter Bruegel Starszy Wieża Babel 1563
Przechowywane w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.
Według Brueghela niepowodzenie budowy Wieży Babel nie było spowodowane barierami językowymi, które nagle pojawiły się zgodnie z biblijną historią, ale błędami popełnionymi podczas procesu budowy. Na pierwszy rzut oka ogromny budynek wydaje się dość solidny, ale po bliższym przyjrzeniu się widać, że wszystkie kondygnacje są ułożone nierówno, dolne piętra są albo niedokończone, albo już się zawalają, sam budynek przechyla się w stronę miasta, a perspektywy dla całego projektu są bardzo smutne.
Kazimierz Malewicz „Czarny kwadrat” 1915
Według artysty malował obraz przez kilka miesięcy. Następnie Malewicz wykonał kilka kopii „Czarnego kwadratu” (według niektórych źródeł siedem). Według jednej wersji artysta nie był w stanie ukończyć pracy nad obrazem w odpowiednim czasie, więc musiał zakryć dzieło czarną farbą. Następnie, po uznaniu publiczności, Malewicz namalował nowe „Czarne kwadraty” już na pustych płótnach. Malewicz namalował także obrazy „Plac Czerwony” (dwie kopie) i jeden „Biały kwadrat”.
Kuzma Siergiejewicz Pietrow-Wodkin „Kąpiel czerwonego konia” 1912
Znajduje się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Namalowany w 1912 roku obraz okazał się wizjonerski. Czerwony koń pełni rolę Przeznaczenia Rosji lub samej Rosji, której kruchy i młody jeździec nie jest w stanie utrzymać. w ten sposób artysta symbolicznie przepowiedział swoim obrazem „czerwony” los Rosji w XX wieku.
Peter Paul Rubens „Gwałt na córkach Leucypa” 1617-1618
Przechowywany w Alte Pinakothek w Monachium.
Obraz „Porwanie córek Leucypa” uważany jest za uosobienie odważnej namiętności i cielesnego piękna. Silne, muskularne ramiona młodych mężczyzn podnoszą młode nagie kobiety, by wsadzić je na konie. Synowie Zeusa i Ledy kradną narzeczone swoich kuzynów.
Paul Gauguin „Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?" 1898
Przechowywany w Museum of Fine Arts w Bostonie.
Zgodnie z zaleceniami samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy figur ilustrują postawione w tytule pytania. Trzy kobiety z dzieckiem reprezentują początek życia; środkowa grupa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w ostatniej grupie, zdaniem artysty, „stara kobieta zbliżająca się do śmierci wydaje się pogodzona i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwny biały ptak… reprezentuje daremność słów”.
Eugene Delacroix „Wolność prowadząca lud” 1830
Przechowywany w Luwrze w Paryżu
Delacroix stworzył obraz oparty na rewolucji lipcowej 1830 roku we Francji. W liście do brata z 12 października 1830 r. Delacroix pisze: „Jeśli nie walczyłem za Ojczyznę, to przynajmniej będę dla niej pisał”. Naga klatka piersiowa kobiety przewodzącej ludowi symbolizuje bezinteresowność ówczesnych Francuzów, którzy z „nagą klatką piersiową” szli naprzeciw wrogowi.
Impresja Claude'a Moneta. Wschodzące słońce” 1872
Przechowywany w Musée Marmottan w Paryżu.
Nazwa pracy „Impression, soleil levant” lekką ręką dziennikarza L. Leroya stała się nazwą kierunku artystycznego „Impresjonizm”. Obraz został namalowany z natury w starym porcie Le Havre we Francji.
Jan Vermeer „Dziewczyna z perłą” 1665 r
Przechowywany w Galerii Mauritshuis w Hadze.
Jeden z najsłynniejszych obrazów holenderskiego artysty Jana Vermeera jest często nazywany północną lub holenderską Mona Lisą. Niewiele wiadomo o obrazie: nie jest datowany, nie jest znane imię przedstawionej dziewczyny. W 2003 roku na podstawie powieści Tracey Chevalier pod tym samym tytułem nakręcono film fabularny „Dziewczyna z perłą”, w którym hipotetycznie przywrócono historię powstania płótna w kontekście biografii i życia rodzinnego Vermeera.
Ivan Aivazovsky „Dziewiąta fala” 1850
Przechowywany w Petersburgu w Państwowym Muzeum Rosyjskim.
Ivan Aivazovsky jest światowej sławy rosyjskim malarzem morskim, który poświęcił swoje życie przedstawianiu morza. Stworzył około sześciu tysięcy prac, z których każda zyskała uznanie za życia artysty. Obraz „Dziewiąta fala” znajduje się w książce „100 wielkich obrazów”.
Andriej Rublow „Trójca” 1425-1427
Ikona Trójcy Świętej, namalowana przez Andrieja Rublowa w XV wieku, jest jedną z najbardziej znanych rosyjskich ikon. Ikona to plansza w formacie pionowym. Carowie (Iwan Groźny, Borys Godunow, Michaił Fiodorowicz) „okładali” ikonę złotem, srebrem i drogocennymi kamieniami. Dziś pensja jest przechowywana w Państwowym Muzeum-Rezerwacie Siergijewa Posada.
Michaił Vrubel „Siedzący demon” 1890
Przechowywany w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Fabuła obrazu inspirowana jest wierszem Lermontowa „Demon”. Demon jest obrazem siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, wątpliwości. Tragicznie splatając ręce, Demon siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony niespotykanymi kwiatami.
William Blake „Wielki architekt” 1794
Przechowywany w British Museum w Londynie.
Nazwa obrazu „Przedwieczny” dosłownie tłumaczy się z angielskiego jako „Przedwieczny”. To wyrażenie było używane jako imię Boga. Głównym bohaterem obrazu jest Bóg w momencie stworzenia, który nie ustanawia porządku, ale ogranicza wolność i wyznacza granice wyobraźni.
Edouard Manet „Bar w Folies Bergère” 1882
Przechowywane w Courtauld Institute of Art w Londynie.
Folies Bergère to program rozrywkowy i kabaret w Paryżu. Manet bywał w Folies Bergère i ostatecznie namalował ten obraz, ostatni przed śmiercią w 1883 roku. Za barem, pośród tłumu pijących, jedzących, rozmawiających i palących, barmanka pogrążona we własnych myślach obserwuje akrobatę na trapezie, którego widać w lewym górnym rogu zdjęcia.
Tycjan „Miłość ziemska i miłość niebiańska” 1515-1516
Przechowywany w Galleria Borghese w Rzymie.
Warto zauważyć, że współczesna nazwa obrazu nie została nadana przez samego artystę, ale zaczęła być używana dopiero dwa wieki później. Do tego czasu obraz nosił różne tytuły: „Piękno upiększone i nieozdobione” (1613), „Trzy rodzaje miłości” (1650), „Kobiety boskie i światowe” (1700), wreszcie „Miłość na ziemi i miłość w niebie” (1792 i 1833).
Michaił Niestierow „Wizja dla młodzieży Bartłomiej” 1889-1890
Przechowywany w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Pierwsza i najważniejsza praca z cyklu poświęconego Sergiuszowi z Radoneża. Artysta do końca swoich dni był przekonany, że „Wizja młodego Bartłomieja” jest jego najlepszym dziełem. Na starość artysta lubił powtarzać: „Nie będę żył. "Młody Bartłomiej" będzie żył. Teraz, jeśli za trzydzieści, pięćdziesiąt lat po mojej śmierci będzie jeszcze coś mówił do ludzi, to on żyje, to ja też żyję.
Pieter Brueghel Starszy „Przypowieść o niewidomych” 1568
Przechowywany w Muzeum Capodimonte w Neapolu.
Inne nazwy obrazu to „Ślepy”, „Parabola niewidomych”, „Ślepy prowadzący ślepego”. Uważa się, że fabuła obrazu oparta jest na biblijnej przypowieści o niewidomych: „Jeśli ślepy prowadzi ślepego, obaj wpadną do dołu”.
Wiktor Wasniecow „Alionuszka” 1881
Przechowywany w Państwowej Galerii Trietiakowskiej.
Podstawą jest bajka „O siostrze Alyonushce i bracie Iwanushce”. Początkowo obraz Wasniecowa nosił tytuł „Głupiec Alyonushka”. W tamtych czasach sieroty nazywano „głupcami”. „Alyonushka”, powiedział później sam artysta, „jakby żyła w mojej głowie od dawna, ale w rzeczywistości widziałem ją w Achtyrce, kiedy spotkałem jedną prostowłosą dziewczynę, która uderzyła w moją wyobraźnię. W jej oczach było tyle tęsknoty, samotności i czysto rosyjskiego smutku… Emanował z niej jakiś szczególny rosyjski duch.
Vincent van Gogh Gwiaździsta noc 1889
Przechowywany w Museum of Modern Art w Nowym Jorku.
W przeciwieństwie do większości obrazów artysty, Gwiaździsta noc została namalowana z pamięci. Van Gogh przebywał w tym czasie w szpitalu Saint-Remy, dręczony napadami szaleństwa.
Karl Bryullov „Ostatni dzień Pompei” 1830-1833
Przechowywany w Państwowym Muzeum Rosyjskim w Petersburgu.
Obraz przedstawia słynną erupcję Wezuwiusza w 79 rne. mi. i zniszczenie miasta Pompeje w pobliżu Neapolu. Wizerunek artysty w lewym rogu obrazu jest autoportretem autora.
Pablo Picasso „Dziewczyna na balu” 1905
Przechowywany w Muzeum Puszkina w Moskwie
Obraz trafił do Rosji dzięki przemysłowcowi Iwanowi Abramowiczowi Morozowowi, który kupił go w 1913 roku za 16 000 franków. W 1918 r. Znacjonalizowano kolekcję osobistą I. A. Morozowa. Obecnie obraz znajduje się w zbiorach Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkin.
Leonardo da Vinci Madonna Litta 1491
Przechowywany w Ermitażu w Petersburgu.
Oryginalny tytuł obrazu to Madonna z Dzieciątkiem. Współczesna nazwa obrazu pochodzi od imienia jego właściciela, hrabiego Litty, właściciela rodzinnej galerii sztuki w Mediolanie. Istnieje przypuszczenie, że postać dziecka nie została namalowana przez Leonarda da Vinci, ale należy do pędzla jednego z jego uczniów. Świadczy o tym nietypowa jak na manierę autorki poza dziecka.
Jean Ingres „Łaźnie tureckie” 1862
Przechowywany w Luwrze w Paryżu.
Ingres skończył malować ten obraz mając już ponad 80 lat. Tym obrazem artysta podsumowuje swoisty rezultat wizerunku kąpiących się, którego tematyka od dawna jest obecna w jego twórczości. Początkowo płótno miało formę kwadratu, ale rok po jego ukończeniu artysta przekształcił je w okrągły obraz - tondo.
Iwan Szyszkin, Konstanty Sawicki „Poranek w sosnowym lesie” 1889
Przechowywany w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie
„Poranek w sosnowym lesie” to obraz rosyjskich artystów Iwana Szyszkina i Konstantina Sawickiego. Savitsky malował niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paweł Trietiakow, kiedy nabył obraz, wymazał swój podpis, więc teraz tylko Shishkin jest wskazany jako autor obrazu.
Michaił Vrubel „Księżniczka łabędzi” 1900
Przechowywany w Państwowej Galerii Trietiakowskiej
Obraz został namalowany na podstawie scenicznego wizerunku bohaterki opery „Opowieść o Caru Saltanie” N. A. Rimskiego-Korsakowa na podstawie fabuły baśni A. S. Puszkina pod tym samym tytułem. Vrubel stworzył szkice scenografii i kostiumów do premiery opery w 1900 roku, a jego żona śpiewała partię Księżniczki Łabędzi.
Giuseppe Arcimboldo „Portret cesarza Rudolfa II jako Vertumn” 1590
Znajduje się w zamku Skokloster w Sztokholmie.
Jedno z nielicznych zachowanych dzieł artysty, który wykonywał portrety z owoców, warzyw, kwiatów, skorupiaków, ryb, pereł, instrumentów muzycznych i innych, książek i tak dalej. „Vertumnus” to portret cesarza, przedstawiany jako starożytny rzymski bóg pór roku, wegetacji i przemian. Na zdjęciu Rudolph składa się wyłącznie z owoców, kwiatów i warzyw.
Edgar Degas Błękitni tancerze 1897
Znajduje się w Muzeum Sztuki. A. S. Puszkin w Moskwie.
Mona Lisa być może nie zdobyłaby światowej sławy, gdyby nie kradzież w 1911 roku przez pracownika Luwru. Obraz odnaleziono dwa lata później we Włoszech: złodziej odpowiedział na ogłoszenie w gazecie i zaproponował dyrektorowi Galerii Uffizi sprzedaż Giocondy. Przez cały czas trwania śledztwa Mona Lisa nie opuszczała okładek gazet i czasopism na całym świecie, stając się obiektem kopiowania i kultu. Sandro Botticelli „Narodziny Wenus” 1486
Przechowywany we Florencji w Galerii Uffizi
Obraz ilustruje mit narodzin Afrodyty. Naga bogini unosi się do brzegu w otwartej skorupie, napędzana wiatrem. Po lewej stronie obrazu Zefir (zachodni wiatr) w ramionach swojej żony Chloridy dmucha w muszlę, tworząc wiatr pełen kwiatów. Na brzegu bogini spotyka jedną z łask. Narodziny Wenus są dobrze zachowane dzięki temu, że Botticelli nałożył na obraz warstwę ochronną z żółtka jaja.
...
Część 21 -
Część 22 -
Część 23 -
Artyści to ludzie, którzy potrafią publicznie przemawiać do społeczeństwa językiem wizualnych obrazów i form. Wydaje się jednak, że ich popularność i popyt wcale nie zależą od talentu. Kto był najsłynniejszym artystą w historii?
Edward Manet (1832-1883)
Edouard Manet był jednym z twórców impresjonizmu. Jego droga twórcza, jak przystało na drogę prawdziwego artysty, nie należała do najłatwiejszych – obrazy wywoływały kontrowersje i skandale, w latach 60. XIX wieku wystawiał w tzw. „Salonie Odrzuconych”. Była to alternatywna wystawa dla artystów, którzy nie zostali przyjęci na oficjalny Salon Paryski.Taki los spotkał obraz Olimpii, który zszokował opinię publiczną. Napisali, że bohaterka płótna patrzy na widza z takim wyzwaniem i trzyma lewą rękę w taki sposób, jakby w tej ręce był portfel, a sama bohaterka nie przejmuje się tym, co o niej myślą. Obraz uznano za zbyt płaski, jego fabuła była wulgarna, a bohaterkę porównywano nawet do… samicy goryla. Kto by pomyślał, że po półtora wieku obraz ten stanie się jednym z najbardziej rozpoznawalnych na świecie!
Kazimierz Malewicz (1879-1935)
Co dziwne, najsłynniejszego rosyjskiego artystę można nazwać Kazimierzem Malewiczem. Mimo że rosyjska szkoła malarska nadała sztuce dziesiątki nazw – Repin, Aiwazowski, Wieraszczagin i wielu innych – w pamięci masowej publiczności pozostał człowiek, który był raczej dekonstruktorem klasycznego malarstwa niż spadkobiercą jego tradycji. 
Kazimierz Malewicz był założycielem suprematyzmu - a zatem w pewnym sensie ojcem całej sztuki nowoczesnej. Jego praca podręcznikowa „Czarny kwadrat” została wystawiona w 1915 roku i stała się programem. Ale Malewicz nie jest jedynym znanym z Czarnego kwadratu: pracował jako scenograf w groteskowych przedstawieniach Meyerholda, prowadził pracownię artystyczną w Witebsku, gdzie zaczął pracować inny wielki artysta, Marc Chagall.
Vincenta van Gogha (1853-1890)
Świat zna postimpresjonistę Vincenta van Gogha jako człowieka szalonego i głęboko nieszczęśliwego, który jednocześnie pozostawił po sobie bogate dziedzictwo kulturowe. Działał aktywnie przez nieco ponad 10 lat, ale w tym czasie udało mu się namalować ponad dwa tysiące płócien. Długotrwałą walkę z depresją przerywały jasne okresy, w drugiej połowie lat osiemdziesiątych XIX wieku Van Gogh przeniósł się do Paryża i znalazł tam jedyny potrzebny mu krąg społeczny - wśród podobnie myślących artystów. 
Publiczność nie była jednak entuzjastycznie nastawiona do obrazów Van Gogha, obrazy nie były sprzedawane. Artysta ostatnie lata życia spędził w Arles na południu Francji, gdzie miał nadzieję stworzyć komunę artystów. Plan niestety pozostał niezrealizowany. Zaburzenia psychiczne postępowały i pewnego dnia po kłótni Van Gogh zaatakował brzytwą przyjaciela, który przyszedł z wizytą. Przyjaciel, artysta Paul Gauguin, oddał przyjaciela do zakładu dla obłąkanych. Tam Van Gogh zakończył swoje dni - zastrzelił się rok po uwięzieniu.
Warto zauważyć, że w tym okresie powstały chyba najsłynniejsze dzieła Van Gogha - „Pole pszenicy z wronami”, „Gwiaździsta noc” i inne. Ale prawdziwa sława przyszła do artysty po jego śmierci - pod koniec lat 90. XIX wieku. Teraz jego praca jest uważana za jedną z najdroższych na świecie.
Edward Munch (1863-1944)
Norweski ekspresjonista Edvard Munch mógł namalować tylko jeden obraz, ale nawet wtedy przeszedłby do historii malarstwa. Jego najbardziej rozpoznawalnym dziełem jest straszny „Krzyk”, napisany w latach 1893-1910. Co ciekawe, istnieją cztery różne autorskie wersje Krzyku. W 2012 roku obraz został sprzedany na aukcji za rekordową wówczas kwotę 120 milionów dolarów. 
„Krzyk” został napisany po tym, jak Munch szedł pewnego wieczoru drogą do domu i odwrócił się – czerwony zachód słońca, który zobaczył, zdumiał go. Ścieżka, którą wrócił Munch, przebiegała obok rzeźni i szpitala dla psychicznie chorych, w którym przebywała siostra artysty.
Współcześni pisali, że jęki pacjentów i krzyki zabijanych zwierząt były nie do zniesienia. Uważa się, że Krzyk stał się swego rodzaju przepowiednią dla sztuki XX wieku, przesiąkniętej motywami samotności, rozpaczy i egzystencjalnego koszmaru.
Hieronim Bosch (1450-1516)
Jednym z głównych artystów renesansu w Europie Północnej jest Hieronim Bosch. Sposób jego pisania jest z pewnością rozpoznawalny, mimo że z całego zbioru obrazów zachowało się tylko kilkanaście. Była to prawdziwa sztuka renesansu, wieloaspektowa, pełna symboli i aluzji. Do współczesnych Boscha jego obrazy przemawiały znacznie bardziej niż do ludzi XXI wieku, gdyż obficie wykorzystywał średniowieczne motywy biblijne i folklorystyczne. 
Nie trzeba być krytykiem sztuki, aby zrozumieć, że masz przed sobą obraz Boscha. Na przykład najsłynniejsze dzieło Boscha, tryptyk Ogród rozkoszy ziemskich, zawiera wiele detali: wielokrotnie powtarza siedem grzechów głównych, szczegółowo opowiada o piekielnych mękach, jakie czekają grzeszników (po prawej stronie), a na lewym skrzydle ukazuje upadek Adama i Ewy. Dziwaczność postaci, duża ilość drobnych detali i specyficzna wyobraźnia artysty nie pozostawiają wątpliwości, kto jest autorem płótna.
Andy'ego Warhola (1928-1987)
Każdy zasługuje na swoje 15 minut sławy - powiedział dowcipniś i postmodernista Andy Warhol. Jego własna sława okazała się jednak trwalsza. Być może ta wszechstronna osoba stała się symbolem kierunku pop-artu. To jego autorstwo należy do najbardziej rozpoznawalnych dzieł drugiej połowy XX wieku (nie licząc oczywiście „prawdziwych” artystów). 
Andy Warhol stworzył dziesiątki dzieł i był jednym z głównych tragików kultury lat sześćdziesiątych. Jednak w masowej świadomości niemal na pewno pozostanie jako autor obrazów z reprodukowanymi identycznymi przedmiotami – w jednym przypadku takim obiektem była puszka zupy pomidorowej z puszki, w drugim symbol seksu lat 50. i symbol seksistowskiej ery Hollywood Marilyn Monroe.
Salvador Dali (1904-1989)
Surrealista Salvador Dali był także genialnym managerem i PR-owcem. Promował to, co obecnie nazywa się „marką osobistą” na długo przed ukuciem tego terminu. Wszyscy pamiętają jego wybitne wąsy, szalone spojrzenie i liczne skandaliczne wybryki – które warto przynajmniej przespacerować się z mrówkojadem na smyczy. 
Jednocześnie Salvador Dali pozostaje jednym z głównych artystów swojej epoki. Wybierając między dwoma Hiszpanami w naszym rankingu (Dali i Pablo Picasso), redaktorzy serwisu zdecydowali się jednak na pierwszego - obrazy Salvadora Dali odgrywają znacznie większą rolę w kulturze popularnej; dla przeciętnego człowieka nazwy „Trwałość pamięci” lub „Przeczucie wojny domowej” mówią więcej niż „Guernica” czy „Portret Dory Maar”.
Michał Anioł Buonarroti (1475-1564)
Michał Anioł był malarzem, rzeźbiarzem i architektem. Jego osobowość w pełni odzwierciedlała to, co powszechnie nazywa się „naturą renesansu”. Jedno z jego najsłynniejszych dzieł rzeźbiarskich – posąg Dawida – jest często używane jako ilustracja samego słowa „renesans” jako odzwierciedlenie poglądów i osiągnięć sztuki i myśli tamtych czasów. 
Fresk Stworzenie Adama to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów wszechczasów. Oprócz oczywistego znaczenia kulturowego, obraz ten odegrał rolę w kulturze popularnej XXI wieku: to, co tylko internetowi dowcipnisie wkładają w wyciągniętą rękę Adama: od pilota do miecza świetlnego Jedi.
Leonardo Da Vinci (1452-1519)
Bez wątpienia najsłynniejszym artystą na świecie jest Włoch Leonardo da Vinci. Jednocześnie on sam nie preferował żadnej dziedziny działalności i uważał się za naukowca, inżyniera, rzeźbiarza… - jednym słowem człowieka renesansu, podobnie jak jego współczesny i kolega Michał Anioł. 
Wiadomo, że Leonardo pracował nad obrazami bardzo długo, często odkładając je „na później” i w ogóle najwyraźniej traktował malarstwo jako inny rodzaj twórczości, nie odróżniając go zbytnio od innych. Dlatego do naszych czasów dotarła stosunkowo niewielka liczba jego obrazów. Nie sposób nie wspomnieć o podręczniku „La Gioconda”, a także „Damie z gronostajem”, „Madonna Litta” - i oczywiście fresku „Ostatnia wieczerza” w klasztorze Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.
Nic dziwnego, że znani artyści często przyciągają naśladowców – zarówno tych, którzy chcą dotknąć chwały geniuszy, jak i tych, którzy chcą na tym zarobić. Zapraszamy do lektury o najsłynniejszych fałszerzach obrazów w historii.
Subskrybuj nasz kanał w Yandex.Zen
Artyści zawsze byli wysoko cenieni, ponieważ mogli przekazać potomkom tych, których nie mogli zobaczyć. Pomogli osiągnąć życie wieczne. W czasach nowożytnych, wraz z wynalezieniem aparatu fotograficznego, artyści nie stracili na wartości. Wśród każdego zawodu są wybitni przedstawiciele, których można nazwać najlepszymi. Ten top zawiera listę najlepszych i najpopularniejszych artystów na świecie.
10 Izaak Lewitan
Izaak Lewitan to znakomity artysta, pochodzący z Imperium Rosyjskiego. Jego życie było dość trudne, podobnie jak droga, którą musiał pokonać, aby stać się artystą pierwszej klasy. Ale dzięki swojej pracy Lewitan dał światu dużą liczbę krajobrazów.
9 Augusta Renoira
Ten francuski malarz, rzeźbiarz i grafik urodził się w 1919 roku w Limonge. Ten genialny artysta jest jednym z pierwszych impresjonistów, który odniósł sukces wśród bogatych obywateli Paryża, a jego liczne prace wystawiane są w wielu galeriach na całym świecie.
8 Claude'a Moneta
Claude Monet urodził się we Francji, w Paryżu w 1926 roku. Jest jednym z najsłynniejszych malarzy na świecie, a także jednym z twórców impresjonizmu. Do dziś jego twórczość zachwyca ogromną liczbę osób.
7 Salvadora Dali
Ten ekscentryczny artysta XX wieku od wielu lat prześladuje naszych współczesnych. Jego obrazy są uderzające w swojej technice, ale jeszcze bardziej uderzające jest to, co przedstawił na swoich obrazach. Wielu przerażają i dezorientują, a zachwycają wielu. Mimo kontrowersyjnych prac można powiedzieć, że Salvador Dali jest jednym z najbardziej znanych artystów na świecie.
6 Michał Anioł Buonarroti
Michelangelo Buonarroti to jeden z największych artystów renesansu, znany na całym świecie. Jego życie było długie i pełne wydarzeń, a jego dzieła przetrwały wieki i dały mu życie wieczne. Jego imię do dziś kojarzone jest z nazwiskiem największego artysty na planecie.
5 Rafael Santi
Raphael Santi jest znanym malarzem renesansu. Jego prace zadziwiają umysły wielu osób, a jego technika jest po prostu nie do podrobienia. Miał ogromną liczbę uczniów, ale żaden z nich nie osiągnął takiego sukcesu jak ich nauczyciel.
4 stycznia Wermeera
Jan Vermeer to genialny holenderski artysta, którego portrety zadziwiają dokładnością i oryginalnością. Jeszcze za życia nieźle zarabiał, tworząc portrety zamożnych klientów. A teraz jego obrazy są warte fortunę. Niestety nie przekazał nikomu swoich umiejętności, ponieważ nie miał ani jednego ucznia.
3 Pabla Picassa
Ten wybitny artysta znany jest bardzo wielu. I choć nie wszyscy rozumieją wartość jego obrazów, nie można zaprzeczyć, że wniósł kolosalny wkład w rozwój sztuk pięknych, a jego obrazy przyniosły mu ogromną fortunę.
2 Vincenta van Gogha
Ten holenderski artysta znany jest nie tylko z niezwykłej twórczości, ale także z zaburzeń psychicznych, które później doprowadziły do jego samobójstwa. Niestety w swoim życiu udało mu się sprzedać tylko jeden obraz, ale teraz jego praca jest warta dużo pieniędzy.
1 Leonarda da Vinci
Ta wybitna osoba jest nie tylko znakomitym artystą, ale także naukowcem i wynalazcą. Był jednym z najwybitniejszych przedstawicieli swoich czasów. Jego obrazy znane są nawet ludziom dalekim od sztuki. Jego praca wniosła ogromny wkład w rozwój społeczeństwa ludzkiego.
