Современные художники испании. Десять самых знаменитых испанцев
Картина - Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения.
Год создания - 1944,
Холст, масло 51× 40,5 см
Музей Тисенна-Барнемисы, Мадрид
Если верить рассказам Дали, он дремал за мольбертом, держа в руке ключ, кисть или ложку. Когда предмет выпадал и ударялся о положенную заранее на пол тарелку, грохот будил художника. И он немедленно брался за работу, пока не улетучилось состояние между сном и явью.
О картине Дали говорил так: «Целью было впервые изобразить открытый Фрейдом тип долгого связного сна, вызванного мгновенным воздействием, от которого и происходит пробуждение».
Фрейд описал его как сон, сюжет которого вызван каким-либо раздражителем извне: подсознание спящего человека идентифицирует этот раздражитель и превращает его в образы, которые имеют определенное сходство с источником раздражения. Если раздражитель несет угрозу в реальности, то и во сне он примет угрожающий облик, который спровоцирует пробуждение.
В нижней части картины изображена спящая обнаженная женщина, будто бы парящая над каменной плитой, которая омывается морем. Море в творчестве Дали означает вечность. Фрейд сравнивал психику человека с айсбергом, на девять десятых погруженным в море бессознательного.
Женщина на картине это Гала, которую художник считал своей вдохновительницей и вторым «я». Она видит сон, изображенный на картине, и находится на границе двух миров — реального и иллюзорного, одновременно присутствуя в обоих.
Женщина слышит во сне жужжание пчелы над гранатом. Образ граната в античной и христианской символике означает возрождение и плодородие.
«Вся жизнетворящая биология возникает из лопнувшего граната», — комментировал картину сам художник.
Подсознание сигнализирует, что насекомое может быть опасным, и мозг реагирует, вызывая образы рычащих тигров. Одно животное выпрыгивает из пасти другого, а то в свою очередь возникает из распахнутого рта рыбы, выныривающей из огромного граната, который повис над спящей. Острые когти и зубы — символ страха перед жалом насекомого, как и ружье со штыком, который вот-вот вонзится в руку женщины.
«Слон Бернини на заднем плане несет на себе обелиск и атрибуты папы», — художник намекал на сон о похоронах папы римского, приснившийся Фрейду из-за колокольного звона и приведенный психиатром как пример причудливой связи сюжета и внешнего раздражителя.
Слона с площади Минервы в Риме, созданного мастером эпохи барокко Джованни Лоренцо Бернини в качестве пьедестала для древнеегипетского обелиска, Дали в дальнейшем не раз изображал на картинах и в скульптуре. Тонкие суставчатые ноги — символ зыбкости и ирреальности, присущих сну.
Пабло Пикассо, Герника
Картина - Герника
Год создания- 1937.
Холст, масло. 349 х 776 см
Центр искусств королевы Софии, Мадрид
Картина была написана в мае 1937 года по заказу правительства Испанской Республики для испанского павильона на Всемирной выставке в Париже.
Экспрессивный холст Пикассо стал публичным протестом против бомбардировки нацистами баскского города Герники, когда на город за три часа было сброшено несколько тысяч бомб; в результате шеститысячная Герника была уничтожена, около двух тысяч жителей оказались под завалами.
Картина Пикассо полна личными чувствами страдания и насилия.
В правой части картины фигуры бегут прочь от горящего здания, из окна которого падает женщина; слева рыдающая мать держит на руках своего ребенка, а торжествующий бык топчет павшего воина.
Сломанный меч, раздавленные цветок и голубка, череп (спрятанный внутри тела лошади) и поза павшего воина, напоминающая распятие, — все это обобщенные символы войны и смерти.
На руках мёртвого солдата видны стигматы (болезненные кровоточащие раны, открывающиеся на теле некоторых глубоко религиозных людей — тех, кто «пострадал как Иисус» Бык символизирует зло и жестокость, а лошадь — страдания невинных.
Некоторые испанцы трактуют быка - символ традиционной испанской корриды, как саму Испанию, которая отвернулась от происходящего в Гернике (отсылка к тому, что Франко разрешил бомбардировку своего города).
Вместе эти неистовые фигуры образуют подобие коллажа, выделяясь силуэтами на темном фоне, ярко освещенные женщиной со светильником и глазом с электрической лампочкой вместо зрачка. Монохромная живопись, напоминающая газетные иллюстрации, и резкий контраст света и тьмы усиливает мощное эмоциональное воздействие.
Франсиско де Гойя, Обнаженная маха
Картина - Обнаженная маха
Год создания - 1795-1800.
Холст, масло. 98x191см
Музей Прадо, Мадрид
В образе махи - испанской горожанки XVIII—XIX веков, художник вопреки строгим академическим канонам воплотил тип притягательной, естественной красоты. Маха - женщина, смысл жизни которой - любовь. Обольстительные, темпераментные махи олицетворяли испанское понимание привлекательности.
Гойя создал образ новой Венеры современного ему общества, мастерски показав молодость, живое очарование, таинственную чувственность соблазнительной натурщицы.
Молодая женщина изображена на темном фоне, поэтому все внимание зрителя привлечено к вызывающей обнаженности ее шелковистой кожи, которая становится, по сути, главной и единственной темой картины.
По выражению французского писателя и историка искусства Андре Мальро, эта работа «не столько сладострастная, сколько эротическая, поэтому не может оставить равнодушным любого мало-мальски чувственного человека».
Картина была создана по заказу Мануэля Годоя, первого министра Испании, фаворита королевы Марии Луизы, супруги Карла IV. Долгое время он прятал ее у себя в кабинете. В пару ей была также написано второе полотно - Маха одетая, которую Годой вешал поверх Обнаженной.
Очевидно, кто-то из шокированных гостей донес на сластолюбца, и 1813 году инквизиция конфисковала у Годоя обе картины, попутно обвинив Гойю в безнравственности и потребовав у художника немедленно выдать имя позировавшей ему модели. Гойя, несмотря ни на какие угрозы наотрез отказался называть имя этой женщины.
С легкой руки писателя Лиона Фейхтвангера, автора романа «Гойя, или Тяжкий путь познания», по миру пошла гулять легенда о том, что обнаженная маха — это Мария Каэтана де Сильва, 13-я герцогиня Альба, с которой у художника якобы была любовная связь.
В 1945 году, с целью опровержения этой версии, семья Альба вскрыла гробницу, чтобы измерить кости герцогини и доказать, что её пропорции не совпадают с пропорциями Махи, но так как могилу уже вскрывали, и тело герцогини выбрасывали наполеоновские солдаты, то в его нынешнем состоянии измерения провести не удалось.
В настоящее время большинство искусствоведов склоняется к версии, что на картинах изображена Пепита Тудо, любовница Годоя.
Диего Веласкес, Менины
Картина- Менины
Год создания- 1656.
Холст, масло. 318 х 276 см
Музей Прадо, Мадрид
Наверное, Менины - это наиболее известная и узнаваемая картина художника, которую знают практически все. Это крупное полотно — одно из лучших произведений художника. Картина впечатляет своими масштабами и многоплановостью.
Для расширения пространства в нем использовалось сразу несколько мастерских художественных приемов. Художник разместил персонажей в просторной комнате, на заднем плане которой видна дверь со стоящим на освещенных ступеньках господином в черной одежде. Это сразу указывает на наличие за пределами комнаты еще одного пространства, визуально расширяя ее размеры, лишая двухмерности.
Все изображение немного смещено в сторону из-за полотна, обращенного к нам задней стороной. Перед полотном стоит художник — это сам Веласкес. Он пишет картину, но не ту, которую мы видим перед собой, так как основные персонажи обращены к нам лицом. Это уже три разных плана. Но и этого показалось мало мастеру и он добавил зеркало, в котором отражается царственная чета — король Испании Филипп IV и его супруга Марианна. Они с любовью смотрят на свое единственное на тот момент дитя — инфанту Маргариту.
Хотя картина называется «Менины», то есть фрейлины при испанском королевском дворе, центром изображения оказывается маленькая принцесса, надежда всего рода испанских Габсбургов на то время. Пятилетняя Маргарита не по возрасту спокойна, самоуверенна и даже надменна. Она без малейшего волнения и изменения выражения лица взирает на окружающих, а ее крохотное детское тельце буквально заковано в жесткий панцирь пышного придворного туалета. Ее не смущают знатные дамы — ее менины — присевшие перед ней в глубоком поклоне согласно суровому этикету, принятому при испанском дворе. Ее даже не интересует дворцовая карлица и шут, положивший ногу на лежащую на переднем плане большую собаку. Эта маленькая девочка держится со всем возможным величием, олицетворяя собой многовековую испанскую монархию.
Дальний план комнаты словно растворяется в легкой сероватой дымке, зато все детали сложного наряда маленькой Маргариты выписаны с мельчайшими подробностями. Не забыл художник и себя. Перед нами предстает импозантный мужчина средних лет, с пышными вьющимися локонами, в черной шелковой одежде и с крестом Сант-Яго на груди. Из-за этого символа отличия, которое мог получить только чистокровный испанец без капли примеси еврейской или мавританской крови, возникла небольшая легенда. Так как крест художник получил только через три года после написания полотна, считается, что его дорисовал сам король Испании.
Эль Греко, Погребение графа Оргаса
Картина - Погребение графа Оргаса
Год создания - 1586-1588.
Холст, масло. 480 x 360 см.
Церковь Сан-Томе, Толедо
Самая известная картина великого и загадочного Эль Греко принадлежит к периоду расцвета его творчества. К этому времени художник уже выработал свою манеру письма, которую невозможно перепутать со стилями других живописцев.
В 1586 году мастер приступил к оформлению церкви Сан-Томе в Толедо. Центральным сюжетом была выбрана легенда о толедском святом, доне Гонсале Руисе, он же граф Оргас, жившим в XIII-XIV вв. Благочестивый набожный христианин, он прославился благотворительной деятельности, а когда в 1312 году умер, сам святой Стефан и блаженный Августин спустились с небес, чтобы придать земле достойного усопшего.
Картина визуально разделена на две части: «земную» и «небесную». Строгий ритм нижнего «этажа» противопоставлен барочной «верхушке». А там, на разных небесных уровнях, душу графа встречают Иоанн Креститель, Дева Мария, ангелы и херувимы. В центре восседает Христос. Летящий ангел высветлен белым- именно он возносит душу графа к небесам.
Христос, ангел с усопшей душой и дворянин внизу образуют вертикальную ось. Геометрические линии в построении композиции были очень свойственны Эль Греко.
Экспозиционная кульминация смещена к низу работы, туда, где Стефан и Августин, склонившись, опускают Оргаса в землю. Святые одеты в золотые наряды, которые перекликаются с фигурой ангела и одеждами Петра в верхней зоне. Таким образом, золотым цветом художник связал героев работы, относящихся к миру небесному, потустороннему.
Картина пользовалась огромным успехом в Испании во времена художника. Позже Эль Греко был забыт и заново «открыт» импрессионистами. Выразительная эмоциональная работа имеет огромное воздействие на зрителя. По свидетельству очевидцев - Сальвадор Дали даже потерял сознание у полотна. Пожалуй, такая характеристика исчерпывающа.
Испания может похвастаться гениальными художниками. Но если бы их не было, никто бы не удивился.
Ведь эта страна почти всегда была консервативной. А где чрезмерная моральная косность и уж тем более инквизиция, там новаторы не выживают или просто не рождаются.
Поэтому я всегда поражалась, как эти художники умудрились предьявить миру свои новаторства!
Как Эль Греко обогнал своё время на 300 лет, работая в стиле экспрессионизма. А Веласкес на 200 лет раньше и начал творить в !
Предлагаю пристальнее посмотреть на этих талантливых и гениальных испанцев.
1. Эль Греко (1541-1614 гг.)
Эль Греко. Портрет старика (предположительно автопортрет). 1600 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк Греческий испанец или испанский грек Доминикос Теотокопулос почти в одиночку провернул испанское Возрождение. Если у итальянцев это была целая плеяда мастеров. То испанцы могут выдохнуть: ренессанс у них тоже был. Благодаря Эль Греко.
Создавая по большей мере религиозные картины, он смело разрушал предложенные каноны.
Достаточно взглянуть на полотно «Снятие одежд с Христа».
Эль Греко. Снятие одежд с Христа (Эсполио). 1579 г. Толедский собор в Испании Вместо нескольких фигур – целая толпа. Вместо перспективы – непроницаемая стена из персонажей.
Вместо легко читаемых эмоций – сложные чувства. Взгляните хотя бы на непонимающий взгляд Святой Марии. Она как будто не осознала, что сейчас произойдет. Психологи бы это назвали защитной реакцией на сильнейший стресс.
Но Эль Греко этого мало. Через несколько лет он создал ещё более поразительное произведение. Не картина – а вселенная. От мельчайших вышивок-историй в одеянии святых. До четкого разделения мира на две половины: мирскую и небесную.
Это я, конечно, о «Погребении графа Оргаса».
Эль Греко. Погребение графа Оргаса. 1588 г. Церковь Сан-Томе в Толедо А ещё сразу мы замечаем вытянутые тела. Скорее, такое искажение форм Эль Греко подсмотрел у маньеристов. Хотя бы у того же Пармиджанино. Возможно, ещё наложился опыт создания византийских икон (ведь родом он был с греческого Крита).
Эту особенность со временем он ещё более гипертрофировал. Это четко заметно в его поздней работе «Лаокоон».
Эль Греко. Лаокоон. 1614 г. Национальная галерея Вашингтона Художник интуитивно понимал, что через изменение формы его герои могут рассказать нам о своих чувствах и переживаниях. Ведь они лишены движения.
Заметили, что городской пейзаж на заднем фоне тоже очень необычный? Он скоре близок к Ван Гогу и Сезанну, нежели к эстетике Ренессанса.
Никто до Эль Греко в западной живописи так не искажал формы. И после него художники стремились к реалистичности пропорций. Поэтому-то и считали его 300 лет чудаком и неумехой.
Его забыли и не вспоминали. И только в конце 19 века до всех дошло, насколько он опередил своё время. Теперь вновь обретённый Эль Греко в истории искусства навсегда.
2. Диего Веласкес (1599-1660 гг.)
Диего Веласкес. Менины (фрагмент с автопортретом). 1656 г. Новаторства Веласкеса поражают до глубины души. Мало того, что он жил в очень консервативном обществе, так он ещё был придворным художником!
А это значит, что у него были придирчивые заказчики, которым нет дела до новаторств. Лишь бы было «красиво и похоже». В таких условиях любое новаторство легко чахнет.
Но не у Веласкеса. Каким-то чудом заказчики ему все прощали, видимо, интуитивно понимая, что благодаря этому художнику о них будут помнить и через 500 лет. И они не ошиблись.
Однако даже Веласкесу жестокая инквизиция не собиралась идти на уступки во всем. Писать обнаженную натуру считалось серьезным преступлением.
Все же Веласкесу удалось создать шедевр с прекрасным обнаженным телом даже в таких условиях.
Диего Веласкес. Венера перед зеркалом. 1647-1651 гг. Национальная галерея Лондона Правда свою прекрасную «Венеру» он написал, будучи в Италии. Потом тайно привёз в Испанию и передал на хранение влиятельному министру. А к нему инквизиция в дом просто так не вламывалась в поисках обнаженки.
Уже по этой «Венере» понятно, чем так выделялся Веласкес. Своей жизненностью. Ведь нет сомнений, что это настоящая женщина. Прекрасная, но настоящая. Настолько ее поза расслаблена и естественна.
Предположительно, это итальянская возлюбленная художника. Он предусмотрительно обезопасил ее, повернув к нам спиной. А лицо отразил в мутном зеркале.
Там же в Италии Веласкес написал легендарный портрет Папы Римского Инокентия X.
Диего Веласкес. Портрет Папы Иннокентия X. 1650 г. Галерея Дориа-Памфили, Рим Веласкесу удалось очень точно передать жесткий и коварный характер Папы.
Казалось бы, 75-летний понтифик предстаёт нам в самом величественном виде. Но колючий волевой взгляд, сжатые губы и ядовитый красный цвет мантии, говорят об истинных ценностях этого человека.
Как же Веласкесу опять удалось добиться жизненности даже в парадном портрете?
Дело в том, что Веласкесу посчастливилось встретить Папу, проходящего по одной из галерей Ватикана. Он шёл в одиночестве и на его лице не было привычной для приемов «маски». Именно тогда Веласкес понял его характер и перенёс своё впечатление на полотно.
Вернувшись из Италии, Веласкес продолжил выполнять обязанности придворного.
Но не подумайте, что Веласкес был несчастлив. Он сам стремился стать художником короля, так как был тщеславен. Поэтому он безропотно писал бесчисленные портреты аристократов, и даже не брезговал выносить за Его Высочеством ночной горшок.
Но среди этих однотипных работ есть крайне необычный портрет королевской семьи: «Менины».
Диего Веласкес. Менины. 1656 г. В этой картине заложена очень необычная идея.
Веласкес решил показать нам, как выглядит его мир по другую сторону холста. Мы видим происходящее глазами тех, кто … позирует художнику.
Мы видим, как художник работает над портретом Короля и его супруги. А они стоят на нашем месте (или мы стоим на их месте) и смотрят на художника. И тут в мастерскую зашла принцесса, их дочь, со своей свитой навестить родителей.
Чем-то похоже на «случайные кадры» . Когда художник предпочитал писать своих героев не на сцене, а в закулисье.
Ещё одну особенность мы замечаем в «Менинах». Это быстрые, вибрирующие мазки. При этом художник не делает различий между фоном и героями. Все соткано как бы из единой материи. Именно так будут писать импрессионисты 200 лет спустя, тот же и .
Да, мастерство не знает границ… не боясь ни инквизиции, ни косной морали. Представляете, что Веласкес мог бы сотворить, если бы жил в более свободную эпоху! В , например.
3. Хосе де Рибера (1591-1652 гг.)
Джузеппе Макферсон. Портрет Хосе де Риберы. 1633-1656 гг. Королевская коллекция, Лондон «Маленький испанец» (как его ещё называли) Хосе де Рибера в 14 лет переехал в Италию. Но его живопись всегда оставалась испанской, мало чем похожей на итальянский академизм.
Здесь, в Италии он был поражён живописью . И, конечно, не удержался, чтобы не поработать в технике тенебросо. Это когда главный герой находится в темноте и только тусклым светом из неё выхватывается.
Очень уж эта техника Караваджо подходила общему стилю Риберы. Он просто обожал остросюжетные библейские и мифологические истории. И именно тенебросо доводит эту остросюжетность до кульминации.
Его главные герои – это те, кто принимает страдания ради высокой цели. Как, например, Прометей.
Хосе де Рибера. Прометей. 1830 г. Частная коллекция От натуралистичности Риберы оторопь берет. И дело не только в очень точной передаче реального тела. А ещё в том, как выглядят раны и как эмоционально на свои страдания реагирует герой.
Дело в том, что Рибера посещал тюрьмы и своими глазами наблюдал пытки осуждённых. Вот такой 17 века. Только Дега ходил в театр за балеринами подсматривать. А этот испанец ходил по местам заключения и выискивал правдоподобие для своих мучеников.
Через какое-то время мастер начинает отходить от караваджизма. Однако борцы за высокие идеалы по-прежнему – главные его герои. И один из таких шедевров – «Мученичество святого Филиппа».
Хосе де Рибера. Мученичество святого Филиппа. 1639 г. Музей Прадо, Мадрид Мы видим святого за несколько секунд до того, как его вздёрнут на дыбу. Ещё нет самого страшного в физическом плане. Но есть возможность сопереживать из-за надвигающегося неизбежного конца и восхищаться смирением святого.
Рибера усиливает драматизм, изобразив мученика строго по диагонали. Его фигура, сухощавая и длинная, еле вмещается в картину. Как будто Гулливер (в духовном плане) попал в плен на растерзание к мелким, жалким людишкам.
Рибера прославился ещё тем, что рисовал людей с аномалиями. Хромоножки, карлики и женщины с бородой – тоже частые герои его картин.
Но не подумайте, что это было его болезненное стремление. Таковы были нравы при дворе. Аристократия любила держать у себя таких людей в качестве шутов и по сути рабов. А художники их рисовали опять же на потеху гостям.
Одна из самых знаменитых таких работ мастера – «Магдалена с мужем и сыном».
Хосе де Рибера. Магдалена Вентура с мужем и сыном (Бородатая женщина). 1631 г. Госпиталь Табера в Толедо, Испания Женщина в 37 лет пережила гормональный сбой, в результате у неё начала расти борода. Заказчик потребовал нарисовать ее с младенцем на руках. Хотя к тому моменту ей было уже за 50. Ее сыновья давно выросли, а грудь явно была не столь пышной. Но младенец и грудь делали эту ошибку природы более красноречивой.
Но в отличие от заказчиков, Рибера лишь сочувствовал таким людям. И глаза несчастной женщины выражают истинное отношение художника к ней.
4. Франсиско Гойя (1746-1828 гг.)
Висенте Лопес Портанья. Портрет Франсиско Гойи. 1819 г. Музей Прадо, Мадрид. Мать Гойи говорила своему сыну «Ты родился не розой, а луком. Луком и помрешь». Это она о строптивом и драчливом характере сына. Да, Франсиско Гойя был очень темпераментным человеком.
Истории о том, как он оставил свою подпись на … куполе собора святого Петра в Риме, а ещё похитил и соблазнил монашку из монастыря – о многом говорят.
Образование он получил поверхностное и всю жизнь писал с ошибками. Но это не помешало ему стать величайшим художником. Он смог добиться почти невозможного.
Он написал обнаженную женщину, но не попался в лапы инквизиции. Впрочем, Веласкес проделал этот трюк первым.
Он умудрялся почти всю жизнь оставаться придворным художником. Но при этом активно высказывал гражданскую позицию в своих работах. А монархи как будто ничего и не замечали.
Он соблазнял одну красивую аристократку за другой, несмотря на плохое здоровье и глухоту.
Это один из самых смелых художников, чья кисть – как меч, а краски – дерзкие слова. Впрочем, в реальных дуэлях и словесных перепалках Гойя тоже участвовал не раз.
Взглянем же на его самые выдающиеся работы.
Думая о Гойе, мы, конечно, сразу вспоминаем его «Маху обнаженную».
Франсиско Гойя. Маха обнаженная. 1795-1800 гг. Музей Прадо, Мадрид. Впервые обнажённая натура предстала не как у Веласкеса, украдкой и исподтишка, а во всём своём бесстыдном великолепии. Никакой жеманности, а только чувственность и откровенный эротизм.
Гойя долгое время трудился при дворе, однако, не терпел заискивания и вранья. Достаточно взглянуть на его полотно .
Франсиско Гойя. Портрет семьи Карла IV. 1800 г. Музей Прадо, Мадрид. Сколько здесь иронии по отношению к монаршим особам! По центру автор изображает королеву Марию, явно намекая, что она, а не Карл правит страной.
Удивительно, как художнику позволили создать такой контраст: между одеянием королевской четы и их лицами! Роскошь и блеск золота не могут скрыть заурядность героев и откровенную «простофильность» короля.
И конечно, нельзя пройти мимо его работы «Расстрел 3 мая». Это картина о героизме простых испанцев во время оккупации наполеоновскими войсками.
Франсиско Гойя. 3 мая 1808 года в Мадриде. 1814 г. Прадо, Мадрид В миг перед залпом, каждый из обречённых мятежников выглядит по-своему: кто-то смиренно ждёт, кто-то молится, кто-то плачет.
Но один испанец в белой рубахе готов встретить смерть без страха. Художник поставил его на колени. И если представить, что он встанет, окажется просто великаном. А ружья французских солдат как будто направлены только на него.
Так Гойя впервые показал подвиг и отвагу простого человека. До него героями изображались далеко не простолюдины. Это совершенно новый взгляд на историческую живопись.
Несомненно, Гойя и сегодня поражает свой смелостью, эксцентричностью и гуманизмом. Это был мастер с особым мироощущением.
Он для нас художник особой силы, как духовный лидер. Который не будет льстить властьпредержащим, не будет игнорировать героизм простого человека, и не будет отворачиваться от красоты, даже если она считается греховной и низменной.
5. Пабло Пикассо (1881 – 1973 гг.)
Пабло Пикассо. Автопортрет. 1907 г. Национальная галерея Праги Пикассо считается самым знаменитым художником в мире. Правда большинство знает его, как кубиста. Хотя в стиле чистого кубизма он работал недолго. Он был и экспрессионистом, и сюрреалистом. Это был художник-хамелеон.
На самом деле не важно, в каком стиле он работал. Главная его особенность – это многочисленные эксперименты с формой. Он мял форму, вытягивал ее, сжимал, крошил и показывал со всех сторон.
Начал он с осторожных экспериментов, подражая Эль Греко. Именно у него он подглядел деформированные формы. И так же, как Эль Греко, вытягивал свои фигуры во время своего .
Пабло Пикассо. Две сестры. 1902 г. Эрмитаж Сезанн искал в цвете, форме и перспективе возможности выразить суть вещи. Пикассо с помощью кубизма довел эту идею до конца.
С помощью разных углов зрения и элементов предмета он пытался запустить ассоциативный ряд у зрителя: показать суть вещи, а не ее изображение.
Пабло Пикассо. Композиция с разрезанной грушей. 1914 г. Эрмитаж На картине «Груша» мы НЕ видим изображение груши. Но мы видим кусочки холста в крапинку: у нас идёт воспоминание о подобной текстуре грушевой мякоти. Нежный бежевый и коричневый тоже ассоциируются с грушей. Уже не говоря о характерной дуге.
Все эти обрывки образа груши и вызывают у нас не только зрительное воспоминание о груше, но и о ее вкусе, и том, какая она на ощупь.
Именно эта концепция выражения сути, а не изображения – ведущая в живописи Пикассо. Даже когда он отойдёт от типичных «кубиков» и будет писать в стиле, близком к сюрреализму.
К таковым относятся портреты Марии-Терезы Вальтер.
Пабло Пикассо. Сон. 1932 г. Частная коллекция Во время изматывающего и разрушающегося брака с Хохловой Пикассо случайно встретил юную Марию-Терезу.
Он всегда изображал ее красочной и волнистой, с элементами кубизма. Ведь её лицо показано одновременно с двух точек зрения: и в профиль, и анфас.
Тем самым он выворачивает наизнанку всю ее чувственность и нежность, крайнюю женственность. И это несмотря на то, что в ее фигуре было что-то мужеподобное. Но ведь формы для того, чтобы подчеркнуть суть, а не изобразить внешнюю оболочку модели.
Пикассо – великий экспериментатор. Главная его подопытная – это форма. Она повергалась изменениям в огромном количестве работ художника. Ведь он был ещё и одним из самых плодовитых художников на свете. Как он сам говорил о себе: «Дайте мне музей, и я заполню его своими картинами».
Пять великих живописцев, пять испанцев являются одними из создателей современного искусства. Несмотря на то, что большинство из них жило 200-300 лет назад.
В их творчестве черпают вдохновение современные художники. Они дают импульс, который до сих пор подпитывает мировую культуру.
Нам остаётся быть благодарными, хранить их наследие и, конечно, восхищаться.
Для тех, кто не хочет пропустить самое интересное о художниках и картинах. Оставьте свой e-mail (в форме под текстом), и Вы первыми будете узнавать о новых статьях в моем блоге.
PS. Проверьте свои знания, пройдя .
Вконтакте
Это больше, чем красивые картинки, это отражение реальности. В произведениях великих художников можно увидеть, как менялся мир и сознание людей.
Искусство - это еще и попытка создать альтернативную реальность, куда можно спрятаться от ужасов своего времени, или желание изменить мир. Искусство XX века по праву занимает особое место в истории. Люди, жившие и творившие в те времена, пережили социальные потрясения, войны, небывалое развитие науки; и все это нашло отпечаток на их полотнах. Художники 20-го века приняли участие в создании современного видения мира.
Чьи-то имена до сих пор произносят с придыханием, а чьи-то несправедливо забыты. У кого-то был настолько противоречивый творческий путь, что мы до сих пор не можем дать ему однозначную оценку. Этот обзор посвящен 20 величайшим художникам 20-го века. Камиль Писарро
- французский живописец. Выдающийся представитель импрессионизма. На творчество художника оказали влияние Джон Констебла, Камиль Коро, Жан Франсуа Милле.
Родился 10 июля 1830 года в городе Сент-Томас, скончался 13 ноября 1903 года в Париже.
Эрмитаж в Понтуазе, 1868
Оперный проезд в Париже, 1898
Закат в Варенжвилле, 1899
Эдгар Дега -
французскийхудожник, один из величайших импрессионистов. На творчестве Дега прослеживалось влияние японской графики Родился 19 июля 1834 года в Париже, скончался 27 сентября 1917 года в Париже.
Абсент, 1876
Звезда, 1877
Причесывающаяся женщина, 1885
Поль Сезанн -
французский художник, один из величайших представителей постимпрессионизма. В своем творчестве стремился к раскрытию гармонии и уравновешенности природы. Его творчество оказало громадное влияние на мировоззрения художников XX века.Родился 19 января 1839 года в городе Экс-ан-Прованс, Франция, скончался 22 октября 1906 года в Экс-ан-Прованс.
Картежники, 1893
Современная Олимпия, 1873
Натюрморт с черепами, 1900
Клод Моне
- выдающийся французский живописец. Один из основоположников импрессионизма. В своих работах Моне стремился передать богатство и насыщенность окружающего мира. Для его позднего периода характерны декоративизм иДля позднего периода творчества Моне характерны декоративизм, все большее растворение предметных форм в изощренных сочетаниях цветовых пятен.
Родился 14 ноября 1840 года в Париже, скончался 5 декабря 1926 в Жверни.
Утес Уелк в Пурвилле, 1882
После ланча, 1873-1876
Этрет, закат, 1883
Архип Куинджи -
известныйроссийский художник, мастер пейзажной живописи. Рано лишился родителей. С ранних лет стала проявляться любовь к живописи. Творчество Архипа Куинджи оказало огромное влияние на Николая Рериха.Родился 15 января 1841 года в Мариуполе, скончался 11 июля 1910 года в Санкт-Петербурге.
"Волга", 1890-1895
"Север" , 1879
"Вид на Кремль с Замоскворечья", 1882
Пьер Огюст Ренуар -
французский художник, график, скульптор, один из выдающихся представителей импрессионизма. Также был известен как мастер светского портрета. Огюст Роден стал первым импрессионистом, ставшим популярным среди состоятельных парижан.Родился 25 февраля 1841 года в Лиможе Франция, скончался 2 декабря 1919 года в Париже.
Мост искусств в Париже, 1867
Бал в Мулен де ла Галетт, 1876
Жанна Самари, 1877
Родился 7 июня 1848 года в Париже, скончался 8 мая 1903 года на острове Хива-Оа, Французская Полинезия.
Бретонский пейзаж, 1894
Бретонская деревня в снегу, 1888
А ты ревнуешь? 1892
День святых, 1894
Василий Кандинский - русский и немецкий художник, поэт, теоретик искусства. Считается одним из лидеров авангарда 1-ой половины 20 века. Входит в число основоположников абстрактного искусства.Родился 22 ноября 1866 года в Москве, скончался 13 декабря 1944 года в местечке Нейи-сюр-Сен, Франция.
Пара, едущая верхом на коне, 1918
Пестрая жизнь, 1907
Москва 1, 1916
В сером, 1919
Анри Матисс - один из величайших французских художников и скульпторов. Один из основателей течения фовистов. В своем творчестве стремился к передаче эмоций через цвет. На своем творчестве испытал воздействие исламской культуры западного Магриба. Родился 31 декабря 1869 года в городе Ле Като, скончался 3 ноября 1954 года в городке Симье.
Площадь в Сен-Тропе, 1904
Очертания Нотр-Дам ночью, 1902
Женщина в шляпе, 1905
Танец, 1909
Итальянка,1919
Портрет Делекторской, 1934
Николай Рерих
- русский художник, писатель, ученый, мистик. За свою жизнь написал более 7000 картин. Один из выдающихся деятелей культуры XX века, основатель движения «Мир через культуру».Родился 27 октября 1874 года в Санкт-Петербурге, скончался 13 декабря 1947 года в городе Кулу, штат Химачал-Прадеш, Индия.
Заморские гости, 1901
Великий дух Гималаев, 1923
Весть Шамбалы, 1933
Кузьма Петров-Водкин -
российский художник, график, теоретик, писатель, педагог. Был одним из идеологов реорганизации художественного образования в СССР.Родился 5 ноября 1878 года в городе Хвалынск Саратовской губерни, умер 15 февраля 1939 года в Ленинграде.
«1918 год в Петрограде», 1920
«Играющие мальчики», 1911
Купание красного коня, 1912
Портрет Анны Ахматовой
Казимир Малевич
- русский художник, основоположник супрематизма— направления в абстрактном искусстве, педагог, теоретик искусства и философРодился 23 февраля 1879 года в Киеве, умер 15 мая 1935 года в Москве.
Отдых (Общество в цилиндрах), 1908
«Крестьянки с ведрами», 1912-1913
Черный супрематический квадрат, 1915
Супрематическая живопись, 1916
На бульваре,1903
Пабло Пикассо
- испанский художник, скульптор, скульптор, дизайнер керамист. Один из основоположников кубизма. Творчество Пабло Пикассо оказало существенное влияние на развитие живописи XX века. По результатам опроса читателей журнала TimeРодился 25 октября 1881 года в городе Малага Испания, умер 8 апреля 1973 года в Мужене, Франция.
Девочка на шаре, 1905
Портрет Амбруаза Валлора, 1910
Три грации
Портрет Ольги
Танец, 1919
Женщина с цветком, 1930
Амадео Модильяни
- итальянский художник, скульптор. Один из ярчайших представителей экспрессионизма. При жизни имел лишь одну выставку в декабре 1917 года в Париже. Родился 12 июля 1884 года в городе Ливорно, Италия, скончался 24 января 1920 года от туберкулеза. Мировое признание получил посмертно Мировое признание получил посмертно.
Виолончелист, 1909
Супруги, 1917
Жоан Эбютерн, 1918
Средиземноморский пейзаж, 1918
Диего Ривера
- мексиканский живописец, муралист, политик. Был супругом Фриды Кало. В их доме нашел приют на короткое время Лев Троцкий.Родился 8 декабря 1886 года в Гуанахуато, скончался 21 декабря 1957 года в Мехико.
Нотр-Дам де Пари в дождь, 1909
Женщина у колодца, 1913
Союз крестьянина и рабочего, 1924
Промышленность Детройта, 1932
Марк Шагал
- Российский и французский живописец, график, иллюстратор, театральных художник. Один из величайших представителей авангадра.Родился 24 июня 1887 года в городе Лиозно, Могилевской губернии, скончался 28 марта 1985 года в Сен-Поль-де-Прованс.
Анюта (Портрет сестры), 1910
Невеста с веером, 1911
Я и деревня, 1911
Адам и Ева, 1912
Марк Ротко
(наст. Марк Роткович) - американский художник, один из основателей абстрактного экспрессионизма и основоположник живописи цветового поля.Первые работы художника были созданы в реалистичном духе, однако, затем к середине 40-х годов Марк Ротко обращается к сюрреализму. К 1947 году случается важнейший перелом в творчестве Марка Ротко, он создает собственный стиль - абстрактный экспрессионизм, в котором отходит от предметных элементов.
Родился в 25 сентября 1903 года в городе Двинск (ныне Даугавпилс), скончался 25 февраля 1970 года в Нью-Йорке.
Без названия
Номер 7 или 11
Оранжевый и желтый
Сальвадор Дали
- живописец, график, скульптор, писатель, дизайнер, режиссёр. Пожалуй, самый известный представитель сюрреализма и один из величайших художников XX века.Автор дизайна Чупа-Чупс.
Родился 11 мая 1904 года в городе Фигерас, Испания, скончался 23 января 1989 года в Испании.
Искушение святого Антония, 1946
Тайная вечеря, 1955
Женщина с головой из роз, 1935
Моя жена Гала, обнаженная, смотрит на свое тело, 1945
Фрида Кало -
мексиканский художник и график, одна из ярчайших представителей сюрреализма.Фрида Кало начала рисовать после автокатастрофы, в результате которой оказалась прикованной к кровати на год.
Была замужем за известным мексиканским художником-коммунистом Диего Риверой. У них в доме нашел не надолго убежище Лев Троцкий.
Родилась 6 июля 1907 года в городе Койоакан, Мексика, умерла 13 июля 1954 года в Койоакане.
Объятия вселенской любви, Земля, я, Диего и Коатль, 1949
Моисей (Ядро Создания),1945
Две Фриды, 1939
Энди Уорхол
(наст. Андрей Вархола) - американский художник, дизайнер, режиссёр, продюсер, издатель, писатель, коллекционер. Основатель поп-арта, яаляется одной из самых противречивых личностей в истории культуры. По жизни художника снято несколько фильмов.Родился в 6 августа 1928 года в Питсбурге, штат Пенсильвания, скончался в 1963 году в Нью-Йорке.
Великие испанские художники в своих работах затрагивали темы, которые волнуют каждого человека, поэтому их имена остались в веках. Начиная с Эль Греко, можно выделить девять таких мастеров, живших с XVI по XX век. Наивысшим расцветом является XVII век. Иначе его еще называют Золотым. Это период барокко.
Шестнадцатый век
Первым, кто прославил испанскую школу, был грек Доменико Теотокопулос (1541-1614), которого прозвали в Испании Эль Греко. В те времена часто пылали костры над еретиками. Поэтому светские темы практически не затрагивались. Станковая и фресковая живопись - это разновидности иллюстраций к Святому писанию. Но и тут следовало проявлять большую осторожность. Требовались традиционные трактовки.
Эль Греко сочетает религиозные темы с изумительным по красоте и пышности цветовым решением, которое предваряет появление барокко. Один из его шедевров, «Апостолы Петр и Павел» (1582-592), хранится в России. На нем изображен простой неграмотный рыбак Петр и создатель всей христианской доктрины высокообразованный Павел, естественно, с Библией. Христианство в первые века завоевало все сердца своей любовью к людям, милосердием и простотой - достаточно было только поверить, и любой человек, образованный и нет, бедный или богатый, становился христианином. Испанские художники многому научились у живописца, обладавшего неповторимым стилем, связанным с болезнью глаз. Однако на долгий период его живопись была забыта и вновь открыта через три столетия.
Барокко - Золотой век
Как нигде, католицизм по-прежнему силен, более того, он представляет мощную и грозную силу, которая требует от человека умерщвления плотских желаний и радостей и полного погружения в религиозную обрядность. Испанские художники, такие, как Хосе Рибера (1591-1652), (1598-1664), Диего Веласкес (1599-1660) и Бартоломео Мурильо (1617-1682) являются ярчайшими представителями этого периода. Они знакомы с работами Караваджо, который оказывает на них большое влияние, не своими натюрмортами, а своим осмыслением того, что есть смерть и как близко она соприкасается с жизнью.
Испанские художники Рибера и Сурбаран
Это объединение несколько условно. Живопись Хосе Риберы (1591-1652) отличает тематика, связанная с мученичеством и натурализмом в изображении страданий святых и героев из мифологии, а также резкая контрастность света и тени. Франсиско Сурбаран (1598-1664) свои лучшие картины, окрашенные лиризмом, создает в 30-годы XVI века. В 1662 году он с умилением напишет «Мадонну с младенцем и Иоанном Крестителем».
Светлый образ младенца, находящегося в центре простой и естественной композиции, сразу привлекает внимание, как и нежный лик Мадонны, и золотистые одежды преклонившего колени Иоанна, у ног которого расположилась символичная белая овечка. Выросший Христос будет пастырем огромного стада уверовавших в него. Сурбаран пишет только с натуры - это его принцип, используя контраст глубоких теней и сильного света. Сурбаран был дружен с гениальным художником Диего Веласкесом, который помогал ему с заказами. Испанские художники стремились поддержать друг друга.
Веласкес (1599-1660)
Первоначально испанский художник Диего Веласкес, живя в Севилье, много работает над жанровыми сценками, а также над аллегорическими картинами. Но знакомство с итальянской живописью из королевской коллекции очень изменило его эстетические взгляды. Он меняет колорит на нежно-серебристый и переходит к прозрачным тонам. С большим трудом ему удается получить место придворного живописца. Но король Филипп IV сразу оценил дар молодого художника, и тот в дальнейшем создавал портреты членов королевской семьи. Вершиной в его творчестве явились две картины, неразгаданные до сих пор, до того много смыслов заложил в них художник. Это «Менины» (1656), то есть свита придворных при наследниках королевского престола, и «Пряхи» (1658).
В «Менинах» на первый взгляд кажется все просто. В большой комнате находятся молодая инфанта, окруженная фрейлинами, телохранитель, два карлика, собака и художник. Но за спиной живописца на стене висит зеркало, в котором отражаются король с королевой. Есть королевская чета в комнате или нет - это одна из загадок. Их много больше, на огромную статью. И ни на одну загадку не дается однозначного ответа.
От Франсиско Гойи до Сальвадора Дали
Родившись в Сарагосе, Гойя (1746-1828) становится официальным придворным художником, но потом теряет это место и получает должность вице-директора Академии художеств. В любом качестве Гойя работает много и быстро, создавая картоны для шпалер, портреты, расписывает церкви, пишет картины для кафедрального собора в Валенсии. Он работает всю жизнь упорно и много, меняясь как мастер, переходя от светлых праздничных композиций с насыщенными цветами к стремительной и резкой графике, а если это живопись, то темная и мрачная.
Школа рисования в Испании не умирает, но следующий художник испанской живописи, большой мастер, появится в 1881 году. Это Пикассо. Чем только не отмечено его творчество. Это и «голубой» и «розовый» периоды, и кубизм, и сюрреализм, и пацифизм. За всеми его работами стоит тонкая ирония и желание продаваться. А рисовать он умел. Создавая в кубистический период портреты своей возлюбленной, которые продавались, как горячие пирожки, для себя он пишет ее в стиле реализма. И только став обеспеченным человеком, он стал позволяет себе рисовать, как он хочет.
Лаконична его работа «Дон Кихот» (1955). Изображены сам рыцарь, его оруженосец, конь, ослик и несколько Дон Кихот легок, невесом, а Росинант - почти мешок с костями. В противоположность ему Санчо слева - черная тяжелая масса. И хотя обе фигуры стоят на месте, рисунок полон движения. Линии энергичные, броские, полны юмора.
Эксцентричен известный испанский художник Сальвадор Дали. У этого человека все шло на продажу. И картины, и дневники, и книги. Состояние он себе сделал благодаря энергичной помощи жены более известной как Гала. Она была и его музой, и менеджером. Их союз был очень успешен в коммерческом плане.
Завершая на этом статью на тему об известных испанских художниках, нужно сказать, что они все обладали яркой, как солнце Испании, индивидуальностью.
