Цветы голландцы живопись. Натюрморт в Голландии XVII века
Елена Конькова - яркий представитель современной интеллектуальной элиты, которая Spirit of the age (ну или, если угодно Zeitgeist) облекает в гламурные формы, не забывая о внутреннем наполнении.
В этом фильме она расскажет о мистических аспектах европейской живописи, раскроет тайный смысл, зашифрованный в устрашающих, смешных и просто необычных атрибутах голландских натюрмортов, и грациозно предложит всем желающим начать коллекционировать этот вид изобразительного искусства, ну или живопись как таковую...
Ниже представлен материал, который печатным словом немного дополнит визуальный ряд, созданный госпожой Коньковой.
Итак, в 1581 г. жители Северных Нидерландов после многолетней войны за освобождение из-под власти Испании провозгласили независимую Республику Соединённых провинций. Среди них в хозяйственном и культурном отношении лидировала Голландия, поэтому так вскоре стали называть и всю страну. Общественное устройство новых Нидерландов мало изменилось в сравнении с XVI в., но в духовной жизни последовали значительные перемены. Государственной религией стал кальвинизм. Это вероучение не признавало икон и вообще церковного искусства (это течение в протестантизме названо по имени его основателя — французского богослова Жана Кальвина (1509-1564).
Голландским художникам поневоле пришлось отказаться от религиозных тем и искать новые. Они обратились к окружавшей их действительности, будничным событиям, происходившим изо дня в день в соседней комнате или на соседней улице. Да и заказчики — чаще не вельможи, а малообразованные бюргеры — больше всего ценили произведения искусства за то, что они «совсем как живые».
Картины стали рыночным товаром, и благосостояние живописца всецело зависело от умения угодить заказчику. Поэтому художник всю жизнь совершенствовался в определённом жанре. Настроение, которым проникнуты произведения голландской школы, и даже их небольшой, как правило, формат говорят о том, что многие из них предназначались не для дворцов, а для скромных гостиных и были адресованы простому человеку.
Голландский натюрморт XVII в. поражает богатством тем. В каждом художественном центре страны живописцы предпочитали свои композиции: в Утрехте — из цветов и плодов, в Гааге — из рыбы. В Харлеме писали скромные завтраки, в Амстердаме — роскошные десерты, а в университетском Лейдене — книги и другие предметы для занятий науками или традиционные символы мирской суеты — череп, свечу, песочные часы.
В натюрмортах, относящихся к началу XVII столетия, предметы расставлены в строгом порядке, словно экспонаты в музейной витрине. В подобных картинах детали наделены символическим значением. Яблоки напоминают о грехопадении Адама, а виноград — об искупительной жертве Христа. Раковина — оболочка, оставленная, когдато жившим в ней существом, увядшие цветы — символ смерти. Бабочка, родившаяся из кокона, означает воскресение. Таковы, например, полотна Балтазара ван дер Аста (1590— 1656).
У художников следующего поколения вещи уже не столько напоминают об отвлечённых истинах, сколько служат для создания самостоятельных художественных образов. В их картинах привычные предметы обретают особую, не замеченную прежде красоту. Харлемский живописец Питер Клас (1597—1661) тонко и умело подчёркивает своеобразие каждого блюда, бокала, горшка, найдя для любого из них идеальное соседство. В натюрмортах его земляка Виллема Класа Хеды (около 1594 — около 1680) царит живописный беспорядок. Чаше всего он писал «прерванные завтраки». Смятая скатерть, перепутанные предметы сервировки, еда, к которой едва притронулись, — всё здесь напоминает о недавнем присутствии человека. Картины оживлены многообразными световыми пятнами и разноцветными тенями на стекле, металле, полотне («Завтрак с крабом», 1648 г.).
Во второй половине XVII в. голландский натюрморт, подобно пейзажу, стал более зрелищным, сложным и многокрасочным. На картинах Абрахама ван Бейерена (1620 или 1621—1690) и Виллема Калфа (1622—1693) изображены грандиозные пирамиды из дорогой посуды и экзотических фруктов. Здесь и чеканное серебро, и бело голубой фаянс, и кубки из морских раковин, цветы, виноградные грозди,полуочищенные плоды.
Можно сказать, что время действовало, подобно объективу фотоаппарата: с изменением фокусного расстояния менялся масштаб изображения, пока в кадре не остались только предметы, а интерьер и фигуры были вытеснены за границы картины. «Кадры» с натюрмортом можно найти на многих картинах нидерландских художников XVI в. Легко представить в виде самостоятельной картины накрытый стол из «Семейного портрета» Мартина ван Хемскерка (ок. 1530. Государственные музеи, Кассель) или вазу с цветами из композиции Яна Брейгеля Старшего. Сам Ян Брейгель примерно так и поступил, написав в самом начале XVII в. первые самостоятельные цветочные натюрморты. Они появились около 1600 года — это время и принято считать датой рождения жанра.
В тот момент слова для его определения еще не существовало. Термин «натюрморт» возник во Франции в XVIII в. и в буквальном переводе означает «мертвая натура», «мертвая природа» (nature morte). В Голландии картины с изображением предметов называли «stillleven», что можно перевести и как «неподвижная натура, модель», и как «тихая жизнь», что гораздо точнее передает специфику голландского натюрморта. Но это общее понятие вошло в употребление только с 1650 года, а до этого времени картины называли по сюжету изображения: blumentopf — ваза с цветами, banketje — накрытый стол, fruytage — фрукты, toebackje — натюрморты с курительными принадлежностями, doodshoofd — картины с изображением черепа. Уже из этого перечисления видно, как велико было разнообразие изображаемых предметов. Действительно, на картины голландских художников, казалось, выплеснулся весь окружавший их предметный мир.
В искусстве это означало революцию не меньшую, чем та, что совершили голландцы в сфере экономической и социальной, завоевав независимость от власти католической Испании и создав первое демократическое государство. В то время, как их современники в Италии, Франции, Испании были сосредоточены на создании громадных религиозных композиций для церковных алтарей, полотен и фресок на сюжеты античной мифологии для дворцовых залов, голландцы писали небольшие картины с видами уголков родного ландшафта, танцы на деревенском празднике или домашний концерт в бюргерском доме, сценки в сельском трактире, на улице или в доме свиданий, накрытые столы с завтраком или десертом, то есть натуру «низкую», непритязательную, не осенённую античной или ренессансной поэтической традицией, кроме разве современной ей голландской поэзии. Контраст с остальной Европой был разительный.
Картины редко создавались на заказ, а в основном свободно продавались на рынках для всех желающих и предназначались для украшения комнат в домах горожан, а то и сельских жителей — из тех, что побогаче. Позднее, в XVIII и XIX столетиях, когда жизнь в Голландии стала труднее и скуднее, эти домашние живописные собрания широко распродавались на аукционах и охотно приобретались в королевские и аристократические коллекции по всей Европе, откуда со временем перекочевали в крупнейшие музеи мира. Когда в середине XIX в. художники повсеместно обратились к изображению окружающей их реальности, картины голландских мастеров XVII в. служили им образцом во всех жанрах.
Особенностью голландской живописи была специализация художников по жанрам. В рамках натюрмортного жанра существовало даже разделение по отдельным темам, причем в разных городах были свои излюбленные виды натюрморта, и если живописцу случалось переехать в другой город, он часто резко менял свое искусство и начинал писать те разновидности жанра, что были популярны в этом месте.
Харлем стал родиной самого характерного вида голландского натюрморта — «завтрака». В картинах Питера Класа изображается накрытый стол с яствами и посудой. Оловянная тарелка, селедка или ветчина, булочка, бокал вина, скомканная салфетка, лимон или ветка винограда, столовые приборы — скупой и точный отбор предметов создает впечатление стола, накрытого на одну персону. Присутствие человека обозначено «живописным» беспорядком, внесенным в расположение вещей, и атмосферой уютного жилого интерьера, достигнутой передачей световоздушной среды. Доминирующий серо-коричневатый тон объединяет предметы в единую картину, тогда как сам натюрморт становится отражением индивидуальных вкусов человека, его образа жизни.
В том же русле, что Клас, работал другой харлемец, Виллем Хеда. Колорит его картин в еще большей степени подчинен тоновому единству, в нем господствует серо-серебристый тон, заданный изображением серебряной или оловянной посуды. За эту красочную сдержанность картины стали называть «монохромные завтраки».
В Утрехте получил развитие пышный и нарядный цветочный натюрморт. Главные его представители — Ян Давидс де Хем, Юстус ван Хейсум и его сын Ян ван Хейсум, особенно прославившийся тщательностью письма и светлым колоритом.
В Гааге, центре морского промысла, Питер де Пюттер и его ученик Абрахам ван Бейерен довели до совершенства изображение рыб и других обитателей моря, колорит их картин отливает блеском чешуи, в которой вспыхивают пятна розового, красного, синего цветов. Университетский Лейден создал и усовершенствовал тип философского натюрморта « vanitas » (суета сует). В картинах Хармена ван Стенвейка и Яна Давидса де Хема с предметами, воплощающими земную славу и богатство (доспехи, книги, атрибуты искусств, драгоценная утварь) или чувственные удовольствия (цветы, фрукты), соседствуют череп или песочные часы как напоминание о скоротечности жизни. Более демократичный «кухонный» натюрморт возник в Роттердаме в творчестве Флориса ван Схотена и Франсуа Рейкхалса, а лучшие его достижения связаны с именами братьев Корнелиса и Хермана Сафтлевенов.
В середине столетия тема скромных «завтраков» преобразуется в творчестве Виллема ван Алста, Юриана ван Стрека и в особенности Виллема Калфа и Абрахама ван Бейерена в роскошные «банкеты» и «десерты». Золоченые кубки, китайский фарфор и делфтский фаянс, ковровая скатерть, южные фрукты подчеркивают вкус к изяществу и богатству, утвердившийся в голландском обществе в середине столетия. Соответственно, на смену «монохромным» завтракам приходит сочный, красочно насыщенный, золотисто-теплый колорит. Влияние рембрандтовской светотени заставляет краски на картинах Калфа светиться изнутри, поэтизируя предметный мир.
Мастерами изображения «охотничьих трофеев» и «птичьих дворов» были Ян-Батист Веникс, его сын Ян Веникс и Мелхиор де Хондекутер. Этот тип натюрморта получил особое распространение во второй половине — конце столетия в связи с аристократизацией бюргерства: устройством поместий и развлечением охотой. Живопись двух последних художников показывает усиление декоративности, цветности, стремление к внешним эффектам.
Изумительную способность голландских живописцев передавать материальный мир во всем богатстве и разнообразии ценили не только современники, но и европейцы в XVIII и XIX вв., они видели в натюрмортах прежде всего и только это блестящее мастерство передачи реальности. Однако для самих голландцев XVII столетия эти картины были полны смысла, они предлагали пищу не только для глаз, но и для ума. Картины вступали в диалог со зрителями, сообщая им важные моральные истины, напоминая об обманчивости земных радостей, о тщете людских стремлений, направляя мысль на философские размышления о смысле человеческой жизни.
Уникальным культурным явлением XVII века называют голландский цветочный натюрморт, который оказал существенное влияние на все дальнейшее развитие живописи в Европе.
Любовно и бережно художники открывали красоту природы и мира вещей, показывали их богатство и разнообразие. Очаровывают и притягивают взгляд букеты из роз, незабудок и тюльпанов Амброзиуса Босхарта Старшего, который стал основоположником в живописи цветочного натюрморта как независимого направления.
АБРОЗИУС БОСХАРТ СТАРШИЙ 1573-1621
Свою карьеру Босхарт начал в Антверпене в 1588 году. С 1593 по 1613 годы он работал в Мидделбурге, затем в Утрехте (с 1616 года) и в Бреде.
На полотнах Босхарта рядом с букетами цветов зачастую изображены бабочки или ракушки. Во многих случаях цветы тронуты увяданием, что вводит в полотна Босхарта аллегорический мотив бренности бытия (ванитас)
Тюльпаны, розы, белые и розовые гвоздики, незабудки и другие цветы в вазе.
На первый взгляд букеты кажутся написанными с натуры, но при внимательном взгляде становится очевидно, что они составлены из растений, цветущих в разное время. Впечатление естественности и правдоподобия возникает благодаря тому, что изображения отдельных цветов основаны на индивидуальных натурных "штудиях"
Увеличенный фрагмент эскиза Яна Ван Хейсума, который хранится в Метрополитене.
Ян Батист фон Форненбрух. Серед. 17 в.
Это был обычный метод работы живописцев цветочных натюрмортов. Художники выполняли тщательные рисунки акварелью и гуашью, рисуя цветы с натуры, в разных ракурсах и при различном освещении, и эти рисунки затем служили им неоднократно — они повторяли их в картинах.
Якоб Моррель. "Два тюльпана".
Как рабочий материал использовались также рисунки других художников, гравюры из печатных сборников и ботанических атласов.
Заказчики, вельможи и бюргеры, ценили в натюрмортах то, что изображенные цветы были "как живые". Но эти изображения не были натуралистическими. Они романтичны, поэтичны. Природа в них преобразована живописью.
Натюрморт с цветами в вазе 1619г
“Портреты” цветов, написанные на пергаменте акварелью и гуашью создавались для флористических альбомов, в которых садоводы стремились увековечить диковинные растения. Особенно многочисленны изображения тюльпанов. Практически в каждом голландском натюрморте присутствуют тюльпаны.
Амброзиус Босхарт "Цветы в вазе".1619. Rijksmuseum, Амстердам.
В 17 в. в Голландии был настоящий тюльпановый бум, иногда за луковицу редкого тюльпана закладывали дом.
В Европу тюльпаны попали в 1554 году. Их прислал в Аугсбург германский посол при турецком дворе Бусбек. Во время своего путешествия по стране он был очарован видом этих нежных цветов.
В скором времени тюльпаны распространили во Францию и Англию, в Германию и Голландию. Владельцами луковиц тюльпанов в те времена являлись поистине богатые люди - особы королевских кровей или приближенные к ним. В Версале в честь выведения новых сортов устраивались специальные торжественные празднования.
Натюрморт с цветами.
Владеть прекрасными натюрмортами могли себе позволить не только голландские вельможи, но и обычные бюргеры.
Количество цветочных голландских натюрмортов огромно, но это не умаляет их художественную ценность. После аукционов, когда экономическое положение Голландии стало не блестящим, живописные собрания из домов бюргеров попало во дворцы европейских вельмож и королей.
Букет цветов 1920г
В центре этого букета мы видим крокус,но он огромного размера.Немного информации об этом знакомом нам цветке.
Крокус - лекарственное растение, афродизиак и краситель. Из его тычинок делают прекрасную пряность - шафран, которую добавляют в восточные сладости. Родина крокуса - Греция и Малая Азия. Так же как гиацинты и лилии, крокус стал героем мифов древних греков, изображался в сюжетах росписей дворцов.
По античной легенде, земля покрылась гиацинтами и крокусами для свадьбы и первой брачной ночи Геры и Зевса.
Еще одна легенда описывает историю юноши по имени Крокус, который своей красотой притягивал внимание одной нимфы, но оставался равнодушным к ее красоте. Тогда богиня Афродита превратила юношу в цветок, а нимфу во вьюнок, тем самым создав неразлучный союз.
Цветы в стеклянной вазе.
Стремление художников разнообразить состав своих букетов, заставляло их ездить в разные города, и делать натурных рисунки в садах любителей цветов Амстердама, Утрехта, Брюсселя, Харлема, Лейдена. Художникам также приходилось ждать смены сезонов, чтобы запечатлеть нужный цветок.
Цветы. 1619г
Цветы в китайской вазе.
Цветы в корзине.
Натюрморт с цветами в нише.
Цветы в нише.
Во фруктовых и цветочных натюрмортах кажущееся произвольно-случайным сочетание внешне не связанных между собой представителей флоры и фауны в опосредованной форме воплощало представления о бренной греховности всего земного и, напротив, нетленности истинной христианской добродетели.
Практически каждый «персонаж» натюрморта сложным языком символов обозначал собой определённую идею: смертность всего земного (например, ящерицы или улитки), глупую греховность и бренность человеческой жизни, которые мог символизировать, в частности, тюльпан.
Цветы в стеклянной вазе.1606
Согласно представлениям фламандцев и голландцев этот нежный цветок был не только зримым воплощением быстро увядающей красоты, но и его культивирование воспринималось многими как одна из самых суетных и корыстных профессий);
Экзотические заморские раковины, бывшие модным предметом коллекционирования, намекали на неразумную трату денег; обезьяна с персиком традиционно считались символом Первородного греха.
Натюрморт с цветами в зелёной стеклянной бутылке.
С другой стороны, муха на том же персике или розе обыкновенно вызывала ассоциации с символикой смерти, зла и греха; виноград и разбитые грецкие орехи — намекали на Грехопадение и, одновременно, искупительную жертву Христа на кресте, Красные ягоды спелой вишни — сим¬вол Божественной любви, в то время как порхающая бабочка — персонифицирует спасённую душу праведника.
Корзина.
Художественное направление Амброзиуса Босхарта продолжили развивать его три сына — Амброзиус Босхарт Младший, Абрахам Босхарт и Иоганнес Босхарт, а также его зять Бальтазар ван дер Аст Их произведения, вообще весьма многочисленные, неизменно пользуются спросом на художественных аукционах.
Источники.
Сегодня мы познакомимся одним из лучших мастеров голландского роскошного натюрморта ВИЛЛЕМОМ КАЛЬФОМ 1619-1693гг
Виллем Кальф был шестым ребёнком в семье состоятельного роттердамского торговца сукном и члена городского совета Роттердама. Отец Виллема умер в 1625 г., когда мальчику было 6 лет. Мать продолжила семейное дело, но без особых успехов.
Не сохранилось данных о том, у кого из художников учился Кальф; возможно, его учителем был Хендрик Пот изХарлема, где проживали родственники Кальфов. Незадолго до смерти своей матери в 1638 г. Виллем покинул родной город и переехал в Гаагу, а затем в 1640-41 гг. поселился в Париже.
Там, благодаря своим «крестьянским интерьерам », написанным во фламандской традиции, близкой к творчеству Давида Тенирса и других художников XVII в., Кальф быстро завоевал признание.
На его деревенских интерьерах человеческие фигуры находились скорее на заднем плане, а всё внимание зрителя концентрировалось на хорошо освещённых, красочных и искусно выложенных фруктах, овощах и разных предметах домашнего обихода.
Здесь он создал новую форму искусно сгруппированного натюрморта с дорогими, богато украшенными предметами (большей частью бутылями, тарелками, бокалами) из отражающих свет материалов — золота, серебра, олова или стекла. Это мастерство художника достигло своей вершины в амстердамский период его творчества в завораживающих «РОСКОШНЫХ НАТЮРМОРТАХ »
Натюрморт с питьевым рогом, принадлежащим гильдии стрелков святого Себастьяна, лобстером и бокалами - Виллем Кальф. Около 1653.
Этот натюрморт один из самых известных.
Он был создан в 1565 году для гильдии амстердамских лучников. Когда художник работал над этим натюрмортом, рог все еще использовался во время собраний гильдии.
Этот чудесный сосуд сделан из рога буйвола, крепление - из серебра, если приглядеться внимательно, то можно увидеть в оформлении рога миниатюрные фигуры людей - это сцена рассказывает нам о страданиях св. Себастьяна, покровителя лучников.
Традиция добавлять в рейнское вино очищенный лимон пошла от того, что голландцы считали этот сорт вина слишком сладким.
Омар, рог для вина со сверкающей оправой из серебра филигранной работы, прозрачные бокалы, лимон и турецкий ковер переданы с такой изумительной тщательностью, что возникает иллюзия, будто они настоящие и их можно коснуться рукой.
Место для размещения каждого предмета выбрано с таким тщанием, что группа в целом образует гармонию цвета, формы и фактуры. Теплый свет, обволакивающий предметы, придает им достоинство драгоценных ювелирных изделий, и их редкостность, великолепие и причудливость отражают утонченные вкусы голландских коллекционеров 17 века - того времени, когда натюрморты были необычайно популярны.
Натюрморт с кувшином и фруктами. 1660
В 1646 г. Виллем Кальф на некоторое время вернулся в Роттердам, потом переехал в Амстердам и Хоорн, где в 1651 г. женился на Корнелии Плувье , дочери протестантского священника.
Корнелия была известным каллиграфом и поэтессой, дружила с Константином Хёйгенсом, личным секретарём трёх штатгальтеров молодой Голландской республики, уважаемым поэтом и наверное самым опытным знатоком мирового театрального и музыкального искусства своего времени.
В 1653 г. семейная пара переехала в Амстердам, где у них родилось четверо детей. Несмотря на свою состоятельность, Кальф так и не обзавёлся собственным домом.
Натюрморт с чайником.
В амстердамский период в свои совершенные натюрморты Кальф стал включать экзотические предметы: китайские вазы, раковины и до этого времени не виданные тропические фрукты — полуочищенные апельсины и лимоны. Эти предметы привозили в Нидерланды из Америки, они были излюбленными предметами престижа достигшего благоденствия бюргерства, выставлявшего свою зажиточность напоказ.
Натюрморт с наутилусом и китайской чашей.
Голландцы любили и понимали толк в добротном интерьере, в комфортной сервировке стола, где все необходимое под рукой, в удобной посуде - в том материальном мире, который окружает человека.
В центре мы видим изящный кубок- наутилус,изготовленный из ракушки,а также красивую китайскую вазу.Снаружи она украшена восемью рельефными фигурками, олицетворяющими восьмерых бессмертных в даосизме, шишка на крышечке – это очертания буддийского льва.
Этот натюрморт дополнен традиционным для Кальфа персидским ковром и лимоном с тонкой спиралью кожуры.
Пирамида предметов тонет в дымке полумрака, иногда лишь легкие блики обозначают форму вещей. Природа создала ракушку, ремесленник ее превратил в кубок, художник нарисовал натюрморт, а мы всей этой красотой наслаждаемся. Ведь суметь увидеть красоту – тоже талант.
Натюрморт со стеклянным кубком и фруктами.1655г.
Как и все натюрморты того времени, творения Кальфа были призваны выразить иконографическую мысль о бренности — «memento mori» («помни о смерти»), служить предостережением о том, что все вещи, живые и неживые в конце концов преходящи.
Натюрморт с фруктами и чашкой наутилус.1660г
Кальфу однако было важно другое. Всю свою жизнь он испытывал живой интерес к игре света и световым эффектам на различных материалах, начиная с текстуры шерстяных ковров, яркого блеска металлических предметов из золота, серебра или олова, мягкого сияния фарфора и разноцветных раковин и заканчивая таинственным мерцанием граней красивейших бокалов и ваз в венецианском стиле.
Натюрморт с китайской супницей.
Десерт.Эрмитаж.
До поступления в 1915 году в Эрмитаж картина «Десерт» входила в состав коллекции знаменитого русского географа и путешественника П. П. Семенова-Тян-Шанского — большого знатока и любителя голландского и фламандского искусства.
Яркий луч света вырывает из полутьмы чашу с фруктами, персик на серебряном подносе и скомканную белую скатерть. Стеклянный и серебряный кубки еще отражают свет, а тонкий бокал-флейта, наполненный вином, почти сливается с фоном.
Художник мастерски передает фактуру каждого предмета: бокала, фаянсовой расписной тарелки, позолоченного кубка, восточного ковра, белоснежной салфетки. В картине ощущается сильное воздействие, которое оказала на Кальфа живопись Рембрандта: предметы показаны на темном фоне, яркий свет как бы оживляет их, обвалакивая теплом золотистых лучей.
Still Life with a Porcelain Vase, Silver-gilt Ewer, and Glasses
Pronk Still Life with Holbein Bowl, Nautilus Cup, Glass Goblet and Fruit Dish
Продуманная до самых мелочей композиция натюрмортов Кальфа обеспечивается не только специфическими правилами, но и уникальной и сложной режиссурой света.
Ценные предметы — гранёные, часто наполовину наполненные вином кубки, проступают из темноты фона постепенно, через некоторое время. Часто их форма лишь удивительным образом угадывается в отражении лучей света. Никому кроме Кальфа не удалось так реалистично показать проникающий через раковину наутилуса свет. Абсолютно справедливо Кальфа называют «Вермером натюрмортной живописи», и кое-где Кальф его превзошёл.
С 1663 г. Кальф писал меньше, он занялся торговлей предметами искусства и стал востребованным экспертом по искусству.
Виллем Кальф умер в возрасте 74 лет, получив травму вследствие падения по дороге домой, возвращаясь из гостей.
Благодаря своим уникальным изобразительным способностям вкупе с отличным образованием и обширными познаниями в естественных науках он значительно расширил иллюзионистические возможности натюрморта. Его творения являются непревзойдёнными образцами этого искусства.
Удивительное явление в истории мирового изобразительного искусства имело место в Северной Европе XVII века. Оно известно как голландский натюрморт и считается одной из вершин в живописи масляными красками.
У ценителей и профессионалов существует твердое убеждение, что такого количества великолепных мастеров, обладавших высочайшей техникой и создавших столько шедевров мирового уровня, при этом живших на небольшом пятачке европейского континента, в истории искусства больше не встречалось.
Новый смысл профессии художника
Особое значение, которое приобрела профессия художника в Голландии с начала XVII века, стало результатом появления после первых антифеодальных революций зачатков нового буржуазного строя, формирования класса городских бюргеров и зажиточных крестьян. Для живописцев это были потенциальные заказчики, формировавшие моду на произведения искусства, сделавшие голландский натюрморт востребованным товаром на зарождающемся рынке.
В северных землях Нидерландов реформаторские направления христианства, возникшие в борьбе против католичества, стали самой влиятельной идеологией. Это обстоятельство в числе других сделало голландский натюрморт основным жанром для целых художественных цехов, Духовные лидеры протестантизма, в частности кальвинистов, отрицали душеспасительное значение скульптуры и живописи на религиозные сюжеты, они изгнали из церкви даже музыку, что заставило живописцев искать новые сюжеты.
В соседней Фландрии, оставшейся под влиянием католиков, изобразительное искусство развивалось по другим законам, но территориальное соседство обуславливало неизбежное взаимное влияние. Ученые - историки искусства - находят много того, что объединяет голландский и фламандский натюрморт, отмечая присущие им кардинальные отличия и уникальные особенности.
Ранний цветочный натюрморт
«Чистый» жанр натюрморта, появившийся в XVII веке, в Голландии принимает особые формы и символическое название «тихая жизнь» - stilleven. Во многом голландский натюрморт стал отражением бурной деятельности Ост-Индской компании, привозившей с Востока предметы роскоши, до того не виданные в Европе. Из Персии компания привезла первые тюльпаны, которые стали впоследствии символом Голландии, и именно цветы, изображенные на картинах, стали самым популярным украшением жилых домов, многочисленных контор, магазинов и банков.
Назначение виртуозно написанных цветочных композиций было многообразным. Украшая дома и офисы, они подчеркивали благосостояние их хозяев, а для продавцов цветочных саженцев, луковиц тюльпанов они были тем, что теперь называется визуальным рекламным продуктом: постерами и буклетами. Поэтому голландский натюрморт с цветами - прежде всего ботанически точное изображение цветов и плодов, в то же время наполненное множеством символов и аллегорий. Таковы лучшие полотна целых мастерских, во главе которых были Амбросиус Босхарт Старший, Якоп де Гейн Младший, Ян Баптист ван Форненбург, Якоб Ваутерс Восмар и др.
Накрытые столы и завтраки
Живопись в Голландии XVII века не могла избежать влияния новых общественных отношений, и развития экономики. Голландский натюрморт 17 века был выгодным товаром, и для «производства» картин организовывались большие мастерские. Кроме живописцев, среди которых появлялась жесткая специализация и разделение труда, там работали те, кто готовил под картины основу - доски или холст, грунтовал, изготавливал рамы и т. д. Жесткая конкуренция, как при любых рыночных отношениях, приводила к повышению качества натюрмортов до очень высокого уровня.
Жанровая специализация художников приняла и географический характер. Цветочные композиции писались во многих голландских городах - Утрехте, Делфте, Гааге, но именно Харлем стал центром развития натюрмортов, изображавших сервированные столы, продукты и готовые блюда. Подобные полотна могут быть разнообразны по масштабу и характеру, - от сложных и многопредметных до лаконичных. Появились «завтраки» - натюрморты голландских художников, изображающие разные стадии трапезы. На них запечатлено присутствие человека в виде крошек, надкушенных булочек и т. д. Они рассказывали интересные истории, наполненные общими для картин того времени аллюзиями и морализаторскими символами. Особо значимыми считаются полотна Николаса Гиллиса, Флориса Герритс ван Схотена, Клары Петерс, Ханса Ван Эссена, Рулофа Кутса и др.
Тональный натюрморт. Питер Клас и Виллем Клас Хеда
Для современников были актуальны и понятны символы, которыми насыщен традиционный голландский натюрморт. Картины по содержанию были подобны многостраничным книгам и особенно ценились за это. Но существует понятие, в не меньшей степени впечатляющее и современных знатоков, и любителей живописи. Его называют "тональный натюрморт", и главное в нем - высочайшее техническое мастерство, удивительно изысканный колорит, потрясающее мастерство в передаче тонких нюансов освещения.
Этим качествам всемерно соответствуют полотна двух ведущих мастеров, картины которых относят к лучшим образцам тонального натюрморта: Питера Класа и Виллема Клас Хеда. Они выбирали композиции из небольшого количества предметов, лишенных ярких красок и особой декоративности, что не мешало им создавать удивительные по красоте и выразительности вещи, ценность которых не уменьшается со временем.
Суета сует
Тема бренности жизни, равенства перед смертью и короля, и нищего, была очень популярна в литературе и философии того переходного времени. А в живописи она нашла выражение в картинах, изображавших сюжеты, главным элементом которых был череп. Такой жанр получил название vanitas - с латинского «суета сует». Популярности натюрмортов, похожих на философские трактаты, способствовало развитие науки и образования, центром которых был знаменитый на всю Европу университет в Лейдене.
Vanitas занимает серьезное место в творчестве многих голландских мастеров того времени: Якоба де Гейна Младшего, Дэвида Гейна, Хармена Стенвейка и др. Лучшие образцы «ванитас» - не простые страшилки, они вызывают не безотчетный ужас, а спокойное и мудрое созерцание, наполненное раздумьями о самых важных вопросах бытия.
Картины-обманки
Картины - самое популярное украшение голландского интерьера со времен позднего средневековья, которое могло себе позволить растущее население городов. Чтобы заинтересовать покупателей, художники прибегали к разным уловкам. Если позволяло мастерство, они создавали «обманки», или «тромплей», от французского trompe-l"oeil - обман зрения. Смысл был в том, что типичный голландский натюрморт - цветы и фрукты, битая птица и рыба, или предметы, связанные с наукой - книги, оптические приборы и т. д.- содержал полную иллюзию реальности. Книга, которая выдвинулась из пространства картины и вот-вот упадет, муха, севшая на вазу, которую хочется прихлопнуть - типичные сюжеты для картины-обманки.
Картины ведущих мастеров натюрмортов в стиле «тромплей» - Герарда Доу, Сэмюэла ван Хогстратена и др. - часто изображают углубленную в стену нишу с полками, на которых находится масса самых разных вещей. Техническое мастерство художника в передаче текстур и поверхностей, света и тени было так велико, что рука сама тянулась за книгой или бокалом.
Период расцвета и время заката
К середине XVII века основные разновидности натюрморта в картинах голландских мастеров достигают наивысшего расцвета. Становится популярным «роскошный» натюрморт, ведь благосостояние бюргеров растет и богатая посуда, драгоценные ткани и продуктовое изобилие не выглядит чужеродным в интерьере городского дома или богатой сельской усадьбы.
Картины увеличиваются в размерах, они поражают количеством разнообразных текстур. При этом авторы ищут пути повышения занимательности для зрителя. Для этого традиционный голландский натюрморт - с фруктами и цветами, охотничьими трофеями и разнообразной по материалам посудой - дополняется экзотическими насекомыми или мелкими животными и птицами. Кроме создания привычных аллегорических ассоциаций художник часто вводил их просто для положительных эмоций, для повышения коммерческой привлекательности сюжета.
Мастера «роскошного натюрморта» - Ян ван Хёйсум, Ян Давидс де Хем, Франсуа Рейкхалс, Виллем Калф - стали предвестниками наступающего времени, когда важным становилась повышенная декоративность, создание внушительного впечатления.
Конец золотого века
Менялись приоритеты и мода, постепенно уходило в прошлое влияние религиозных догм на выбор сюжетов для живописцев, уходило в прошлое само понятие золотого века, который знала голландская живопись. Натюрморты вошли в историю этой эпохи как одна из важнейших и впечатляющих страниц.
Появление жанра «натюрморт» в Нидерландах - дар протестантизма. В католические времена основным заказчиком для художников была Церковь, и, естественно, живопись ограничивалась религиозными и назидательными сюжетами. Кальвинизм же не признавал икон и вообще церковного искусства. Живописцы искали новый рынок сбыта, и нашли его в домах трактирщиков, торговцев и фермеров.
В Голландии картины с изображением предметов называли «stillleven», что можно перевести и как «неподвижная натура, модель», и как «тихая жизнь», что очень точно передает специфику голландского натюрморта.
Фокус внимания художников спустился с небес на землю, теперь их интересовали не благочестивые размышления, а пристальное изучение подробностей материального мира. Но в Твари они искали Творца.
«Господь дал нам две книги: книгу Писания и книгу Творения. Из первой мы узнаем о Его милости Спасителя, из второй - о величии Творца», - так писал средневековый философ Алан Лилльский. Творение участвует и в истории спасения: человек пал через яблоко, а через хлеб и вино он вновь обретает спасение. От прежних традиций остался и символизм, заключенный в изображении.
Первые stilleven просты - хлеб, бокал вина, фрукты, рыба, бекон. Но все предметы в них символичны: рыба - символ Иисуса Христа; мясо - бренную плоть; нож - символ жертвы; лимон - символ неутоленной жажды; несколько орехов в скорлупе - душа, скованная грехом; яблоко напоминает о грехопадении; вино или виноград - символ Крови; хлеб - символ Плоти Христовой. О бренности земного существования напоминают насекомые, человеческие черепа, разбитая посуда и мертвая дичь, часто включаемые в композицию полотен. Раковина - оболочка, оставленная, когда то жившим в ней существом, увядшие цветы - символ смерти. Бабочка, родившаяся из кокона, означает воскресение.
В результате деятельности голландской Ист-Индийской компании, снаряжавшей торговые корабли на Дальний Восток, в голландских лавках продавались специи, китайский фарфор, шелк и другие экзотические товары. Кроме того, были образованы голландские колонии на мысе Доброй Надежды, в Индонезии, Суринаме, на Антильских островах, по всей территории Азии. Колонии обогащали страну, и натюрморты начали заполняться богатством земным: ковровыми скатертями, серебряными кубками, перламутром. Простая снедь заменялась устрицами, ветчиной, экзотическими фруктами. Символизм уступает место наивному любованию творением рук человеческих.
Особенностью голландской живописи была специализация художников по жанрам. В рамках натюрмортного жанра существовало даже разделение по отдельным темам, причем в разных городах были свои излюбленные виды натюрморта, и если живописцу случалось переехать в другой город, он часто резко менял свое искусство и начинал писать те разновидности жанра, что были популярны в этом месте.
Харлем стал родиной самого характерного вида голландского натюрморта - «завтрака». В картинах Питера Класа изображается накрытый стол с яствами и посудой. Оловянная тарелка, селедка или ветчина, булочка, бокал вина, скомканная салфетка, лимон или ветка винограда, столовые приборы - скупой и точный отбор предметов создает впечатление стола, накрытого на одну персону.
Присутствие человека обозначено «живописным» беспорядком, внесенным в расположение вещей, и атмосферой уютного жилого интерьера, достигнутой передачей световоздушной среды. Доминирующий серо-коричневатый тон объединяет предметы в единую картину, тогда как сам натюрморт становится отражением индивидуальных вкусов человека, его образа жизни.
В том же русле, что Клас, работал другой харлемец, Виллем Хеда. Колорит его картин в еще большей степени подчинен тоновому единству, в нем господствует серо-серебристый тон, заданный изображением серебряной или оловянной посуды. За эту красочную сдержанность картины стали называть «монохромные завтраки».
В Утрехте получил развитие пышный и нарядный цветочный натюрморт. Главные его представители - Ян Давидс де Хем, Юстус ван Хейсум и его сын Ян ван Хейсум, особенно прославившийся тщательностью письма и светлым колоритом.
Университетский Лейден создал и усовершенствовал тип философского натюрморта « vanitas » (суета сует). В картинах Хармена ван Стенвейка и Яна Давидса де Хема с предметами, воплощающими земную славу и богатство (доспехи, книги, атрибуты искусств, драгоценная утварь) или чувственные удовольствия (цветы, фрукты), соседствуют череп или песочные часы как напоминание о скоротечности жизни.
В середине столетия тема скромных «завтраков» преобразуется в творчестве Виллема ван Эльста, Виллема Калфа и Абрахама ван Бейерена в роскошные «банкеты» и «десерты». Золоченые кубки, китайский фарфор и делфтский фаянс, ковровая скатерть, южные фрукты подчеркивают вкус к изяществу и богатству, утвердившийся в голландском обществе в середине столетия. Соответственно, на смену «монохромным» завтракам приходит сочный, красочно насыщенный, золотисто-теплый колорит.
