Technika rysowania superrealistycznych krajobrazów. Hiperrealizm: obrazy nie do odróżnienia od rzeczywistości

„Wiem, że anatomia jest tu niewłaściwa, ale taki jest mój styl”, „Ten rysunek nie ma stylu”, „Podoba mi się twój styl!” Często używamy słowa „ styl", nie do końca oddając jego znaczenie. Podobnie jak "miłość" czy "sztuka" - nauczyliśmy się tych słów na pamięć, ale nie jest łatwo je zdefiniować.

W tym artykule spróbuję przeanalizować pojęcie stylu: co to jest? Czy można go osądzić? Czy wszystkie style są równie dobre? Czy styl może ukryć brak talentu? Co sprawia, że styl jest realistyczny? Co jest złego w kopiowaniu czyjegoś stylu? I najważniejsze – jak wypracować własny styl?

Odpowiedzi na wszystkie te pytania kryją się w samej koncepcji rysunku. Jeśli nigdy nie próbowałeś zrozumieć, czym jest rysunek, wnioski mogą Cię zaskoczyć!

Styl? Co za styl? Nie umiem nawet rysować!

Albo wiesz jak? Szanowni Państwo, mam zaszczyt przedstawić Państwu niezastąpiony poradnik rysowania!

Krok 1

Weź coś, co pozostawia ślady po naciśnięciu.

Krok 2

Naciśnij ten przedmiot na materiał (coś twardego, np. papier, drewno, brud itp.).

1 - naciśnij

Krok 3

Przesuń obiekt z siłą potrzebną do utworzenia znaku.

1 - naciśnij, 2 - przesuń

Brzmi absurdalnie? Ale to jest malowanie! W jego podstawowej definicji nie ma piękna ani realizmu. I każdy może rysować – nawet niewidomy!

To rysunek!

Jednak ta czysto obiektywna definicja rysunku połączyła się z czymś bardziej niejasnym - stylem. Najczęściej kojarzony jest z jednym konkretnym stylem – realizmem. Z jakiegoś powodu wartość rysunku zaczęto określać w zależności od jego realizmu. Kiedy dziecku mówi się, że ma talent do rysowania, nie oznacza to, że ma ładne linie lub że potrafi dokończyć rysunek bez użycia gumki - oznacza to, że ludzie potrafią odróżnić to, co rysuje!

Może to talent, a może determinacja

Kiedy ktoś mówi: „Nie umiem rysować”, w większości przypadków nie ma na myśli nieumiejętności trzymania ołówka, braku czasu czy jakiegoś tabu. Tak naprawdę mają na myśli: „Nie wiem, jak przenieść rzeczywistość na kartkę papieru”. Jeśli sobie to uświadomią, ich problem będzie łatwiej rozwiązać – jeśli nie wiesz, jak coś zrobić, znajdź kogoś, kto to wie i ucz się od niego! Ale osoba mówiąca „Nie umiem rysować” nie używa tego wyrażenia w taki sam sposób, jak „Nie umiem pływać/mówić po chińsku/grać w szachy [jeszcze]”. Sygnalizują beznadziejną niemożność - „niektórzy potrafią rysować, ale ja nie”. Skąd bierze się rozpacz?

Jak powiedzieliśmy, istnieją dwie definicje rysowania: robienie śladów na materiale i robienie znaków, które wyglądają jak coś prawdziwego. Dla ambitnego artysty pomieszanie tych dwóch znaczeń może być zabójcze. Wiesz, że łatwo jest rysować(pocieranie ołówkiem po papierze), ale jednocześnie nie możesz tego zrobić (narysuj smoka). Czyż nie jest to magiczna sztuka, którą posiadają niektórzy ludzie?

Podstawowe rysowanie i rysowanie ze stylem

Teraz zrobiłeś pierwszy krok w kierunku zrozumienia całego szumu wokół słowa „talent”. Osoba utalentowana nie „rodzi się z umiejętnością, której nie można się nauczyć”. Talent to rodzaj predyspozycji, a nie jak myślisz, i nie ogranicza się on tylko do sztuki.

Stwórzmy przykład. Latanie samolotem jest łatwe, prawda? Wystarczy usiąść, poruszyć sterami i od czasu do czasu wciskać różnego rodzaju przyciski… Nie, nikt tak nie powie. Można się domyślić, że do sterowania statkiem powietrznym potrzebna jest szeroka wiedza. Utalentowany pilot nie rodzi się z tą wiedzą - urodził się jednak z czymś mniejszym, np. dobrym refleksem czy opanowaniem. Te drobne atuty mogą mu pomóc w wielu zawodach, a jeśli zostanie pilotem, dobrze mu się przydadzą.

Talent w zawodach „praktycznych” najczęściej kojarzony jest z nabytymi umiejętnościami. Nawet jeśli mówisz, że pilot lub kierowca ma talent, postrzegasz to jako wisienkę na torcie – coś, co wyróżnia go na tle innych dobrych pilotów i kierowców. Natomiast jeśli chodzi o zawody artystyczne... tu sytuacja jest odmienna. „Twoja praca jest piękna, masz talent!” - mówią ludzie każdemu dobremu artyście, dając do zrozumienia, że bez talentu nie można dobrze rysować. A jeśli nie umiesz dobrze rysować, to na pewno dlatego, że nie masz talentu i jako artysta jesteś skazany na porażkę. Dobry powód, żeby popaść w rozpacz, prawda?

A jest kierowcą, B jest artystą; 1 - zły, 2 - dobry, 3 - utalentowany

Powtarzam jeszcze raz – nie ma czegoś takiego jak „talent do rysowania”. Podobnie jak w przykładzie pilotażowym, możesz urodzić się (lub wychować!) z małymi wspólnymi cechami, takimi jak cierpliwość, wrażliwość, ciekawość, perfekcjonizm czy upór. Może ich być więcej, a jest coś, co je łączy – nie są specyficzne, nie są wyostrzone pod jedną konkretną umiejętność, ale wpływają na dość rozległe obszary życia. Możesz ich użyć, aby zostać wielkim artystą, ale nie musisz. Możesz zostać programistą lub zegarmistrzem i nigdy nie dotykać ołówka.

Wierzę, że większość z tych cech można w ten czy inny sposób wykorzystać w sztuce. To, co naprawdę się liczy, to realizacja: rysunku należy się aktywnie uczyć To nie magia, to tak trudna umiejętność, jak nauka latania samolotem. Jestem poważny! Trzeba zdobyć podstawową wiedzę nie tylko z zakresu projektowania, ale także z takich dziedzin jak medycyna, architektura, matematyka i fizyka. A kiedy zrozumiesz, czym jest rysunek, przejdźmy do jego części, której wciąż nie wiesz, jak stworzyć - realizmu.

Realizm

Początkowo realizm to styl tworzenia czegoś, co nasz mózg identyfikuje jako „prawdziwe” lub „bliskie rzeczywistości”. Można śmiało powiedzieć, że rzeźba jest realistyczna, ale co z dwuwymiarową kartką papieru z kilkoma plamami? Jak to może wyglądać jak coś prawdziwego? Opisałem to w, ale tutaj chcę szczegółowo rozważyć ten temat.

Nasz mózg tworzy rzeczywistość, którą postrzegamy, na podstawie serii nieruchomych obrazów 2D tworzonych w każdym ułamku sekundy. Głębię tworzy się poprzez porównanie dwóch ujęć wykonanych w tym samym momencie, ale w nieco innej pozycji (nie jest to jedyny sposób na uzyskanie głębi, bo nawet jednym okiem potrafimy całkiem nieźle kontrolować). Zatem rysunek można uznać za „migawkę mózgu”, która została wyjęta do publicznego wglądu po tym, jak minął moment i miejsce, w którym został wykonany.

Wynika z tego kilka problemów:

Chociaż wszystkie migawki są przechowywane w naszych mózgach, nasz umysł nie jest na tyle szybki, aby je w ten sposób przetwarzać.Tak jak nie widzimy poszczególnych klatek w filmie, tak nie zauważamy poszczególnych migawek - widzimy akcję wywołaną zmianami między nimi.
Rzeczywistość, którą widzimy, składa się z tak wielu różnych ujęć, że podlega ciągłym zmianom. Jeden ostry ruch głową – i już rozumiesz, jak coś wielkiego mogłoby być, gdybyś podszedł bliżej (nawet jeśli w tej chwili wydaje się to małe). Perspektywa jest na tyle integralną częścią naszej rzeczywistości, że nie wyobrażamy sobie świata bez niej – mimo że nasza perspektywa nie istnieje poza naszymi głowami!
Rzeczywistości nie da się narysować – jeden obraz jej nie tworzy. Dlatego każdy rysunek jest czymś w rodzaju kompromisu i symulacji rzeczywistości - zazwyczaj kilka ujęć łączy się w jedno, aby dopełnić obraz.
Nie można poruszać oczami w tym samym ujęciu. Nie można patrzeć na coś nieostrego – staje się to ostre, gdy tylko dotkniesz tego oczami, zmieniając całe otoczenie. Zatem rysunek jest zamrożonym wycinkiem czyjegoś mózgu i kiedy na niego patrzysz, nie jesteś oryginalnym widzem!

Istnieje wiele poziomów realizmu. Nasze mózgi są dobrze przystosowane do dostrzegania wzorców, dzięki czemu możemy zobaczyć rzeczy, których tak naprawdę nie ma, jak twarz na Marsie lub znaki na liściach herbaty. Dlatego stosunkowo łatwo jest osiągnąć podstawowy poziom realizmu bez dużej wiedzy – nasz mózg wybacza. Jedną z oznak „talentu do rysowania” może być umiejętność bardzo sprawnego tworzenia tych wzorów, ale nie jest to umiejętność, ale domysły. Jeśli przypadkowo nacisnąłeś jakieś przyciski i uruchomiłeś silnik, nie oznacza to, że możesz prowadzić!

Łatwo dostrzec różnicę między talentem do tworzenia wzorów a prawdziwą umiejętnością – jeśli rozwiniesz silne przywiązanie do każdego ze swoich dobrych rysunków i boisz się, że nigdy więcej go nie narysujesz, jeśli go stracisz, jest to wynik talentu. Umiejętności nie zależy od szczęścia!

Linie po lewej stronie były całkowicie przypadkowe!

Poziomy realizmu są tworzone przez różne elementy, których nasz mózg szuka do rozpoznania. Niektóre z nich są ważniejsze od innych i różnią się w zależności od osoby.

Zewnętrzne kontury

Linie są znaczeniem rysunku. Jednak nie wyglądają jak zewnętrzne kontury. Kontur zewnętrzny to indywidualna linia oddzielająca „wewnątrz” i „na zewnątrz”. Dobrze dostrzegamy zewnętrzne kontury, nawet jeśli w naturze nie istnieją one w postaci linii. Są one całkowicie dowolne – każdy artysta może zastosować inną liczbę linii konturowych dla tego samego obiektu.

To pierwszy moment, w którym pojawia się styl. Jeśli coś jest dowolne, każdy może stworzyć własną wersję i żadna z nich nie będzie mniej lub bardziej poprawna. przez nią samą. Musimy znaleźć inny standard oceny i oto, co zwykle robimy: używamy etykiet takich jak „realistyczny” (bardzo podobny do czegoś prawdziwego), „kreskówka” (oszczędne linie, formy symboliczne) lub „manga” (charakterystyczny styl japoński) .

Jeśli różnica między realizmem a kreskówką jest tak wielka, dlaczego każdy nierealistyczny styl wygląda „poprawnie” i przyjemnie dla oka?

Każdy styl wynika z zniekształcenia realizmu

Jeśli chcesz narysować kota, nie możesz stworzyć czegoś zupełnie nowego i powiedzieć, że to kot (chyba że jesteś surrealistą, ale nawet wtedy twoją intencją powinno być Nie narysuj kota). Musisz wziąć wszystkie cechy specyficzne dla kota i zmienić je, aby stworzyć nową wersję zwierzęcia. I, aby łamać zasady, musisz je znać. Jeśli nigdy wcześniej nie rysowałeś kota i nigdy nie studiowałeś jego anatomii i proporcji, nie oczekuj, że Twój rysunek będzie wyglądał dobrze, nawet jeśli Twoim celem jest wygląd kreskówkowy. To tak, jakbyś chciał narysować powiększony samochód – nie możesz tego zrobić, jeśli nie wiesz, jak stworzyć oryginał.

Każdy styl opiera się na zasadach

Wszystko musi mieć swój cel – nie można losowo przestawiać elementów. Dlatego początkujący zwykle mają problem z przerysowaniem swoich postaci – pierwsza praca była domysłem, a nawet jeśli wygląda dobrze, artysta nie ma pojęcia dlaczego!

Kiedy Twój „styl” nie opiera się na żadnych zasadach, tak naprawdę nie jest to styl. Styl można opisać, a jeśli Twój styl nie ma żadnych zasad, jak byś go opisał? „Styl pana X charakteryzuje się... tym, że został stworzony przez pana X.” Nie ma to większego sensu niż „cechą samochodu Y jest to, że wygląda jak samochód Y”. „Spontaniczny”, „przypadkowy” czy „szalony” to nie najlepsze określenie stylu. Musi istnieć jakaś definicja – przepis, z którego możesz korzystać wielokrotnie, nawet jeśli jesteś jedyną osobą, która go w pełni zna.

Reguły sprawiają, że styl jest powtarzalny – to podstawa. Jeden rysunek nie tworzy stylu, powinno być ich wiele. To prowadzi nas do następnego pytania:

Styl musi być zamierzony

Być może myślisz: „Powiedziałeś, że każdy styl wywodzi się z realizmu, ale co ze sztuką abstrakcyjną?”.

Po pierwsze, sztuka nie równa się stylowi. To pojęcie znacznie szersze i nie o nim tu mowa. W stylu ważne jest to, że można go opisać na wielu poziomach szczegółowości. Przykładowe „drzewo” może wyglądać następująco: rysunek > czarno-biały > manga > [tutaj opisz szczegóły stylu]. To samo w sztuce abstrakcyjnej: malarstwo > kolor > abstrakcja [tutaj opisz szczegóły stylu].

Po drugie, może to zabrzmieć niejasno, ale myślę, że abstrakcjonizm również wywodzi się z realizmu - to jest jego zaprzeczenie. Aby stworzyć coś abstrakcyjnego, trzeba wiedzieć, co to jest nieabstrakcyjne. Jeśli chcesz namalować ciemny obraz, musisz wiedzieć, jakich kolorów unikać - musisz wiedzieć, czym jest brak ciemności. Kot, który nie wygląda jak kot, bo nie przestudiowałeś jego anatomii, nie jest „sztuką abstrakcyjną”, to błąd. Jeśli ostateczny obraz jest zupełnie inny od tego, który masz w głowie i udajesz, że taki był Twój zamiar, to tylko siebie oszukujesz.

To mama, tata i kumpel. Może ich nie rozpoznajecie, ale taki jest mój styl.

Złoty podział jest miarą piękna

To duży temat, ale zdecydowanie warty zgłębienia. Z reguły istnieje proporcja, w której elementy wyglądają dobrze i odwrotnie – wyglądają źle, jeśli są zbudowane nieproporcjonalnie. Nasz mózg jest w jakiś sposób dostrojony do tego i nie można tego zmienić. Każdy kwiat i liść opiera się na czystej matematyce i tę samą matematykę należy zastosować do wszystkiego, co tworzysz w swojej głowie, aby twój umysł zaakceptował to jako prawdziwe, nawet jeśli nie jest realistyczne.

Oczywiście mogą i powinny być tu odstępstwa (idealne piękno jest nudne, drobne defekty mogą być bardzo ładne), ale główna „bryła” przedmiotu powinna przynajmniej w przybliżeniu trzymać się tej zasady. Kiedy więc zmienisz rozmiar głowy, aby uzyskać kreskówkowy kształt, istnieją wymiary, które będą wyglądać dobrze i źle – możliwość ich zobaczenia bez mierzenia może być kolejną oznaką „talentu”, ale przychodzi to z praktyką.

Proporcja między A i B jest taka sama jak między A + B i A

Dostosowanie

Jest coś, co może uratować Twój styl, niezależnie od tego, jak szalony i daleki jest od realizmu. To adaptacja – kiedy często patrzysz na coś dziwnego, dla ciebie staje się to normalne (ale nie dla innych). Jeśli więc przez dłuższy czas pokazywałeś swoją pracę tym samym przyjaciołom, w końcu ją zrozumieli. Jeśli cię chwalą, możesz nabrać błędnego przekonania, że masz styl, którego inni nie rozumieją. Nie zamykaj się w swojej strefie komfortu, zamiast tego słuchaj opinii osób spoza Twojej grupy fanów. Tylko w ten sposób możesz rozwijać się jako artysta.

Adaptacja ma jeszcze jedną stronę. Mamy tendencję do postrzegania jako „normalne” tylko te rzeczy, które są nam znane. Dlatego dobrze narysowany, ale mniej znany dinozaur może być postrzegany jako niepoprawny anatomicznie, a anatomia kota zastosowana w przypadku lemura może zostać zignorowana. Ciekawostka: ani cztery nogi, ani uszy na czubku głowy nie są bardziej uzasadnione niż trzy nogi i uszy z tyłu; Często można je spotkać w naszym świecie i dlatego są postrzegane jako naturalne.

Długi ogon w paski? Jeść! Ciemna maska na głowie? Jeść! Oczy wyłupiaste? Jeść! Chude ciało? Jeść! Zgadza się, to musi być lemur

Światło i cień

Pierwszym celem widzenia było wyczucie światła i cienia. Wciąż jesteśmy na nie bardzo wrażliwi i nie potrzebujemy konturów, żeby widzieć kształty, gdy jest światło i cień. Może to być kolejny etap rysowania (cieniowanie liniami) lub pierwszy etap malowania.

Zauważyliśmy, że istnieją pewne przesłanki, które można przypisać „talentowi do rysowania”, takie jak spokój, perfekcjonizm, umiejętność tworzenia wzorów i wyznaczania złotego podziału. Talent do malowania (i w ogóle cieniowania) jest znacznie rzadszy. Opiera się na „oku do obserwacji”. Idea świata złożonego z konturów jest tak utwierdzona w naszym umyśle, że bardzo trudno jest faktycznie zobaczyć kształty tworzone przez światło i cień. Trzeba włożyć wiele wysiłku, aby wyobrazić sobie świat takim, jaki jest – pokryty plamami światła i cienia. A nawet wtedy próba rysowania w ten sposób może powodować ból mięśnia mózgowego (tak jak ja to czuję). Tak czy inaczej, warto podjąć ten wysiłek – pomieszana grafika wykonana ze światła i cienia wygląda dla naszych oczu o wiele bardziej realistycznie niż złożona, wyrafinowana grafika wykonana wyłącznie z konturów.

Światło, cień i forma, którą tworzą, są tak samo otwarte na styl, jak kontury. Sam rozmiar i kształt pociągnięć pędzla daje szansę na stworzenie niezliczonych, zupełnie różnych interpretacji sceny. Dodając własną reprezentację położenia światła i cienia, nie musisz się obawiać, że okaże się ona nie do poznania. Przeczytaj więcej o świetle i cieniu i wyobraź sobie, jak możesz wykorzystać te wszystkie zasady, aby stworzyć swój własny styl!

Kolor

Kolor wspaniale poprawia widzenie, wnosząc do obrazu więcej nowych informacji. Teraz oprócz wartości otrzymujemy barwę, nasycenie i jasność. Im więcej elementów składających się na obraz, tym większe możliwości stworzenia niepowtarzalnego stylu. Sama myśl o wartości była uciążliwa, teraz dodaj do niej trzy nowe aspekty!

Możesz rysować realistycznie, ale nie musisz. Często spotykam artystów, którzy przodują w realistycznym rysowaniu (konturach), a następnie przechodzą do najbardziej realistycznych kolorów, jakie widzimy w naszym świecie. Nie jest to konieczne, a ponadto przybliża Cię do nudnego fotorealizmu! Problem z fotorealizmem (porozmawiamy o tym później) polega na tym, że ten styl wygląda identycznie niezależnie od tego, kto go używa. Jeśli pragniesz niepowtarzalnego stylu, który będzie należeć tylko do Ciebie, poeksperymentuj z zasadami. Musisz je oczywiście studiować, studiować przyrodę i otaczające cię przedmioty, ale potem zmienić to, czego się nauczyłeś. Stwórz własne zasady!

Witam wszystkich z Apofiss! Styl tego artysty jest doskonałym przykładem zabawy z rzeczywistością.

Detale

Może cię to zaskoczy, ale w malarstwie realistycznym, czy nawet w rysunku szczegóły nie są aż tak istotne. Ponieważ tak naprawdę nie widzimy migawek mózgu, a rysunek jest jedynie imitacją postrzeganej sceny, możemy podejmować różne działania, aby go stworzyć. Rysowanie wszystkiego tak, jak mogłoby wyglądać w ułamku sekundy, tylko okrada cię z prawdziwego znaczenia sytuacji. Wartość jest rozciągnięta na kilka, a nawet kilkadziesiąt migawek. A jeśli chcesz namalować obraz, a nie stworzyć film lub kreskówkę, musisz zastosować kilka trików.

Może to być druga strona talentu – umiejętność przekształcenia akcji w nieruchomą scenę, zachowując jej uczucie. Obsesja na punkcie szczegółów od samego początku może niechcący oddalić Cię od tego celu. Kiedy oglądamy tę scenę, pierwszą rzeczą, na którą zwracamy uwagę, jest pewnego rodzaju nieuchwytne doznanie – widzimy ruch, bitwę, lśniące refleksy na ostrzu, czerwoną krew, a nie pojedyncze włosy na brodzie wojownika czy mistrzowskie elementy jego munduru.

Na tym „obrazie” są tylko plamy ciemnych i jasnych kolorów. To, co tu widzisz, tworzysz sam!

Jest tu mnóstwo miejsca na styl, pomiędzy bezkształtnymi kroplami cienia a w pełni szczegółową sceną. Istnieje wiele sposobów na osiągnięcie „wyczucia”, a jeśli poświęcisz szczegóły, możesz bardzo łatwo znaleźć swój osobisty styl. Istnieje tylko jeden sposób realistycznego rysowania szczegółów i nieskończona liczba sposobów tworzenia ich wrażenia.

Fotorealizm

Jaka jest różnica między realizmem a fotorealizmem? Do tej pory omówiliśmy migawki mózgu. A co jeśli ktoś zrobi zdjęcie prawdziwym aparatem? Zdjęcia stały się dla nas czymś bardzo zwyczajnym. Traktujemy je jak realne odzwierciedlenie rzeczywistości, nie wyobrażając sobie, że aparat nie działa dokładnie tak samo, jak nasze oczy i mózg. Jesteśmy tak przyzwyczajeni do fotografii, że czasami wydają nam się one bardziej realistyczne niż sama rzeczywistość!

Fotorealizm nie jest najwyższą formą realizmu. To po prostu wykonanie rysunku z taką precyzją, że można go pomylić z fotografią. Ale powtarzam: zdjęcie to nie to samo, co migawka mózgu, aparat nie wychwytuje wszystkich złudzeń i nie jest tak dokładny, jak nam się wydawało. Ile razy próbowałeś zrobić zdjęcie czegoś, ale nie wyglądało to tak niesamowicie, jak to, co widziałeś gołym okiem (księżyc, wschód słońca)? Znajomość fotografii może temu zaradzić, ale teraz idziesz o krok dalej i dążysz do stworzenia rzeczywistości rozszerzonej – czegoś lepszego niż to, co możemy zobaczyć gołym okiem! I nie mówię tu o manipulacji zdjęciami – sam aparat potrafi „widzieć” świat na różne sposoby. A gdy dodasz własne kolory, które nie występują w naturze, otrzymasz ładny, ale nierealistyczny efekt! Dlatego uczenie się na zdjęciach może nie przybliżyć Cię do realizmu!

1 - realizm, 2 - fotorealizm

Ale możesz powiedzieć: „Zdjęcia są tak realistyczne, że to to samo”. Nieprawda, po prostu myślisz, że są realistyczne. Zrób zdjęcie, a następnie spójrz na scenę gołym okiem – różnica może być imponująca. Istnieją różnice techniczne, takie jak odblask obiektywu (w naszych oczach nie wygląda to tak samo) lub kształt obszaru nieostrego (widzimy dwojgiem oczu, więc obszar ten jest nie tylko rozmyty, ale także składa się z dwóch przesuniętych obrazów), są jednak subtelne różnice – kamera łapie tylko to, co jest przed nią, ale nasz mózg potrafi poszerzyć rzeczywistość. Nie uda Ci się zrobić zdjęcia oczami pełnymi łez, oczami przestraszonej osoby biegnącej nocą przez ciemny las. Nie tylko widzimy, ale także czujemy – a zdjęcie tego nie odda.

Poza tym: Mówiłem wcześniej, że rzeczywistości nie da się narysować. Jednocześnie aparat stara się uchwycić idealne ujęcie rzeczywistości. Nie sprawia to, że fotografie są bardziej realne niż to, co widzimy – a właściwie one zbyt wiele obiektywne i pozbawione bardzo istotnej części naszej rzeczywistości. Na przykład wyjście do restauracji to nie tylko wyprawa do drogiego miejsca w celu zaspokojenia głodu, ale rzeczywistość to nie tylko zestaw bodźców wizualnych.

Teren pod niebem w rzeczywistości nie jest tak ciemny, a kolory mogą nie być tak nasycone.

Nie oznacza to oczywiście, że fotorealizm jest zły. Chcę tylko przeciwstawić się przekonaniu, że artysta-realista powinien tworzyć swoje rysunki możliwie najbliżej jakości fotograficznej. To dwa różne style i żaden nie jest „lepszy” ani „o jeden krok wyżej”. Ważne jest także obserwowanie świata gołym okiem, a nie poleganie wyłącznie na zdjęciach. Wiem, że tak jest łatwiej, ale czasami dużo bardziej przydatne będzie wzięcie kartki papieru i samodzielne stworzenie efektu rozproszenia podpowierzchniowego. Studiując zarówno realizm, jak i fotorealizm, możesz stworzyć zupełnie nowy, niepowtarzalny styl.

Rysowanie z wyobraźni

A co z czymś, co tak naprawdę nie istnieje? Czy da się to narysować realistycznie lub w jakimkolwiek stylu wywodzącym się z realizmu? Tak, ale trzeba je narysować w formie, jaką przyjęłyby w naszym świecie, Jeśli byłoby prawdziwe. Możesz powiedzieć: „Ale ja chcę użyć nierealistycznego stylu, na przykład narysować smoka z nogami jak zapałki i ogromną okrągłą głową”. OK, ale zwróć uwagę na słowa: „nogi”, „głowa”. Są to przedmioty naszego świata o określonej formie, jaką tutaj przybierają. To jest punkt wyjścia Twojej twórczości. Musisz wiedzieć, czym jest głowa, aby ją narysować, nawet jeśli chcesz stworzyć nowy rodzaj głowy.

Nawiasem mówiąc, chcę wyjaśnić jedną kwestię: dlaczego nie możesz narysować czegoś realistycznie, nawet jeśli wiesz, jak to wygląda? W twojej głowie możesz bardzo wyraźnie wyobrazić sobie konia, ale na papierze będzie on wyglądał zupełnie źle. I znowu: czy to nie jest brak talentu?

Nie, to raczej mieszanina dwóch różnych procesów – identyfikacji i kreacji. Przyjrzyjmy się im dobrze w prostym pseudokodzie:

Identyfikacja

if (nogi = „długi, chudy, kopytny” ORAZ ciało = „duży, silny” ORAZ głowa = „podłużne” ORAZ ogon = długi, włochaty) to zwierzę = koń

Kiedy widzisz zwierzę z zestawem cech zapisanych w twoim mózgu jako „koń”, rozpoznajesz w nim konia. To takie proste. Nie musisz znać każdej cechy konia, aby ją rozpoznać, wystarczy kilka, aby ją rozpoznać. To samo dzieje się, gdy wizualizujesz w mózgu konia – nie widzisz nieznanych cech, a twój umysł sprytnie ukrywa ich nieobecność.

kreacja

if (zwierzę=koń) to nogi=x if (x="kopytne") to kopyto_width=? wysokość_kopyta=? kopyto_okrągłość=? długość_nogi=? szerokość_nogi=? wysokość_nogi=? długość_ciała=? szerokość_ciała=? wysokość_ciała=? długość_głowy=? szerokość_głowy=? wysokość_głowy=? ...

Zupełnie inaczej wygląda sytuacja, gdy chcesz samodzielnie stworzyć konia. Nagle potrzebujesz wszystkich tych wskaźników, a nawet więcej! Zaczynasz rysować kopyto i nagle zdajesz sobie sprawę, że nie wiesz, jak ono wygląda, nawet jeśli możesz je rozpoznać wizualnie. Dlatego testy wielokrotnego wyboru są łatwiejsze!

1 - identyfikacja, 2 - kreacja

Wszystkie problemy z kreacją wynikają z niewystarczającej bazy informacyjnej rzeczywistości w naszej głowie. Zbyt często tylko my myślećże wiemy jak coś wygląda, ale jeśli dotkniemy szczegółów, to ich brakuje. Kiedy czytasz książkę, nie widzisz każdego źdźbła trawy pod stopami bohatera, tak naprawdę czasami nawet nie wiesz, jak wygląda jego twarz (dopóki nie zobaczysz tego w filmie i nie porównasz swojego niejasnego założenia z rzeczywistością ). Masz wrażenie, że Twoja wizja świata książki jest kompletna, ale gdyby ktoś ją narysował i pokazał Ci, byłaby pełna luk. Jeśli chcesz stworzyć swój własny styl, zacznij od nauki realizmu - zbuduj bazę danych o wszystkim, co widzisz.

Artyści ci zadziwiają talentem i sposobem tworzenia hiperrealistycznych obrazów. Trudno w to uwierzyć, ale to nie są zdjęcia, a prawdziwe obrazy narysowane ołówkiem, farbami, a nawet długopisami. Nie rozumiemy jak oni to robią?! Po prostu ciesz się ich kreatywnością.

Omara Ortiza to artysta hiperrealistyczny z Meksyku, posiadający tytuł licencjata w dziedzinie projektowania graficznego. Głównym tematem jego obrazów są postacie ludzkie, głównie nagie kobiety. Na obrazie artysta wyróżnia trzy elementy: postać mężczyzny, drapowane tkaniny, kolor biały. Cechą twórczości Omara jest minimalistyczny styl, lakonizm w przenoszeniu subtelnych krzywizn i linii ciała, praca olejna.

Paula Caddena to światowej klasy współczesny artysta ze Szkocji. Do swojej pracy Paul używa wyłącznie białej kredy i grafitu, za pomocą których jest w stanie odtworzyć niemal każdą fotografię, zwracając uwagę na niedostrzegalne drobne szczegóły. Jak sam artysta przyznaje, nie wymyśla nowych szczegółów, a jedynie je podkreśla, tworząc w ten sposób iluzję nowej rzeczywistości, która często nie jest widoczna na oryginalnych fotografiach.

Kamalky Laureano— artysta urodził się na Dominikanie w 1983 roku, obecnie mieszka i pracuje w Mexico City. Kamalki jest absolwentką Szkoły Projektowania i Sztuki, specjalizującej się w tworzeniu hiperrealistycznych portretów. Sceny trudno odróżnić od prawdziwych zdjęć, choć namalowane są farbami akrylowymi na płótnie. Dla autora jego dzieła - nie tylko imitacja fotografii, ale całe życie ucieleśnione na płótnie.

Grzegorza Thielkera- Urodzony w New Jersey w 1979 roku, studiował historię sztuki i malarstwo na Uniwersytecie Waszyngtońskim. Przeprowadzka do Bostonu stała się dla niego punktem wyjścia do pracy nad hiperrealistycznymi pejzażami miejskimi, co przyniosło mu sławę na całym świecie. Obrazy Tilkera to podróż samochodem w zimny, deszczowy dzień. Inspirując się twórczością artystów lat 70., autor tworzy swoje realistyczne obrazy przy użyciu akwareli i farb olejnych.

Lee Cena- artysta z Nowego Jorku, absolwent uniwersytetu z dyplomem z malarstwa, zajmuje się malarstwem figuratywnym. Głównym wątkiem twórczości Lee jest trudny stosunek kobiet do jedzenia. Widz jakby z zewnątrz obserwuje kobiety, które w tajemnicy jedzą coś smacznego, ale szkodliwego. Sama artystka twierdzi, że w swoich pracach stara się ukazać fakt, że kobiety nadają jedzeniu cechy, które mu nie są, szukają pocieszenia w nieodpowiednim źródle. Zdjęcia oddają absurdalność sytuacji, próbę ucieczki od rzeczywistości, złagodzenia dyskomfortu.

Bena Weinera ur. 10 listopada 1980 w Burlington w stanie Vermont, absolwentka University of the Arts, maluje olejami na płótnie. Osobliwością twórczości artysty jest niezwykła fabuła. Ben maluje! Najpierw artysta nakłada farby na powierzchnię roboczą, fotografuje je, a następnie z gotowego zdjęcia maluje na płótnie obraz.

Urodzony w 1950 roku w Północnej Kalifornii, znany jest z realistycznych obrazów akrylowych na płótnie. Jako dziecko autor dzielił zamiłowanie do rysowania, co odniosło sukcesy w sporcie, jednak kontuzja pleców zdeterminowała główne zajęcie Raya. Jak przyznał artysta, rysowanie odrywało go od ciągłych bólów pleców. Już w młodości mistrz zyskał szerokie uznanie i wiele nagród na konkursach plastycznych.

Alyssa Monks mieszka i tworzy swoje obrazy na Brooklynie, stała się powszechnie znana dzięki realistycznym „mokrym” obrazom. Do tworzenia abstrakcyjnych projektów artysta wykorzystuje filtry takie jak woda, szkło czy para. W swojej pracy Alyssa często wykorzystuje zdjęcia z osobistych archiwów swojej rodziny i przyjaciół. Twarze i postacie kobiet na obrazach są do siebie podobne – artystka często rysuje autoportrety, twierdząc, że „łatwiej” jej jest stworzyć niezbędną fabułę.

Pedro Camposa- hiperrealista z Madrytu, malarstwo olejne zaczął dopiero w wieku 30 lat. Artysta tworzy realistyczne martwe natury przy użyciu farby olejnej. Campos pracował jako projektant wnętrz, ilustrator, konserwator dzieł sztuki mebli, rzeźb i obrazów. Artysta uważa, że to właśnie praca konserwatora pozwoliła mu doskonalić swoje umiejętności.

Dirka Dzimirskiego— artystka z Niemiec, urodzona w 1969 roku, posiada wykształcenie plastyczne, pracuje w technice ołówka. Artysta czerpie obrazy ze zdjęć, nie wdając się w najmniejsze szczegóły, dużo improwizuje. Dirk twierdzi, że pracując nad obrazem reprezentuje żywego modela, dlatego wykorzystuje zdjęcie jedynie do dokładnego przeniesienia ustalonych z góry proporcji. Autor za swoje główne zadanie uważa stworzenie poczucia obecności tematu na zdjęciu.

Tomasz Arvid to amerykański malarz hiperrealistyczny z Nowego Orleanu, urodzony i wychowany w Detroit, nie ma formalnego wykształcenia, mistrz tzw. „oversized” martwej natury. Jego cykl realistycznych obrazów „Piwnica na wino” to korki, butelki, kieliszki z napojami musującymi lub głęboko czerwonymi. Autorytatywni krytycy i publikacje odnotowały ponad 70 dzieł artysty. Obrazy mistrza zdobią nie tylko ściany winiarni i prestiżowych salonów winiarskich, ale także prywatne kolekcje i galerie.

Robina Eleya Urodzona w Wielkiej Brytanii, wychowana i nadal mieszkająca i pracująca w Australii, posiada tytuł licencjata sztuk pięknych i została wyróżniona nagrodą Doug Moran National Portrait Award. Swoje hiperrealistyczne obrazy tworzy w oleju, a za głównego „konia” uważa fabułę „ludzie i celofan”. Mistrz pracuje nad jednym obrazem około 5 tygodni, 90 godzin tygodniowo, niemal na każdym zdjęciu są ludzie zawinięci w celofan.

Samuela Silvy- Portugalski artysta amator bez specjalnego wykształcenia, który na własnym przykładzie udowadnia, że ze wszystkiego można stworzyć arcydzieło. Artystka tworząc obrazy wykorzystuje paletę ośmiu kolorów długopisów firmy Bic. Silva jest z zawodu prawnikiem, a swoją pasję do rysowania traktuje jedynie jako hobby. Dziś światowej sławy artysta samouk opanowuje nowe techniki malarskie za pomocą farb, kredy, kredek, pasteli itp.

Gottfrieda Helnweina- austriacki artysta, autor hiperrealistycznych obrazów o tematyce społecznej, politycznej i historycznej, „mistrz nieoczekiwanego rozpoznania”, jak nazwał go pisarz W. Burroughs. Autorka kształciła się w wiedeńskiej Akademii Sztuk Pięknych, należy do artystów o wysokim poziomie zawodowym. Nieco kontrowersyjne tematy, surrealistyczne kompozycje przyniosły mu sławę. Mistrz często przedstawiał na swoich obrazach postacie z komiksów i przyznaje, że „od Kaczora Donalda nauczył się więcej niż we wszystkich szkołach, w których się uczył”.

Franco Cluna to włoski artysta samouk, który od wszystkich innych technik artystycznych woli rysunek grafitowy. Jego czarno-białe realistyczne obrazy są efektem niezależnych studiów Franco nad różną literaturą dotyczącą technik rysunkowych.

Kelvina Okafora to artysta hiperrealistyczny, urodzony w 1985 roku, mieszka i pracuje w Londynie. Kelvin ukończył studia w zakresie sztuk pięknych na Uniwersytecie Middlesex. Autor tworzy swoje obrazy za pomocą prostego ołówka, motywem przewodnim jego twórczości są portrety gwiazd.

Amy Robins to brytyjska artystka, która w swoich hiperrealistycznych pracach wykorzystuje kredki i gruby papier. Artystka posiada tytuł licencjata sztuk pięknych w dziedzinie sztuki i projektowania, mieszka i pracuje w Bristolu. O młodej autorce niewiele wiadomo, ale jej prace zyskały już sławę na całym świecie, zachwycając realizmem i techniką.

Roberta Longo– amerykański artysta i rzeźbiarz, urodzony na Brooklynie w 1953 roku, odznaczony legendarnym Goslar Kaiser Ring. Artysta swoje trójwymiarowe obrazy eksplozji nuklearnych, tornad, huraganów i rekinów rysuje węglem drzewnym na papierze. Longo jest często nazywany „malarzem śmierci”. Słynny obraz Bez tytułu (Wyspa Czaszek) przedstawiający falę został sprzedany w Christie's w Londynie za 392 000 dolarów.

Diego Fazio- artysta samouk, urodzony w 1989 roku we Włoszech, nie ma wykształcenia plastycznego, zaczynał od opracowywania szkiców do tatuaży, ostatecznie wypracował własną technikę rysunkową. Młody artysta był uczestnikiem wielu międzynarodowych konkursów, gdzie zdobywał nagrody, był reprezentowany na wystawach na całym świecie. Artysta działa pod pseudonimem DiegoKoi.

Bryana Drury’ego urodzony w 1980 roku w Salt Lake City, posiada dyplom Nowojorskiej Akademii Sztuki, tworzy obrazy z gatunku realizmu. Artysta maluje swoje obrazy farbami olejnymi. Jak przyznaje autor, w swoich pracach stara się skupić na organicznych walorach skóry, jej wadach.

Steve'a Millsa to amerykański artysta, który sprzedał swój pierwszy obraz w wieku 11 lat. Artysta tworzy swoje obrazy farbami olejnymi, skupiając się na najdrobniejszych szczegółach życia codziennego, których często w wiecznym pośpiechu nie dostrzegamy. Artysta zauważa, że przedstawia przedmioty takimi, jakie są w rzeczywistości, nie zmieniając i nie wyolbrzymiając ich pierwotnej formy.

Paweł Lung urodzony w Hongkongu, rysuje ołówkiem automatycznym na kartkach formatu A2. Cechą techniki tworzenia obrazów jest zasadnicza odmowa użycia gumki, wszystkie prace są rysowane czysto. Głównymi „muzami” artysty są koty, chociaż rysuje także ludzi i inne zwierzęta. Na każdą pracę autor poświęca co najmniej 40 godzin.

Roberta Bernardiego urodzony we Włoszech, hiperrealizmem zainteresował się w wieku 19 lat, pracował jako konserwator w kościele San Francesco. Do tworzenia obrazów używa farb olejnych. Światową sławę artysta przyniósł cykl prac przedstawiających przedmioty charakterystyczne dla społeczeństwa konsumpcyjnego. Obrazy ze słodyczami, automaty, półki z lodówek to wizytówka artysty, chociaż w jego arsenale znajdują się pejzaże, martwe natury i wiele innych.

Juana Francisco Casasa to hiszpański artysta tworzący swoje obrazy za pomocą standardowego długopisu Bic. Casas był artystą tradycyjnym, który postanowił udowodnić innym, że w dziele nie liczy się materiał, ale sposób i technika rysowania. Pierwsza wystawa twórczego Hiszpana przyniosła mu światową sławę. Większość obrazów Casasa przedstawia jego przyjaciół.

Teresę Elliott to amerykańska artystka, która przez 26 lat z sukcesem pracowała jako ilustratorka, zanim stworzyła realistyczne obrazy olejne. Teresa posiada tytuł licencjata sztuk pięknych, po powrocie do sztuki klasycznej zasłynęła na całym świecie dzięki wiernym w najdrobniejszym szczególe portretom.

Patrzysz na zdjęcia, ale po przeczytaniu opisu rozumiesz, że tak naprawdę są to obrazy. Artyści hiperrealistyczni tworzą magię na papierze. Rysują farbami i ołówkami... Ich obrazy są nie do odróżnienia od fotografii. Ten .

Co to jest hiperrealizm?

Realizm to styl malarstwa, którego celem jest przekazanie świata takiego, jaki jest na obrazie. Przedrostek „hiper” oznacza więcej niż realizm. Styl ten narodził się pod wpływem fotografii – artyści postanowili sprawdzić swoje umiejętności: czy uda się narysować obraz, który będzie wyglądał jak zdjęcie? I wielu się to udaje.

Obrazy w stylu hiperrealizmu zaskakują swoją prawdopodobieństwem. Każdy obraz jest wynikiem szczegółowej pracy nad każdym pociągnięciem. W wielu .

1. Luciano Ventrone

Luciano Ventrone to włoski artysta, który zyskał światowe uznanie jako realista. A potem postanowił poeksperymentować w stylu hiperrealizmu - i udało mu się. Sekret jego malarstwa tkwi w odpowiednim doborze kolorów. Artysta mówi:

„Obraz to nie tylko przedmiot, który jest na nim namalowany. Prawdziwy obraz to kolor i światło obiektu..

Na tym zdjęciu widzimy tysiące odcieni błękitu. Wydaje się, że woda jest oświetlona, woda błyszczy w słońcu. Słońce jest za nami, świeci z tyłu, a przed nami ciemne niebo w chmurach. Wszystko to wydaje się bardzo realistyczne.

Już podczas studiów w szkole artystycznej artysta pokazał przyszły talent hiperrealisty. Nauczyciele zauważyli zamiłowanie Ventrone'a do szczegółów, a niektóre jego rysunki znalazły się nawet w podręcznikach anatomii.

Artysta dopracował każdy szczegół granatu. Na każdym ziarenku owocu - blask światła, dokładnie tak, jak to jest w życiu.

Ostatnio artysta zajmuje się martwą naturą. Umieszcza owoce pod jasnymi lampami, aby światło i cienie pięknie padały na przedmioty, a także je fotografuje, a podczas rysowania zawsze porównuje rysunek ze zdjęciem.

Zwróć uwagę na wazon: na pierwszy rzut oka zlewa się z tłem. Ale jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz, jak starannie Luciano nad tym pracował.

Ventrone maluje trującymi farbami olejnymi. Trująca farba to starożytna tradycja artystyczna. Jeśli taka farba dostanie się na skórę, może spowodować oparzenia. Ale takie farby są najjaśniejsze i najwyższej jakości.

Czarne tło kontrastuje z kolorem czerwonym, a kolory grają szczególnie jasno.

2. Siergiej Geta

Siergiej to współczesny grafik i malarz. Studiował w Kijowskim Instytucie Sztuki, mieszka i pracuje w Moskwie. Doszedł do hiperrealizmu, inspirowanego sztuką fotografii.

Obraz nosi tytuł „Słoneczny dzień”. Wszyscy hiperrealiści mówią o znaczeniu oświetlenia w swoich obrazach. Tutaj „charakter” obrazu nie jest zielony, ale słońce, światło.

Fotografie rysowałem początkowo ołówkami - ołówkiem ołowianym tworzyłem efekt fotografii na papierze. A potem zacząłem eksperymentować z różnymi technikami.

Obecnie Siergiej jest artystą światowej sławy, jego obrazy wystawiane są w Galerii Trietiakowskiej, muzeach we Wrocławiu w Polsce, Norymberdze w Niemczech, galeriach sztuki w Japonii i USA.

Kierunek, w jakim działa Geta, nosi nazwę „Realizmu Ekologicznego”. Artysta uwielbia malować pejzaże - przyrodę, zieleń, wodę.

Liście opadają. I każda żyła gra w słońcu.

3. Patryk Kramer

Artysta urodził się w Ameryce, w stanie Utah. Obrazy rysowane są na podstawie fotografii. Najpierw wymyśla, co chce narysować, fotografuje to, wybiera najlepsze z kilku zdjęć, obrabia je trochę w Photoshopie i zaczyna rysować.

Wiele osób ma pytanie - po co rysować dokładnie to samo, co na zdjęciu. Patrick tłumaczy to tak: jeśli widz w galerii widzi zdjęcie, nawet bardzo piękne, patrzy przez kilka sekund i idzie dalej. Kiedy jednak zamiast fotografii pojawia się obraz i odbiorca to rozumie, jest zachwycony, podchodzi bliżej, stara się przyjrzeć obrazowi uważniej, zobaczyć, gdzie na płótnie jest farba...

Obraz nazywa się „Trzy szklanki”. Malowany olejem. Zwróć uwagę na tło - jest ono rozmyte, podobnie jak tło na zdjęciu podczas robienia zbliżeń obiektów. Dzięki takim szczegółom uzyskuje się hiperrealistyczny obraz.

4. Harriet White

Harriet White to brytyjska artystka. Maluje głównie portrety. Jej styl nazywa się makrohiperrealizmem. Czyli twarze namalowane na obrazie, jakby „sfotografowane” z bardzo bliskiej odległości.

Tutaj, jak na każdym zdjęciu, jest „ostrość”. Widzimy rzęsy jako wyraźne, a wszystko za nimi jest rozmazane.

Obrazy Harriet cieszą się popularnością wśród prywatnych kolekcjonerów.

Artystka z wprawą podchodzi do kolorystyki obrazów – operuje kontrastem. Beżowy, kolor skóry - pełni rolę tła. A następnie dodawane są czarne i jasne kolory makijażu.

Ze względu na „rozmycie” kolorów pojawia się efekt ruchu. Wydaje się, że na zdjęciu uchwycono przypadkowy moment, modelki nie pozowały, ale czuły się swobodnie.

5. Zuzanna Stojanovic

Suzanna Stojanovic to serbska artystka, która od dzieciństwa pasjonowała się malarstwem. W wieku 11 lat zaczęła malować olejami. Później opanowała wszystkie możliwe techniki, próbowała swoich sił w akwarelach, mozaikach, pastelach, grafice, malowaniu ikon, grawerowaniu, a nawet rzeźbie.

Na tym zdjęciu szczególnie widać, że artysta lubił rzeźbę. Figury koni - „rzeźbiarskie”. Tutaj widzimy zamrożony moment.

Ponadto artystka zajmowała się twórczością literacką i muzyką – brała udział w wielu konkursach muzycznych. Pierwszą kompozycję muzyczną napisała w wieku 15 lat. Jednak pomimo tak szerokiego zainteresowania powołaniem Suzanne pozostaje malarstwo. Wiele jej obrazów znajduje się w kolekcjach prywatnych i publicznych w Stanach Zjednoczonych, Szwajcarii, Włoszech, Danii, Serbii, Chorwacji, Czarnogórze, Słowenii i Macedonii.

Rozmyte tło sprawia, że czuje się prędkość, z jaką pędzi koń:

Artysta rysuje konie, uważnie studiując ich anatomię. Najpopularniejszą serią obrazów artysty jest „Magiczny świat koni”. Ciekawym rozwiązaniem jest stylizacja obrazu pod starą fotografią:

Obecnie artysta pracuje nad nowym cyklem malarskim i pisze opowiadania. Marzeniem artystki jest spróbowanie swoich sił w kręceniu filmów animowanych.

6. Andrzej Talbot

Andrew Talbot to współczesny artysta pochodzący z Anglii. Maluje martwe natury.

Dzięki jasnym kolorom powstaje efekt obecności – wydaje się, że przedmioty leżą tuż przed nami. Zwróć uwagę na to, jak wiarygodnie artysta przekazał na stole odbicie każdego cukierka. Z takich drobiazgów powstaje hiperrealistyczny obraz. Każdy szczegół ma tutaj znaczenie.

W tym roku Andrew znalazł się na liście 15 najlepszych hiperrealistów na świecie.

7. Raffaella Spence

Raffaella Spence to włoska artystka. Jej hobby to podróże, dlatego artystka chętnie pracuje nad pejzażami, przenosząc wrażenia z podróży na papier.

Taka praca jest naprawdę niesamowita. Artysta zwrócił uwagę na każdy drapacz chmur, każde okno, a nawet framugę okna. Praca nad takimi zdjęciami zajmuje dużo czasu, ale wynik jest tego wart.

A to niebo nad miastem nie pozostawi nikogo obojętnym:

8. Yanni Floros

Yanni Floros to australijska artystka. Jego prace wystawiane były w galeriach w Berlinie, Sydney, Melbourne i Brisbane i zdobyły wiele nagród honorowych. Jego rysunki są stylizacją czarno-białych fotografii.

Tutaj efekt fotograficzny występuje dzięki fałdom na ubraniach. Artysta starannie pomalował każdą fałdę.

Yanni zajmuje się także malarstwem, rzeźbą i grafiką. Artysta w swoich hiperrealistycznych pracach przedstawia ludzi wykonujących różne czynności i chce pokazać, jak wpływają one na nasze życie i poczucie świata.

Hiperrealizm staje się coraz bardziej popularny. Dlatego następnym razem, gdy odwiedzicie galerię i zobaczycie zdjęcie, nie możecie przejść obojętnie obok jego opisu. Całkiem możliwe, że „zdjęcie” okaże się obrazem - i poznasz hiperrealizm w prawdziwym życiu.

Szukaj sztuki w życiu codziennym! Jeśli interesuje Cię życie znanych artystów, polecamy zajrzeć

Mówiąc wprost o pochodzeniu samego terminu, pojawiło się ono w latach siedemdziesiątych ubiegłego wieku na wystawie fotografii z tamtego okresu. Prawie 30 lat później termin ten nazwano niesamowitym kierunkiem działalności artystycznej.

Ponadto należy zaznaczyć, że istnieje tzw współczesny hiperrealizm, który w przeciwieństwie do swojego przodka nie stara się zbyt dokładnie oddać realnie na poziomie fotografii. Wszystkie sceny i obiekty w malarstwie hiperrealistycznym są w jakiś sposób szczegółowe, aby w rezultacie stworzyć iluzję rzeczywistości. Uważa się, że współczesny hiperrealizm ma swoje korzenie w filozofii Jeana Baudrillarda, w której można znaleźć takie sformułowanie „symulacja czegoś, co tak naprawdę nigdy nie istniało”. Warto dodać, że w tym kierunku działają także inni artyści – filmowcy, rzeźbiarze, a nawet sami fotografowie, którzy nie widzą w tym nurcie bezpośredniej konkurencji.

Jak rysuje artysta hiperrealistyczny

Używa się przeważnie najprostszych materiałów: ktoś rysuje ołówkami, pisakami, długopisami, węglem, ktoś różnymi farbami. Najciekawsze jest to, że większość mistrzów tego kierunku jest samoukami.

Proces tworzenia facio-hiperrealistycznej pracy Diego jest pokazany na poniższym zdjęciu. Kreator działa jak drukarka atramentowa, zaczynając od lewego górnego rogu, używanymi materiałami są węgiel i ołówek. Jedna praca zajmuje ponad dwieście godzin:

Hiperrealizm ołówkiem

Świetny film! 4 godziny 23 minuty - i obraz jest gotowy! Zobacz jak powstaje cud (wersja przyspieszona)):

Artyści hiperrealizmu

Najbardziej znanymi i znanymi artystami tego gatunku są Jacques Bodin, Chuck Close, Pedro Campus, Eric Christensen i inni.

Warto zauważyć, że wszystkich współczesnych mistrzów tego kierunku bardzo bawi fakt, że wielbiciele ich talentu i ci, którzy po raz pierwszy widzą ich obrazy, długo zastanawiają się - czy to prawdziwe dzieło pędzla lub fotografię.

Współcześni mistrzowie obejmują takich specjalistów:

Milanie Marcello Barenyi udaje się odtworzyć znajome przedmioty na papierze w ciągu 4-6 godzin.

Jeremy’ego Geddesa. Patrząc na jego prace czasami wydaje się, że mamy kolaż zdjęć wykonany w Photoshopie. Oczywiście tak nie jest, a jedynie umiejętne, a zarazem niepowtarzalne wykorzystanie proporcji, charakterystyczne tylko dla tego mistrza.

Warto zaznaczyć, że artysta nie boi się wychodzić poza płótno i wcale nie zamierza kierować się utartymi kanonami i prawami malarstwa. Jednocześnie niejako zaciekawił zewnętrznego obserwatora tym, co się wydarzyło, świadomie angażując go w ten proces.

Juana Francisco Casa. Na pierwszy rzut oka na zdjęcie tego artysty może się wydawać, że mamy przed sobą zdjęcia przepuszczone przez prosty filtr Photoshopa. Jednak ta opinia jest błędna, ponieważ przed nami prawdziwe dzieło artysty. Najciekawsze jest to, że Juan tworzy swoje prace za pomocą prostego długopisu, a na jedną pracę potrzebuje średnio sześciu takich artykułów piśmienniczych.

Element naturalny sam w sobie zawsze interesował artystów tego kierunku. Na przykład hiperrealistyczni malarze morscy za główny kierunek swojej działalności uważają umiejętność przedstawiania morza i tafli wody.

Ran Ortner. Amerykański artysta.

Hiperrealizm to popularny nurt w malarstwie, propagowany przez wielu współczesnych artystów. Zdjęcia powstałe tą techniką czasami trudno odróżnić od fotografii wysokiej jakości. Hiperrealizm uderza wiarygodnością i niesamowitą wiernością obiektu. Patrząc na płótna artystów działających w tym kierunku, ma się wrażenie, że mamy przed sobą namacalny przedmiot, a nie rysunek na papierze. Tak wysoką precyzję osiąga się dzięki niezwykle szczegółowej pracy nad każdym pociągnięciem.

Patrick Kramer „Cicha fala”

Hiperrealizm jako kierunek w sztuce powstał na początku XXI wieku z fotorealizmu lat 70-tych. W przeciwieństwie do swojego przodka, hiperrealizm nie stara się po prostu kopiować obrazów fotograficznych, ale tworzy własną rzeczywistość, pełną emocjonalnych przeżyć i historii.

Natalie Vogel „Ocean włosów”

W hiperrealizmie artysta skupia się na najdrobniejszych szczegółach, ale jednocześnie wykorzystuje dodatkowe elementy wizualne, próbując stworzyć iluzję rzeczywistości, która w rzeczywistości może nie istnieć. Ponadto obrazy mogą zawierać podtekst emocjonalny, społeczny, kulturowy czy polityczny, przekazując w ten sposób widzowi nie tylko umiejętności techniczne autora, ale także jego filozoficzną wizję rzeczywistości.

Cheryl Luxenburg „Życie na ulicy”

Tematy interesujące hiperrealistów obejmują portrety, krajobrazy i martwe natury, a także sceny społeczne i narracyjne. Niektórzy artyści występują w roli prawdziwych demaskatorów współczesnych problemów społecznych, podkreślając w swoich pracach wiele palących problemów porządku świata. Dzięki mistrzowskiej grze światła i cienia oraz najwyższemu stopniowi wizualizacji, hiperrealistyczne obrazy tworzą iluzję obecności i przynależności, zdolną wywrzeć trwałe wrażenie na odbiorcy.

Harriet Biała „Biała Lilia”

Hiperrealizm wymaga od malarza wysokiego poziomu umiejętności i wirtuozerii. Aby wiarygodnie imitować rzeczywistość, stosuje się różne metody i techniki: szkliwienie, aerograf, projekcję z góry itp.

Damien Loeb „Atmosfera”

Dziś w tym kierunku pracuje wielu znanych artystów, których obrazy są znane na całym świecie. Poznajmy ich lepiej.

Jasona de Graaffa.
Kanadyjski artysta Jason de Graaf to prawdziwy magik, któremu udaje się dosłownie ożywiać przedmioty na obrazach. Sam mistrz tak opisuje swoją twórczość: „Moim celem nie jest stuprocentowe odtworzenie tego, co widzę, ale stworzenie iluzji głębi i poczucia obecności, których czasami nie ma na fotografii. Staram się wykorzystywać przedmioty jako narzędzie do wyrażania siebie, opowiadania historii i dawania widzom podpowiedzi czegoś więcej niż to, co widzą na obrazie. Staram się więc wybierać tematy, które mają dla mnie szczególną konotację.”

"Sól"

"Targowisko próżności"

"Eter"

Denisa Petersona.
Prace Amerykanina pochodzenia ormiańskiego Denisa Petersona można znaleźć w prestiżowych muzeach, takich jak Tate Modern, Brooklyn Museum i Whitney Museum. Artysta w swoich obrazach często porusza problemy nierówności społecznych i kwestie moralne. Połączenie tematów dzieł Petersona i jego wysokich umiejętności technicznych nadaje obrazom tego autora ponadczasowe znaczenie symboliczne, za co są cenione przez krytyków i specjalistów.

„Popiół w popiół”

„W połowie drogi do gwiazd”

„Nie roń łez”

Gottfrieda Helnweina.
Gottfried Helnwein to irlandzki artysta, który studiował w klasycznej wiedeńskiej Akademii Sztuk i dużo eksperymentował we współczesnym malarstwie. Gloryfikowali mistrzów malarstwa w stylu hiperrealizmu, wpływając na polityczne i moralne aspekty społeczeństwa. Prowokacyjne, a czasem szokujące prace Helnweina często wywołują kontrowersje i mieszane reakcje opinii publicznej.

„Mruczące dzieci”

„Katastrofy wojenne”

„Rodzina turecka”

Zuzanna Stojanowicz.
Serbska artystka Suzanna Stojanovic to doświadczona artystka, która brała udział w wielu znaczących wystawach we Włoszech, Szwajcarii i USA. Ulubionym tematem Stojanovica są konie. Jej cykl prac „Magiczny świat koni” zdobył wiele nagród i uznania publiczności.

"Mieć nadzieję"

"Lustro"

"W chmurach"

Andrzej Talbota.
Jasne i klimatyczne zdjęcia Brytyjczyka Andrew Talbota niezmiennie wywołują uśmiech na twarzach widzów. W tym roku Andrew znalazł się na liście piętnastu najlepszych hiperrealistów na świecie.

„Eleganckie trio”

"Bliźnięta"

"Gruszki"

Roberta Bernardiego.
Włoski artysta Roberto Bernardi tworzy realistyczne martwe natury. Mistrz aktywnie uczestniczy w wystawach i ściśle współpracuje z czasopismami specjalistycznymi. W 2010 roku największy włoski międzynarodowy koncern naftowo-gazowy zaliczył Bernardiego do grona młodych talentów z całego świata, którzy mieli zaszczyt tworzyć płótna do prestiżowej kolekcji malarstwa współczesnego.

„Marzenia”

„Słodka maszyna”

„Statek pragnień”

Erica Zenera.
Samouk Eric Zener jest członkiem Związku Artystów USA i uznanym mistrzem hiperrealizmu. Na przestrzeni lat swojej działalności stworzył ponad 600 obrazów, zachwycających dokładnością i dbałością o szczegóły. Jednym z głównych tematów twórczości mistrza jest nurkowanie.

„Delikatna transformacja”

„Błogie zejście”

"Powrót"

Jezioro Yigal.
Yigal Ozere urodził się w Izraelu, ale mieszka i pracuje w USA. Lake jest autorem niesamowitych portretów, pełnych duchowego piękna i wyrazistego realizmu.

Nieuprawny

Linneę Strid.
Szwedzka artystka Linnea Strid to prawdziwa mistrzyni dokładnego przekazania emocji. Wszystkie jej prace przepełnione są ostrymi uczuciami i głębokimi uczuciami bohaterów.

„Jesteś obserwowany”

„Osadzony”

"Światło mojego życia"

Filip Munoz.
Philippe Munoz to jamajski artysta samouk, który przeprowadził się do Wielkiej Brytanii w 2006 roku. Philip portretuje mieszkańców metropolii, zanurzonych w dynamicznym i tętniącym życiem mieście.

Nieuprawny

„Aleksandra”

Nieuprawny

Olga Larionowa.
Nasza rodaczka Olga Larionova mieszka w Niżnym Nowogrodzie. Olga rysuje portrety ołówkiem w technice hiperrealistycznej z najwyższym profesjonalizmem. Artystka swoje prace tworzy w wolnych chwilach ze swojego głównego dzieła – Larionova zajmuje się projektowaniem wnętrz.

„Portret starca”

„Rihanna”

„Portret dziewczynki”

Załóżmy, że jesteś wielkim fanem obrazów olejnych i uwielbiasz je kolekcjonować. Na przykład, jeśli chcesz mieć w swojej kolekcji pejzaż morski w oleju, możesz go kupić na stronie internetowej http://artworld.ru. Wejdź i wybierz.