Galeria artystów renesansu. Artyści wczesnego renesansu

Renesans, czyli renesans, jest historycznym kamieniem milowym w kulturze europejskiej. Jest to fatalny etap rozwoju światowej cywilizacji, który zastąpił ciemność i obskurantyzm średniowiecza i poprzedził pojawienie się wartości kulturowych Nowego Czasu. Dziedzictwo renesansu charakteryzuje antropocentryzm, czyli orientacja na człowieka, jego życie i działalność. Oddalając się od dogmatów i tematów kościelnych, sztuka nabrała świeckiego charakteru, a nazwa epoki nawiązuje do odrodzenia się w sztuce motywów antycznych.

Renesans, którego korzenie sięgają Włoch, dzieli się zwykle na trzy etapy: wczesny („quattrocento”), wysoki i późniejszy. Rozważmy cechy twórczości wielkich mistrzów, którzy pracowali w tych starożytnych, ale znaczących czasach.

Przede wszystkim należy zauważyć, że twórcy renesansu nie tylko zajmowali się „czystą” sztuką piękną, ale także okazali się utalentowanymi badaczami i odkrywcami. Na przykład architekt z Florencji Filippo Brunelleschi opisał zbiór zasad konstruowania perspektywy liniowej. Sformułowane przez niego prawa pozwoliły na dokładne przedstawienie trójwymiarowego świata na płótnie. Wraz z ucieleśnieniem postępowych idei w malarstwie zmieniła się sama jego treść ideologiczna - bohaterowie obrazów stali się bardziej „ziemscy”, z wyraźnymi cechami osobistymi i charakterami. Dotyczyło to nawet dzieł o tematyce związanej z religią.

Wybitne nazwiska okresu Quattrocento (druga połowa XV wieku) - Botticelli, Masaccio, Masolino, Gozzoli i inni - słusznie zapewniły sobie honorowe miejsce w skarbnicy kultury światowej.

W okresie wysokiego renesansu (pierwsza połowa XVI w.) ujawnił się w pełni cały potencjał ideowy i twórczy artystów. Cechą charakterystyczną tego czasu jest nawiązanie w sztuce do epoki starożytności. Artyści jednak nie kopiują ślepo starożytnych tematów, ale raczej wykorzystują je do tworzenia i rozwijania własnego, niepowtarzalnego stylu. Dzięki temu sztuka plastyczna nabiera konsekwencji i rygoru, ustępując miejsca pewnej frywolności poprzedniego okresu. Architektura, rzeźba i malarstwo tego czasu harmonijnie się uzupełniały. Budynki, freski i obrazy powstałe w szczytowym okresie renesansu to prawdziwe arcydzieła. Świecą nazwiska powszechnie uznanych geniuszy: Leonardo da Vinci, Rafael Santi, Michelangelo Buonarotti.

Na szczególną uwagę zasługuje osobowość Leonarda da Vinci. Mówi się o nim, że jest człowiekiem wyprzedzającym swoją epokę. Artysta, architekt, inżynier, wynalazca – to nie jest pełna lista wcieleń tej różnorodnej osobowości.

Współczesny człowiek ulicy zna Leonarda da Vinci przede wszystkim jako malarza. Jego najbardziej znanym dziełem jest Mona Lisa. Na jej przykładzie widz może docenić innowacyjność techniki autora: dzięki swojej wyjątkowej odwadze i swobodnemu myśleniu Leonardo opracował zasadniczo nowe sposoby „rewitalizacji” obrazu.

Wykorzystując zjawisko rozproszenia światła, uzyskał zmniejszenie kontrastu drobnych szczegółów, co podniosło realizm obrazu na nowy poziom. Mistrz zwrócił niezwykłą uwagę na anatomiczną dokładność ucieleśnienia ciała w malarstwie i grafice - proporcje „idealnej” sylwetki są zapisane w „Człowieku witruwiańskim”.

Druga połowa XVI i pierwsza połowa XVII wieku nazywana jest zwykle późnym renesansem. Okres ten charakteryzował się bardzo zróżnicowanymi nurtami kulturowymi i twórczymi, dlatego trudno go jednoznacznie ocenić. Trendy religijne południowej Europy, ucieleśnione w kontrreformacji, doprowadziły do abstrakcji od celebracji ludzkiego piękna i starożytnych ideałów. Sprzeczność takich poglądów z utrwaloną ideologią renesansu doprowadziła do powstania manieryzmu florenckiego. Malarstwo w tym stylu charakteryzuje się wymyślną paletą barw i przerywanymi liniami. Ówcześni mistrzowie weneccy – Tycjan i Palladio – wypracowali własne kierunki rozwoju, które niewiele miały punktów stycznych z przejawami kryzysu w sztuce.

Oprócz renesansu włoskiego należy zwrócić uwagę na renesans północny. Artyści żyjący na północ od Alp byli pod mniejszym wpływem sztuki starożytnej. W ich twórczości widoczne są wpływy stylu gotyckiego, który przetrwał aż do nadejścia epoki baroku. Wielkimi postaciami renesansu północnego są Albrecht Durer, Lucas Cranach Starszy, Pieter Bruegel Starszy.

Dziedzictwo kulturowe wielkich artystów renesansu jest bezcenne. Imię każdego z nich jest z czcią i pieczołowitością zachowane w pamięci ludzkości, ponieważ osoba, która je nosiła, była wyjątkowym diamentem o wielu fasetach.

Pierwsze zwiastuny sztuki renesansowej pojawiły się we Włoszech w XIV wieku. Artyści tamtych czasów, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) i (przede wszystkim) Giotto (1267-1337) tworząc obrazy o tradycyjnej tematyce religijnej, zaczęli stosować nowe techniki artystyczne: budowanie trójwymiarowej kompozycji, wykorzystywanie pejzażu w tle, co pozwalało im na urealnienie i ożywienie obrazów. To wyraźnie oddzieliło ich twórczość od dotychczasowej tradycji ikonograficznej, pełnej konwencji obrazu.
Termin używany do określenia ich kreatywności Protorenesans (1300 - „Trecento”) .

Giotto di Bondone (ok. 1267-1337) – włoski artysta i architekt epoki prarenesansowej. Jedna z kluczowych postaci w historii sztuki zachodniej. Pokonawszy tradycję bizantyjskiego malowania ikon, stał się prawdziwym założycielem włoskiej szkoły malarstwa i wypracował zupełnie nowe podejście do przedstawiania przestrzeni. Prace Giotta inspirowane były twórczością Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła.

Wczesny renesans (XV w. – Quattrocento).

Na początku XV wieku Filippo Brunelleschiego (1377-1446), florencki naukowiec i architekt.
Brunelleschi chciał, aby postrzeganie zrekonstruowanych przez niego łaźni i teatrów było bardziej wizualne i próbował stworzyć obrazy z geometryczną perspektywą na podstawie swoich planów z określonego punktu widzenia. W trakcie tych poszukiwań odkryto bezpośrednia perspektywa.

Pozwoliło to artystom uzyskać doskonałe obrazy trójwymiarowej przestrzeni na płaskim płótnie malarskim.

_________

Kolejnym ważnym krokiem na drodze do renesansu było pojawienie się sztuki niereligijnej, świeckiej. Portret i krajobraz stały się niezależnymi gatunkami. Nawet tematy religijne zyskały inną interpretację - artyści renesansu zaczęli postrzegać swoje postacie jako bohaterów o wyraźnych cechach indywidualnych i ludzkiej motywacji do działania.

Najbardziej znani artyści tego okresu to Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanniego Belliniego (1430-1516), Antonello z Messyny (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticellego (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) – słynny malarz włoski, największy mistrz szkoły florenckiej, reformator malarstwa epoki Quattrocento.

Fresk. Cud ze statrem.

Obraz. Ukrzyżowanie.

Piero Della Francesco (1420-1492). Prace mistrza wyróżnia majestatyczna powaga, szlachetność i harmonia obrazów, uogólnione formy, równowaga kompozycyjna, proporcjonalność, precyzja konstrukcji perspektywicznych oraz miękka paleta pełna światła.

Fresk. Historia królowej Saby. Kościół San Francesco w Arezzo

Sandro Botticellego(1445-1510) – wielki malarz włoski, przedstawiciel szkoły malarstwa florenckiego.

Wiosna.

Narodziny Wenus.

Wysoki renesans („Cinquecento”).
Nastąpił największy rozkwit sztuki renesansowej dla pierwszej ćwierci XVI w.
Pracuje Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafał Santi (1483-1520), Michał Anioł Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), tycjanowski (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) stanowią złoty fundusz sztuki europejskiej.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florencja) (1452-1519) – włoski artysta (malarz, rzeźbiarz, architekt) i naukowiec (anatom, przyrodnik), wynalazca, pisarz.

Autoportret

Dama z gronostajem. 1490. Muzeum Czartoryskich, Kraków

Mona Lisa (1503-1505/1506)

Leonardo da Vinci osiągnął ogromną umiejętność oddania mimiki ludzkiej twarzy i ciała, sposobów przekazywania przestrzeni i konstruowania kompozycji. Jednocześnie jego prace tworzą harmonijny obraz człowieka spełniającego humanistyczne ideały.

Madonna Litta. 1490-1491. Ermitaż.

Madonna Benois (Madonna z kwiatem). 1478-1480

Madonna z goździkiem. 1478

W ciągu swojego życia Leonardo da Vinci sporządził tysiące notatek i rysunków na temat anatomii, ale swojej pracy nie opublikował. Dokonując sekcji ciał ludzi i zwierząt, dokładnie oddał budowę szkieletu i narządów wewnętrznych, z uwzględnieniem drobnych szczegółów. Według profesora anatomii klinicznej Petera Abramsa prace naukowe da Vinci wyprzedzały swoje czasy o 300 lat i pod wieloma względami przewyższały słynną „Anatomię Graya”.

Lista wynalazków, zarówno rzeczywistych, jak i przypisywanych mu:

Spadochron, doZamek Olessovo, wrower, tanka, llekkie mosty przenośne dla wojska, sprojektor, doatakult, roba, DTeleskop Vuhlensa.

Następnie opracowano te innowacje Rafał Santi (1483-1520) – wielki malarz, grafik i architekt, przedstawiciel szkoły umbryjskiej.

Autoportret. 1483

Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) – włoski rzeźbiarz, artysta, architekt, poeta, myśliciel.

Obrazy i rzeźby Michała Anioła Buonarottiego są pełne heroicznego patosu, a zarazem tragicznego poczucia kryzysu humanizmu. Jego obrazy gloryfikują siłę i moc człowieka, piękno jego ciała, podkreślając jednocześnie jego samotność w świecie.

Geniusz Michała Anioła odcisnął piętno nie tylko na sztuce renesansu, ale także na całej późniejszej kulturze światowej. Jego działalność związana jest głównie z dwoma włoskimi miastami – Florencją i Rzymem.

Jednak najbardziej ambitne plany artysta mógł zrealizować właśnie w malarstwie, gdzie dał się poznać jako prawdziwy innowator koloru i formy.
Na zlecenie papieża Juliusza II namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej (1508-1512), przedstawiający biblijną historię od stworzenia świata do potopu i zawierający ponad 300 postaci. W latach 1534-1541 w tej samej Kaplicy Sykstyńskiej namalował okazały, dramatyczny fresk „Sąd Ostateczny” dla papieża Pawła III.
Kaplica Sykstyńska 3D.

Twórczość Giorgione i Tycjana wyróżnia zainteresowanie pejzażem i poetyka fabuły. Obaj artyści osiągnęli wielkie mistrzostwo w sztuce portretu, za pomocą którego oddali charakter i bogaty świat wewnętrzny swoich bohaterów.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) – artysta włoski, przedstawiciel weneckiej szkoły malarstwa.


Śpiąca Wenus. 1510

Judyta. 1504g

Tycjan Vecellio (1488/1490-1576) – malarz włoski, największy przedstawiciel szkoły weneckiej wysokiego i późnego renesansu.

Tycjan malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, zasłynął także jako portrecista. Otrzymywał rozkazy od królów i papieży, kardynałów, książąt i książąt. Tycjan nie miał nawet trzydziestu lat, kiedy został uznany za najlepszego malarza Wenecji.

Autoportret. 1567

Wenus z Urbino. 1538

Portret Tommaso Mostiego. 1520

Późny renesans.
Po splądrowaniu Rzymu przez siły cesarskie w 1527 r. włoski renesans wszedł w okres kryzysu. Już w twórczości zmarłego Rafaela zarysowała się nowa linia artystyczna, tzw manieryzm.
Epokę tę charakteryzują nadmuchane i przerywane linie, wydłużone lub nawet zdeformowane postacie, często nagie, napięte i nienaturalne pozy, niezwykłe lub dziwaczne efekty związane z rozmiarem, oświetleniem lub perspektywą, stosowaniem żrącej gamy chromatycznej, przeładowaną kompozycją itp. pierwsi mistrzowie manieryzmu Parmigianino , Pontormo , Bronzino- mieszkał i pracował na dworze książąt Medyceuszy we Florencji. Moda manierystyczna rozprzestrzeniła się później w całych Włoszech i poza nimi.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - „mieszkaniec Parmy”) (1503-1540) Włoski artysta i rytownik, przedstawiciel manieryzmu.

Autoportret. 1540

Portret kobiety. 1530.

Pontormo (1494-1557) – malarz włoski, przedstawiciel szkoły florenckiej, jeden z twórców manieryzmu.

W latach dziewięćdziesiątych XVI wieku sztuka zastąpiła manieryzm barokowy (dane przejściowe - Tintoretto I El Greco ).

Jacopo Robusti, lepiej znany jako Tintoretto (1518 lub 1519-1594) - malarz szkoły weneckiej późnego renesansu.

Ostatnia Wieczerza. 1592-1594. Kościół San Giorgio Maggiore w Wenecji.

El Greco ("Grecki" Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) – artysta hiszpański. Z pochodzenia - Grek, pochodzący z Krety.
El Greco nie miał współczesnych naśladowców, a jego geniusz odkryto na nowo prawie 300 lat po jego śmierci.
El Greco uczył się w pracowni Tycjana, jednak jego technika malarska znacznie różni się od techniki jego nauczyciela. Prace El Greco charakteryzują się szybkością i wyrazistością wykonania, co zbliża je do malarstwa współczesnego.

Chrystus na krzyżu. OK. 1577. Zbiory prywatne.

Trójca. 1579 Prado.

W trudnych czasach dla Włoch rozpoczął się krótkotrwały „złoty wiek” włoskiego renesansu - tzw. Wysoki Renesans, najwyższy punkt rozkwitu sztuki włoskiej. Wysoki renesans zbiegł się zatem z okresem zaciętej walki miast włoskich o niepodległość. Sztuka tamtych czasów przesiąknięta była humanizmem, wiarą w twórcze siły człowieka, w nieograniczone możliwości jego możliwości, w rozsądną strukturę świata, w triumf postępu. W sztuce na pierwszy plan wysunęły się problemy obowiązku obywatelskiego, wysokich walorów moralnych, bohaterskich czynów, wizerunku pięknego, harmonijnie rozwiniętego, silnego duchem i ciałem bohatera, któremu udało się wznieść ponad poziom codzienności. Poszukiwanie takiego ideału doprowadziło sztukę do syntezy, uogólnień, ujawnienia ogólnych wzorców zjawisk, identyfikacji ich logicznego związku. Sztuka wysokiego renesansu porzuca szczegóły i nieistotne szczegóły w imię uogólnionego obrazu, w imię pragnienia harmonijnej syntezy pięknych aspektów życia. Jest to jedna z głównych różnic między wysokim renesansem a wczesnym renesansem.

Pierwszym artystą, który wyraźnie ucieleśniał tę różnicę, był Leonardo da Vinci (1452-1519). Pierwszym nauczycielem Leonarda był Andrea Verrocchio. Postać anioła na obrazie nauczyciela „Chrzest” już wyraźnie pokazuje różnicę w postrzeganiu przez artystę świata minionej epoki i nowej ery: brak czołowej płaskości Verrocchio, najdoskonalsze odcięcie modelowania objętości i niezwykła duchowość obrazu. . Badacze datują „Madonnę z kwiatem” („Benois Madonna”, jak ją wcześniej nazywano od nazwiska właścicieli) na czas wyjazdu Verrocchio z warsztatu. W tym okresie Leonardo był niewątpliwie pod wpływem Botticellego. Od lat 80-tych XV w. Zachowały się dwa niedokończone utwory Leonarda: „Pokłon Trzech Króli” i „Św. Hieronim.” Prawdopodobnie w połowie lat 80. w starożytnej technice tempery powstała także „Madonna Litta”, w której obrazie wyrażono typ kobiecej urody Leonarda: ciężkie, na wpół opuszczone powieki i subtelny uśmiech nadają twarzy Madonny szczególnej duchowości.

Łącząc zasady naukowe i twórcze, posiadając zarówno logiczne, jak i artystyczne myślenie, Leonardo spędził całe życie zajmując się badaniami naukowymi i sztukami pięknymi; rozproszony, wydawał się powolny i pozostawił po sobie niewiele dzieł sztuki. Na dworze mediolańskim Leonardo pracował jako artysta, technik naukowy, wynalazca, matematyk i anatom. Pierwszym większym dziełem, które wykonał w Mediolanie, była „Madonna na skałach” (lub „Madonna z groty”). Jest to pierwsza monumentalna kompozycja ołtarzowa okresu wysokiego renesansu, ciekawa także dlatego, że w pełni wyrażała cechy stylu pisarskiego Leonarda.

Największym dziełem Leonarda w Mediolanie, najwyższym osiągnięciem jego sztuki, było malowanie ściany refektarza klasztoru Santa Maria della Grazie na temat Ostatniej Wieczerzy (1495-1498). Chrystus po raz ostatni spotyka się ze swoimi uczniami przy obiedzie, aby oznajmić im zdradę jednego z nich. Dla Leonarda sztuka i nauka istniały nierozłącznie. Zajmując się sztuką, zajmował się badaniami naukowymi, eksperymentami, obserwacjami, przeszedł przez perspektywę w dziedzinę optyki i fizyki, przez problemy proporcji - w anatomię i matematykę itp. „Ostatnia wieczerza” zamyka cały etap w twórczości artysty badania naukowe. To także nowy etap w sztuce.

Leonardo zrobił sobie przerwę w studiowaniu anatomii, geometrii, fortyfikacji, melioracji, językoznawstwa, wersyfikacji i muzyki, aby pracować nad „Koniem”, pomnikiem konnym Francesco Sforzy, dla którego przyjechał głównie do Mediolanu i który ukończył w pełnym rozmiarze na początku lat 90-tych w glinie. Pomnik nie miał być wykonany z brązu: w 1499 r. Francuzi najechali Mediolan, a gaskońscy kusznicy strzelili do pomnika konnego. W 1499 roku rozpoczęły się lata wędrówek Leonarda: Mantua, Wenecja i wreszcie rodzinne miasto artysty – Florencja, gdzie namalował karton „Św. Anna z Marią na kolanach”, z którego tworzy obraz olejny w Mediolanie (dokąd powrócił w 1506 r.)

We Florencji Leonardo rozpoczął kolejny obraz: portret żony kupca del Giocondo, Mony Lisy, który stał się jednym z najsłynniejszych obrazów na świecie.

Portret Mony Lisy Giocondy to zdecydowany krok w kierunku rozwoju sztuki renesansu

Po raz pierwszy gatunek portretu zrównał się z kompozycjami o tematyce religijnej i mitologicznej. Pomimo wszystkich niezaprzeczalnych podobieństw fizjonomicznych portrety Quattrocento wyróżniała się, jeśli nie zewnętrzną, to wewnętrzną przymusem. Majestat Mony Lisy oddaje samo zestawienie jej zdecydowanie obszernej sylwetki, mocno wypchniętej na brzeg płótna, z pejzażem ze skałami i strumieniami widocznymi jakby z daleka, rozpływającymi się, ponętnymi, nieuchwytnymi, a przez to mimo wszystko cała rzeczywistość motywu, fantastyczna.

W 1515 roku za namową króla francuskiego Franciszka I Leonardo wyjechał do Francji na zawsze.

Leonardo był największym artystą swoich czasów, geniuszem, który otworzył nowe horyzonty sztuki. Pozostawił po sobie niewiele dzieł, ale każde z nich było etapem w historii kultury. Leonardo jest również znany jako wszechstronny naukowiec. Jego odkrycia naukowe, na przykład badania w dziedzinie samolotów, są przedmiotem zainteresowania naszej epoki astronautyki. Tysiące stron rękopisów Leonarda, obejmujących dosłownie każdą dziedzinę wiedzy, świadczą o uniwersalności jego geniuszu.

Idee monumentalnej sztuki renesansu, w której połączyły się tradycje starożytności i duch chrześcijaństwa, znalazły swój najżywszy wyraz w twórczości Rafaela (1483-1520). W jego sztuce dojrzałe rozwiązanie znalazły dwa główne zadania: plastyczna doskonałość ludzkiego ciała, wyrażająca wewnętrzną harmonię wszechstronnie rozwiniętej osobowości, w której Rafael podążał za starożytnością, oraz złożona, wielofigurowa kompozycja, oddająca całą różnorodność świat. Rafael wzbogacił te możliwości, osiągając niesamowitą swobodę w przedstawianiu przestrzeni i ruchu w niej postaci ludzkiej, nienaganną harmonię pomiędzy otoczeniem a człowiekiem.

Żaden z mistrzów renesansu nie dostrzegł pogańskiej istoty starożytności tak głęboko i naturalnie jak Rafael; Nie bez powodu uznawany jest za artystę, który najpełniej połączył tradycje starożytne ze sztuką zachodnioeuropejską epoki nowożytnej.

Rafael Santi urodził się w 1483 roku w mieście Urbino, jednym z ośrodków kultury artystycznej we Włoszech, na dworze księcia Urbino, w rodzinie nadwornego malarza i poety, który był pierwszym nauczycielem przyszłego mistrza

Wczesny okres twórczości Rafaela doskonale charakteryzuje niewielki obraz w formie tondo „Madonna Conestabile”, z jego prostotą i lakonizmem ściśle wybranych detali (mimo nieśmiałości kompozycji) oraz wyjątkowym, właściwym całej twórczości Rafaela dzieła, subtelny liryzm i poczucie spokoju. W 1500 roku Rafael opuścił Urbino i udał się do Perugii, aby uczyć się w warsztacie słynnego umbryjskiego artysty Perugino, pod którego wpływem powstały Zaręczyny Marii (1504). Wyczucie rytmu, proporcjonalność plastycznych mas, odstępy przestrzenne, związek postaci z tłem, koordynacja podstawowych tonów (w „Zaręczynach” są to złoto, czerwień i zieleń w połączeniu z delikatnym tłem błękitnego nieba) tworzą harmonię, która jest widoczne już we wczesnych pracach Rafaela i odróżnia go od artystów poprzedniej epoki.

Rafael przez całe życie poszukiwał tego obrazu w Madonnie, a liczne dzieła interpretujące wizerunek Madonny przyniosły mu światową sławę. Zasługą artysty jest przede wszystkim to, że udało mu się ucieleśnić wszystkie najsubtelniejsze odcienie uczuć w idei macierzyństwa, połączyć liryzm i głęboką emocjonalność z monumentalną wielkością. Jest to widoczne we wszystkich jego Madonnach, począwszy od młodzieńczo nieśmiałej „Madonny Conestabile”: w „Madonnie z Zielonych”, „Madonnie ze Szczygiełem”, „Madonnie w Fotelu”, a zwłaszcza u szczytu ducha i umiejętności Rafaela - w „Madonnie Sykstyńskiej”.

„Madonna Sykstyńska” to jedno z najdoskonalszych pod względem językowym dzieł Rafaela: postać Maryi z Dzieciątkiem, ściśle zarysowana na tle nieba, łączy wspólny rytm ruchu z postaciami św. W dolnej części kompozycji znajdują się barbarzyńcy oraz papież Sykstus II, którego gesty są adresowane do Madonny, a także widoki dwóch aniołów (bardziej przypominające charakterystyczne dla renesansu putta). Postacie łączy także wspólny złoty kolor, jakby uosabiał Boski blask. Ale najważniejsze jest typ twarzy Madonny, która ucieleśnia syntezę starożytnego ideału piękna z duchowością ideału chrześcijańskiego, tak charakterystycznego dla światopoglądu Wysokiego Renesansu.

Madonna Sykstyńska to późne dzieło Rafaela.

Na początku XVI wieku. Rzym staje się głównym centrum kulturalnym Włoch. Sztuka Wysokiego Renesansu osiąga swój największy rozkwit w tym mieście, gdzie z woli protekcjonalnych papieży Juliusza II i Leona X pracują jednocześnie artyści tacy jak Bramante, Michał Anioł i Rafael.

Rafael maluje dwie pierwsze zwrotki. W Stanza della Segnatura (sala podpisów, pieczęci) namalował cztery freski-alegorie głównych dziedzin duchowej działalności człowieka: filozofii, poezji, teologii i prawoznawstwa („Szkoła ateńska”, „Parnas”, „Spór” , „Miara, mądrość i siła””. W drugiej sali, zwanej „Stanzą Eliodora”, Rafael namalował freski przedstawiające sceny historyczne i legendarne wychwalające papieży: „Wypędzenie Eliodora”

W sztuce średniowiecza i wczesnego renesansu powszechne było przedstawianie nauki i sztuki w formie indywidualnych postaci alegorycznych. Rafael rozwiązywał te tematy w formie kompozycji wielopostaciowych, czasami przedstawiających rzeczywiste portrety grupowe, ciekawe zarówno ze względu na swoją indywidualność, jak i typowość

Studenci pomagali także Rafaelowi w malowaniu loggii watykańskich sąsiadujących z pokojami papieża, malowanych według jego szkiców i pod jego okiem motywami starożytnych ozdób, zaczerpniętych głównie z nowo odkrytych starożytnych grot (stąd nazwa „groteski”).

Rafael wykonywał dzieła różnych gatunków. Jego talent zarówno dekoratora, jak i reżysera i gawędziarza w pełni objawił się w serii ośmiu kartonów na gobeliny do Kaplicy Sykstyńskiej, przedstawiających sceny z życia apostołów Piotra i Pawła („Cudowny połów ryb”, m.in. przykład). Te malowidła z XVI-XVIII wieku. służył jako swego rodzaju standard dla klasycystów.

Rafael był także największym portrecistą swojej epoki. („Papież Juliusz II”, „Leon X”, przyjaciel artysty pisarz Castiglione, piękna „Donna Velata” itp.). A w jego portretach z reguły panuje wewnętrzna równowaga i harmonia.

Pod koniec życia Rafael był nieproporcjonalnie obciążony różnorodnymi dziełami i zamówieniami. Trudno sobie nawet wyobrazić, że tego wszystkiego mogłaby dokonać jedna osoba. Był centralną postacią życia artystycznego Rzymu, po śmierci Bramantego (1514) został głównym architektem katedry św. Piotra, był odpowiedzialny za wykopaliska archeologiczne w Rzymie i okolicach oraz ochronę zabytków starożytnych.

Rafael zmarł w 1520 r.; jego przedwczesna śmierć była dla współczesnych nieoczekiwana. Jego prochy pochowano w Panteonie.

Trzeci największy mistrz wysokiego renesansu - Michał Anioł - znacznie przeżył Leonarda i Rafaela. Pierwsza połowa jego twórczości przypadła na okres rozkwitu sztuki wysokiego renesansu, druga zaś na okres kontrreformacji i początków kształtowania się sztuki barokowej. Spośród genialnej galaktyki artystów wysokiego renesansu Michał Anioł przewyższał wszystkich bogactwem swoich obrazów, patosem obywatelskim i wrażliwością na zmiany nastrojów społecznych. Stąd twórcze ucieleśnienie upadku idei renesansowych.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) W 1488 roku we Florencji zaczął uważnie studiować rzeźbę starożytną. Jego płaskorzeźba „Bitwa centaurów” jest już w swej wewnętrznej harmonii dziełem Wysokiego Renesansu. W 1496 roku młody artysta wyjechał do Rzymu, gdzie stworzył swoje pierwsze dzieła, które przyniosły mu sławę: „Bachusa” i „Pietę”. Dosłownie uchwycone przez obrazy starożytności. „Pieta” otwiera całą serię prac mistrza na ten temat i stawia go wśród pierwszych rzeźbiarzy Włoch.

Wracając do Florencji w 1501 roku, Michał Anioł na zlecenie Signorii podjął się wyrzeźbienia postaci Dawida z bloku marmuru zniszczonego przed nim przez nieszczęsnego rzeźbiarza. W 1504 roku Michał Anioł ukończył słynny posąg, który Florentczycy nazywali „Olbrzymem” i umieścił przed ratuszem Palazzo Vecchia. Otwarcie pomnika stało się świętem narodowym. Wizerunek Dawida zainspirował wielu artystów Quattrocento. Ale Michał Anioł ukazuje go nie jako chłopca, jak u Donatella i Verrocchio, ale jako młodzieńca w pełnym rozkwicie sił, i to nie po bitwie, z głową olbrzyma u stóp, ale przed bitwą, w tej chwili o najwyższym napięciu siły. W pięknym wizerunku Dawida, w jego surowej twarzy, rzeźbiarz przekazał tytaniczną siłę namiętności, nieustępliwą wolę, odwagę obywatelską i nieograniczoną moc wolnego człowieka.

W 1504 r. Michał Anioł (jak już wspomniano w związku z Leonardem) rozpoczyna pracę nad obrazem „Sali Pięciuset” w Palazzo Signoria

W 1505 roku papież Juliusz II zaprosił Michała Anioła do Rzymu, aby zbudował mu grobowiec, ale potem odmówił wykonania zamówienia i nakazał mniej okazałe malowanie sufitu Kaplicy Sykstyńskiej w Pałacu Watykańskim.

Michał Anioł pracował samotnie nad malowaniem sufitu Kaplicy Sykstyńskiej od 1508 do 1512 roku, malując powierzchnię około 600 metrów kwadratowych. m (48x13 m) na wysokości 18 m.

Michał Anioł poświęcił środkową część sufitu scenom z historii sakralnej, począwszy od stworzenia świata. Kompozycje te ujęte są w ten sam malowany gzyms, ale tworzący iluzję architektury i oddzielone, także malowniczymi prętami. Malownicze prostokąty podkreślają i wzbogacają prawdziwą architekturę sufitu. Pod malowniczym gzymsem Michał Anioł namalował proroków i Sybille (każda figura ma około trzech metrów), w lunetach (łuki nad oknami) przedstawił epizody z Biblii i przodków Chrystusa jako prostych ludzi zajętych codziennymi sprawami.

Dziewięć centralnych kompozycji przedstawia wydarzenia z pierwszych dni stworzenia, historię Adama i Ewy, globalną powódź, a wszystkie te sceny są w rzeczywistości hymnem na cześć tkwiącej w nim osoby. Wkrótce po zakończeniu prac na Sykstynie zmarł Juliusz II, a jego spadkobiercy powrócili do idei nagrobka. W latach 1513-1516. Na tym nagrobku Michał Anioł wykonuje figurę Mojżesza i niewolników (jeńców). Wizerunek Mojżesza jest jednym z najpotężniejszych w dziele dojrzałego mistrza. Zainwestował w niego marzenie o mądrym, odważnym przywódcy, pełnym tytanicznej siły, wyrazu, cech woli, tak niezbędnych wówczas dla zjednoczenia swojej ojczyzny. W ostatecznej wersji grobowca nie uwzględniono postaci niewolników.

W latach 1520–1534 Michał Anioł pracował nad jednym z najważniejszych i najbardziej tragicznych dzieł rzeźbiarskich - na grobowcu Medyceuszy (florencki kościół San Lorenzo), wyrażającym wszystkie doświadczenia, jakie spotkały samego mistrza, jego rodzinne miasto i całą historię kraj jako całość. Od końca lat dwudziestych Włochy były dosłownie rozdzierane przez wrogów zewnętrznych i wewnętrznych. W 1527 r. najemni żołnierze pokonali Rzym, protestanci splądrowali katolickie świątynie Wiecznego Miasta. Burżuazja florencka obala Medyceuszy, którzy rządzili ponownie od 1510 roku

W nastroju głębokiego pesymizmu, w stanie rosnącej głębokiej religijności, Michał Anioł pracuje nad grobowcem Medyceuszy. Sam dobudował dobudówkę do florenckiego kościoła San Lorenzo – małe, ale bardzo wysokie pomieszczenie, nakryte kopułą, a dwie ściany zakrystii (jej wnętrze) ozdobił rzeźbionymi nagrobkami. Jedną ścianę zdobi postać Lorenza, przeciwną Giuliano, a poniżej u ich stóp znajdują się sarkofagi ozdobione alegorycznymi rzeźbiarskimi wizerunkami - symbolami szybko płynącego czasu: „Poranek” i „Wieczór” na nagrobku Lorenza „Noc” i „Dzień” na nagrobku Giuliano.

Oba obrazy – Lorenzo i Giuliano – nie mają podobieństwa portretowego, dlatego różnią się od tradycyjnych rozwiązań XV wieku.

Paweł III zaraz po swoim wyborze zaczął uparcie domagać się od Michała Anioła realizacji tego planu, a w 1534 r. przerywając prace nad grobowcem, które ukończył dopiero w 1545 r., Michał Anioł wyjechał do Rzymu, gdzie rozpoczął swoje drugie dzieło w Kaplicy Sykstyńskiej - do obrazu „Sąd Ostateczny” (1535–1541) – wspaniałego dzieła, które wyraziło tragedię rodzaju ludzkiego. Cechy nowego systemu artystycznego ukazały się jeszcze wyraźniej w dziele Michała Anioła. W centrum kompozycji umieszczony jest sąd twórczy, karzący Chrystus, a wokół niego w obrotowym ruchu okrężnym ukazani są grzesznicy rzucający się do piekła, sprawiedliwi wstępujący do nieba i umarli powstający z grobów na sąd Boży. Wszystko jest pełne grozy, rozpaczy, złości, zamętu.

Malarz, rzeźbiarz, poeta Michał Anioł był także genialnym architektem. Ukończył klatkę schodową Biblioteki Florentynów Laurentian, zaprojektował Plac Kapitolu w Rzymie, wzniósł Bramę Piusowską (Porta Pia), a od 1546 roku pracuje przy katedrze św. Piotra, zapoczątkowany przez Bramantego. Michał Anioł jest właścicielem rysunku i rysunku kopuły, który został wykonany po śmierci mistrza i nadal stanowi jeden z głównych dominujących elementów panoramy miasta.

Michał Anioł zmarł w Rzymie w wieku 89 lat. Jego ciało przewieziono w nocy do Florencji i pochowano w najstarszym kościele w jego rodzinnym mieście Santa Croce. Trudno przecenić historyczne znaczenie sztuki Michała Anioła, jej wpływ na współczesnych i na kolejne epoki. Niektórzy zagraniczni badacze postrzegają go jako pierwszego artystę i architekta baroku. Ale przede wszystkim jest interesujący jako nosiciel wielkich realistycznych tradycji renesansu.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco, nazywany Giorgione (1477-1510), jest bezpośrednim naśladowcą swojego nauczyciela i typowym artystą wysokiego renesansu. Jako pierwszy na ziemi weneckiej zajął się tematyką literacką i mitologiczną. Krajobraz, przyroda i piękne nagie ciało ludzkie stały się dla niego przedmiotem sztuki i obiektem kultu.

Już w pierwszym znanym dziele „Madonna z Castelfranco” (ok. 1505 r.) Giorgione pojawia się jako artysta o ugruntowanej pozycji; Obraz Madonny jest pełen poezji, zamyślonej senności, przesiąknięty nastrojem smutku, charakterystycznym dla wszystkich kobiecych wizerunków Giorgione. Artysta w ciągu ostatnich pięciu lat życia stworzył swoje najlepsze dzieła, wykonane w technice olejnej, najważniejszej wówczas w szkole weneckiej. . Na obrazie „Burza z piorunami” z 1506 roku Giorgione przedstawia człowieka jako część natury. Kobiety karmiącej dziecko, młodzieńca z laską (którego można pomylić z wojownikiem z halabardą) nie łączy żadne działanie, lecz łączy w tym majestatycznym pejzażu wspólny nastrój, wspólny stan ducha. Obraz „Śpiącej Wenus” (około 1508-1510) przesiąknięty jest duchowością i poezją. Jej ciało jest napisane łatwo, swobodnie, z wdziękiem, nie bez powodu badacze mówią o „muzyczności” rytmów Giorgione; nie jest pozbawiony zmysłowego uroku. „Koncert wiejski” (1508-1510)

Tycjan Vecellio (1477?-1576) to największy artysta weneckiego renesansu. Tworzył dzieła zarówno o tematyce mitologicznej, jak i chrześcijańskiej, zajmował się portretem, jego talent kolorystyczny jest wyjątkowy, jego inwencja kompozytorska jest niewyczerpana, a szczęśliwa długowieczność pozwoliła mu pozostawić po sobie bogate dziedzictwo twórcze, które miało ogromny wpływ na jego potomków.

Już w 1516 roku został pierwszym malarzem republiki, od lat 20. XX w. – najsłynniejszym artystą Wenecji

Około 1520 roku książę Ferrary zamówił mu serię obrazów, na których Tycjan pojawia się jako śpiewak starożytności, który potrafił poczuć i, co najważniejsze, ucieleśnić ducha pogaństwa („Bachanalia”, „Święto Wenus”, „ Bachus i Ariadna”).

Bogaci patrycjusze weneccy zlecili Tycjanowi wykonanie ołtarzy, a on stworzył ogromne ikony: „Wniebowzięcie Marii”, „Madonna z Pesaro”

„Prezentacja Maryi do świątyni” (ok. 1538), „Wenus” (ok. 1538)

(portret zbiorowy papieża Pawła III z siostrzeńcami Ottavio i Aleksandrem Farnese, 1545-1546)

Nadal dużo pisze na tematy starożytne („Wenus i Adonis”, „Pasterz i nimfa”, „Diana i Akteon”, „Jowisz i Antiopa”), ale coraz częściej zwraca się ku tematyce chrześcijańskiej, ku scenom męczeństwa, w których poganie pogodę ducha, dawną harmonię zastępuje postawa tragiczna („Biczowanie Chrystusa”, „Pokutująca Maria Magdalena”, „Św. Sebastian”, „Lamentacja”),

Ale u schyłku stulecia wyraźnie widać już cechy zbliżającej się nowej ery w sztuce, nowego kierunku artystycznego. Widać to w twórczości dwóch najważniejszych artystów drugiej połowy tego stulecia – Paolo Veronese i Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, nazywany Veronese (urodził się w Weronie w latach 1528-1588), miał zostać ostatnim śpiewakiem świątecznej, radosnej Wenecji XVI wieku.

: „Uczta w domu Lewiego” „Ślub w Kanie Galilejskiej” dla refektarza klasztoru San Giorgio Maggiore

Jacopo Robusti, znany w sztuce jako Tintoretto (1518-1594) („tintoretto” – farbiarz: ojciec artysty był farbiarzem jedwabiu). „Cud św. Marka” (1548)

(„Ocalenie Arsinoe”, 1555), „Wprowadzenie do świątyni” (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro w Piombino, Villa Rotonda w Vicenzy, ukończona po jego śmierci przez studentów według jego projektu, wiele budynków w Vicenzy). Efektem jego studiów nad starożytnością były książki „Starożytności rzymskie” (1554), „Cztery księgi o architekturze” (1570-1581), ale starożytność była dla niego „żywym organizmem”, jak wynika z trafnej obserwacji badacza.

Holenderski renesans w malarstwie rozpoczyna się od „Ołtarza Gandawskiego” autorstwa braci Huberta (zm. 1426) i Jana (ok. 1390-1441) van Eycka, ukończonego przez Jana van Eycka w 1432. Van Eyck ulepszył technikę olejną: olej ją wytworzył możliwe jest przekazanie większej wszechstronności blasku, głębi, bogactwa obiektywnego świata, który przyciąga uwagę holenderskich artystów, swoją kolorową dźwięcznością.

Spośród wielu Madonn Jana van Eycka najsłynniejszą jest „Madonna kanclerza Rollina” (ok. 1435 r.)

(„Człowiek z goździkiem”; „Mężczyzna w turbanie”, 1433; portret żony artysty Margaret van Eyck, 1439

Sztuka holenderska w rozwiązywaniu takich problemów wiele zawdzięcza Rogierowi van der Weydenowi (1400?-1464).„Zejście z krzyża” jest typowym dziełem Weydena.

W drugiej połowie XV w. relacjonuje dzieło wybitnie utalentowanego mistrza, Hugo van der Goesa (ok. 1435-1482) „Śmierć Marii”).

Hieronymus Bosch (1450-1516), twórca mrocznych wizji mistycznych, w których nawiązuje także do alegoryzmu średniowiecznego, „Ogród rozkoszy”

Szczytem holenderskiego renesansu było niewątpliwie dzieło Pietera Bruegla Starszego, zwanego Mużyckim (1525/30-1569) („Kuchnia chudych”, „Kuchnia grubych”). cykl „Pory roku” (inny tytuł – „Łowcy na śniegu”, 1565), „Bitwa karnawału i Wielkiego Postu” (1559).

Albrechta Dürera (1471-1528).

„Święto Różańcowe” (inna nazwa to „Madonna z Różańcem”, 1506), „Jeździec, śmierć i diabeł”, 1513; „Św. Hieronim” i „Melancholia”,

Hans Holbein Młodszy (1497-1543), „Triumf śmierci” („Taniec śmierci”), portret Jane Seymour, 1536

Albrecht Altdorfer (1480-1538)

Renesansowy Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (ok. 1420-1481), Portret Karola VII

Jean Clouet (ok. 1485/88-1541), syn François Cloueta (ok. 1516-1572) to najważniejszy artysta francuski XVI wieku. portret Elżbiety Austriackiej, ok. 1571 r. (portret Henryka II, Marii Stuart itp.)

Pozwoliło to artystom uzyskać doskonałe obrazy trójwymiarowej przestrzeni na płaskim płótnie malarskim.

_________

Masaccio (1401-1428) – słynny malarz włoski, największy mistrz szkoły florenckiej, reformator malarstwa epoki Quattrocento.

Fresk. Cud ze statrem.

Obraz. Ukrzyżowanie.

Fresk. Historia królowej Saby. Kościół San Francesco w Arezzo

Sandro Botticellego(1445-1510) – wielki malarz włoski, przedstawiciel szkoły malarstwa florenckiego.

Wiosna.

Narodziny Wenus.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florencja) (1452-1519) – włoski artysta (malarz, rzeźbiarz, architekt) i naukowiec (anatom, przyrodnik), wynalazca, pisarz.

Autoportret

Dama z gronostajem. 1490. Muzeum Czartoryskich, Kraków

Mona Lisa (1503-1505/1506)

Madonna Litta. 1490-1491. Ermitaż.

Madonna Benois (Madonna z kwiatem). 1478-1480

Madonna z goździkiem. 1478

Lista wynalazków, zarówno rzeczywistych, jak i przypisywanych mu:

Spadochron, doZamek Olessovo, wrower, tanka, llekkie mosty przenośne dla wojska, sprojektor, doatakult, roba, DTeleskop Vuhlensa.

Następnie opracowano te innowacje Rafał Santi (1483-1520) – wielki malarz, grafik i architekt, przedstawiciel szkoły umbryjskiej.

Autoportret. 1483

Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) – włoski rzeźbiarz, artysta, architekt, poeta, myśliciel.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) – artysta włoski, przedstawiciel weneckiej szkoły malarstwa.


Śpiąca Wenus. 1510

Judyta. 1504g

Tycjan Vecellio (1488/1490-1576) – malarz włoski, największy przedstawiciel szkoły weneckiej wysokiego i późnego renesansu.

Autoportret. 1567

Wenus z Urbino. 1538

Portret Tommaso Mostiego. 1520

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - „mieszkaniec Parmy”) (1503-1540) Włoski artysta i rytownik, przedstawiciel manieryzmu.

Autoportret. 1540

Portret kobiety. 1530.

Jacopo Robusti, lepiej znany jako Tintoretto (1518 lub 1519-1594) - malarz szkoły weneckiej późnego renesansu.

Ostatnia Wieczerza. 1592-1594. Kościół San Giorgio Maggiore w Wenecji.

Chrystus na krzyżu. OK. 1577. Zbiory prywatne.

Trójca. 1579 Prado.

Malarstwo Włoch w okresie renesansu jest naprawdę wspaniałym zjawiskiem. Żadna z kolejnych epok, ani żadna ze szkół narodowych nie znała tylu genialnych nazwisk. To nie przypadek, że w kolejnych stuleciach artyści niezmiennie czerpali doświadczenia i inspiracje ze sztuk pięknych włoskiego renesansu.

W renesansowym systemie poglądów szczególną rolę odgrywały sztuki wizualne. W okresie renesansu człowiek czuł się zdolny do zrozumienia świata, lecz początkowo sam świat wydawał mu się, podobnie jak w średniowieczu, wspaniałym dziełem sztuki, dziełem największego artysty – Boga.

Masaccio „Trójca” 1426-1428. Kościół Santa Maria Novella Dzięki umiejętnemu wykorzystaniu światłocienia i znajomości praw perspektywy Masaccio nadał obrazowi realistyczną przekonujący charakter. „Trójca” (1425-1428).

Zatem obraz świata uznano za jeden ze sposobów jego zrozumienia. Rozwój systemu perspektywy bezpośredniej uczynił malarstwo najbardziej „zhumanizowaną” formą sztuki – oko widza stało się „punktem odniesienia” w „przestrzeni” obrazu. Pojawienie się i rozpowszechnienie farb olejnych otworzyło obiecującą ścieżkę rozwoju zasad tonalnych i świetlnych.

Bitwa pod San Romano (1440-1450), niezwykle złożona kompozycyjnie, nowatorskie obrazy Uccello często nie znajdowały zrozumienia wśród współczesnych.

Obrazy Florencji, Sieny i Perugii.

Malarstwo florenckie wczesnego renesansu, które aktywnie eksperymentowało w dziedzinie perspektywy przestrzennej, odegrało ogromną rolę w rozwoju włoskiej sztuki pięknej. Umiejętność przeniesienia na płaszczyznę relacji realnej przestrzeni bardzo podniosła status społeczny artysty, przenosząc go z pozycji skromnego rzemieślnika-dekoratora do kategorii naukowego geometrii, rozumiejącego prawa budowy świata.

Angelico jest artystą najgłębszej wiary. Jego Madonny są ideałem duchowego piękna i pobożności.

Brunelleschiego na początku lat dwudziestych XIV wieku stworzył dwa obrazy z widokami Florencji, które zachwycały współczesnych iluzoryczną dokładnością, ale można je było oglądać jedynie za pomocą pomysłowego systemu luster i okien. Odtworzenie głębi przestrzeni dla prawdziwego widza na dowolnej desce lub ścianie przy zachowaniu jedności optycznej obrazu wymaga nie tylko wiedzy, ale także doświadczenia i talentu wysoce profesjonalnego malarza. Masaccio (1401-1428) posiadał wszystkie te cechy. Namalowany przez niego w latach 1427-1428. Kaplica Brancaccich we florenckim kościele Santa Maria del Carmine od razu stała się rodzajem szkoły dla artystów.

Piero della Francesca zasłynął ze swojego niesamowitego mistrzostwa kolorystycznego.

Zagorzałym wielbicielem Masaccia był Uccello (1397-1475), prawdziwy śpiewak szczegółów. Artysta spędzał noce na szkicowaniu drobnych szczegółów ze złożonej perspektywy, na przykład struktury upierzenia lecącego ptaka. Inny naśladowca Masaccia, mistrz surowych form lapidarium, Andrea del Castagno (ok. 1421-1457), zasłynął przede wszystkim za malowanie sali Villa Carducci, przedstawiającej m.in. kondotiera Pippo Spano, Hiszpana, który na pod koniec życia został władcą Chorwacji.

Styl Mantegny wyróżnia się rzeźbiarstwem w oddawaniu form wolumetrycznych. „Judyta” (ok. 1490 r.).

Rzeźbiarska potężna postać wojownika, który bez wysiłku potrafi zgiąć stalowe ostrze, śmiało wkracza w przestrzeń sali. Castagno osiągnął to wrażenie, wysuwając prawą rękę i lewą stopę swojej postaci poza ozdobną ramę fresku.

Jednak nie wszyscy malarze florenccy pierwszej połowy XV wieku. zależało im na przekazaniu perspektywy. Zatem artysta-mnich Beato Angelico (ok. 1400-1455) inspirował się głównie miniaturami z XIV wieku.

W Giorgione krajobraz nabiera niespotykanego dotąd znaczenia. „Burza z piorunami” (1507-1508).

Malarstwo florenckie połowy stulecia w porównaniu z okresem poprzednim jest spokojniejsze, ale mniej poważne. Teraz Masaccio w swoich freskach uświęcał ziemską egzystencję? tematy najświętsze zanurzone są w prozie codziennej: to w ogóle świat malarstwa Fra Filippo Lippiego, w którym żyją ładne, wesołe, choć bynajmniej nie wysublimowane madonny i anioły; taki jest misternie luksusowy spektakl procesji Trzech Króli, przedstawiony w 1459 roku na ścianach kaplicy domu Medyceuszy przez artystę Benozzo Gozzoli. Błyskotliwe i tragiczne zakończenie wczesnego renesansu florenckiego zostało ucieleśnione w obrazach Botticellego.

Malarstwo Tycjana stało się szczytem szkoły weneckiej. „Wenus Urbana” (1538).

Najbardziej oryginalnie obraz Sieny przedstawia Sasseta, autor obrazu „Procesja Trzech Króli”. W nim jasna bajeczność języka artystycznego nie koliduje z odważnymi odkryciami artystycznymi. Kontrast pomiędzy gęstymi emaliowanymi kolorami pierwszego planu a delikatnymi, rozjaśniającymi tonami horyzontu to jedna z pierwszych prób przedstawienia przestrzeni za pomocą środków czysto obrazowych.

Do tego zadania zdolny był jedynie Piero della Francesca (ok. 1420-1462), być może największy z malarzy Quattrocento. Po szkoleniu we Florencji wypracował jednak własny styl twórczy. Jeśli Florentczycy umieścili człowieka w centrum przedstawionego wszechświata, Piero uważał, że człowiek jest jedynie organicznym ogniwem w wielkim świecie natury, a ten ostatni, przy całej swojej różnorodności, podlega prawu liczby. Proporcje ciała ludzkiego są formami natury, która przy całej swojej różnorodności podlega prawu liczby. artysta odwołuje się do proporcji ciała ludzkiego, form natury, rzeczywistej geometrii płaszczyzny obrazu: postać Chrystusa z wdzięcznym, „rosnącym” przedmiotem współbrzmi z pionem pnia drzewa; bujna kulista korona drzewa w naturalny sposób wpisana jest w półkole kompozycji.

Szczytem twórczości Piero della Francesca były freski w ołtarzu kościoła San Francesco w Arezzo (1452-1466). Poświęcone są dość rzadkiemu tematowi – historii Drzewa Życiodajnego, sprowadzonego na Ziemię z Edenu przez pierwszych ludzi, które miało stać się wówczas narzędziem egzekucji Chrystusa – i największej z świątyń świata chrześcijańskiego . Artystce obca jest idea malarstwa jako iluzji wizualnej. Mistrz docenia naturalną, równą powierzchnię ściany, na której pisze, zamieniając jej płaszczyznę w podporę dla swoich majestatycznych i surowych kompozycji. Unika skomplikowanych cech osobowości: jego bohaterowie są tego samego typu, bo są tylko aktorami uniwersalnego spektaklu. W wielu twórczych przykładach Piero della Francesca powrócił do doświadczeń Giotta, ale w swoim rozumieniu koloru wyprzedzał o stulecia swoich współczesnych. Malarze są przyzwyczajeni do używania koloru jako mechanicznego „kolorowania” gotowych linii lub kształtów. Dla Pierrota forma zrodziła się z subtelnych przejść kolorystycznych. Jego paleta jest niewyczerpanie bogata. Oko artysty dostrzega nie tylko naturalną barwę przedmiotów, ale także zabarwienie powietrza przez światło słoneczne; lekko widoczny srebrny odcień nadaje palecie Pierrota niesamowitą wierność, lekkość kształtów i głębię przestrzeni.

W ostatnich dziesięcioleciach XV wieku perugijska szkoła malarzy rozkwitła nagle i błyskotliwie. Miejscowi artyści zasłynęli przede wszystkim jako mistrzowie malarstwa dekoracyjnego. Bardzo charakterystyczne są freski z tzw. apartamentów Borgiów w pałacu papieskim w Rzymie (1493). Ich autor, Pinturicchio (ok. 1454-1513), tworzy jasny i misterny wystrój, w którym przemyślany jest każdy szczegół - od kolorowych płytek podłogowych po jasnoniebieskie i złocone sufity. Perugino (1445/1452-1523) pracował w sposób bardziej rygorystyczny i spokojny. Chcąc zdezorientować widza, mistrz chętnie powielał piękne, choć podobne motywy: sennie łagodne twarze, lekką architekturę łukową, „wielkanocne” pejzaże z cienkimi drzewami.

Malarstwo północnych Włoch i Wenecji

Malarstwo mistrzów północnych Włoch przechodziło własne etapy, różniące się od innych szkół. Jeśli malarstwo florenckie, na ogół adresowane do umysłu, przedstawiało przede wszystkim ciała trójwymiarowe, a mistrzowie środkowych Włoch kierowali się uczuciami i rozwiązywali głównie problemy przestrzenne, to główną sferą wpływów estetycznych wśród artystów szkoły północnowłoskiej była wyobraźni, jej motywem przewodnim była substancja: plastyczna faktura przedmiotów, powietrze i światło. W pierwszej tercji XV w. Feudalne centra północnych Włoch (Ferrara, Werona, Mantua) zostały włączone w orbitę tzw. gotyku „międzynarodowego”. Główne problemy stylistyczne tego ruchu – wrażliwość na zjawiska naturalne, mistrzowska kontrola linii – znalazły wyraz w twórczości Pisanello (1395-1455). Na portrecie księżniczki z ferrarskiego rodu Este (1430 r.) mistrz podkreślił łagodny spokój twarzy dziewczyny, umieszczając ją na kontrastowym tle ciemnych i twardych liści, usianych jasnymi, drżącymi plamami kwiatów i motyli.

Bellini to jeden z najwybitniejszych portrecistów swoich czasów. „Portret doży Leonarda Loredana” (1501-1505).

Rola ośrodka kultury renesansowej w latach trzydziestych XIV wieku. zdobył Padwę, miasto o bogatej starożytnej przeszłości, które w 1406 roku zostało przyłączone do posiadłości weneckich. Wraz ze swoim starożytnym uniwersytetem Padwa zasłynęła z warsztatu Francesca Squarcione, malarza samouka, głębokiego konesera starożytnych zabytków, który stworzył prawdziwą akademię, w której malarstwo studiowało jednocześnie aż 100 młodych mężczyzn, a wśród nich adoptowany przez Squarcione syn Andrea Mantegna (1431-1506), największy mistrz północnowłoskiego Quattrocento, który w swoich dziełach łączył podobieństwo do życia z żywą fantazją.

Radykalne zmiany zaszły w malarstwie Wenecji wraz z przybyciem tu artysty z południowych Włoch Antonello da Messina (około 1430-1479). Giovanni Bellini (ok. 1430-1516) odegrał znaczącą rolę w ukształtowaniu się pierwotnego stylu szkoły weneckiej. Swój styl oparł na kolorystyce. Miękka harmonia przesiąkniętych światłem barw artysty przywodzi na myśl jego ulubione, proste idylliczne sceny, w których znaczącą rolę odgrywa wiejski wieczorny pejzaż.

Rozkwit weneckiej szkoły malarstwa przypada na pierwszą połowę XVI wieku, kiedy pracowali wielcy Giorgione (1477-1510) i Tycjan (1488/1490-1576). Giorgione stworzył własny gatunek malarski - „poezję”. Obrazy te, malowane przez niego na zamówienie osób prywatnych, wyróżniały się na tle współczesnej sztuki europejskiej swoją tematyką. Podstawą ich figuratywnej struktury jest kapryśna wyobraźnia autora, a nie jakieś wydarzenie zaczerpnięte ze źródła historycznego czy literackiego. Tycjan odziedziczył liryzm Giorgione i połączył go ze zdrową zmysłowością i aktywnym postrzeganiem istnienia. Wysoki renesans wenecki znalazł wyraz w twórczości tego mistrza.

Malarstwo włoskiego renesansu – Giotto, Masaccio, Angelico, Tycjan i Giorgione aktualizacja: 2 lipca 2017 r. przez: strona internetowa