Znani światowi kompozytorzy. Wielcy kompozytorzy świata

Muzyka klasyczna nie jest dziś tak popularna, jak w jej złotym wieku od XVII do początku XX wieku, ale nadal robi wrażenie i jest inspiracją dla wielu. Słynni kompozytorzy muzyczni, którzy stworzyli te wspaniałe dzieła, mogli żyć setki lat temu, ale ich arcydzieła wciąż nie mają sobie równych.

Znani kompozytorzy niemieccy

Ludwiga van Beethovena

Ludwig van Beethoven to jedno z najważniejszych nazwisk w historii muzyki klasycznej. Był innowatorem swojej epoki, poszerzając zakres symfonii, sonaty, koncertu, kwartetu i łącząc wokale i instrumenty na nowe sposoby, chociaż nie był tak zainteresowany gatunkiem wokalnym. Publiczność nie od razu zaakceptowała jego nowatorskie pomysły, ale sława nie czekała zbyt długo, więc nawet za życia Beethovena jego twórczość została należycie doceniona.

Całe życie Beethovena naznaczone było walką o zdrowy słuch, ale mimo to dopadła go głuchota: niektóre z najważniejszych dzieł wielkiego kompozytora powstały w ciągu ostatnich dziesięciu lat jego życia, kiedy już nie słyszał. Niektóre z najbardziej znanych dzieł Beethovena to „Moonlight Sonata” (nr 14), sztuka „Dla Elise”, Symfonia nr 9, Symfonia nr 5.

Jana Sebastiana Bacha

Innym światowej sławy niemieckim kompozytorem jest Johann Sebastian Bach – genialny autor, którego twórczość w XIX wieku budziła zainteresowanie nawet wśród tych, którzy nie interesowali się poważną, klasyczną muzyką. Pisał zarówno muzykę organową, wokalno-instrumentalną, jak i muzykę na inne instrumenty i zespoły instrumentalne, choć wciąż udawało mu się ominąć gatunek operowy. Najczęściej zajmował się pisaniem kantat, fug, preludiów i oratoriów, a także aranżacji chóralnych. To właśnie Bach wraz z Georgiem Friedrichem Haendlem byli ostatnimi kompozytorami epoki baroku.

Przez całe życie stworzył ponad tysiąc utworów muzycznych. Najsłynniejsze dzieła Bacha: Toccata i Fuga d-moll BWV 565, Pastoralny BWV 590, "Koncerty brandenburskie", kantaty "Chłop" i "Kawa", msza "Pasja według Mateusza".

Richarda Wagnera

Wagner był nie tylko jednym z najbardziej wpływowych kompozytorów na świecie, ale także jednym z najbardziej kontrowersyjnych – ze względu na swój antysemicki światopogląd. Był zwolennikiem nowej formy opery, którą nazwał „dramatem muzycznym” – w niej łączyły się wszystkie elementy muzyczne i dramatyczne. W tym celu rozwinął styl kompozytorski, w którym orkiestra odgrywa równie silną rolę dramatyczną, jak występujący śpiewacy.

Sam Wagner pisał własne libretta, które nazywał „wierszami”. Większość wątków Wagnera opierała się na europejskich mitach i legendach. Najbardziej znany jest ze swojego osiemnastogodzinnego cyklu epickich oper w czterech częściach, zatytułowanych Pierścień Nibelungów, opery Tristan i Izolda oraz dramatu muzycznego Parsifal.

Znani rosyjscy kompozytorzy

Michaił Iwanowicz Glinka

Glinka jest zwykle określany jako twórca rosyjskiej narodowej tradycji muzycznej, ale jego rosyjskie opery stanowiły syntezę zachodniej muzyki z rosyjskimi melodiami. Pierwszą operą Glinki było Życie dla cara, które zostało dobrze przyjęte podczas pierwszej inscenizacji w 1836 roku, ale druga opera, Rusłan i Ludmiła, z librettem napisanym przez Puszkina, nie była tak popularna. Niemniej jednak był to nowy rodzaj dramatu – opera heroiczno-historyczna, czyli epicka.

Glinka stał się pierwszym rosyjskim kompozytorem, który zdobył światowe uznanie. Najsłynniejsze dzieła Michaiła Iwanowicza: opera „Iwan Susanin”, fantastyczny walc na orkiestrę symfoniczną i uwertura-symfonia na okrągły temat rosyjski.

Piotra Iljicza Czajkowskiego

Czajkowski jest jednym z najpopularniejszych i najbardziej znanych kompozytorów na świecie. Dla wielu jest także najbardziej ukochanym rosyjskim kompozytorem. Twórczość Czajkowskiego jest jednak znacznie bardziej zachodnia niż dzieła innych współczesnych mu kompozytorów, ponieważ wykorzystywał zarówno ludowe melodie rosyjskie, jak i kierował się spuścizną kompozytorów niemieckich i austriackich. Sam Czajkowski był nie tylko kompozytorem, ale także dyrygentem, nauczycielem muzyki i krytykiem.

Żadnych innych znani kompozytorzy Być może Rosja nie słynie z tworzenia spektakli baletowych w sposób, z którego słynie Czajkowski. Najbardziej znane balety Czajkowskiego to Dziadek do orzechów, Jezioro łabędzie i Śpiąca królewna. Pisał także opery; najbardziej znane to Dama Pikowa, Eugeniusz Oniegin.

Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow

Twórczość Siergieja Wasiljewicza przejęła tradycje postromantyzmu i ukształtowała się w stylu unikalnym w kulturze muzycznej XX wieku, niepodobnym do żadnego innego na świecie. Zawsze skłaniał się ku dużym formom muzycznym. Zasadniczo jego prace są pełne melancholii, dramatyzmu, siły i buntu; często wyświetlali obrazy eposu ludowego.

Rachmaninow był znany nie tylko jako kompozytor, ale także jako pianista, dlatego utwory fortepianowe zajmują w jego twórczości znaczące miejsce. Naukę gry na fortepianie rozpoczął w wieku czterech lat. Gatunkiem definiującym Rachmaninowa był koncert fortepianowy i orkiestra. Najsłynniejsze dzieła Rachmaninowa to Rapsodia na temat Paganiniego oraz cztery koncerty na fortepian i orkiestrę.

Znani kompozytorzy świata

Giuseppe Francesco Verdiego

Trudno sobie wyobrazić XIX wiek bez muzyki Giuseppe Verdiego, jednego z klasyków włoskiej kultury muzycznej. Verdi przede wszystkim dążył do nadania realizmu muzycznego przedstawieniom operowym, zawsze współpracował bezpośrednio ze śpiewakami i librecistami, ingerował w pracę dyrygentów i nie tolerował fałszerstwa. Mówił, że lubi wszystko, co piękne w sztuce.

Jak wielu kompozytorów, Verdi największą popularność zyskał dzięki tworzeniu oper. Najbardziej znane z nich to opery Othello, Aida, Rigoletto.

Fryderyk Chopin

Najsłynniejszy polski kompozytor Fryderyk Chopin zawsze w swoich utworach oświetlał piękno swojej ojczyzny i wierzył w jej wielkość w przyszłości. Jego imię jest dumą narodu polskiego. Chopin wyróżnia się na polu muzyki klasycznej tym, że od innych pisał utwory tylko na fortepian. znani kompozytorzy z ich różnorodnością symfonii i oper; obecnie utwory Chopina stały się podstawą pracy współczesnych pianistów.

Chopin zajmował się pisaniem utworów fortepianowych, nokturnów, mazurków, etiud, walców, polonezów i innych form, z których najsłynniejsze to Walc jesienny, Nokturn cis-moll, Rapsodia wiosenna, Fantazja improwizowana cis-moll.

Edwarda Griega

Słynny norweski kompozytor i postać muzyczna Edvard Grieg specjalizował się w kameralistyce wokalnej i fortepianowej. Twórczość Griega pozostawała pod wyraźnym wpływem spuścizny niemieckiego romantyzmu. Jasny i rozpoznawalny styl Griega można scharakteryzować takim kierunkiem, jak muzyczny impresjonizm.

Często przy tworzeniu swoich dzieł Grieg inspirował się ludowymi podaniami, melodiami i legendami. Jego twórczość wywarła ogromny wpływ na rozwój norweskiej kultury muzycznej i ogólnie sztuki. Do najsłynniejszych dzieł kompozytora należą uwertura „Jesień”, koncert na fortepian i orkiestrę z 1868 r., muzyka do sztuki „Peer Gynt”, suita „Z czasów Holberga”.

Wolfgang Amadeusz Mozart

I oczywiście najsłynniejsi kompozytorzy wszechczasów nie mogą obejść się bez tego imienia, które znają nawet ludzie dalecy od muzyki klasycznej. Mozart, austriacki kompozytor i wirtuoz, stworzył szereg oper, koncertów, sonat i symfonii, które wywarły ogromny wpływ na muzykę klasyczną, a właściwie ją ukształtowały.

Dorastał jako cudowne dziecko: gry na fortepianie nauczył się w wieku trzech lat, aw wieku pięciu lat tworzył już niewielkie utwory muzyczne. Pierwszą symfonię napisał w wieku ośmiu lat, pierwszą operę w wieku dwunastu lat. Mozart miał fenomenalne ucho do muzyki i niesamowitą umiejętność gry na wielu instrumentach muzycznych oraz improwizacji.

W ciągu swojego życia Mozart stworzył ponad sześćset dzieł muzycznych, z których najbardziej znane to opera „Wesele Figara”, symfonia nr 41 „Jowisz”, III część sonaty nr 11 „Marsz turecki”, koncert na flet, harfę i orkiestrę oraz „Requiem” d-moll KV 626.

Możesz posłuchać najlepszych dzieł światowej muzyki klasycznej w tym filmie:

Weź to, powiedz znajomym!

Przeczytaj także na naszej stronie:

Pokaż więcej

Czy kiedykolwiek usłyszałeś gdzieś dobrą piosenkę i pomyślałeś: „Jak fajnie byłoby ją zagrać!”. I rzeczywiście, znając podstawy zapisu nutowego, można odkryć nieskończone muzyczne możliwości. Jak uczyć się notatek - dowiesz się z naszego artykułu.

Posłuchaj czegoś z klasyki - co może być lepszego?! Zwłaszcza w weekendy, kiedy chcesz się zrelaksować, zapomnieć o zmartwieniach dnia codziennego, zmartwieniach tygodnia pracy, marzyć o pięknie i po prostu poprawić sobie humor. Pomyśl tylko, klasyki zostały stworzone przez genialnych autorów tak dawno temu, że trudno uwierzyć, że coś może przetrwać tyle lat. I te utwory wciąż są kochane i słuchane, tworzą aranżacje i nowoczesne interpretacje. Nawet w nowoczesnym przetwarzaniu dzieła genialnych kompozytorów pozostają muzyką klasyczną. Jak przyznaje Vanessa Mae, klasyka jest genialna, a każdy geniusz nie może być nudny. Chyba wszyscy wielcy kompozytorzy mają szczególny słuch, szczególną wrażliwość na barwę i melodię, co pozwoliło im stworzyć muzykę, z której korzystają dziesiątki pokoleń nie tylko ich rodaków, ale także fanów muzyki klasycznej na całym świecie. Jeśli nadal masz wątpliwości, czy kochasz muzykę klasyczną, to koniecznie poznaj Benjamina Zandera, a przekonasz się, że tak naprawdę jesteś już wieloletnim fanem pięknej muzyki.

A dzisiaj porozmawiamy o 10 najbardziej znanych kompozytorach na świecie.

Jana Sebastiana Bacha

Pierwsze miejsce jest zasłużone Jana Sebastiana Bacha. W Niemczech urodził się geniusz. Najbardziej utalentowany kompozytor pisał muzykę na klawesyn i organy. Kompozytor nie stworzył nowego stylu w muzyce. Ale był w stanie stworzyć doskonałość we wszystkich stylach swoich czasów. Jest autorem ponad 1000 esejów. W jego pracach Kawalerłączył różne style muzyczne, z którymi spotykał się przez całe życie. Często muzyczny romantyzm łączono ze stylem barokowym. W życiu Jana Bacha jako kompozytor nie cieszący się uznaniem, na jakie zasługiwał, zainteresowanie jego muzyką pojawiło się prawie 100 lat po jego śmierci. Dziś nazywany jest jednym z najwybitniejszych kompozytorów żyjących na ziemi. Jego wyjątkowość jako osoby, nauczyciela i muzyka znalazła odzwierciedlenie w jego muzyce. Kawaler położył podwaliny pod muzykę nowoczesną i współczesną, dzieląc historię muzyki na pre- i post-Bachowskie. Uważa się, że muzyka Kawaler ponuro i ponuro. Jego muzyka jest raczej fundamentalna i solidna, powściągliwa i skoncentrowana. Jak refleksje dorosłego, mądrego człowieka. kreacja Kawaler wpłynął na wielu kompozytorów. Niektórzy z nich czerpali przykład z jego prac lub wykorzystywali z nich motywy. A muzycy na całym świecie grają muzykę Kawaler podziwiając jej piękno i doskonałość. Jedno z najbardziej znanych dzieł „Koncerty brandenburskie”- doskonały dowód na to, że muzyka Kawaler nie można uznać za zbyt ponure:

Wolfgang Amadeusz Mozart

Wolfgang Amadeusz Mozart słusznie uważany za geniusza. W wieku 4 lat grał już swobodnie na skrzypcach i klawesynie, w wieku 6 lat zaczął komponować muzykę, a już w wieku 7 lat umiejętnie improwizował na klawesynie, skrzypcach i organach, konkurując ze znanymi muzykami. Już w wieku 14 lat Mozarta- uznany kompozytor, aw wieku 15 lat - członek akademii muzycznych w Bolonii i Weronie. Z natury miał fenomenalne ucho muzyczne, pamięć i umiejętność improwizacji. Stworzył niesamowitą liczbę dzieł - 23 opery, 18 sonat, 23 koncerty fortepianowe, 41 symfonii i wiele więcej. Kompozytor nie chciał naśladować, starał się stworzyć nowy model, odzwierciedlający nową osobowość muzyki. To nie przypadek, że muzyka w Niemczech Mozarta nazywany „muzyką duszy”, w swoich utworach kompozytor ukazał cechy swojej szczerej, kochającej natury. Największy melodysta przywiązywał do opery szczególną wagę. opery Mozarta- epoka w rozwoju tego typu sztuki muzycznej. Mozarta powszechnie uznawany za jednego z najwybitniejszych kompozytorów: jego wyjątkowość polega na tym, że działał we wszystkich formach muzycznych swoich czasów i we wszystkich osiągnął najwyższy sukces. Jedna z najbardziej rozpoznawalnych prac "Marsz Turecki":

Ludwiga van Beethovena

Kolejny świetny Niemiec Ludwiga van Beethovena była ważną postacią epoki romantyzmu i klasycyzmu. Wiedzą o nim nawet ci, którzy nic nie wiedzą o muzyce klasycznej. Beethovena jest jednym z najczęściej wykonywanych i cenionych kompozytorów na świecie. Wielki kompozytor był świadkiem wielkich przewrotów, jakie miały miejsce w Europie i przerysował jej mapę. Te wielkie przewroty, rewolucje i starcia zbrojne znajdują odzwierciedlenie w twórczości kompozytora, zwłaszcza symfonicznej. Wcielił się w muzyczne obrazy heroicznej walki. W dziełach nieśmiertelnych Beethovena usłyszysz walkę o wolność i braterstwo ludzi, niezachwianą wiarę w zwycięstwo światła nad ciemnością, a także marzenia o wolności i szczęściu ludzkości. Jednym z najbardziej znanych i niesamowitych faktów z jego życia jest to, że choroba ucha przekształciła się w całkowitą głuchotę, ale mimo to kompozytor nadal pisał muzykę. Był również uważany za jednego z najlepszych pianistów. Muzyka Beethovena zaskakująco proste i przystępne do zrozumienia dla jak najszerszego grona słuchaczy. Zmieniają się pokolenia, a nawet epoki i muzyka Beethovena wciąż podnieca i cieszy serca ludzi. Jedna z jego najlepszych prac - "Sonata księżycowa":

Richarda Wagnera

Z imieniem wielkiego Richarda Wagnera najczęściej kojarzony z jego arcydziełami „Chór weselny” Lub "Cwał Walkirii". Ale znany jest nie tylko jako kompozytor, ale także jako filozof. Wagnera uważał swoje utwory muzyczne za sposób wyrażania pewnej koncepcji filozoficznej. Z Wagnera rozpoczęła się nowa muzyczna era oper. Kompozytor starał się ożywić operę, muzyka jest dla niego tylko środkiem. Richarda Wagnera- twórca dramatu muzycznego, reformator opery i sztuki dyrygenckiej, innowator harmonicznego i melodycznego języka muzyki, twórca nowych form muzycznej ekspresji. Wagnera- autor najdłuższej na świecie arii solowej (14 minut 46 sekund) i najdłuższej na świecie opery klasycznej (5 godzin i 15 minut). W życiu Richarda Wagnera był uważany za kontrowersyjną osobę, którą albo uwielbiano, albo nienawidzono. A często jedno i drugie jednocześnie. Mistyczny symbolizm i antysemityzm uczyniły go ulubionym kompozytorem Hitlera, ale zablokowały jego muzyce drogę do Izraela. Jednak ani zwolennicy, ani przeciwnicy kompozytora nie negują jego wielkości jako kompozytora. Świetna muzyka od samego początku Richarda Wagnera pochłania bez śladu, nie pozostawiając miejsca na spory i nieporozumienia:

Franciszka Schuberta

Austriacki kompozytor Franciszka Schuberta- geniusz muzyczny, jeden z najlepszych kompozytorów piosenek. Miał zaledwie 17 lat, kiedy napisał swoją pierwszą piosenkę. W ciągu jednego dnia mógł napisać 8 piosenek. W ciągu swojego twórczego życia stworzył ponad 600 kompozycji opartych na wierszach ponad 100 wielkich poetów, w tym Goethego, Schillera i Szekspira. Dlatego Franciszka Schuberta w pierwszej 10. Chociaż kreatywność Schuberta bardzo różnorodny pod względem wykorzystania gatunków, idei i reinkarnacji, dominują i determinują w jego muzyce teksty wokalno-piosenkowe. Zanim Schuberta pieśń uznano za gatunek mało znaczący i to on podniósł ją do stopnia artystycznej doskonałości. Co więcej, połączył pozornie niespójną pieśń z muzyką kameralno-symfoniczną, co dało początek nowemu nurtowi symfonii liryczno-romantycznej. Teksty piosenek wokalnych to świat prostych i głębokich, subtelnych, a nawet intymnych ludzkich przeżyć, wyrażanych nie słowami, ale dźwiękiem. Franciszka Schubertażył bardzo krótko, mając zaledwie 31 lat. Losy twórczości kompozytora są nie mniej tragiczne niż jego życie. Po śmierci Schuberta pozostało wiele niepublikowanych rękopisów, przechowywanych w regałach i szufladach krewnych i przyjaciół. Nawet najbliżsi nie wiedzieli wszystkiego, co napisał, a przez wiele lat był uznawany głównie za króla piosenki. Niektóre utwory kompozytora ukazały się dopiero pół wieku po jego śmierci. Jedno z najbardziej lubianych i znanych dzieł Franciszka Schuberta - „Wieczorna Serenada”:

Roberta Schumanna

Nie mniej tragiczny los spotkał niemieckiego kompozytora Roberta Schumanna- jeden z najlepszych kompozytorów epoki romantyzmu. Tworzył niesamowicie piękną muzykę. Aby mieć pojęcie o XIX-wiecznym niemieckim romantyzmie, wystarczy posłuchać "Karnawał" Roberta Schumanna. Potrafił wyłamać się z muzycznych tradycji epoki klasycznej, tworząc własną interpretację stylu romantycznego. Roberta Schumanna obdarzony był wieloma talentami i nawet przez długi czas nie mógł się zdecydować między muzyką, poezją, publicystyką a filologią (był poliglotą i swobodnie tłumaczył z angielskiego, francuskiego i włoskiego). Był też niesamowitym pianistą. A jednak główne powołanie i pasja Schumana była muzyka. Jego poetycka i głęboko psychologiczna muzyka w dużej mierze odzwierciedla dwoistość natury kompozytora, wybuch namiętności i ucieczkę w świat marzeń, świadomość wulgarnej rzeczywistości i dążenie do ideału. Jedno z arcydzieł Roberta Schumanna które każdy powinien usłyszeć:

Fryderyk Chopin

Fryderyk Chopin, chyba najsłynniejszy Polak w świecie muzyki. Ani wcześniej, ani później kompozytor nie był urodzonym w Polsce muzycznym geniuszem tego poziomu. Polacy są niesamowicie dumni ze swojego wielkiego rodaka i ze swojej pracy Chopina nieraz gloryfikuje ojczyznę, zachwyca się pięknem krajobrazów, opłakuje tragiczną przeszłość, marzy o wspaniałej przyszłości. Fryderyk Chopin- jeden z nielicznych kompozytorów piszących muzykę wyłącznie na fortepian. W jego dorobku twórczym nie ma oper ani symfonii, ale utwory fortepianowe prezentowane są w całej ich różnorodności. Dzieła sztuki Chopina- podstawa repertuaru wielu znanych pianistów. Fryderyk Chopin- polski kompozytor, znany również jako utalentowany pianista. Żył zaledwie 39 lat, ale zdążył stworzyć wiele arcydzieł: ballady, preludia, walce, mazurki, nokturny, polonezy, etiudy, sonaty i wiele, wiele innych. Jeden z nich - „Ballada nr 1 g-moll”.

Na przełomie XIX i XX wieku w kulturze europejskiej współistniały różne nurty artystyczne. Niektóre rozwinęły tradycje XIX wieku, inne powstały w wyniku twórczych poszukiwań współczesnych mistrzów. Najbardziej znaczącym fenomenem sztuki muzycznej był późny romantyzm. Jej przedstawicieli wyróżniało zwiększone zainteresowanie muzyką symfoniczną i rozmachem kompozycji. Kompozytorzy tworzyli dla swoich dzieł złożone programy filozoficzne. Wielu kompozytorów starało się w swojej twórczości kontynuować romantyczne tradycje z przeszłości, na przykład S.V. Rachmaninowa (1873-1943), Richarda Straussa (1864-1949). Chciałbym zatrzymać się nad tymi dwoma przedstawicielami stylu późnego romantyzmu.

Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow to rosyjski kompozytor, pianista i dyrygent.

4 koncerty, „Rapsodia na temat Paganiniego” (1934) na fortepian i orkiestrę, preludia, etiudy-obrazy na fortepian, 3 symfonie (1895-1936), fantazja „Klif” (1893), poemat „Wyspa umarłych” (1909), „Tańce symfoniczne” (1940) na orkiestrę, kantata „Wiosna” (1902), poemat s i The Bells (1913) na chór i orkiestrę, opery Aleko (1892), Skąpiec Rycerz, Francesca da Rimini (oba 1904), romanse.

Twórczość Siergieja Wasiljewicza Rachmaninowa, kompozytora i wirtuoza pianisty, harmonijnie łączyła tradycje sztuki rosyjskiej i europejskiej. Dla większości muzyków i słuchaczy kompozycje Rachmaninowa są artystycznym symbolem Rosji. Temat ojczyzny jest szczególnie mocno ucieleśniony w twórczości Siergieja Rachmaninowa. Romantyczny patos łączy się w jego muzyce z nastrojami liryczno-kontemplacyjnymi, niewyczerpanym bogactwem melodycznym, rozmachem i swobodą oddechu - z rytmiczną energią. Muzyka Rachmaninowa jest ważną częścią późnego romantyzmu Europy. Po 1917 r. Rachmaninow był zmuszony mieszkać za granicą - w Szwajcarii i USA. Jego działalność kompozytorska, a zwłaszcza wykonawcza, stała się fenomenem, bez którego nie sposób wyobrazić sobie życia kulturalnego Zachodu w latach 20-40. XX wiek.

Spuścizna Rachmaninowa obejmuje opery i symfonie, muzykę kameralną i chóralną, ale przede wszystkim kompozytor pisał na fortepian. Skłaniał się ku potężnej, monumentalnej wirtuozerii, starał się przyrównać fortepian do bogactwa barw orkiestry symfonicznej.

Twórczość Rachmaninowa łączy różne epoki i kultury. Pozwala rosyjskim muzykom poczuć ich głęboki związek z tradycjami europejskimi, a dla zachodnich muzyków Rachmaninow otwiera Rosję - pokazuje jej prawdziwe duchowe bogactwo.

Richarda Straussa

Richard Strauss to niemiecki kompozytor epoki późnego romantyzmu, szczególnie znany ze swoich poematów symfonicznych i oper. Był też wybitnym dyrygentem.

Na styl Richarda Straussa duży wpływ miały dzieła Chopina, Schumanna, Mendelssohna. Pod wpływem muzyki Richarda Wagnera Strauss zwrócił się ku operze. Pierwszym dziełem tego rodzaju jest Guntram (1893). To jest romantyczny kawałek; jego język muzyczny jest prosty, melodie są piękne i melodyjne.

Od 1900 roku opera stała się wiodącym gatunkiem w twórczości Richarda Straussa. Twórczość kompozytora wyróżnia prostota i klarowność języka muzycznego, w którym autorka posługiwała się gatunkami tańca codziennego.

Twórczość Straussa trwała ponad siedemdziesiąt lat. Kompozytor zaczynał jako późny romantyk, potem doszedł do ekspresjonizmu, by w końcu zwrócić się ku neoklasycyzmowi.

Aleksander Nikołajewicz Skriabin

Od dzieciństwa ciągnęło go do dźwięków fortepianu. A już w wieku trzech lat siedział godzinami przy instrumencie, traktując go jak żywą istotę. Po ukończeniu Konserwatorium Moskiewskiego Aleksander zaczął koncertować i uczyć, ale chęć komponowania była silniejsza. Zaczyna komponować, a jego utwory od razu wchodzą do repertuaru innych pianistów.

„Sztuka powinna być świąteczna” - powiedział - „powinna podnosić na duchu, oczarowywać”. Ale w rzeczywistości jego muzyka okazała się tak odważna, nowa i niezwykła, że wykonanie jego „Drugiej symfonii” 21 marca 1903 r. W Moskwie przerodziło się w naturalny skandal. Ktoś podziwiał, ktoś tupał i gwizdał… Ale Skriabin się nie zawstydził: czuł się jak mesjasz, zwiastun nowej religii – sztuki. Wierzył w jego przemieniającą moc. Myślał wtedy modnie na skalę planetarną. Mistyczna filozofia Skriabina znalazła odzwierciedlenie w jego języku muzycznym, zwłaszcza w innowacyjnej harmonii, daleko wykraczającej poza granice tradycyjnej tonacji.

Skriabin marzył o nowym gatunku syntetycznym, w którym połączyłyby się nie tylko dźwięki i kolory, ale także zapachy i plastyczność tańca. Ale pomysł pozostał niedokończony. Skriabin zmarł w Moskwie 14 (27) kwietnia 1915 roku. Jego życie, życie geniusza, było krótkie i jasne.

Siergiej Prokofiew

Siergiej Prokofiew to rosyjski i radziecki kompozytor, jeden z najsłynniejszych kompozytorów XX wieku.

Definicja „kompozytora” była dla Prokofiewa równie naturalna jak „człowiek”.

W muzyce Prokofiewa słychać typową dla Prokofiewa ostro dysonansową harmonię, sprężysty rytm, celowo suchą, zuchwałą motorykę. Krytyka zareagowała natychmiast: „Młody autor, który nie ukończył jeszcze edukacji artystycznej, należący do skrajnego kierunku modernistów, w odwadze idzie o wiele dalej niż współczesny Francuz”.

Wielu współczesnych młodego Prokofiewa, a nawet badaczy jego twórczości, dostrzegało w jego muzyce „nurt liryczny”, który torował sobie drogę przez ostro satyryczne, groteskowe, sarkastyczne obrazy, poprzez celowo szorstkie, ciężkie rytmy. A tych lirycznych, nieśmiałych intonacji jest wiele w cyklach fortepianowych „Ulotność” i „Sarkazm”, w temacie pobocznym pierwszej części II Sonaty, w romansach opartych na wierszach Balmonta, Apuchtina, Achmatowej.

O Prokofiewie można powiedzieć: wielki muzyk znalazł swoje miejsce wśród wielkich przemieniaczy życia.

Milij Bałakiriew

Mily Balakirev - rosyjski kompozytor, pianista, dyrygent (1836/37-1910)

Powstała „Potężna garstka” - społeczność podobnie myślących ludzi, którzy dali niesamowite dużo rosyjskiej muzyce.

Przywództwo Bałakiriewa w kręgu ułatwił jego nienaganny gust, jasny analityczny umysł i znajomość ogromnej ilości materiału muzycznego. W kręgu panował nastrój, co wyraził jeden z ówczesnych krytyków: „Muzyka góry przenosi”. Natura Bałakiriewa była bardzo energiczna i urocza. W kręgu szybko przyjął rolę organizatora.

Koło traktował jako rodzaj twórczości: tworzył, „wpływając” na młodych kompozytorów. Z nich skomponował przyszłą paletę muzyczną Rosji.

Stopniowo Bałakiriew wpadł na pomysł darmowej szkoły muzycznej.

W 1862 r. otwarto Wolną Szkołę Muzyczną, która dała swój pierwszy koncert. Bałakiriew występował jako dyrygent orkiestry symfonicznej.

Sam dużo pisał, ale nie odczuwał twórczej satysfakcji z tego, co tworzył. Jak pisał Cezar Cui, „aż do śmierci mówił, że dobre jest tylko to, co my pisaliśmy pod jego skrzydłami”.

Głazunow Aleksander Konstantynowicz

Alexander Glazunov - kompozytor rosyjski i radziecki (1865-1936)

Głazunow to jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów przełomu XIX i XX wieku. Następca tradycji Potężnej Garstki i Czajkowskiego łączył w swojej twórczości liryczno-epicką i liryczno-dramatyczną gałąź muzyki rosyjskiej. W twórczym dziedzictwie Głazunowa jedno z głównych miejsc należy do muzyki symfonicznej różnych gatunków. Odzwierciedla heroiczne obrazy rosyjskiej epopei, obrazy rodzimej przyrody, rosyjskiej rzeczywistości, pieśni ludów słowiańskich i wschodnich. Dzieła Głazunowa wyróżniają się reliefem tematów muzycznych, pełnym i czystym brzmieniem orkiestry, szerokim wykorzystaniem technologii polifonicznej (stosował jednoczesne brzmienie różnych tematów, połączenie imitacji i rozwoju wariacyjnego). Do najlepszych dzieł Głazunowa należy także koncert na skrzypce i orkiestrę (1904).

Głazunow wniósł znaczący wkład w kameralną muzykę instrumentalną, a także w gatunek baletu (Raymonda, 1897 itd.). Podążając za tradycjami Czajkowskiego, Głazunow pogłębił rolę muzyki w balecie, wzbogacając jego treść. Glazunov posiada aranżacje rosyjskich, czeskich, greckich hymnów i pieśni. Wraz z Rimskim-Korsakowem ukończył operę „Książę Igor”, z pamięci nagrał I część III Symfonii Borodina. Uczestniczył w przygotowaniu do publikacji prac M. I. Glinki. Zaaranżował Marsyliankę (1917), szereg dzieł kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Mikołaj Jakowlewicz Miaskowski

Nikolai Myaskovsky - kompozytor rosyjski i radziecki (1881-1950).

Wraz z Prokofiewem i Strawińskim Nikołaj Jakowlewicz Myaskowski należał do tych kompozytorów, którzy odzwierciedlali nastroje twórczej inteligencji Rosji okresu przedrewolucyjnego. Do popaździernikowej Rosji weszli jako starzy fachowcy, a widząc wokół siebie terror skierowany przeciwko ich pokroju, nie mogli pozbyć się kompleksów. Niemniej rzetelnie (lub prawie uczciwie) tworzyli, odzwierciedlając otaczającą ich rzeczywistość.

Prasa tamtych czasów pisała: „Dwudziesta siódma symfonia jest dziełem radzieckiego artysty. Nie zapomnij o tym ani na chwilę”. Uważany jest za szefa radzieckiej szkoły symfonicznej. Dzieła muzyczne Miaskowskiego odzwierciedlają jego czas; w sumie napisał 27 symfonii, 13 kwartetów, 9 sonat fortepianowych i inne utwory, z których wiele stało się punktami orientacyjnymi w muzyce radzieckiej. Kompozytor charakteryzował się fuzją zasad intelektualnych i emocjonalnych. Muzyka Myaskovsky'ego jest wyjątkowa, naznaczona skupieniem myśli i jednocześnie intensywnością pasji. W naszych czasach można inaczej odnosić się do twórczości N. Myaskovsky'ego, ale niewątpliwie dwadzieścia siedem jego symfonii w pełni odzwierciedlało życie epoki sowieckiej.

Nikołaj Rimski-Korsakow

Nikołaj Rimski-Korsakow - rosyjski kompozytor (1844-1908)

Dzieło wielkiego kompozytora N. Rimskiego-Korsakowa, które prawie w całości pochodziło z XIX wieku, wbija się jak igła w wiek XX: żył i pracował w tym stuleciu przez osiem lat. Kompozytor niczym pomost łączy dwa stulecia muzyki świata. Postać Rimskiego-Korsakowa jest również interesująca, ponieważ był on zasadniczo samoukiem.

Gieorgij Wasiljewicz Swiridow

Georgy Vasilievich Sviridov - radziecki kompozytor, pianista (1915-1998).

Muzykę Georgy Sviridova ze względu na swoją prostotę łatwo odróżnić od dzieł innych kompozytorów. Ale ta prostota jest raczej pokrewna lakonizmowi. Muzyka Sviridova ma bezpretensjonalną ekspresję, ale jest wyrazista w istocie, a nie w formie, zabarwionej wszelkiego rodzaju ozdobnikami. Ma bogaty świat wewnętrzny, jej prawdziwe emocje są powściągliwe… Muzyka Sviridova jest łatwa do zrozumienia, co oznacza, że jest międzynarodowa, ale jednocześnie głęboko patriotyczna, ponieważ temat Ojczyzny przewija się przez nią jak czerwona nić. G. Sviridov, według swojego nauczyciela D. Szostakowicza, „nie zmęczył się wymyślaniem nowego języka muzycznego”, szukając „nowych środków wizualnych”. Dlatego uważany jest za jednego z najciekawszych autorów XX wieku.

Często G. Sviridov był znany jako kompozytor, którego utwory wokalne są trudne do wykonania. W jego twórczych skarbcach od dziesięcioleci gromadzi się muzyka, czekając na wykonawców. Tradycyjny styl wykonawczy muzyki Sviridova często nie był odpowiedni; sam kompozytor powiedział, że nowatorstwo i złożoność jego muzyki wokalnej wynika z faktu, że sama mowa jest ciągle udoskonalana. W związku z tym przypomniał starych, niegdyś znanych i modnych aktorów i poetów. „Dzisiaj”, argumentował Sviridov, „nie zrobią na nas tak silnego wrażenia. Ich mowa wyda nam się czasem manieryczna, czasem urocza, czasem zbyt prosta. Poeta Igor Severyanin był na czasie zarówno pod względem obrazowym, jak i słownictwa, a teraz jest postrzegany jako coś w rodzaju muzeum”. Śpiewakom często przeszkadzały nowe cechy mowy, ale w tym kierunku, według Sviridova, należy pracować.

Być może nikt przed Sviridovem nie zrobił tak wiele dla rozwoju i wzbogacenia gatunków wokalnych - oratorium, kantaty, chóru, romansu ... To stawia G. Sviridova wśród czołowych kompozytorów nie tylko w Rosji, ale także w skali światowej.

Strawiński Igor Fiodorowicz

Strawiński Igor Fiodorowicz - rosyjski kompozytor, dyrygent (1882-1971).

Strawiński większość życia spędził poza Rosją, ale nigdy nie przestał być rosyjskim kompozytorem. Czerpał inspiracje z kultury rosyjskiej i języka rosyjskiego. I zyskał prawdziwie światową sławę. Nazwisko Strawińskiego było i pozostaje dobrze znane nawet tym, którzy nie interesują się muzyką. Wpisał się w światową historię kultury muzycznej XX wieku jako wielki mistrz łączenia muzycznych tradycji nowoczesności i wiekowej starożytności.

Prace Strawińskiego przełamały ustalone ramy, zmieniły stosunek do folkloru. Pomogły zrozumieć, w jaki sposób pieśń ludowa, postrzegana przez pryzmat nowoczesności, ożywa w rękach kompozytora. Dzięki kompozytorom takim jak Strawiński pod koniec XX wieku wzrósł prestiż folkloru i muzyki etno.

W sumie kompozytor napisał osiem partytur orkiestrowych dla teatru baletowego: „Ognisty ptak”, „Pietruszka”, „Święto wiosny”, „Apollo Musaget”, „Pocałunek wróżki”, „Karty do gry”, „Orfeusz”, „Agon”. Stworzył także trzy utwory baletowe ze śpiewem: „Bayka”, „Pulcinella”, „Wesele”.

Tanejew Siergiej Iwanowicz

romantyzm impresjonizm muzyczny

Taneev Sergey Ivanovich - rosyjski kompozytor, pianista, pedagog (1856-1915).

Nazwisko tego wielkiego muzyka i nauczyciela jest obecnie rzadko wymieniane, ale przy bliższym przyjrzeniu się budzi prawdziwy szacunek. Nie zasłynął jako kompozytor, ale całe życie poświęcił Konserwatorium Moskiewskiemu, kształcąc tak niezaprzeczalnie wybitnych muzyków, jak S. Rachmaninow, A. Skriabin, N. Medtner, R. Glier, K. Igumnow i inni. Uczeń P. Czajkowskiego, S. Tanejew stworzył całą szkołę, która wyróżniała kompozytorów rosyjskich i radzieckich spośród kompozytorów z całego świata. Wszyscy jego uczniowie kontynuowali tradycje symfonii Tanejewa. Wielu znanych ludzi przełomu XIX i XX wieku, takich jak Lew Tołstoj, nazywało go swoim przyjacielem i uważało za zaszczyt komunikować się z nim.

Tanejewa można porównać z Sokratesem, który bez pisania poważnych dzieł filozoficznych pozostawił po sobie wielu uczniów.

Tanejew rozwinął wiele teorii muzycznych, stworzył unikalne dzieło „Mobilny kontrapunkt ścisłego pisania” (1889-1906) i jego kontynuację „Nauczanie o kanonie” (koniec lat 90.-1915). Każdy artysta, oddając życie sztuce, marzy o tym, aby jego nazwisko nie zostało zapomniane przez potomność. W ostatnich latach życia Tanejew bardzo martwił się, że napisał niewiele dzieł, które zrodziłyby się jako inspiracja, chociaż pisał dużo i intensywnie. Od 1905 do 1915 napisał kilka cykli chóralnych i wokalnych, utworów kameralnych i instrumentalnych.

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz - radziecki kompozytor, pianista (1906-1975).

Szostakowicz był bez wątpienia największym kompozytorem XX wieku. Współcześni, którzy go znali z bliska, twierdzili, że rozumował mniej więcej tak: po co szaleć, skoro potomkowie nadal będą o tobie wiedzieć z utworów muzycznych? Szostakowicz nie pogorszył stosunków z władzami. Ale w muzyce protestował przeciwko przemocy wobec jednostki.

Napisał VII Symfonię (poświęconą oblężeniu Leningradu).

Szostakowicz widział na własne oczy: jak ludzie umierają, jak latają samoloty, bomby, próbował w swoim dziele „Symfonia nr 7” odzwierciedlić wszystkie wydarzenia, których doświadczyli ludzie.

Symfonię wykonała Wielka Orkiestra Symfoniczna Leningradzkiego Komitetu Radiowego. W czasach blokady wielu muzyków zmarło z głodu. Próby zostały odwołane w grudniu. Kiedy wznowiono je w marcu, mogło grać tylko 15 osłabionych muzyków. Mimo to koncerty rozpoczęły się już w kwietniu. W maju samolot dostarczył partyturę symfonii do oblężonego miasta. Aby uzupełnić liczebność orkiestry, z frontu wysłano brakujących muzyków.

Szostakowicz odpowiedział na faszystowską inwazję VII Symfonią (1941), poświęconą Leningradowi i zyskał światowe uznanie jako symbol walki z faszyzmem.

Impresjonizm

W ostatniej trzeciej XIX wieku pojawił się nowy trend - impresjonizm (francuski impresjonizm, od wrażenia - „impresja”), pierwotnie pojawił się w malarstwie francuskim. Muzycy impresjoniści starali się przekazać subtelne i złożone doznania, szukali wyrafinowania i wyrafinowania dźwięku. Dlatego bliska im była symbolika literacka (lata 70. XIX wieku - lata 10. XX wieku), która również wywodzi się z Francji.

Symboliści zgłębiali nieznane i tajemnicze sfery, próbowali poznać „idealny świat”, ukryty pod osłoną rzeczywistości. Kompozytorzy impresjoniści często zwracali się ku poezji i dramaturgii symbolizmu.

Założycielem muzycznego impresjonizmu jest francuski kompozytor, pianista i dyrygent Claude Debussy (1862-1918). W jego twórczości na pierwszy plan wysunęła się harmonia (a nie melodia), ważną rolę przypisano barwnemu brzmieniu orkiestry. Głównymi stały się niuanse dźwiękowe, które podobnie jak w malarstwie odzwierciedlały odcienie nastrojów, uczuć i wrażeń.

Kompozytorzy dążyli do powrotu do klarowności harmonii, prostoty melodii i form, piękna i przystępności języka muzycznego. Zwrócili się ku polifonii, odrodzili muzykę klawesynową.

Maks Reger

Cechy późnego romantyzmu i neoklasycyzmu połączyły się w twórczości niemieckiego kompozytora i dyrygenta Maxa Regera. Pisał na organy, orkiestrę, fortepian, skrzypce, altówkę, zespoły kameralne. Reger starał się zrozumieć dziedzictwo XVIII wieku, zwłaszcza doświadczenie Jana Sebastiana Bacha, w swoich utworach sięgał do muzycznych obrazów minionej epoki. Jednak jako człowiek przełomu XIX i XX wieku Reger nasycał muzykę oryginalnymi harmoniami i niezwykłymi barwami.

Neoklasycyzm

Neoklasycyzm stał się jedną z opozycji wobec tradycji romantycznej XIX wieku, a także nurtów z nią związanych (impresjonizm, ekspresjonizm, weryzm itp.). Ponadto wzrosło zainteresowanie folklorem, co doprowadziło do powstania całej dyscypliny - etnomuzykologii, która bada rozwój folkloru muzycznego i porównuje procesy muzyczne i kulturowe wśród różnych ludów świata. Niektórzy sięgają do źródeł starożytnych kultur (Karl Orff) lub całkowicie opierają się na sztuce ludowej (Leoš Janáček, Béla Bartok, Zoltan Kodály). Jednocześnie kompozytorzy nadal aktywnie eksperymentują w swoich kompozycjach i odkrywają nowe aspekty i możliwości harmonicznego języka, obrazów i struktur.

Upadek zasad estetycznych XIX wieku, kryzys polityczny i ekonomiczny początku nowego wieku, co dziwne, przyczynił się do powstania nowej syntezy, która doprowadziła do przenikania do muzyki innych rodzajów sztuki: malarstwa, grafiki, architektury, literatury, a nawet kinematografii. Jednak ogólne prawa, które dominowały w praktyce kompozytorskiej od czasów I.S. Bacha, zostały złamane i przekształcone.

Na przełomie XIX i XX wieku zakończył się długi i złożony proces opanowywania przez muzyków rosyjskich tradycji, stylów i gatunków kultury europejskiej. Do końca XIX wieku. Konserwatoria w Petersburgu i Moskwie stały się solidnymi instytucjami edukacyjnymi. Z ich murów wyszli wszyscy wybitni kompozytorzy tamtej epoki i wielu znakomitych wykonawców. Były szkoły instrumentalistów, śpiewaków i tancerzy. Rosyjska sztuka operowa i baletowa podbiła europejską publiczność. Ważną rolę w rozwoju teatru muzycznego odegrały Cesarski Teatr Maryjski w Petersburgu oraz Moskiewska Prywatna Opera Rosyjska, stworzona przez rosyjskiego przemysłowca i filantropa Sawa Iwanowicza Mamontowa (1841-1918).

W muzyce rosyjskiej przełomu wieków przeplatały się cechy późnego romantyzmu i impresjonizmu. Wielki był wpływ nurtów literackich i artystycznych, a przede wszystkim symbolizmu. Jednak wielcy mistrzowie wypracowali własne style. Ich twórczość trudno przypisać do konkretnego nurtu, co świadczy o dojrzałości rosyjskiej kultury muzycznej.

Pierwsze wrażenie, jakie nasuwa się po zapoznaniu się z muzyką XX wieku, to przepaść między sztuką muzyczną czasów nowożytnych a wszystkimi poprzednimi wiekami – różnice w obrazie dźwiękowym dzieł są tak znaczące.

Nawet działa 10-30 lat. Wiek XX wydaje się być zbyt napięty i szorstki w brzmieniu. W rzeczywistości muzyka XX wieku, podobnie jak w wiekach poprzednich, odzwierciedlała duchowy i emocjonalny świat ludzi, ponieważ tempo ludzkiego życia przyspieszyło, stało się sztywniejsze i intensywniejsze.

Tragiczne wydarzenia i sprzeczności – wojny, rewolucje, postęp naukowo-techniczny, totalitaryzm i demokracja nie tylko pogłębiły tkwiące w człowieku przeżycia emocjonalne, ale także postawiły ludzkość na krawędzi zagłady. Dlatego temat konfrontacji życia ze śmiercią stał się kluczowy w muzyce XX wieku. Nie mniej ważny dla sztuki był temat samopoznania jednostki.

Wiek XX upłynął pod znakiem wielu innowacji w sztuce i literaturze związanych z katastrofalnymi zmianami w świadomości społecznej podczas rewolucji i wojen światowych. Pod koniec XIX i na początku XX wieku, a zwłaszcza w dekadzie przedpaździernikowej, temat oczekiwania na wielkie zmiany, które powinny zmieść stary, niesprawiedliwy porządek społeczny przewija się przez całą sztukę rosyjską, a zwłaszcza muzykę. Nie wszyscy kompozytorzy zdawali sobie sprawę z nieuchronności, potrzeby rewolucji i sympatyzowali z nią, ale wszyscy lub prawie wszyscy odczuwali napięcie przed burzą.

Nowa treść wymagała jak zwykle nowych form, a wielu kompozytorów wpadło na pomysł radykalnej odnowy języka muzycznego. Przede wszystkim zrezygnowali z tradycyjnego europejskiego systemu trybów i kluczy. Pojawiła się koncepcja muzyki atonalnej. Jest to muzyka, w której klarowny system tonacji nie jest ustalany przez ucho, a harmonie akordowe (harmonie) są ze sobą kojarzone swobodnie, bez przestrzegania ścisłych reguł. Inną ważną cechą języka muzycznego XX wieku były niezwykłe dźwięki. Aby przekazać obrazy współczesnego życia, wykorzystali niezwykłe efekty dźwiękowe (brzęczenie i zgrzytanie metalu, ryk obrabiarek i inne „przemysłowe” dźwięki), wymyślili nowe narzędzia. Jednak inny sposób dał ciekawsze wyniki. Kompozytorzy eksperymentowali z tradycyjnymi instrumentami: mieszali barwy, grali w nietypowych rejestrach, zmieniali techniki. I okazało się, że klasyczna orkiestra symfoniczna czy formy operowe doskonale potrafią pokazać życie miasta z jego skomplikowanym systemem dźwięków i odgłosów, a przede wszystkim nieprzewidywalne zwroty myśli i „załamania” w ludzkiej psychice końca II tysiąclecia.

Jednak nowatorskie poszukiwania wcale nie doprowadziły do odrzucenia tradycji. Dopiero wiek XX ożywił muzyczne dziedzictwo minionych epok. Po dwustu trzystu latach zapomnienia na nowo zabrzmiały dzieła Monteverdiego, Corellego i Vivaldiego, niemieckich i francuskich mistrzów XVII wieku.

Stosunek do folkloru zmienił się radykalnie. W XX wieku pojawił się nowy nurt – neofolkloryzm (z greckiego „neos” – „nowy” i „folklor”). Jej zwolennicy nawoływali do wykorzystywania melodii ludowych nagranych w głębi wsi, a nie „wygładzanych” na miejski sposób. Wchodząc w skomplikowaną tkankę symfonii, sonaty czy opery, taka pieśń wniosła do muzyki niespotykaną dotąd pasję, bogactwo barw i intonacji.

Na przełomie XIX i XX wieku w kulturze europejskiej pojawił się nowy kierunek artystyczny – ekspresjonizm (od łac. expressio – „ekspresyjność”). Jej przedstawiciele odzwierciedlali w swoich pracach tragiczną postawę człowieka epoki I wojny światowej – rozpacz, ból, lęk przed samotnością. „Sztuka jest wołaniem o pomoc tych, którzy sami doświadczają losu ludzkości” – pisał Arnold Schönberg (1874-1951), twórca ekspresjonizmu w muzyce.

Arnolda Schönberga

Muzyczny ekspresjonizm rozwinął się w Austrii, a dokładniej w jej stolicy, Wiedniu. Jej twórcami są Arnold Schönberg, Alban Berg i Anton Webern. Twórcze środowisko kompozytorów weszło do historii muzyki pod nazwą nowej szkoły wiedeńskiej (nowowiedeńskiej). Każdy z mistrzów poszedł w sztuce własną drogą, ale ich prace mają ze sobą wiele wspólnego. Przede wszystkim tragiczny duch muzyki, pragnienie ostrych przeżyć i głębokich wstrząsów. Za tym kryją się intensywne poszukiwania duchowe, chęć odnalezienia za wszelką cenę ideałów religijnych i moralnych zagubionych przez większość współczesnych ludzi. Ostatecznie wszyscy trzej kompozytorzy wypracowali ujednoliconą metodę komponowania muzyki – system dodekafoniczny, który radykalnie zmienił tradycyjne wyobrażenia o budowie modalnej i harmonicznej utworu.

Dzieło Schönberga rozwiązuje jeden główny problem – poprzez muzykę wyraża ludzkie cierpienie. Ciężkie, omdlałe przeczucia, poczucie ponurej grozy doskonale oddają już wczesne dzieło - Pięć utworów na orkiestrę (1909). Pod względem nastroju i formy są to preludia kameralne, ale napisane zostały na dużą orkiestrę symfoniczną, a cienkie, przejrzyste nagranie dźwiękowe przeplata się w nich z potężnymi „okrzykami” instrumentów dętych i uderzeniami kotłów.

Efektem rozważań Schönberga nad wydarzeniami II wojny światowej była kantana „Ocalony z Warszawy” (1947) na lektora, chór i orkiestrę. Tekst oparty jest na autentycznych relacjach naocznych świadków hitlerowskiej masakry mieszkańców warszawskiego getta żydowskiego. Muzyka tej wielkoformatowej kompozycji, zbudowanej na jednej serii, utrzymana jest w najlepszych tradycjach ekspresjonizmu - jest złożona, tragiczna i napięta emocjonalnie. Wydaje się, że kompozytor stara się przedstawić swoich bohaterów w obliczu Boga i Wieczności, a tym samym pokazać, że ich cierpienia nie poszły na marne. Kantata kończy się odśpiewaniem modlitwy, a jej muzyka, oparta na dźwiękach z tej samej serii, organicznie wyrasta z tragicznego mroku poprzednich części.

awangarda

Nowe uwarunkowania rzeczywistości społecznej wpłynęły na całą kulturę artystyczną jako całość, z jednej strony dając nowy oddech tradycji klasycznej, z drugiej zaś dając początek nowej sztuce – awangardzie (z francuskiego „awangarda” – pójście naprzód), czy też modernizmowi (z łac. W istocie termin „modernizm” odnosi się do nurtów, nurtów, szkół i działań artystycznych poszczególnych mistrzów XX wieku, którzy jako podstawę swojej metody twórczej głosili wolność wypowiedzi.

Muzyczny ruch awangardowy obejmuje lata 50-90. XX wiek. Powstał po II wojnie światowej nieprzypadkowo: wstrząsy wojenne, a następnie gwałtowna zmiana stylu życia spowodowały rozczarowanie wartościami moralnymi i kulturowymi poprzednich epok. Przedstawiciele pokolenia lat 50-60. Chciałem się uwolnić od tradycji, stworzyć własny język artystyczny.

Awangarda muzyczna odnosi się zwykle do tzw. muzyki konkretnej, opartej na dowolności harmonii tonalnych, a nie na szeregach harmonicznych: sonoryzm jest jednym z rodzajów współczesnej techniki kompozytorskiej, która wykorzystuje głównie barwne dźwięki (łac. Pierwsze poszukiwania w kierunku awangardy podjął już na początku XX wieku rosyjski kompozytor A.N. Skriabin. Niektórzy słuchacze byli zachwyceni jego natchnioną mocą, podczas gdy inni byli oburzeni jego niezwykłością.

JAKIŚ. Skriabin

Poszukiwania nowych metod twórczości przyniosły wiele niezwykłych stylów. Kompozytorzy jako instrumenty „klasyczne” wykorzystują elektroniczny sprzęt do rejestracji i odtwarzania dźwięku – magnetofon, syntezator, aw ostatnich latach – komputer. Pojawienie się muzyki elektronicznej spowodowane było chęcią zwrócenia uwagi na „klasykę” milionów miłośników popu i rocka (gdzie prym wiodą instrumenty elektroniczne). Jednak kompozytorom działającym na tym polu przyświeca również inny cel. Próbują zgłębić złożone relacje człowieka ze światem technologii, który coraz bardziej podporządkowuje sobie świadomość ludzi. „Żywy” dialog muzyka z jego elektronicznym „sobowtórem” w utworach najzdolniejszych nabiera głębokiego znaczenia symbolicznego.

Wydarzenie

Od lat 50. w muzyce, podobnie jak w innych rodzajach sztuki (na przykład w teatrze), istnieje taki kierunek, jak dzieje się (z angielskiego, dzieje się - „zdarza się”, „dzieje się”). Za jego źródło można uznać utwór „4” 33” (1954) amerykańskiego kompozytora Johna Cage’a (ur. 1912). Na scenę wchodzi pianista, który siedzi w milczeniu przy fortepianie przez cztery minuty i trzydzieści trzy sekundy… cicho siada przy fortepianie, po czym wstaje i wychodzi. początek gry, dźwięki wydawane przez słuchaczy (kaszel, szept, skrzypienie krzeseł itp.). Publiczność i muzyk występowali więc zarówno w roli wykonawców, jak i autorów spontanicznie powstałego spektaklu. Muzyka z obrazu dźwiękowego stała się obrazem wizualnym. Stało się to później znakiem rozpoznawczym happeningu: wykonanie utworu staje się właściwie bezdźwięczną pantomimą. Johna Cage'a

Sztuka muzyczna XX wieku pełna jest nowatorskich pomysłów. Oznacza to fundamentalną zmianę we wszystkich aspektach języka muzycznego. W XX wieku muzyka często służyła jako źródło refleksji nad straszliwymi epokowymi wydarzeniami historycznymi, których świadkami i współcześni była większość wielkich kompozytorów tej epoki, którzy stali się innowatorami i reformatorami.

WNIOSEK

Tak więc wiek XX był wiekiem różnorodności muzycznej. Muzyka XX wieku, podobnie jak w wiekach poprzednich, odzwierciedlała duchowy i emocjonalny świat ludzi, ponieważ tempo ludzkiego życia przyspieszyło, stało się sztywniejsze i intensywniejsze.

Nie mniej ważny dla sztuki był temat samopoznania jednostki. Przedstawiciele nowych pokoleń chcieli poczuć się wolni od tradycji, stworzyć własny język artystyczny.

Sztuka muzyczna XX wieku jest niezwykle obszerna. Być może nie ma ani jednego historycznego stylu muzycznego, który nie znalazłby odzwierciedlenia w taki czy inny sposób w kolorowym muzycznym kalejdoskopie XX wieku. Pod tym względem stulecie stało się kamieniem milowym. Wszystko, co nagromadziło się przez poprzednie stulecia rozwoju muzyki, cała oryginalność narodowych kultur muzycznych nagle stała się własnością publiczną.

Za każdym razem epoka obdarzała nas swoimi geniuszami. Bez względu na to, czy są kompozytorami XIX, czy XX wieku, ich twórczość przeszła już kamień milowy w dziejach ludzkości i stała się wzorem dla wszystkich pokoleń nie tylko w muzyce, i mimo wieku stworzenia powołana jest, by służyć radości ludzi.

BIBLIOGRAFIA

1. Belyanva-Ekzemlyarskaya S.N. Doświadczenia muzyczne w wieku przedszkolnym, tom. 1., - M.: Oświecenie, 1961.

2. Vetlugina NA Rozwój muzyczny dziecka. - M.: Oświecenie, 1968.

3. Czasopismo „Wychowanie przedszkolne” nr 5-1992. Wprowadzenie przedszkolaków do rosyjskiej kultury narodowej.

4. Komissarova Pomoce wizualne w edukacji muzycznej dzieci w wieku przedszkolnym. - M.: Oświecenie, 2000.

5. Mój dom. Program wychowania moralnego i patriotycznego przedszkolaków. Wydawnictwo „Mozaika” - Sintez, Moskwa, 2005

6. Tepłow B.M. Psychologia zdolności muzycznych., 1947.

7. Tepłow B.M. Problemy różnic indywidualnych. - M.: Oświecenie, 1961, - s. 231.

8. Orff K. System edukacji muzycznej. -M.-L. 1970. s. 21.

9. Forrai K. Wpływ edukacji muzycznej na rozwój osobowości dziecka w wieku przedszkolnym // Edukacja muzyczna we współczesnym świecie //, 1973.

Wśród tych melodii jest motyw na każdy nastrój: romantyczny, pozytywny lub ponury, aby się zrelaksować i nie myśleć o niczym lub odwrotnie, zebrać myśli.

twitter.com/ludovicoeinaud

Włoski kompozytor i pianista porusza się w kierunku minimalizmu, często zwraca się ku ambientowi i umiejętnie łączy muzykę klasyczną z innymi stylami muzycznymi. Szerokim kręgom znany jest z nastrojowych kompozycji, które stały się ścieżkami dźwiękowymi do filmów. Na przykład z pewnością rozpoznasz muzykę z francuskiej taśmy „1 + 1” autorstwa Einaudi.

themagger.net

Glass to jedna z najbardziej kontrowersyjnych osobowości w świecie współczesnej klasyki, która jest albo chwalona pod niebiosa, albo krytykowana do dziewiątek. Ze swoim Philip Glass Ensemble jest związany od pół wieku i napisał muzykę do ponad 50 filmów, w tym Truman Show, Iluzjonista, Smak życia i Fantastyczna Czwórka. Melodie amerykańskiego kompozytora minimalistycznego zacierają granicę między muzyką klasyczną a popularną.

Latimes.com

Autor wielu ścieżek dźwiękowych, najlepszy kompozytor filmowy 2008 roku według Europejskiej Akademii Filmowej i post-minimalista. Urzekł krytyków od pierwszego albumu Memoryhouse, w którym muzyka Richtera została nałożona na odczyty poezji, a kolejne albumy również wykorzystywały fikcyjną prozę. Oprócz pisania własnych kompozycji ambientowych, aranżuje utwory klasyczne: The Four Seasons Vivaldiego znalazł się na szczycie list przebojów muzyki klasycznej iTunes w jego aranżacji.

Ten twórca muzyki instrumentalnej z Włoch nie jest kojarzony z kinem sensacyjnym, ale dał się już poznać jako kompozytor, wirtuoz i doświadczony pedagog gry na fortepianie. Jeśli opisać muzykę Marradi w dwóch słowach, to będą to słowa „zmysłowy” i „magiczny”. Miłośnikom klasyki retro przypadną do gustu jego kreacje i okładki: w motywach widać nuty minionego stulecia.

twitter.com/coslive

Słynny kompozytor filmowy stworzył akompaniament muzyczny do wielu kasowych filmów i kreskówek, w tym Gladiator, Pearl Harbor, Incepcja, Sherlock Holmes, Interstellar, Madagaskar, Król Lew. Jego gwiazda pyszni się na Hollywood Walk of Fame, a na jego półce są Oscary, Grammy i Złote Globy. Muzyka Zimmera jest tak różnorodna jak te filmy, ale bez względu na ton, uderza w akord.

musicaludi.fr

Hisaishi jest jednym z najsłynniejszych japońskich kompozytorów, zdobywcą czterech Nagród Japońskiej Akademii Filmowej za najlepszą muzykę filmową. Zasłynął z napisania ścieżki dźwiękowej do anime Nausicaä z Doliny Wiatru Hayao Miyazakiego. Jeśli jesteś fanem taśm Studia Ghibli czy Takeshiego Kitano, z pewnością zachwycisz się muzyką Hisaishiego. Jest to głównie światło i światło.

twitter.com/theipaper

Ten islandzki multiinstrumentalista jest tylko chłopcem w porównaniu z wymienionymi mistrzami, ale przed trzydziestką zdążył już zostać uznanym neoklasykiem. Nagrał akompaniament do baletu, zdobył nagrodę BAFTA za ścieżkę dźwiękową do brytyjskiego serialu „Morderstwo na plaży” i wydał 10 albumów studyjnych. Muzyka Arnaldsa przypomina ostry wiatr na opustoszałym wybrzeżu.

yiruma.manifo.com

Najbardziej znane dzieła Lee Ru Ma to Kiss the Rain i River Flows in You. Koreański kompozytor i pianista New Age pisze popularne klasyki, które są zrozumiałe dla słuchaczy na każdym kontynencie, niezależnie od gustu muzycznego i wykształcenia. Jego lekkie i zmysłowe melodie stały się dla wielu początkiem miłości do muzyki fortepianowej.

Dustina O'Hallorana

złamaniedair.com

Amerykański kompozytor jest interesujący, ponieważ nie ma wykształcenia muzycznego, ale jednocześnie pisze najprzyjemniejszą i dość popularną muzykę. Melodie O'Hallorana zostały wykorzystane w Top Gear i kilku filmach. Chyba najbardziej udanym albumem ze ścieżką dźwiękową był melodramat Like Crazy.Ten kompozytor i pianista wie dużo o sztuce dyrygowania i tworzeniu muzyki elektronicznej. Ale jego główną dziedziną jest nowoczesna klasyka. Cacchapalla nagrał wiele albumów, w tym trzy z Royal Philharmonic Orchestra. Jego muzyka płynie jak woda, pod nią wspaniale się relaksuje.

Jakich innych współczesnych kompozytorów warto posłuchać

Jeśli lubisz epopeję, dodaj Klausa Badelta, który pracował z Zimmerem przy Piratach z Karaibów, do swojej playlisty. Nie można też pominąć Jana Kaczmarka, Alexandre'a Desplata, Howarda Shore'a i Johna Williamsa - trzeba by napisać osobny artykuł, żeby wymienić wszystkie ich prace, zasługi i nagrody.

Jeśli chcesz więcej pysznego neoklasycyzmu, zwróć uwagę na Nielsa Frama i Sylvaina Chauveau.

Jeśli nie masz dość, przypomnij sobie twórcę ścieżki dźwiękowej do „Amelie” Jana Tiersena lub odkryj japońskiego kompozytora Tammona: pisze zwiewne, oniryczne melodie.

Muzykę jakich kompozytorów lubisz, a których nie? Kogo jeszcze dodalibyście do tej listy?

Wielcy kompozytorzy, których nazwiska są szeroko znane na całym świecie, stworzyli ogromną liczbę cennych dzieł. Ich kreacje są naprawdę wyjątkowe. Każdy z nich ma indywidualny i niepowtarzalny styl.

Wielcy kompozytorzy świata (zagraniczni). Lista

Poniżej znajdują się zagraniczni kompozytorzy różnych stuleci, których nazwiska są znane na całym świecie. Ten:

A. Vivaldiego.
JS Bach.
WA Mozarta.
I. Brahmsa.
J. Haydna.
R. Schumana.
F. Schuberta.
L. Beethovena.
I. Straussa.
R. Wagnera.
G. Verdiego.
A.Berg.
A. Schönberga.
J. Gershwina.
O. Messiaen.
C. Ives.
B. Brittena.

Wielcy kompozytorzy świata (Rosjanie). Lista

Stworzył dużą liczbę operetek, pracował z lekkimi formami muzycznymi o charakterze tanecznym, w których odnosił duże sukcesy. Dzięki Straussowi walc stał się w Wiedniu niezwykle popularnym tańcem. Nawiasem mówiąc, nadal odbywają się tam bale. Spuścizna kompozytora obejmuje polki, balety i kadryle.

I G. Verdi - wielcy, którzy stworzyli ogromną liczbę oper, które zdobyły szczerą miłość publiczności.

Najwybitniejszym przedstawicielem modernizmu w muzyce tego stulecia był Niemiec Ryszard Wagner. Jego dziedzictwo operowe jest bogate. Tannhauser, Lohengrin, Latający Holender i inne opery są nadal aktualne, popularne i wystawiane.

Włoski kompozytor Giuseppe Verdi to postać bardzo majestatyczna. Nadał włoskiej operze nowy oddech, pozostając wiernym tradycjom operowym.

Kompozytorzy rosyjscy XIX wieku

M. I. Glinka, A. P. Borodin, M. P. Musorgski, P. I. Czajkowski to wielcy kompozytorzy muzyki klasycznej XIX wieku, którzy mieszkali i tworzyli w Rosji.

Twórczość Michaiła Iwanowicza Glinki określiła narodowe i światowe znaczenie w historii muzyki rosyjskiej. Jego twórczość, która wyrosła na rosyjskich pieśniach ludowych, jest głęboko narodowa. Jest słusznie uważany za innowatora, przodka rosyjskiej klasyki muzycznej. Glinka pracował owocnie we wszystkich swoich operach Iwan Susanin (Życie dla cara) oraz Rusłan i Ludmiła otworzyły drogę dwóm czołowym kierunkom. Ogromne znaczenie w rozwoju sztuki muzycznej miały jego dzieła symfoniczne: „Kamarinskaya”, „Walc-Fantasy” i wiele innych.

Alexander Porfiryevich Borodin to wielki rosyjski kompozytor. Jego praca jest niewielka w zakresie, ale znacząca w treści. Centralne miejsce zajmują heroiczne obrazy historyczne. Ściśle splata głęboki liryzm z epicką rozmachem. Opera „Książę Igor” łączy w sobie cechy ludowo-muzycznego dramatu i epickiej opery. Jego pierwsza i druga symfonia wyznaczają nowy kierunek w rosyjskiej symfonii - heroiczno-epicki. W dziedzinie liryki kameralno-wokalnej stał się prawdziwym innowatorem. Jego romanse: „Morze”, „Za brzegami dalekiej ojczyzny”, „Pieśń o ciemnym lesie” i wiele innych. Borodin miał znaczący wpływ na swoich wyznawców.

Modest Pietrowicz Musorgski to kolejny wielki rosyjski kompozytor XIX wieku. Był członkiem koła Bałakiriewa, zwanego „Potężną garstką”. Pracował owocnie w różnych gatunkach. Jego opery są piękne: „Khovanshchina”, „Boris Godunov”, „Jarmark Sorochinsky”. W jego pracach przejawiały się cechy indywidualności twórczej. Jest właścicielem wielu romansów: „Kalistrat”, „Seminarium”, „Kołysanka do Eremuszki”, „Sierota”, „Svetik Savishna”. Uwieczniają unikalne cechy narodowe.

Piotr Iljicz Czajkowski - kompozytor, dyrygent, pedagog.

Wiodły w jego twórczości gatunki operowe i symfoniczne. Treść jego muzyki jest uniwersalna. Jego opery Dama pikowa i Eugeniusz Oniegin to arcydzieła rosyjskiej muzyki klasycznej. Symfonia zajmuje również centralne miejsce w jego twórczości. Jego prace stały się znane na całym świecie za jego życia.

Przedstawiciele nowej szkoły wiedeńskiej

A. Berg, A. Webern, A. Schoenberg to wielcy kompozytorzy, którzy żyli i tworzyli przez cały XX wiek.

Alban Berg zasłynął na całym świecie dzięki swojej niesamowitej operze Wozzeck, która wywarła na słuchaczach ogromne wrażenie. Pisał to przez kilka lat. Jego premiera odbyła się 14 grudnia 1925 roku. Dziś Wozzeck jest klasycznym przykładem XX-wiecznej opery.

Anton Webern to austriacki kompozytor, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli nowej szkoły wiedeńskiej. W swoich utworach wykorzystywał technikę seryjną i dodekafonową. Nieodłączna jest zwięzłość i zwięzłość myśli, koncentracja środków muzycznych i ekspresyjnych. Jego twórczość wywarła silny wpływ na Strawińskiego, Bouleza, Gubajdulinę i wielu innych kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Arnold Schoenberg jest wybitnym przedstawicielem takiego stylu muzycznego jak ekspresjonizm. Twórca techniki seryjnej i dodekafonowej. Jego kompozycje: II Kwartet smyczkowy (fis-moll), „Dramat z muzyką na chór i orkiestrę”, opera „Mojżesz i Aaron” i wiele innych.

J. Gershwin, O. Messiaen, C. Ives

To wielcy kompozytorzy XX wieku znani na całym świecie.

George Gershwin to amerykański kompozytor i pianista. Stał się niezwykle popularny dzięki swojej wielkoformatowej pracy Porgy and Bess. To jest opera „folklorystyczna”. Jest on oparty na powieści Dubosa Haywarda. Nie mniej znane są jego utwory instrumentalne: „Rapsodia w stylu bluesowym na fortepian i orkiestrę”, „Amerykanin w Paryżu”, „Rapsodia druga” i wiele innych.

Olivier Messiaen – francuski kompozytor, organista, pedagog, teoretyk muzyki. W swoich wybitnych pracach teoretycznych nakreślił nowe i dość złożone zasady kompozycji muzycznej. Idee teologiczne znalazły odzwierciedlenie w jego dziełach. Był bardzo zafascynowany głosami ptaków. Dlatego stworzył „Katalog ptaków” na fortepian.

Charles Ives to amerykański kompozytor. Wpływ na jego twórczość miała muzyka ludowa. Dlatego jego styl jest niezwykle wyjątkowy. Stworzył pięć symfonii, pięć sonat skrzypcowych, dwie sonaty fortepianowe, kantatę „Niebiański kraj” i wiele innych dzieł.

Kompozytorzy rosyjscy XX wieku

S. S. Prokofiew, I. F. Strawiński, D. D. Szostakowicz to wielcy kompozytorzy XX wieku.

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew - kompozytor, dyrygent, pianista.

Jego muzyka jest zróżnicowana pod względem treści. Zawiera teksty i epos, humor i dramat, psychologizm i charakterystykę. Twórczość operowa i baletowa ustanowiła nowe zasady i techniki dramaturgii muzycznej. Jego opery to Hazardzista, Miłość do trzech pomarańczy, Wojna i pokój. Prokofiew pracował w gatunku muzyki filmowej. Powszechnie znana jest jego kantata „Aleksander Newski”, stworzona we współpracy z reżyserem S. Eisensteinem.

Igor Fiodorowicz Strawiński - emigracyjny kompozytor, dyrygent.

Jego twórczość dzieli się na okresy rosyjskie i obce. Jego najjaśniejsze balety: „Pietruszka”, „Święto wiosny”, „Ognisty ptak”. Strawiński wniósł również wielki wkład w gatunek symfoniczny.

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz - kompozytor, pedagog, pianista. Jego twórczość jest wielopłaszczyznowa pod względem gatunków i treści figuratywnych. Zwłaszcza jego znaczenie jako kompozytora-symfonisty. Jego piętnaście symfonii odzwierciedla złożony świat ludzkich uczuć z doświadczeniami, zmaganiami, tragicznymi konfliktami. Jego opera „Katerina Izmailova” jest znakomitym dziełem tego gatunku.

Wniosek

Muzyka wielkich kompozytorów pisana jest w różnych gatunkach, zawiera wielowątkowe wątki, stale aktualizowane techniki odpowiadające konkretnej epoce. Niektórzy kompozytorzy celowali w kilku gatunkach, podczas gdy inni z powodzeniem zajmowali się prawie wszystkimi dziedzinami. Z całej galaktyki wielkich kompozytorów trudno wyróżnić najlepszych. Wszyscy oni wnieśli znaczący wkład w historię światowej kultury muzycznej.