„Październik” z Państwa Środka: w Muzeum Puszkina otwarto wystawę Cai Guoqianga. Cai Guoqiang

Potężna broń jako środek wyrażania miłości, ukazywania piękna świata i tworzenia dzieł sztuki. Kto by pomyślał, że proch można wykorzystać do takich celów? Chiński artysta Cai Guoqiang pokaże moskiewskiej publiczności, jak malować popiołem, jak uspokoić wybuch i udowodnić, że łza dziecka przewyższa wszystkie historyczne kataklizmy.

Biała Sala Muzeum Puszkina, jakiej jeszcze nie widziałeś. Underfoot to symbol epoki. Nad głową znajduje się odbicie epoki. W niektórych miejscach kłos był podeptany, w innych wyprostowany. Ci, którzy montują wystawę, mają już olśnienie w oczach. A ten, kto to wymyślił, jest pełen entuzjazmu.

Tak chiński artysta Cai Guoqiang patrzył na radziecki sierp i młot z pozornie nieskończonej liczby kątów. Zainspirowany rewolucją 1917 roku sprowadził wystawę do Moskwy. Zasiałem salę Muzeum Puszkina prosem. I zorganizował kilka eksplozji w jednym z pawilonów VDNH.

Kilkudziesięciu widzów i asystentów. Cóż, Cai Guoqiang nie może tworzyć w małym warsztacie. Nazywa siebie mistrzem malowania prochowego. Eksplozja. Płótno pokryte jest popiołem. Pod popiołem znajduje się szablon, co oznacza, że projekt pojawi się tylko tam, gdzie będzie potrzebny.

Dam znak, kiedy przystąpić do gaszenia, nie ma potrzeby zbliżania się do obszarów, które nie są objęte wybuchem.

Urodzony w Chinach. Mieszkał w Japonii. Obecnie pracuje w Nowym Jorku. Kiedyś wolał powietrze od płótna i proch od farb. Jego pokazy pirotechniczne przypominają obrazy impresjonistów wyskakujące z muzealnych ram.

Płótno „Rzeka” to także technika prochowa. Szablony - 100 fotografii przedstawiających najważniejsze wydarzenia stulecia. Połączone w jeden duży portret epoki: twarze żołnierzy na froncie i oczy budowniczych świetlanej przyszłości. Ale nadal musimy je tutaj znaleźć. Pomyśl o znaczeniu i poszukaj obrazów.

„Tu chodzi o życie ludzkie, życie indywidualne jest bardzo ważne. Podobnie jak Dostojewski, łza dziecka przewyższa wszelkie wstrząsy historyczne” – mówi dyrektor Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych. A. S. Puszkina Marina Loshak.

Obraz w obrazie. Tutaj Tsai ukrył „Portret nieznajomego” Kramskoya. Uwielbia rosyjskich artystów. Przyznaje, że w Galerii Trietiakowskiej płacze z zachwytu. I cały czas robi zdjęcia.

„W przeddzień wystawy postanowiłem jeszcze raz obejrzeć obraz w Galerii Trietiakowskiej. Zdziwiłem się, gdy zobaczyłem, że ktoś to kopiuje i postanowiłem zrobić sobie selfie na tle. A wczoraj, kiedy namalowałem obraz „Rzeka”, zdecydowałem się umieścić go na końcu rzeki, aby połączyć historię mojego życia osobistego z historią Rosji” – powiedział Cai Guoqiang.

Tsai organizuje wystawę o rewolucji, jednocześnie tworząc własną. W kosmosie. Zimny klasycyzm budynku Muzeum Puszkina eksplodował także jego obiektami. Nie tylko wewnątrz, ale także na zewnątrz.

Sztuka klasyczna ukryła się za sztuką współczesną. Tak wygląda teraz wejście do muzeum: dziesiątki łóżeczek i wózków. Zdaje się, że wyrastają z nich brzozy. Jest tak wiele symboli nowego życia na raz. Tą ogromną instalacją Puszkinski pokazuje, że jest gotowy wpuścić wiatr zmian do swoich okien.

„Żyjemy w świątyni, ale świątynia zdecydowanie wymaga wentylacji. No i oczywiście musi być żywy klimat dzisiejszego życia, i to oczywiście oparty na najlepszych przykładach – mówi dyrektor Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych. A. S. Puszkina Marina Loshak.

Ukryta fasada i zamknięty obecnie dziedziniec, na którym ludzie ustawiali się w kolejce, aby dostać się do muzeum, są omawiane w Moskwie nie mniej niż przyszła wystawa. Niektórzy ludzie rozumieją, niektórzy nie. Rzecz typowa dla współczesnego artysty.

„Byli Rembrandt i Goya. Kiedy się pojawili, wzbudzili także wiele pytań wśród współczesnych. I tu pojawia się pytanie, czy artysta wyprzedził swoją epokę, bardzo subtelnie ją odczuwając” – mówi kuratorka wystawy Alexandra Danilova.

Niektórzy potępiają, inni pomagają mistrzowi tworzyć. Moskale przywieźli tu stare wózki i łóżeczka. Za głównych współautorów artysta uważa tych, którzy niegdyś kołysali te kołyski i tych, którzy kiedyś w nich spali.

W ciągu ostatnich trzydziestu lat art Cai Guoqiang- jeden z najsłynniejszych chińskich artystów na świecie, prezentowany był na niemal wszystkich ważniejszych wystawach międzynarodowych, a wyliczanie wszystkich jego nagród zajęłoby zbyt dużo czasu. Dość powiedzieć, że w 1999 roku otrzymał Złotego Lwa na Biennale w Wenecji, w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku wykonał projekt poświęcony rocznicy 11 września, a w Chinach rozbudował Wielki Mur Chiński o 10 km i był artystą zajmującym się efektami specjalnymi na Igrzyskach Olimpijskich w Pekinie. Cai Guoqiang, z wykształcenia scenograf, starannie buduje dramaturgię swoich dzieł, łącząc rozrywkę z filozofią Wschodu.

Instalacja „Jesień”

Wystawa „Cai Guoqiang. Październik” w Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina. Puszkin od ponad miesiąca przyjmuje licznych gości – na schodach muzeum każdego wchodzącego wita gigantyczna instalacja „Jesień” – część wystawy, którą sam artysta nazywa „pomnikiem zbiorowej utopii”. ” Brzozy posadzone latem podczas instalacji stopniowo żółkną, co również wpisuje się w plan artysty, który w swoich wielkoformatowych pracach wyraził bieg historii, zmianę pór roku oraz narodziny i śmierć wszystkich żywych istot.

Cai Guoqiang podczas montażu instalacji. Zdjęcie: Raul Skrylev.

Aleksandra Daniłowa, kuratorka projektu „Cai Guoqiang. Październik” przez prawie dwa lata, na różnych etapach przygotowań do wystawy, współpracowała z artystą i jego zespołem – w tym czasie Cai Guoqiang trzykrotnie przyjeżdżał do Rosji, jeszcze przed otwarciem. O tym, dlaczego projekt stał się znaczący dla muzeum i samego artysty, jak przebiega proces twórczy w pracowni Tsai Guoqiang i jak rosyjscy widzowie wzbogacili koncepcję artystyczną Alexandry Danilovej, opowiedziała obserwatorka miejsca Elena Rubinova.

O wyjątkowości projektu

Drugą zasadniczą nowością tej wystawy było to, że do ostatniej chwili pracowaliśmy z dziełami nieistniejącymi – z Nowego Jorku przywieziono jedynie 8 obiektów, w tym eksponat" Ziemia"- część centralnej instalacji w Sali Białej muzeum. Cała reszta powstała tu, w Moskwie, i tak naprawdę do ostatnich dni przed otwarciem nikt nie do końca rozumiał, jak to ostatecznie będzie wyglądać.

Cai Guoqiang jest artystą działającym w gatunku instalacji totalnej i myśli oczywiście kategoriami bliskimi muzeom sztuki współczesnej, kategoriami przestrzeni globalnej, która wymagała od nas pewnej elastyczności, jako muzeum klasycznego.

Dla Cai Guoqianga obecny projekt również stał się znaczący, nie tylko dlatego, że jest to jego pierwsza wystawa w Rosji. Współpraca z nami w pewnym sensie wyznaczyła nowy kierunek w twórczości Tsai, a mianowicie interakcję z bardziej klasycznymi instytucjami muzealnymi, a nie tylko zwykłymi muzeami sztuki współczesnej. Zaraz po nas otwiera wystawę w Muzeum Prado i tam otrzyma nawet prawo do tworzenia swoich dzieł z gatunku malarstwa prochowego w murach muzeum. Obecnie przygotowuje wystawę w Galerii Uffizi. Trzeba powiedzieć, że miał już wystawę w Metropolitan Museum of Art, ale tam główny obiekt znajdował się na dachu, a obecna wystawa i kolejne instytucje europejskie wiążą się z wykorzystaniem przestrzeni muzealnej.

O teatralności projektu

Faktem jest, że Cai Guoqiang z wykształcenia jest artystą teatralnym (ukończył Wydział Scenografii Akademii Sztuk w Szanghaju), a jego wystawy są performansami wykonywanymi przed publicznością, które powinny budzić w odbiorcach różnorodne uczucia. widz.

Ogromna góra złożona z łóżeczek, wózków i kołysek, blokująca wejście do muzeum, to właśnie ta bezpośrednia, pełna metaforycznych znaczeń wypowiedź. Związek człowieka z korzeniami i historią uosabiają wózki i łóżeczka dziecięce, z których wznoszą się rosyjskie brzozy. Z drugiej strony dla Tsai ważne było, aby były to przedmioty, które nie zostały wczoraj wyprodukowane w fabryce, ale były już używane przez ludzi i przeszły przez pewien cykl życia rzeczy. Nawiasem mówiąc, w tym sensie muzeum otrzymało także nowe doświadczenia z kampanii crowdfundingowej na rzecz zbierania wózków i łóżeczek. Każdy podarowany wózek czy łóżeczko ma już pewną historię, wymiar antropomorficzny. I to też było ważne dla planu artysty. Historia w ogóle, w rozumieniu Tsai, jest procesem wieloelementowym, a historię XX wieku tworzą ludzkie życia, a każde wydarzenie wiąże się z wieloma skojarzeniami i odmiennymi doświadczeniami danego momentu.

Są też podteksty, które wnosi publiczność, a o których artysta początkowo nawet nie pomyślał. I tak na przykład rosyjska publiczność zareagowała na tę górę jednoznacznie – wózek – krok – Siergiej Eisenstein« Pancernik Potiomkin. Trudno sobie wyobrazić, co może być jeszcze bardziej związane z rewolucją wśród rosyjskich widzów. Początkowo Tsai jakoś próbował z tym odczytaniem walczyć, ale kiedy sam położył na wierzchu najstraszniejszy wózek z oderwanym kołem, zdałam sobie sprawę, że pogodził się z tą metaforą, a nawet świadomie próbował wzmocnić to skojarzenie.

Montaż instalacji przy wejściu do budynku głównego. Zdjęcie: Raul Skrylev.

Następnie widza wita kontynuacja instalacji - świetliste teatralne niebo na białym chińskim jedwabiu rozciągniętym nad schodami, a na nim wypalony prochem wiersz Międzynarodówki w języku rosyjskim - „nikt nie da nam wybawienia, ani Bóg , nie car i nie bohater…”. Na koniec cytatu Tsai stawia elipsę, wracając widza do problemu liczby pojedynczej i mnogiej, problemu pamięci – zbiorowej, która zawsze budzi kontrowersje, i osobistego.

Instalacja „Ludzie”

Obiekt jest kompozytowy, został wykonany w 2012

Koncepcja wystawy poświęcona jest historii Rosji, a na płótno „Rzeka życia”, które „mieści się” na sto lat od 1917 do 2017 roku, Tsai wybiera sto fotografii wykonanych w Rosji i przedstawiających różne fragmenty rosyjskiego życia. Co więcej, należy zaznaczyć, że nie ma tu prawie żadnych znaczących wydarzeń, a przeważnie widzimy codzienne fotografie oraz ludzi różnych klas i narodowości. Widz odnajduje tu rozpoznawalne archetypy, które nie mają nawet ścisłego odniesienia czasowego – kaukaską rodzinę, dzieci ulicy, robotników fabrycznych, studentów przy biurkach, żołnierzy w tunikach, sztandary i tłum na ulicy. Tsai zwraca się ku doświadczeniu, które widz może postrzegać jako osobiste; to, co ogólne, również staje się częścią życia. W końcowej części płótna „Rzeka życia” Tsai umieszcza także swój portret – fotografię z lat 90., kiedy przebywał w Moskwie w celach turystycznych. To jego zdjęcie w Galerii Trietiakowskiej na tle jego ulubionego obrazu I. Kramskoja „Nieznajomy”, który on sam, początkujący artysta, dużo kopiował w swoim czasie, naśladując tradycje sztuki rosyjskiej, która zawsze wiele dla niego znaczyło. I ciekawe, że jego obecny stosunek do sztuki rosyjskiej – dojrzałego współczesnego artysty o światowej renomie – jest wciąż ambiwalentny: podejście to łączy żywe wspomnienia z dzieciństwa i trzeźwe, profesjonalne spojrzenie na artystę. Tak więc, po wizycie w Petersburgu i podzieleniu się ze mną swoimi wrażeniami, Tsai powiedział, że z punktu widzenia sztuki najciekawszym dla niego artystą jest- Michaił Wrubel. Nie mniej ekscytujące, powiedział Tsai, było dla niego prześledzenie wpływu impresjonizmu na wczesnego Kustodiewa, ale jednocześnie spędził całą godzinę przed „Dziewiątą falą” Aiwazowskiego, a kanoniczny Szyszkin budzi nie mniejszy podziw dla jego. Dla niego, który dorastał w latach rewolucji kulturalnej w Chinach, Rosji, a przed ZSRR, był pod wieloma względami krajem marzeń. I to też znajduje odzwierciedlenie w pracach.

Jeśli Cai Guoqiang nazywa instalację znajdującą się przed wejściem do muzeum „pomnikiem utopii zbiorowej”, to płótno „Ogród marzeń” jest ogrodem utopii społecznej, a wcześniej- ogród ideologii. Każdy w takim czy innym stopniu żyje w świecie utopii, ale artysta mówi o konieczności odsunięcia się na bok, aby nie popaść w iluzorię. Rozmawiając z Tsaiem, zdałem sobie sprawę, że pozwala on na kolejne odczytanie, w którym krzyżuje się to, co publiczne i osobiste, to, co ogólne i to, co indywidualne. Każdy z nas ma też mały ogródek i to też jest ludzka cecha życia marzeniami i ideałami.

Cai Guoqiang jest jedynym artystą na świecie, który tworzy metodą malowania prochowego. Proch, jak wiemy, został wynaleziony w starożytnych Chinach, jednak chińskie postrzeganie prochu nie pokrywa się z europejskim, w którym kojarzy się on głównie z bronią i śmiercią, natomiast w Chinach jest to coś radosnego, a przede wszystkim fajerwerki , wakacje.

Proces tworzenia malowania prochowego. Zdjęcie: Raul Skrylev.

O studiu Cai Guoqianga

O losach wystawy

Materiał przygotowała: Elena Rubinova

W materiale wykorzystano fotografie Raula Skryleva,

oraz służba prasowa Muzeum Puszkina. JAK. Puszkin.

O wyjątkowości projektu

Dla Muzeum Puszkina projekt ten okazał się wyjątkowy pod wieloma względami, ale także dlatego, że do tej pory nigdy nie pracowaliśmy w systemie prowizyjnym, który zakłada, że projekt jest zamawiany u artysty wyłącznie dla naszego muzeum. Projekt oczywiście zostanie udokumentowany i zachowany, ale zgodnie z przepisami, nawet jeśli artysta wystawi część prac prezentowanych na wystawie, zawsze zaznaczy, że powstała ona dla Muzeum Puszkina.

Drugą zasadniczą nowością tej wystawy było to, że do ostatniej chwili pracowaliśmy z dziełami nieistniejącymi – z Nowego Jorku przywieziono jedynie 8 obiektów, w tym eksponat „Ziemia” – część centralnej instalacji w Sali Białej muzeum. Cała reszta powstała tu, w Moskwie, i tak naprawdę do ostatnich dni przed otwarciem nikt nie do końca rozumiał, jak to ostatecznie będzie wyglądać. Cai Guoqiang jest artystą działającym w gatunku instalacji totalnej i myśli oczywiście kategoriami bliskimi muzeom sztuki współczesnej, kategoriami przestrzeni globalnej, która wymagała od nas pewnej elastyczności, jako muzeum klasycznego.

Ta wystawa jest także bardzo osobista dla Tsai. Choć nie mówi tego otwarcie, odniosłem wrażenie, że zadedykował ją swojemu ojcu, artyście i kaligrafowi, który wywarł na niego ogromny wpływ, a intymną częścią wystawy jest tradycyjne chińskie malowanie tuszem na małych pudełkach, na których został kiedyś wymuszony, został napisany przez jego ojca.

O teatralności projektu

Wystawę można warunkowo podzielić na segmenty, ale raczej jest to jedno wielkie dzieło, rozpoczynające się od głównego wejścia, zdaje się wdzierać i kontynuować wewnątrz muzeum. Pracując dużo z tym artystą przez ostatni rok i zastanawiając się nad jego priorytetami, zdałem sobie sprawę, że dla niego praca z przestrzenią nie jest tak ważna, jak praca z widzem. Faktem jest, że Cai Guoqiang z wykształcenia jest artystą teatralnym (ukończył Wydział Scenografii Akademii Sztuk w Szanghaju), a jego wystawy są performansami wykonywanymi przed publicznością, które powinny budzić w odbiorcach różnorodne uczucia. widz. Ogromna góra złożona z łóżeczek, wózków i kołysek, blokująca wejście do muzeum, to właśnie ta bezpośrednia, pełna metaforycznych znaczeń wypowiedź. Związek człowieka z korzeniami i historią uosabiają wózki i łóżeczka dziecięce, z których wznoszą się rosyjskie brzozy. Z drugiej strony dla Tsai ważne było, aby były to przedmioty, które nie zostały wczoraj wyprodukowane w fabryce, ale były już używane przez ludzi i przeszły przez pewien cykl życia rzeczy. Nawiasem mówiąc, w tym sensie muzeum otrzymało także nowe doświadczenia z kampanii crowdfundingowej na rzecz zbierania wózków i łóżeczek. Każdy podarowany wózek czy łóżeczko ma już pewną historię, wymiar antropomorficzny. I to też było ważne dla planu artysty. Historia w ogóle, w rozumieniu Tsai, jest procesem wieloelementowym, a historię XX wieku tworzą ludzkie życia, a każde wydarzenie wiąże się z wieloma skojarzeniami i odmiennymi doświadczeniami danego momentu.

Są też podteksty, które wnosi publiczność, a o których artysta początkowo nawet nie pomyślał. I tak na przykład rosyjska publiczność zareagowała na tę górę jednoznacznie - wózek - stopień - Siergiej Eisenstein „Pancernik Potiomkin”. Trudno sobie wyobrazić, co może być jeszcze bardziej związane z rewolucją wśród rosyjskich widzów. Początkowo Tsai jakoś próbował z tym odczytaniem walczyć, ale kiedy sam położył na wierzchu najstraszniejszy wózek z oderwanym kołem, zdałam sobie sprawę, że pogodził się z tą metaforą, a nawet świadomie próbował wzmocnić to skojarzenie.

Rosyjska publiczność, zwłaszcza osoby starsze, wniosła kolejne ciekawe zrozumienie, które nie było zamierzone przez artystę. Często mówią, że widzą motyw cmentarza – płoty, brzozy, a właściwie kontynuowali wręcz metaforę artysty – życie od narodzin do śmierci, co wpisuje się w jeden z głównych wątków artysty na tej wystawie – jest to temat „ja i my”, temat „człowiek i historia”. Następnie widza wita kontynuacja instalacji - świetliste teatralne niebo na białym chińskim jedwabiu rozciągniętym nad schodami, a na nim wypalony prochem wiersz Międzynarodówki w języku rosyjskim - „nikt nie da nam wybawienia, ani Bóg , nie car i nie bohater…”. Na koniec cytatu Tsai stawia elipsę, przywracając widza problemowi liczby pojedynczej i mnogiej, problemowi pamięci – zbiorowej, która zawsze budzi kontrowersje, i osobowej.

O polu, rzece życia i ogrodzie marzeń

Wystawa osiąga swój punkt kulminacyjny w Sali Białej, gdzie znajduje się dzieło, które autorka nazwała „Narodem”, świadomie, idąc za linią Międzynarodówki, nawiązując do komunistycznej terminologii. Praca składa się z czterech części – pola symbolizującego żyzną rosyjską ziemię, rzeki życia, ogrodu marzeń oraz strzelistego latawca na samym końcu. Obiekt Ziemia był jedynym obiektem przywiezionym do Moskwy, a my po raz pierwszy skorzystaliśmy z transportu morskiego – muzeum nigdy wcześniej tego nie robiło. Obiekt jest kompozytowy, został wykonany w 2012 rok z cyklu prac „Sztuka dla kosmitów”, odbywającego się w Los Angeles, a na tym żyznym polu pojawiły się zupełnie inne znaki, a na suficie. Tutaj, na polu, pojawiły się obrazy sierpu i młota, co najlepiej widać w odbiciu na lustrzanym suficie-niebie. Ale refleksja oczywiście nie jest tym samym, co rzeczywistość. Samo pole jest obiektem dość wyjątkowym, składa się z 2 milionów źdźbeł trawy, każde z nich jest suszone i przetwarzane, w każde wsuwany jest drut, a w drewnianych panelach znajdują się 2 miliony otworów, w które wbija się źdźbło trawy ręcznie obniżony. Co prawda wkradła się tu różnica międzykulturowa, bo w naszym rozumieniu złotym polem zboża jest pszenica lub w skrajnych przypadkach żyto, ale ostatecznie okazało się, że na polu rośnie proso. Ale jako obraz, szczególnie z daleka, to działa. Po lewej stronie znajduje się płótno „Rzeka życia”, a po prawej „Ogród snów”, jedno namalowane tradycyjnym czarno-białym prochowym malowaniem Cai Guoqianga, drugie w kolorze.

O prawdziwej i fikcyjnej Rosji

Koncepcja wystawy poświęcona jest historii Rosji, a na płótno „Rzeka życia”, które „mieści się” na sto lat od 1917 do 2017 roku, Tsai wybiera sto fotografii wykonanych w Rosji i przedstawiających różne fragmenty rosyjskiego życia. Co więcej, należy zaznaczyć, że nie ma tu prawie żadnych znaczących wydarzeń, a przeważnie widzimy codzienne fotografie oraz ludzi różnych klas i narodowości. Widz odnajduje tu rozpoznawalne archetypy, które nie mają nawet ścisłego odniesienia czasowego – kaukaską rodzinę, dzieci ulicy, robotników fabrycznych, studentów przy biurkach, żołnierzy w tunikach, sztandary i tłum na ulicy. Tsai zwraca się ku doświadczeniu, które widz może postrzegać jako osobiste; to, co ogólne, również staje się częścią życia. W końcowej części płótna „Rzeka życia” Tsai umieszcza także swój portret – fotografię z lat 90., kiedy przebywał w Moskwie w celach turystycznych. To jego zdjęcie w Galerii Trietiakowskiej na tle jego ulubionego obrazu I. Kramskoja „Nieznajomy”, który on sam, początkujący artysta, dużo kopiował w swoim czasie, naśladując tradycje sztuki rosyjskiej, która zawsze wiele dla niego znaczyło. I ciekawe, że jego obecny stosunek do sztuki rosyjskiej – dojrzałego współczesnego artysty o światowej renomie – jest wciąż ambiwalentny: podejście to łączy żywe wspomnienia z dzieciństwa i trzeźwe, profesjonalne spojrzenie na artystę. Tak więc, po wizycie w Petersburgu i podzieleniu się ze mną swoimi wrażeniami, Tsai powiedział, że z punktu widzenia sztuki najciekawszym dla niego artystą jest Michaił Vrubel. Nie mniej ekscytujące, powiedział Tsai, było dla niego prześledzenie wpływu impresjonizmu na wczesnego Kustodiewa, ale jednocześnie spędził całą godzinę przed „Dziewiątą falą” Aiwazowskiego, a kanoniczny Szyszkin budzi nie mniejszy podziw dla jego. Dla niego, który dorastał w latach rewolucji kulturalnej w Chinach, Rosji, a przed ZSRR, był pod wieloma względami krajem marzeń. I to też znajduje odzwierciedlenie w pracach.

Jeśli Cai Guoqiang instalację przy wejściu do muzeum nazywa „pomnikiem utopii zbiorowej”, to obraz „Ogród marzeń” jest ogrodem utopii społecznej, a wcześniej ogrodem ideologii. Każdy w takim czy innym stopniu żyje w świecie utopii, ale artysta mówi o konieczności odsunięcia się na bok, aby nie popaść w iluzorię. Rozmawiając z Tsaiem, zdałem sobie sprawę, że pozwala on na kolejne odczytanie, w którym krzyżuje się to, co publiczne i osobiste, to, co ogólne i to, co indywidualne. Każdy z nas ma też mały ogródek i to też jest ludzka cecha życia marzeniami i ideałami.

O kaligrafii prochowej i technikach malowania prochowego

kojarzy się głównie z bronią i śmiercią, podczas gdy w Chinach jest to coś radosnego, a przede wszystkim fajerwerki, święto.Dla Tsai malowanie prochowe jest połączeniem tradycyjnej chińskiej kultury i sztuki współczesnej, do której należy ten artysta.

Malowanie prochowe jest jednocześnie bardzo proste i bardzo trudne. Część wystawy pokazuje, w jaki sposób powstają prace metodą malowania prochowego. Cai Guoqiang po raz pierwszy daje widzom możliwość przyjrzenia się procesowi powstawania swoich dzieł – oglądamy testy prochowe. Proch zachowuje się inaczej i jest to niezbędny krok przygotowawczy. Następnie Tsai wykonuje wstępne rysunki, z których wycinane są szablony i umieszczane na zagruntowanym płótnie, aby stworzyć obraz figuratywny. W przypadku skomplikowanych plakatów jest to cięcie laserowe. Następnie wsypuje się proch, przykrywa niepalną tkaniną lub grubym kartonem, aby ograniczyć dostęp tlenu, do środka wkłada sznur i podpala. Główną technologią jest zapobieganie otwartemu ogniu. Tworzenie nawet dzieł o dużej skali zajmuje sekundy, ale sam autor nie do końca wie, co się stanie. Podczas tworzenia obrazu ochotnicy stali w odległości jednego metra z mokrymi ręcznikami na wypadek pożaru. Jak napisał artysta w jednym ze swoich artykułów, najważniejsze jest, aby nie zapalać, ale zgasić na czas.

O studiu Cai Guoqianga

Zespół i studio Cai Guoqianga funkcjonują jak jedna wielka rodzina, począwszy od wspólnych posiłków przy dużym stole (Tsai ma nawet szefa kuchni), po takie gesty, jak zapraszanie i płacenie krewnym pracowni kuratora za przyjazd na wernisaż wystawy w Moskwie. Relacje pomiędzy członkami zespołu Tsai są bardzo ludzkie, mimo że czasami wszyscy frustrują się 24-godzinnym harmonogramem pracy i rozumieją, że Tsai jest artystą o niesamowitej skuteczności. Bez zrozumienia i wsparcia zespołu wiele byłoby niemożliwych.

O losach wystawy

Choć wystawa powstała na potrzeby muzeum i na naszą prośbę, wszystkie eksponaty traktowane są jako własność pracowni i wrócą do Nowego Jorku. Mamy jednak nadzieję, że być może część tego, co powstało, pozostanie w Moskwie i oczywiście zaczęliśmy rozmawiać o tym, że po zakończeniu wystawy chętnie przyjmiemy część prac Tsai do kolekcji muzeum,jednak decyzję o przekazaniu czegokolwiek podejmuje nie sam artysta, ale cały zespół studia.

Chiński artysta Cai Guoqiang z wystawą dotyczącą rewolucji rosyjskiej

W roku setnej rocznicy Rewolucji Październikowej Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkin przeprowadził eksperyment. Zaprosił współczesnego artystę do stworzenia wielkoformatowej wystawy-reflekcji na temat najważniejszej daty w historii Rosji. Mowa o Cai Guoqiang, chińskim artyście słynącym z eksperymentów z prochem. Wystawa nosiła tytuł „Październik”.

Filozofia prochu

Cai Guoqiang to artystka, która studiowała scenografię w Akademii Teatralnej w Szanghaju i zajmowała się różnymi formami sztuki, od grafiki po performance. Zaczął używać prochu w swojej pracy po przeprowadzce do Japonii w 1986 roku. Od tego czasu jest to jego główny instrument artystyczny, a jednocześnie materiał istotny dla kultury chińskiej.

"W mojej rodzinnej prowincji jest wiele przedsiębiorstw zajmujących się produkcją materiałów pirotechnicznych. Eksperymentowałem z tym materiałem jeszcze przed przeprowadzką do Japonii. Oprócz tego używałem też samego ognia. Ale proch jest nieprzewidywalny, czułem w nim pewną swobodę, wyzwanie i walkę W tej nieprzewidywalności rodzi się coś nowego” – mówi Cai Guoqiang.

Cai Guoqiang przed swoim dziełem „prochowym”.

Jego pierwszymi szeroko znanymi pracami „proszkowymi” były „Projekty dla kosmitów”. To cykl instalacji, z których każdą, jak marzył Cai Guoqiang, można było zobaczyć z kosmosu. Tak więc w 1993 r. „powiększył” Wielki Mur Chiński o 10 tysięcy metrów w kierunku pustyni Gobi. Ściana ognia oświetlała wydmy przez 15 minut.

Fragment „Wielkiego Muru Chińskiego” wykonany przez artystę

Cai Guoqiang jako pierwsza osoba z chińskim paszportem odwiedziła poligon nuklearny rządu USA w Nevadzie. Miało to miejsce w 1996 roku, kiedy pracował nad Stuleciem z grzybowymi chmurami: projektem na XX wiek. Na fotografii z tamtego czasu artysta stoi na opuszczonym grzbiecie na poligonie, a nad nim unosi się chmura dymu w kształcie „grzyba nuklearnego”.

Cai Guoqiang w swoich pracach wielokrotnie mówił o katastrofach nuklearnych. W Hiroszimie stworzył instalację „Na Ziemi też jest czarna dziura”. Setki balonów wypełnionych helem wystrzeliło proch w niebo, tworząc spiralę. Błyskając, zaczął opadać, znikając w „czarnej dziurze”.
„Proch strzelniczy jest bardzo odpowiednim narzędziem do odkrywania niewidzialnej części świata w naszych umysłach. Tworzę na krawędzi” – mówi Cai Guoqiang.
Inna popularna praca artysty, półkilometrowe Schody do Nieba, oświetliła Quanzhou w 2015 roku. Cai Guoqiang zadedykował instalację swojej babci. Kiedy był mały, kobieta sprzedawała owoce morza, aby pomóc mu zostać artystą.
„Wszystko, co robię, robię przez pryzmat chłopca, który nigdy nie dorośnie. Wiecznego dziecka. Uwielbia marzyć i jest w ciągłej zabawie. Mam wielu fanów na całym świecie, ponieważ przedstawiam dzieciństwo każdego z nas ” – mówi artysta.
Prace Cai Guoqianga były wielokrotnie nagradzane: otrzymał Złotego Lwa na Biennale w Wenecji, nagrody największych muzeów świata, a także został laureatem Nagrody Cesarskiej za osiągnięcia w dziedzinie sztuki. W 2008 roku został mianowany dyrektorem ds. efektów wizualnych i specjalnych podczas ceremonii otwarcia i zamknięcia Letnich Igrzysk Olimpijskich w Pekinie.

Projekt sztucznych ogni na ceremonię otwarcia Igrzysk Olimpijskich w Pekinie

Cai Guoqiang nazywa siebie nomadą: tworzy instalacje na całym świecie, pracując z kulturą każdego kraju. Jego osobiste wystawy odbywały się w najważniejszych muzeach świata, m.in. w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.

Instalacja artysty pokazana w ramach 17. Biennale w Sydney

O wpływie kultury rosyjskiej

Cai Guoqiang ma szczególny stosunek do kultury rosyjskiej. Według niego już w dzieciństwie miała na niego ogromny wpływ.
"Urodziłem się w 1957 roku w Quanzhou, w czasach bliskiej przyjaźni Chin i ZSRR. Wielu Chińczyków w tamtych latach nie umiało napisać ani słowa po angielsku, ale mówiło po rosyjsku. Kiedy studiowałem malarstwo, naśladowaliśmy rosyjskich artystów. Moim nauczycielem był absolwent Akademii Sztuk Pięknych Repin w Petersburgu” – mówi Cai Guoqiang.
Opowiada, jak kopiował „Nieznane” Iwana Kramskoja, studiując niskiej jakości reprodukcje w czasopismach i jak przechadzał się po dziesiątkach wiejskich stawów w poszukiwaniu miejsca przypominającego obraz „Nad sadzawką” Izaaka Lewitana. Ale Cai Guoqiang szczególnie wyróżnia Konstantina Maximova. Radziecki artysta, przedstawiciel socrealizmu, przez dwa lata – od 1955 do 1957 roku, uczył sztuki malarstwa olejnego w Chinach. Wniósł ogromny wkład w rozwój sztuk pięknych w kraju.

„Portret chińskiego marynarza” i „Qi Baishi przy pracy” Konstantina Maximova

"Konstantin Maksimov nie jest tak dobrze znany w swojej ojczyźnie, ale w moim kraju został założycielem własnej szkoły. Choć formalnie nie istnieje, tradycja ta jest nadal zachowana. Można prześledzić jego wpływ na moje wczesne malarstwo. Później, Zebrałem ponad dwieście jego prac i zorganizowałem trzy wystawy w największych miastach Chin” – kontynuuje artysta.

Zachód słońca na brzegu, namalowany przez Cai Guoqiang w latach 70

Według Cai Guoqianga o wystawie w Rosji marzył od dzieciństwa. „Październik” to jego pierwszy projekt prezentowany w naszym kraju. Wszystkie dzieła sztuki powstały specjalnie na wystawę, a on „zebrał” je na miejscu, w muzeum i w dodatkowych miejscach.

"Październik"

Instalacja „Jesień” jest pierwszą rzeczą, którą widzi zwiedzający wystawę. Znajduje się przy wejściu do muzeum. To metaforyczna góra, której podstawą są łóżeczka i wózki. Wyrasta z nich dziesiątki młodych brzóz. Specjalnie na potrzeby wystawy muzeum wyhodowało drzewa w szkółce.
Mieszkańcy Moskwy przekazali muzeum łóżeczka i wózki. Cai Guoqiang często angażuje w tworzenie swoich dzieł zwykłych ludzi. „Te wózki dziecięce symbolizują marzenia, dzieciństwo, socjalistyczną utopię w sercach ludzi” – mówi artysta.

Instalacja „Jesień”

Nad główną klatką schodową muzeum Cai Guoqiang rozłożył jedwabne płótno, na którym wypisano prochem cytat z Międzynarodówki: „Nikt nie da nam wybawienia: ani bóg, ani król, ani bohater”. Praca nosiła tytuł „Dźwięk”. Następna jest instalacja „Ziemia”, która powstała z suchych roślin. Wśród kłosów zboża ukryte są sowieckie symbole, które odbijają się jednak w lustrzanej powierzchni nad nimi.

"Dźwięk"

„Ziemia” symbolizuje pole rosyjskie, artysta chciał odtworzyć poczucie tajemniczości, które pojawiło się w jego dzieciństwie podczas oglądania filmów radzieckich. Opowiada o ideałach romantycznych – wolności i pięknie życia, których sam doświadczył w młodości.
Jednocześnie „Ziemia” znajduje się pomiędzy dwoma płótnami – „Rzeką” i „Ogrodem”. Powstały przy pomocy wolontariuszy w tradycyjnym dla artysty „prochowym” stylu. Czarno-biała „Rzeka” symbolizuje przepływ minionych wspomnień.

Jak powstało dzieło „Rzeka” w pawilonie 22 na WOGN

Kompozycja proszkowa „Ogród” jest wykonana w kolorze. Czerwone maki i goździki umieszczane są obok sowieckich plakatów propagandowych. Uosabiają ideały przeszłości. Wszystko to, łącznie z odwiedzającymi salę, odbija się w lustrzanej powierzchni nad „Ziemią”.

"Ogród"

Zwieńczeniem wystawy jest projekt wideo „Październik. Fajerwerki w ciągu dnia na Placu Czerwonym”: na niebie nad głównym placem kraju eksplodują jedno po drugim światła w rytm muzyki Piotra Czajkowskiego. Występ kończy się 100 sekundami wolei. Pozostawiają po sobie ogromną białą chmurę, którą powoli niesie wiatr.

Projekt wideo „Październik. Fajerwerki w ciągu dnia na Placu Czerwonym”

Wystawa będzie czynna od 13 września do 12 listopada w Gmachu Głównym Muzeum Puszkina. JAK. Puszkin. Generalnym sponsorem wystawy jest PJSC Sberbank.

Projekt wykonali:

((rola.rola)): ((rola.fio))

Już na dwa tygodnie przed otwarciem wystawy, w parku przy głównym wejściu do stuletniego muzeum, można było obserwować powstawanie instalacji „Jesień”: 16-metrowej góry, na której stoją setki wózków dziecięcych , łóżeczka i kołyski, wzniosły się, zakrywając klatkę schodową, portyk i kolumnadę. W ciągu trzech dni dźwig podniósł specjalnie wyhodowane brzozy o wysokości od 3 do 4 metrów, umieszczając je w łóżeczkach lub wózkach, a młode pędy w kołyskach samochodowych dla dzieci. Duże drzewa przykrywały mniejsze, zamieniając całą kompozycję w zielony gaj brzozowy. Podczas montażu instalacji drzewa zaczęły już żółknąć w oczekiwaniu na nadchodzącą jesień; a podczas wystawy żółte liście całkowicie zastąpią zielone listowie, odsłaniając białe pnie brzóz, a także strukturę samej instalacji - konstrukcję przypominającą twórczość artystów konstruktywistycznych.

Widzowie, stojąc przed zamkniętym wejściem głównym, zmuszeni są przejść się po Jesieni, aby dostać się do środka, gdzie od razu rozpoczynają podróż po wystawie z nieznanymi mu wrażeniami wizualnymi. Wewnątrz odkrywają, że artysta odmienił całą przestrzeń: nad głównymi Różowymi Schodami umieszczono dzieło „Dźwięk” – jedwabne płótno o długości 20 metrów z kaligrafią prochową dzieli przestronną przestrzeń na pół. Wykorzystując sztukę kaligrafii i malarstwa, dwuwymiarowe płótno zostało przekształcone w trójwymiarową, poetycką instalację przepełnioną energią. Widzowie wspinają się po Różowych Schodach pod sztandarem „Dźwięku” i odrzucając głowy do tyłu, czytają na białym jedwabiu ostrzeżenia z „Międzynarodówki”: „Nikt nie da nam wybawienia, ani Bóg, ani car, ani bohater!" Kiedy wydaje im się, że są już pod sufitem jak najbliżej tych słów, znajdują się niedaleko wejścia do Sali Białej.

Tutaj zwykły sufit zastępuje się lustrzanym, podwajając i tak już przestronną przestrzeń. Artystka sprawia, że w każdej nowej przestrzeni muzealnej doznania widza ulegają przemianie. Na przeciwległych ścianach wiszą dwa obrazy prochowe, każdy o długości 20 metrów, „Rzeka” i „Ogród”, graniczące z instalacją „Ziemia”, zlokalizowaną w centrum Sali Białej. Tworząc swoją „Ziemię”, symbolizującą rosyjskie pole kukurydzy, Tsai miał nadzieję odtworzyć poczucie tajemnicy, które towarzyszyło mu w dzieciństwie, oglądając radzieckie filmy i radzieckie obrazy – światło słoneczne przebijające się przez chmury i oświetlające pole, demonstrując romantyczne idee Tsai dotyczące wolności i piękno życia w młodości. Dopiero w odbiciu w lustrze sufitowym widz może dostrzec symbole „ukryte” na polu. Zwiedzający widzą także w odbiciu liczne wizerunki osób, których portrety są częścią wzburzonej „Rzeki”, maków, goździków i sowieckich plakatów, a także siebie. Artysta tworzy iluzję, która skłania widza do zastanowienia się nad własną relacją z jego dziełami.

Zwieńczeniem wystawy jest projekt wideo „Październik. Fajerwerki w ciągu dnia na Placu Czerwonym.” Zgodnie z planem artysty z Placu Czerwonego i brzegów rzeki Moskwy w ciągu dnia wystrzeliwane są jeden po drugim fajerwerki, eksplodując w niebie w rytm muzyki P.I. Czajkowski w aranżacji orkiestrowej. Występ kończy się 100-sekundową kanonadą ogłuszających eksplozji, pozostawiających po sobie oślepiający biały błysk...

Od 4 września Tsai, przy wsparciu lokalnych wolontariuszy, pracuje nad stworzeniem prochowych obrazów „Rzeka”, „Dźwięk” i „Ogród” na terenie pawilonu nr 22 na WOGN. Wolontariusze rozłożyli wielkoformatowe płótno z setek historycznych fotografii przedstawiających życie zwykłych ludzi. Pomagali Tsai, wyjaśniając poprawną pisownię cyrylicy, wycinali ogromne szablony z wizerunkami kwiatów, a po podpaleniu każdego z dzieł Tsai pośpieszyli, aby ugasić drobne iskry, które mogły pozostać i tlić się na płótnie. Wolontariusze wraz z artystką przeżyli emocjonujące chwile przed eksplozją i obserwowali powstawanie nowego dzieła.

Na wystawę przygotowywany jest dwujęzyczny rosyjsko-angielski katalog, którego premiera planowana jest na początek października. Oprócz licznych ilustracji dokumentujących powstanie wystawy i prace znajdujące się na wystawie, w katalogu znajdują się artykuły naukowe oraz przełomowy esej Tsai „One Boy's October”. Publikacja porusza główne tematy i idee wystawy, które rozpatrywane są w aspekcie osobistym, historycznym, artystycznym i politycznym.

W listopadzie w ramach wystawy zaprezentowany zostanie film dokumentalny pod tym samym tytułem w reżyserii Shanshan Xia. Film opowiada nie tylko o powstaniu wystawy – analizując twórczość Cai Guoqianga, a także radzieckiego malarza i nauczyciela K.M. Maksimowa, który wywarł niezwykły wpływ na kształtowanie się chińskiej kultury artystycznej XX wieku, reżyser filmu przedstawi historię relacji artystów chińskich i rosyjskich ostatnich dziesięcioleci. Będzie to zatem szczera opowieść o twórczym dziedzictwie i przemianach w podejściu twórczym mistrzów na styku epok.

Projekt Tsai Guoqianga w Rosji kontynuuje historię wspólnych projektów Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina. JAK. Puszkin i Sbierbank. W listopadzie 2016 roku otwarto wystawę „Widzieć niewidzialne”. Unikalnym projektem Muzeum Puszkina i Sbierbanku jest pierwsza w Rosji wystawa obrazów dotykowych, odtwarzająca słynne obrazy z kolekcji muzeum i wykonana przy użyciu innowacyjnej technologii specjalnie dla osób niewidomych i niedowidzących. Od lutego 2017 roku wystawa rozpoczęła tournée po Rosji – wystawę odwiedzili już mieszkańcy Kazania, Wołgogradu, Woroneża, Jekaterynburga i Omska.

Kuratorką wystawy jest Alexandra Danilova, zastępca kierownika Katedry Sztuki Krajów Europy i Ameryki XIX – XX wieku. Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkina (Moskwa).

Program edukacyjny wystawy
Wycieczki grupowe po wystawie
Wycieczki mediatorów „Otwartego Laboratorium” Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina. JAK. Puszkin
Zwiedzanie z przewodnikiem w języku migowym

Aleksandra Daniłowa

Kuratorka wystawy „Cai Guoqiang. Październik”, zastępca kierownika Działu Sztuki Krajów Europy i Ameryki XIX–XX w. Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkina

Nigdy wcześniej w Moskwie nie było wystawy na taką skalę

Cai Guoqiang to jeden z najsłynniejszych artystów naszych czasów, którego dorobek jest zbyt długi, by wymieniać – wystarczy powiedzieć, że przedłużył Wielki Mur Chiński o 10 kilometrów, otrzymał Złotego Lwa na Biennale w Wenecji oraz zrealizował projekt poświęcony na rocznicę 11 września w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku (był to wybuch prochu w postaci czarnej chmury).

Wystawa „Październik” nie może się powtórzyć

Wystawa została pomyślana jako jedna przestrzeń artystyczna, która zaczyna się od montażu szopek przed fasadą i trwa wewnątrz muzeum: praca „Dźwięk” zamontowana jest nad główną klatką schodową, obrazy prochowe o długości 20 metrów „Rzeka” i „Ogród” wiszą w Sali Białej, pośrodku sali znajduje się instalacja „Ziemia”. Cai Guoqiang wymyślił ten projekt specjalnie na wymiar Muzeum Puszkina – wysokość i szerokość portyku muzeum podyktowała mu, jak wysoka powinna być instalacja witająca zwiedzających i dzieła znajdujące się w muzeum.

Obrazy i instalacje powstały specjalnie dla Muzeum Puszkina i nie były wcześniej wystawiane

Prawie wszystkie prace zostały przygotowane specjalnie dla Muzeum Puszkina – na wystawie będzie tylko 7 starych dzieł, które pozwolą stwierdzić, kim jest Cai Guoqiang. Pozostałe prace powstały na 2 tygodnie przed otwarciem wystawy. Dla Muzeum Puszkina Guoqiang specjalnie stworzył 20-metrowe płótna z prochu, ogromną instalację wózków dziecięcych, łóżeczek i kołysek na dziedzińcu oraz wiele innych prac.

Cai Guoqiang nauczył się pisać po rosyjsku

I to nie tylko kaligrafia, ale kaligrafia rosyjskimi literami. Aby tworzyć napisy w języku rosyjskim, Guoqiang musiał specjalnie nauczyć się rosyjskiego alfabetu. Okazało się, że język rosyjski jest bardzo trudny do kaligrafii: w przeciwieństwie do Chin, gdzie obowiązują surowe zasady pisania hieroglifów, litery A i D w alfabecie rosyjskim można pisać na różne sposoby, z których każdy będzie poprawny.

Największy obraz Cai Guoqiang stworzył techniką kolorowego malowania prochowego

Malowanie prochem kolorowym to dla Tsai nowa technika, z którą pracuje dopiero od dwóch lat. Przed wystawą w Moskwie jego największe prace miały wysokość pięciu metrów. Jego absolutnym rekordem jest 20-metrowy obraz „Rzeka”, który można oglądać w Muzeum Puszkina. Stworzył go w dwa dni, gdyż praca w takiej technice wymaga wydajności – pozostawienie rozsypanego prochu w pawilonie nawet na jedną noc jest niebezpieczne. Możesz układać szablony tak, jak chcesz, ale sam proces nakładania prochu musi pasować do godzin dziennych.

Nad wystawą pracował ogromny zespół

W Moskwie z artystą współpracowało 100 osób w jednym zespole: ochotnicy układali płótno ze zdjęć historycznych, uczyli Tsai cyrylicy, wycinali szablony i gasili iskry tlące się na płótnie. Osoby te również stały się częścią dzieła – podobnie jak dziesięciu rzeźbiarzy zaproszonych do projektu na Biennale w Wenecji w 1999 roku, za który artysta otrzymał Złotego Lwa. W Wenecji reprodukowano 108 dzieł z socrealistycznej kompozycji rzeźbiarskiej „Sąd poborcy podatkowego”. Z innych projektów Tsai można przypomnieć, jak dzieci w Egipcie i Rio wspólnie z artystą wykonywały latawce, a w Iwaki (miasto w regionie Fukushima) na jego prośbę mieszkańcy jednocześnie wyłączali światła w swoich domach.

Widzowie po raz pierwszy mogą zobaczyć „szkice” prac Guoqianga

Po raz pierwszy Cai Guoqiang pozwala widzom zanurzyć się w kuchni swojego procesu twórczego. Pokazuje zarówno próbne testy proszkowe, jak i szkice, które wykonał specjalnie na potrzeby tego projektu. Cai Guoqiang nigdy w życiu nie wystawiał szablonów, a na wystawie w Muzeum Puszkina można zobaczyć szablony obrazu „Rzeka” ze śladami prochu pozostałego po eksplozji.

Część tego projektu miała znajdować się na Placu Czerwonym

Cai Guoqiang jako jedyny wie, jak robić kolorowe fajerwerki w ciągu dnia. Nazywa te fajerwerki rodzajem performansu – marzeniem Tsai był pokaz sztucznych ogni na Placu Czerwonym. Chciał zebrać wszystkie obrazy z wystawy na placu: białe brzozy, muzykę Czajkowskiego, tryptyk Malewicza.

Ten projekt jest dla artysty bardzo osobisty

Projekt Tsai poświęcony jest nie tyle Rewolucji Październikowej, ile rewolucji w ogóle i odczuciom osoby, która jej doświadcza. To nie przypadek, że Tsai umieściła na wystawie ogromną liczbę prac – wspomnień z dzieciństwa. Ten gest to zaufanie do naszej publiczności, w której Tsai ma nadzieję znaleźć rozmówcę. Rosjanie, którzy przeżyli podobne wydarzenia, rozumieją, co się dzieje, w niuansach - dlaczego nauczyciele, którym dokuczał Caj, w tajemniczy sposób zniknęli, dlaczego musieli w tajemnicy przed wszystkimi chodzić do kościoła, a wieczorami niszczyć książki z ojcem.

Wystawa w Moskwie to wieloletnie marzenie Tsai

Cai Guoqiang traktuje wystawę w Rosji jako prezent na swoją rocznicę – w tym roku artysta kończy 60 lat. W przeciwieństwie do wielu współczesnych artystów, Cai Guoqiang żyje czystą sztuką i nie wiąże się z rynkiem (nie ma nawet własnej galerii). Mimo że jego prace sporo kosztują, w imię wielkiego pomysłu jest gotowy na ustępstwa – Cai Guoqiang przez dwa lata pracował za darmo na wystawie w Moskwie.