Malarstwo: renesans. Dzieła artystów włoskiego renesansu

Sztuka renesansu

Renesans to okres rozkwitu wszystkich sztuk (teatru, muzyki, malarstwa, architektury, literatury itp.). Będę rozmawiać o literaturze i sztukach pięknych.

Literatura renesansowa- główny nurt w literaturze, integralna część całej kultury renesansu. Zajmuje okres od XIV do XVI wieku. Różni się od literatury średniowiecznej tym, że opiera się na nowych, postępowych ideach humanizmu. Synonimem renesansu jest termin „renesans” pochodzenia francuskiego. Idee humanizmu pojawiły się najpierw we Włoszech, a następnie rozprzestrzeniły się w całej Europie. Również literatura renesansu rozprzestrzeniła się w całej Europie, ale w każdym kraju nabrała własnego charakteru narodowego. Termin renesans oznacza odnowę, odwołanie się artystów, pisarzy, myślicieli do kultury i sztuki starożytności, naśladowanie jej wzniosłych ideałów.

Pojęcie humanizmu

Pojęcie „humanizm” zostało wprowadzone do użytku przez naukowców XIX wieku. Pochodzi od łacińskich słów humanitas (natura ludzka, kultura duchowa) i humanus (człowiek) i oznacza ideologię skierowaną ku człowiekowi. W średniowieczu panowała ideologia religijno-feudalna.

W okresie renesansu nastąpiło odejście od ideologii feudalno-kościelnej, pojawiły się idee emancypacji jednostki, pojawiła się afirmacja wysokiej godności człowieka jako wolnego twórcy ziemskiego szczęścia. Idee stały się decydujące dla rozwoju kultury jako całości, wpłynęły na rozwój sztuki, literatury, muzyki, nauki i znalazły odzwierciedlenie w polityce. Humanizm jest światopoglądem o charakterze świeckim, antydogmatycznym i antyscholastycznym. Rozwój humanizmu rozpoczyna się w XIV wieku, w dziełach humanistów takich jak Dante, Petrarka, Boccaccio itp. W XVI wieku proces rozwoju nowego światopoglądu ulega spowolnieniu pod wpływem reakcji feudalno-katolickiej . Zastępuje ją Reformacja.

Literatura renesansowa w ogóle

Mówiąc o renesansie, mówimy bezpośrednio o Włoszech, jako nosicielu głównej części kultury starożytnej, oraz o tzw. Renesansie północnym, który miał miejsce w krajach północnej Europy: Francji, Anglii, Niemczech, Holandii , Hiszpanii i Portugalii.

Literaturę renesansu charakteryzują wspomniane ideały humanistyczne. Epoka ta wiąże się z pojawieniem się nowych gatunków i powstaniem wczesnego realizmu, zwanego „realizmem renesansowym” (lub renesansem), w przeciwieństwie do późniejszych etapów, edukacyjnych, krytycznych, socjalistycznych.

Dzieła takich autorów jak Petrarka, Rabelais, Szekspir, Cervantes wyrażają nowe rozumienie życia jako osoby, która odrzuca niewolnicze posłuszeństwo głoszone przez Kościół. Przedstawiają człowieka jako najwyższe dzieło natury, próbując ukazać piękno jego wyglądu fizycznego oraz bogactwo jego duszy i umysłu. Realizm renesansowy charakteryzuje się skalą obrazów (Hamlet, Król Lear), poetyzacją obrazu, zdolnością do wielkich uczuć, a jednocześnie dużą intensywnością tragicznego konfliktu (Romeo i Julia), odzwierciedlającą zderzenie osobę z wrogimi mu siłami.

Literaturę renesansu charakteryzuje różnorodność gatunków. Przeważyły ​​jednak pewne formy literackie. Najpopularniejszym gatunkiem było opowiadanie, zwane opowiadaniem renesansowym. W poezji najbardziej charakterystyczną formą staje się sonet (zwrotka składająca się z 14 wersów z określonym rymem). Dramaturgia przeżywa ogromny rozwój. Do najwybitniejszych dramaturgów renesansu zalicza się Lope de Vega w Hiszpanii i Szekspir w Anglii.

Powszechne jest dziennikarstwo i proza ​​filozoficzna. We Włoszech Giordano Bruno w swoich dziełach potępia Kościół i tworzy własne, nowe koncepcje filozoficzne. W Anglii Thomas More wyraża idee utopijnego komunizmu w swojej książce Utopia. Powszechnie znani są także autorzy tacy jak Michel de Montaigne („Eksperymenty”) i Erazm z Rotterdamu („Pochwała szaleństwa”).

Wśród pisarzy tamtych czasów koronowano głowy. Książę Lorenzo de' Medici pisze wiersze, a Małgorzata z Nawarry, siostra króla Francji Franciszka I, znana jest jako autorka zbioru Heptameron.

Sztuka piękna renesansu

Pierwsze zwiastuny sztuki renesansowej pojawiły się we Włoszech w XIV wieku. Artyści tego czasu, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) i (przede wszystkim) Giotto (1267-1337), tworząc obrazy o tradycyjnej tematyce religijnej, wychodzili z tradycji międzynarodowego gotyku (Cechy charakterystyczne międzynarodowego malarstwa gotyckiego: barwność, wyrafinowanie i dekoracyjność, egzaltacja, wyrafinowanie.), zaczęto jednak stosować nowe techniki artystyczne: budowanie trójwymiarowej kompozycji, wykorzystywanie pejzażu w tle, co pozwoliło im na urealnienie obrazów i animowane. To wyraźnie oddzieliło ich twórczość od dotychczasowej tradycji ikonograficznej, pełnej konwencji obrazu. W odniesieniu do ich twórczości używa się terminu protorenesans.

Różne stulecia w historii sztuki włoskiej mają nazwy pochodzące od odpowiednich cyfr:

Ducento – 1200 rok. Z włoskiego duento (dwieście). Międzynarodowy gotyk.

Trecento – 1300 r. Z włoskiego trecento (trzysta). Protorenesans.

Quattrocento – 1400 rok. Z włoskiego quattrocento (czterysta). Wczesny renesans, wysoki renesans.

Cinquecento – XVI w. Z włoskiego cinquecento (pięćset). Koniec wysokiego renesansu, późny renesans.

Wczesny renesans

Na początku XV wieku Filippo Brunelleschi (1377-1446), florencki uczony i architekt, odkrył i opisał prawa perspektywy liniowej w malarstwie. Pozwoliło to artystom uzyskać doskonałe obrazy trójwymiarowej przestrzeni na płaskim płótnie malarskim.

Kolejnym ważnym krokiem było pojawienie się sztuki niereligijnej, świeckiej. Portret i krajobraz stały się niezależnymi gatunkami. Nawet tematy religijne zyskały inną interpretację - artyści renesansu zaczęli postrzegać swoje postacie jako bohaterów o wyraźnych cechach indywidualnych i ludzkiej motywacji do działania.

Najbardziej znani artyści tego okresu to Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Niccolo Pizzolo ( 1421-1497).1453), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1445-1510).

Rzeźba stała się powszechna. W twórczości rzeźbiarzy rozwinęło się wiele form: posąg, płaskorzeźba, popiersie itp. Osiągnęły nowe wyżyny w przedstawianiu plastyczności ludzkiego ciała: emocji, ruchów ciała, skomplikowanych scen w wielopłaszczyznowych, perspektywicznych płaskorzeźbach. Najsłynniejszymi rzeźbiarzami tego okresu są Donatello (1386-1466) i Lorenzo Ghiberti (1381-1456).

Wysoki renesans

Największy rozkwit sztuki renesansu przypadł na pierwszą ćwierć XVI wieku, którą nazwano „wysokim renesansem”. Dzieła Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Raphaela Santiego (1483-1520), Michelangelo Buonarroti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Tycjana (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) stanowią złoty fundusz sztuki europejskiej.

Podchodząc do malarstwa z punktu widzenia przyrodnika, Leonardo da Vinci osiągnął wysoki poziom umiejętności przekazywania mimiki twarzy i ciała człowieka, sposobów przekazywania przestrzeni i konstruowania kompozycji. Jednocześnie jego prace tworzą harmonijny obraz człowieka spełniającego humanistyczne ideały. Innowacje te zostały później opracowane przez Rafaela Santi.

Obrazy i rzeźby Michała Anioła Buonarrotiego pełne są heroicznego patosu, a zarazem tragicznego poczucia kryzysu humanizmu. Jego obrazy wychwalają siłę i moc człowieka, piękno jego ciała, podkreślając jednocześnie jego samotność w świecie

Twórczość Giorgione i Tycjana wyróżnia zainteresowanie pejzażem i poetyka fabuły. Obaj artyści osiągnęli wielkie mistrzostwo w sztuce portretu, za pomocą którego oddali charakter i bogaty świat wewnętrzny swoich bohaterów.

Późny renesans

Po splądrowaniu Rzymu przez siły cesarskie w 1527 r. włoski renesans wszedł w okres kryzysu. Już w twórczości zmarłego Rafaela zarysowała się nowa linia artystyczna zwana manieryzmem. Epokę tę charakteryzują nadmuchane i przerywane linie, wydłużone lub nawet zdeformowane postacie, często nagie, napięte i nienaturalne pozy, niezwykłe lub dziwaczne efekty związane z rozmiarem, oświetleniem lub perspektywą, stosowaniem żrącej gamy chromatycznej, przeładowaną kompozycją itp. pierwsi mistrzowie manieryzmu – Parmigianino, Pontormo, Bronzino – mieszkali i pracowali na dworze książąt Medyceuszy we Florencji. Moda manierystyczna rozprzestrzeniła się później w całych Włoszech i poza nimi. W latach 90. XVI w. manieryzm został zastąpiony sztuką barokową (figury przejściowe – Tintoretto i El Greco)

Renesans północny

Artyści mieszkający na północ od Alp nie mieli przed oczami przykładów sztuki starożytnej. Wymiar archeologiczny włoskiego renesansu, który polegał na badaniu nowo odkrytych zabytków starożytnych, był im zupełnie obcy. Tradycje i umiejętności sztuki gotyckiej zachowały się tu przez długi czas, mniej uwagi poświęcano badaniu starożytnego dziedzictwa i znajomości anatomii człowieka. Portretom artystów północnych (np. Holbeina) brakuje harmonizacji i idealizacji rzeczywistości, charakterystycznej dla ich południowych odpowiedników; w swoim realizmie dochodzą do naturalizmu. Z drugiej strony nie zrywają z elementami ludowości, życia chłopskiego i tradycji folklorystycznych; Szczególnie wyraźna jest pod tym względem twórczość Pietera Bruegla Starszego.

Na styku międzynarodowych trendów gotyku i przedrenesansu w burgundzkich Niderlandach w pierwszej połowie XV wieku narodziła się sztuka staroniderlandzka. Złożoną ikonografię i misterną symbolikę połączono ze szczególną dbałością o szczegóły użytku domowego. Przejście od tempery do malarstwa olejnego pozwoliło artyście wyraźniej i wszechstronniej oddać różnorodność, głębię i blask obiektywnego świata. Wszystkie te osiągnięcia kojarzą się z nazwiskami Roberta Campina i jego uczniów – braci van Eykovy, Rogera van der Weydena. W drugiej połowie stulecia w twórczości Memlinga misternie splatały się wpływy gotyku i Włoch.

Choć Włochy epoki Quattrocento z zainteresowaniem śledziły dokonania artystów holenderskich, wpływy włoskie zaczęły przenikać te strony dopiero w XVI wieku, kiedy Bawarczyk Albrecht Dürer wyjechał doskonalić swoją sztukę do Wenecji, a w Holandii szkoła manieryzmu antwerpskiego powstała, do której należał w szczególności Mabuse. Wraz z początkiem reformacji zakazano malarstwa religijnego w północnej Europie, ale zaczęły powstawać nowe gatunki, oparte nie tyle na ponownym przemyśleniu dorobku artystycznego poprzednich pokoleń (jak we Włoszech), ile na bezpośredniej obserwacji natury - mianowicie pejzażu , martwa natura, malarstwo rodzajowe.

Strona 20 z 23

Sztuka renesansu

Renesans to nowy etap w historii kultury światowej. W tym czasie położono podwaliny współczesnej nauki, w szczególności nauk przyrodniczych, literatura osiągnęła wysoki poziom, a wraz z wynalezieniem druku otrzymała niespotykane dotąd możliwości dystrybucji. Jednocześnie wyłonił się system realistyczny w sztuce. Termin „renesans” zaczęto używać już w XVI wieku. w odniesieniu do sztuk pięknych. O odrodzeniu się sztuki we Włoszech po długich latach upadku w średniowieczu pisał autor Żywotów najsłynniejszych malarzy, rzeźbiarzy i architektów (1550), artysta Giorgio Vasari. Później pojęcie „renesansu” nabrało szerokiego znaczenia.

Kultura renesansu (Rinascimento – po włosku, Renaissance – po francusku) powstała w Europie, na najbardziej rozwiniętych gospodarczo obszarach, gdzie dojrzały warunki przejścia od feudalizmu do początkowego etapu kapitalizmu.

Ze szczególną konsekwencją i siłą nowa kultura objawiła się w miastach włoskich, co już na przełomie XIV-XV wieku. wkroczył na ścieżkę rozwoju kapitalistycznego; Rozprzestrzenił się w Holandii, a także w niektórych miastach Renu i południowych Niemiec w XV wieku. Krąg wpływów kultury renesansowej był jednak znacznie szerszy i obejmował tereny Francji, Hiszpanii, Anglii, Czech i Polski, gdzie z różną siłą i w specyficznych formach pojawiały się nowe nurty.

Kultura renesansu opiera się na zasadzie humanizmu, afirmacji godności i piękna człowieka, jego umysłu i woli, jego mocy twórczych. W przeciwieństwie do kultury średniowiecza, humanistyczna, afirmująca życie kultura renesansu miała charakter świecki. Wyzwolenie się od kościelnej scholastyki i dogmatyki przyczyniło się do powstania nauki. Namiętne pragnienie poznania realnego świata i zachwyt nad nim doprowadziło do refleksji w sztuce nad najróżniejszymi aspektami rzeczywistości i nadało majestatyczny patos i głęboki wgląd w najważniejsze dzieła artystów.

Nowe zrozumienie dziedzictwa starożytnego miało ogromne znaczenie w rozwoju sztuki renesansu. Największy wpływ na kształtowanie się kultury renesansowej wywarł wpływ starożytności we Włoszech, gdzie zachowało się wiele zabytków starożytnej sztuki rzymskiej. Zwycięstwo zasady świeckiej w kulturze renesansu było konsekwencją społecznej afirmacji rosnącej siły burżuazji. Jednak humanistyczna orientacja sztuki renesansu, jej optymizm i heroiczny charakter obrazów obiektywnie wyrażały interesy nie tylko młodej burżuazji, ale także wszystkich postępowych warstw społeczeństwa jako całości.

Sztuka renesansu ukształtowała się w warunkach, w których zachwiały się podstawy feudalnego stylu życia, a stosunki burżuazyjno-kapitalistyczne z całą ich moralnością kupiecką i bezduszną hipokryzją nie nabrały jeszcze kształtu. Skutki kapitalistycznego podziału pracy, szkodliwe dla rozwoju jednostki, nie zdążyły się jeszcze ujawnić; odwaga, inteligencja, zaradność, siła charakteru nie straciły jeszcze na znaczeniu. Stworzyło to iluzję nieskończoności w dalszym postępującym rozwoju ludzkich zdolności. Ideał tytanicznej osobowości został potwierdzony w sztuce. Sztuka renesansu miała charakter społeczny. To właśnie ta cecha przybliża go do sztuki klasycznej Grecji. Jednocześnie w sztuce renesansu, zwłaszcza w późnym okresie, ucieleśniał się wizerunek osoby, w którym cechy indywidualnej oryginalności łączyły się z cechami typowymi społecznie.

Malarstwo przeżyło niespotykany dotąd rozkwit, odsłaniając ogromne możliwości w przedstawianiu zjawisk życiowych, człowieka i jego otoczenia. Rozwój nauk, rozwój perspektywy linearnej, a następnie powietrznej, badanie proporcji i anatomii człowieka – wszystko to przyczyniło się do ugruntowania się w malarstwie metody polegającej na przedstawianiu rzeczywistości za pomocą obrazów samej rzeczywistości.

Nowe wymagania stojące przed sztuką doprowadziły do ​​wzbogacenia jej typów i gatunków.
W monumentalnym malarstwie włoskim dominował fresk. Od XV wieku Coraz ważniejsze miejsce zajmuje malarstwo sztalugowe, w którego rozwoju szczególną rolę odegrali mistrzowie holenderscy. Wraz z istniejącymi wcześniej gatunkami malarstwa religijnego i mitologicznego, które nabrały nowych znaczeń, na pierwszy plan wysunął się portret, pojawiło się malarstwo historyczne i pejzażowe.

W Niemczech i Holandii, gdzie ruchy ludowe stworzyły zapotrzebowanie na sztukę szybko i aktywnie reagującą na bieżące wydarzenia, grawerowanie stało się powszechne i często było wykorzystywane do ozdabiania książek.

Zapoczątkowany w średniowieczu proces izolowania rzeźby dobiegł końca: wraz z rzeźbą dekoracyjną zdobiącą budynki pojawiła się samodzielna rzeźba okrągła – sztalugowa i monumentalna. Dekoracyjny relief nabrał charakteru perspektywicznie skonstruowanej kompozycji wielofigurowej.

Ideały humanizmu wyrażały się w architekturze, w wyraźnym, harmonijnym wyglądzie budynków, w klasycznym języku ich form, w ich proporcjach i skalach związanych z człowiekiem.

Zmienił się charakter sztuki użytkowej, zapożyczając formy i motywy zdobnictwa z życia i starożytności, kojarząc się nie tyle z kościołem, ile ze zakonami świeckimi. Jego ogólnie pogodny charakter, szlachetność form i kolorów odzwierciedlała poczucie jedności stylu, właściwe wszystkim rodzajom sztuki renesansu, stanowiącym syntezę sztuki opartą na równej współpracy wszystkich jej rodzajów.

Sztuka renesansu przechodziła przez etapy wczesne (XV w., odpowiada czasowi pojawienia się produkcji kapitalistycznej w poszczególnych miastach Włoch, Niemiec, Holandii), wysokie (lata 90. XV w. – pierwsza tercja XVI w.) i późnego renesansu (druga połowa XVI w.).
W różnych krajach objawiało się to różnie. Na przykład w Holandii nie było okresu wysokiego renesansu. Klasycznym krajem renesansu były Włochy, gdzie wyraźnie wyodrębniono okresy tzw. Protorenesansu (zwiastuna renesansu), wczesnego, wysokiego i późnego renesansu, a w ramach późnego renesansu wraz z upowszechniła się sztuka humanistyczna, dekadencki kierunek manierystyczny, który nie przyczynia się do poznania rzeczywistości.

W drugiej połowie XVI w. W Europie Zachodniej wyłania się kryzys kultury duchowej, wywołany głębokimi wstrząsami społecznymi – tzw. rewolucją cenową, która wywołała daleko idące zmiany społeczne – pauperyzację mas, unicestwienie klas feudalnych, wojny domowe we Francji , starcia polityczne związane z rewolucją holenderską, gwałtowny atak kontrreformacji. W podzielonych Włoszech, podobnie jak w Niemczech, utrwala się drobnoksiążęcy despotyzm. W Europie ogłasza się kampanię przeciwko humanizmowi we wszystkich jego przejawach. Jednakże humanizm był zjawiskiem zbyt potężnym i żywotnym, aby zaniknąć bez heroicznej walki o swoje wzniosłe ideały. W tych warunkach późnej, końcowej fazy renesansu rodzi się „tragiczny humanizm”, odsłaniając głębiej sprzeczności między osobowością człowieka a otaczającym ją społeczeństwem, okrutną przepaść pomiędzy ideałami renesansu a zaczynającymi się zacierać wrogimi siłami antyhumanistycznymi. zwycięstwo w społeczeństwie zostało zrealizowane. Oprócz Włoch, późny renesans przeżywają także Holandia, Francja i Anglia. Na tym etapie rodzą się najbogatsze i najbardziej dojrzałe owoce renesansu w sztuce i literaturze - kwitnie w nich realizm, przepełniony wewnętrzną tragedią.

Sztuka włoska renesansu miała wyjątkowy charakter i na wszystkich etapach prawie trzech wieków rozwoju osiągnęła wyjątkowe wyżyny twórcze. Ogrom kultury renesansu, ogromna liczba wybitnych dzieł w porównaniu z niewielkimi obszarami, na których powstały, wciąż budzą zdziwienie i podziw. Rozwijały się wszelkie formy sztuki. W różnych regionach Włoch rozwinęły się lokalne szkoły malarstwa, wychowując artystów, których twórcze poszukiwania znalazły najwyższe zastosowanie w sztuce tytanów renesansu - Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła, Tycjana.

Sztuka zyskała ogromną rolę w życiu publicznym, stała się pilną potrzebą ówczesnego człowieka. Wznoszenie budynków użyteczności publicznej uznawano za sprawę o znaczeniu obywatelskim, a otwarcie najważniejszych zabytków zamieniono w święta narodowe.

Pierwsze powstanie nowej kultury we Włoszech datuje się na XII – XIII wiek. Północnowłoskie miasta stanu, na czele z Wenecją, przejęły handel pośredni między Europą Zachodnią a Wschodem. Florencja, Siena i Mediolan stają się głównymi ośrodkami produkcji rękodzielniczej. Władza polityczna w nich była skupiona w rękach kupców i rzemieślników, zjednoczeni w cechy, aktywnie przeciwstawiali się lokalnym panom feudalnym i pomagali odeprzeć najazd obcych zdobywców (głównie cesarzy niemieckich). W warunkach niezależności politycznej w miastach powstały nowe formy struktury kapitalistycznej. Zmiany te spowodowały zasadnicze zmiany w światopoglądzie i kulturze, które w starożytności charakteryzowały się zainteresowaniem człowiekiem jako myślącą i czującą osobowością. Na wczesnym etapie ery przejściowej kultura była w dużej mierze sprzeczna, nowe często współistniało ze starym lub przybierało tradycyjne formy.

Zdecydowany zwrot w kierunku przezwyciężenia tradycji średniowiecznej w sztuce włoskiej nastąpił w XV wieku. (quattrocento). W tym czasie zaczęły pojawiać się różne szkoły terytorialne, torując drogę metodzie realistycznej. Florencja pozostaje wiodącym ośrodkiem kultury humanistycznej i sztuki realistycznej.

Sztuka wysokiego renesansu sięga końca XV wieku. i pierwsze trzy dekady
XVI wiek „Złoty wiek” sztuki włoskiej był chronologicznie bardzo krótki i jedynie w Wenecji trwał dłużej, bo do połowy stulecia. Ale to właśnie w tym czasie powstały wspaniałe dzieła tytanów renesansu.

Najwyższy rozwój kultury nastąpił w najtrudniejszym okresie historycznym w życiu Włoch, w warunkach gwałtownego osłabienia gospodarczego i politycznego państw włoskich. Podboje tureckie na Wschodzie, odkrycie Ameryki i nowy szlak morski do Indii pozbawiają włoskie miasta roli najważniejszych ośrodków handlowych; brak jedności i ciągła wewnętrzna wrogość czynią z nich łatwy łup dla coraz bardziej scentralizowanych stanów północno-zachodnich. Przepływ kapitału w kraju z handlu i przemysłu do rolnictwa oraz stopniowe przekształcanie się burżuazji w klasę obszarników przyczyniło się do szerzenia się reakcji feudalnej. Najazd wojsk francuskich w 1494 r., wyniszczające wojny pierwszych dziesięcioleci XVI wieku i klęska Rzymu znacznie osłabiły Włochy. To właśnie w tym czasie, gdy nad krajem zawisła groźba jego całkowitego zniewolenia przez obcych zdobywców, ujawniła się siła narodu wkraczającego w walkę o niepodległość narodową, o republikańską formę rządów i jego samoświadomość narodową rósł. Świadczą o tym ruchy ludowe z początku XVI wieku. w wielu miastach włoskich, a zwłaszcza we Florencji, gdzie dwukrotnie ustanowiono rządy republikańskie: od 1494 do 1512 i od 1527 do 1530. Ogromny wzrost społeczny stał się podstawą rozkwitu potężnej kultury wysokiego renesansu. W trudnych warunkach pierwszych dziesięcioleci XVI w. Powstały zasady kultury i sztuki nowego stylu.

Charakterystyczną cechą kultury wysokiego renesansu było niezwykłe poszerzenie horyzontów społecznych jej twórców, skala ich wyobrażeń o świecie i przestrzeni. Zmienia się pogląd człowieka i jego stosunek do świata. Sam typ artysty, jego światopogląd i pozycja w społeczeństwie zdecydowanie odbiegają od tej, jaką zajmowano przez mistrzów XV wieku, wciąż w dużej mierze kojarzonych z klasą rzemieślników. Artyści wysokiego renesansu byli nie tylko ludźmi wielkiej kultury, ale jednostkami twórczymi, wolnymi od ram cechowych, zmuszających przedstawicieli klas panujących do uwzględnienia ich pomysłów.

W centrum ich twórczości, uogólnionej w języku artystycznym, znajduje się obraz idealnie pięknej osoby, doskonałej fizycznie i duchowo, nie oderwanej od rzeczywistości, ale wypełnionej życiem, wewnętrzną siłą i znaczeniem, tytaniczną siłą samoafirmacji. Najważniejsze ośrodki nowej sztuki wraz z Florencją na początku XVI wieku. stać się papieskim Rzymem i patrycjuszowską Wenecją. Od lat 30. w środkowych Włoszech narasta reakcja feudalno-katolicka,
a wraz z nim rozprzestrzenia się dekadencki ruch w sztuce zwany manieryzmem. I już w drugiej połowie XVI wieku. ujawniają się tendencje sztuki antymanierystycznej.

W tym późnym okresie, kiedy swoją rolę zachowują jedynie pojedyncze ośrodki kultury renesansowej, to właśnie one tworzą najważniejsze dzieła o wartości artystycznej. Są to późne dzieła Michała Anioła, Palladia i wielkich Wenecjan.

Druga połowa XVI wieku była złożonym okresem przejściowym w sztuce Wenecji, naznaczonym przeplataniem się różnorodnych nurtów. Wraz z nasilającym się kryzysem gospodarczym w Wenecji i narastającą reakcją feudalno-katolicką w całych Włoszech, w kulturze weneckiej miało miejsce stopniowe przejście od ideałów artystycznych wysokiego renesansu do późnego renesansu. Postrzeganie świata staje się bardziej złożone, zależność człowieka od środowiska jest bardziej urzeczywistniona, rozwijają się idee dotyczące zmienności życia, a ideały harmonii i integralności wszechświata zostają utracone.

Rodzaj ośrodka sztuki renesansowej XV–XVI w. była Holandia – jeden z najbogatszych i najbardziej rozwiniętych krajów w Europie, która skutecznie konkurowała w handlu i przemyśle z miastami Włoch i stopniowo wypierała je z rynku światowego. Proces kształtowania się kultury renesansowej przebiegał jednak w Holandii wolniej niż we Włoszech i towarzyszyły mu kompromisy między starym a nowym. Do końca XIV wieku. Sztuka holenderska rozwijała się w formach tradycyjnie religijnych, chłonąc zaawansowane osiągnięcia gotyku francuskiego i niemieckiego. Początek samodzielnego rozwoju sztuki datuje się na koniec XIV w., kiedy to pod panowaniem książąt burgundzkich (1363–1477) pod przymusem połączono prowincje niderlandzkie w niezależne państwo „pośrednie” (Engels) położone pomiędzy Francja i Niemcy; obejmował Flandrię, Holandię i liczne prowincje pomiędzy Mozą a Skaldą. Heterogeniczne pod względem etnicznym, gospodarczym i politycznym, posługujące się różnymi dialektami pochodzenia romańskiego i germańskiego, prowincje te i ich miasta tworzyły dopiero pod koniec XVI wieku jedno państwo narodowe. Wraz z szybkim wzrostem gospodarczym, demokratycznym ruchem miast wolnego handlu i rzemiosła oraz przebudzeniem w nich samoświadomości narodowej, rozkwita kultura pod wieloma względami podobna do włoskiego renesansu. Głównymi ośrodkami nowej sztuki i kultury były bogate miasta południowych prowincji Flandrii i Brabancji (Brugia, Gandawa, Bruksela, Tournai, a później Antwerpia). Miejska kultura mieszczańska z kultem trzeźwej praktyczności rozwinęła się tu obok bujnej kultury dworu książęcego, która wyrosła na ziemi francusko-burgundzkiej.

Specyfika rozwoju historycznego Holandii zdeterminowała wyjątkową kolorystykę sztuki. Feudalne podstawy i tradycje przetrwały tu aż do końca XVI wieku, choć pojawienie się stosunków kapitalistycznych, które przełamały izolację klasową, doprowadziło do zmiany oceny osobowości ludzkiej w stosunku do rzeczywistego miejsca, jakie zaczęła ona zajmować w życie. Miasta holenderskie nie uzyskały niezależności politycznej, jaką posiadały miasta gminne we Włoszech. Jednocześnie, dzięki ciągłemu przemieszczaniu się przemysłu na wieś, rozwój kapitalistyczny przeniknął do głębszych warstw społeczeństwa Holandii, kładąc podwaliny pod dalszą jedność narodową i wzmocnienie ducha korporacyjnego, który spajał określone grupy społeczne. Ruch wyzwoleńczy nie ograniczał się do miast. Decydującą siłą bojową było w nim chłopstwo. Dlatego walka z feudalizmem przybrała ostrzejsze formy. Pod koniec XVI w. przekształcił się w potężny ruch reformacyjny i zakończył się zwycięstwem rewolucji burżuazyjnej.

Sztuka holenderska nabrała bardziej demokratycznego charakteru niż sztuka włoska.
Ma silne cechy folkloru, fantastyki, groteski, ostrej satyry, ale jego główną cechą jest głębokie poczucie narodowej wyjątkowości życia, ludowych form kultury, sposobu życia, moralności, typów, a także przejaw kontrastów społecznych w życiu różnych warstw społeczeństwa. Sprzeczności społeczne w życiu społeczeństwa, panowanie w nim wrogości i przemocy, różnorodność przeciwstawnych sił pogłębiały świadomość jego dysharmonii. Stąd krytyczne tendencje holenderskiego renesansu, przejawiające się w rozkwicie ekspresyjnej, a czasem tragicznej groteski w sztuce i literaturze, często ukrytej pod pozorem żartu, „aby z uśmiechem mówić królom prawdę” (Erasmus z Rotterdamu. „A słowo pochwały za głupotę”). Kolejną cechą holenderskiej kultury artystycznej renesansu jest stałość tradycji średniowiecznych, która w dużej mierze zdeterminowała charakter holenderskiego realizmu w XV–XVI w. Wszystko, co nowe, odkrywane ludziom przez długi okres czasu, zostało zastosowane do starego średniowiecznego systemu poglądów, co ograniczało możliwości samodzielnego kształtowania się nowych poglądów, ale jednocześnie zmuszało ich do przyswojenia cennych elementów zawartych w tym system.

Zainteresowanie naukami ścisłymi, dziedzictwem starożytnym i włoskim renesansem pojawiło się w Holandii już w XV wieku. W XVI wieku za pomocą swoich „powiedzeń” (1500) Erazm z Rotterdamu „rozwikłał tajemnicę tajemnic” uczonych i wprowadził żywą, miłującą wolność starożytną mądrość w codzienne życie szerokich kręgów „niewtajemniczonych”. Jednak w sztuce, sięgając do osiągnięć dziedzictwa starożytnego i Włochów renesansu, artyści holenderscy podążali własną drogą. Intuicja zastąpiła naukowe podejście do przedstawiania natury. Rozwój głównych problemów sztuki realistycznej - opanowania proporcji postaci ludzkiej, konstruowania przestrzeni, objętości itp. - został osiągnięty poprzez wnikliwą bezpośrednią obserwację konkretnych indywidualnych zjawisk. W tym przypadku holenderscy mistrzowie podążali za narodową tradycją gotyku, którą z jednej strony przezwyciężyli, a z drugiej przemyśleli i rozwinęli w kierunku świadomego, celowego uogólnienia obrazu, komplikując indywidualne cechy.

Sukcesy, jakie sztuka holenderska odniosła w tym kierunku, przygotowały osiągnięcia realizmu XVII wieku. W odróżnieniu od włoskiej, holenderska sztuka renesansu nie ustanowiła nieograniczonej dominacji wizerunku idealnego człowieka-tytana. Podobnie jak w średniowieczu, człowiek wydawał się Holendrom integralną częścią wszechświata, wplecioną w jego złożoną duchową całość. O renesansowej istocie człowieka przesądził jedynie fakt, że uznano go za największą wartość spośród wielorakich zjawisk Wszechświata. Sztukę holenderską charakteryzuje nowa, realistyczna wizja świata, potwierdzenie artystycznej wartości rzeczywistości takiej, jaka jest, wyraz organicznego związku między człowiekiem a jego otoczeniem oraz zrozumienie możliwości, jakie daje natura i życie Człowiek. Artystów przedstawiających osobę interesuje charakterystyczna i wyjątkowa sfera życia codziennego i duchowego; Z entuzjazmem oddają różnorodność indywidualności ludzi, niewyczerpane barwne bogactwo natury, jej materialną różnorodność, subtelnie wyczuwają poezję codzienności, niezauważanej, ale bliskiej człowiekowi, komfortu zamieszkanych wnętrz. Te cechy postrzegania świata pojawiły się w malarstwie i grafice niderlandzkiej XV i XVI wieku. w gatunku codziennym, portrecie, wnętrzu, pejzażu. Wykazali typowo holenderskie zamiłowanie do detali, konkretność ich przedstawienia, narracji, subtelność w przekazywaniu nastrojów, a jednocześnie niesamowitą umiejętność odtwarzania holistycznego obrazu wszechświata z jego przestrzenną bezgranicznością.

Nowe trendy objawiały się nierównomiernie w różnych gatunkach sztuki. Architektura i rzeźba do XVI wieku. rozwinęła się w stylu gotyckim. Punkt zwrotny, jaki nastąpił w sztuce pierwszej tercji XV wieku, najpełniej znalazł odzwierciedlenie w malarstwie. Jej największe osiągnięcie wiąże się z pojawieniem się w Europie Zachodniej malarstwa sztalugowego, które zastąpiło malowidła ścienne kościołów romańskich i gotyckie witraże. Obrazy sztalugowe o tematyce religijnej były pierwotnie dziełami malarstwa ikonowego. W formie malowanych składanych ramek ze scenami ewangelicznymi i biblijnymi zdobiły ołtarze kościołów. Stopniowo do kompozycji ołtarzowych zaczęto włączać tematykę świecką, która z czasem nabrała samodzielnego znaczenia. Malarstwo sztalugowe oddzieliło się od malarstwa ikonowego i stało się integralną częścią wnętrz zamożnych i arystokratycznych domów.

Dla holenderskich artystów głównym środkiem wyrazu artystycznego jest kolor, który otwiera możliwość odtworzenia obrazów wizualnych w ich bogactwie barwnym z niezwykłą namacalnością. Holendrzy byli wyczuleni na subtelne różnice między przedmiotami, odwzorowując fakturę materiałów, efekty optyczne – połysk metalu, przezroczystość szkła, odbicie lustra, cechy załamania światła odbitego i rozproszonego, wrażenie zwiewności atmosfera oddalającego się w dal krajobrazu. Podobnie jak w witrażach gotyckich, których tradycja odegrała ważną rolę w rozwoju obrazowego postrzegania świata, tak i kolor był głównym środkiem przekazania emocjonalnego bogactwa obrazu. Rozwój realizmu spowodował przejście w Holandii od tempery do farby olejnej, co umożliwiło bardziej iluzoryczne odwzorowanie materialności świata.

Udoskonalenie znanej w średniowieczu techniki malarstwa olejnego i rozwój nowych kompozycji przypisuje się Janowi van Eyckowi. Zastosowanie w malarstwie sztalugowym farby olejnej i substancji żywicznych, nałożenie jej w postaci przezroczystej, cienkiej warstwy na podmalówkę oraz podkładu kredowego w kolorze białym lub czerwonym podkreślało nasycenie, głębię i czystość jasnych barw, poszerzało możliwości malarskie – umożliwiło osiągnąć bogactwo i różnorodność kolorów, najlepsze przejścia tonalne.

Trwałe malarstwo i metoda Jana van Eycka przetrwały prawie niezmienione do XV i XVI wieku. w praktyce artystów z Włoch, Francji, Niemiec i innych krajów.

Do końca XV - pierwszej tercji XVI wieku. Sztuka renesansu rozwinęła się także w Niemczech. To czas największego napięcia twórczego, rozbudzenia namiętnego zainteresowania indywidualnością człowieka, poszukiwania nowych sposobów pojmowania rzeczywistości. Bogate doświadczenia sztuki włoskiej i holenderskiej pomogły w rozwoju niemieckiej kultury artystycznej. Ale niemieckich artystów pociągały inne aspekty życia niż Włosi. Podobnie jak Holendrzy zwrócili się ku najskrytszemu życiu duchowemu człowieka, jego doświadczeniom i konfliktom psychicznym. Wizerunek człowieka charakteryzuje się tu albo marzycielstwem i głęboką szczerością, albo surowością i buntowniczymi impulsami, a także dramatem namiętności.

Zgodnie z prawdą życiową sztuka niemiecka była mniej racjonalna, ustępowała włoskiej w rozwoju podstaw naukowych, nie posiadała tych konsekwentnie racjonalistycznych poglądów filozoficznych, które wśród Włochów prowadziły do ​​bezwarunkowej wiary w ludzki umysł. Pragnienie naukowego poznania świata nie umniejszało roli wyobraźni.
Sztuka niemiecka niezmiennie wykazywała ekscytujący osobisty stosunek swoich twórców do świata, umiejętność widzenia życia w jego złożoności i zmienności. Upodobanie do harmonijnego ideału i pełnych klasycznych form łączono z głębokim poczuciem indywidualności. To nie przypadek, że najważniejsze osiągnięcia tutaj związane są z portretem.

Sztuka niemieckiego renesansu jest pod wieloma względami bliska holenderskiej; ma ten sam rozwinięty zmysł jednostki, to samo postrzeganie zjawisk życia w ścisłym związku ze środowiskiem. Określa to szczególne znaczenie krajobrazu i wnętrza w rozwiązywaniu emocjonalnej struktury obrazów. Plastyczne rozumienie form łączy się z emocjonalnym obrazowym rozwiązaniem problemów światła i tonalności, co jest ważne dla ukazania wzajemnych powiązań zjawisk; było to najważniejsze osiągnięcie szkoły niemieckiej XVI wieku, antycypujące poszukiwania czerni cietrzew w XVII wieku.

W porównaniu z Włochami i Holandią, gdzie wcześniej rozkwitła sztuka renesansu, w sztuce niemieckiej z opóźnieniem pojawiły się nowe nurty. W XV wieku Sztuka niemiecka była niemal wyłącznie religijna i nadal żyły w niej tradycje średniowieczne. Nagłość i ostrość skoku, jaki nastąpił na przełomie XV–XVI w., dała początek kontrastom, sprzecznościom i nieoczekiwanym połączeniom starych i nowych nurtów w sztuce niemieckiego renesansu w ogóle oraz w twórczości poszczególnych mistrzów. Sztuka niemiecka nie znała syntetycznego rozwoju architektury, rzeźby i malarstwa, jaki towarzyszył rozkwitowi włoskiego renesansu, gdzie wielu znaczących artystów zajmowało się różnymi formami sztuki. Nosi piętno dysharmonii i tragedii, jakie obfitowały w życiu społecznym Niemiec w XVI wieku.

Przyczyna złożoności rozwoju sztuki w Niemczech wynika ze specyfiki historycznego rozwoju kraju, który nastąpił pod koniec XV – XVI wieku. areną najgłębszych konfliktów społecznych.
W pierwszej połowie XVI w. Niemcy, część potężnego imperium Habsburgów, pozostawały zacofane gospodarczo i politycznie podzielone. Wiele miast i wsi w Niemczech, z dala od zaawansowanych ośrodków zajmujących się światowym handlem, porośnięto roślinnością w trudnych warunkach średniowiecza. Jak w żadnym innym kraju, walka mas burżuazyjnych, chłopskich i plebejskich z feudalizmem przybrała tu charakter kryzysu powszechnego. Na początku XVI wieku. Pierwsze większe powstanie narodowe mieszczan miało miejsce w Niemczech. Jego walka ze szlachtą, z głównymi książętami feudalnymi, powstaniem mieszczan i szerokim ruchem ludowym przerodziła się w reformację.

Wielka Wojna Chłopska, z jej ideałami powszechnej równości własności, stanowiła kulminację ruchu rewolucyjnego. Towarzyszący rewolucji wzrost sił twórczych społeczeństwa stworzył warunki do wszechstronnego, ale krótkotrwałego rozkwitu kultury niemieckiej.
W Niemczech i ich największych miastach szerzyły się idee humanizmu i rozwijała się nauka. W przeciwieństwie do średniowiecznych herezji, Reformacja wytrwale broniła wartości rzeczy ziemskich i wzywała każdego człowieka, aby podążał za swoim powołaniem i doskonalił się. Nauczanie Lutra kultywowało w jednostce skuteczną zasadę. Müntzer głosił aktywną pracę wśród ludzi, odmowę zaspokajania osobistych namiętności. Jak żaden inny kraj Europy Zachodniej na początku XVI wieku, sztuka w Niemczech została wciągnięta w wir chłopskiej walki wyzwoleńczej. Ustalono w nim zasady realizmu i nowe ideały. Rozwijana jest grafika polityczna: ulotki, broszury, karykatury. Wielu niemieckich artystów stało się uczestnikami walki politycznej i religijnej i było prześladowanych (rzeźbiarz T. Riemenschneider, artyści M. Grunewald, G. Greifenberg, G. Plattner, P. Lautensack). Wynalazek druku przyczynił się do upowszechnienia literatury naukowej, broszur politycznych, satyry bojowej („Listy ciemnych ludzi”), broszur nie tylko w literaturze, ale także w sztukach pięknych (uczniowie Dürera - B. i G. Beham, G. Penza).

Luter „stworzył współczesną prozę niemiecką i skomponował tekst i melodię tego triumfalnego chorału, który stał się Marsylianką XVI wieku”. Z tego czasu datuje się rozkwit ilustracji książkowej, karykatury i ryciny sztalugowej. Nowe tendencje wyraźnie ujawniły się w dziedzinie grawerowania – najpopularniejszej formy sztuki, mniej ograniczonej tradycją (rytownictwo powstało na początku XV wieku). Jednak inne formy sztuki również weszły na ścieżkę transformacji.

Renesans to czas rozkwitu kultury, okres rozkwitu wszelkiej sztuki, ale duchem swoich czasów najpełniej wyrażała sztuka piękna.

Renesans, czyli renesans(francuskie „nowy” + „urodzony”) miał globalne znaczenie w historii kultury Europy. Renesans zastąpił średniowiecze i poprzedził epokę oświecenia.
Główne cechy renesansu– świecki charakter kultury, humanizm i antropocentryzm (zainteresowanie człowiekiem i jego działalnością). W okresie renesansu wzrosło zainteresowanie kulturą starożytną i nastąpiło niejako jej „odrodzenie”.
Renesans narodził się we Włoszech – pierwsze jego oznaki pojawiły się w XIII-XIV wieku. (Tony Paramoni, Pisano, Giotto, Orcagna itp.). Jednak ugruntowała się ona mocno w latach 20. XV wieku i pod koniec XV wieku. osiągnęło swój szczyt.
W innych krajach renesans rozpoczął się znacznie później. W XVI wieku rozpoczyna się kryzys idei renesansowych, konsekwencją tego kryzysu jest pojawienie się manieryzmu i baroku.

Okresy renesansu

Renesans dzieli się na 4 okresy:

1. Protorenesans (2. poł. XIII – XIV w.)
2. Wczesny renesans (początek XV - koniec XV wieku)
3. Wysoki renesans (koniec XV - pierwsze 20 lat XVI wieku)
4. Późny renesans (poł. XVI-90. XVI w.)

Upadek Cesarstwa Bizantyjskiego odegrał rolę w powstaniu renesansu. Bizantyjczycy, którzy przenieśli się do Europy, przywieźli ze sobą swoje biblioteki i dzieła sztuki, nieznane średniowiecznej Europie. Bizancjum nigdy nie zerwało z kulturą starożytną.
Wygląd humanizm(ruch społeczno-filozoficzny uznający człowieka za najwyższą wartość) wiązał się z brakiem stosunków feudalnych we włoskich miastach-republikach.
W miastach nie kontrolowanych przez Kościół zaczęły powstawać świeckie ośrodki nauki i sztuki. których działalność była poza kontrolą Kościoła. W połowie XV wieku. Wynaleziono druk, który odegrał ważną rolę w szerzeniu się nowych poglądów w całej Europie.

Krótka charakterystyka okresów renesansu

Protorenesans

Protorenesans jest prekursorem renesansu. Jest także ściśle powiązany ze średniowieczem, z tradycjami bizantyjskimi, romańskimi i gotyckimi. Kojarzony jest z nazwiskami Giotta, Arnolfo di Cambio, braci Pisano, Andrei Pisano.

Andrzej Pisano. Płaskorzeźba „Stworzenie Adama”. Opera del Duomo (Florencja)

Malarstwo prarenesansowe reprezentują dwie szkoły artystyczne: Florencja (Cimabue, Giotto) i Siena (Duccio, Simone Martini). Centralną postacią malarstwa był Giotto. Uważany był za reformatora malarstwa: wypełniał formy religijne treściami świeckimi, dokonywał stopniowego przechodzenia od obrazów płaskich do trójwymiarowych i reliefowych, zwracał się ku realizmowi, wprowadzał do malarstwa plastyczną bryłę postaci, w malarstwie przedstawiał wnętrza.

Wczesny renesans

Jest to okres od 1420 do 1500 roku. Artyści wczesnego renesansu we Włoszech czerpali motywy z życia i wypełniali tradycyjne tematy religijne ziemską treścią. W rzeźbie byli to L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, rodzina della Robbia, A. Rossellino, Desiderio da Settignano, B. da Maiano, A. Verrocchio. W ich twórczości zaczęły powstawać wolnostojący posąg, malownicza płaskorzeźba, popiersie portretowe i pomnik jeździecki.
W malarstwie włoskim XV w. (Masaccio, Filippo Lippi, A. del Castagno, P. Uccello, Fra Angelico, D. Ghirlandaio, A. Pollaiolo, Verrocchio, Piero della Francesca, A. Mantegna, P. Perugino i in.) charakteryzują się poczuciem harmonii ład świata, odwoływanie się do etycznych i obywatelskich ideałów humanizmu, radosne postrzeganie piękna i różnorodności realnego świata.
Założycielem architektury renesansowej we Włoszech był Filippo Brunelleschi (1377-1446), architekt, rzeźbiarz i naukowiec, jeden z twórców naukowej teorii perspektywy.

Szczególne miejsce zajmuje w historii włoskiej architektury Leon Battista Alberti (1404-1472). Ten włoski naukowiec, architekt, pisarz i muzyk wczesnego renesansu kształcił się w Padwie, studiował prawo w Bolonii, a później mieszkał we Florencji i Rzymie. Tworzył traktaty teoretyczne „O posągu” (1435), „O malarstwie” (1435–1436), „O architekturze” (opublikowane w 1485 r.). Bronił języka „ludowego” (włoskiego) jako języka literackiego, a w swoim traktacie etycznym „O rodzinie” (1737-1441) rozwinął ideał harmonijnie rozwiniętej osobowości. W swojej twórczości architektonicznej Alberti skłaniał się ku odważnym, eksperymentalnym rozwiązaniom. Był jednym z twórców nowej architektury europejskiej.

Palazzo Rucellai

Leon Battista Alberti opracował nowy typ pałacu z fasadą boniowaną na całą wysokość i podzieloną trzema kondygnacjami pilastrów, które wyglądem przypominają podstawę konstrukcyjną budowli (Palazzo Rucellai we Florencji, zbudowany przez B. Rossellino według planów Albertiego ).
Naprzeciw Palazzo znajduje się Loggia Rucellai, gdzie odbywały się przyjęcia i bankiety dla partnerów handlowych oraz celebrowano wesela.

Loggia Rucellai

Wysoki renesans

Jest to czas najwspanialszego rozwoju stylu renesansowego. We Włoszech trwało to od około 1500 do 1527 roku. Obecnie centrum sztuki włoskiej z Florencji przenosi się do Rzymu, dzięki wstąpieniu na tron ​​papieski Julia II, człowiek ambitny, odważny, przedsiębiorczy, który przyciągał na swój dwór najlepszych artystów Włoch.

Rafael Santi „Portret papieża Juliusza II”

W Rzymie buduje się wiele monumentalnych budowli, powstają wspaniałe rzeźby, maluje się freski i obrazy, które do dziś uważane są za arcydzieła malarstwa. Starożytność jest nadal wysoko ceniona i dokładnie badana. Ale naśladowanie starożytnych nie zagłusza niezależności artystów.
Szczytem renesansu jest dzieło Leonarda da Vinci (1452-1519), Michała Anioła Buonarrotiego (1475-1564) i Raphaela Santiego (1483-1520).

Późny renesans

We Włoszech jest to okres od lat trzydziestych XVI w. do lat 90.–1620. XVI w. Sztuka i kultura tego czasu są bardzo różnorodne. Niektórzy uważają (na przykład uczeni brytyjscy), że „renesans jako integralny okres historyczny zakończył się wraz z upadkiem Rzymu w 1527 r.”. Sztuka późnego renesansu przedstawia bardzo złożony obraz zmagań różnych ruchów. Wielu artystów nie starało się studiować natury i jej praw, a jedynie na zewnątrz próbowało przyswoić sobie „manierę” wielkich mistrzów: Leonarda, Rafaela i Michała Anioła. Przy tej okazji starszy Michał Anioł powiedział kiedyś, obserwując, jak artyści kopiują jego „Sąd Ostateczny”: „Moja sztuka oszuka wielu”.
W Europie Południowej zatriumfowała Kontrreformacja, która nie przyjęła żadnej wolnej myśli, w tym gloryfikacji ludzkiego ciała i wskrzeszenia ideałów starożytności.
Znani artyści tego okresu to Giorgione (1477/1478-1510), Paolo Veronese (1528-1588), Caravaggio (1571-1610) i inni. Caravaggia uważany za twórcę stylu barokowego.

Sztuka renesansu

Renesans to okres rozkwitu wszystkich sztuk, w tym teatru, literatury i muzyki, ale niewątpliwie najważniejszą z nich, która najpełniej wyraziła ducha swoich czasów, była sztuka piękna.

To nie przypadek, że istnieje teoria, że ​​renesans rozpoczął się od tego, że artyści przestali zadowalać się ramami dominującego stylu „bizantyjskiego” i w poszukiwaniu wzorców swojej twórczości jako pierwsi zwrócili się ku starożytności. Jako jeden z pierwszych porzucił „mandrę bizantyjską” i zaczął wykorzystywać na freskach rzeźbę światłocieniową przedstawiającą postacie Pietro Cavalliniego. Ale największy mistrz protorenesansu, Giotto, po raz pierwszy zamiast ikon zaczął tworzyć obrazy.

Jako pierwszy starał się przekazać chrześcijańskie idee etyczne poprzez przedstawienie realnych ludzkich uczuć i przeżyć, zastępując symbolikę przedstawieniem realnej przestrzeni i konkretnych obiektów. Na słynnych freskach Giotta w Kaplicy Areny w Padwie obok świętych można zobaczyć bardzo niezwykłe postacie: pasterzy czy przędzarkę. Każda indywidualna osoba u Giotta wyraża bardzo specyficzne doświadczenia, specyficzny charakter.

W epoce Ducento (XIII w.) we Włoszech zamiast języka literackiego średniowiecza – łaciny – stopniowo kształtował się popularny język – włoski. Największy pisarz tamtych czasów, Dante Alighieri (1256-1321), wniósł ogromny wkład w jego powstanie. W swojej wczesnej pracy La Vita Nueva, napisanej po włosku, Dante opowiada historię swojej miłości do Beatrice, od ich pierwszego spotkania, gdy byli jeszcze dziećmi, aż do jej śmierci, gdy miała 18 lat.

Przez całe życie nosi w sobie wizerunek prostej kobiety z miasta, wywyższonej miłością poety. I zupełnie w duchu renesansu scena z jego „Boskiej komedii”, w której przedstawia swoją Beatrycze siedzącą na wozie, symbolizującą Kościół u bram czyśćca.

W okresie wczesnego renesansu w sztuce opanowano starożytne dziedzictwo artystyczne, ukształtowały się nowe ideały etyczne, artyści zwrócili się w stronę osiągnięć nauki (matematyki, geometrii, optyki, anatomii). Florencja odegrała wiodącą rolę w kształtowaniu zasad ideologicznych i stylistycznych sztuki wczesnego renesansu. W obrazach takich mistrzów jak Donatello i Verrocchio dominują zasady heroiczne i patriotyczne („Św. Jerzy” i „Dawid” Donatello oraz „Dawid” Verrocchio).

Założycielem malarstwa renesansowego jest Masaccio (obrazy Kaplicy Brancaccich, „Trójca”). Masaccio wiedział, jak oddać głębię przestrzeni, połączył postać i pejzaż jedną koncepcją kompozycyjną, nadawał jednostkom wyrazistość portretu. Ale powstanie i ewolucja portretu malarskiego, który odzwierciedlał zainteresowanie kulturą renesansu człowiekiem, wiąże się z nazwiskami artystów szkoły umbijskiej: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Twórczość artysty Sandro Botticellego wyróżnia się we wczesnym renesansie. Obrazy, które stworzył, są duchowe i poetyckie. Badacze zwracają uwagę na abstrakcję i wyrafinowany intelektualizm w twórczości artysty, jego chęć tworzenia mitologicznych kompozycji o skomplikowanej i zaszyfrowanej treści („Wiosna”, „Narodziny Wenus”).

Jeden z życiorysów Botticellego powiedział, że jego Madonny i Wenus sprawiają wrażenie zagubionych, wywołując w nas poczucie niezatartego smutku... Niektórzy z nich stracili niebo, inni ziemię.

Kulminacją rozwoju zasad ideologicznych i artystycznych włoskiego renesansu jest Wysoki Renesans. Leonardo da Vinci, wielki artysta i naukowiec, uważany jest za twórcę sztuki wysokiego renesansu.

Stworzył wiele arcydzieł: „Mona Lisa” („La Gioconda”), „Benois Madonna” i „Madonna Litta”, „Dama z gronostajem”. W swojej twórczości Leonardo starał się wyrazić ducha człowieka renesansu. Szukał w przyrodzie źródeł doskonałych form sztuki, ale to właśnie w nim N. Bierdiajew uważa za odpowiedzialnego za nadchodzący proces mechanizacji i mechanizacji życia ludzkiego, który oddzielił człowieka od natury.

Malarstwo osiąga w twórczości Rafaela klasyczną harmonię. Jego sztuka ewoluuje od wczesnych, chłodnych, powściągliwych umbryjskich wizerunków Madonn („Madonna Conestabile”) do świata „szczęśliwego chrześcijaństwa” dzieł florenckich i rzymskich. „Madonna ze szczygłem” i „Madonna w fotelu” są miękkie, ludzkie, a nawet zwyczajne w swoim człowieczeństwie.

Ale obraz „Madonny Sykstyńskiej” jest majestatyczny, symbolicznie łącząc świat niebiański i ziemski. Rafael znany jest przede wszystkim jako twórca delikatnych wizerunków Madonn. Ale w malarstwie ucieleśniał zarówno ideał renesansowego człowieka uniwersalnego (portret Castiglione), jak i dramat wydarzeń historycznych.

Michał Anioł to mistrz, który w swojej sztuce połączył piękną fizyczność z głęboką duchowością obrazów odziedziczonych ze średniowiecznej kultury chrześcijańskiej. Już we wczesnej twórczości Michała Anioła można było dostrzec jego tragiczny światopogląd („Ukrzyżowanie”), subtelny psychologizm obrazów i techniczną wirtuozerię („Opłakiwanie Chrystusa” z Bazyliki św. Piotra). Michał Anioł tworzy także własną koncepcję historii ludzkości (malowniczy strop Kaplicy Sykstyńskiej).

Szczególne miejsce w epoce wysokiego renesansu zajmuje szkoła wenecka, w której radość życia i miłość do natury połączono z ideałem humanistycznym (dzieła Giorgione, Tycjana). Późniejszy renesans i manieryzm odzwierciedlają kryzys renesansowych ideałów humanistycznych.

W tym okresie twórczość Michała Anioła odzwierciedla pogłębiającą się tragedię jego światopoglądu (obrazy Kaplicy Medyceuszy, zwłaszcza „Noc”, „Sąd Ostateczny” i freski Kaplicy Paoliny). W artystach kontynuujących tradycje Wysokiego Renesansu rośnie pragnienie dekoracyjności i przepychu (Veronese), rośnie subiektywizm i spirytualizm.

Dla manierystów obraz budowany jest nie na podstawie studiowania natury, jak miało to miejsce w przypadku artystów renesansu, ale na ich wewnętrznym odczuciu. Manieryzm misternie splata mistycyzm z ideałami kultury dworskiej, jest pełen alegorii i artystycznej plastyczności. W manieryzmie zaprzecza się tradycji renesansowej (Correggio, Amanti itp.).

Równolegle z kryzysem sztuki renesansu we Włoszech rozkwitła ona w Holandii i Niemczech.

Jan van Eyck jest centralną postacią początkowego okresu północnego renesansu. Jego twórczość odzwierciedlała jedną z podstawowych cech tej sztuki: ścisły związek ze sztuką późnego gotyku. Ołtarz gandawski, wykonany przez braci van Eyck, w swojej figuratywnej strukturze łączy surowe uczucia religijne z radosnym i poetyckim postrzeganiem ziemskiego piękna, idealnymi obrazami z portretami prawdziwych ludzi, złożoną symboliką z prostymi ludzkimi emocjami. Portrety Jana van Eycka podkreślają duchowe spełnienie i pobożność w psychologicznie autentycznych i naturalistycznie dokładnych obrazach.

Złożona symbolika, fantazja i groteska są widoczne w twórczości Hieronima Boscha. Jego styl wydaje się tak niezwykły jak na tamte czasy, że wielu historyków sztuki współczesnej uważa Boscha za prekursora surrealizmu.

Rozwój sztuki renesansu północnego wiąże się z nazwiskiem Albrechta Dürera, który położył podwaliny pod gatunki świeckie w Niemczech - portrety, pejzaże i gatunki codziennego użytku. Jego twórczość ujawnia kolejną uderzającą cechę renesansu północnego: chęć przedstawienia osoby jako niedoskonałej i idealnej, ale niezawodnej.

Mówiąc o sztuce północnego renesansu, należy oczywiście zwrócić uwagę na portrety Holbeina i twórczość Bruegla.

Reasumując, należy stwierdzić, że renesans we Włoszech i reformację w Europie Północnej można, za N. Bierdiajewem, uznać za etapy okresu przejściowego, który w skali historycznej oznaczał koniec jednego typu cywilizacji (kosmogenicznej, tradycyjna) i początek nowej, technogenicznej cywilizacji.

Renesans włoski był źródłem renesansu północnego i reformacji. Reformacja w wyjątkowy sposób uzupełniła i rozwinęła idee renesansu. Jeśli włoski renesans zapoczątkował nową miejską kulturę burżuazyjną, to reformacja, tworząc protestantyzm, zapewniła dynamiczny rozwój kapitalizmu w Europie.

Historia renesansu rozpoczyna się w Okres ten nazywany jest także renesansem. Renesans przekształcił się w kulturę i stał się prekursorem kultury New Age. A renesans zakończył się w XVI-XVII wieku, ponieważ w każdym stanie ma swoją własną datę rozpoczęcia i zakończenia.

Kilka informacji ogólnych

Przedstawicielami renesansu są Francesco Petrarca i Giovanni Boccaccio. Stali się pierwszymi poetami, którzy zaczęli wyrażać wzniosłe obrazy i myśli szczerym, potocznym językiem. Innowacja ta została przyjęta z hukiem i rozprzestrzeniła się w innych krajach.

Renesans i sztuka

Osobliwością renesansu jest to, że ciało ludzkie stało się głównym źródłem inspiracji i przedmiotem badań artystów tamtych czasów. Zaakcentowano zatem podobieństwo rzeźby i malarstwa do rzeczywistości. Do głównych cech sztuki okresu renesansu zalicza się blask, wyrafinowane użycie pędzla, grę cieni i światła, staranność w procesie pracy i złożone kompozycje. Dla artystów renesansu główne obrazy pochodziły z Biblii i mitów.

Podobieństwo prawdziwej osoby do jej wizerunku na konkretnym płótnie było tak bliskie, że fikcyjna postać wydawała się żywa. Nie można tego powiedzieć o sztuce XX wieku.

Renesans (jego główne nurty zostały pokrótce zarysowane powyżej) postrzegał ciało ludzkie jako nieskończony początek. Naukowcy i artyści regularnie doskonalili swoje umiejętności i wiedzę, badając ciała jednostek. Panował wówczas pogląd, że człowiek został stworzony na podobieństwo i obraz Boga. To stwierdzenie odzwierciedlało fizyczną doskonałość. Głównymi i ważnymi obiektami sztuki renesansu byli bogowie.

Natura i piękno ludzkiego ciała

Sztuka renesansu przywiązywała dużą wagę do natury. Charakterystycznym elementem krajobrazów była urozmaicona i bujna roślinność. Błękitne niebo, przebite promieniami słońca przebijającymi się przez białe chmury, stanowiło wspaniałe tło dla unoszących się na wodzie stworzeń. Sztuka renesansu czciła piękno ludzkiego ciała. Cecha ta przejawiała się w wyrafinowanych elementach mięśni i ciała. Trudne pozy, mimika i gesty, harmonijna i wyraźna paleta kolorów są charakterystyczne dla twórczości rzeźbiarzy i rzeźbiarzy okresu renesansu. Należą do nich Tycjan, Leonardo da Vinci, Rembrandt i inni.